María José Scottini, la mujer que le pagó los 25 mil dólares al presidente de San Lorenzo, Marcelo Moretti, aseguró que “fue una donación”.

En diálogo con TyC Sports, Scottini, que es la madre de Simón Coronel, aclaró que “lo que dijo Moretti es cierto”, y adelantó que “hice una donación antes, hice esa y voy a hacer otra”.

“La donación la hago para San Lorenzo. Cuando mi hijo llega a jugar a San Lorenzo, vi el estado en el que se encontraban las canchas y los vestuarios. Gente que somos muy fanáticos de San Lorenzo nos juntamos e hicimos una donación”, siguió.

A su vez, explicó que su hijo “al igual que el de Moretti, no jugó en todo el año… Es falso que pagamos una coima para que mi hijo juegue”.

Con respecto a la situación de su hijo, contó que “ya dejó el fútbol y estudia medicina”, y advirtió que “voy a llevar a todos a la Justicia”.

El escándalo se desató que involucra al presidente de San Lorenzo se desató este lunes por la noche durante un programa de Canal 9 en el que se ve en una cámara oculta cómo Moretti recibe 25 mil dólares para supuestamente para fichar a un jugador de las inferiores.

Por esta razón, Moretti comunicó que se tomará una licencia en el cargo “con el fin de ejercer una legítima defensa tanto judicial como mediática y para resguardar a la institución de los hechos que se me atribuyen”.

Con información de la agencia NA

El miércoles pasado (o el pasado, o el pasado: va tan rápido esta vida), hubo un concierto de homenaje a las Abuelas de Plaza de Mayo en el Teatro Argentino de La Plata, del que participaron cantantes populares, en el que Manuel Moretti cantó una versión de “Informe de la situación”, de Víctor Heredia, con arreglos orquestales y piano de Lito Vitale.

“Informe de la situación” es una canción de otra época, por no decir de otro mundo argentino, el de 1983, en el que de mil maneras se fueron inventariando las calamidades de la dictadura de 1976 (escribo “dictadura de 1976” y siento un sobresalto como el que podrían sentir los nuevos groupies de la dictadura de 1976 cuando leen “Abuelas de Plaza de Mayo”, sin que sus corazones reparen en la diferencia abismal de naturaleza entre ambos grupos de palabras; es decir como si ambas cosas fueran lo mismo). Una de ellas, fue la música llamada de denuncia que, en este caso, revelaba sin problemas su identidad formal que ¿cuál era?

Se trata de una carta de denuncia escrita en un registro burocrático, cuya destinataria es la Autoridad. El cuidado lírico se recuesta sobre esas formalidades afortunadamente perdidas de la correspondencia “seria”, en su variante de “informe”, mitad informativo (pasó esto), mitad programático (habría que hacer aquello).  El tema, transparente, es que ha ocurrido una catástrofe natural que habría que empezar a reparar.

Es imposible no sentir en esa carta de Víctor Heredia una evocación a la carta de Rodolfo Walsh a la Junta Militar, a su vez evocación de la de Juan José Valle a Pedro Eugenio Aramburu. Siendo todas hijas psíquicas de la “Carta al padre”, de Franz Kafka, en el sentido de que las tres obedecen al factor común de ser textos escritos por personas desesperadas para ser leídas por quienes lo harán con indiferencia, si es que antes no se pasan el sobre cerrado por el orto (nada que ver, pero eso era lo que hacía Le Corbusier cuando el cirujano Pedro Curutchet le mandaba sugerencias para modificar los planos de su célebre casa de La Plata).

La interpretación de Moretti es, por así decir, “anormal”. La conexión entre su voz, ejecutada con un interior anegado de un llanto que no se desata, y la canción de Heredia explica por qué tenemos canciones y cantantes corriendo por nuestras venas. Moretti canta de manera inolvidable la canción que no puede cantar. Como diría Samuel Johnson de William Shakespeare, cuya obra “revienta de vida”, esta canción revienta inesperadamente, aunque quizás no tan inesperadamente, de gran parte del sentido que tuvo cantarla hace cuarenta años.

¿Cómo puede ser que una canción que hace cuarenta años inventariaba la destrucción y se ilusionaba a media máquina, con el nihilismo del caso, con salvar algo del desastre haya regresado como si esos cuarenta años no hubieran pasado nunca? La respuesta argentina es: ¿por qué no?

