La plataforma Disney Plus estrenó el primer adelanto de la última temporada de El Encargado, la exitosa serie argentina protagonizada por Guillermo Francella, que mezcla humor negro y una sátira del típico porteño. 

La cuarta entrega de la producción argentina estará disponible a partir del 1ero de mayo. Por lo que se puede apreciar en las imágenes, Eliseo Basurto está listo para dar su golpe final y cerrar su historia. 

En este primer avance, Eliseo está más calculador que nunca y con más ánimos de enfrentarse a quienes se interponen en su camino. Tras vender su negocio por una millonaria cifra y elevar su estatus frente a sus molestos vecinos, su próximo desafío es asesorar a nada más y nada menos que al Presidente de la Nación.

El simple cambio económico de Eliseo será el desencadenante de la furia de su archienemigo Zambrano, con la gran interpretación del Puma Goity, que buscará burlar sus planes con una bizarra estrategia legal.

Aunque todo parece oscuro para Eliseo, quien aparentemente muere en el tráiler, el encargado promete dar batalla y demostrar que con su ingenio le puede ganar a la mismísima muerte.

La dirección, nuevamente a cargo de la dupla Mariano Cohn y Gastón Duprat, mantiene esa estética pulida que convirtió a la ficción argentina en un fenómeno internacional.

Con información de agencias.

El mundo del entretenimiento despide a Diego Lerner, presidente honorario de The Walt Disney Company Latin America, quien falleció tras luchar contra una enfermedad terminal. Por eso, las cuatro señales de ESPN en Argentina (Disney posee el 80% de la cadena deportiva) lo homenajearon en las últimas horas con un crespón negro al lado del logo.

De vínculos fuertes con el poider y amigo personal de Mauricio Macri, Lerner fue un hombre clave para el crecimiento de la marca en la Argentina y el resto de la región, donde el mundo del entretenimiento lo destacó por su visión innovadora y su capacidad para detectar tendencias de consumo global.

Nacido en Buenos Aires, casado y padre de tres hijos, será despedido en el Jardín de Paz.

Lerner se unió a Disney a principios de los 90 y fue el responsable de abrir las primeras oficinas de la compañía en Latinoamérica, además de consolidar el negocio de la TV paga con el lanzamiento de Disney Channel.

Un legado marcado por las historias

Para Lerner, el ADN del éxito residía en la narrativa por sobre la tecnología. “La fórmula de la innovación de Disney es básicamente ‘contar cuentos’ y la tecnología es un medio para lograrlo”, solía afirmar en entrevistas.

En su extensa carrera, Lerner fue clave en la creación de contenido local, impulsando proyectos como Patagonik Film Group en 1997.

Entre 2009 y 2017 presidió las operaciones de Disney en Europa, Medio Oriente y África (EMEA), antes de regresar como presidente regional en 2018.

Tuvo a su cargo la distribución de los filmes de Walt Disney Pictures y los formatos de entretenimiento para el hogar en la región.

El adiós de la compañía

El CEO de The Walt Disney Company, Bob Iger, expresó sus condolencias y destacó la amistad que los unió durante más de tres décadas. “Estoy muy agradecido por nuestros casi 35 años de colaboración y amistad. Se lo va a extrañar profundamente”, manifestó el directivo global.

Su fallecimiento marca el fin de una era para el showbiz regional, donde dejó un legado incalculable como el gran arquitecto de la “magia” de Disney en el continente.

Lo que podía haber supuesto un largo y costoso litigio judicial termina con un apretón de manos y un cheque de 1.000 millones. Disney formalizó este jueves su entrada en el accionariado de OpenAI con una inversión de ese calibre, una operación que marca un hito en la relación entre los grandes estudios de Hollywood y las empresas desarrolladoras de inteligencia artificial generativa: incluye una licencia especial para que OpenAI use el material protegido con derechos de autor de Disney.

El contrato, con una duración inicial de tres años y que incluye la posibilidad de comprar más acciones en el futuro, convierte a Disney en el primer gran socio de contenidos de OpenAI. La clave del pacto reside en que la compañía de entretenimiento permitirá que los usuarios de Sora —la red social de generación de video sintético de OpenAI— utilicen legalmente más de 200 personajes de sus franquicias, incluyendo los de la propia Disney, Pixar, Marvel y Star Wars.

La irrupción de Sora en octubre generó el enésimo conflicto para OpenAI, ya que la herramienta no contaba con ningún control para impedir que los usuarios crearan contenidos con personajes protegidos con derechos de autor. Los miembros, a través de órdenes de texto, pueden generar videos cortos con cualquier figura pública o de ficción sin permiso de las personas que son representadas o de los propietarios de los derechos.

Los actores humanos, excluidos

Según los términos del acuerdo revelados por Disney, los usuarios de Sora podrán generar videos cortos con figuras icónicas como Mickey Mouse, Iron Man o Darth Vader. No obstante, el contrato excluye explícitamente el uso de voces y la imagen de actores reales. Solo se permite el uso de personajes animados, enmascarados o criaturas digitales.

Como parte del trato, la empresa de Sam Altman se comprometió con Disney a implementar “controles robustos” y filtros de seguridad específicos, una exigencia impuesta por la multinacional tras los incidentes donde los usuarios utilizaron la IA de Sora para generar “contenido inapropiado” con sus personajes infantiles.

Además de la inversión, el contrato convierte a Disney en un socio preferente de OpenAI. La multinacional desplegará herramientas como ChatGPT y la propia Sora entre sus empleados para el desarrollo de procesos internos y nuevas “experiencias”, y distribuirá una selección de vídeos generados por IA en su plataforma de streaming Disney+.

El movimiento de Disney establece una hoja de ruta para la industria de la IA en la que el uso de los contenidos protegidos deberá contar con un permiso expreso, al menos en los contenidos audiovisuales. La multinacional mantiene litigios abiertos con los desarrolladores del generador de imágenes Midjourney y la empresa china Minimax, a las que acusa de piratería. También reveló que envió cartas de advertencia a la startup Character.AI, que permite diseñar chatbots en los que la IA puede actuar en base a las características e imagen de personajes de ficción.

El acuerdo llega cuando tanto OpenAI como otras empresas del sector de la IA mantienen juicios abiertos con escritores y guionistas, que los acusan de haber entrenado estos sistemas con sus obras sin su permiso y sin compensación.

Si algo cambió la era digital es cómo usamos los dispositivos celulares. El teléfono está presente cuando vamos en transporte público, cuando esperamos en la cola del supermercado y también cuando disfrutamos de un concierto en directo. El celular está ahí incluso cuando vivimos experiencias más únicas, como puede ser visitar un parque temático. Y esto no le está haciendo demasiada gracia a los directivos de Disney, una de las compañías con más parques de este tipo alrededor del mundo.

Durante la serie de YouTube We Call It Imagineering, Bruce Vaughn, presidente de Walt Disney Imagineering, señaló que los dispositivos celulares están destrozando lo que ha definido los parques Disney durante generaciones: la magia. “Estás allí con tus amigos, tu familia y la gente que te importa, y cada vez que tienes que mirar el teléfono, se rompe ese hechizo”, compartió.

El celular puede llegar a ser una herramienta imprescindible cuando se está en estos parques ya que, a través de la aplicación de la compañía, los visitantes pueden consultar el horario de los espectáculos, la espera que hay en las atracciones o los restaurantes cercanos. Pero Vaughn cree que tiene la solución para evitar que la gente pierda tanto tiempo mirando hacia abajo: unas gafas inteligentes desarrolladas con Meta. 

Estas gafas con inteligencia artificial, cuyo precio varía entre los 380 y 800 dólares, permitirían a los visitantes mantener sus teléfonos en sus bolsillos sin dejar de poder consultar información importante en tiempo real. “Lo mejor de ellas es que tienen cámara, micrófono y altavoces para nuestros visitantes. Nos permite poner a los visitantes una guía virtual del parque temático en la oreja”, señaló el directivo.

¿Una solución efectiva?

Para Vaughn, estas gafas se podrían utilizar no solo para orientarse por el parque, sino también para tomar decisiones dentro de él, por ejemplo referidas a las compras. “Quizás quiero saber un poco más sobre algún producto para mi hijo. Solo tengo que mirarlo y preguntar, que me den más información. Y entonces, directamente en mi oído, recibo toda la información del producto”, compartió.

De momento, no hay una fecha prevista para la incorporación de estas gafas en los parques Disney alrededor del mundo. Sin embargo, los comentarios de la compañía han bastado para encender la conversación en redes sociales, donde varios usuarios han criticado la decisión. “¿Acaso no podemos simplemente disfrutar de los sonidos y las vistas del parque sin la hoja de cálculo de Excel de Disney diciéndonos qué hacer y adónde ir?”, compartió uno en su perfil de X.

La mayoría de críticas han ido dirigidas al precio. Se prevé que, en caso de querer usar las gafas, el visitante tendrá que pagar un dinero extra a la entrada normal. “Debido al coste, no será económicamente viable pensar en que un gran porcentaje de los visitantes las adopte. No me imagino a una familia de cuatro con cuatro pares de gafas, porque son accesorios caros. Así que, hasta que estas gafas sean más accesibles o estén más extendidas en el mercado general, es una idea muy de nicho”, señaló otro usuario en un foro para fans de la compañía. 

La creación audiovisual impulsada por inteligencia artificial se convirtió en un terreno sin límites claros, donde cualquier usuario puede generar escenas, personajes o mundos enteros con instrucciones simples. Este nuevo modo de producción plantea un desafío a las empresas que basan su identidad en la gestión rigurosa de sus franquicias.

Entre ellas, The Walt Disney Company ocupa un lugar primordial, porque su catálogo es uno de los más codiciados y también uno de los más vigilados. La expansión de herramientas generativas permite a cualquiera fabricar un video en el que Mickey Mouse protagoniza acciones ajenas a su universo, una situación que inquieta a los estudios y acelera su respuesta.

Disney apuesta por una plataforma que combine producción y participación

Disney anunció que su servicio Disney+ incorporará funciones que permitirán a los suscriptores crear videos cortos dentro de la propia plataforma mediante modelos de inteligencia artificial. La iniciativa la detalló Bob Iger, consejero delegado de la compañía, durante la reciente llamada con inversores, al afirmar que se trataba de “los cambios más grandes y más importantes” desde el lanzamiento de la plataforma hace seis años.

Explicó que la idea consiste en ofrecer una experiencia más participativa, donde los usuarios puedan “crear contenido generado por el usuario y consumir contenido generado por el usuario, principalmente de formato breve”. La empresa prevé integrar también funciones inspiradas en videojuegos gracias a su acuerdo con Epic Games.

El anuncio llega tras una etapa de prudencia. Disney había detenido varios proyectos de IA en meses anteriores por temor a vulnerar derechos de imagen o provocar conflictos con los sindicatos de actores. Según el Wall Street Journal, la compañía canceló ensayos que consistían en replicar digitalmente a intérpretes reales para evaluar la reacción del sector. La estrategia actual se apoya en acuerdos con compañías tecnológicas, aunque no se han divulgado nombres, con el objetivo de “proteger la propiedad intelectual”, tal y como aseguró Iger a The Hollywood Reporter.

Las experiencias ajenas confirman los riesgos del contenido sin supervisión

Las experiencias de otras plataformas sirven de aviso. OpenAI, con su aplicación Sora, permitió generar videos a partir de texto y terminó teniendo críticas por infracciones de derechos y contenidos problemáticos. También se detectaron recreaciones hiperrealistas de fragmentos de películas de Disney, elaboradas sin autorización. Reuters informó que la compañía envió una carta de cese a Character.AI por utilizar personajes con copyright. Este historial muestra por qué la moderación será un elemento esencial cuando el nuevo sistema esté activo dentro de Disney+.

El proyecto pretende transformar la relación entre espectador y contenido. Hasta ahora, la plataforma ofrecía un modelo cerrado, centrado en el consumo de series y películas. Lo que hay es lo que podés ver. Con esta herramienta, en cambio, el usuario pasa a participar activamente en el proceso creativo, aunque bajo condiciones que garantizarán un entorno familiar y seguro.

Iger subrayó durante la reunión de resultados que “la oportunidad es enorme para aumentar nuestra conexión con los seguidores de Disney en todo el mundo”. La intención es mantener la identidad de marca y, al mismo tiempo, incorporar formatos que recuerdan a los de TikTok o Roblox, donde la creación breve y espontánea domina la atención digital.

La protección del legado será la pieza decisiva del nuevo modelo

El reto técnico y ético radica en equilibrar la libertad del usuario con la protección de un catálogo que forma parte de la cultura popular mundial. Disney dedicó décadas a blindar sus personajes y a controlar cada uso público de sus imágenes. Permitir que los suscriptores fabriquen videos con esas figuras dentro de un marco oficial supone abrir un espacio nuevo, más flexible, pero también más expuesto. La empresa confía en que los algoritmos de moderación, combinados con un filtrado previo de plantillas y modelos, reduzcan los riesgos legales y mantengan la coherencia visual de la marca.

Las pruebas internas aún no tienen calendario oficial, aunque las declaraciones de la dirección confirman que el desarrollo está en curso. Disney+ afronta así un cambio profundo en su funcionamiento, impulsado por la competencia y por la necesidad de renovar el interés del público. El futuro de la plataforma dependerá de que logre que la creatividad de los usuarios se convierta en un valor añadido sin poner en peligro el patrimonio simbólico de la compañía. La frontera entre innovación y protección será, en este caso, el verdadero terreno de prueba.

Severance, la serie de Apple TV+ que explora la separación quirúrgica de los recuerdos entre el trabajo y la vida personal, parte como la gran favorita para los la 77 edición Premios Emmy 2025 al sumar 27 nominaciones. Competirá con otras producciones exitosas como The White Lotus, The Last of Us, La diplomática, The Pitt, Paradise y Slow Horses.

La plataforma de streaming estadounidense también lidera los premios en el apartado de comedia con The Studio, que alcanzó 23 nominaciones superando a las galardonadas la veterana The Bear, que logró 13. Hacks, de Paramount +, se queda con 14.

Los protagonistas de muchas de esas series lucharán por los galardones individuales, como es el caso de Britt Lower, Adam Scott, Bella Ramsey, Keri Russell, Kathy Bates o Pedro Pascual. Javier Bardem consigue también su primera nominación (actor de reparto) para los premios más importantes de la televisión.

La decisión final llegará el 14 de septiembre, en una gala que se celebrará en el Teatro Peacock de Los Ángeles. Sin embargo, los seriéfilos aprovechan las nominaciones para adelantarse y disfrutar de las mejores series del año, ganen o no una estatuilla dentro de unas semanas.

Plataformas en las que ver las series nominadas a los Emmy 2025

Severance (27 nominaciones). Dirigida por Ben Stiller, narra la historia de Mark Scout, un trabajador que lidera un equipo en Lumon Industries, cuyos empleados se han sometido a un procedimiento de despido, que implica la división quirúrgica de sus recuerdos entre el trabajo y la vida personal. Se puede ver en Apple TV+ y también en Prime video.

La segunda serie con más nominaciones es El pingüino (24), aunque en este caso hablamos de una miniserie de ocho episodios que profundiza en la vida del icónico villano al que se enfrenta Batman en el Caballero Oscuro. Está disponible en HBO Max.

