Sonny Rollins, uno de los saxofonistas de jazz más influyentes de todos los tiempos y conocido como el 'coloso del saxofón', murió a los 95 años. La noticia se comunicó “con profunda tristeza y gran cariño” en la página web del músico y fue confirmada por su agente, Terri Hinte. No se especificó la causa de la muerte.

Rollins fue considerado una voz de jazz tan innovadora como la de su amigo y contemporáneo John Coltrane, con quien protagonizó el disco Tenor Madness en 1956. Desde entonces, el artista escribió temas que hoy son clásicos del género como Airegin, Doxy y Oleo. También es esencial en su repertorio St. Thomas, una interpretación que reflejaba los orígenes caribeños de su familia.

En total, Sonny Rollins publicó más de 60 álbumes desde finales de la década de 1940 en adelante, incluyendo colaboraciones con Miles Davis y Thelonious Monk. Transformó el jazz, hasta entonces predominantemente bailable o en su totalidad de balada, a un territorio completamente único. Uno de sus discos más célebres, Way Out West (1957), se basó en sus interpretaciones de canciones vaqueras.

Recibió dos premios Grammy a lo largo de su trayectoria. En 2004, fue honrado con un gramófono a la trayectoria artística. Tras realizar giras y actuaciones durante toda su vida, se retiró en 2014 al ser diagnosticado con fibrosis pulmonar. La web de Rollins muestra ahora una reflexión del músico sobre la muerte: “Creo que cuando la persona creativa termina su existencia, continúa en la siguiente. Soy una persona que cree que esta vida no lo es todo. Una persona espiritual no piensa así”.

Entre mayo y junio, Bebop Club recibirá al pianista Julius Rodriguez, la arpista Brandee Younger, el guitarrista y cantante Kirk Fletcher, la pianista Tomoko Ohno, la contrabajista Linda May Han Oh y la cantante Eve Cornelious en una programación internacional que recorrerá distintas tradiciones del jazz contemporáneo, el blues y la música afroamericana.

JULIUS RODRIGUEZ

El pianista y compositor neoyorquino Julius Rodriguez llegará por primera vez a Bebop Club los días lunes 18 y martes 19 de mayo al frente de un quinteto integrado por Emilio Modeste en saxo tenor, Brandon Rose en guitarra, Tyrone Allen II en bajo y Miguel Russell en batería.

Considerado una de las figuras más innovadoras surgidas de la escena jazzística estadounidense en los últimos años, Rodriguez desarrolló una carrera que cruza jazz, gospel, funk, soul y hip hop, trabajando junto a artistas como Meshell Ndegeocello, Wynton Marsalis y A$AP Rocky.

Artista del sello Verve Records, su música combina improvisación contemporánea, groove urbano y una fuerte influencia de la tradición afroamericana, consolidándolo como uno de los músicos jóvenes más comentados de la nueva escena de Nueva York.

KIRK FLETCHER

Los días miércoles 20 y jueves 21 de mayo será el turno de Kirk Fletcher, uno de los guitarristas más importantes del blues contemporáneo. Reconocido por su potente sonido eléctrico y profundo conocimiento del blues clásico, Fletcher desarrolló una sólida trayectoria tanto como solista como acompañando a figuras históricas del género.

Su música combina Chicago blues, soul y funk con una sensibilidad contemporánea que lo convirtió en una de las figuras más respetadas de la escena blusera internacional.

BRANDEE YOUNGER

Los días domingo 24 y lunes 25 de mayo se presentará Brandee Younger, una de las artistas más originales del jazz contemporáneo y responsable de haber redefinido el lugar del arpa dentro del género. Younger llegará acompañada por Rashaan Carter en contrabajo y Allan Mednard en batería.

Primera mujer negra nominada al Grammy en la categoría Best Instrumental Composition y ganadora del NAACP Image Award al Mejor Álbum de Jazz, construyó una carrera singular cruzando jazz espiritual, música clásica, R&B y hip hop, colaborando con artistas como Pharoah Sanders, Ravi Coltrane, Stevie Wonder, Lauryn Hill, Common, John Legend y Beyoncé.

En Bebop interpretará, entre otras composiciones, música de Gadabout Season, su nuevo álbum, grabado para el histórico sello Impulse! Records, junto a Carter y Mednard. El disco —registrado en gran parte en su departamento de Harlem y utilizando el arpa restaurada de Alice Coltrane— marca un giro profundamente personal en su carrera, incorporando texturas electrónicas, improvisación y una estética afrofuturista.

TOMOKO OHNO & RICARDO LEW QUARTET

Viernes 29 y sábado 30 de mayo: la pianista japonesa Tomoko Ohno y el guitarrista argentino Ricardo Lew encabezarán dos conciertos diferentes en Bebop Club, acompañados por Jerónimo Carmona en contrabajo y Oscar Giunta en batería.

El primero, New York Jazz Connection, recorrerá el lenguaje del jazz neoyorquino contemporáneo desde una mirada cosmopolita y abierta a la improvisación. Al día siguiente presentarán Piazzolla y el Jazz, un proyecto centrado en la obra de Astor Piazzolla y sus vínculos con el jazz moderno, combinando sensibilidad tanguera, arreglos contemporáneos e improvisación.

LINDA MAY HAN OH

Los días lunes 8 y martes 9 de junio llegará la contrabajista Linda May Han Oh, una de las músicas más prestigiosas y solicitadas de la escena internacional actual. Nacida en Malasia, criada en Australia y radicada desde hace años en Nueva York, desarrolló una destacada carrera junto a figuras como Pat Metheny, Vijay Iyer, Joe Lovano, Kenny Barron y Dave Douglas, entre muchos otros.

Reconocida por una mirada musical que combina virtuosismo técnico, composición contemporánea e improvisación, Linda May Han Oh se presentará junto a un cuarteto internacional integrado por Greg Ward en saxo, Fabian Almazan en piano y Mark Whitfield Jr. en batería.

EVE CORNELIOUS & MARIANO LOIÁCONO

La programación internacional continuará los días jueves 18 y viernes 19 de junio con la llegada de la cantante estadounidense Eve Cornelious, reconocida figura de la escena jazzística norteamericana, quien tendrá como anfitrión al trompetista Mariano Loiácono.

Las funciones son dobles: 20 y 22.30 h, en Uriarte 1658 (Palermo, CABA) - Entradas desde $ 25.000 a través de www.bebopclub.com.ar, por boletería de martes a domingos de 17 a 20 o en puerta.

Un comienzo

Elwood Buchanan era el solista de trompeta en la Sinfónica de St. Louis. Y tocaba en una big band, la de Andy Kirk. En los finales de la década de 1930 y los comienzos de la siguiente enseñó música en la Lincoln High School y allí tuvo un alumno que, como cualquier joven que tocara trompeta y tuviera algo de talento, quería parecerse a Louis Armstrong. Buchanan prefería a otros, principalmente Bobby Hackett y Harold “Shorty” Baker. Estilistas e introspectivos. Y dicen que le dijo al alumno, en referencia a su vibrato exagerado: “No sacudas así el sonido; ya lo vas a sacudir sin darte cuenta cuando seas viejo”. Según reconoció Miles Davis en su autobiografía, eso le cambió la vida. “Fue mi influencia más grande”, escribió. “Sin duda, él fue quien me mostró el camino”. Ese es un principio posible. Hay, por supuesto, miles. Tantos como Miles, ese que fundó el jazz varias veces. Ese que nació hace 100 años, el 26 de mayo de 1926.

Lo que escuchó Gillespie

Una de las grandes fundaciones del jazz moderno fue el grupo del saxofonista Charlie Parker, a mediados de los ’40. Allí estuvo Davis. Y, por añadidura, su primera grabación con ese grupo, en noviembre de 1945 y cuando aún no había cumplido 20 años, alcanza para refutar por completo una de esas supuestas verdades que alguien creyó haber escuchado de algún otro, que luego se repiten, y se transforman, y vaya a saberse cómo acaban terminando en vaya a saberse qué. Ese lugar común de cierto sentido común que asegura que Miles Davis fue un notable organizador y aglutinador de voluntades musicales, pero no un gran trompetista. Que ese lugar lo tenía Dizzy Gillespie.

Pero resulta que en ese grupo, que en el registro de “Billie’s Bounce” aparece como Charlie Parker’s Reboppers, el trompetista era Gillespie. Y qué él decidió tocar allí el piano para cederle la trompeta a ese recién llegado de 19 años. ¿Qué llevó al gran virtuoso del Be-Bop a esa decisión? ¿Qué fue lo que escuchó ese dios del instrumento en ese principiante que frenaba permanentemente su impulso, que tocaba con un sonido que no respetaba la convención acerca de la belleza, que bajaba la afinación al final de cada frase y que parecía deleitarse más en los grises, en las veladuras y en la sugerencia de lo no tocado que en la afimación y las certezas? Precisamente eso. Davis, en su primera grabación importante (hay una anterior en algunos meses con la olvidada Herbie Fields' Band) y con un grupo de estrellas, ya tenía su firma.

