Un 23 de julio 2011 se apagó la voz de Amy Winehouse. La cantante fallecía a los 27 años en su ciudad natal, Londres, y dejaba su música como legado, con una mezcla de géneros musicales entre el soul, jazz y R&B que la hicieron tener un sonido único que sigue vivo a través canciones como ‘Rehab’ o ‘Back to Black’, que dio título al que sería su gran éxito y que la catapultaría al éxito en 2006.

Pero Winehouse dejó algo más que la música como legado para sus aficionados y el público en general, como fueron los más de 200 libros que formaban parte de su colección personal y que adquirió la Livraria Lello, una de las más conocidas y bonitas del mundo y que se encuentra en Oporto, Portugal.

La librería Lello es una atracción turística más de la ciudad portuguesa y permite visitar la colección de libros de la cantante, expuesta en la Sala Gemma, previa reserva, y que deja conocer de forma más íntima a la interprete británica a través de la literatura que consumió.

El estrecho vínculo de la música de Amy Winehouse y sus lecturas

De hecho, el propio hermano de la artista declaró en un comunicado de prensa cuando se adquirió la colección privada sobre la relación con los libros: “Amy solía avergonzarse un poco de lo inteligente que era. Tenía un montón de novelas de Jackie Collins por toda la casa, pero escondía su colección de Dostoievski en un armario”.

Las novelas de Jackie Collins eran uno de sus libros más populares y de literatura comercial, siendo uno de los ejemplares Hollywood Wives, pero que demuestra que era una joven curiosa, apasionada de la cultura popular y que lo que leía tuvo influencia en su música.

De hecho, las novelas de Jackie Collins conviven con, por ejemplo, A view from the Bridge de Arthur Miller o Howl de Allen Ginsberg, en cuyo ejemplar dejó Winehouse anotadas unas líneas de una canción que nunca llegó a terminar de componer, pero que dan claro detalle de lo estrecho que era el vínculo de su música y lo que leía.

Así era la Amy Winehouse lectora

A través de la biblioteca personal de Amy Winehouse podemos hacer un pequeño recorrido por su perfil como lectora, con el universo de Harry Potter y El Guardián entre el centeno como los títulos y autores que marcaron su juventud y que influenciarían su sensibilidad como artista, que se vería también en su incursión en el teatro que se dio con la obra Little Shop of Horrors a través de la que fue escogida en la escuela teatral.

Entre su colección literaria destacan dos géneros, entre ellos la novela gráfica, que ocupa una cuarta parte de su biblioteca y que demuestra que tenía una afición por los relatos visuales, que condicionaría su estética única y su estilo alternativo a nivel musical. Los hermanos Hernández eran uno de sus favoritos con la serie Amor y cohetes, así como otras como Torpedo, Luba o The Walking Dead.

Además de la novela gráfica otro género que cautivó y protagonizó las lecturas de Winehouse fueron las biografías, especialmente de cantantes como fue el caso de Frank Sinatra, Madonna, Jimi Hendrix, Boy George o Alex James, algunos de ellos con los que compartía el haberse enfrentado a desafíos personales y que dejaba claro cuáles eran sus influencias a nivel musical. Estos se unían, además, con otros títulos sobre la vida de personajes destacados del cine y del teatro como Marlon Brando o Bob Fosse.

Michael apenas terminó de rodarse y todavía no tiene tráiler, pero aún así apunta a ser la película más polémica del año que viene. Universal y Lionsgate planean para el 18 de abril de 2025 un estreno que huele a taquillazo, combinando el aparente atractivo comercial del que hoy goza el biopic musical —subgénero dedicado a recrear la vida de las estrellas pop— con la inabarcable fama de su protagonista, Michael Jackson. El rey del pop, fallecido hace 15 años, tuvo una trayectoria tan fascinante como plena en episodios siniestros, con acusaciones de pedofilia y abuso sexual. Unas acusaciones que Antoine Fuqua al parecer retratará en su película, pero con el fin de refutarlas y apegarse a una versión determinada.

¿Qué versión? Pues inevitablemente la de John Branca y John McCain, abogados y administradores del patrimonio de Jackson que también producen la película —protagonizada por el mismo sobrino del cantante, Jaafar Jackson— y se encargaron, en palabras del periodista Matt Belloni, de que esta “intente convencernos de su inocencia”. Michael se impondría, así, a la polvareda desatada por el documental Leaving Neverland en 2019, dedicado al relato de las presuntas víctimas de Jackson. Perseguiría un control de la narrativa mediática al servicio de quienes hoy continúan percibiendo beneficios de la obra de Jackson, en un caso que llega a recordar a la relación de otro documental, Amy, con el estreno de la película Back to black. Ambas, aproximaciones a la vida de Amy Winehouse.