En la semana en que Moretti trajo de nuevo al tarareo popular la canción de Heredia, el Presidente Javier Milei dio una charla para unos muñecos subidos al caballo del petróleo. El discurso, retentivo, como afectado por los óxidos cada vez más penetrantes de la obsesión, sembrado de “digamos” y de “o seas”, interjecciones, quizás resortes en los cuales apoyarse y saltar a su ya habitual entonación de venganza universal, no será recordado por su calidad. Sí por haber sido la primera vez en que un presidente aludió en penumbras, montado en una voz cansada, a escenas de fist fucking para explicar la economía. La economía como una penetración a mano, como una excavación “por atrás” de un cuerpo en otro. Nada que decir. Cada mente es esclava de sus analogías.

Que no haga falta hacer una masacre para imponer de nuevo las reglas de 1976 es asombroso, y bajo ese asombro (género inteligible para la modesta percepción humana) digamos que vamos viendo si se desprende alguna gota de sentido

La onda sádica necesita de la onda masoquista. Es una dialéctica como cualquier otra, un ensamble, pero sobre todo un contrato social: vos me das, yo recibo. No se advierte por ahora que asome el pacto alternativo del yo te doy y vos recibís, ni el del nos damos mutuamente.

El fist fucking político es un fenómeno de época. Tenemos, para decirlo en lenguaje presidencial, “el dedo” y luego “el brazo” hundiéndose en un mar de pasividad. De hecho, no hace falta, como hizo falta en1976, que la economía reprima en las calles ni en las casas. La violencia represiva está en el lenguaje, o ya estaba (o estuvo siempre). Lo único que hay que hacer es mantenerla con chaski-booms de desprecio y crueldad.

Hay que dejar de alucinar dictadura en esta democracia. Eso como para empezar a entender algo. Por supuesto, la razón, tan altanera ella, todavía no explica nada. Pueden verse algunos movimientos de fichas, digamos los “cantados”: se empotran constantemente, en modalidad de shooting de DNUs, ideas dictatoriales que son, aunque no lo parezcan del todo, el alma de la dictadura, y con tanta voluntad de pureza que a la operación restauradora no le hace falta el cuerpo. ¿Para qué preocuparse porque la violencia del alma escale a la del cuerpo si el consentimiento a la destrucción tiene vibraciones buenas y masivas?

Que no haga falta hacer una masacre para imponer de nuevo las reglas de 1976 es asombroso, y bajo ese asombro (género inteligible para la modesta percepción humana) digamos que vamos viendo si se desprende alguna gota de sentido.

La canción de Víctor Heredia recordada por Manuel Moretti es un agregado más a la perplejidad, y no crean que lo hace sin dudar ella misma de sus propias percepciones. En el estribillo, en el que se evalúan los daños de la catástrofe, se hace presente el aturdimiento del que acaba de ver algo que no puede entender. Se está cursando una experiencia de perplejidad, y no hay nada que agregar (por el momento). Dice: “Parece ser que el temporal…”.  Parece ser. Algún día veremos qué fue ese temporal que pasó. El por qué ya lo sabemos.     

JJB/MF

¿Qué se puede hacer en la noche previa a una final del mundo en un país que vive el fútbol como lo vivimos los argentinos? ¿Quedarse callado en modo zen sin hablar con nadie hasta que empiece el partido? ¿Ver estadísticas? ¿Estudiar al rival? ¿Especular con posibles formaciones? Cualquiera de las opciones es válida, no hay manual del hincha para una ocasión tan única. Por eso desde este espacio venimos a proponer una un poco más amable, que es dar descanso a la cabeza e ir calentando el corazón con canciones. Especialmente el corazón, el corazón sobre todo, como dice el tema de Estelares compuesto por Manuel Moretti.

Este sábado, horas antes de la final entre Argentina y Francia, Estelares cierra su año en el Teatro Gran Rex. No es la primera vez que el grupo se sube a este escenario: allí estuvieron en 2019, en lo que fue su última gran actuación en CABA antes de la pandemia y también en 2013, casi una década atrás, grabando un disco en vivo a partir del cual esa canción, El corazón sobre todo, se convirtió en un hit imbatible. La aventura de esta canción funciona como una muestra bastante representativa de lo que fue el crecimiento lento pero sostenido del grupo.

