Entre el mundo digital, los claroscuros del Barroco, el realismo decimonónico y la desobediencia del graffiti, aparecen los murales de Heber Fleitas. Vecino de Hurlingham, sus obras son “covers” y parodias de pinturas de Da Vinci, Miguel Angel, Caravaggio y otros artistas. Pueden encontrarse por las calles del conurbano bonaerense y también en Latinoamérica y España. 

Dejó su huella en el Festival de Street Art de Navarra y en el Museo Banksy de Barcelona. También desafió a la autoridad barcelonesa con el mural de un guerrero indígena que hizo frente al Ayuntamiento y la policía no dejó que terminara su obra. 

Autodenominado un “escenógrafo urbano”, el artista de 33 años pasó la mitad de su vida laboral en los talleres del Complejo Teatral de Buenos Aires. “Cuando arranqué a estudiar escenografía, me di cuenta de que si podía pintar un telón, podía pintar una pared”, cuenta.

–¿Cómo llegas al Teatro San Martín?

–Hay una tradición en los teatros: es algo que pasa de padre a hijo. Mi papá trabajó acá en la parte técnica por 40 años hasta jubilarse. Mi mamá está en el área de Camarines y mi hermana en Seguridad e Higiene. Yo arranqué en el 2011 en el sector de Utilería, trabajaba sobre objetos pequeños. Me acuerdo que una de las primeras obras que asistí fue de las últimas de Alfredo Alcón. Después arranqué a estudiar Escenografía en el 2014 y me pasaron a ese sector. 

–¿Cuáles son tus tareas ahí?

–Con el equipo de Escenografía y Artesanía recibimos los objetos que modelan en el sector de Escultura, desde máscaras y títeres hasta armas de fuego. Los pintamos para las puestas escénicas en este teatro y también en el Teatro Alvear y el Teatro de la Ribera. Lo más reciente que hicimos fue la escenografía de Cyrano, Clandestina, La Gran Ilusión y también para una adaptación de Eduardo II de Marlowe. Hay cosas que las trabajamos acá desde cero y otras que alquilamos de un depósito. Las herramientas son las acuarelas, telgopor y cartón. Después aplicamos algunas técnicas si queremos envejecer elementos o hacerlos parecer de metal. 

–¿Qué significa el teatro para vos? 

–Es la magia de lo vivo. Del funcionamiento en el aquí y el ahora. Tiene una mística que otras disciplinas no tienen. Al espectador lo conmueve, porque lo hace pasar por distintas etapas. Lo sé porque también soy actor, estuve en la compañía Teatro Sanitario de Operaciones.

–¿Y la escenografía?

–El teatro cambió mi visión sobre lo que son los espacios, tanto los urbanos como los teatrales. Empecé a ver todo como una escenografía. Todas las piezas para mí pueden pasar a ser una. Combiné mis conocimientos y por eso digo que me volví un escenógrafo urbano. 

–¿En qué momento comenzaste a pintar los murales?

-Fue al mismo tiempo que arranqué a estudiar en la universidad. Cuando aprendí a pintar en grandes dimensiones, me di cuenta de que si podía pintar un telón, podía pintar una pared. Al principio lo hice para divertirme con mis amigos del barrio. 

–Algunas de tus pinturas recrean o parodian obras barrocas, del Renacimiento y clásicas. ¿De dónde viene esa inspiración? 

–Viví afuera por casi cuatro años, desde el 2020 hasta diciembre de 2023, entre Latinoamérica y Europa. Solventé mi estadía con lo que me pagaban los municipios, los pueblos y los festivales para embellecer las paredes con los murales. Cada lugar que fui visitando me inspiraba. En Europa me fui nutriendo de lo que veía en los Museos. Es la cuna de ese tipo de arte, aunque también se apropiaron del arte egipcio y griego. 

–De ahí lo llevaste al Oeste del conurbano.

–En el barrio hice obras que trataban de identificar a la gente de ahí, como un retrato de Diego Armando Maradona, por ejemplo. Pero después del viajé quería transmitir el conocimiento que traje del viejo continente y empecé a hacer arte público. Los museos para mí son controversiales: tenés que pagar para ver una parte de la historia y hay mucha gente que, sea por plata o distancia, no tiene acceso a eso. 