El silencio

Miles Davis casi no tenía voz. La había perdido por gritar en una discusión. Lo acababan de operar para extraerle pólipos de la garganta. Era 1955, debía permanecer callado, gritó y dañó para siempre sus cuerdas vocales. Un año antes había grabado, con Horace Silver en piano, Percy Heath en contrabajo y Art Blakey en batería. “It Never Entered My Mind”, una bellísima canción proveniente de una vieja comedia musical de Richard Rodgers y Lorenz Hart, Higher and Higher, estrenada en 1940. En esa pieza, con ese piano de furiosa delicadeza y modelando cada nota invariablemente hacia el grave, moviéndola de la afinación temperada y manteniéndose al borde del silencio y, claro, sin vibrato, Miles Davis encontró el sonido de lo no dicho.

Jean-Luc Godard deslizó la frase “los travellings son una cuestión moral” en un debate sobre Hiroshima, mon amour –la película de Alain Resnais con guion de Marguerite Duras– publicado por la revista Cahiers de Cinema en su número 97, de julio de 1959. Podría pensarse, parafraseando a Godard, que, para Miles Davis, el vibrato era una cuestión moral. Que nada del sonido estaba pre fijado, ni por la técnica ni por la costumbre. Que, en el sonido, todo debía obedecer a una decisión.

París y el cadalso

En el París de Godard y Cahiers de Cinema, Louis Malle filmó, en 1957, Ascensor al cadalso (Ascenseur pour l’echafaud): un asesinato perfectamente imperfecto, un hombre encerrado en un ascensor y un grupo de jazz –Miles, el gran saxofonista Barney Wilen, René Utreger, Pierre Michelot y Kenny Clarke– que improvisó la música del film mientras lo miraba en una pantalla colocada contra una pared del estudio de grabación. Y una actriz, Jeanne Moreau, que bromeó con la trompeta de Miles. Y una cantante llamada Juliette Greco con quien, en la vida real, el trompetista vivió un romance de film noir.

Segunda fundación

Esa otra clase de blues que anida, se expande y prolifera en Kind of Blue, ese disco grabado entre 1958 y 1959, crea la gramática con la que se articulará todo el jazz futuro. Tanto los que la sigan literalmente como los que la mixturen con el hard bop o se sitúen voluntariamente a un costado, no tendrán más remedio que tenerla en cuenta. Y, los que no, acabarán tomando los caminos personales que siguieron, a posteriori, los aventureros del Kind of Blue –podría haberse tratado del barco de una novela de Joseph Conrad–. Porque, además de Davis, allí estuvieron los otros dos músicos más influyentes de la década siguiente, John Coltrane y Bill Evans.

Por supuesto, ese álbum, lo más consensuado de la historia del jazz junto con las grabaciones de los Hot Five y los Hot Seven de Louis Armstrong, venía de antes, empezando por la relación de Davis y Coltrane, que se remontaba a 1955 y a las históricas grabaciones para Columbia y para Prestige de lo que la historia conoció, con justicia, como el primer gran quinteto de Miles. Pero también venían de antes la progresiva reducción del tema a un motivo; a poco más que un pretexto para la improvisación.

Desde siempre, Davis ya planteaba al tema con variaciones. Y, desde siempre, los desarrollos –y hasta a veces las exposiciones de esos temas– no incluían al conjunto sino a cada uno de los solistas en sucesión. En Kind of Blue los temas ya no son la melodía y la secuencia armónica, variada o no, de una canción preexistente o de alguna creada a imagen y semejanza. Los temas son escuetos puntos de partida. Apenas esbozos. La frase del bajo y los dos acordes de “So What”, los pequeños movimientos ascendentes y descendentes de dos notas, en “Flamenco Sketches”, registrado en abril del 59, que remiten a la “Pieza de la Paz” (“Peace Piece”) que Bill Evans había grabado unos meses antes, en diciembre del 58, y que asoció (para siempre) con “Some Other Time”, la tristísima canción de la comedia On the Town de Leonard Bernstein. Pero, sobre todo, los temas de ese disco desdibujaron definitivamente las fronteras entre tema y solos. Los segundos eran lo primero. Y la improvisación ya no transcurría sobre una base fija de acordes –o su reemplazo por otros– sino a partir de un fluido que creaba su propio ritmo y sus propias armonías, mucho más colorísticas que funcionales. No había melodía y acompañamiento sino una corriente alrededor de una escala y de acordes que, en general, evitaban las relaciones claras de tensión y de reposo. De un modo. Evans, en las notas del disco, lo comparaba con un antiguo arte japonés en el que se dibujaba sobre un papel sumamente delgado en que era imposible interrumpir el trazo y, aún más, borrar o corregir. Allí veía la luz eso que el futuro llamó jazz modal.

Genealogías

Toda la brillante generación –y su estética– que eclosionó en el sello Blue Note a comienzos y mediados de los 60, era hija de Davis y de Kind of Blue. Y el trompetista hizo algo impensado. Se juntó con sus hijos para parir, de nuevo, una nueva música. En mayo de 1963, el pianista Herbie Hancock acababa de cumplir 23 años. Desde 1961 tocaba con Donald Byrd y acababa de grabar con él, en marzo, el disco Vertigo, donde el debutante Tony Williams tocaba la batería. Ese mismo mes grabó, también para Blue Note, My Point of View, un disco publicado bajo el rótulo de Herbie Hancock All Stars. Una de las estrellas era Williams, ese instrumentista deslumbrante, que usaba los dos brazos y las dos piernas de manera independiente, que se asemejaba a un volcán en erupción capaz al mismo tiempo de la delicadeza y las sutilezas más extremas y que, para actuar de noche, necesitaba una autorización escrita de su padre. Hacía tres meses que había cumplido 17 años y desde los 11 estudiaba con Alan Dawson, un gran maestro –por sus manos pasaron estrellas como Vinnie Colaiuta o la notable Terry Lyne Carrington– que, en los 70, sería el baterista del grupo de Dave Brubeck. En abril, Hancock y Williams tocaron juntos en la grabación de Una más (en castellano en el original) de Kenny Dorham. Y el 14 de mayo reemplazaron respectivamente a Victor Feldman y Frank Butler en el registro de “Seven Steps to Heaven”, “So Near, So Far” y “Joshua”, ya como miembros del quinteto de Miles Davis. El contrabajista Ron Carter era algo mayor, tenía 26 años y ya una importante carrera que incluía haber tocado con Eric Dolphy, con Randy Weston y con Cannonball Adderley –uno de los marineros del Kind of Blue–, cuando fue convocado para tocar con Miles a fines de mayo del 63. Durante todo ese año el saxofonista fue George Coleman y, a comienzos de 64, durante una gira por japón y Europa, lo reemplazó Sam Rivers. Y, hacia fin de ese año entró Wayne Shorter, un veterano de 30 años que ya había tocado con Miles en 1962, que había sido la estrella, junto a Lee Morgan, de los Jazz Messengers de Art Blakey y, tal vez, el único heredero de Coltrane que, a partir de allí, desarrolló un estilo inconfundiblemente propio. Y ese fue el segundo gran quinteto de Davis. Y no solo eso. Fue, sencillamente, uno de los grupos más asombrosos de toda la historia del género.

Y, si el free jazz, atemático, frecuentemente atonal y habitualmente polirrítmico al que arribaron John Coltrane, Eric Dolphy y Ornette Coleman fue el Ying de la modernidad, el quinteto de Davis, Shorter, Hancock, Carter y Williams, con más de un punto en común, sobre todo en el aspecto de la polirritmia, pero con una sintaxis diferente, fue sin duda el Yang. Y. como sucedió con ese Big Bang que parece haberlo iniciado todo, no hay materia que no estuviera presente ya desde el comienzo. En enero, el quinteto grabó su primer disco, un álbum titulado con tres letras, E.S.P (las iniciales de Extra Sensory Perception) que, por su importancia pero, sobre todo, por su belleza, debería considerarse a la par de Kind of Blue. Y, en la semana de navidad, realizó, en un pequeño club de Chicago que funcionaba de día como bar de comidas rápidas y que, vaya a saberse por qué, a Davis le gustaba especialmente, una serie de actuaciones, que a lo largo del año se habían ido postergando a causa de problemas de salud del trompetista. Allí, en el Plugged Nickel, el sello Columbia grabó todas las actuaciones. Fueron editadas recién tres décadas más tarde y en Japón. Luego hubo una publicación en 7 CDs y luego en 8, y, en vinilo, una edición numerada del sello Mosaic, adquirible solo por correo. Ahora, para el centenario de Miles, se ha reeditado el álbum de CDs y la caja con 10 Lps por primera vez está disponible para cualquiera que quiera adquirirla (en Buenos Aires eso es posible en Mintons, la única disquería especializada en jazz, en el fondo de la Galería Apolo, en Corrientes entre Uruguay y Talcahuano.