El tema fue grabado por primera vez en 1998, en Amantes Suicidas, un disco que allá en los días de los formatos físicos, por las contingencias de las compañías discográficas, se convirtió en una pieza inhallable. Conscientes del potencial que había en esa canción decidieron grabarla de nuevo en Sistema Nervioso Central, cuando ya tenían a Juanchi Bailerón a cargo de la producción y un público cada vez más grande esperando sus discos. El tema ganó muchísimo en esa nueva grabación y se convirtió en un himno, una canción de culto con la que el grupo cerraba los conciertos y la más querida por los fans de la primera hora. Pero fue a partir de esa interpretación en vivo en el Gran Rex que El corazón sobre todo se convirtió en un hit apto todo público y a la vez en una gran canción popular argentina.

Para Manuel Moretti, el Gran Rex tiene una carga simbólica adicional que lo transporta a los tiempos en que era él quien ocupaba las butacas: “Para mí, el Rex es la casa de Charly García”, confiesa. “Es el lugar donde pude ver a uno de los artistas que más me emociona de la historia del rock nacional. A mí me gustan artistas de diferentes rubros: el que más me emociona es Leonardo Favio, por las películas y también como hacedor de algunos himnos populares como Ella ya me olvido, pero Charly es la mejor representación del rock en Argentina. Como un artista más allá de todo. Más allá de Luis, de Miguel Abuelo, de Pappo, de los amigos como Fito y Andres… Cuando lo vi a Charly por primera vez me acuerdo que quedé impactado y hermosamente conmovido”.

¿Vas a ver shows de otros artistas en la actualidad?

La verdad es que ya no voy mucho a shows. En esa época en la que vi a Charly sí iba bastante: vi a Fito presentando Ey en La Plata y también vi a Prince en River esa vez que la gente se quejó porque se fue del escenario habiendo tocado poco más de una hora… y me acuerdo también de haber visto a Sumo en El Depósito ante 300 personas.

¿Te acordás de los días en que Estelares tocaba también para un público de 200 o 300 personas?

Hace poco me pasaron un video de cuando tocábamos nuestro primer disco. Es un show de una hora y media para 150 personas y yo no dejé de mirar el piso en toda la noche. Eran otras circunstancias personales, otras fragilidades, cosas que me he cansado de nombrar. Hay muchos elementos que hoy han cambiado, pero hay algo que se mantiene igual que es la emoción y la gloria de seguir escribiendo canciones. Para el último disco hice 29 canciones durante la pandemia. Era la manera de defenderme del desconcierto y el terror, escribiendo canciones. El disco anterior, Las lunas, es más familiar, es un disco feliz hecho en las mañanas, conviviendo con mi mujer y mis hijas. Ahí pude disfrutar esa felicidad escribiendo canciones. Es mi manera de relacionarme con el mundo, igual que lo era antes, cuando no podía hacer otra cosa que mirar el piso.

¿En qué momento empezaste a levantar la cabeza y disfrutar de lo que Estelares estaba generando con sus canciones?

Desde que empezamos a trabajar con Juanchi como productor en Ardimos, empecé a levantar más la cabeza del piso. Después vino Sistema Nervioso Central que fue una época de mucho viaje, muy movida, de consumos eufóricos y anestesiantes y realmente no sé para donde miraba. Pero aquel que no podía dejar de mirar al piso se empezó a retirar de a poco cerca de los 2000.

Si bien hay muchos hits en la carrera de Estelares, el crecimiento de la banda fue paulatino, muy paso a paso. ¿Qué tipo de relación fueron construyendo con el público en estos más de 25 años que llevan tocando?

El crecimiento fue paulatino pero también fueron pequeños estallidos. La gente en un momento empezó a conocer las canciones de Estelares, pero todavía no nos conocía a nosotros. Después vinieron muchísimos años de gira, en los que fuimos consolidando un audio de banda que después pasó a la sala de ensayo y a las grabaciones. Fue mejorando nuestro trabajo como intérpretes y compositores. El crecimiento fue paulatino tal vez por nuestro bajo perfil, por las elecciones que hicimos como banda.

¿Cómo es llegar al Gran Rex después de un año en el que no pararon de tocar?

Estamos en el universo post pandemia, se abrieron los corrales y salimos todos los músicos a tocar. Nosotros en los últimos diez días hicimos siete shows. Y así ha sido casi todo el año. Pero se nos cae la baba igual porque nos gusta mucho lo que estamos tocando y cómo estamos tocando. Hay gente que no vino nunca y se quedan sorprendidos del audio tan rockero de la banda. Porque al haber tenido muchos hits radiales, algunos asocian Estelares a un sonido exclusivamente pop. Eso pasa cuando la gente no escucha los discos y se queda solo con esos temas que tienen más difusión. Pero en vivo es completamente otra cosa, más cruda, más rockera, más poderosa.

