El Museo del Prado de Madrid decidió despedir este 2024 con la cantante Ana Belén versionando su canción España, camisa blanca desde la Galería Central. El video en el que se muestra la interpretación de la artista fue compartido en las redes sociales del museo, que celebran de esta forma el mejor año de su historia, con cerca de tres millones y medio de visitantes. Esta cifra superaría el récord logrado en 2023.

La grabación, en la que participó Ana Belén “de manera desinteresada”, se produjo el pasado 27 de noviembre y fue realizada por el equipo audiovisual de la institución. Además, su interpretación es a capela y tan solo necesitó tres versiones “para situar este himno en el espacio emblemático que la albergaba”, según informó el Museo del Prado en un comunicado.

El tema que la artista canta frente a Las Meninas de Velázquez es España, camisa blanca, que fue compuesto por Víctor Manuel en 1981 a partir del verso de Blas de Otero que le da título, y siendo descrito por el museo como “un canto a la esperanza”. “Es una de las canciones a las que más cariño le tiene”, cuenta a este periódico Miguel Ángel Villena, periodista, historiador y autor de la biografía de la artista, que desvela que es una de las favoritas de Ana Belén “junto a La muralla y Lía, otros temas muy queridos y populares”.

“A ella le gustó que España, camisa blanca se convirtiera en un símbolo de reconciliación, en un símbolo de democracia y transición”, recuerda Villena. El autor considera que tiene sentido que decida cantar esta canción “en un momento de bastante crispación política y polarización en el país”, puesto que la letra resalta “todas sus luces y sombras”. Asimismo, Villena apunta que se trata de “una de las canciones que forman parte de la memoria sentimental de varias generaciones de españoles”.

El biógrafo de la vida de la cantante afirma que España, camisa blanca acentuó a Ana Belén como “musa de la Transición”, rompiendo el tópico de la mujer de izquierdas en aquel entonces y ofreciendo una imagen “moderna, elengante y renovadora” que llamaba la atención “frente a la imagen de otras mujeres de la izquierda como, por ejemplo, la Pasionaria”. “El tema sale en un momento en que España se abría a la modernidad y a Europa”, explica Villena, siendo una de las causas que convirtieron a Ana Belén en “toda una referencia”.

Ana Belén estará de gira en 2025

Seis años después de su última gira, Ana Belén planea volver a subirse a los escenarios durante 2025. Lo hará con su gira Más D Ana, en la que repasará los éxitos de su repertorio e interpretará nuevas canciones en las que trabajó para su próximo álbum. La artista visitará hasta 19 ciudades, con Roquetas de Mar sirviendo como pistoletazo de salida el próximo 26 de abril y el Movistar Arena de Madrid (antes WiZink Center) cerrando la gira el 23 de diciembre. Las entradas ya están a la venta.

“Ana Belén ha perdurado como una referencia artística porque sus canciones han sabido conectar con muchísima gente durante décadas”, comenta Miguel Ángel Villena. “Al haber sabido conectar con tantísimas sensibilidades, se ha convertido en una de las figuras más simbólicas del panorama musical”, resalta el periodista e historiador. Lo cierto es que, con un tour, un disco y hasta un proyecto cinematográfico en camino, Ana Belén quiere seguir siendo un nombre fundamental en la cultura de España durante mucho más tiempo.

Letra de 'España, camisa blanca':

España, camisa blanca de mi esperanza

Reseca historia que nos abrasa

Con acercarse sólo a mirarla

Paloma buscando cielos más estrellados

Donde entendernos sin destrozarnos

Donde sentarnos y conversar

España, camisa blanca de mi esperanza

La negra pena nos atenaza

La pena deja plomo en las alas

Quisiera poner el hombro y pongo palabras

Que casi siempre acaban en nada

Cuando se enfrentan al ancho mar

España, camisa blanca de mi esperanza

A veces madre y siempre madrastra

Navaja, barro, clavel, espada

La muerte siempre presente nos acompaña

De nuestras cosas más cotidianas

Y al fin nos sacia a todos igual

España, camisa blanca de mi esperanza

De fuera o dentro, dulce o amarga

De olor a incienso, de cal y caña

Quién puso el desasosiego en nuestras entrañas

Nos hizo libres, pero sin alas

Nos dejó el hambre y se llevó el pan

España, camisa blanca de mi esperanza

Aquí me tienes, nadie me manda

Quererte tanto me cuesta nada

Nos haces siempre a tu imagen y semejanza

Lo bueno y malo que hay en tu estampa

De peregrina a ningún lugar

Investigadores del Barcelona Supercomputing Center-Centro Nacional de Supercomputación (BSC-CNS) están entrenando modelos de inteligencia artificial (IA) para reconocer la simbología y el contenido de los cuadros del Museo del Prado e incluso detectar detalles que pasan desapercibidos al ojo humano.