Yo saco a la calle lo que está en esos espacios. Mis instalaciones son para todos: el anciano, el niño y el indigente del conurbano. Quiero pensar que pongo el arte al servicio de la sociedad y además busco mejorar la apariencia de las calles descuidadas. 

Mis instalaciones son para todos: el anciano, el niño y el indigente del conurbano. Quiero pensar que pongo el arte al servicio de la sociedad y además busco mejorar la apariencia de las calles descuidadas

–¿Cómo describirías a tu barrio?

–Me crié a un costado de Hurlingham, en sus alrededores. Como la mayor parte del conurbano, San Damián es una zona obrera. Tiene una mezcla de personas que se instalaron ahí por las fábricas, trabajadores del ferrocarril, y también inmigrantes de Bolivia, Perú y Paraguay. Eso hace que exista un folklore que no se va a encontrar ni en Capital ni en el Barrio Inglés de Hurlingham. Culturalmente compartimos el mismo código de la calle, otras palabras y sentido del humor. 

–¿En qué estás trabajando actualmente? 

–Por el centro de Hurlingham estoy haciendo una pareja de angelitos del Renacimiento. Salí un día por la tarde a buscar paredes y encontré una abandonada. Me puse a pintar, todo muy improvisado. Hay obras que pienso mucho, otras que me nacen en el momento.

–Tus réplicas tienen un giro visual. Usás colores flúor, como el rosa, el verde y el naranja, que son los típicos del Graffiti. También añadís detalles del mundo digital, como el recuadro de Windows. 

–Me gusta darles un toque contemporáneo. Laburo con bocetos digitales y después los paso a la pared. Entonces eso me da la posibilidad de probar otros tonos de colores con los aerosoles y jugar con las texturas.

–Por las fotos que compartís en tu portfolio personal, los murales ocupan varios metros de una pared. ¿Trabajas solo?

–Por lo general sí. Me permite trabajar a mi propio ritmo y tampoco tengo que preocuparme por generar acuerdos con otras personas para desarrollar las ideas. Cuando estaba de viaje, me acostumbré a hacerlo de esa manera. Entre que limpio la pared y plasmo el diseño no me demoró más de tres días. 

–Llegaste al Museo de Banksy en Barcelona y al Festival de Street Art en Navarra y Madrid. ¿Cómo fue ese recorrido?

–Banksy también pinta en sitios específicos por cuestiones políticas. Es anarquista el tipo. El Museo Banksy abre las puertas una vez al mes a gente del público y convoca a artistas urbanos para pintar en vivo. Armé un diseño a partir de David con la cabeza de Goliat de Caravaggio y lo pinté en dos días. Terminó siendo David con un rodillo. 

Por otro lado, en Navarra trabajé en la pared de un edificio durante tres días. Es un retrato de San Pedro, uno de los apóstoles de Jesus. Me inspiré en la escultura que tiene en la Basílica San Juan de Letrán, Roma. 

–Compartiste en redes que en diciembre del año pasado, en Barcelona, la policía no te dejó terminar un mural de un guerrero indígena que estabas haciendo frente al ayuntamiento. ¿Qué fue lo que pasó?

–Un vecino denunció que estaba pintando en una pared abandonada. Cayó la policía y por primera vez me hicieron un acta. Fue una escena cómica porque toda la gente que pasaba por ahí me felicitaba por el mural mientras el oficial me estaba interrogando. No me dejaron terminarlo ni tampoco firmarlo, tuve que irme. La noche siguiente volví para hacer vandalismo y pude dejar mi firma. 

–“Todo mi arte es político, espiritual y confronta al sistema. Tengo sangre guerrera”, escribiste como pie a las fotos que subiste a las redes.

–Soy descendiente de guaraníes. La inspiración para la pintura vino porque conviví seis meses con una tribu nativa del Amazonas de Perú.

–¿Qué pintaste en Latinoamérica?