Le sigue de cerca The Studio (23 nominaciones). Es una serie que habla de Hollywood y para eso se mete en la piel del director de un estudio de cine desesperado por gustar a las celebrities y encontrar un equilibrio entre las exigencias corporativas y las aspiraciones creativas. También se puede ver en Apple TV+, que está disponible a través de Movistar+.

Pasan las temporadas y también los países, pero nada parece perturbar el éxito de The White Lotus (23 nominaciones). En su tercera temporada, ha viajado a Tailandia para adentrarse en un oasis que se termina convirtiendo en una pesadilla y que deja al descubierto las miserias de las familias más adineradas. ¿Dónde verla? En HBO Max. Otra veterana es The Last of Us (16 nominaciones), donde sigue la lucha por la subsistencia. Pero si hay algo que atrae a sus seguidores es el carisma de sus protagonistas, interpretados por Pedro Pascal y Bella Ramsey. También se puede ver en HBO Max.

Adolescencia se queda por debajo en nominaciones (13), pero su impacto ha trascendido pantallas y removido sociedades como la británica. Una mirada a una época vital, complicada en el caso de Jamie Miller, al que se le acusa del asesinato de una compañera de clase. ¿Dónde verla? En Netflix. Con las mismas nominaciones se queda The Bear, porque entre fogones aún queda mucho por contar. Se puede ver Disney+.

Series muy esperadas que vuelven. Estrenos que prometen sorprender. Clásicos del cine que son revisitados. Las plataformas de streaming anunciaron para julio una gran diversidad de producciones audiovisuales que llegan a lo largo de todo el mes para renovar las pantallas.

A continuación, un repaso por las series y películas más destacadas que aterrizarán a lo largo de todo el mes en Netflix, Amazon Prime Video, Disney+, Mubi y Max.

1. División Palermo. “División Palermo regresa con más acción, humor y nuevos personajes. La segunda y última temporada de la serie de comedia hecha en Argentina se estrenará globalmente el próximo 17 de julio”, anunció Netflix en un comunicado.

“Producida por K&S Films, y creada, dirigida y protagonizada por Santiago Korovsky, en esta nueva entrega la Guardia Urbana se adentra en una ciudad aún más caótica, donde las mafias se reagrupan, la violencia se intensifica y una nueva amenaza avanza sin freno. Daniel Hendler, Pilar Gamboa, Martín Garabal, Charo López, Hernán Cuevas, Facundo Bogarín y un gran elenco regresan con sus entrañables personajes, mientras que Juan Minujín, Alejandra Flechner, Esteban Bigliardi, Inés Efron, Guillermo Arengo y Martín Piroyansky se suman en esta nueva temporada”, agregó la plataforma sobre esta serie cómica, que obtuvo, entre otras distinciones, el premio a la Mejor Comedia en la 52° edición de los Premios Emmy Internacionales, y también siete galardones en los Premios Cóndor de Plata

“La Guardia Urbana se expande y el caos también. En plena campaña electoral, el barrio está más peligroso que nunca. Para investigar a una banda criminal que opera desde el café de especialidad Cuero Café, los Servicios de Inteligencia reclutan a Felipe Rozenfeld. La ciudad no está lista. La División Palermo, mucho menos”, adelantaron los productores sobre la nueva y última entrega de la serie.

La nueva temporada de División Palermo estará disponible en Netflix a partir del 17 de julio.

2. Menem. “Un drama de ficción basado en hechos reales, ambientado en la Argentina de los años 90”. Con esas palabras definió Amazon Prime Video a esta producción audiovisual, que se sumará a su menú a partir del 9 de julio.

La serie fue dirigida por Ariel Winograd y el elenco incluye a Leonardo Sbaraglia, Juan Minujín, Griselda Siciliani, Jorgelina Aruzzi, Marco Antonio Caponi, Agustín Sullivan, Cumelén Sanz, Alberto Ajaka, Violeta Urtizberea y Campi.

“Menem es un drama de ficción basado en hechos reales que narra la historia de una familia de La Rioja cuyas vidas están ligadas al círculo íntimo del Presidente Carlos Menem. La serie está situada en Argentina en los años 90, desde el ascenso de Menem al poder y la consecuente convertibilidad económica hasta los ataques terroristas sucedidos en Buenos Aires. Menem es una historia de poder, controversia política y tragedia social”, señala la sinopsis oficial de la serie.

La serie Menem se podrá ver por Amazon Prime Video a partir del 9 de julio.

3. Tiburón, la historia de un clásico. “Tiburón: la historia de un clásico es el único documental autorizado que celebra la película que redefinió Hollywood, a 50 años de su estreno. Junto a Steven Spielberg, el documental recorre la extraordinaria trayectoria desde su origen como novela best-seller de Peter Benchley hasta convertirse en una de las películas más icónicas de la historia”, adelantó Disney+ sobre este lanzamiento, que llegará a las pantallas a partir del 11 de julio.

“Con imágenes de archivo inéditas y entrevistas a aclamados directores de Hollywood, destacados científicos especializados en tiburones y conservacionistas, el documental revela el caos tras bambalinas y cómo la película se convirtió en el éxito de taquilla, inspiró a una nueva generación de cineastas y sentó las bases para la conservación de los tiburones que continúa hasta hoy”, agregaron desde la plataforma en un comunicado.

El documental Tiburón, la historia de un clásico llegará a Disney+ el 11 de julio.

4. Magic Farm. “Mubi, la distribuidora global de películas, plataforma de streaming y productora, se complace en anunciar que Magic Farm, la nueva película de la artista y cineasta Amalia Ulman (El Planeta) estará disponible en exclusiva en streaming en Mubi Latinoamérica a partir del próximo viernes 11 de julio. Protagonizada por Chloë Sevigny (Monsters, Boys Don’t Cry), Alex Wolff (A Quiet Place: Day One, Oppenheimer), Joe Apollonio, Camila del Campo, Simon Rex (Red Rocket, Blink Twice) y la misma Amalia Ulman, los orígenes de Magic Farm surgieron del periodismo liderado impuesto por Vice News en 2010, donde equipos de filmación visitaron países del 'tercer mundo' en busca de una historia extraña y un titular atractivo”, adelantó la plataforma en un comunicado de prensa sobre este lanzamiento.

“Cuando un equipo de documentalistas estadounidenses, desorientado y en busca de su próximo segmento viral, termina en un pueblo equivocado de la Argentina rural, el caos aparece. Mientras colaboran con los lugareños para crear un nuevo trend musical, se forjan relaciones inesperadas y se hace evidente una crisis sanitaria local. Colorida y sin filtro, Magic Farm está protagonizada por un elenco estelar que incluye a Chloë Sevigny, Alex Wolff y Simon Rex. Con un vívido sentido del territorio, seleccionada a la Berlinale y Sundance, combina una parodia surrealista de los medios de comunicación con una exploración sincera de la humanidad”, señala la sinopsis oficial de la película.

La película Magic Farm estará disponible en Mubi a partir del 11 de julio.

5. Los Simpson. Disney+ anunció que a partir del 9 de julio llegarán a su plataforma nuevos capítulos de Los Simpson.

“Los Simpson está protagonizada por la familia homónima que vive en Springfield, pueblo estadounidense del que nunca se conoce la ubicación geográfica precisa. El padre de la familia Simpson, Homero, trabaja en la planta nuclear y no es el típico padre de familia: aunque tiene las mejores intenciones, no siempre bastan. La familia incluye a la amorosa matriarca de pelo azul Marge, al hijo problemático Bart, a la hija sobresaliente Lisa y a la bebé Maggie”, informaron en un comunicado.

Los nuevos capítulos de Los Simpson llegarán a Disney+ a partir del 9 de julio.

6. Pecadores. “Del visionario cineasta nominado al Oscar Ryan Coogler—director de Black Panther y Creed—y protagonizada por Michael B. Jordan, llega Pecadores, una nueva visión del miedo que estrena el viernes 4 de julio en Max, la plataforma que pronto se convertirá en HBO Max”, informaron desde la empresa en un comunicado.

“Buscando dejar atrás un pasado turbulento, dos hermanos gemelos (interpretados por Jordan en un impactante doble papel) regresan a su ciudad natal con la esperanza de comenzar de nuevo. Pero lo que los espera es una presencia aún más oscura. Escrita y dirigida por Coogler, cuenta con un elenco estelar encabezado por Michael B. Jordan, la nominada al Oscar Hailee Steinfeld (Bumblebee, True Grit), Jack O’Connell (Ferrari), Wunmi Mosaku (Passenger), Jayme Lawson (The Woman King), Omar Miller (True Lies) y Delroy Lindo (Da 5 Bloods)”, detallaron desde la plataforma.

La película Pecadores se podrá ver por Max a partir del 4 de julio.

7. Nueve reinas. Netflix anunció la llegada a su plataforma de la película argentina Nueve reinas, lanzada en el año 2000, dirigida por Fabián Bielinsky y protagonizada por Ricardo Darín y Gastón Pauls.

“Dos rufianes intentan vender estampillas falsas por una abultada suma, pero el proceso se vuelve más estresante cuando se involucra la hermana de uno de ellos”, detalló la plataforma sobre el largometraje.

La película Nueve reinas está disponible en Netflix desde el 1 de julio.

8. Jefes de Estado. Protagonizada por Idris Elba, John Cena y Priyanka Chopra Jonas, la comedia de acción Jefes de Estado llegó a Amazon Prime Video el 2 de julio.

“En Jefes de Estado, el primer ministro del Reino Unido, Sam Clarke (Idris Elba), y el presidente de los EE.UU., Will Derringer (John Cena), tienen una rivalidad pública y poco amistosa que pone en peligro la ‘relación especial’ entre sus países. Pero cuando se convierten en el objetivo de un poderoso y despiadado enemigo extranjero, que resulta ser más que un rival para las fuerzas de seguridad de los dos líderes, se ven obligados a confiar en las únicas dos personas en las que pueden confiar: ellos mismos. Finalmente, aliados con la brillante agente del MI6, Noel Bisset (Priyanka Chopra Jonas), deben huir y encontrar una forma de trabajar juntos el tiempo necesario para impedir una conspiración global que amenaza al mundo entero”, informó la plataforma sobre la película.

“Jefes de Estado es una aventura global que combina acción explosiva y humor agudo, llevando a la audiencia a una persecución emocionante repleta de adrenalina. Además, mezcla secuencias de acción de ritmo rápido y acrobacias creativas con una gran dosis de nostalgia, en armonía con todo el encanto de los años 90, la era dorada de las comedias de acción entre amigos. La película cuenta con un elenco estelar incluyendo a Idris Elba, John Cena, y Priyanka Chopra Jonas, junto a Paddy Considine, Stephen Root, Carla Gugino, Jack Quaid y Sarah Niles”, agregó la plataforma.

La película Jefes de Estado llegó a Amazon Prime Video el 2 de julio.

9. Wild Diamond. “Combinando el antiguo glamour de Cannes con el brillo áspero de la cultura influencer, Wild Diamond, el debut de Agathe Riedinger que compitió por la Palma de Oro en 2024, retrata a una adolescente obsesionada con la belleza y la fama, bajo el sol del sur de Francia. Frente a pantallas luminosas de promesas engañosas, Malou Khebzi deslumbra en su primer papel protagónico, con una tenacidad implacable en una interpretación muy celebrada”, informó Mubi sobre este lanzamiento, que llegó a su menú el 4 de julio.

La película Wild Diamond está disponible en Mubi desde el 4 de julio.

10. Atentado en Londres. La cacería tras las bombas del 7/7. “Testimonios en primera persona e imágenes nunca antes vistas cuentan la historia completa de los atentados del 7 de julio de 2005 en Londres y sus explosivas consecuencias”, informó Netflix sobre esta miniserie documental, que está disponible en la plataforma desde el 1 de julio.

A 20 años de aquel ataque que conmocionó a la capital británica, Netflix ofrece este lanzamiento que analiza los hechos en cuatro capítulos.

“7 de julio de 2005. Cuatro terroristas suicidas atacan Londres y dejan 52 muertos, 700 heridos y una nación conmocionada. Quienes estuvieron allí cuentan toda la historia”, señala la sinopsis de esta producción audiovisual.

La miniserie documental Atentado en Londres. La cacería tras las bombas del 7/7 está disponible en Netflix desde el 1 de julio.

11. El verano en que me enamoré. A partir del 16 de julio estará disponible en Amazon Prime Video la tercera y última temporada de esta exitosa serie basada en una trilogía de libros de la escritora estadounidense Jenny Han.

“Es el final de su penúltimo año en la universidad, y Belly espera con ansias otro verano en Cousins junto a Jeremiah, su alma gemela. Su futuro parece claro, hasta que una serie de eventos sacuden sus cimientos y trae de vuelta a su primer amor, Conrad. Ahora, a punto de llegar a la adultez, Belly se encuentra en una encrucijada y deberá decidir por cuál de los hermanos late su corazón. El verano nunca volverá a ser el mismo”, adelantó la plataforma.

“Basada en la exitosa trilogía de Jenny Han, El verano en que me enamoré es un drama multigeneracional que gira en torno a un triángulo amoroso entre una chica y dos hermanos, la variable relación entre madres e hijos y el poder duradero de las grandes amistades femeninas, y el viaje transformador de crecer. Es una historia sobre el primer amor, el primer corazón roto y la magia de un verano perfecto”, agregaron desde Prime Video.

La nueva temporada de El verano en que me enamoré se podrá ver en Amazon Prime Video desde el 16 de julio.

12. Revista Ms.: una revolución editorial. Estrenado el 2 de julio, este documental cuenta la historia de Ms., una revista feminista pionera que cambió el panorama editorial en los Estados Unidos.

“Un documental revelador y poderoso sobre la lucha por la igualdad contada desde las páginas de una publicación histórica”, informó la plataforma Max en un comunicado. Entre otros testimonios, a lo largo de esta producción audiovisual original de la cadena HBO hablan Gloria Steinem, Letty Cottin Pogrebin y Ellen Goodman.

El documental Revista Ms: una revolución editorial está disponible en Max desde el 2 de julio.

AL/JJD

Stitch es uno de los personajes protagonistas del marketing de Disney, promovido por el hecho de que es uno de los que más fans tiene, sobre todo entre la generación milenial que creció con la película original Lilo & Stitch de 2002 que ahora regresa a los cines con su versión live-action.

En su primer fin de semana en las taquillas de todo el mundo, Lilo & Stitch se colocó como el segundo mejor estreno de 2025 tras A Minecraft Movie y el tercer live-action de Disney con mejor recaudación en sus primeros días tras El rey león y La Bella y La Bestia.

El origen de Stitch surgió mientras se rodaba Mulán

En parte, su éxito se debe al hecho de que Stitch es uno de los personajes originales creados dentro de Disney, de la mano de Chris Sanders, quien sería el padre también de Cómo entrenar a tu dragón, otra saga que también estrena live-action este 2025, en su trabajo en Dreamworks.

El origen de Stitch se remonta a 1985 cuando Chris Sanders planteaba una serie de libros infantiles. Esto nunca vio la luz y Chris Sanders dejó a Stitch aparcado hasta que mientras trabajaba en Mulán, a finales de los 90, planteó crear un proyecto que redimiera a los villanos y recuperó el personaje que había comenzado que más tarde se convertiría en el experimento 626, el nombre oficial al que se le da en Lilo & Stitch.