El objetivo del proyecto FrAI Angelico es generar descripciones detalladas de las obras pictóricas del Museo del Prado que ayuden a entender mejor el patrimonio cultural e histórico de este museo.

Según informó el BSC-CNS en un comunicado, después de un primer proyecto piloto, el reto es analizar toda la colección, con más de 35.000 obras de arte, de las cuales 8.000 pertenecen a uno de los fondos de pinturas más destacados de Europa, con cuadros de Velázquez, Goya o El Greco.

El Museo del Prado ya implementó en 2019 una lectura aumentada sobre los textos descriptivos de las fichas de obras publicadas en la web a través de un motor de Comprensión del Lenguaje Natural (NLU) que permite reconocer entidades y conceptos tratados en las mismas para facilitar una lectura contextualizada al usuario.

Ahora, con el apoyo del BSC, dará un paso más aplicando la IA para estudiar y difundir sus colecciones e implementará un sistema que facilitará reconocer objetos sobre las imágenes de las propias obras.

El jefe del Área de Desarrollo Digital del Museo del Prado, Javier Pantoja, recordó que con el NLU ayudaron a mejorar la comprensión de los textos explicativos de las obras gracias a la lectura aumentada, pero con el nuevo proyecto quieren apoyar “el trabajo de documentalistas y especialistas en el reconocimiento y descripción de objetos, figuras y tema de las obras”.

Los investigadores del BSC desarrollaron un modelo de IA de detección de objetos al que han entrenado con descripciones de miles de cuadros para que sea capaz de analizar de manera precisa el contenido de las pinturas del Museo del Prado, hasta el punto de detectar detalles u objetos que pueden pasar desapercibidos al ojo humano.

FrAI Angelico es un prototipo basado en la tecnología de un proyecto similar anterior, financiado por la Unión Europea, que se denominó “Saint George on a Bike”, coordinado por el BSC en colaboración con Europeana Foundation.

En la primera fase, se analizarán 25 obras, pero el objetivo es establecer una colaboración que permita estudiar todo el fondo del Museo del Prado.

Con el entrenamiento, los nuevos modelos son capaces de detectar objetos que son habituales en representaciones pictóricas del pasado, como una calavera, una corona de espinas, ángeles o demonios.

El siguiente reto es enseñar a estos sistemas de IA a interpretar conceptos abstractos en la pintura clásica europea, como que dos cuerpos desnudos más un ángel probablemente representan a Adán y Eva o una paloma acompañada de un ángel y una persona al Espíritu Santo.

“Con el proyecto FrAI Angelico buscamos también provocar una reflexión sobre el potencial de la IA para reconocer el pasado, la cultura o los símbolos”, ha señalado el investigador del BSC Joaquim Moré.

“Comparar el análisis de los nuevos modelos entrenados en el BSC con los resultados de otros sistemas actuales de reconocimiento de objetos es un ejercicio que nos invita a pensar sobre cómo miramos el pasado con los ojos del presente y aviva la fascinación que produce la contemplación de un cuadro y el descubrimiento de lo que no es aparente”, añade Moré.

Además, la posibilidad de que los sistemas de IA sean capaces de detectar los objetos que aparecen en los cuadros ayudará al Museo del Prado y a otras instituciones del sector del patrimonio cultural a describir y clasificar sus obras de arte de forma automática, lo que facilitará la interpretación del significado de las pinturas.

“Gracias a esta iniciativa se podrán analizar las pinturas, detectar objetos que el visitante no haya percibido, descubrir relaciones entre sus elementos o interpretar su simbolismo, crear exposiciones virtuales con pinturas relacionadas de cualquier parte del mundo, y servirá de base para una nueva forma de estudiar y comprender nuestro patrimonio cultural”, ha concluido la investigadora del BSC María Cristina Marinescu.

La magistrada titular del Juzgado de Instrucción nº 29 de Madrid resolvió la libertad de los activistas climáticos y las periodistas que informaron de la protesta para “alertar sobre la subida de temperatura mundial” que tuvo lugar el pasado sábado en el Museo del Prado. Los cuatro, tres mujeres y un hombre, fueron detenidos por la Fuerzas y Cuerpos de Seguridad del Estado por su relación con la protesta.

De todos modos, continuará siendo investigados por la presunta comisión de un delito contra el patrimonio histórico-artístico del artículo 323 del Código Penal, informaron fuentes del Tribunal Superior de Justicia de Madrid.