–En el caso de Latinoamérica dibujé y pinté pensando mucho en las culturas indígenas. Por ejemplo, en Brasil estuve en San Pablo y también en Florianópolis y realicé murales de niños de pueblos originarios. Cuando pintaba en ciudades grandes, elegía lugares céntricos donde era bien visible la obra y había más concentración de gente. Pero en Brasil trabajé en zonas desfavorables. 

–¿Planeás volver a irte de viaje?

–Es la idea, sí. Tengo planeado un viaje a Barcelona y también me gustaría ir a un festival internacional de graffiti que hacen en Colombia. Pero sé que mi lugar para vivir es acá, en Argentina, por más que sea un caos la política y la situación económica.

LF/MG

Tres jóvenes argentinos competirán por primera vez en un certamen para que sus murales sean reconocidos como los mejores del mundo. Los tres aspirantes participan del concurso de la plataforma Street Art Cities, junto al ya veterano Martín Ron, donde el público podrá elegir a la mejor obra callejera de entre 50 pinturas de artistas de varios continentes.

La ciudad rumana de Sibiu es la cuna de una de las obras. El publicista, director de cine y artista porteño Julián Cruz Solano decidió pintar tres felinos en la pared de un edificio de aquella ciudad europea y la obra causó furor al punto de ya haber obtenido el podio de “mejor mural” en la competencia mensual que Street Art Cities realiza de enero a diciembre.

“El rugir de la tormenta”, como lo llamó, busca representar, a través de los tigres, “la energía exterior”, mientras que las distintas estructuras del agua simbolizan “la energía interior”, según explicó el artista a Télam. La obra ─que lleva la reseña “Bailando bajo la lluvia transformó cada gota en un gran río que riega de vida los sueños” también muestra una manera de “canalizar el dolor”

Esta no es la única obra de Solano. También tiene pinturas en Chile, Panamá, Colombia, Uruguay, Brasil, Bolivia y Argentina y el año pasado, a partir de su primera participación en festivales de Europa, pudo llevar también su arte a Rumania, Albania y Alemania.

La otra obra que estará en el certamen internacional es una pintura de enormes flores en color violeta y rojo que ocupa el lateral de un edificio de Valence, Francia. “Las flores, como una promesa, brotan en el jardín de mi mente. Son los sueños que dan forma a los tiempos venideros. Siembra hoy, con calma. Porque esas flores del futuro serán nuestras”, es el texto que acompaña la foto de la obra en la plataforma Street Art Cities.

Se trata de una pintura de dos argentinos oriundos en Chascomús: Pilar Tolosa, arquitecta y urbanista, y Julián Razquin, diseñador en comunicación visual. Ambos decidieron juntarse y crear la dupla artística “Cíclope” que hoy recorre todo el mundo.

Su mural ya participó el año pasado en el certamen francés Wall and Love, en el marco de un periplo que llevó a Cíclope a instalar sus obras en Chile, Uruguay, Bolivia, Perú, Colombia, Panamá, Costa Rica, México, Assen (Holanda), La Bañeza (España), Boulogne Sur Mer y Valence (Francia), Dundalk (Irlanda) y Estocolmo (Suecia).

Solano, Tolosa y Razquin compiten en Street Art Cities con otro argentino, Martín Ron, uno de los 10 mejores muralistas del mundo, quien lleva al certamen dos enormes murales: uno de Lionel Messi emplazado en el barrio porteño de San Cristóbal y otro que muestra en la histórica Torre de Agua de Miramar la alegría de dos niños a punto de zambullirse al agua.

La historia detrás de los artistas

Para Solano, el muralismo es una manera de “conectar con el arte desde las emociones y desde la narrativa de la imagen de una forma más libre”. Es para él, una herramienta para explotar al máximo su creatividad mediante la fusión de distintas técnicas y estilos

Con su trabajo, busca reivindicar una rama del arte que no recibe tanto reconocimiento. Lejos de las primeras impresiones y los prejuicios, el muralismo es una disciplina que va mucho más allá de un simple pasatiempo “por amor al arte” y puede convertirse en una profesión. Creer lo contrario “hace que el arte callejero se precarice y que se subestime el trabajo y el esfuerzo que implica materializar un mural”, según indicó.