“La gente no se imagina cuánto tiempo pasamos en los pasillos de Disney hablando de cómo matar a un personaje. Entonces pensé: «¿Tenemos que matarlos? ¿No podemos convertir a uno de nuestros villanos en un héroe? ¿No podríamos redimir a uno de ellos?»”, contó Sanders en una entrevista en el portal Hipertextual.

Así, Chris Sanders cambió el diseño del personaje que había creado hacia una cara más entrañable y menos monstruosa que derivó en el final Stitch, cuyo éxito según él se asienta en que “la gente se identifica con él porque es una mezcla de picardía y el toque justo de maldad. Ocupa un espacio muy divertido en el que la gente puede empatizar con el personaje e identificarse con él porque comete errores”.

Lilo & Stitch: el éxito Disney que emuló a Dumbo y tapó otro fracaso en taquilla

Una vez con el diseño completo del personaje, el gran problema al que se enfrentaron desde Disney fue el de darle voz. Los primeros actores no convencieron y al final fue su propio creador Chris Sanders el que hizo los sonidos de su ‘mascota’, incluso en proyectos y películas que se realizaron más tarde de 2007 cuando dejó de trabajar en la factoría del ratón Mickey Mouse.

Ya con ese problema cerrado se dio paso al proyecto que daría lugar a Lilo & Stitch, que fue un largometraje pensado para que solo fuera rentable, al modo de Dumbo, siendo una producción pequeña, sin perder calidad artística, y esto hizo que el diseño de animación fuera el personal de Chris Sanders, mientras la estrella y la que se llevó más inversión fue El planeta del Tesoro.

Sin embargo, el éxito resultó ser el contrario. Mientras Lilo & Stitch se ganó al público y superó su rentabilidad, El planeta del tesoro fue un fracaso y una de las cintas más infravaloradas de la factoría, al igual que sucediera con otros proyectos estrella como El emperador y sus locuras y Dinosaurio.

Entre documentales potentes, los regresos de series muy populares y lanzamientos de cine argentino, los servicios de streaming prometen un mes repleto de novedades.

A continuación, un repaso por los lanzamientos más destacados que ofrecerán las plataformas Netflix, Amazon Prime Video, Max, Apple TV+ , Mubi y Disney+ a lo largo de mayo.

1. Cacería implacable: Osama Bin Laden. “Esta docuserie de tres partes de los directores Mor Loushy y Daniel Sivan ofrece una mirada en profundidad sobre cómo el mundo se movilizó para atrapar a Osama Bin Laden después de su orquestación de los ataques del 11 de septiembre de 2001 contra los Estados Unidos. Con entrevistas a personas clave dentro del gobierno estadounidense que ayudaron en la persecución global, esta serie se centra en la misión de una década para capturar a uno de los terroristas más notorios del mundo”, informó Netflix sobre este lanzamiento, que llegará a su servicio a partir del 14 de mayo.

La serie documental Cacería implacable: Osama Bin Laden se podrá ver en Netflix desde el 14 de mayo.

2. And Just Like That. “La tercera temporada de la serie original And Just Like That, de Michael Patrick King, llega a Max el 29 de mayo a las 22. Con un total de 12 episodios, la nueva temporada tendrá un estreno semanal todos los jueves, con el último episodio previsto para el 14 de agosto”, informó la plataforma Max en un comunicado.

“And Just Like That sigue a Carrie, Miranda, Charlotte, Seema y Lisa mientras navegan las complejidades de la vida, el amor, el sexo y la amistad después de los 50, en la ciudad de Nueva York. El elenco de la tercera temporada incluye a Sarah Jessica Parker, Cynthia Nixon, Kristin Davis, Sarita Choudhury, Nicole Ari Parker, Cathy Ang, Mehcad Brooks, Jonathan Cake, Mario Cantone, Niall Cunningham, David Eigenberg, Evan Handler, Christopher Jackson, Logan Marshall-Green, Sebastiano Pigazzi, Alexa Swinton, Dolly Wells y John Corbett”, agregaron desde Max.

La tercera temporada de And Just Like That se podrá ver por Max desde el 29 de mayo.

3. Corazón delator. “Protagonizada por Benjamín Vicuña y Julieta Díaz, Corazón delator es una historia sobre segundas oportunidades que sigue a Juan Manuel, un hombre que atraviesa una transformación profunda luego de recibir un trasplante de corazón. Completan el elenco Peto Menahem, Gloria Carrá, Julia Calvo, Yayo Guridi, Bicho Gómez, Verónica Hassan, Javier De Nevares, Mariano Sayavedra, Facundo Espinosa, Christian Marchi, Manuel Da Silva, Anasofia Facello, Mili Schauer y Lisandro Fiks”, anunció Netflix sobre esta película de producción argentina que llegará a las pantallas a partir del 30 de mayo, con dirección de Marcos Carnevale.

“Corazón delator narra un amor que trasciende la muerte. Juan Manuel, un empresario frío, recibe el corazón de Pedro, un hombre humilde. Al investigar el origen de su donante, conoce a Valeria, la viuda, y se enamora de ella. Ocultando su identidad, lucha por salvar el barrio de Pedro, sin revelar que en su pecho late su corazón”, agregaron desde la plataforma.

La película Corazón delator llegará a Netflix el 30 de mayo.

4. Ascenso y caída: John Galliano. “Un apasionante retrato del controversial diseñador de moda John Galliano, por el ganador del Oscar Kevin Macdonald. Entrevistas repletas de estrellas y raras imágenes de archivo revelan la toxicidad que se esconde tras el exquisito glamour y el espectáculo, tanto dentro como fuera de la pasarela”, informó en un comunicado la plataforma Max sobre este lanzamiento, que se podrá ver desde el 2 de mayo.

El documental Ascenso y caída: John Galliano se podrá ver por MAx desde el 2 de mayo.

5. Otro pequeño favor. “Stephanie Smothers (Anna Kendrick) y Emily Nelson (Blake Lively) se reúnen en la hermosa isla de Capri, Italia, para la extravagante boda de Emily con un rico empresario italiano. Además de los glamurosos invitados, se esperan asesinatos y traiciones para confirmar su asistencia a una boda con más giros inesperados que el camino de Marina Grande a la plaza de Capri”, adelantó Amazon Prime Video sobre esta película, que estará en su menú desde el 1 de mayo.

La película Otro pequeño favor se podrá ver por Amazon Prime Video desde el 1 de mayo.

6. Kun por Agüero. Desde el 7 de mayo llegará a Disney+ una docuserie que tendrá como protagonista a Sergio Kun Agüero. “Con 4 episodios y centrada en la vida del reconocido deportista argentino, Kun por Agüero recorre la memorable carrera de Sergio Kun Agüero en la voz del propio protagonista, quien comparte reflexiones y revelaciones acerca de los momentos más increíbles y los más desafiantes de su vida profesional y personal con material de archivo inédito y entrevistas exclusivas a su familia, amigos y reconocidas figuras como Lionel Messi, Pep Guardiola, Nicolás Otamendi e Ibai Llanos, entre otros”, detalló la plataforma sobre este lanzamiento.

La serie documental Kun por Agüero estará disponible en Disney+ a partir del 7 de mayo.

7. Mountainhead. La plataforma Max anunció para este mes el estreno de la película Mountainhead escrita, dirigida y producida ejecutivamente por Jesse Armstrong, nominado al Oscar y ganador de siete premios Emmy por su trabajo en la exitosa serie original de HBO Succession. 

“La película se estrenará en Max este 31 de mayo. La producción concluyó su rodaje en Park City, Utah y será la primera incursión de Armstrong como director de largometrajes, marcando un nuevo capítulo en su carrera”, detallaron desde la plataforma en un comunicado.

La historia tiene en el centro a un grupo de amigos multimillonarios que se reúne durante el desarrollo de una crisis internacional. 

“Cuatro amigos. Un patrimonio de 371 billones de dólares. Cero culpabilidad. El elenco está conformado por Steve Carell como Randall, Jason Schwartzman como Souper (Hugo Van Yalk), Cory Michael Smith como Venis y Ramy Youssef como Jeff. El cast secundario incluye a Hadley Robinson como Hester, Andy Daly como Casper, Ali Kinkade como Berry, Daniel Oreskes como Dr. Phipps, David Thompson como Leo, Ami MacKenzie como Janine y Ava Kostia como Paula”, informaron desde Max.

La película Mountainhead estará disponible en Max desde el 31 de mayo.

8 Un hombre diferente. “Un actor en ascenso se somete a un procedimiento médico para transformar drásticamente su apariencia. Pero su nuevo rostro pronto se convierte en una pesadilla. Sebastian Stan y Adam Pearson protagonizan Un hombre diferente, una comedia oscura y compleja, y una travesía emocional marcada por la identidad, la soledad y la obsesión”, informó la plataforma Mubi en un comunicado.

La película, que formará parte de un ciclo con “cuatro visiones singulares sobre la identidad, el caos y la transformación” estará disponible en exclusiva a partir del 1 de mayo.

La película Un hombre diferente estará disponible en Mubi desde el 1 de mayo.

9. Las cuatro estaciones. “Tres parejas, cuatro vacaciones y mucho por recorrer. Las cuatro estaciones sigue los altibajos de un grupo de viejos amigos durante cuatro vacaciones distintas, una en cada estación del año”, informó Netflix sobre este lanzamiento, que estará disponible a partir del 1 de mayo.

Esta producción está protagonizada por la comediante estadounidense Tina Fey, quien además la creó y escribió, Will Forte, Kerri Kenney-Silver, Marco Calvani y Erika Henningsen, con la colaboración de Colman Domingo y Steve Carell.

La miniserie Las cuatro estaciones estará disponible en Netflix desde el 1 de mayo.

10. Andor. El martes 13 de mayo llega a su final la segunda temporada de esta serie. “Repleta de intriga política, peligro, tensión y grandes apuestas, la segunda temporada de Andor es una precuela de Rogue One: una historia de Star Wars, que presentó a un heroico grupo de rebeldes dispuestos a todo para robar los planos del arma de destrucción masiva del Imperio: La Estrella de la Muerte, preparando el escenario para los acontecimientos de la película original de 1977”, informó Disney+ en un comunicado. 

“Andor retrocede cinco años desde los acontecimientos de Rogue One para contar la historia del héroe de la película, Cassian Andor, y su transformación de ser un desinteresado y cínico donnadie a un héroe rebelde en camino a un destino épico. La segunda temporada de Andor está protagonizada por Diego Luna, Stellan Skarsgård, Genevieve O'Reilly, Denise Gough, Kyle Soller, Adria Arjona, Faye Marsay, Varada Sethu, Elizabeth Dulau, Alan Tudyk, con Ben Mendelsohn y Forest Whitaker”, agregó la plataforma.

El 13 de mayo llegará el final de la segunda temporada de Andor. Disponible en Disney+.

11. Babygirl. Romy (Nicole Kidman) es una exitosa directiva que inicia un romance secreto con su joven pasante (Harris Dickinson) a espaldas de su marido (Antonio Banderas). Deberá enfrentarse a los prejuicios y el riesgo de perder su puesto. Después de pasar por los cines esta película llegará al servicio de Amazon Prime Video a partir del 7 de mayo.

La película Babygirl se podrá ver por Amazon Prime Video desde el 7 de mayo.

12. No hables con extraños. “Cuando una familia estadounidense es invitada a pasar el fin de semana en la idílica finca de una familia británica con la que hicieron amistad durante las vacaciones, lo que comienza como unas vacaciones de ensueño pronto se convierte en una pesadilla psicológica”, señala la sinopsis oficial de esta película, que luego de su paso por el cine llegará ahora al servicio de Max.

“Protagonizada por James McAvoy, Mackenzie Davis y Scoot McNairy, junto a un gran elenco fue escrita y dirigida por James Watkins y está basada en el guión de la sensación de terror danesa de 2022 Gæsterne, escrita por Christian Tafdrup y Mads Tafdrup”, informaron desde la plataforma.

La película No hables con extraños estará disponible en Max desde el 2 de mayo.

13. Deaf President Now! La plataforma Apple TV+ anunció la llegada de este documental a su servicio a partir del 16 de mayo.

“Deaf President Now! relata los ocho días de históricas protestas que se realizaron en la Universidad de Gallaudet en 1988 después de que la junta directiva del centro eligiera a un candidato no sordo por encima de otros muchos sordos con cualificaciones de sobra. Tras una semana de manifestaciones, boicots y protestas, los estudiantes lograron que el candidato elegido dimitiese y que el estimado rector, el doctor I. King Jordan, se convirtiera en el primer presidente sordo del centro. Las protestas fueron un hito en la historia de la lucha por los derechos civiles cuyo impacto se dejó sentir más allá de la Universidad y allanó el camino para que se aprobara la ley ADA o Americans with Disabilities”, detallaron desde la plataforma.

Según informaron los productores, el documental “incluye entrevistas exclusivas a las cabezas visibles del movimiento, entre ellos «los 4 de Gallaudet»: Jerry Covell, Bridgetta Bourne-Firl, Tim Rarus y Greg Hlibok, junto con el testimonio del doctor I. King Jordan, así como grabaciones de archivo y guionizadas”.

El documental Deaf President Now! estará disponible en Apple TV+ desde el 16 de mayo.

14. Licorice Pizza. Mubi anunció para mayo la llegada a su servicio de un ciclo que lleva como título “El cine en la sangre”.

“Reconociendo a quienes nacieron bajo los reflectores, pero han forjado su propio camino, la programación de mayo incluye El cine en la sangre, un especial dedicado a cineastas e intérpretes que han transformado su linaje en una voz singular dentro del cine contemporáneo. Desde Cooper Hoffman en Licorice Pizza de Paul Thomas Anderson hasta Margaret Qualley en la provocadora La sustancia, pasando por la mirada íntima de Sofia Coppola en Priscilla y el universo performático de Isabella Rossellini en Green Porno, esta colección celebra trayectorias que, lejos de vivir a la sombra, amplifican su legado con autenticidad y estilo”, detalló la plataforma en un comunicado e informó que la película de Paul Thomas Anderson estará disponible desde el 23 de mayo.

La película Licorice Pizza estará disponible en Mubi a partir del 23 de mayo.

AL

Bentkey es algo así como el Disney+ de las familias fachas estadounidenses. Forma parte del servicio de suscripción DailyWire+, que a su vez integra el famoso conglomerado mediático de ultraderecha fundado por Ben Shapiro y Jeremy Boreing. Bentkey nació en octubre de 2023 con el objetivo de proteger a la infancia de la malvada ideología que al parecer promueve el mainstream hollywoodiense, y lo hizo con el anuncio de una producción original para la plataforma que se ajustaría vertebralmente a estos principios. Su título, Snow White and the Evil Queen.

“Aunque Disney siga utilizando el nombre de Walt, hoy ha abandonado ese legado”, declaró Boreing entonces. DailyWire+ programó para 2024 una adaptación de Blancanieves como respuesta al remake de acción real que Disney llevaba tiempo desarrollando y cuyo estreno contemplaba para ese mismo año. Snow White and the Evil Queen sería una adaptación mucho más fiel al espíritu de Disney y los cuentos tradicionales, aseguraban desde los mentideros reaccionarios. Pero su existencia no tenía sentido sin la comparativa directa con la versión de Disney, así que cuando esta se retrasó todo un año, a marzo de 2025, Bentkey hizo otro tanto con su película. 