Los activistas de la organización ambientalista Futuro Vegetal pegaron sus manos a los marcos de los cuadros 'La maja desnuda' y 'La maja vestida', de Francisco de Goya, y las periodistas informaron de la acción para el periódico El Salto. Los activistas fueron detenidos el mismo sábado por la Policía Nacional dentro del museo. Las periodistas fueron arrestadas el domingo, según informó el citado medio de comunicación.

La protesta forma parte de una serie de acciones que organizaciones ecologistas vienen realizando en distintos museos para alertar sobre el cambio climático. Ya ocurrió con Los Girasoles de Van Gogh en la National Gallery de Londres,  Meules de Claude Monet  en el Museo Barberini, Alemania, o La primavera de Sandro Botticelli en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia).

Según la agencia EFE, el Museo del Prado confirmó que, tras una primera inspección, las obras no sufrieron daños, pero sí se estropearon los marcos, en particular el de “La maja desnuda”.

“Estoy aquí pegado porque la semana pasada la ONU hacía oficial que ya es imposible contener el calentamiento del planeta en 1,5º, sobrepasando los límites marcados en el Acuerdo de París y comprometiendo nuestra seguridad alimentaria”, se escuchó decir a uno de los activistas en uno de los videos que circuló en redes sociales.

La Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE) y la Asociación de la Prensa de Madrid (APM) consideran que las periodistas podrían ser “cómplices” de los hechos y, por tanto, “tendrán que responder” como ciudadanas, informa Europa Press. “No las detuvieron por un acto en el que ejercían la profesión, por lo tanto no podemos hablar de derecho a la información. Que sean periodistas no les da patente para ejecutar cualquier tipo de actuaciones como, en este caso, incívicas. Se expresaron como ciudadanos, no como periodistas, y como ciudadanos tendrán que responder”, declaró a Europa Press el presidente de la FAPE, Miguel Ángel Noceda.

Por su parte, la Junta Directiva de la APM diferencia entre informar como periodista de un hecho al que se fue convocado o participar en la comisión de un delito. En este sentido, se muestran a favor de amparar la libertad de prensa de un periodista que da información de un hecho. “Lógicamente fueron convocados para ello. Como se convoca, por ejemplo para una manifestación ante el Congreso. No aceptaríamos que se detuviera a los periodistas”, apunta.

Dos activistas de la organización ambientalista Futuro Vegetal pegaron sus manos este sábado a los marcos de los cuadros 'La maja desnuda' y 'La maja vestida', de Francisco de Goya, expuestos en el madrileño Museo del Prado. En la pared que separa de ambas pinturas han escrito con spray el mensaje '+1,5º' para “alertar sobre la subida de temperatura mundial que provocará un clima inestable y graves consecuencias en todo el planeta”.

En el vídeo compartido por la organización, se puede ver cómo los dos activistas ingresan en la sala, colocan líquido adhesivo sobre sus palmas y las pegan a los marcos de los cuadros. Tanto el pegamento como el bote de spray con el que pintaron la pared eran de plástico para poder burlar el control de metales de la entrada.

“Estoy aquí pegado porque la semana pasada la ONU hacía oficial que ya es imposible contener el calentamiento del planeta en 1,5 º, sobrepasando los límites marcados en el Acuerdo de París y comprometiendo nuestra seguridad alimentaria”, proclamó Sam, de 18 años. Alba, estudiante de biología de 21 años, reclamó pegada al otro cuadro que el Gobierno elimine las subvenciones a la industria ganadera y las emplee para promover alternativas ecológicas.

“Estas acciones son fruto del miedo ante la inacción de las instituciones y ante la promoción de industrias como el agro, que agravan la situación de crisis climática y comprometen la seguridad alimentaria”, explicó después, en declaraciones a este diario, Bilbo Basterra, portavoz de la asociación.

Basterra cuenta que las acciones de otros grupos de activistas en otros países, como los que lanzaron sopa de tomate a 'Los Girasoles' de Van Gogh, en la National Gallery de Londres, les sirvieron como inspiración y ventana de oportunidad para hacer llegar su mensaje a la opinión pública.

“Hemos cortado la Gran Vía, nos hemos pegado a un stand de Iberdrola; hemos hecho muchas acciones y no conseguíamos la repercusión en medios que te dan este tipo de acciones. No se trata de dañar un cuadro sino de poner de manifiesto la emergencia climática en la que vivimos”, argumentó.