En la misma línea, la dupla Cíclope defiende esta actividad y reclama por más colaboración con quienes se dedican a esta actividad. Para ellos, sería ideal que el muralismo deje de ser “autogestivo” y reciba apoyo público para que los artistas no tengan que estar “consiguiendo recursos y pidiendo donaciones para la pintura”.

En la calle “intentamos reinventar el mundo y transformar, al menos un poco, la realidad social”, explicaron sobre su proyecto de vida. Insisten, en este sentido, en la importancia de los murales en el disfrute de quienes transitan por la vía pública, ya sea para vecinos de donde se instalan las obras como para turistas y visitantes ocasionales.

ACM con información de agencias.

A 100 años del nacimiento del Dr. René G. Favaloro, se presentó este lunes en pleno centro porteño un inmenso mural hiperrealista de 22 metros de alto, el cual rinde homenaje al creador del bypass aortocoronario, quien sigue siendo un ejemplo de entrega y es recordado por sus familiares como “el último gran prócer argentino”.

Sobre una de las paredes laterales de la Fundación Favaloro, en la esquina de las avenidas Entre Ríos y Belgrano, se contempla el impactante retrato del médico con un delantal blanco y el pelo peinado prolijo hacia atrás. Realizado por el artista Maximiliano Bagnasco, el mural de 12 metros de ancho por 22 de alto fue pintado con aerosoles en tan solo una semana.

“La gente se sorprende por la rapidez, pero estamos acostumbrados. Arrancamos desde muy temprano y terminamos cuando se va el sol. Obviamente no soy yo solo, sino todo mi equipo”, dijo Bagnasco durante la presentación de la obra. La imagen de Favaloro inmortalizada como ejemplo de entrega propone una vista grandiosa en sentido a la avenida 9 de Julio.

El próximo 12 de julio, se cumplirán 100 años del nacimiento del célebre cirujano que desarrolló el bypass aortocoronario, técnica considerada como uno de los 400 inventos más importantes de la humanidad.

“Hoy en día hay millones de corazones que siguen latiendo porque segundo a segundo se va realizando esa cirugía que es parte de su legado”, dijo con orgullo la sobrina nieta del médico, Laura Favaloro. Entre los valores que invita a recordar la obra , Laura destacó “la honestidad, la solidaridad, el trabajar con pasión y que nada se consigue sin esfuerzo”.

“Él era un ser maravilloso, muy honesto, muy bueno. Y además un familiar muy querido”, recordó Laura, quien también médica cardióloga y la directora ejecutiva en el Hospital Universitario Fundación Favaloro. Consultada sobre qué es lo que más extraña de su tío abuelo, aseguró: “Absolutamente todo. Fue el último gran prócer argentino. Creo que reivindicando sus valores podemos llevar a una sociedad más justa y solidaria”.

La iniciativa de realizar el mural surgió cuando Bagnasco comenzó a pintar un retrato del cirujano en Wynwood, un barrio que funciona como un museo a cielo abierto en Miami, Estados Unidos. La periodista Connie Ansaldi lo puso en contacto con Laura Favaloro. “A mí me conocían por pintar mucho a Maradona y a muchos futbolistas”, señaló Bagnasco, y recordó: “en plena época del Mundial yo leía los comentarios de la gente cuando pintaba a Diego (Maradona) que me decían 'Pintá a Favaloro'”.

En cuanto al proceso creativo, el artista aseguró que cada vez que pinta lo toma como “algo más técnico” y se fija que “matemáticamente estén bien los rasgos, los colores”. De todos modos, relató que cuando bajó por primera vez para ver el avance de la obra, tuvo completa noción de dónde estaba haciendo esa “imagen inmensa que cuando alzás la mirada ves a René inmenso, como él era”.

En el centro porteño, el retrato de Favaloro emerge entre los edificios para recordar el legado de un hombre que inculcó la importancia del trabajo, aseguró Bagnasco. “Ojalá que se cuide durante muchísimos años así tenemos la figura ahí”, concluyó.