En todo este tiempo DailyWire+ ha producido Terror on the Prairie con Gina Carano —otro corte de mangas a Disney, pues esta actriz fue despedida de The Mandalorian por sus opiniones en redes sociales—, una comedia donde un equipo de hombres se disfraza de mujeres para medrar en deportes femeninos (Lady Ballers) y varios documentales de pulsión conservadora… mientras que no ha vuelto a saberse nada de Snow White and the Evil Queen. Todo lo que ha trascendido de ella es un tráiler de aspecto sospechoso que presume de tener como actriz de Blancanieves a Brett Cooper, una de las estrellas de Daily Wire gracias a su programa The Comments Section. 

Cooper, por cierto, abandonó Daily Wire en diciembre de 2024. Todavía no ha dicho nada de Snow White, y a estas alturas parece bastante obvio que la película no existe. Ese tráiler hecho a las prisas solo quería promocionar Bentkey y agitar el avispero de la batalla cultural, aprovechando la polémica más grave que Disney haya atravesado hasta ahora con uno de sus remakes en acción real. 

De una película falsa a otra que lucha por existir

Todo empezó de la forma habitual: Disney fichó como protagonista a una actriz racializada y esto incendió las redes sociales. Desde que los remakes de acción real a partir de clásicos de animación de la Casa del Ratón se convirtieron en un valor seguro a finales de la década pasada, Disney ha ido efectuando ligeras actualizaciones sobre las historias de partida. Antes que los aparatosos efectos digitales empleados para readaptar obras animadas o los cambios en la propia trama, lo que sobre  todo ha movido la conversación pública en este tiempo ha sido el perfil de los nuevos intérpretes.

Decisiones como que la protagonista de La sirenita sea negra se han topado con el boicot, según una agitación que le interesaba en especial a la ultraderecha para reforzar la alerta contra “lo woke”: ese muñeco de paja que ha aupado la reacción conservadora y la reelección de Donald Trump y que, en realidad, no es más que el ‘neoliberalismo progresista’ que teorizaba Dylan Riley. Esto es, alivio cosmético de tensiones civiles a través del mercado, reduciendo la justicia social a cuestiones de representación. Por ejemplo Rachel Zegler, actriz de ascendencia colombiana llegada de West Side Story, demostrando que a Disney le preocupa el racismo gracias a ser la nueva Blancanieves.

La nueva versión del que resulta ser el primer film animado de toda la historia de Disney lleva preparándose desde que la compañía divisó el filón: 2016, con El libro de la selva. Los taquillazos de La bella y la bestia, Aladdin o El rey león han validado la apuesta y, sin embargo, con Blancanieves tenemos un caso especial. No tanto porque ahora se divisa cierto agotamiento en la fórmula —La sirenita hizo dinero, pero no tanto como se esperaba— sino por cómo su desarrollo ha evidenciado las contradicciones del neoliberalismo progresista de Disney, coincidiendo además con la nueva legislatura de Trump amenazando el modelo e, incluso, anticipando un desvío conservador.

Es el episodio que podríamos llamar “parábola de los enanos” e ilustra la insensatez de tomar partido por Disney. A finales de 2021 el guion de Blancanieves ya estaba escrito —por Erin Cressida Wilson y nada menos que Greta Gerwig antes de hacer Barbie, aunque al final solo Wilson ha sido acreditada—, y Disney había fichado al Marc Webb de The Amazing Spider-Man como director. Zegler defendía su derecho a interpretar a Blancanieves y entonces Peter Dinklage dijo en un podcast que el hecho de que fuera latina no hacía que esta Blancanieves fuera más progresista. 

¿Por qué? Porque seguíamos hablando de Blancanieves y los siete enanitos. Un relato que históricamente había hecho sufrir al colectivo del actor de Juego de tronos (personas con acondroplasia, el trastorno que suele llevar al enanismo) con su caricatura, algo que Dinklage rechazaba y que movió a una veloz decisión de Disney: recrear con CGI hiperrealista a los enanos de la película original. Esto engendró aún más críticas. Dinklage estaba perjudicando las opciones laborales del colectivo en cuyo nombre hablaba —“desde el privilegio de no tener que aceptar estos papeles”, como señaló Jeff Brooks—, y Disney les acababa de dejar sin trabajo. 

El episodio se hizo aún más rocambolesco cuando se filtraron unas fotos del rodaje de Blancanieves en Londres mostrando a un grupo de intérpretes “diversos”: había una persona con acondroplasia junto a individuos de varias etnias, y medios afines a Daily Wire aseguraron que esta era la “versión woke” de los enanitos. También cultivaron suficiente odio para que DailyWire viera provechoso anunciar su Blancanieves falsa y el hijo del director de la Blancanieves original, David Hand, asegurara que su padre y Walt “se estarían revolviendo en su tumba” por culpa de este remake.

Una vez se estrena Blancanieves hemos descubierto que esos actores no tenían en efecto nada que ver con los enanos: solo eran personajes añadidos a esta reimaginación, alternando con las creaciones digitales que Disney ya había convenido en mostrar en los tráilers.

Disney en pleno colapso

La parábola de los enanos ejemplifica los límites de la marca Disney como estudio interesado honestamente en la diversidad, aunque sus ramificaciones van más allá de los amigos de Blancanieves. Que Zegler haya insistido en que su personaje está más empoderado que el de la versión de 1937 no es tan significativo como las opiniones políticas que ha ido compartiendo en redes sociales y que inevitablemente le enfrentan a quien interpreta a su madrastra, Gal Gadot. 

Al poco de saberse el resultado de las últimas elecciones estadounidenses, Zegler se lamentó escribiendo “fuck Trump”. Poco después tuvo que pedir perdón públicamente, avanzando la genuflexión ante el Partido Republicano a la que 2025 aboca a Disney. Por otro lado, y ocupándonos de la actriz de Wonder Woman, Zegler se ha posicionado en contra del genocidio de Gaza mientras que Gadot, oriunda de Israel, ha fomentado la agenda sionista más abiertamente que nunca desde los atentados del 7 de octubre. Es lo que provocó que, ante la repentina violación del alto el fuego en Gaza, un evento previo al estreno de Blancanieves con Gadot en el centro fuera escenario de un enfrentamiento entre manifestantes pro-Palestina y manifestantes pro-Israel.

Blancanieves es una película maldita. Pero también es otro producto Disney cuyas decisiones chocan entre sí y difuminan cualquier compromiso progresista. Un maltrecho artefacto tan capaz de fichar a una actriz latina y añadirle cierto grosor feminista al personaje de los hermanos Grimm como de recurrir al estrellato de alguien que apoya los crímenes de Israel mientras se deja sin trabajo, por el qué dirán, a varios miembros de una minoría. Nada sorprende en este caso —si acaso que siga habiendo gente, seguramente afincada en X, con ganas de continuar discutiendo con los promotores de la neurosis anti-woke—, como tampoco sorprende que estas contradicciones tengan un efecto en las imágenes, y conduzcan a otra película de hechuras soporíferas y lamentables.

En particular, Blancanieves adolece de lo que le ocurría al remake de Dumbo a cargo de Tim Burton (2019). Esto es, que el argumento de la película de la que parte se reduce a una servilleta, por pertenecer a una fase de Disney (la inicial, la de los años 30-40) en la que importaba más experimentar con la animación que alumbrar narraciones sofisticadas. Mientras que la animación sufre la conversión correspondiente a un CGI saturado e inexpresivo —no mucho peor que el visto en Aladdin o La bella y la bestia, pero lejos de los logros de Jon Favreau con El rey león—, el problema de no tener trama suficiente se intenta solucionar en Blancanieves de dos maneras.

La primera es atiborrar la película de canciones nuevas a cargo de Benj Pasek y Justin Paul (llegados de La La Land). Blancanieves es un musical puro y duro que acumula números por doquier a la vez que amplía los clásicos de la original —el Ay ho de los enanitos convertido en una extenuante presentación de cada personaje— y recorta otros —varias canciones han desaparecido mientras que de la más famosa, Mi príncipe vendrá, solo suena una instrumental—, buscando su propia identidad en este campo. Gracias a canciones como Princess Problems el resultado no es completamente fallido, y aun así dista de sobreponerse al formidable embrollo que depara la segunda estrategia: inyectarle complejidad al argumento de Blancanieves respetando sus elementos clásicos.

Ahí es donde a Blancanieves no le queda otra que descarrilar con impotencia, mientras cualquier ímpetu en la puesta en escena de Webb se diluye dentro de la habitual estética de parque de atracciones del último Disney. Blancanieves quiere ampliar el alcance de la mínima historia del 37 convirtiendo a la protagonista en una heroína del pueblo, liderando junto al príncipe y otros valientes que no son solo enanos —de aquí los falsos “enanos woke”— una revuelta contra una líder autoritaria. La reina de Gadot, a la que no le preocupa tanto esclavizar a esta masa informe de gente como seguir preguntándole al espejo si es la más guapa del reino.

El desarrollo narrativo de Blancanieves se tambalea confundido entre el icono y las necesidades de un blockbuster convencional, pleno en disonancias y anticlímax —esta Blancanieves alérgica a la pasividad ya no puede limitarse a recibir un beso para solucionar la trama, pero tampoco prescindir de ese beso— que al final se traducen en la mediocridad habitual. Lo que queda, en definitiva, es lo que siempre queda de este nocivo modelo de producción, si bien ahora viene acompañado de tanto ruido como para mover un rechazo más furibundo de la cuenta. No tiene sentido tomar partido entre esta Blancanieves y la Blancanieves facha, y no solo porque esta última no exista sino porque ambas solo son síntomas de una industria, un sistema ideológico y económico, que se está viniendo abajo.  

Comenzó la cuenta regresiva para la nueva entrega de los Premios Oscar, que tendrá lugar el domingo 2 de marzo en Hollywood, y más allá de que varias de las películas en competencia todavía se encuentran en cartel en algunos cines argentinos, hay muchas candidatas que ya se pueden ver en distintas plataformas en formato hogareño.

A continuación, un repaso por once producciones nominadas al galardón más importante de la industria audiovisual, entre largos y cortometrajes, disponibles para ver por streaming desde Argentina.

1. La sustancia. Con seis nominaciones, que incluyen las categorías Mejor película, Guión, Dirección, Vestuario, Maquillaje y peinado y Actriz, esta película tiene como protagonistas a una destacadísima Demi Moore, a Margaret Qualley y Dennis Quaid.

Dirigida y escrita por Coralie Fargeat, el largometraje tiene en el centro a una celebridad un poco en decadencia que al cumplir 50 años recibe una noticia laboral que la descoloca. Con elementos del cine de terror, la historia cuenta cómo esta mujer empezará a consumir un producto del mercado negro en formato de suero que creará una versión más joven de sí misma. Pero claro, eso que parece una solución mágica, traerá más de una consecuencia inesperada. Luego de circular internacionalmente con éxito, la película se encuentra disponible en la plataforma Mubi.

La película La sustancia está disponible en Mubi.

2. Intensamente 2. Después de un exitoso paso por las salas de cine de todo el mundo, este largometraje de Pixar, que compite en el rubro Mejor película de animación, se puede ver en Disney+.

La historia vuelve a meterse en la mente de Riley. Pero hora la protagonista es una adolescente que empieza a notar algunos cambios emocionales. De esta manera, a las viejas y conocidas Alegría, Tristeza, Furia, Temor y Desagrado se le sumarán otras, como Ansiedad, Envidia, Ennui y Vergüenza.

La película Intensamente 2 está disponible en Disney+.

3. La chica de la aguja. Dirigida por Magnus von Horn y en competencia en la categoría Largometraje Internacional, esta película está ambientada en 1919 y tiene como protagonista a Vic Carmen Sonne. El largometraje cuenta la historia de una joven que comienza a trabajar como cuidadora en una misteriosa agencia de adopción para madres necesitadas, pero que comienza a tener sospechas de la mujer que dirige la organización. 

Basada aunque con algunas libertades en una historia real que tuvo lugar en Dinamarca, la película se estrenó en 2024 en el Festival de Cine de Cannes, donde cosechó elogios de la prensa especializada. En la actualidad, está disponible en la plataforma Mubi.

La película La chica de la aguja está disponible en Mubi.

4. Duna: Parte 2. Con tres nominaciones (Mejor película, Diseño de producción y Fotografía), este largometraje es la segunda entrega de la saga épica de ciencia ficción que comenzó en 2021, con la primera película. Dirigida por Denis Villeneuve, es la segunda parte de la adaptación de la novela homónima de 1965 de Frank Herbert.

Disponible en la plataforma Max, cuenta con un elenco repleto de grandes estrellas del cine internacional como Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Christopher Walken, Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Léa Seydoux, Souheila Yacoub, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling, Javier Bardem y Anya Taylor-Joy.

La película Duna: Parte 2 está disponible en Max.

5. Wallace & Gromit. La venganza se sirve con plumas. Clásico británico del cine de animación en stop motion, esta película es una nueva y muy graciosa entrega de la saga, producida por Aardman Animations y dirigida por Nick Park y Merlin Crossingham. Ganadora recientemente en los premios BAFTA, considerados por los expertos como la antesala del Oscar, y candidata en el rubro Película de animación, está disponible en Netflix.

Según la sinopsis oficial, “Gromit está preocupado por el hecho de que Wallace se haya vuelto demasiado dependiente de sus inventos, lo que resulta justificado cuando Wallace inventa un ‘gnomo inteligente’ que parece desarrollar una mente propia. A medida que los acontecimientos se descontrolan, Gromit tiene que dejar de lado sus reparos y luchar contra fuerzas siniestras... o Wallace no podrá volver a inventar nunca más”.

La película Wallace & Gromit. La venganza se sirve con plumas está disponible en Netflix.

6. Sugarcane. Producido por National Geographic y disponible en Disney+, este impactante largometraje compite en la categoría Mejor documental.

A lo largo de sus 107 minutos, propone una investigación alrededor de la segregación en las iglesias católicas y los numerosos casos de abusos y desapariciones de niños aborígenes cometidos por sacerdotes en internados de Canadá. Estos delitos desencadenan una encendida búsqueda de justicia de parte de familiares de víctimas.

El documental Sugarcane está disponible en Disney+.

7. La única mujer de la orquesta. Otra producción estadounidense que compite en el rubro Corto documental. Este mediometraje dirigido por Molly O'Brien, sobrina de la protagonista, rinde homenaje a Orin O'Brien, una contrabajista pionera y la primera mujer que la Filarmónica de Nueva York contrató en su orquesta. 

Con 87 años y recientemente jubilada, la mujer reflexiona ante las cámaras sobre su destacada carrera. De 35 minutos de duración, está disponible en Netflix.

La única mujer de la orquesta está disponible en Netflix.

8. Incident. Nominado en la categoría que distingue a los cortometrajes documentales, esta producción, que se puede ver subtitulada en el canal de YouTube de la revista estadounidense The New Yorker, cuenta una historia escalofriante que tuvo lugar en la ciudad de Chicago, en 2018.