La Policía Nacional apareció inmediatamente en la pinacoteca y arrestó a los dos activistas, de nacionalidad española, por los delitos de alteración del orden público y daños, según informaron a la agencia EFE fuentes del cuerpo. La sala donde se alojan las obras quedó cerrada momentáneamente, pero volvió a abrir a primera hora de la tarde, tras una inspección que concluyó que los lienzos no sufrieron daños.

Según indicó el museo en un tuit, las “obras no han sufrido daños aunque los marcos tienen ligeros desperfectos”. La institución condenó la acción y señaló su rechazo a “poner en peligro el patrimonio cultural como medio de protesta”. Los marcos de 'Las majas' están datados entre 1902 y 1912. El ministro de Cultura, Miquel Iceta, también mostró su “más absoluto rechazo” a lo que calificó de “acto vandálico”.

Durante la protesta de los dos activistas, una de las mujeres encargadas de la seguridad del lugar intentaron impedir que las personas alrededor tomaran fotos o grabaran lo que estaba ocurriendo. Algunos visitantes increparon a los activistas con gritos de “fuera” o “sinvergüenzas”.

“No entendemos este celo contra la difusión de la protesta. O bien se sienten vulnerables o bien no les interesa que se difunda este discurso. La instituciones no hablan claro y no actúan frente a la emergencia climática, mientras tenemos una fuerte represión policial en las calles. Nos hace plantearnos si el problema es que suceda la protesta o que se haga viral”, comenta Basterra.

Futuro Vegetal es una organización ambientalista, de desobediencia civil y protesta no violenta adscrita a Extinction Rebellion. Comenzaron su actividad este enero y desde entonces desarrollaron diferentes acciones contra, por ejemplo, el Ministerio de Agricultura o una fábrica de la empresa alimentaria El Pozo.

Nacieron, dice su portavoz, como una manera de interpelar a la población para que diga basta. “Las instituciones no han actuado, no están a la altura de la emergencia y hemos decidido que tenemos que innovar nuestras prácticas”, afirma. En concreto, solicitan al Gobierno español que retire todas las subvenciones a la ganadería y que utilice todo ese dinero para políticas ambientales y sociales.

“En el Estado español tenemos una poderosa industria cárnica que consume el 70% de recursos hídricos y la mayor parte se vende fuera. Tenemos una industria extractivista. El estado sigue subvencionando esta industria con 430 millones de euros. Dentro de casa tenemos muchas cosas que tenemos que mirar”, lamenta.

En este momento los embalses españoles se encuentras más vacíos que nunca. España encaraba el curso del agua con las reservas casi al 40 % y había preocupación en cuencas tan grandes como el Guadalquivir y el Guadiana. Este octubre, el total está mucho más bajo: en un 32%. La media de la década a estas alturas del año es del 50%.  

“Proteger el arte”

Las últimas protestas en museos, como la de Londres o la de los activistas alemanes de Letzte Generation, que arrojaron puré de patatas a un cuadro de Monet, en el Museo Barberini de Potsdam, han suscitado múltiples muestras de apoyo, pero también de críticas desde una parte de la sociedad que las tacha de banales. “Estamos haciendo esto para proteger el arte, porque el arte existe en tanto en cuanto hay alguien que lo pude contemplar”, opone Basterra, que defiende esta protesta como otras tantas de desobediencia civil en el mundo.

“Hemos decidido hacerlo en Madrid porque aquí las cosas se magnifican y la elección de esos dos cuadros nos permitía colocar un mensaje en la pared, entre ambos marcos”, explica, para descartar, entre bromas, que la elección de la maja desnuda no tiene que ver con el calor que todavía en pleno noviembre experimenta el país.

La protesta en el museo madrileño sigue a la de los alemanes que lanzaron puré a 'Les Meules' en Potsdam y también se pegaron a las paredes del museo. “¿Necesitamos puré de patata en una pintura para que escuchéis?”. “La gente pasa hambre, se congela, muere. Estamos en una catástrofe climática y lo único que os preocupa es un poco de sopa de tomate sobre una pintura”, protestaron entonces los activistas. Luego, añadieron: “Tengo miedo de que los científicos nos dicen que no podremos alimentar a nuestras familias en 2050. Esta pintura no valdrá nada cuando tengamos que luchar para alimentarnos. ¿Cuándo vais a escuchar y parar vuestros negocios?”.

Esta forma de movilización se ha puesto de moda. El 14 de octubre, dos activistas de la británica Just Stop Oil arrojaron sopa de tomate sobre 'Los girasoles' de Vincent Van Gogh en la National Gallery de Londres. Ataviadas con una camiseta con el lema contra la extracción de petróleo, dos jóvenes se acercaron al cuadro, abrieron una lata y arrojaron el contenido contra él.