En el último tiempo se te vio haciendo en paralelo al trabajo con Estelares algunas presentaciones más íntimas orientadas al tango. ¿Qué estás encontrando en ese espacio?

Desde el 2003 estamos de gira con Estelares, dentro y fuera del país. Actuamos a veces para tres mil personas o para veinte mil, lo que toque. Es una dinámica de trabajo muy intensa y bien diferente a lo que encuentro al ir a tocar tangos en plan intimista con Eduardo Minervino en piano y Natalia Pedraza en bandoneón. Además de tango, hacemos canciones de Leonardo Favio, de Roberto Carlos, de Virus y también canciones mías que aún no se grabaron ¿Por qué lo hago? Porque me da el aire de intérprete en un marco mucho más intimista, en el que nací, que sigue siendo hermoso y lo sigo disfrutando.

Una más, para terminar: ¿Cómo se para Estelares, una banda de canciones de estructura clásica, frente al gran recambio musical que estamos viviendo en Argentina?

Nos encanta Dillom y varios de estos nuevos artistas y comunicadores. Es espectacular lo que está pasando, pero yo tomo de eso solo lo que consigo hacer propio y me emociona. Nuestro elemento, lo que laburamos nosotros, es la canción clásica. Vemos que hoy se dan muchos intercambios con los nuevos artistas y ya veremos qué nos pasa con eso. Soy todo lo contrario de una lata de conserva, soy cero conservador. No me importa si se entiende ahora o más adelante. Estamos fascinados con esta nueva dinámica y sabemos que siempre puede venir algo mejor.

HS

Y todo en un minuto: él estaba en el jardín de su casa porque ya no aguantaba delante del televisor; por la ventana vio al arquero atajar el último penal, a todo el equipo zambullirse encima del héroe; a Sarmiento de Junín, el equipo de sus amores, ascender por primera vez a la máxima categoría del fútbol argentino.

Manuel Moretti, que tiene 55 años, nació en Junín y es el compositor, cantante y líder de Estelares, mueve los brazos para señalar con precisión el lugar exacto de su jardín en Villa Elisa desde el que vio la hazaña, una cuarta final por fin ganada después de tres derrotas. Dice que no gritó, que otras veces sí pero que esta vez no pudo, que sintió paz y que le entraba más aire del que creía posible en el cuerpo. Que se sintió liviano y se le llenó el celular de mensajes que decían “dale, campeón”. Que habló con los jugadores y le regalaron una camiseta. Que la va enmarcar, dice, mientras señala por vez número mil el rincón de la casa en el que guarda ese tesoro y en el que, con una computadora, un piano acústico y algunas guitarras, se guarda cada vez que trabaja de inventar canciones.

- ¿Cómo impactaron la pandemia y el encierro en tu trabajo compositivo?

- Yo tengo un ejercicio de muchos años de estar encerrado. Siempre tuve una personalidad algo hermética. En ese estado compuse mucho durante muchos años, así que algo de esa experiencia me vino bien para esto que pasó. Se combinó con la posibilidad de estar con mi mujer y mis hijas en familia, frenar un poco en casa sabiendo que por mi trabajo podía quedarme en casa y teníamos para comer. El ingreso de mis derechos lo permitía. Eso dio una mano para que componer siguiera siendo el lugar de resolver mis neurosis, como siempre.

La primera etapa de la pandemia fue esperanzada, compuse un poco en ese estado, y después vino una etapa un poco opresiva, y lo que hice fue también resolver ahí -estira el brazo, lo manda al estudio casero en el que trabaja-, componiendo. Los micrófonos, las guitarras, los equipos electrónicos, el piano acústico me permitieron unos demos que me gustaron mucho, me llenaron de confianza y alegría. La pandemia apareció en una canción, muy sintomática. Yo no podía dormir. Al tercer o cuarto mes de encierro me despertaba a la madrugada muy enroscado, en medio del ejercicio paranoico de sentir que tenía coronavirus porque había leído sobre un nuevo síntoma que automáticamente incorporaba. Por primera vez en la vida se me desordenó la presión por lo mal que dormía. Y una noche que no daba para más de dar vueltas, bajé a las cuatro de la mañana al estudio, disparé una batería, unas cuerdas, y con una acústica salió una canción que se llama Miedo. Es una canción fuerte, oscura. Podría llegar a ser un hit.