“Un hombre es asesinado por la policía en la calle. A través de un montaje compuesto de imágenes procedentes de grabaciones de vigilancia y seguridad, así como de las cámaras corporales de la policía, Incident recrea el suceso y sus consecuencias, presentando vanas justificaciones, altercados e intentos de eludir la culpa. Bill Morrison ofrece una exhaustiva investigación política en busca de la verdad”, señala la sinopsis oficial de este corto, de 30 minutos de duración.

El cortometraje documental Incident está disponible en YouTube.

9. Elton John: Never Too Late. Con el tema del título, nominado en la categoría que premia a la mejor canción original, este documental llegó a la plataforma Disney+ en diciembre y tiene como protagonista al músico Elton John.

“Elton John: Never Too Late acompaña a Elton John en sus reflexiones sobre su vida y los impresionantes primeros tiempos de sus 50 años de carrera, en un viaje de gran carga emocional, íntimo e inspirador que cierra un ciclo. Mientras se prepara para su último concierto en América del Norte en el Dodger Stadium, Elton nos hace viajar al pasado para recordar los extraordinarios buenos momentos y los desgarradores malos trances de sus primeros años y de cómo superó la adversidad, el abuso y la adicción para convertirse en el ícono que es hoy”, informó la plataforma sobre la película.

La película documental Elton John: Never Too Late está disponible en Disney+.

10. Instruments of a Beating Heart. Esta sensible producción de origen japonés, de 23 minutos de duración, compite en la categoría que distingue al mejor corto documental.

“A los alumnos de primer año de una escuela primaria pública de Tokio se les presenta un reto para el último semestre: interpretar el ‘Himno a la Alegría’ en la ceremonia de ingreso de los nuevos alumnos de primer curso. Ayame, quien a menudo tiene dificultades para seguir el ritmo del grupo, está decidida a tocar un papel importante: el gran tambor”, señala la sinopsis oficial de Instrument of a Beating Heart, que está disponible para ver gratis en el canal de YouTube del diario The New York Times con dirección de Ema Ryan Yamazaki.

El corto documental Instruments of a Beating Heart está disponible en YouTube.

11. I Am Ready, Warden. Producida y dirigida por Smriti Mundhra, esta producción nominada en el rubro Mejor corto documental cuenta los últimos días antes de la ejecución de un hombre llamado John Henry Ramírez, quien permanece preso y condenado a muerte en una prisión de Texas. Después de su estreno mundial en el Big Sky Documentary Film Festival en febrero de 2024, el mediometraje está disponible en la plataforma Paramount+.

El documental I Am Ready, Warden está disponible en Paramount+.

AL/JJD

“La energía masculina creo que es buena, pero la cultura corporativa viró hacia una cosa más castrada”, afirmó Mark Zuckerberg, CEO de Meta, a principios de este año en una entrevista de tres horas en el podcast The Joe Rogan Experiencie. “Es bueno que una cultura celebre un poco más la agresividad”, remató. Meta, Disney, Walmart y McDonald's son algunos de los nombres más conocidos entre las empresas estadounidenses que –en sintonía con el clima político tras la victoria de Donald Trump– se posicionaron públicamente contra la agenda de diversidad, equidad e inclusión (DEI).

Lo hicieron a través de la publicación de memos anunciando que desarman programas, un “rebranding” del lenguaje corporativo, e incluso hasta desplazando a algunos de los empleados que las mismas firmas habían contratado para incorporar la agenda en sintonía con otro clima político, el del 2020, al calor del Me Too y las protestas por el asesinato de George Floyd. 

Si bien aún no existen cifras directas de desinversión en programas de género y diversidad, sí aparecen algunos indicios, como la caída del 63% en las ofertas de trabajo para estos roles en el portal de empleo ZipRecruiter durante 2023; o la merma del 9% en la cantidad de organizaciones con estrategias DEI que publicó la consultora con enfoque de género Paradigm para ese mismo año.

En Argentina, ninguna firma tomó posición pública aún. Consultadas por elDiarioAR, las empresas prefieren hablar en off sobre sus programas –que siguen en pie–, pero no emitir opinión. “Esto se ha politizado mucho y no nos queremos meter en política”, confiesa una alimenticia en diálogo con este medio. En tanto, algunos consultores especializados en estos temas confesaron haber comenzado a recibir consultas para “suavizar” el vocabulario utilizado en algunos comunicados, o el retiro de dinero para determinadas campañas. “Hay que ver qué sucede el 8M o el Día del Orgullo, en el que muchas empresas postean en LinkedIN la bandera, o hacen alguna acción al respecto”, se arriesga el socio del observatorio de Recursos Humanos español Future for Work Institute Rafa Díaz. “No creo que vaya a haber tanta exposición, las empresas se van a desmarcar de esta politización”. 

El derrotero de la agenda DEI en Estados Unidos

“Yo no creo que la decisión sea económica, es estrategia política, de dónde les conviene ubicarse y hay un factor fundamental que tiene que ver con el temor a represalias, por la magnitud de la dureza de las medidas que toma Trump en relación a esto”, reflexiona sobre el caso estadounidense Georgina Sticco, Directora y Cofundadora de la consultora Grow, género y trabajo, que asesora hace 14 años a empresas del país a visibilizar violencias y desigualdades laborales, entre otras cosas, en la cultura organizacional. 

Rafa Díaz también menciona el “temor” a represalias y ambos como punto de inflexión junio de 2023, cuando la Corte Suprema estadounidense falló a favor de la organización Estudiantes por Admisiones Justas contra Harvard, al declarar inconstitucional el uso de la discriminación positiva basados en la raza en los procesos de admisiones universitarias. “Fue un fallo en contra de Harvard y la Universidad de Carolina, pero un mensaje para todas las organizaciones que empezaron a mirar si las políticas implementadas en el marco de la agenda DEI no les iban a causar problemas legales”, explica Díaz. 

Le pasó a Disney, que en diciembre de 2024 dio a conocer que iba a eliminar la trama transgénero su nueva serie, Win or Lose. Su CEO Bob Iger, que hasta hace menos de dos años entró en disputa con el gobernador de Florida, Ron DeSantis, por criticar la ley que restringía la enseñanza sobre identidad de género y orientación sexual en las escuelas primarias, dijo que la empresa ya no hará “activismo político” y comunicó en su último informe a los accionistas que sus negocios “dependen sustancialmente de los gustos y preferencias de los consumidores, que cambian de manera a menudo impredecible”. 

En el medio, DeSantis revocó privilegios especiales de autogobierno en Disney World, perjudicando mucho a la empresa ícono estadounidense.

Este hecho, acompañado del movimiento antiwoke de EEUU con influencers señalando a empresas con posiciones progresistas en redes sociales y luego la victoria de Trump, generaron un caldo de cultivo que termina en los memos internos y comunicados a la bolsa de estas firmas “sobreactuando” una posición anti progresista.

La empresa matriz de Facebook e Instagram, Meta, es uno de los casos más extremos. En un memo interno publicado por medios estadounidenses, anunció la disolución de su equipo dedicado a DEI , con la cabeza del equipo Maxine Williams reasignada a un rol en accesibilidad y finalizó programas de equidad e inclusión, incluyendo su enfoque de “diversa selección” en contrataciones. En el segundo párrafo del mismo menciona la decisión de la Corte Suprema con respecto a Harvard, para demostrar que el panorama legal y político en torno a DEI en Estados Unidos está cambiando.

En un comunicado publicado en su página web en enero de este año, McDonald’s anunció que, tras una auditoría de derechos civiles y el fallo de la Corte Suprema en el caso Harvard, evaluaron el impacto legal en sus políticas y comenzarán a enfocarse más en la “inclusión” que en la “diversidad”. Eliminaron objetivos específicos de diversidad en sus niveles de liderazgo sénior y un programa que alentaba a sus proveedores a realizar entrenamientos de diversidad y a aumentar la representación de grupos minoritarios en sus equipos directivos. 

A fines de 2024, Walmart comunicó que no renovaría su compromiso de cinco años con un centro de equidad racial que se creó en 2020 después del asesinato de George Floyd y que deja de participar en el Índice de Igualdad Corporativa de la Human Rights Campaign. Además, la compañía decidió dejar de dar prioridad a los proveedores en función de la raza o el género.

Si bien había algunos indicios, esta catarata de memos “nos tomó a todos por sorpresa”, cuenta Sticco. “Estamos muy acostumbradas al cuestionamiento a la agenda, pero el posicionamiento público va más allá”. 

“Son marcas con un patrón parecido”, relativiza Díaz, que agrega a Jack Daniels, Harley Davidson, Ford, y las de maquinaria pesada John Deere y Caterpillar a la lista: “Son marcas de hombres y tradicionales americanas que adoptan, al igual que Trump, posiciones de igualdad y meritocracia más allá de la etnia. Ese es el mensaje que al final siempre termina siendo económico”. 

Viento de cola para Argentina

Analistas consultados por elDiarioAR coinciden en que el fenómeno está situado en Estados Unidos y aún no se ha expandido al resto del mundo. Sin embargo, sí comienza a haber consultas para matizar algunas palabras que se venían utilizando, o incluso menos cantidad de plata para financiar acciones que tengan que ver con la agenda. 

Consultadas por este diario, muchas firmas nacionales importantes prefirieron no dar declaraciones públicas con respecto al tema. La empresa de cosméticos Natura fue la excepción, destacando su compromiso con la diversidad e inclusión como parte integral de su estrategia.

“Como compañía de cosmética, buscamos impulsar una industria de la belleza que sea inclusiva, real y optimista y eso se logra partiendo de una comunicación positiva y sin estereotipos”, aseguraron fuentes de Natura, firma brasileña que tiene un pie muy fuerte en la Argentina. Entre sus prioridades contemplan una lista de acciones vinculadas a la agenda DEI.

El debate antiwoke en el país se aventura delicado. Las empresas deberán decidir si miran al norte y adoptan posturas más conservadoras, o si continúan apostando por la inclusión. 

NR/MG

Del 1° y el 25 de junio de 1978 sucedió el Mundial de Fútbol de Argentina, con banda de sonido de Ennio Morricone, multitudes en las calles y una reunión cósmica entre la tragedia política y la felicidad social generalizada. 

En ese lapso, la Selección al mando del demiurgo del fútbol arte, César Luis Menotti, gloria deportiva y formador de lenguaje que nunca pudo o nunca quiso explicar las contradicciones que podrían sospecharse de un hombre de izquierda encabezando la fiesta de una dictadura, ganó cuatro partidos, empató uno y perdió otro. 

Cada uno de ellos fue un drama romano: comandantes en jefe en las tribunas y en los vestuarios, futbolistas guerreros, plebe electrizada por el exitismo (versión eufórica del derrotismo). Porque si hay que fechar en la historia argentina un momento en el que el fútbol dejó de ser un juego para convertirse en causa nacional, tal vez haya que concedérselo a aquellos días.

La serie documentada Argentina '78 de Tomás Sposato y Lucas Bucci ofrecida por Disney es la versión vulgarizada de '78: historia oral del Mundial (Sudamericana, 2018), el libro monumento de Matías Bauso, que exploró hasta el agotamiento los enigmas, las turbulencias e, incluso, la sordidez que se movieron en los sótanos de la gloria.

Pero los hechos -este y cualquier otro, sean de la historia o de la vida- se presentan a la curiosidad póstuma como un problema compositivo. Imposible inventariar todos los elementos que le dan vida a un suceso. No hay reconstrucción. Es la ley de la experiencia, invariablemente dominada (arruinada) por el tiempo.

No pasa nada. Si hay un candor refrendado una y otra vez por el género documental, y que es el mismo que pone en juego la arrogancia del “poder” judicial o policial, es la voluntad de verdad. Pero aun cuando esa voluntad haga contacto directo con el fracaso, algo queda de los hechos.

Ese “algo” que queda en la serie de Sposato y Bucci sobre el Mundial ’78 se corresponde menos con el orden de las revelaciones que con el de la complejidad. Su dinámica es la del contraste y el careo de intereses y, también (esto es una delicadeza basada en lo invisible), en las sospechas de omisión, algunas de ellas espectaculares, como cuando Menotti se empecina en hablar exclusivamente de fútbol, como si el Mundial '78 hubiera sido un acontecimiento marciano.

Y, sin embargo, aquello que no dice uno lo dice el otro. Es gracias a la estructura de coro donde se desatan las entonaciones “agregadas”. Daniel Passarella y Mario Kempes, en la línea de recorte impuesta por Menotti en la que el fútbol es una totalidad, pasan por alto los aspectos históricos de sus proezas. Son futbolistas sin mundo que actúan por afuera del tiempo histórico, pero ¿qué responsabilidad podrían tener los gladiadores de la crueldad de Julio César?

Pero la mayor compensación a su clasicismo y a sus formatos de retaguardia es la administración de los archivos históricos, de una calidad visual alucinógena, por la que podemos restaurar el año 1978 bajo un shock de hiperrealismo

Lo que se descubre en esta serie es la utilidad múltiple que tuvo el Mundial, y que alcanzó a distintos sectores de la sociedad. Además de una conmutación momentánea de querellas, de la que el testimonio de Mario Firmenich hablando de fútbol como lo habría hecho José María Muñoz introduce un elemento cuyos alcances no pueden evitar la autoparodia, ni la vergüenza ajena. En cambio, la “suelta” por vía de la euforia estatal de algunos detenidos desaparecidos (más las ejecuciones sumarias, dicho sea de paso), es apenas una gota de ironía cayendo al mar de la masacre.

Como a cualquier serie en la era de la terminación fabril y el control de calidad en la que casi todas las ofertas de entretenimiento parecen buenas, sobre todo las malas, Argentina ’78 compensa sus testimonios de retratos-busto con la calidad de los testigos. Hablan hasta los que no hablaban nunca, y ya no nos importa que sea para escurrirse porque podemos leerles los rostros y, por momentos, sus almas, que es a lo que aspiró toda la vida el retrato.

Pero la mayor compensación a su clasicismo y a sus formatos de retaguardia es la administración de los archivos históricos, de una calidad visual alucinógena, por la que podemos restaurar el año 1978 bajo un shock de hiperrealismo. Son documentos únicos desclasificados de la gloria que les tocó, a los que cuesta no llamarlos lisa y llanamente “realidad”. Con cierta reserva, claro, porque en los hechos concretos de la historia y todas sus profundidades, esas imágenes extraordinarias no eran el documento de lo que pasaba sino de lo poco que se veía de aquello que estaba pasando en otro lado.

Salvo Firmenich, un soldado de sí mismo que ignora la emoción de la duda, la mayoría de los entrevistados se reserva, si no un comentario, algunos segundos de ensombrecimiento. Es la fatalidad inherente al acto de recordar: podemos decir que recordamos, pero no sabemos qué es lo que recordamos. Una sombra de irrealidad que también ataca el análisis y lo pone en su lugar de consideración blanda. Como cuando Ezequiel Fernández Moores, a punto de responder sobre la goleada de Argentina a Perú en Rosario, suspende durante unos segundos lo que va a decir -ahí lo vemos recordar- y le abre camino a ese instrumento de la sabiduría llamado silencio.  