“¿Qué te preocupa más, la protección de un cuadro o la de nuestro planeta y las personas? La crisis por el encarecimiento de la vida es parte de la crisis energética. La gasolina es inasequible para millones de familias que pasan hambre y frío y que no pueden permitirse ni calentar una lata de sopa”, dijeron entonces. Los mensajes lanzados desde diferentes puntos de Europa se parecen en la medida en que el cambio climático afecta a todo el globo y las instituciones, como reclaman estas acciones, protagonizadas todas por jóvenes, si hacen algo es insuficiente para frenar una crisis sin precedentes.

Hace apenas un día, otro grupo de ecologistas lanzó sopa de guisantes contra el cuadro El Sembrador, también de Van Gogh, pero esta vez en el museo del Palacio Bonaparte de Roma.

Cada día, a eso de las tres de la tarde, Gianluca Lattuada se presenta en el Museo del Prado con su bloc de láminas de dibujo, entra con su abono, se toma un expreso solo con azúcar en la cafetería y se adentra en la exposición principal. Allí, después de “saludar” religiosamente el David vencedor de Goliat de Caravaggio, pasará el resto de la tarde dibujando, hasta que el Prado cierre a las ocho. Lleva haciendo esto desde mediados de julio, y seguirá durante un tiempo indeterminado hasta que termine el proyecto artístico en el que se ha embarcado (o se canse de él).

Conversaciones, que así se llama el proyecto, forma parte de lo que Lattuada cataloga como el “nuevo barroco” y se le ocurrió en una de sus visitas al museo. “El Prado tiene una colección de barroco muy grande, y observando los cuadros empecé a pensar que son contemporáneos. Se pintaron hace 400 años, pero parecen hechos hoy”, me explica el joven artista, de procedencia milanesa y 34 años, en la misma cafetería donde se toma dos, tres o incluso cuatro expresos cada tarde.

“El barroco tiene mucha conexión con el presente. Nació después de la peste, con gran parte de la sociedad en situación de pobreza extrema, y en un momento de cambio; y es una corriente artística que quiere expresar el dinamismo, la oscuridad, el caos…”. Al reflexionar sobre la vigencia de las pinturas de Velázquez, Caravaggio o Rubens, Lattuada decidió dibujar en su bloc detalles de cuadros del museo y añadirles elementos contemporáneos. “Es como si no hubiera pasado y presente; lo que estaba en 1600, está hoy y habla con el ahora con el lenguaje del barroco. Es una conversación del hoy con el cuadro y con el pasado”.

Todo empezó con la Inmaculada Concepción de Francisco de Zurbarán. La aparición mariana del óleo sobre lienzo del artista del Siglo de Oro se convierte en la lámina de Lattuada en una estatua como las que se pueden encontrar en los centros de muchas plazas italianas, con una moto a los pies. La imagen creada a principios del siglo XVII se convierte en una postal propia del siglo XXI. Pero no solo es actual, sino que tiene conciencia de clase. “Nací en un pueblo en la periferia de Milán, en el que hay mucha inmigración y una parte multicultural muy fuerte. En mi arte quiero encontrar las realidades de los que viven en los márgenes, esa gente que está en el bar de pueblo, sentada en sillas de plástico de Coca-Cola y sueñan con cambiar el mundo”.

Aunque mira al barroco, Lattuada saca del pop la instantaneidad, algo de ingenuidad y un gusto por la representación de marcas comerciales y productos de consumo contemporáneos. En otra lámina traslada El Triunfo de Baco de Cornelis de Vos, una representación de la opulencia y el hedonismo, a Las Vegas, descontextualizando el cuerpo gordo y grasiento del dios del vino y uno de los tigres que empujan su carro, y añadiendo un cartel luminoso de la ciudad de los casinos.

En El Rapto de Proserpina de Rubens cambia el Hades por un barrio del extrarradio, con su hormigón, sus puentes y sus grafitis.

De pie y sin apoyo

Normalmente, cuando un artista quiere llevar a cabo alguna obra dentro del Prado, tiene que pedir permisos, pero solo si va a necesitar materiales de riesgo como pintura o bártulos de grandes tamaños como un caballete. Recientemente lo han hecho Eve Malherbe, David Cárdenas Lorenzo o Yi Ten Lai Fernández. Otros, como Iona Roberts y Leon Scott-Engel, han sido becados por el museo para desarrollar proyectos dentro de él. Lo insólito de Gianluca Lattuada radica en la espontaneidad, su presencia tiene un componente de guerrilla, cercanía y manualidad. Y si su obra pretende entablar una conversación con los cuadros que cuelgan las paredes del museo, hay otra sinergia colateral: él mismo se convierte en una pieza más que observar a ojos de los visitantes.