- ¿Qué te pasa con la incertidumbre sobre qué va a pasar con la posibilidad de tocar en vivo?

- El año pasado te diría que nada, que estuve bien. Ahora empiezo a estar un poco más ansioso. De vez en cuando pulsa la angustia. El año pasado no la tuve nunca, porque hay que ser sincero: después de 15 ó 16 años de gira, pasar un año en casa… ufff, no está nada mal. Mi trabajo me permitió eso. Pero ahora ya tiene que ver con el trabajo de otros: los técnicos. Empieza a preocupar porque somos como 14, ¿qué va a pasar? No tenemos ni idea.

Miedo es una de las 26 canciones que Moretti compuso desde que llegó la pandemia a la Argentina. El Covid-19 no interrumpió su actividad solitaria en el estudio pero sí otras partes de su trabajo artístico: la virtualidad no fue posible para las clases que toma desde hace cuatro años con Raúl Cariola, maestro de canto y ex Santos Inocentes, ni tampoco siguieron los ensayos de la banda que encabeza desde mediados de los noventa.

“Nunca había podido sostener clases de canto, y con Raúl hubo una transferencia enorme, y me empecé a gustar como cantante. En la grabación y en el vivo. El show que hicimos en el Gran Rex para presentar el disco Las Lunas, en septiembre de 2019, fue la primera vez en mi vida que me disfruté cantando”, cuenta Moretti.

- ¿Y antes de eso cómo te sentías?

- Antes no me pasaba. Para nada. A la gente le gusta el DVD en el Gran Rex, de 2013, donde El corazón sobre todo se convirtió en un hit. Yo en ese show no me puedo escuchar. Hay un vibrato que sé que lo hago porque respiro mal. Para que no se te caiga la nota hacés un juego con la voz. La nota no se te cae pero entra vibrada: yo no me tolero así. Y ese truco, después de estudiar canto, no lo necesito más. Me gusto mucho más.

Cuando apareció el disco Sistema nervioso central vivimos de gira 15 años, hacíamos 80 shows por año, con 3 ó 4 por fin de semana en una época de mucho descuido mío. Siendo alcohólico, mi manera de resolver era esa, ese yeite que se me incorporó. A veces no sé cómo hacía para cantar una hora y media en estados calamitosos: a la gente le gustaba pero a mí no.

Sentado en el jardín de su casa, atento a que a nadie le falte ni café ni agua y a si se acerca la hora de ir a buscar a Lola, su hija más chica, al colegio, Moretti hace dos pasadas de alguna estrofa de Ella dijo. La define como su “primera gran canción popular” y la canturrea. Con premeditación y alevosía, temblequea la voz en el primer round, sale sin ondulaciones en el segundo: “¿Ves? Ahora puedo sin que vibre. Ahora me gusto como cantante”, sentencia.

- ¿Extrañás tocar en vivo?

- No. Bueno, cuando salgo a tocar me doy cuenta de que sí, pero cuando lo pienso, no lo extraño. Me pulsa más componer que el vivo, aunque sé que a veces empieza a sonar el show, me pongo a cantar, y me emociono. Lo que pasa es que siempre fui muy tímido.

Hace poco vi un video, Estelares tocando con Pequeña Orquesta Reincidentes. Yo ni “gracias” decía, miraba el piso. Me daba vergüenza levantar la vista, hasta que llegó un día en que Ana Laura, una productora que tuvimos, me tuvo que decir “Manuel, mirá a la gente”. A mí me gusta componer porque es muy con vos, estás resolviendo tus misterios. Y en el vivo, levantás la vista y… qué sufrimiento: tenés que salir de vos, a pesar de toda la timidez. 

- ¿Y cómo atravesás ese momento de salir al escenario con toda esa timidez?

- Ya es en piloto automático. He salido a cantar sin saber lo que estoy cantando. Estoy pensando en cómo irá Sarmiento… Me ha pasado que quiero pensar la letra, me la olvidé, eso te mata. Pero con entrenamiento volvés enseguida. Cuando la banda sale al escenario yo ya voy como piña. Puedo estar en mis peores días pero la banda me lleva.

En plena cuarentena estuvimos siete meses sin vernos, de marzo a octubre. Y nos propusieron hacer un show para autos y fuimos. Probamos apenas un poquito de sonido pero la banda sale andando porque hace 18 años que estamos juntos de gira. 