JJB/MF

El 31 de agosto inaugura en Buenos Aires “Mickey, todo empezó con un ratón”, la primera exhibición de arte contemporáneo inspirada en la figura de Mickey Mouse. Esta se inició en Estados Unidos, tuvo su paso por China y Taiwán y ahora hace su debut en Buenos Aires, más precisamente en el CCK, espacio La Gran Lámpara, ubicado en la calle Sarmiento 151. La entrada es libre y gratuita.

La exhibición cuenta con más de 40 obras inspiradas en el icónico personaje de Disney (esculturas, pinturas, collages, dibujos, obras lumínicas, tapices, entre otras disciplinas) realizadas por más de 30 artistas, de los cuales ocho son artistas nacionales y 22 provienen de China, España, Estados Unidos, Inglaterra, Japón y Taiwán.

Entre los artistas nacionales se incluyen Diego Fontanet (@diego.fontanet), Gonzalo Castaño (@squareartgc), José Quartieri (@jose.quartieri), Lolo y Lauti (@loloylauti), y Valentín Gatica (@aquilesarte). También se estrenarán tres obras comisionadas para esta exhibición: una instalación site-specific de Diego Martínez (@ojosconpatas), una obra lumínica de la artista en papercut Johanna Wilhelm (@johanna_wilhelm_papercut) y un mural del artista urbano Chalo Demente (@chalodemente), que terminará de realizarse en vivo el día de la apertura.

Actividades y recorridos

Durante el recorrido de más de 1.000m2 en el séptimo piso de La Gran Lámpara, el público podrá disfrutar del resultado de la imaginación de los artistas en torno a la figura de Mickey Mouse y descubrir la evolución del icónico personaje a lo largo de sus más de 90 años de historia, desde la versión del barco a vapor hasta la más reciente, estrenada en agosto de este año. También podrá disfrutar de una selección de cortos en un área de proyección.

En el último tramo de la exhibición, la protagonista es la música, con un mural realizado por el artista Chalo Demente e inspirado en la tapa del nuevo álbum, “A Whole New Sound”, que debuta el 6 de septiembre con 12 canciones icónicas de Disney reversionadas por algunos de los grupos musicales favoritos de música alternativa, rock y pop-punk como: Boys Like Girls, Magnolia Park, New Found Glory, Plain White T's, Simple Plan, Tokio Hotel, Yellowcard, entre otros. Dentro de esta sala de estilo urbano se encuentra un espacio de exploración artística para que quienes la visiten puedan hacer su propia obra de arte inspirada en Mickey Mouse. Al finalizar el recorrido, podrá accederse a una tienda con productos relacionados a la imagen Mickey.

“Mickey, todo empezó con un ratón” se pensó como una exhibición accesible para personas con discapacidad motriz y visual. Ofrece, entre otros recursos, señalización en braille y audiodescripción de cada obra, y cuenta con un equipo entrenado para brindar apoyo de ser necesario. Se podrá visitar del 31 de agosto al 17 de noviembre, de miércoles a domingo de 14:00 a 20:00.

Es lunes. Termino el último paciente y salgo a los Verdi. Hace unos días en un viaje familiar aproveché las horas de vuelo para revisitar la primera parte de Intensamente, por lo que tengo la historia de Riley y sus emociones bien reciente. Son las 22 y empieza la película puntual. La sala, a pesar de las horas, tiene una buena entrada, síntoma de su éxito. El fructífero viraje de Disney en el estreno de Intensamente 2 fuera de su plataforma tiene un valor añadido. El cine, cuando ocurre compartido entre las paredes de una sala, adquiere una nueva dimensión: que las emociones pueden contagiarse.

Las personas aprendemos a sentirnos seguras. Nuestro Sistema Nervioso Autónomo es el encargado de gestionar nuestra supervivencia regulando la respuesta ante el estrés: actúa como un sistema de detección interno que escanea nuestro entorno y que está constantemente comunicándose y sintonizando con los demás reproduciendo de manera autónoma los estados de quienes nos rodean. Es lo que en psicología llamamos corregulación. 

En una manada, si un animal percibe peligro todo el grupo se pone más alerta y ello aumenta sus posibilidades de supervivencia. Los seres humanos funcionamos exactamente igual. Cuando estamos con personas enfadadas nos hace sentir peor, y cuando estamos con personas que están tranquilas y felices nos sentimos mejor.

Reconozco haber ojeado, antes de ver la película, un par de críticas de titanes de la prensa española. En oposición a lo leído, técnico y adultizado, el valor de esta película no reside en los aspectos técnicos, ni siquiera en los comerciales. Se equivocan los adultos que pican en la tendencia de centrar la crítica en la comparación con la película anterior.

Para ver esta película conviene liberarse de prejuicios y cargas de la vida adulta y adquirir el prisma que los que hoy en día somos adultos tuvimos con series como 'Érase una vez la vida'

Ambas películas, al final de los créditos, comparten dedicatoria: “A nuestros niños”. Mientras que en la primera continúa con un “please don't grow up. Ever” (“Por favor, no crezcas. Nunca”), en la segunda dice “we love you just how you are” (“Los queremos tal y como son”). Y es que para ver esta película conviene liberarse de prejuicios, de cargas y responsabilidades correspondientes a la vida adulta y adquirir el prisma que los que hoy en día somos adultos tuvimos con series como Érase una vez la vida o Érase una vez el cuerpo humano, en donde se trataban de forma simple y amena diferentes aspectos sobre anatomía y enfermedades del cuerpo humano.

La serie se estrenó en el año 1986. Desde entonces la vida ha evolucionado de manera acelerada, no solo por la llegada de Internet, sino por la aparición de nuevos padecimientos y malestares psíquicos, muchas veces fruto de la vida acelerada y los hábitos de una nueva forma de relacionarnos con la propia vida, con el trabajo y con las expectativas.

En la serie de los 80, las explicaciones se realizaban a través de las aventuras de distintos personajes que representaban los órganos, células, etc. En Intensamente, al igual que en Érase una vez la vida, las expresiones psíquicas se nos presentan a través de animados personajes que explican de manera clara y amena su funcionamiento y lo que es más importante: su existencia.

El éxito de una película Intensamente como se hace latente cuando, ante el consumo disparado de ansiolíticos y antidepresivos en la población adulta en las últimas décadas, y al tratarse de una cinta enfocada principalmente a población infantil, ésta cumple una función psicoeducativa atrayendo a miles de personas, en su mayoría niños y niñas, a las salas de cine. El valor es doble. No solo cumple la función psicoeducativa, sino que acerca las generaciones más pequeñas a las salas y a la experiencia del cine. 

Atendiendo a las estadísticas, es probable que algunos de los detractores más prestigiosos de esta película se hayan puesto finos de benzodiacepinas a lo largo de su vida. 

Las emociones nos van acompañando en nuestras decisiones a lo largo de la vida, unas favoreciendo, otras entorpeciendo, pero todas necesarias

Las palabras que se pueden leer al final de la película representan lo que cuenta la historia y quién es el público a quien va dirigido. Cómo las emociones nos van acompañando en nuestras decisiones a lo largo de la vida, unas favoreciendo, otras entorpeciendo, pero todas necesarias, como representa el abrazo comunal de Alegría, Miedo, Ira, Asco, Tristeza, Envidia, Aburrimiento, Vergüenza y Ansiedad, las verdaderas protagonistas de la historia, en los últimos minutos de la película. Lo que se cuenta también representa cómo la interacción con nuestro entorno ejerce una influencia directa sobre nosotros, capaz de condicionar nuestras vivencias conduciéndonos a uno u otro destino.

En 1868, el científico Charles Darwin realizó un estudio para probar que animales y humanos compartíamos una serie de emociones innatas y universales, un código que nos sirve para comunicarnos entre especies. Dicho estudio formó parte del libro La expresión de emoción en los hombres y animales publicado en el año 1872, y concluyó que algunas de esas emociones eran la alegría, el miedo, la sorpresa, la ira y la tristeza. Estas representan casi la totalidad de los personajes de la primera película de Intensamente.  

A medida que las personas interactuamos con nuestro entorno y adquirimos nuevas experiencias, activamos nuevas formas de comunicación emocional, entre las que, entre muchas otras, se encuentran el resto de personajes de ambas películas, incluida la ansiedad.

La ansiedad es un componente básico de la condición humana que cumple un cometido concreto: percibir y alertarnos sobre un posible peligro. Su funcionamiento se activa de forma refleja, e involuntariamente. Si este mecanismo genera una sensación constante de preocupación y miedo en situaciones que a menudo no son amenazantes, puede dar lugar a una problemática mayor y afectar significativamente a diferentes aspectos de nuestra vida. Cuando los síntomas de la ansiedad sobrepasan un umbral, podemos sufrir un ataque de pánico, un episodio de angustia y miedo intenso que se presenta de forma repentina, sin que aparentemente exista ninguna causa, acompañado de síntomas físicos como taquicardias, dificultad respiratoria, mareos, sensación de hormigueo, náuseas, despersonalización y desrealización, entre otros.

Esta línea entre ansiedad y pánico podemos verla en uno de los momentos más lúcidos de la película, cuando Riley es expulsada al banco dos minutos en un partido de hockey, tras haber golpeado a una de sus amigas, presa de un estado de ansiedad que la empujaba hacia una expectativa excesivamente ambiciosa: marcar tres goles, uno más de los que había marcado la mejor jugadora del equipo en el mismo tipo de partido, un tiempo atrás. Una idea aparentemente genial del personaje Ansiedad que frustra y bloquea las expectativas de Riley en ese partido y antepone sus necesidades ante el cuidado de sus amistades. La propia emoción se muestra bloqueada e incapaz de salir del trance. En esa secuencia se refleja de manera brillante lo que puede suceder en un ataque de ansiedad. 

La ansiedad puede ser una manifestación de un estrés mantenido en el tiempo. Normalmente el perfeccionismo o unas exigencias poco realistas acrecientan los estados de ansiedad. Por otro lado, el creciente uso y exposición de los jóvenes a las redes sociales hace que sean más propensos a tener problemas de este tipo. En este sentido, en la película, el personaje Aburrimiento entra en un colapso emocional cercano a la ansiedad cuando Miedo le quita la consola con la que maneja el control. Un problema creciente que de un tiempo a esta parte ha sido identificado con el nombre de 'tecnoestrés', algo que algunos autores ya se atreven a denominar como una pandemia mundial de consecuencias relevantes en la salud mental y la economía de la población. 

Según el último informe de la Junta Internacional de Fiscalización de Estupefacientes (JIFE), dependiente de Naciones Unidas, España es el país que más benzodiacepinas consume del mundo. Estamos hablando de fármacos como el Diazepam (Valium), Alprazolam (Trankimacin) o Lorazepam (Orfidal) que se utilizan principalmente para el tratamiento de trastornos de ansiedad. Ante esta situación, la OCU ha denunciado la falta de especialistas de salud mental en Atención Primaria. En la actualidad casi la mitad de las visitas al médico de familia son debidas a problemas de salud mental, prescribiéndose habitualmente este tipo de fármacos porque no hay ni tiempo ni especialistas para valorar el problema adecuadamente y poder optar por otros recursos como la psicoterapia.

El disparatado aumento del consumo de benzodiacepinas no deja de ser la prueba de que no se están tratando de forma adecuada los problemas de ansiedad y salud mental, y de que muchas veces estos fármacos se recetan a la ligera, pero lo más alarmante es que el consumo de tranquilizantes también se ha disparado entre los más jóvenes. El 24,9% de los chicos y chicas entre 14 y 29 años han consumido psicofármacos en los últimos años, muchos de ellos sin receta médica, según el Barómetro Juvenil. Salud y Bienestar.

A este respecto, recientemente se ha publicado un estudio que advierte de la influencia de la industria farmacéutica en salud mental, evidenciando los cada vez mayores niveles de estrés, agotamiento e insatisfacción en la vida de los usuarios. En este sentido, los autores indican que hay una tendencia a incentivar a las empresas farmacéuticas a mantener una comprensión biomédica del malestar para la cual pueden desarrollar y vender psicotrópicos y dispositivos médicos, y no se sorprenden ante el hecho de que un estudio de 2020 descubriera que 7 de cada 10 empresas farmacéuticas importantes gastaron más en ventas y marketing que en investigación y desarrollo. Por si asaltan las dudas, no todos los profesionales de la salud mental pensamos que es una buena noticia que un amigo te diga que está mucho mejor desde que consume X médicamente. 

Por si asaltan las dudas, no todos los profesionales de la salud mental pensamos que es una buena noticia que un amigo te diga que está mucho mejor desde que consume X médicamente

En la ansiedad, la emoción protagonista es el miedo. Los más jóvenes son los que tienen la vida por delante, los que confrontan con las complejidades de una nueva realidad. Los mayores hemos de ir acompañando en la educación y psicoeducación a los más pequeños. “Tenemos que prepararnos”, dice Ansiedad en algún momento de la película. Ella trabaja con proyecciones a futuro, con anticipaciones catastróficas y automatizaciones irreales que cancelan otras emociones como la alegría y el entusiasmo, y dan paso a otras como el miedo, la vergüenza, la ira y la tristeza. Ninguna de ellas es necesariamente perjudicial, sino que conforman un equipo que da identidad a nuestro sistema de creencias, como se ve en el abrazo final entre ellas.

En definitiva, se hace tremendamente educativo ver cómo la alegría puede entristecerse, o ver cómo la tristeza, la ira y el miedo pueden alegrarse. Es necesario realmente entender que podemos invitar a nuestra ansiedad a disfrutar en un sofá de un plácido masaje mientras le ofrecemos una infusión relajante. ¿Por qué no? Ahí reside el comienzo de la despatologización en las nuevas generaciones.

Probablemente, a día de hoy, la saga Intensamente sea una de las mejores aproximaciones psicoeducativas en la historia del cine.

PG

Disney+ estrenó este martes 4 de junio Star Wars: The Acolyte, la nueva serie de acción real ambientada en el universo creado por George Lucas. Un universo que ya abarca seis décadas desde que nació en el año 1977 con la película que luego fue rebautizada como Episodio IV: Una nueva esperanza.

Su historia cambió en el año 2012, cuando el gigante estadounidense compró Lucasfilm a cambio de 4.050 millones de dólares. Disney supo ver la extraordinaria fuerza (nunca mejor dicho) que tenía la marca y el universo, y desde entonces ha explotado exitosamente Star Wars con todo tipo de acciones comerciales, especialmente las audiovisuales en forma de películas y series. Pero curiosamente, no se atrevía con las series de acción real, fiando sus historias con actores y actrices sólo al cine.

Su historia volvió a cambiar en el año 2019, cuando The Mandalorian se convirtió en su primera serie de acción real. Y el resultado fue genial, tanto para los fans como para los no fans de la saga: una serie no tan centrada en el canon y la línea de las películas, con un protagonista nuevo y no extraído de la gran pantalla, que permitía ensanchar y conocer más el universo de Star Wars acogiendo a su vez cameos clásicos.

La aclamación popular por The Mandalorian fue absoluta, y logró convencer a los exigentes fans de Star Wars. Disney se animó entonces a probar series siguiendo dos estrategias: ahondando en personajes ya conocidos de su amplio universo (Obi-Wan Kenobi en 2022 y Ahsoka en 2023) y creando historias alternativas nuevas (El libro de Boba Fett en 2021, surgida como spin-off de The Mandalorian, y Andor en 2022).