La música es extraordinaria. Nuevamente un big bang. Toda la materia del mundo en expansión. Desde el comienzo Tony Williams está en el centro del volcán. Desde él se propagan las poderosas olas que alcanzan a cada uno de los otros cuatro y, desde ya, a quien escucha. Como solía suceder en vivo, no hacen el último repertorio grabado en estudio sino el del quinteto anterior: “If I Were a Bell”, “Walkin’”, “’Round Midnight”.   Fueron tres sets el 22 de diciembre y cuatro el 23–, el repertorio fue casi el mismo los dos dos días y cada una de esas interpretaciones no podría haber sido sido más diferente de sus versiones anteriores. Y son, por supuesto, muy diferentes entre sí. Pero en todos los casos, los solos muestran una imaginación y una energía asombrosos. Todo eso alrededor del único solo de quien no tiene solos a su cargo, un solo que se extiende durante todos los siete sets de las dos noches y que provee el magma del que se alimenta todo el quinteto: el de Tony Williams.

Varias millas más adelante (Miles Ahead)

Miles Davis militó a favor de la negritud, odió a Chet Baker, que lo desplazó, en alguna encuesta de la revista especializada Down Beat, del lugar de “mejor trompetista” porque era “la gran esperanza blanca” y despotricó más de una vez contra los músicos blancos. Dos de ellos, no obstante, tuvieron con él una alienza creativa fructífera y sostenida, los dos Evans: Bill, el pianista de Kind of Blue; Gil, el orquestador de parte del material que Miles grabó entre 1948 y 1949 y que luego se agrupó en The Birth of the Cool, de Miles Ahead (Miles + 19) de 1957, de Porgy & Bess, del año siguiente, de Sketches of Spain (1959), de Miles Davis at Carnegie Hall (1961), de Quiet Nights (1962), de las grabaciones de ese año con un sexteto que incluyó por primera vez a Shorter, y de algunos registros del 68.

En 1968, por otra parte, el trompetista adelantó de golpe algunas otras millas en su recorrido. Tuvo un proyecto, que finalmente no prosperó, de tocar con Jimi Hendrix, reemplazó a Hancock y Carter por Chick Corea y Dave Holland y, más importante, a sus instrumentos, el piano y el contrabajo, por sus versiones eléctricas. Nacía un nuevo retoño, identificado como jazz-rock. Hubo discos como Jack Johnson y Bitches Brew (otro nuevo mojón), actuaciones como las del Fillmore East y la Isla de White y por allí pasaron algunos de los músicos que más dieron que hablar en los años subsiguientes: Joe Zawinul, Keith Jarrett, Hermeto Pascoal, John McLaughlin. Weather Report, con Zawinul y Shorter, Mahavishnu Orchestra, con McLaughlin, Lifetime, de Tony Williams y Return to Forever, de Corea, ampliaron la familia. Y Davis, que abandonó y retomó varias veces, y que reencarnó en el funk de Tutu, de la mano de Marcus Miller, volvió a reinventarse sobre el final y lo hizo con algún otro disco excelente: Decoy (con John Scofield en la guitarra eléctrica) y Amandla, su último opus de estudio, grabado en diciembre 1988. En julio de 1991, dos meses antes de su muerte, hubo otra reencarnación, la de la Orquesta de Gil Evans, dirigida en esta ocasión por Quincy Jones, en la postrera actuación de Miles, en el Festival de Montreaux.

Miles Davis nació hace cien años. Haber sido el creador de una parte esencial del sonido del Siglo XX ya es mucho. Haberlo hecho varias veces es un milagro.

DF/MF

El 30 de abril se celebra en todo el mundo el Día Internacional del Jazz. Se pretende concienciar sobre la importancia del jazz como herramienta educativa y de promoción de la paz, el diálogo y la cooperación entre pueblos de todo el mundo.

Fue decretado por la UNESCO en el año 2011, con el objetivo de dar a conocer un movimiento musical de gran valor educativo, así como un recurso valioso que contribuye al intercambio cultural, al diálogo y la cooperación entre los pueblos a nivel mundial.

La fecha marca el cierre del Mes de Apreciación del Jazz en Estados Unidos y se convirtió en el punto de encuentro internacional para celebrar esta música y su legado. Desde 2012, miles de ciudades participan con conciertos, clases magistrales, actividades educativas y transmisiones globales.

Cada año, una ciudad anfitriona concentra el Concierto Global All-Star, con artistas de renombre internacional y transmisión en vivo a millones de personas. La UNESCO invita a escuelas, universidades, centros culturales, radios y organizaciones a sumarse con actividades propias.

Este 2026 celebra su 15 aniversario con el All-Star Global Concert en directo desde Chicago. La programación del evento, anunciada por la UNESCO y el Herbie Hancock Institute of Jazz, incluye a artistas como Gregory Porter (Estados Unidos de América), James Morrison (Australia), Tiger Okoshi (Japón), Mandisi Dyantyis (Sudáfrica), Antonio Sánchez (México), Mino Cinélu (Martinica, Francia), entre otros.

En reconocimiento al ilustre legado del jazz en la ciudad —forjado por leyendas como Louis Armstrong, King Oliver y Jelly Roll Morton— Chicago acogerá, hasta el 3 de mayo, una variedad de actuaciones, programas educativos y proyectos comunitarios. Estas iniciativas destacan la capacidad del jazz, a lo largo de su historia y en la actualidad, para inspirar un sentido compartido de humanidad a través de la cultura.

Se celebrarán eventos en todo el mundo organizados por distintos socios en más de 190 países y los 50 estados de EE.UU. Por su parte, la compañía aérea United, con sede en Chicago y patrocinadora del Día Internacional del Jazz, está proporcionando transporte aéreo y apoyo adicional para artistas y educadores.

Los principales programas de la Red de Ciudades Creativas de la UNESCO amplían el alcance mundial del Día Internacional del Jazz, con ciudades miembros de Estados Unidos como Kansas City y la recién nombrada Nueva Orleans, que fomentan el intercambio cultural internacional y promueven la creatividad como motor de un desarrollo urbano sostenible.

¿Qué es el jazz?

El jazz es un género musical que incluye melodías afroamericanas y mezclas de otros ritmos, basados en la improvisación y la libre interpretación.

Tuvo sus inicios en el siglo XIX en los Estados Unidos y en la actualidad se encuentra expandida alrededor del mundo.

Esta corriente musical se ha fusionado con otras tendencias y géneros musicales populares, como el Rock and Roll y el Blues.

El festival de 2025 completo

El jazz como forma de expresión

La música siempre ha representado para los seres humanos un importante medio de comunicación, que aporta grandes beneficios. En este sentido, el jazz es considerado como el lenguaje de las emociones, siendo una forma expresiva y auténtica que tiene la capacidad de humanizar y trascender en la transformación de las personas y de la Sociedad. Mencionamos a continuación algunos aspectos sobre la influencia e importancia de este género musical:

Los grandes músicos de jazz a través de la historia

A través de los años, han existido grandes músicos de jazz que ha dejado un importante legado para las nuevas generaciones. Es un estilo musical muy peculiar, que cada vez gana más adeptos en todo el mundo. A continuación mostramos una representación de grandes intérpretes del jazz que han pasado a la historia por sus bellas canciones y composiciones inolvidables.

El Festival de Jazz de San Nicolás es un encuentro gratuito e internacional que celebra la diversidad del jazz en la ciudad donde Bill Evans dejó su huella histórica, reuniendo grandes figuras y talentos locales.

Organizado por DESA, principal accionista de EDEN, y con el apoyo de la Municipalidad de San Nicolás, y con dirección artística de Nico Sorín, el encuentro se celebrará en cinco sedes especialmente acondicionadas para esta oportunidad: Teatro San Nicolás (con capacidad para 700 espectadores, De la Nación 346), Villa Rocca (Pellegrini 72) y Esquina Menchaca (León Guruciaga y J. M. de Rosas), Colegio de Abogados San Nicolás (Bartolomé Mitre 133), Auditorio Casa del Acuerdo (De la Nación 143). 

Escena local: Leo Postolovsky, Hugo Giménez, Francisco Nava, Groove Fandango y la jam final con “Colo” Silva.

Actividades paralelas:

El festival busca fortalecer la identidad cultural de la ciudad, promover el turismo y generar un espacio de encuentro diverso. “El jazz es libertad —explica Nico Sorin— y la diversidad fue el criterio para armar la grilla”.