Asif Kapadia reunió 100 testimonios distintos y múltiples grabaciones caseras para realizar un retrato de la autora de Rehab que matizara los escándalos de sus últimos años, mostrando un lado más humano que le hizo ganar el Oscar pero a la vez le enemistó con Mitch Winehouse: el padre de la cantante, muy incómodo con la visión de él que transmitía el documental. Back to black sí es una película que cuenta con el beneplácito de Mitch, por otra parte: la administración de los derechos de autor de Amy Winehouse ha tenido un rol clave en la película, y el gran propósito apunta a ser que el deseado éxito de Back to black renueve un interés —forzosamente lucrativo— del público por su música. 

Tanto Back to black como Michael ejemplifican en qué consiste realmente el nuevo biopic musical de Hollywood. No obedece para nada a una indagación honesta en el pasado de la celebridad musical de turno, sino que supone una calculada e interesada herramienta del presente para que ciertos millonarios se hagan todavía más millonarios.

El biopic es un gran invento

Hollywood, consciente de los beneficios, se ha lanzado a un frenesí por manufacturar a toda velocidad biopics musicales. Back to black sucede el éxito reciente de Bob Marley: One Love, con 179 millones de dólares recaudados en todo el mundo. No parece una cifra intimidante —continuamente oímos de blockbusters que ganando incluso más son tildados de fracasos—, pero es que una de las claves de esta estrategia es la rentabilidad extrema. Estos biopics musicales no necesitan pagar derechos por las canciones ni requieren grandes estrellas: al venir auspiciadas por patrimonios familiares y contar con que la identidad del artista es suficiente para atraer al público, su presupuesto acostumbra a ser escueto. La inversión es mínima, mientras que los ingresos pueden ser ingentes.

“Las películas venden la música, y la música es una herramienta de márketing para la película”, sintetizaba Wendy Ide en The Guardian. El modelo es tan sólido que si las películas pasan sin pena ni gloria tampoco llega a ser dramático: en los últimos años I wanna dance with somebody (sobre Whitney Houston), Stardust (sobre David Bowie) o The Dirt (sobre Mötley Crüe) se han hundido en taquilla, pero no de un modo lo bastante catastrófico como para verle fisuras a la estrategia. Así ocurre que más allá de Back to black y Michael, la cantidad de biopics musicales que se divisa en el horizonte de Hollywood es absolutamente ridícula: Timothée Chalamet como Bob Dylan en A Complete Unknown, Jeremy Allen White como Bruce Springsteen en Deliver Me from Nowhere, Selena Gómez como Linda Ronstadt, Leonardo DiCaprio como Frank Sinatra, los Bee Gees de Ridley Scott…

La frutilla del postre la puso Sam Mendes con su plan de dedicar cuatro películas a contar la historia de los Beatles. Una por cada Beatle. Un proyecto desquiciado que se explica, por supuesto, desde la voracidad de Sony como major involucrada y poseedora de los derechos sobre la obra del cuarteto de Liverpool, y que perfila un escenario por otra parte no tan novedoso para Hollywood. Al fin y al cabo, la tradición del biopic musical tiene cerca de 80 años, pudiendo identificar Yanqui Dandy —con James Cagney interpretando al bailarín George M. Cohan— como su primer gran exponente en 1942. Como cualquier otro tipo de biopic, el musical siempre supo cómo seducir al público desde el nombrerío de sus distintas criaturas ilustres, así como de garantizar la competición por el Oscar de sus intérpretes.

Pero, ciñéndonos a su faceta musical, ocurre que estas películas tenían un andamiaje tan infalible como para que, cuando los espectáculos musicales de gran presupuesto entraran en declive hacia los años 60, las producciones sobre figuras reales siguieran funcionando. Al mismo tiempo que Camelot o El extravagante doctor Dolittle se hundían en el ridículo con sus presupuestos desmedidos y pomposos, Barba Streisand ganaba el Oscar por interpretar a la cantante Fanny Brice en Funny Girl. Como harían más tarde Diana Ross gracias a Billie Holiday en El ocaso de una estrella, o Sissy Spacek con Loretta Lynn en Quiero ser libre.

Entre los años 70 y 80 el biopic musical, sin embargo, no llegaba a ser una industria en sí misma. Todavía era posible alumbrar experimentos que pudieran distanciarse de la escena pop —Lisztomania y Amadeus, por ejemplo, eran deslumbrantes ejercicios de fabulación histórica en torno a compositores clásicos como Franz Liszt y Mozart—, mientras no faltaban las primeras voces críticas alertando del flaco favor que el biopic musical le hacía, propiamente, a la música. “Existe una vulgaridad espantosa en todas estas películas sobre músicos”, señaló Graham Greene para Composers in Movies. “El melodrama humano desprecia la música todo el tiempo, y esta se convierte solo en una ilustración sentimental”.