- ¿Qué se hace para cuidar una banda durante más de 20 años?

- Para mí el sostén a lo largo de los años pasa por lo creativo y por sentir a mis compañeros muy talentosos. Los demos son recontra míos, pero la banda es muy buena, y en eso yo soy un elemento más: el cantante. Soy el compositor y como banda soy el cantante. Y en esa banda quiero que el batero sea Javier Miranda, que el bajo lo grabe Pablo, que las guitarras las grabe Víctor, y que el piano lo grabe el Rata. ¿Por qué? Porque me parecen buenísimos. Por eso seguimos juntos. Me han propuesto cosas, proyectos solistas, pero pienso: ¿dónde voy a conseguir músicos de esta calidad?

Hay una partecita de canción de Andrés Calamaro que dice “las canciones las compongo caminando / entonces algunos versos se me van”: Moretti la cita para hablar de algunas de sus creaciones. De Ella dijo, que se le ocurrió caminando por Corrientes y Lambaré, después de proponerse escribir un verso “tipo Sandro”. “Entonces se me ocurrió ese arranque, ‘y todo en un minuto…’. Llamé a mi teléfono fijo y grabé en el contestador la melodía y la letra”, cuenta. “Un día perfecto, en cambio, la compuse quietito. Sentado en el baño de un amigo. Agarré la guitarra y me fui al baño, y cuando salí le dije ‘che, tengo un hit’. Y fue un hit. Me salió cagando”. Se ríe y se acuerda de cómo se puso a llorar el amigo dueño del baño cuando él evocó la anécdota compositiva en el show en el Gran Rex en el que Estelares festejó sus primeros 20 años.

- ¿Cómo ejercita el músculo un escritor de canciones?

- A veces efectivamente sentís una emoción y de ahí sale una canción. Otras veces voy caminando y grabo una melodía. Después vas escuchando las notas de audio del celular y decís “esta está buena”, y te ponés a laburar. Por ahí tengo 100 ó 150 notas de audio y encuentro alguna que me parece buenísima. Después, hay cosas que vas aprendiendo con el tiempo: si tenés un estribillo muy florido tratás de que el verso no se mueva mucho en las notas.

La cosa es así: o te emocionás, o te ponés a jugar y encontrás una melodía, o revisás todo lo que fuiste haciendo. Son 30 años de este oficio. Con todo eso encima, caigo ahí -de nuevo el brazo apuntadísimo al estudio de grabación hogareño-, disparo una batería, una guitarra, y enseguida sale algo porque tengo oficio, que es una de las cosas que más me gusta defender. Es defender lo que nos ha dado la vida.

- Hablaste de tu alcoholismo, ¿cómo es tu vínculo con las adicciones?

- Fueron muchos años en los que estuve muy relacionado con mi narcisismo y mis dificultades. Yo dejé de estar todos los días borracho porque no toleraba ver a Juana, mi hija mayor, todos los mediodías sin estar lúcido, ella siendo una niña. Convertirme en padre hizo que empezara a recuperarme porque el nacimiento de mi hija me corrió de mi narcisismo.

La cura más emocional vino un tiempo después. Escribí en Página/12 sobre La distancia, la canción de Roberto Carlos. Yo la escuchaba en una habitación grande de la casa, y el verso “nunca más oíste tú hablar de mí” me representaba a mi viejo, que era viajante, transportista, y no estaba nunca en casa. Es una muy buena persona, pero padre ausente grosso. Entonces pensando en todo eso, en medio de esa fragilidad, le digo a mi terapeuta que mi viejo siempre se estaba yendo. Y le digo: “Yo siempre me relaciono con las chicas yéndome, como mi papá, que siempre se está yendo”. Empecé a llorar y no paré por 20 minutos. Me di cuenta de que me relacionaba con el mundo a través de la vida de mi viejo, y al darme cuenta empezó mi cura. Empezó a quedarse en los lugares ese tipo que huía con pavor.

La gente cree a veces que las adicciones son las relaciones que tenés con la cocaína, con el alcohol, con pincharte, cosas que hice en distintos momentos de mi vida. Y en realidad la adicción es la relación que tenés con la dificultad, con tus dificultades.

Se hace la hora de que Lola vuelva del colegio pero Moretti tiene algunos minutos más. Entra a su casa y sale con un tesoro verde en las manos: “Esta es, la del ascenso, la que voy a enmarcar”.

JR