AGENDA COMPLETA

📅 SÁBADO 4/10

TEATRO MUNICIPAL

COLEGIO DE ABOGADOS

ESQUINA MENCHACA

VILLA ROCCA

📅 DOMINGO 5/10

 TEATRO MUNICIPAL

CASA DEL ACUERDO

ESQUINA MENCHACA

VILLA ROCA

El próximo jueves 25 y viernes 26 de julio, el club de jazz Bebop será escenario de un cruce internacional entre dos generaciones de trompetistas: el argentino Mariano Loiácono, referente indiscutido de la escena local, presentará su noneto con un invitado de lujo, el estadounidense Duane Eubanks. Habrá dos funciones por noche, a las 20 y a las 22.30.

Nacido en Filadelfia en el seno de una familia musical —su madre es la pianista Vera Eubanks, sus hermanos Robin y Kevin se destacan en el trombón y la guitarra, y su tío fue el pianista Ray Bryant—, Duane Eubanks se formó en Temple University y tomó clases con figuras como Billy Taylor, Wynton Marsalis y Johnny Coles. Su trayectoria incluye colaboraciones con leyendas del jazz como Elvin Jones, Curtis Fuller, Mulgrew Miller, John Hicks, Randy Brecker y Nicholas Payton, entre otros. Integró la big band del contrabajista Dave Holland —con quien grabó dos discos ganadores del premio GRAMMY— y actualmente forma parte de la Roy Hargrove Big Band y la Mingus Big Band.

Aunque su base está en el lenguaje del jazz, Eubanks también ha incursionado en otros géneros: grabó con Alicia Keys, Wu-Tang Clan, Talib Kweli, Mos Def y Kirk Franklin, entre otros artistas. Como solista editó tres álbumes de estudio y un registro en vivo, DE3 – Live at Maxwell’s, que reflejan tanto su lirismo como su potencia expresiva.

En Buenos Aires, se presentará acompañado por el Mariano Loiácono Nonet, una formación de cámara que destaca por su precisión, intensidad y sofisticación armónica. Además de Loiácono en trompeta, fliscorno y arreglos, el grupo incluye a Santiago Bustos (saxo alto), Sebastián Loiácono (saxo tenor), Andrés Tarditti (saxo barítono), Guido Domarco (trompeta y fliscorno), Lautaro Quipildor (trombón), Pablo Raposo (piano), Santiago Lamisovski (contrabajo) y Alejandro Beelmann (batería).

El ciclo se inscribe en el marco del 10º aniversario del Bebop Club, que celebra su primera década con una programación internacional sostenida hasta fin de año. La visita de Duane Eubanks es una de las paradas más destacadas de esa serie: una oportunidad única para escuchar en vivo a una voz fundamental del jazz contemporáneo, en diálogo con lo mejor del talento argentino.

Hay una palabra fatídica: cover. Es una palabra que en el jazz no existe. Mal podría hablarse de “cubrir” cuando la propia materia de esta música es convertirlo todo en propio. Se trata, más bien, de des-cubrir. De develar. De revelar aquello que estaba oculto. El jazz dialoga permanentemente con su historia. Una historia construida, a su vez, por lecturas y relecturas. Todos los fuegos, el reciente último disco de Roxana Amed, pone en práctica esa esencia y parte de una serie de canciones compuestas por cuatro de los compositores más importantes de ese campo difuso conocido como “rock nacional”. En esa idea, en la de pensar esas piezas como punto de partida y no de llegada, radica su primera gran virtud. No es la única.

El jazz se trata, a grandes rasgos, de “volver a tocar” lo ya tocado y de “volver con alguna verdad”, para tomar dos frases de “Dejaste ver tu corazón”, una de las dos canciones de La La La –aquel encuentro entre Luis Alberto Spinetta y Fito Páez–, incluidas en este disco. Pero para los cantantes no es tarea fácil. Si para cualquier instrumentista el secreto pasa por lograr la máxima distancia posible sin que se pierda totalmente de vista el objeto original, para quienes cantan se trata exactamente de lo contrario: mantenerse tan cerca como se pueda, sin dejar de ser creativo. El instrumentista se vale de los solos. Los cantantes están solos todo el tiempo pero no hacen solos. Pueden variar, hasta cierto punto, las melodías. Pueden improvisar en algún momento. Pero una canción es una canción.

Parte de la originalidad de los cantantes es su propia voz: la belleza del timbre, el color. Y en muchos casos no hay nada más, lo que, por otra parte, no está nada mal. A quién podría molestarle una bella voz cantando una bella canción. Podría pensarse, no obstante, que en ese caso no se trataría de arte sino de decoración de interiores. Amed, como Abbey Licoln, Dee Dee Bridgewater, Betty Carter o Cassandra Wilson pertenece a otra clase. A la de las creadoras. Las que fundan un estilo y defienden una estética. No se trata solamente de interpretar canciones poco usuales. Como en el caso del pianista Adrián Iaies, alguien con quien Amed ha tocado (y con quien grabó el notable Cinemateca Finlandesa), lo importante es qué se hace con ellas. O, dicho de otra manera, hasta qué punto se las convierte en materia propia. Y allí es donde aparece la segunda gran virtud de Roxana Amed. Saber la diferencia entre una buena idea y un concepto.

Hacer un disco de jazz con clásicos del rock puede ser una buena idea. Entender cada uno de esos clásicos como una masilla a la que modelar y lograr que esa nueva figura, lejos de traicionarla, la “vuelva a mostrar” con “alguna (nueva) verdad” obedece a un concepto en el que el tratamiento instrumental (y, antes, la elección de los músicos) resulta esencial. El genial Leo Genovese en piano y teclados (integrante del último cuarteto de Wayne Shorter; pieza fundamental de mucha de la producción de Esperanza Spalding), el saxofonista Mark Small (que integra la Darcy James Argue’s Secret Society), Tim Lefebvre (que tocó con David Bowie entre otros) en bajo eléctrico y el baterista Kenny Wollesen (miembro del trío de Bill Frisell) son quienes, junto con Amed, tejen la trama en que cada una de las canciones de Todos los fuegos encuentra, sin forzamiento alguno, una nueva vida que parece haberle pertenecido desde siempre.

Otra pieza de La La La, “Asilo en tu corazón”, más “Vida siempre” –de Bajo Belgrano– y “La sed verdadera” –de Artaud– marcan la presencia de Spinetta –alguien que, en sus acentuaciones y en sus acordes nunca fue demasiado ajeno al jazz–. Páez, además de la mencionada “Dejaste ver tu corazón”, firma “Ciudad de pobres corazones”, la única pista que tiene como arreglador, en lugar de Genovese, al tecladista Martin Bejarano. Dos temas de Peperina, de Serú Girán, pertenecen a Charly García, “Salir de la melancolía” y “Cinema verité”. Y otros dos, “Corazón delator” y “Verbo carne” son de Gustavo Cerati (el primero incluido en Doble vida, de Soda Stereo y el segundo de Bocanada, su disco solista de 1999. El disco se completa con una toma alternativa de “La sed verdadera”, con una presencia más prominente del piano y sin las ráfagas de Small en el saxo soprano, y un tema compuesto por Genovese y Amed, “Diamonds”.

Joe Monticello en flauta (fantástico en “Vida siempre”), Aaron Lebos en guitarra eléctrica y Samuel Torres en percusión, se agregan al equipo principal como invitados. Y Amed se agrega a sí misma en coros (siempre imaginativos). Los arreglos de Genovese, por su parte, son de un gran refinamiento y, al mismo tiempo, suenan sin afectación alguna. Grabado y mezclado en Los Estados Unidos, donde Amed reside desde hace más de diez años, Todos los fuegos exhibe la infrecuente cualidad de ser complejo en su factura y fácil en su escucha. El título remite, según su creadora, a uno de los elementos principales de la naturaleza, pero la referencia a Cortázar resulta inevitable. Como en los cuentos de Todos los fuegos el fuego, aquel famoso libro, lo cotidiano se desliza, sin aviso, hacia lo imprevisto.

Por primera vez en la Argentina, la cantante estadounidense Samara Joy ofrecerá un único concierto en Buenos Aires el próximo 29 de julio en el Teatro Coliseo. Con apenas 24 años, Joy se convirtió en una de las grandes revelaciones del jazz vocal de los últimos años y viene de recibir cinco premios Grammy, entre ellos el de Mejor Nueva Artista, un reconocimiento que rara vez alcanza una intérprete del género.

La presentación en el Coliseo será parte de una gira sudamericana que también incluirá conciertos en Brasil y Chile. Se trata de la primera visita de Samara Joy a la región, en un momento clave de su carrera, luego de consolidarse como una de las voces más influyentes de la nueva generación del jazz internacional. El concierto en Buenos Aires es una producción de Bebop Club, el espacio más importante del jazz en Argentina, que ya presentó en abril pasado al cantante Kurt Elling en el mismo teatro.