Y aunque es cierto que El libro de Boba Fett no fue un experimento acertado, y de hecho sus últimos capítulos parecieron convertirse en una media temporada extra de The Mandalorian al rescate de la ficción, tanto The Mandalorian como Andor marcaron el camino: abrir el universo de Star Wars con personajes nuevos e historias que permitan ir más allá de lo que ya se sabe especialmente por las películas. Y esa es la estrategia de la que parte Star Wars: The Acolyte.

Por qué la serie es muy importante para Star Wars...

En su sinopsis oficial, Star Wars: The Acolyte se presenta así: “Es un thriller de misterio que llevará a los espectadores a una galaxia de secretos sombríos y poderes emergentes del lado oscuro en los últimos días de la Era de la Alta República. Una antigua Padawan se reúne con su Maestro Jedi para investigar una serie de crímenes, pero las fuerzas a las que se enfrentan son más siniestras de lo que jamás habrían imaginado”.

La nueva serie es muy importante para el universo de Star Wars porque se ambienta en la era de la Alta República, unos 100 años antes de los hechos que narra el Episodio I: La amenaza fantasma (1999), siendo el primer gran producto audiovisual que explora esta época que hasta ahora sólo había sido tratada en novelas y cómics. En ella, los Jedi viven su período de máximo esplendor, cuando más poder tienen y mientras la República se expande por el universo permitiendo unos años de paz y estabilidad.

Dicho de otra forma, The Acolyte se convierte en la primera historia, ya sea en forma de serie o película, de la línea temporal de Star Wars, ya que todas las demás se desarrollan durante el declive de la República, el asalto al poder del Imperio Galáctico, la lucha de La Resistencia, el logro de la Nueva República, o la amenaza de la Primera Orden. Pero si no eres fan de la saga, no te preocupes: el contexto es mínimamente necesario, porque The Acolyte es una serie diferenciada y con entidad propia.

...Y por qué la saga no es importante para ver 'The Acolyte'

Lo que en este caso ofrece la creadora y showrunner Leslye Headland (tras triunfar con la aclamada serie Muñeca rusa / Russian Doll) es una serie de investigación de corte policíaco. Puede sonar extraño, pero repite en parte el esquema de The Mandalorian, que no deja de ser un western que acoge otros géneros y estilos aprovechando su naturaleza de capítulos autoconclusivos, casi como un procedimental. En The Acolyte, vemos a Jedis investigando una ola de asesinatos en serie que afectan directamente a su Orden, basándose en ese estilo de policíaco de investigación que acoge otros géneros como la acción y el drama, pero este sí con mayor continuidad en sus capítulos, no tan autoconcluyentes como su modelo The Mandalorian.

La intención de marcar su propia historia está representada, en trazo grueso, por unos protagonistas completamente nuevos en su universo: Amandla Stenberg es la más destacada por un papel “doble” como Osha y Mae que permite desarrollar la trama principal, y está acompañada por un equipo de Jedis que encabeza Sol encarnado por Lee Jung-jae (al que de Maestro cuesta reconocerle como protagonista de El juego del Calamar), el caballero Yord Fandar interpretado por Charlie Barnett (que intenta hacer méritos ante el maestro), y su padawan Jecki Lon a la que da vida la actriz hispano-británica Dafne Keen (y cuya inteligencia y desparpajo la hacen destacar). Desde el primer momento, las aventuras permiten introducir a más personajes.

Pero en trazo fino, The Acolyte quiere sobre todo marcar su propio estilo. Lo deja claro desde la primera escena, protagonizada por la actriz Carrie-Ann Moss como la maestra Jedi Indara, que ya ha quedado para la historia del cine como Trinity en Matrix. Con ella, la saga parece recibir un inesperado homenaje que marca una diferencia muy palpable con la línea original: menos duelos de sables láser, y más artes marciales en cámara lenta, al más puro estilo de Matrix y de su 'tiempo bala', aunque menos acusado, como ya se veía en Blade y Blade II o como en últimos años ha potenciado Zack Snyder. Esa primera escena marca la intención de volver esta aventura de Star Wars menos galáctica y más cerca del kung fu, y deja ver nuevas habilidades Jedi más vinculadas con el arte de la meditación y la introspección relacionadas con las culturas orientales y en tradiciones como los samuráis.

Disney no sólo “copia” el modelo de The Mandalorian para ir sobre seguro, sino que en The Acolyte también podemos ver perfiles que nos suenan de otras películas y series de Star Wars: su protagonista Osha es una antigua padawan respondona y con mucha personalidad, lo que recuerda a Anakin Skywalker. Está acompañada por un androide 'de bolsillo' llamado Pip al que sólo entiende ella, lo que recuerda a R2-D2 o a BB-8. Y su mentor, el Maestro jedi Sol, es sabio, comprensivo y compasivo como ya lo fueron Yoda, Qui-Gon Jinn u Obi-Wan Kenobi. En sus personajes cambia el contenido, pero ciertamente no el continente.

Disney confirma cómo expandir con éxito su universo

Para elaborar este artículo, se vieron los cuatro primeros episodios de esta serie compuesta por ocho capítulos de unos 40 minutos. Pese a tener que presentar a muchos personajes y contextos, destaca la habilidad para hacer que al término de su primera entrega ya conozcamos a Osha y sepamos cuáles son sus vínculos con los Jedi, y sobre todo que se introduzca el drama familiar que sirve de explosión para toda la trama. También para no ocultar su vertiente más política, en una saga que siempre se ha analizado desde esa perspectiva de buenos y malos, de izquierda y derecha, de la que George Lucas habló recientemente en el festival de Cannes como informó elDiario.es.

The Acolyte llega a Disney+ como una nueva aproximación al enorme universo de Star Wars, y logra ampliar esas fronteras sumergiéndonos en su intriga como un thriller de investigación. Supone una alternativa refrescante e interesante que volverá a recibir el beneplácito de los fans, y a la que podrán asomarse los no versados en el mundo creado por George Lucas, aunque quizás no con tanta devoción como The Mandalorian por tener un ritmo más pausado y reflexivo propio de las pesquisas de su trama.

Lo que está claro, tras lo demostrado por The Mandalorian y Andor, es que Disney+ parece haber encontrado la tecla para explotar Star Wars, que pasa no tanto por ahondar en historias ya parcialmente conocidas (como con Obi-Wan Kenobi y con Ahsoka, a la espera de Lando) sino por crearlas desde un punto más recóndito de su galaxia, como también hará en la próxima Skeleton Crew que llegará a final de este año. La ciencia ha demostrado que nuestro universo se expande, y el de Star Wars también ha hallado cómo hacerlo con éxito.

La compañía Disney anunció que invertirá 1.500 millones de dólares para hacerse con parte del accionariado de Epic Games, la marca creadora de 'Fortnite', uno de los videojuegos más populares del mundo con 100 millones de usuarios mensuales.

La inversión fue anunciada por el CEO de Disney, Bob Iger, en una entrevista con el canal económico CNBC. “Representa probablemente nuestra mayor penetración hecha nunca en el mundo del videojuego”, afirmó el ejecutivo después de comunicar los resultados trimestrales de la compañía, bien recibidos por los inversores y que hicieron subir sus acciones un 5,83%.

La multinacional aspira a construir con la ayuda de Epic un “universo de juegos y entretenimiento” para los fans de sus principales franquicias, como Pixar, Marvel y Star Wars.

Iger no precisó el valor que la inversión de Disney representará en Epic Games, una compañía que no opera en Wall Street. En cambió, expresó que “no solo es oportuna, sino que representa un importante paso cuando mirás las tendencias demográficas sobre cómo pasan su tiempo las generaciones Alfa y Z y hasta los 'millennials'”.

Epic Games firmó recientemente acuerdos de colaboración del juego o los contenidos de 'Fortnite' con otros gigantes del entretenimiento como Lego y Harmonix. “Disney fue una de las primeras compañías en creer en el potencial de unir sus mundos con los nuestros en Fortnite, y utilizan Unreal Engine [el motor de desarrollo de videojuegos de Epic] en toda su cartera”, declaró Tim Sweeney, fundador y CEO de Epic.

Cada primero de enero vence la protección del derecho de autor de todo tipo de obras. En 2024 entran al dominio público publicaciones culturales de 1928 como Orlando de Virginia Woolf, El amante de Lady Chatterley de DH Lawrence, La llamada de Cthulhu de HP Lovecraft o la película El cameraman de Buster Keaton, y también la obra de autores españoles fallecidos en 1943, como Carlos Arniches. En España, las obras se desprotegen entre 70 y 80 años después de la muerte de su autor, pero los países son libres de establecer otros plazos. En Estados Unidos, la lucha legal por extenderlo estuvo hasta tal punto encabezada por Disney, que se apodó a la ley que lo consiguió como De Protección de Micky Mouse. Pero esa demora termina en unos días. Es el principio del fin del copyright para ese ratón.

Cuando Christopher Robin empezó a ir a la universidad, las visitas al Bosque de los Cien Acres disminuyeron y sus amigos animales quedaron abandonados a su suerte. Llegó el invierno, y para sobrevivir tuvieron que comerse al burro Igor. Winnie the Pooh y Piglet, presos del trauma, emprendieron una sangrienta venganza contra los humanos en una historia que, en verdad, nunca escribió A.A. Milne. Tampoco la desarrolló Disney –aunque su película Christopher Robin, de 2018, fuera bastante tétrica–, sino un pícaro llamado Rhys Frake-Waterfield. Su película de terror, Winnie the Pooh: Miel y sangre, fue posible en 2023 porque las creaciones de Milne habían saltado al dominio público.

Miel y sangre, estrenada este 2023, ya trama una secuela donde Tigger se una a la fiesta gore. Tigger no pudo aparecer en Miel y sangre porque había debutado de forma tardía en los libros de Milne, hacia 1929, y sus derechos aún no estaban disponibles para que cualquiera pudiera recurrir al personaje. Pero eso cambiará pronto, y Frake-Waterfield planea todo un universo cinematográfico en torno a creaciones pop de dominio público. Así que también quiere rodar Bambi: The Reckoning y Peter Pan’s: Neverland Nightmare, donde aprovechará la “libertad” de los personajes de Felix Salten y J.M. Barrie. Siempre con cuidado de que su versión no recuerde a las películas Disney, pues existe un determinado diseño que le sigue perteneciendo a la compañía. Por eso el Winnie the Pooh de Miel y sangre no tenía una camiseta roja.

Las adaptaciones gamberras de personajes míticos que son posibilitadas por la legislación de derechos de autor en EEUU –mucho más estricta que la de otros lugares del mundo– no suponen nada nuevo. Quizá su expresión más popular sea la novela y posterior película de Orgullo y prejuicio y zombies, aunque en los últimos años parecen más presentes que nunca. El gran Gatsby de Scott Fitzgerald pasó a dominio público en 2021 de forma que ya hay novelas añadiendo zombies y una película de animación en camino, mientras que películas como The Mean One se aprovechan de un vacío legal: aunque al Grinch del doctor Seuss aún le quede mucho para acoger ese estatus, el director Steven LaMorte defendió que “la parodia está protegida por la Constitución” para mostrar al personaje matando gente en Navidad.

Y volvemos a Disney. Disney se ha aprovechado históricamente del dominio público –ahí están los cuentos de hadas, que llegan hasta Frozen saqueando La reina de las nieves de Andersen–, pero a la vez ha protegido con extremo celo sus propias creaciones. Hasta el punto de modificar las leyes estadounidenses de copyright y lograr mantener a Mickey Mouse (su personaje insignia) fuera del dominio público 95 años. Aunque el 1 de enero de 2024 todo acabará. Una versión del ratón pasará al dominio público, solo que en unas circunstancias que quizá dificulten su aparición en alguna película comiendo niños o masacrando a otros animales.

El primer Mickey Mouse

Lo curioso es que el Mickey Mouse que quedará fuera del control de Disney en 2024 era, originalmente, un tipo bastante violento. Su presencia en El botero Willie, cortometraje estrenado en 1928, le encontraba torturando sin piedad a varios animales para generar música frente a Minnie, quien también pasará de forma inminente a dominio público. El botero Willie (originalmente Steamboat Willie) fue la obra donde ambos debutaron: un corto enormemente influyente por ser una de las primeras piezas animadas con sonido sincronizado –Walt Disney se había sentido inspirado por el estreno de El cantor de jazz, primer filme sonoro de la historia, el año anterior–, que a su vez había nacido también de una disputa de derechos.

Mickey Mouse no había sido el primer animal carismático en protagonizar los cortos de Walt. Antes estaba Oswald el Conejo Afortunado, que tras el paso de Disney por las producciones que combinaban acción real y dibujos animados –las llamadas Comedias de Alicia–, había sido la exitosa introducción de la factoría Disney en la animación pura. Pero lo de Oswald no había terminado bien. El productor asociado a Walt y su mano derecha Ub Iwerks, Charles Mintz, se las había ingeniado para que el contrato que firmaran perteneciera a Universal y apenas un año después les arrebató a Oswald, con varios animadores de Disney junto a él. Disney e Iwerks se quedaron sin personaje que protagonizara sus cortos.

Oswald volvería al redil en 2006, gracias a un trato con el que Universal cambiaba al conejo por el comentarista deportivo Al Michaels (que trabajaba en ABC, bajo control de Disney). Fue una reparación histórica que, no obstante, se sintió más bien como una guinda en la hegemonía industrial que ya había alcanzado Disney por entonces: todo gracias al ratón que diseñaron para sustituir a Oswald en los años 20. El Mickey que nació en 1928, para protagonizar El botero Willie, es justo el Mickey del que Disney perderá la exclusividad en 2024. Solo de 'este' Mickey: un ratón en blanco y negro, de larga cola y morro alargado, y actitud mucho más taimada que las versiones más modernas y bondadosas de Mickey.

La cuestión es que Disney ha luchado con denuedo para que esto no suceda. Originalmente la Constitución de EEUU fijaba la expiración de los derechos de autor en 14 años, prorrogables a otros 14 y garantes de una renovación proporcional: esto es, 56 años. Disney se ajustó a esta cifra con el Mickey de El botero Willie, así que el personaje permanecería en el redil hasta entrados los años 80. En este tiempo hubo quien pudo experimentar las consecuencias de desafiar la protección: llegado 1971 Dan O’Neill escribió un cómic satírico titulado Air Pirates Funnies donde Mickey aparecía traficando con drogas y practicándole un cunnilingus a Minnie. El resultado fue una multa tan holgada como para que O’Neill, sin poder pagarla, tuviera que comprometerse a no dibujar a Mickey nunca más. En ningún contexto.

Poco después, en 1976, las presiones de Disney lograron que el Congreso ampliara la proyección a 75 años, de forma que la Casa del Ratón pudiera litigar con la Academia de Hollywood por un embarazoso suceso a finales de los 80. La gala de los Oscar de 1989 empezó con un número musical donde Rob Lowe cantaba junto a una actriz disfrazada de Blancanieves. El resultado fue tan cutre como para pasar a los anales de la ignominia de Hollywood, pero es que además Disney demandó a la organización mientras iba preparando su próximo gran golpe: una nueva prórroga, de implementación tan ruidosa que en 1998 sería conocida como Ley de Protección de Mickey Mouse.