Por su parte, Carlos Rojo, presidente de la Asociación de Médicos Municipales, apuntó que “tendría que existir un reconocimiento más importante desde el Estado a la figura de René Favaloro”. Manifestó que en la medicina actual la aparición de René Favaloro fue un “antes y un después” en Argentina y a nivel internacional, a pesar de que nuestro país cuente con muchas figuras de la medicina destacadas, y que del último tiempo “fue un pionero en la cirugía cardiovascular”.

“No hay otra figura como Favaloro. Es como Messi y Maradona. No solamente en lo asistencial, en lo académico también. Fue profesor honorario de la Facultad de Medicina de la Universidad de Buenos Aires, no es poco lograr eso”, aseguró Rojo. Agregó que no sólo frente al paciente “fue un grande”, sino que también lo fue en el ámbito académico a la hora de transmitir sus conocimientos.

“Como médico, era un hombre honesto con ganas de trabajar. Transformó el Hospital Güemes y después hizo la Fundación Favaloro y su clínica, lo cual es difícil, pero el hombre se lo propuso y lo hizo. Su tenacidad es de destacar”, aseveró el médico. En referencia a las deudas que rodeaban a la Fundación Favaloro en los 90, Rojo señaló que “hubiese tratado de armonizar y pagar esa diferencia” ya que “la Fundación merecía eso. Él lo merecía”.

“La Fundación Favaloro sigue siendo, hasta hoy, una excelente clínica. No solamente fue un grande sino que dejó una gran escuela”, finalizó.

El mural estará acompañado por una serie de homenajes, eventos, actividades científicas y culturales que se realizarán durante todo el 2023 para celebrar la vida de René Favaloro.

LC con información de agencia Télam

La ciudad italiana de Nápoles inauguró un nuevo mural del astro argentino Diego Armando Maradona en el histórico Quartieri Spagnoli para recordar el emblemático gol del “Diez” a la Juventus en 1985.

Medios locales aseguraron que la obra fue realizada por un artista argentino, aunque no trascendió su nombre, que se encuentra radicado en tierras napolitanas.

El mural retrata el memorable gol que Maradona le convirtió de tiro libre a la Juventus el 3 de noviembre de 1985 y se ubica en uno de los centros turísticos más visitados de la ciudad, donde se estima que asisten alrededor de siete mil personas por día para homenajear al astro futbolístico en una zona donde se hallan santuarios y pinturas en su honor.

“Los Quartieri Spagnoli viven un boom turístico desde hace unos años, pero nunca había visto tanta gente como este verano”, señaló el propietario de un restaurante al medio La Repubblica.

Con información de NA.

IG

El camino de Diego As (nombre artístico de Diego Anido) no fue sencillo, pero su pasión por el mundo del muralismo y del grafiti terminó dándole su recompensa en forma de reconocimiento y éxito. Este español, nacido en Lugo, se inició en la disciplina durante su adolescencia de una forma clandestina y autodidacta, motivado por su gusto por pintar y las influencias del hip-hop y el arte urbano.

Después de sus estudios de secundaria, decidió formarse en el ámbito de la pintura, desarrollando su talento y su pasión por el realismo, que puede verse claramente en sus obras. Poco a poco comenzó a hacerse un hueco hasta trabajar, tanto para particulares como para instituciones, como muralista profesional. Ahora “el  muralismo ya está mucho más asentado”, comenta, aunque reconoce que en sus inicios era difícil trabajar “en este mundillo”.

El Julio César frente a la muralla de Lugo se ha convertido en un símbolo más de la ciudad y ha conseguido una repercusión que, según asegura, nunca imaginó al ser nombrado como mejor mural del mundo, según Street Art Cities, la mayor comunidad de arte urbana. Tras este mural, el interés de los medios de comunicación españoles se incrementó, pero el nombre de Diego As ya era respetado entre el resto de grafiteros.

Su trabajo se vio recompensado con campañas con marcas importantes, además de con premios, como ser uno de los 'Lucenses del año', el título compartido de Campeón de España en el concurso 'Grafiti Battles Spain 2021' que convoca la Liga Nacional de Graffiti. As atiende a elDiario.es en su estudio en la ciudad de Lugo, donde muestra algunas de sus obras y otras que están por venir.