Criada en el Bronx, Nueva York, en el seno de una familia de músicos, Joy se formó en la Universidad SUNY Purchase. A partir de sus primeras grabaciones caseras y videos en redes sociales, comenzó a atraer la atención del público y la crítica especializada. Su primer álbum, Samara Joy, fue publicado en 2021, y en 2022 lanzó Linger Awhile bajo el prestigioso sello Verve, consolidando su lugar en la escena internacional. Desde entonces, ha participado en festivales como el Newport Jazz Festival y el North Sea Jazz, y ha sido destacada por su capacidad para reinterpretar los estándares del jazz con una voz que remite a las grandes leyendas del género sin dejar de sonar contemporánea.

Las entradas para el concierto están disponibles a través de la plataforma Ticketek, con 15% de ahorro y 6 cuotas sin interés para quienes abonen con tarjeta Visa del Banco Galicia.

MM

Campeonato de Baile de tango

Arrancó el certamen que reúne a milongueros de todo el país y del mundo en el territorio porteño para seleccionar a los mejores bailarines de tango. La competencia tiene cinco categorías con rondas clasificatorias que se harán en distintos espacios de la Ciudad. En la Usina del Arte (Caffarena 1), mañana se presentará la Orquesta del Tango, con reserva previa. La Usina será la sede de las semifinales, el sábado 10 de mayo, y la Gran Final, al día siguiente. Toda la programación se puede consultar en tangoba.org

La Feria de las Regiones celebra Cuyo

Vinos, chocolates, alfajores, aceites de oliva y mermeladas caseras serán algunos de los sabores que se podrán probar en una nueva edición de la Feria de las Regiones, el evento que celebra las tradiciones de todo el país con lo mejor de su gastronomía, música y danzas folklóricas. Esta vez, las provincias de Mendoza, San Juan y San Luis serán las homenajeadas. Se hará este sábado, de 11 a 17, en la Plaza Ciudad de Udine (Camarones y Chivilcoy). 

Banda Sinfónica

Este sábado a las 20, la Banda Sinfónica de la Ciudad ofrecerá un concierto gratuito en el Auditorio de la Usina del Arte (Caffarena 1). Bajo la dirección del maestro Nicolás Kapustiansky, brindará un homenaje a Martín Darré que fusionará lo sinfónico con el tango. Reserva previa en https://www.formulariosgcba.gob.ar/e2ZQ0od7ypMJ1G6naJzw/canal/web.

MaraTANA

Este domingo se disputará la tercera edición de MaraTANA 2025, la carrera solidaria de la comunidad italiana que recorre las calles de Palermo, con distancias de 3, 10 y 15 kilómetros. Parte de lo recaudado se destinará a la “Casa de Amistad”. La largada será en el cruce de las avenidas Dorrego y Figueroa Alcorta a las 8. Es con inscripción previa en https://www.clubdecorredores.com/carreras/177/Maratana/

Atardeceres en la Ciudad

Una iniciativa gratuita para ver la puesta de sol al aire libre en Parque Carrasco (Av. Costanera Rafael Obligado y Jerónimo Salguero) con DJ sets en vivo, zona de juegos retro, metegol y foodtrucks para acompañar la jornada. Se hará el domingo de 12.30 a 18. El estacionamiento, como el acceso, es gratis y por orden de llegada.

Feria del Libro

Continúa la 49° edición de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, el evento literario más importante de Argentina. Hasta el 12 de mayo habrá actividades en el predio de la Rural (Av. Santa Fe y Av. Sarmiento), que cuenta también con un stand de la Ciudad donde se desarrollan actividades para grandes y chicos.

Jazz en el Anfiteatro

El cuarteto integrado por Ricardo Nolé, Lio Biondelli, Julián Montauti y Martín Vicente presenta su primer disco, Nai´s Groove, en el Anfiteatro del Parque Centenario (Av. Lillo y Leopoldo Marechal) este domingo a las 16. La entrada es gratis y por orden de llegada. Y se suspende por lluvia.

Festival del Asado y la Empanada

El sábado y el domingo se celebrarán dos de las comidas típicas más representativas de Argentina. Habrá más de treinta puestos que ofrecerán cortes de diferentes carnes y todas las variedades de empanadas según la provincia. Se hará en el Hipódromo de Palermo (Av. Del Libertador 4100), de 12 a 23.

Orquesta Filarmónica en el Colón

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires brindará su segundo concierto de abono del año en el Teatro Colón con la dirección de la maestra Zoe Zeniodi. El programa estará compuesto por obras de Haydn y Bruckner. Será este sábado a partir de las 20. Las entradas se pueden comprar en la boletería del Teatro (Tucumán 1171) o a través de https://entradasba.buenosaires.gob.ar/.

La Calle de los Títeres

El Espacio Cultural del Sur (Av. Caseros 1750) será anfitrión de la celebración del aniversario de La Calle de los Títeres, un grupo que cuenta historias a través de los títeres hace más de 35 años.

Habrá talleres creativos y funciones para toda la familia. Se hará el domingo desde las 15.30. Gratis.

Para que vuelva la música

La Orquesta Académica del Colón ofrecerá un concierto solidario a beneficio de su par de Bahía Blanca e Ingeniero White para reunir fondos y reponer los instrumentos perdidos por la inundación que azotó al municipio bonaerense en marzo. Se presentará el martes a las 20 en el Colón (Tucumán 1171) y las entradas se pueden comprar a través de https://entradasba.buenosaires.gob.ar/.

MU

El 30 de abril se celebra en todo el mundo el Día Internacional del Jazz. Se pretende concienciar sobre la importancia del jazz como herramienta educativa y de promoción de la paz, el diálogo y la cooperación entre pueblos de todo el mundo.

Origen del Día del Jazz

Fue decretado por la UNESCO en el año 2011, con el objetivo de dar a conocer un movimiento musical de gran valor educativo, así como un recurso valioso que contribuye al intercambio cultural, al diálogo y la cooperación entre los pueblos a nivel mundial.

El jazz es un género musical que incluye melodías afroamericanas y mezclas de otros ritmos, basados en la improvisación y la libre interpretación.

Tuvo sus inicios en el siglo XIX en los Estados Unidos y en la actualidad se encuentra expandida alrededor del mundo.

Esta corriente musical se ha fusionado con otras tendencias y géneros musicales populares, como el Rock and Roll y el Blues.

2021: Décimo aniversario del Día Internacional del Jazz

En el año 2021 este día internacional cumplió su décimo aniversario. Es por ello que la Organización de las Naciones Unidas organizó un gran concierto mundial, que se llevó a cabo el día 30 de abril, reuniendo a grandes artistas consagrados de este género: Herbie Hancock, Marcus Miller, Andra Day, Dee Dee Bridgewater, John McLaughlin, Dianne Reeves, Joe Lovano, Angelique Kidjo, John Beasley, entre otros artistas.

Asimismo, se celebraron diversas actuaciones en todo el mundo, incluyendo una serie de programas educativos virtuales e iniciativas de divulgación comunitaria en más de 190 países, con clases magistrales dirigidas por aclamados artistas.

El jazz como forma de expresión

La música siempre ha representado para los seres humanos un importante medio de comunicación, que aporta grandes beneficios. En este sentido, el jazz es considerado como el lenguaje de las emociones, siendo una forma expresiva y auténtica que tiene la capacidad de humanizar y trascender en la transformación de las personas y de la Sociedad. Mencionamos a continuación algunos aspectos sobre la influencia e importancia de este género musical:

Los grandes músicos de jazz a través de la historia

A través de los años, han existido grandes músicos de jazz que ha dejado un importante legado para las nuevas generaciones. Es un estilo musical muy peculiar, que cada vez gana más adeptos en todo el mundo. A continuación mostramos una representación de grandes intérpretes del jazz que han pasado a la historia por sus bellas canciones y composiciones inolvidables.

Charlie Parker

Uno de los más grandes saxofonistas y compositores de jazz. Perteneciente a la generación de los años 50, este gran músico compuso varias canciones que en la actualidad son interpretados por otros músicos reconocidos a nivel internacional.

Duke Ellington

Director de orquesta y afamado pianista. Dejó un vasto repertorio de canciones y llegó a producir un gran número de álbumes.

Thelonious Monk

Gran pianista y compositor. Considerado como uno de los grandes representantes del jazz.

Billie Holiday

Una gran cantante de jazz norteamericana, que sigue teniendo una gran influencia en todo el mundo. Con una voz y un estilo únicos que la convirtió en una de las grandes cantantes de jazz de todos los tiempos.

Ella Fitzgerald

La mejor cantante femenina de este género. Comenzó su carrera muy joven y tuvo la oportunidad de compartir escenario con grandes cantantes, como Louis Armstrong y Duke Ellington.

NB

Christie Dashiell canta desde que tiene memoria. En su casa en Carolina del Norte, donde creció rodeada de instrumentos, voces y ritmos, la música no era un pasatiempo: era la lengua materna. Su padre, el bajista Carroll Dashiell Jr., le enseñó los fundamentos del jazz y del groove antes de que pudiera escribir su nombre. En esa casa, el soul, el gospel y el rhythm and blues no competían: convivían. Esa convivencia, hoy, es la esencia de su estilo.