Mickey, ciudadano del mundo

Sonny Bono es conocido por su dupla musical con Cher, pero también por una carrera política que culminó con la Ley de Sonny Bono de 1998. Fue una extensión de la anterior normativa de copyright que proyectaba los derechos de autor a nada menos que 95 años, y durante el proceso habían sido tan determinantes los lobbies de Disney como para que el nombre de Sonny Bono perdiera importancia, en beneficio de Mickey Mouse. Así que la Ley de Protección de Mickey Mouse es la responsable, en definitiva, de que Disney no vaya a perder los derechos de los ratones que protagonizan El botero Willie hasta el 1 de enero de 2024.

¿Es algo que le quita el sueño a Disney? Pues veamos. En 2007 la compañía añadió un fragmento de El botero Willie dentro del logo que introducían las producciones de Walt Disney Animation, ilustrando un deseo de ceñir su identidad actual al Mickey clásico que remataría la nueva serie animada de Mickey Mouse de 2013, inspirada en los dibujos de los años 20. En contrapartida, El botero Willie acabó gratis eventualmente en YouTube, con lo que se percibía un desinterés por salvaguardar al personaje dentro de las instancias inmediatas de la compañía. Y es cierto que, en los últimos años, la compañía no ha mostrado deseos de volver a ampliar el periodo, asumiendo que es inevitable su paso definitivo al dominio público.

El motivo de esto no es demasiado altruista. En Disney son conscientes de que Mickey Mouse está vinculado de forma indeleble a su marca, y puede hacer caer todo el peso de la ley sobre quien utilice el diseño de El botero Willie sin poder demostrar ante un tribunal que no tiene nada que ver con la empresa y su legado. Lo que es, claro, imposible. “La compañía se protegerá contra la confusión de los consumidores causada por el uso no autorizado de Mickey”, han declarado desde Disney. La compañía impediría la venta de merchandising basado en El botero Willie que pudiera dar a entender que son productos Disney o la inclusión de este personaje en alguna nueva obra que pudiera crear alguna confusión sobre quién está produciendo ese trabajo. En la práctica, por tanto, lo único a lo que conduce la expiración de la Ley de Protección de Mickey Mouse en EEUU es a que cualquiera pueda proyectar El botero Willie cuando guste. Algo que ya podía hacer estando el corto disponible en YouTube.

El profesor Daniel Mayeda aclaraba el entuerto en The Guardian: puedes utilizar al personaje tal y como aparecía en El botero Willie para tus historias, “pero si lo haces de forma que la gente piense en Disney, Disney dirá que has violado su marca registrada”. He aquí la razón por la que Disney, en el transcurso de un 2023 donde celebraba su centenario –de forma algo deslucida, por la cantidad de fracasos en taquilla–, no se ha molestado en intentar proteger a su personaje más preciado. Apenas hay posibilidades de que el dominio público les vaya a afectar de algún modo, y el único oponente reseñable con el que ha lidiado últimamente en su pugna por los derechos de autor ha sido… el Partido Republicano.

“Gracias a las protecciones especiales del Congreso, empresas woke como Disney han ganado millones complaciendo a los activistas woke. Es hora de eliminar los privilegios de Disney y abrir una nueva era de creatividad e innovación”. Estas palabras pertenecen al senador Josh Hawley de Misuri, que en mayo de 2022 propuso la Ley de Restauración de Cláusula de Derechos de Autor: una que no solo reduciría el margen de los derechos de autor, sino que podría aplicarse de forma retroactiva a quienes se hubieran beneficiado de anteriores normativas. Es decir, una ley promulgada abiertamente para dañar a Disney.

Y no por defender la “creatividad e innovación”, claro. Es una represalia del Partido Republicano después de la oposición a la homófoba ley Don’t Say Gay de Florida que entabló Disney meses antes, tras las protestas por el descubrimiento de que la empresa financiaba a los mismos impulsores de esta medida. La Ley de Restauración ha sido considerada anticonstitucional y no es probable que se apruebe nunca pero –aunque sea por las razones equivocadas– ha sido la única resistencia a un imperio de la propiedad intelectual alargado durante un siglo. Uno que parece que se extenderá durante muchos años más. 

El ministro de Economía, Luis Caputo, anunció una devaluación en el tipo de cambio. Así, el dólar minorista opera en $820 en el Banco Nación.

De acuerdo con la resolución 5463 de la AFIP, desde este miércoles 13 de diciembre, el dólar oficial más impuestos tiene un recargo del 60% para los gastos en el exterior a través de tarjeta de débito o crédito, incluidos los servicios de streaming.

¿Aumentará el valor de Netflix, Spotify y otras plataformas de streaming?

Para los casos en que los consumos en moneda extranjera se paguen en pesos, aumentará el valor a pagar. Esto incluye a servicios como Netflix, Spotify y otras plataformas de streaming. Además, el costo final dependerá de la jurisdicción del titular de la tarjeta y radicación del plástico.

En ese sentido, el dólar tarjeta estará compuesto de la siguiente manera:

De esta manera, la suma del dólar oficial más a los impuestos da un total de $1320.

Cuáles son los nuevos precios de Netflix en Argentina

Aquí, una lista de los precios actuales de los servicios de streaming más populares y cuál será su precio real cuando se debiten de la tarjeta. El precio entre paréntesis es el que pagarán los usuarios, tomando el precio base de referencia y sumando el 59 por ciento de impuestos.

Netflix

Spotify

Disney+

HBO Max

Amazon Prime

YouTube Premium

Apple TV Plus

Apple Music

PlayStation Plus

Xbox Game Pass

NB

El año pasado llegó directa a Disney+ una película titulada Chip y Chop: Los guardianes rescatadores. Combinaba diversos estilos de animación con personajes famosos, reflexionaba sobre las dinámicas actuales de Hollywood y colocaba de villano a un remanente del Peter Pan que había contribuido a crear el actor Bobby Driscoll en los 50, pero no formaba parte de un propósito claro de Disney para celebrar su inminente siglo de existencia. Porque, en fin, era una película marcada por la mezquindad —el mencionado Peter Pan se burlaba del trágico destino que Driscoll había tenido tras las cámaras, encasillado en papeles infantiles—, y la animación era abismalmente mediocre. No mostraba la mejor cara de Disney.

La cuestión es que, comparada con un corto que también llegó hace poco al streaming, Érase una vez un estudio, no había grandes diferencias en cuanto al pobre aparato formal y la lógica escaparatista de encadenar guiños en pantalla a la larga trayectoria de la Casa del Ratón. Esos guiños reaparecen en Wish: El poder de los deseos, la película que —esta sí de verdad—, ha sido concebida para celebrar los 100 años que han transcurrido desde que Walt Disney y su hermano Roy fundaran la empresa allá por 1923. Peter Del Vecho, productor, justifica estos guiños. “Desde el principio quisimos que fuera una historia original, eso era importante. Algunos de los guiños encajaron de forma natural en la narración pero, una vez sentadas las bases, pudimos divertirnos añadiendo otros guiños al pasado”.

Chris Buck, director de Wish junto a Fawn Veerasunthorn, justifica así la decisión de que los créditos finales del filme incluyan dibujos pertenecientes a los 59 clásicos de Disney anteriores. “Así podrás ver los 100 años de animación de Disney, con sus diferentes estilos”. No obstante, el parentesco más notable de Wish con la memoria de la compañía se ubica en el mismo argumento. “Una constante en varias de nuestras películas es tener personajes que le piden deseos a las estrellas, y esa fue nuestra principal guía”, asegura refiriéndose a Tiana y el sapo o por supuesto Pinocho, cuya canción When You Wish Upon a Star ha servido habitualmente de melodía para presentar el logo al inicio de cada nuevo clásico Disney.

When You Wish Upon a Star también suena en Wish, meses después de que Disney+ volviera a ser el depósito privilegiado para el desembarco de una obra de carácter historicista: el remake en acción real de la propia Pinocho, a cargo de Robert Zemeckis. Otra película horrenda, impropia del prestigio del estudio al igual que Chip y Chop, sobre la que Disney ha querido correr un tupido velo para centrarse en Wish y asegurar con firmeza desesperada que esta es la película-celebración definitiva. “Sentimos que Walt nos susurraba al oído que esta película debía tratar sobre los deseos”, insiste Buck.

Homenajear desde la propia animación

“Para esta película hemos querido inspirarnos en el mismo estilo artístico que inspiró a Walt”, revela la directora Veerasunthorn. “Con lo que volvimos a esas hermosas ilustraciones de acuarela, propias de libro de cuentos”. Wish tiene, en efecto, un aspecto distintivo frente a películas recientes de Walt Disney Animation. “Pero en lugar de hacer exactamente lo que se hizo en el pasado, ahora podemos emplear una tecnología capaz de introducir al público en ese mundo. Así que quisimos honrar nuestro legado mientras mirábamos al futuro”.

Veerasunthorn razona así el rasgo más llamativo de Wish: esa mezcla de animación 2D y 3D, que parece surgir a horcajadas de una fiebre contemporánea en la animación estadounidense por ajustarse a la hibridación. Es lo que trajo consigo Spider-Man: Un nuevo universo y suele conocerse como animación NPR (Non Photorrealistic Rendering), aunque no hay que olvidar que fue la misma Disney la que contribuyó a popularizar la técnica con su corto ganador del Oscar en 2012, Paperman. Un año antes, la Casa del Ratón había estrenado el que sería hasta la fecha su último largometraje de animación tradicional, Winnie the Pooh.

Desde entonces los dibujos 2D solo han reaparecido dentro de un largometraje de Disney para un segmento concreto de El regreso de Mary Poppins, y ni están ni se les espera en Wish. Del Vecho sostiene, a pesar de todo, que “el 2D sigue muy vivo en el estudio” y “claramente” les influyó en Wish. “Esta película toma lo mejor de la animación dibujada a mano, sin dejar de ser enteramente CGI. Lo que queríamos era desarrollar un aspecto y un estilo que recordara a las películas clásicas”, añade. Por otra parte, está el hecho de que originalmente Wish sí iba a ser un largometraje de animación tradicional, justificado por su carácter de homenaje, pero ya iniciada la producción los responsables cambiaron de idea y optaron por la mezcla.

El aspecto visual de Wish evidencia este volantazo. La animación en tres dimensiones que hoy por hoy aún es norma en la industria estadounidense tiene preeminencia, así como el característico diseño de personajes que esta trajo según Disney se introdujo en dicho campo (particularmente entre Enredados y Frozen). Como este no ha cambiado, ni ha habido un pensamiento aglutinante desde el principio, el NPR termina antojándose más bien como un maquillaje, que en el mejor de los casos pasa desapercibido o, en el peor, inyecta una molesta sensación 'filtro de Instagram' a la expresividad de los rostros.

A ese nivel, Wish es el alumno menos convincente de una escuela que verdaderamente—y dejando de lado los abusos laborales— está siendo muy beneficiosa para el medio en términos creativos, y palidece frente a la contundencia de la reciente Ninja Turtles o El gato con botas: El último deseo. Esta última tiene un vínculo nítido con Wish, pues partía igualmente de las ilustraciones de libro de cuentos. La diferencia es que aquí se actualizaba el diseño de los personajes de Shrek para corresponder a la decisión, algo que Wish no hace por preferir un regreso a coordenadas más cosméticas que finalmente determinantes.

Es lo que nos lleva a la publicitada relación de aspecto de Wish. El 2:55:1, un rutilante formato panorámico que Disney no empleaba desde La bella durmiente en 1959. Título a cuya ambientación medieval también pretende recordar Wish. “La bella durmiente fue la gran influencia, claro”, confirma Veerasunthorn. “Este formato es ideal para una experiencia en el cine, y desarrollamos la película específicamente para esta relación de aspecto. Queríamos resaltar la belleza de cada plano, cada diseño y cada textura, asegurándonos de que la composición sirviera a la experiencia”. Son planos efectivamente amplios e inmersivos pero, ¿sirven de algo cuando lo que encuadran no es tan estimulante como se pretende?

Cuidado con lo que deseas

Wish nos sitúa en un reino imaginario, Rosas, inspirado levemente en la península ibérica. El Rey Magnífico gobierna a la población mediante un enrevesado sistema de deseos cumplidos o por cumplir: un sistema que la joven Asha descubre como amañado y se rebela contra él. Según aparece una estrella que puede conceder deseos de forma mucho más anárquica que el malvado Magnífico, Wish da paso a un desfile de animales parlantes que cantan, hacen chistes y en general ponen cuerpo a la mayor parte de los guiños a la tradición Disney.

Entre ellos destaca la cabra Valentino, cuya irregular comicidad da cuenta del encorsetamiento en el que parece que Wish se ha querido meter voluntariamente. Los lugares comunes son pues una constante en la película de Buck y Veerasunthorn, y subrayan lo derivativo de un conjunto a mucha distancia de la excelencia de recientes producciones de Disney como Encanto, Raya y el último dragón o Frozen 2. Lo que no quiere decir que la película carezca de puntos de interés o eficacia, garantizada por las oportunas actualizaciones de la fórmula Disney que la factoría ha ido implantando de un tiempo a esta parte.

Asha, de este modo, es una princesa Disney en la senda de Elsa y Anna de Frozen. “Lo que distingue a Asha es que no tiene miedo de ser ella misma”, apunta Veerasunthorn. “Está cómoda en su propia piel y es capaz de cuestionar al rey si ve una injusticia”. Funcionando Asha razonablemente bien como heroína, el gran acierto de Wish reside en su villano: un arrogante Rey Magnífico que bebe de los manierismos de su intérprete original Chris Pine, y viene a enmendar la ausencia de antagonistas de peso en las últimas producciones Disney. “Había ganas de crear a otro gran villano”, admite Buck.

Y, junto a un gran villano, vuelven las “canciones de villano”. El número musical ¿Así me lo agradecéis? es absolutamente memorable, con capacidad de aguantarle la mirada a los soliloquios de Úrsula o Scar (en La sirenita y El rey león) y en sintonía a un aspecto innegable de Wish: su solvencia como musical. El tan añorado Renacimiento de los años 90 en Disney cuajó entre otras cosas por amoldarse a los estilemas del espectáculo Broadway, y películas posteriores han sabido mantener su atractivo con relecturas puntuales, asociadas a las mutaciones propias de la escena neoyorquina. Ahí está la insoslayable presencia de Lin-Manuel Miranda (Hamilton) en las bandas sonoras de Vaiana o Encanto.

Miranda no trabaja en Wish, sin embargo. Es Julia Michaels la compositora principal: alguien que es “muy fan de Disney y creció con todos sus grandes musicales”, apunta Del Vecho. “Pero ella escribe música más contemporánea, con lo que de nuevo era una combinación perfecta: respeto a todas las películas que nos precedieron, pero también mirada al futuro”. La música brilla en Wish, pero al igual que el rey Magnífico queda eclipsada por las deficiencias formales y narrativas de la propuesta, y por la sensación general de que no es tanto que los animales cobren vida como que es el catálogo de Disney+ quien lo hace.

De ahí que, sopesando aciertos y fallos, chispazos de creatividad en medio de inercias corporativas, Wish termine cumpliendo igualmente su propósito de representar los 100 años de Disney, y ofrezca una imagen compacta de lo que es hoy por hoy la compañía. Podría ser una imagen más bella o más prometedora, pero es la que es.