Hoy está dibujando a partir de La Flagelación de Daniele Crespi. Lo hace de pie y sin apoyo, algo habitual (recuerda que solo pudo sentarse en un banco el día que trabajó ante La Adoración de los Magos de Rubens; en otra ocasión tuvo que dibujar toda la tarde en unas escaleras). Las personas que pasean por el Prado llegan a una pequeña sala en la que están la Cleopatra de Guido Reni, San Pedro liberado por un ángel de Guercino… y después se topan con un hombre dibujando frente a un cuadro. El cuadro pasa a segundo plano.

Una chica se para a observar lo que hace y, tras mirar alrededor para asegurarse de que no hay personal de seguridad a la vista, procede a hacer algo prohibido en el Prado: grabar con el móvil. “Mucha gente se acerca. Algunos me hablan, me piden ver lo que hago, me dan su opinión…”, me cuenta Lattuada. “Otros me agregan en Instagram y suben mis fotos allí, ya hablo regularmente con gente de todo el mundo”. Hay quienes le envían fotos suyas de repente por AirDrop, el sistema de comunicación inalámbrico del iPhone, o los que se las mandan a posteriori por redes alegando que no querían hablarle para no molestarle (un factor a tener en cuenta, por frívolo que suene, es que Gianluca es un hombre muy apuesto y fotogénico: si algo hemos aprendido de la historia del arte es que la belleza atrae la atención).

“Hay trabajadores del museo con los que ya tengo bastante confianza”, asegura el artista. “Los que me ven en el bar todos los días, o personal de seguridad que de vez en cuando me cuentan cosas. Uno de ellos tiene un padre pintor y siempre muestra mucho interés en las obras. En realidad están trabajando, no pueden ponerse a conversar, pero te ven, te saludan y son muy atentos. Una vez perdí el sacapuntas y me lo encontraron ellos”.

La goma de borrar

El encargado de vigilar la zona hoy no es tan simpático. Se le ha acercado para advertirle con seriedad de que los restos de la goma de borrar no pueden ir al suelo. El trabajador me dice que permiten a Lattuada estar ahí porque no está frente a una obra muy transitada. “Eso no lo podría hacer ante Las Meninas, o en el Caravaggio, porque dificulta el paso”, explica (al cabo de un rato, cuando dé un paseo por el museo, se me hará difícil observar el famoso cuadro de Velázquez porque tendrá delante a un grupo de 20 turistas japoneses). “La bolsa, por ejemplo, no debería estar ahí, pero como no molesta…”. Lattuada ha dejado en el suelo una pequeña mochila en la que transporta su material; al rato el personal del museo se prestará amablemente a colocarla en un lugar apartado del paso del público. Al fin y al cabo, este artista improvisado en medio de la historia del arte provoca simpatía, aunque sea porque supone una ruptura de la rutina. Después de estas observaciones, el trabajador habla repentinamente con un tono más ligero: “Pero lo hace muy bien, el muchacho”. Y sigue patrullando.

No todo el mundo mira con benevolencia lo que Lattuada está haciendo. Dos ancianos le observan de reojo y comentan entre ellos, con aspavientos de desaprobación. Quizá vean como una muestra de soberbia y presunción el propio acto de reproducir un cuadro delante de los artistas más grandes. El proyecto Conversaciones supone un giro a la figura del copista, un artista que visita el museo (previa autorización) para copiar obras o partes de ellas. Esta práctica, que el Prado acoge y promueve, forma parte de la formación de todo artista y la han llevado a cabo grandes como Picasso o Gisbert.

“Yo no quiero ser un copista, no tiene ese sentido el proyecto”, aclara Lattuada. Recuerdo las palabras de Kirby Ferguson, creador del documental Everything is a Remix: “Los remixes se hacen cogiendo canciones existentes, cortándolas, transformando los trozos y volviendo a combinarlos, y entonces tienes una nueva canción. Pero esa nueva canción está evidentemente compuesta por canciones viejas”. Ferguson tiene la teoría de que este proceso no es exclusivo del remix, sino que copiar, transformar y combinar son los elementos básicos de todo proceso creativo. Lo que Lattuada hace no está muy lejos de esos cantantes que versionan sus canciones preferidas y las suben a Youtube.