El próximo miércoles 30 de abril y jueves 1 de mayo, Dashiell llega a la Argentina para presentarse en Bebop Club, en dos funciones por noche, como parte de la celebración del Día Internacional del Jazz. Lo hará acompañada por un grupo de músicos argentinos reconocidos en la escena local: Mariano Loiacono, Sebastián Loiacono, Ernesto Jodos, Mauricio Dawid y Sergio Verdinelli.

Con una voz cálida, técnica precisa y un fraseo que recuerda a las grandes vocalistas del género, Dashiell es una de las artistas más destacadas de la nueva generación del jazz vocal afroamericano. Su recorrido combina formación académica rigurosa —es egresada de la Universidad de Howard y de la Manhattan School of Music— con un desarrollo artístico fuertemente anclado en la improvisación y en el cruce de tradiciones. Su paso por el conjunto vocal Afro-Blue y su participación en el programa televisivo The Sing-Off la dieron a conocer en un ámbito más amplio, pero fue su primer disco, Time All Mine (2016), el que la posicionó entre las voces más sólidas del circuito.

“Mi trabajo se basa en las raíces de la música negra estadounidense. Hay una narrativa ancestral en lo que hacemos: nuestras canciones hablan de libertad, de dolor, pero también de alegría y de resiliencia”, dijo Dashiell en una entrevista reciente con WBGO, la radio pública de jazz de Nueva York. En su nuevo álbum, Journey in Black, explora esa narrativa desde una mirada contemporánea. Con temas propios y arreglos que rinden homenaje a sus referentes, el disco es una declaración de identidad: artística, política y espiritual.

La producción del disco fue apoyada por Chamber Music America, y contó con colaboraciones de nombres como Shedrick Mitchell, Marquis Hill y Dianne Reeves, esta última en rol de mentora artística. “Dianne me enseñó a no tener miedo de mostrar quién soy, incluso cuando no encajo del todo en lo que la industria espera”, comentó Dashiell.

Además de su carrera como solista, ha participado en proyectos con Wynton Marsalis, Sweet Honey in the Rock, la Jazz at Lincoln Center Orchestra y el colectivo discográfico Blue Note, entre otros. Como docente, da clases en tres universidades: Temple, Howard y el Distrito de Columbia. La pedagogía, para ella, es otra forma de preservar y transmitir la historia del jazz.

Su presentación en Bebop Club marca su debut en Argentina. Y lo hace en el marco de una fecha cargada de sentido simbólico: el Día Internacional del Jazz, instaurado por la UNESCO para celebrar esta música como herramienta de diálogo, respeto y encuentro entre culturas. En un presente global atravesado por tensiones sociales y divisiones políticas, la voz de Dashiell aparece como un recordatorio del poder del arte para construir puentes.

Las entradas ya están a la venta, con localidades desde $25.000. Se esperan noches intensas, con una artista que no solo canta: cuenta, reza y conversa a través de la música.

Kurt Elling, el cantante que redefinió el rol del vocalista masculino en el género durante los últimos 25 años, se presenta por primera vez en Argentina. El concierto lo encuentra en uno de los momentos más audaces de su carrera, al frente del proyecto SuperBlue, una alianza artística con el guitarrista Charlie Hunter y una banda que combina sofisticación armónica con una energía visceral de raíz funk.

Ganador de dos premios Grammy y líder de las encuestas de la revista DownBeat durante más de una década, Elling es mucho más que una gran voz: es un intérprete con un imaginario propio, un lector voraz y un músico que entiende la canción como un acto emocional, espiritual y político. De hecho, antes de dedicarse profesionalmente al jazz, estudió teología en la Universidad de Chicago con la intención de convertirse en ministro. Esa dimensión ética y reflexiva atraviesa su música y su modo de estar en escena.

En SuperBlue, Elling se permite un giro estilístico inesperado: groove callejero, líneas vocales rítmicas al borde del spoken word y una impronta más eléctrica que sus discos anteriores. A su lado, Charlie Hunter —maestro de la guitarra híbrida de siete y ocho cuerdas— ofrece un contrapunto perfecto: inventivo, elegante y con la soltura de quien puede tocar bajo, acompañamiento y solo melódico al mismo tiempo. Hunter tiene una notoria trayectoria: grabó con Norah Jones, D’Angelo, John Mayer, Frank Ocean, y es una figura de culto para los guitarristas de todo el mundo.

El cuarteto se completa con Julius Rodriguez en teclados y Marcus Finnie en batería, dos músicos jóvenes que representan la nueva generación del jazz estadounidense, capaces de moverse con naturalidad entre el lenguaje del bebop, el gospel y la cultura hip-hop.

Pero si algo distingue a Elling es la profundidad con la que encara cada canción. Ha recitado en vivo versos de Rilke y Neruda, y muchos de sus textos están impregnados de literatura, filosofía y una introspección que escapa al molde clásico del crooner (la interpretación suave y sentimental). Su voz cálida, de registros amplios y gran expresividad, se combina con una presencia escénica magnética. A diferencia de otros artistas que abrazan el desenfado bohemio, Elling cuida su instrumento con la precisión de un atleta: duerme bien, calienta la voz rigurosamente y se entrena a diario.

Fuera del escenario, es un hombre de rutinas calmas: lector empedernido, amante del vino y de las buenas conversaciones. En entrevistas ha contado que intenta equilibrar su vida familiar con las giras, y que busca en la música no solo belleza, sino sentido.

Así, la llegada de Kurt Elling a Buenos Aires es una oportunidad de escuchar a un artista que piensa cada frase como si fuera un poema, y que canta como si el mundo dependiera de ello.

MP

El guitarrista José María Saluzzi, el contrabajista Juan Fracchi y el baterista danés Ulrik Bisgaard se presentarán en formato trío, con un concierto que propone una escucha íntima, atenta, atravesada por la improvisación y el diálogo entre lenguajes musicales diversos.

Saluzzi, heredero y a la vez creador de una tradición que cruza el folclore argentino con el jazz y la música de cámara, encuentra en Fracchi y Bisgaard dos interlocutores generacionales que aportan matices personales a una propuesta donde el silencio y el espacio tienen tanto peso como el sonido. En conversación con elDiarioAr, los tres músicos reflexionan sobre el origen del trío, la forma en que se relacionan con la improvisación y lo que el público puede esperar del concierto.

—¿Cómo surgió la idea de tocar juntos?

José María Saluzzi: Se fue dando de manera muy natural. Con Juan ya veníamos tocando, compartimos cierta forma de entender la música. Cuando se sumó Ulrik, sentimos que había una sintonía muy especial. No hizo falta mucho ensayo para darnos cuenta de que queríamos seguir por este camino.

Juan Fracchi: Lo que más nos une es una forma de escuchar. Dejar que la música respire, que cada instrumento tenga su lugar sin forzar nada. No es un proyecto pensado desde lo comercial, sino desde el deseo de tocar juntos.

Ulrik Bisgaard: Para mí es un placer enorme estar en Argentina tocando con ellos. Me interesa mucho esta forma de tocar en la que hay espacio, en la que no se corre detrás del virtuosismo. Me siento muy cómodo, como en casa.

—¿Qué lugar ocupa la improvisación dentro del trío?

Saluzzi: No improvisamos con estructuras rígidas. Hay temas, sí, pero muchas veces es más importante cómo se dice que lo que se dice. Es una conversación, una búsqueda constante. Fusionamos la música nuestra con las canciones folclóricas danesas, e improvisamos creando nuestra propia forma

Fracchi: Hay mucho de escucha. A veces una sola nota puede tener un peso enorme si está en el momento justo. No nos interesa llenar el espacio, sino habitarlo.

—¿Qué tipo de repertorio van a presentar en Bebop?

Bisgaard: Va a haber composiciones originales de cada uno, piezas que surgieron en los encuentros previos, cosas que se fueron armando de a poco. También algunos temas tradicionales, aunque siempre pasados por nuestro filtro.

Saluzzi: No nos gusta anticipar demasiado. Preferimos que la música hable por sí sola. Lo que sí podemos decir es que será un concierto muy sincero, sin artificios.

El trío Saluzzi Fracchi Bisgaard se presenta este domingo a las 19 hs en Bebop Club (Uriarte 1658, Palermo). Las entradas pueden adquirirse a través de bebopclub.com.ar.

La cantante estadounidense Joy Brown llega por primera vez a la Argentina para presentarse en Buenos Aires y Mar del Plata. Con una voz que evoca a las grandes del jazz y una trayectoria marcada por encuentros fortuitos que la llevaron a descubrir su vocación, Brown comparte su historia y sus expectativas en diálogo con elDiarioAR.

—¿Cuál fue tu primera conexión con el jazz?