¿En qué momento te diste cuenta de que el muralismo dejó de ser un hobby y pasó a ser un trabajo?

Con 19 años me di cuenta que podía dedicarme a ello cuando me hacían encargos de particulares. Me costó porque antes siempre me había dedicado al mundo de la construcción. 

¿Cómo ves España para desenvolverte en esta disciplina?

Cuando empecé estaba muy mal vista. En Estados Unidos o en Berlín, con la gente de 1-UP, estaba muy desarrollada. Parece que la gente ha ido abriendo los ojos y estamos ya considerados como artistas. Ya no somos gamberros como se decía. Estamos bien valorados.

Lo que sigue sin aceptarse, evidentemente, es que te pinten la puerta del garaje o una propiedad privada

El muralismo y el grafiti son dos disciplinas que arrastraron muchos estigmas, sobre todo, hace unos años. Sin embargo, parece que hoy en día han ido difuminándose. ¿Qué crees que queda por hacer?

Es algo ya muy normalizado. En Lugo, que es una ciudad antigua y que siempre parece que vamos dos años por detrás del resto, está aceptado porque hay obras que ya se valoran, que ven que tienen trabajo detrás y que ya no es la pintada del grafiti rápida… Al final eso es el grafiti: una acción muy rápida y momentánea. Se acepta que se haga en muros sin uso. Lo que sigue sin aceptarse, evidentemente, es que te pinten la puerta del garaje o una propiedad privada. Ahí no hay manera [risas].

¿Por qué surgió ese cambio de mentalidad en la población que le hizo darse cuenta del potencial que tienen estas obras?

Por la calidad de las obras. Antes técnicamente la gente no era tan buena. Hoy en día, el bote de pintura da para que tenga más calidad la obra. Hay más obras y más buenas. Llega un momento donde la gente se da cuenta que es otra cosa, o es la firma o el grafiti, ya son otras cosas.

Y en ese sentido, ¿crees que incluso el arte está más democratizado?

En mi ámbito era muy  sencillo. Los botes son caros, igual no podías tener todos los colores que querías pero era accesible, solo era coger los botes e ir a pintar a un sitio abandonado o en el que habías estado tranquilo y hacías libremente lo que te gustaba. Pienso que en otros ámbitos es más complicado. A nivel público sí es más fácil ahora. Conseguir un muro en el Ayuntamiento es más sencillo, vas a la Juventud y pides un muro y te van a dar el espacio y todo. 

Muchos grafiteros critican el muralismo y pintar de legal, porque dicen que no es la “esencia” del movimiento. ¿Qué piensas de esto?

Que son cosas distintas. El que pinta grafiti y le gusta la actuación rápida en un sitio ilegal lo va a seguir haciendo y el que hace murales, con un tiempo pensado y con un estudio detrás, también. Al final, están en la misma raíz pero son incompatibles la una con la otra. Creo que hay que entendernos y que cada uno haga lo que tiene que hacer. Yo procedo del grafiti de antes aunque ahora estoy haciendo otras cosas y la gente tampoco dice nada porque sabe que hay un cambio en la vida. 

¿Cómo es el proceso de creación de un mural? ¿En qué piensas para hacer cada una de tus obras? 

Pienso en la estética y en adaptarlo al espacio, al entorno. Luego tiene el proceso de qué hacer o qué motivos meter. Si te gusta el realismo, como es mi caso, puedes tirar de fotografías. Una vez retocado y editado el diseño es llevarlo al muro y la ejecución que pueda tener allí con logística de grúas. 

¿Es importante adaptarla al entorno?

Sí. Para la gente que va a vivir en ese espacio, porque yo pinto allí y marcho, pero la gente va a convivir con esa obra, va a hablar esa obra. Que a la gente no le cause impacto tener una obra de tres pisos y que la vea todos los días, te tienes que adaptar un poco a la gente. En ese sentido es importante que no le cause impacto.

¿Tienes influencias de la cultura gallega a la hora de adaptarla a los entornos? 

Sí, porque al final también trabajas con muchos concellos que tienen diferentes intereses o simbologías. Si es algo para el pueblo, quieres profundizar en eso y plasmarlo. Soy una persona muy abierta con los temas.