Lattuada tiene una forma contagiosa de ver el arte, de observarlo, sentirlo y pensarlo, que huye de una concepción elitista. “Creo que cada uno puede dar su propia explicación de una obra cuando la tiene enfrente. Me interesa lo que te pasa a ti cuando la miras. Y no quiero una lectura intelectual, sino desde las tripas. ¿Qué te hace sentir?”, me explica mientras deambulamos por los pasillos del museo. Después de un mes viniendo a diario se los conoce como la palma de su mano, toma giros repentinos para enseñarme una u otra pieza, sube y baja las escaleras con determinación.

Se detiene frente a La Adoración de los Reyes Magos de Fray Juan Bautista Maíno y me señala la viveza y el realismo de los ropajes que llevan los personajes retratados, que observados de cerca impresionan porque se acercan a la definición fotográfica. “¡Parece pintado hoy, por ordenador!”, exclama en voz baja. Le obsesiona la tensión y la fuerza de los cuerpos, que suele replicar en sus láminas porque le parecen totalmente contemporáneos (me explica que hay tres elementos que predominan en Conversaciones: la violencia, la sexualidad y lo sagrado). Lo cierto es que al observar La Fragua de Vulcano de Velázquez pienso que los trabajadores del cuadro, con esos cuerpos grecorromanos, tendrían muchos seguidores en Instagram.

De repente me doy cuenta de que llevo horas sin pasar calor y le pregunto cuánto hay en el proyecto Conversaciones de una búsqueda de refugio contra el insoportable calor que estamos pasando este verano. “Muchísimo. No tengo aire acondicionado en casa”, responde riéndose. “Me has descubierto”. Antes de que Lattuada vuelva a sumergirse en su lámina, bajamos a la cafetería a tomarnos un segundo café y, al fijarme en los precios desorbitados, claramente enfocados en el visitante turista, le pregunto si compra la comida aquí a diario. “¡Qué va! Nunca. Normalmente me hago un bocadillo y me lo como en la puerta antes de entrar”. Se me ocurren formas peores de pasar un verano.

“Parte del mejor porno de todos los tiempos no está en Pornhub. Sólo se puede encontrar ¡en un museo!”. Lo recuerda la actriz Ilona Staller, Cicciolina, en el anuncio que la empresa líder del porno en internet acaba de lanzar. Con 130 millones de visitas diarias, Pornhub ha hecho un curioso llamamiento a su comunidad de usuarios para que vuelvan a visitar los museos, al tiempo que asegura que apenas hay diferencia entre sus vídeos pornográficos y las pinturas de mujeres desnudas que cuelgan en las pinacotecas de todo el mundo. En la coartada cultural titulada “Classic Nudes” han elegido algunas obras maestras del Museo del Louvre y el Museo d’Orsay de París, el MET de Nueva York, el British Museum y la National Gallery de Londres y los Uffizi de Florencia. 

También aparece el Museo del Prado de Madrid referido con una decena de pinturas, entre ellas la Maja desnuda, pintada por Goya a petición de Manuel Godoy. Según la web porno a la que Mastercard y Visa vetaron -después de que confirmaran las denuncias sobre la distribución de contenido ilegal en la que se incluyen violaciones y sexo con menores-, Godoy era “uno de los usuarios premium de Goya”. “En la pieza, vemos a una hermosa mujer desnuda en lo que parece ser el equivalente del siglo XVII a un sofá de casting (quizás refrescándose después de un buen revolcón con el alguacil local)”, puede leerse en el capítulo dedicado al Prado de la web creada para la campaña. 

El texto que trata el icono de Goya también afirma que Godoy fue “un político al que le gustaba el sexo tanto como, bueno, a los políticos de hoy”. Y recuerda, sin faltar a la verdad, que el llamado príncipe de la paz y favorito de Carlos IV mandó construir una sala íntima llena de desnudos. “Se decía que visitaba todas las noches antes de acostarse para darle un final feliz a su día, algo así como lo que haces hoy pero con Pornhub”, añade el párrafo adaptando el contexto a sus intereses. La publicidad de la empresa insiste en que lo que se encuentra en un museo y en su página web son el mismo tipo de escenas. 

La institución dirigida por Miguel Falomir asegura que “el museo es ajeno a esta iniciativa y, por tanto, no existe ninguna colaboración” con Pornhub. Además, indican a elDiario.es que no descartan la opción de iniciar acciones legales. “Estamos en contacto con alguna de las otras instituciones incluidas”, añaden. Las imágenes de los cuadros son de libre acceso en la web del propio museo si no hay una intención de venta. En este caso no hay venta, pero desde el museo sí creen que existe un aprovechamiento del patrimonio cultural y artístico para “lograr un beneficio de notoriedad”.