—Nada ocurre por casualidad, pero podría decir que fue un error. Me topé con el jazz casi sin querer. En ese momento, había decidido dejar el mundo corporativo para iniciar mi propio negocio y, mientras intentaba hacerlo crecer, solía ayudar como voluntaria en una librería comunitaria en Newark, mi ciudad natal. Un día, una amiga muy querida, Patrice McKinney, descubrió que podía cantar y, sin consultarme, me ofreció para entretener a un grupo de adultos mayores en un brunch mensual.

Nunca había cantado jazz, así que no sabía qué hacer. Contacté a WBGO, una emisora de radio local, para encontrar un pianista que pudiera acompañarme. Fue en ese evento donde alguien por primera vez me dijo: “Suenas como Dinah Washington”. Desde ahí, me invitaron a una jam session en Newark y luego a otras en Nueva Jersey, donde conocí a músicos increíbles. En una de esas sesiones, el baterista Wynard Harper me preguntó si conocía a Barry Harris. Cuando le dije que no, me insistió en que debía ir a su taller en Nueva York. Así lo hice, y el resto es historia: esa noche me enamoré del jazz.

—¿Cómo fue tener a Barry Harris como mentor?

—Fue un regalo invaluable. Siento que Dios siempre me ha permitido estar en presencia de grandes personas. A veces ni siquiera me daba cuenta de con quién estaba hablando hasta mucho después. Pero con Barry era distinto: en cuanto lo conocí, supe que era alguien de quien tenía que aprender.

Barry tenía una forma de enseñar que permitía que todos en la sala aprendieran colectivamente, pero también de manera individual. Siempre compartía su conocimiento sin reservas, con generosidad y pasión. Estar cerca de él era como beber de un manantial inagotable. A veces, lo mejor era simplemente escuchar y absorber lo que decía. Aprendí que el jazz, y especialmente el bebop, es una ciencia, y estar rodeada de músicos como él fue una experiencia transformadora.

—¿Cuáles son tus expectativas para tu visita a Buenos Aires y Mar del Plata?

—Espero conectar con la gente. No he hecho bien mi trabajo si no logro establecer una conexión, tanto con los músicos con los que compartiré escenario como con el público. Pero no solo con quienes asistan a los conciertos, sino también con las personas que encuentre en la vida cotidiana: el dueño de un restaurante, el vendedor en un mercado, la abuela que esté sentada en su porche. Para mí, la experiencia de un lugar se construye a través de sus habitantes, y eso es lo que realmente quiero vivir en Argentina.

—¿Qué conoces sobre nuestro país y qué te gustaría descubrir?

—Sé muy poco sobre Argentina, pero planeo aprender mucho mientras esté allí. Lo que sí sé es que tienen una de las mejores carnes del mundo, así que espero disfrutar de un buen bife. También me interesa mucho la arquitectura: cuando visito un nuevo país, me encanta observar sus edificios, su gente, sus costumbres. Me emociona descubrir la energía y el espíritu de Argentina a través de todo eso.

Con una trayectoria construida sobre encuentros inesperados y una pasión por el jazz que la llevó a convertirse en una de las voces emergentes del género, Joy Brown está lista para compartir su arte con el público argentino. Su llegada promete no solo una gran experiencia musical, sino también un intercambio humano profundo, de esos que dan sentido a la música.

Grégoire Maret, estrella mundial de la armónica, se presenta viernes y sábado en Buenos Aires acompañado de Hernán Jacinto, Pablo Motta y Oscar Giunta. El armonicista argentino Franco Luciani será el invitado especial en estos shows que tendrán lugar en Bebop Club a las 20 y a las 22.30.

Nacido en Suiza pero residente en Nueva York, Maret ha evolucionado hasta convertirse en una voz única de su instrumento dentro del amplio espectro del mundo del jazz moderno. Redefinió el papel de la armónica en una variedad de estilos musicales.

La lista de pesos pesados de la música con los que colabora regularmente incluye a Herbie Hancock, Pat Metheny, Cassandra Wilson y Marcus Miller.

Como invitado en el estudio y en el escenario, Maret ha enriquecido la música de otros grandes como Prince, Sting, Elton John, Jimmy Scott, Dianne Reeves, Toots Thielemans, Richard Bona, Terri Lyne Carrington, Tito Puente, Kurt Elling, Jeff “Tain” Watts, Charlie Hunter, Youssn'Dour, Me'Shell Ndegeocello, Pete Seeger, David Sanborn y George Benson con su forma de tocar única y colorida.

Del 21 al 24 de noviembre llega una nueva edición del Buenos Aires Jazz Festival Internacional 2024 con una amplia programación de la que participarán figuras del jazz local e internacional. Durante cuatro días, los asistentes podrán disfrutar de conciertos, presentaciones de discos y libros, proyecciones de cine y mucho más.

En esta 17a edición, habrá propuestas destacadas de la mano de artistas internacionales como el pianista estadounidense Benny Green, el joven Abe Rabade de España y el baterista italiano Roberto Gatto, entre otros. Además, el festival contará con la participación de músicos como el saxofonista AC Afonso, quien rendirá homenaje a Astor Piazzolla, y el bajista chileno Eduardo Peña.

La programación incluirá espectáculos en lugares emblemáticos como la Usina del Arte, el Centro Cultural 25 de Mayo, el Centro Cultural Recoleta, el Centro Cultural San Martín, el Salón Dorado de la Casa de la Cultura porteña, Bebop Club, Jazz Voyeur Club, Prez – Jazz & Music Club, Nempla y el Centro Cultural Nueva Uriarte, así como actividades de acceso gratuito como sesiones de improvisación, clases magistrales y presentaciones de libros.

El clásico concierto de apertura será el 21 de noviembre a las 20 h en el Teatro Presidente Alvear. El trío del pianista español Abe Rabade, que presentará su disco Tempo de Cor, será el encargado de dar inicio a esta nueva edición.

Y como clausura del festival, el domingo 24 a las 19 h en el Auditorio de la Usina del Arte, habrá un concierto doble, comenzando por el trío Mazza-Jacinto-Piazzolla que presentará su reciente lanzamiento discográfico Vivo en Bebop, dando lugar a continuación a un concierto del gran pianista estadounidense Benny Green, uno de los mejores músicos de jazz de su generación y de la historia del jazz.

Los eventos estarán distribuidos en diversos espacios de la Ciudad, ofreciendo a los amantes del jazz y a los curiosos una oportunidad única de disfrutar del género en todas sus formas. La programación completa y la reserva de entradas se encontrará disponible en la web del festival próximamente: www.buenosairesjazz.org.

El saxofonista estadounidense Bobby Watson, una de las figuras centrales del neobop, exdirector musical de los Jazz Messengers de Art Blakey, se presenta esta semana en Bebop Club en la Ciudad de Buenos Aires.

Tocará este jueves 17 y el viernes 18 en doble función acompañado de los destacados músicos argentinos Mariano Loiacono en trompeta, Ernesto Jodos al piano, Santiago Lamisovski en contrabajo y Alejandro Beelmann en batería. 

Watson (Kansas City, 1953), saxofonista, compositor y director musical, se formó en la Universidad de Miami antes de unirse a los Jazz Messengers de Art Blakey, donde fue director musical entre 1977 y 1981, participando en más de una docena de grabaciones.

Tras su paso por la “Universidad de Blakey”, se convirtió en un músico muy solicitado, colaborando con figuras como Max Roach, Louis Hayes, George Coleman, Branford Marsalis y Wynton Marsalis, entre otros. Además, acompañó a vocalistas de renombre como Joe Williams, Dianne Reeves, Lou Rawls, Betty Carter y Carmen Lundy.

El Teatro Municipal de San Nicolás se llenó de música este jueves, con la realización de la Experiencia Bill Evans, un concierto lanzamiento que adelantó lo que será el primer Festival de Jazz de San Nicolás que se celebrará en 2025.  

El teatro de San Nicolás colmado y a pleno disfrutó del recital de jazz que contó con la presencia de Daniel “Pipi” Piazzolla en la batería, Abel Rogantini al piano y Ezequiel Dutil en el contrabajo. Además, se sumaron Carlos Michelini en el saxofón, Franco Luciani con la armónica, Rocío Giorgi en la voz y Lucio Balduini en la guitarra. La dirección estuvo a cargo del productor y compositor Nico Sorin. 

El evento fue organizado en conjunto por la compañía EDEN y la Municipalidad de San Nicolás, en articulación con Grupo Desa.

Hace 45 años, en una noche casi olvidada, el gran Bill Evans, leyenda del jazz, hizo una parada asombrosa en San Nicolás. En el Teatro Rafael de Aguiar, Evans ofreció un concierto íntimo que marcó para siempre el desarrollo cultural de la ciudad. 

Por eso esta noche del jueves el momento más emocionante lo protagonizó el nicoleño Hugo Giménez, encargado de dar cierre al evento tocando en piano la melodía que interpretó Evans en la ciudad en 1979. 