La acogida de tu obra en la ronda de la Muralla de Lugo está siendo increíble, dándole una nueva vida a la zona, que disfruta de un atractivo más. ¿Tenías más alternativas o siempre pensaste que tenía que ser la imagen de Julio César?

No, aunque sabía que en ese espacio quería meter algo relacionado con Lugo romano. No sabía si iba a ser una estatua, un casco o un castro. Quería que estéticamente fuese bonito y que ya que solo podía trabajar con grises, tuviese un impacto en esa escala. Luego investigando iba a poner al fondo la ciudad de Lugo, pero no me gustaba estéticamente, no me parecía atractivo para ese espacio. Y cuando surgió la de Julio César lo comentamos en varios organismos y gustó en todos y dijimos “¿por qué no?, si es un emperador romano y Lugo es romano”. Al final no tenías que dar muchas explicaciones.

¿Cuál fue tu reacción cuando lo nombraron el mejor mural del mundo en agosto de 2021? 

Fue un poco de sorpresa porque no pensé que la ciudad de Lugo se iba a volcar tanto en este mural en concreto. Cuando alguien se entera de que lo hice yo es como si hubiese hecho algo para Lugo. Cuando lo pinté no sabía las consecuencias que podría llegar a tener el mural ni la repercusión. Es un orgullo y una responsabilidad, a raíz de eso surgieron muchos trabajos y mucha gente que quiere apostar por mí, como Estrella Galicia o encargos de los ayuntamientos de hacer fachadas. Es lo que yo quería hacer desde hace muchos años, que me costó mucho llegar a eso, y mira… Tuve una buena idea y escogí un buen espacio y la ciudad contenta, yo contento porque pude sacar un poco de provecho de todo esto, y al final todos contentos. 

También a partir de esto llegó más reconocimiento, tanto nacional como internacional.

Sí, hice una batalla de grafiti a nivel nacional y llegué a la final. Compartimos el premio Nexgraff, que es de Euskadi, y yo. Fue un año de bastantes éxitos, la verdad. También me dieron el premio al ‘Lucense del Año’ en eE Progreso y, bueno, cosas que no te esperas en la vida, pero agradecido.

¿Hay trazas en común entre los artistas de disciplina en Galicia que los puedan diferenciar de los de otras zonas? 

Sí. Hay gente que tiene un estilo muy personal y digamos que casi único, que solo tienen ellos. Para mí Lidia Cao es una ilustradora que tiene un estilo muy único y muy nuevo que se ve que tiene las ideas claras. 

Algo que tiene de original tu trabajo y que no siempre haces a tus obras en el mismo lugar y eso también te permite conocer otros artistas y otras ciudades. Si de ti dependiera, ¿dónde te gustaría pintar?

Pues me gustaría pintar en Nueva York, me da igual en una zona que en otra, pero igual pintar a alguien de la zona. Pasar por allí, sacar una foto de algo que tenga la esencia de la zona y representarla en un muro y pasar esa semana empapándome de la cultura de allí.

Sobre la cultura urbana, ¿crees que puede haber una revaloración de esta por parte de la 'generación Z' a favor de los artistas, del arte y de las disciplinas hechas desde lo local, en este caso Galicia?

Sí. Todo lo que tienes alrededor te está empapando. Si en Lugo un pionero pintó de una manera, los que vemos detrás vamos a pintar así porque nos queremos parecer en algo. A alguien de Galicia lo tienes más cerca. Además, tenemos mucho nivel en Galicia y hacemos cosas originales y diferentes al resto.

¿Está habiendo una transgresión en esto con respeto al pasado?

Sí, es reinventarte. Es necesario, es evolucionar y en la cultura está pasando. Dentro de nuestro mundo, del grafiti, también. Yo estoy metiendo en mis trabajos algo de antes pero con un toque transgresor, que le dé un poco una vuelta. No es el típico cuadro tal cual de la foto, sino que le tienes que dar el toque y que evolucione.

Esta es una colaboración realizada junto a 'Zoom na Bagatela', proyecto ganador del premio Nacho Mirás en su VI edición.

RN/DV