Un malestar social

La estrategia publicitaria de la empresa está bien clara: en los museos hay porno y el porno hace arte. La campaña asimila la mirada del usuario del porno a la del espectador del arte para justificar un relato patriarcal que según la filósofa Ana de Miguel provoca “malestar en la falta de reciprocidad en las relaciones sexuales entre mujeres y hombres, y en la mercantilización y la codificación del cuerpo de las mujeres”. En Sobre la pornografía y la educación sexual: ¿puede “el sexo” legitimar la humillación y la violencia? indica que “el mundo que queremos no es un mundo en que la igualdad signifique que los hombres pasen a ser también cosificados y deshumanizados y mercantilizados”. 

Al líder del porno no le importa si sus usuarios vuelven a visitar los museos tras la pandemia, pero sí está interesado en que descubran la manera de justificar el uso de la pornografía que, según un estudio de Dolf Zillmann y Jennings Bryant (Effects of massive exposure to pornography, 1984), “induce a sus espectadores a trivializar la violación”. Es decir, para la empresa el porno no puede ser tan malo para las mujeres si se encuentra colgando de las paredes de los museos. Lo que asegura la famosa actriz italiana en el anuncio es lo que denuncia el colectivo Guerrilla Girls desde más de tres décadas: que la mujer sólo entra en estas instituciones si está desnuda y dispuesta para satisfacer la mirada del hombre. 

Con la acción de 1989 Do Women Have to Be Naked to Get into the Met. Museum? (“¿Tienen que ir desnudas las mujeres para entrar en el Metropolitan Museum?”), las Guerrilla Girls señalaron que “menos de un 5% de los artistas de las secciones de arte moderno son mujeres, pero el 85% de los desnudos son de mujeres”. Los expertos en porno concluyen que el museo también es porno. Lo más interesante de esta campaña es que en su intento de justificación de la violencia narrativa del porno han dejado al descubierto el desnudo del emperador. ¿Tiene razón Pornhub cuando asegura que el porno también está en los museos?

“Sentir con intensidad”

El pasado 22 de febrero, el Museo del Prado realizó un directo en Instagram durante el montaje de la exposición temporal Pasiones mitológicas, en la que Alejandro Vergara, uno de sus comisarios y responsable de pintura flamenca en el centro, reclamaba más pasión en la contemplación del arte. Defendía esta reivindicación mientras ponía el ejemplo de aquel ciudadano griego que se masturbó y eyaculó ante el que se considera el primer desnudo escultórico de la humanidad. Una copia de aquella pieza se incluyó en la muestra. En la retransmisión Vergara lanzaba una arriesgada pregunta: “El arte lo que debe es hacernos sentir y nosotros tenemos que ver estas cosas sin distancia. Tenemos que entender que uno de los fines del arte es hacernos sentir con intensidad. ¿Y dónde está esto más claro que en cuestiones relacionadas con el amor, el deseo, la belleza y el sexo?”.

Vergara explicó que cuando Tiziano hizo referencia a Felipe II del episodio de la “mancha de la pasión” en la escultura “había algo de conversación entre hombres”. Lo que Tiziano llamó “poesías” (fábulas) para referirse a seis mitos clásicos que pintó, entre 1553 y 1562, para un cuarto muy íntimo de Felipe II tenía un “leit motiv” que vertebra la serie: el desnudo femenino, expuesto para satisfacer el deseo del cliente en su privacidad. La historia del arte ha tratado sin éxito de reconstruir una lectura alegórica a la buena gobernanza del entonces príncipe y se ha permitido llamar “amores engañosos” a las violaciones de Danae, Calisto y Europa, que suceden en estos cuadros. Aunque Pornhub no ha entrado a excusarse con este encargo histórico, Tiziano creó una visión erótica a partir del único elemento narrativo al que podía ceñirse, la mitología, para satisfacer la mirada de un hombre. 

En Pornhub también se fijan en una de las obras que más literatura y controversias ha generado: la Venus de Urbino de Tiziano. La pintura es la portada de la campaña que la web dedica a los Uffizi. Habla claro a su público: “Como regla útil, cualquier cosa que veas en un desnudo clásico que no sea obviamente pervertido… definitivamente tiene la intención de representar algo pervertido”. El objeto de la controversia con esta imagen es la postura de Venus: “La contracción de los dedos de su mano izquierda sugiere que, lejos de cubrir su pubis, está masturbándose”, escribió Miguel Falomir sobre la obra en el catálogo de Tiziano, quien reconoce el “erotismo” de la pintura. La mirada del deseo masculino no ha dejado de amaestrar al arte a lo largo de los siglos y quién sabe si las interpretaciones de Cicciolina pudieran ser parte de los museos dentro de dos siglos.