Evans nació en Nueva Jersey y estudió música clásica en Nueva York, su talento trascendió las fronteras y llegó a varias partes del mundo, entre ellas la localidad bonaerense de San Nicolás. 

Al respecto, el intendente Santiago Passaglia destacó: “La verdad que es un lujo que nos hemos dado acá en San Nicolás, homenajear a Bill Evans, a este artista internacional”. Además remarcó la presencia de “grandes músicos de la argentina que mostraron un nivel increíble”. 

“Es el primer festival de Jazz que hacemos en San Nicolás. Esperemos que sea el primero de muchos y que lo podamos repetir el año que viene, apostando a la cultura y a este nivel”, aseguró. 

La organización del evento forma parte de la colaboración que brinda EDEN y reafirma su compromiso con el desarrollo cultural de las comunidades, impulsando a San Nicolás como una ciudad de liderazgo y creatividad. Este festival destaca el aporte de la ciudad al patrimonio artístico y cultural a través de la música.

El concierto se realizó con cupo limitado pero con entrada gratuita y forma parte de un ambicioso proyecto promete ser un punto de encuentro para artistas y aficionados del género, con la intención de repetir el evento cada octubre.

DM

El estadounidense Cyrus Chestnut, uno de los mejores pianistas de jazz de su generación, regresa a la Argentina, donde se presentará este viernes 27 y el sábado 28 en Bebop Club junto a los argentinos Mariano Loiácono en trompeta, Santiago Lamisovski en contrabajo y Marco Scaravaglione en batería. 

Esos dos días habrá doble función: a las 20 y a las 22.30.

Chestnut comenzó su carrera musical tocando el piano en la iglesia Mount Calvary Star Baptist a los seis años en su ciudad natal de Baltimore.

Después de estudiar en Peabody Prep y Berklee, perfeccionó su arte tocando con leyendas como Jon Hendricks, Michael Carvin, Donald Harrison, Terence Blanchard, Wynton Marsalis, Branford Marsalis, Delfeayo Marsalis, Freddie Hubbard, Benny Golson, Curtis Fuller, Regina Cater, Chick Corea, Jimmy Heath, James Moody, Joe Williams, Isaac Hayes, Kathleen Battle, Betty Carter y Dizzy Gillespie, por nombrar solo algunos.

CRM

En 2015, Cécile McLorin Salvant acababa de revolucionar el mundo del jazz con un disco llamado Woman Child, había arrasado con los premios en la prestigiosa encuesta de críticos de la revista DownBeat y aparecía como la nueva estrella a tener en cuenta en el panorama de las cantantes del género. “Mis sueños son los mismos que tuvo cada músico que se acercó al jazz desde que comenzó como lenguaje. Tener una voz propia. Tal vez no lo logre pero, en la medida en que lo sueño tengo que intentarlo”, decía en ese momento a Página/12, en un intervalo de la prueba de sonido, antes de una deslumbrante actuación en el Festival Cervantino, en Guanajuato, México, que rubricó con una versión perfecta de “Alfonsina y el mar” y, como bis, con un blues cantado a capella, sin micrófono, sentada en el borde del escenario.

Nueve años después, ya no es una revelación. Es una de las artistas más importantes de la última década, como la definió The New York Times. Cada nuevo disco que ha publicado señaló un rumbo nuevo y cada actuación suya despierta la admiración. Pero sus preocupaciones esenciales no han cambiado demasiado. “Creo que estoy destinada a seguir buscando esa voz propia, ese sonido, durante toda mi vida y, sin embargo, está conmigo, ya está aquí y siempre ha estado. Esta contradicción me emociona”, explica a elDiarioAR en una entrevista previa a sus actuaciones del próximo fin de semana, el sábado 7 y el domingo 8, en el club Be Bop de Buenos Aires (Uriarte 1658). Estas presentaciones tienen además un atractivo adicional, la presencia de Sullivan Fortner, uno de los grandes pianistas del momento, que ya estuvo en esta ciudad en 2015 para tocar en un concierto extraordinario, en el Salón Dorado del Teatro Colón, en el marco del Festival de Jazz, que en ese momento dirigía Adrián Iaies.

McLorin Salvant se piensa mucho más como integrante de un grupo que como una solista con acompañamiento. Fortner, como Aaron Diehl, el otro pianista con el que comparte proyectos, es, en todo caso, una partícula elemental de ese sonido propio que ella no deja de buscar. Y la palabra “sonido”, en el jazz, lejos de involucrar solamente al timbre, se refiere al fraseo, a la respiración, a la manera de subdividir el ritmo. Ni más ni menos que al estilo. “Es un maestro increíble”, define a Fortner. “Aprendo de él todos los días. Puede tocarlo todo, lo recuerda todo. Incluso las canciones que no conoce, de alguna manera las sabe. Es totalmente libre y flexible. También es un virtuoso. Toca cosas increíbles que yo apenas llego a comprender a medias. Los colores que extrae del instrumento son una locura. Es como un coro cantando conmigo. Me encanta hacer música con él.” Y si hiciera falta una prueba bastaría con el disco The Window, publicado en 2018, conformado exclusivamente por dúos salvo en la pieza final, grabada en vivo. Una versión asombrosa de “The Peacocks” –un tema de por sí asombroso, compuesto por el pianista Jimmy Rowles– donde se agrega la saxofonista chilena Melissa Aldana.

En un universo como el de las cantantes de jazz, en que todo parece haber quedado sellado hace más de medio siglo por la santísima trinidad de Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan, tener un estilo propio es un imperativo. Y Cécile McLorin Salvant lo logra con creces

El grupo con el que McLorin Salvant tocará en Buenos Aires –habrá dos funciones cada día, a las 20 y a las 22.30 el sábado, y a las 19 y 21.30 el domingo– se completa con el contrabajista Yasushi Nakamura y Kyle Poole en batería. Nacida en Miami de padre haitiano y madre francesa, ella se formó en el Conservatorio Darius Milhaud en Aix-en-Provence, donde alguna vez pensó en dedicarse al barroco pero se cruzó con el clarinetista Jean-François Bonnell, de quien fue alumna de improvisación y que la acompañó con su quinteto en un primer disco llamado Cécile, grabado en Francia en 2008, cuando ella tenía 19 años, y publicado en 2011. Ese mismo año fue premiada en la prestigiosa competencia organizada por el Instituto de Jazz Thelonious Monk, por un jurado conformado por Patti Austin, Dee Dee Bridgewater, Kurt Elling, Al Jarreau y Dianne Reeves. Y en 2014 ganó la encuesta de DownBeat a la vez como mejor cantante y como mejor cantante rising star (“estrella naciente”). Si se piensa que Woman Child fue su primer disco publicado en los Estados Unidos, la segunda categoría le quedaba tan cómoda como la primera. Pero lo que se deducía de los resultados era que quienes no la habían votado en una, lo habían hecho en la otra. Es decir que la totalidad –o casi– de los 154 críticos convocados la eligieron a ella, por sobre Cassandra Wilson, Dianne Reeves, Dee Dee Bridgewater y Luciana Souza, entre otras. Ahora, la misma revista acaba de publicar, en su número de agosto, los resultados de su septuagésima segunda encuesta. Melusine, el último disco de McLorin Salvant, figura entre los diez mejores, ella está entre las seis artistas más destacadas del año, fue elegida mejor cantante y, de paso, Sullivan Fortner fue votado segundo como mejor pianista.

En un universo como el de las cantantes de jazz, en que todo parece haber quedado sellado hace más de medio siglo por la santísima trinidad de Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan, tener un estilo propio es un imperativo. Y Cécile McLorin Salvant lo logra con creces gracias a tres características únicas. Su voz, desde ya, pero sobre todo el manejo que tiene de ella; la manera en que la transforma casi canción por canción y a veces palabra por palabra. La elección del repertorio, con un criterio cercano a lo curatorial que esquiva con gracia cualquier lugar común (“una canción debe tener una sorpresa; una vuelta de tuerca”, explica sus elecciones). Y el detalle y perfeccionismo con que se acerca a la estética de cada canción. Eventualmente, el secreto –o uno de ellos–, es la absoluta falta de afectación con que lo hace. “Siempre intento apostar por la naturalidad, por la intimidad y por algo casual; para mí es casi como hablar.”, dice. “Siempre intento alejarme de la impostación y la seriedad, pero eso es parte mía, no lo calculo. Simplemente no puedo evitarlo.” Tampoco es un dato menor la presencia cada vez mayor de piezas propias. Su explicación acerca de la inspiración es sencilla:  “Me siento al piano y miro por la ventana. Entonces, después de una larga espera y de dar vueltas alrededor, supongo que algo pasa. En general empieza con las manos tocando algunos acordes que, por alguna razón, empiezan a querer decirme algo”.