Estando el subgénero entonces en una fase embrionaria, aún se divisaban dificultades como la licencia de las canciones o la relación con los familiares, obligando a que el flujo de biopics musicales fuera tirando a irregular hasta los primeros 2000. Una vez la cartelera se llenaba de películas abonadas al lucimiento de sus actores —Jamie Foxx como Ray Charles, Kevin Spacey como Bobby Darin, Joaquin Phoenix como Johnny Cash—, la percepción pública pudo llegar a verlas como una moda encorsetada, de tal forma que 2007 alternara los estrenos del I’m not there —ensayo audiovisual sobre Bob Dylan a cargo de un Todd Haynes dinamitando las convenciones del género— y Dewey Cox —parodia de películas como En la cuerda floja o Ray— sin lograr frenar la consolidación del modelo.

Pero fue Bohemian Rhapsody, en 2018, la película que lo cambió todo. La responsable directa del actual frenesí. De hecho, hasta el estreno de Oppenheimer ha sido el biopic más taquillero de la historia (910 millones de dólares). Como mandaban los cánones le dio un Oscar a Rami Malek por imitar a Freddie Mercury, pero es que hizo mucho más: las escuchas de Queen se cuadruplicaron, su música alcanzó públicos nuevos, la moda se revitalizó. Los integrantes supervivientes de la banda y sus socios, que por supuesto habían delimitado cuidadosamente su retrato en Bohemian Rhapsody, descubrieron de pronto una solución para la lacerante crisis de la industria discográfica: ante el caos al que empujaba el streaming y el derrumbe de las ventas físicas, el biopic ofrecía una solución ideal. 

Un modelo del que es difícil escapar

Esta fiebre nos habla de una estrategia ya plenamente engrasada, que halló la complicidad de discográficas y patrimonios afianzando el potencial de una inversión donde se antoja imposible perder. Esto no implica, por otra parte, que no puedan volver a repetirse algunos escenarios de la anterior época de esplendor, matizados según las mutaciones de la actualidad: si en los 2000 tuvimos Dewey Cox sobre un músico ficticio burlándose de la moda, en 2022 llegó Weird: La historia de Al Yancovic con el propio Weird Al Yancovic adaptando su vida… pero convirtiéndola en una parodia del género.

Es la gran diferencia. Los biopics musicales son hoy tan rentables y cómodos a fuerza de tener detrás a los allegados de cada celebridad, o incluso a la celebridad en sí misma: Rocketman fue concebida por entero según los pálpitos de Elton John. Lo cual no evitó que la película correspondiente fuera estupenda, y es que pese al férreo control ejercido sobre estos proyectos sigue pudiendo haber margen para la sorpresa. Ahí están Rocketman o Elvis de Baz Luhrmann, que sacan todo el partido posible de la música de sus protagonistas para construir hermosas fantasías escapistas —caso de Elton John—, o audaces tratados sobre la codificación e influencia cultural de dicha obra —lo que ocurrió con Elvis Presley.

Pero dista de ser lo habitual. Back to black, sin ir más lejos, suscribe todos y cada uno de los tópicos del nuevo biopic musical, a la medida de una visión de Amy Winehouse que tristemente no se distancia mucho de los elementos que más interesaban a los tabloides durante los años 2000, y espolearon su acoso mediático. Antes que en un estudio de su música, y tal y como se quejaba Greene, Back to black se centra en lo sentimental, en su trágico romance con Blake Fielder-Civil (Jack O’Connell), y le da la razón a una reciente invectiva de Eulália Iglesias que leíamos en el último número de Caimán Cuadernos de cine.

Todo nos lleva a un “patrón de película-excel configurado desde una sala de ejecutivos y contables, donde el uso de la música y el enfoque de los personajes tiene más que ver con cálculos relacionados con los derechos de autor (...) que con su interés dramático”. Iglesias lanzaba estas impresiones, no obstante, contrastándolas con lo mucho que le habían sorprendido otros dos biopics recientes, ambos producidos en España. La estrella azul, sobre Mauricio Aznar, y Segundo premio, sobre los Planetas. Estas dos películas milagrosas fueron realizadas desde la pasión, la imaginación y, sobre todo, un interés genuino por la música. La música entendida como cultura colectiva y no como índice de reproducciones en Spotify. Estas dos películas milagrosas atisban, en fin, una alternativa a la codicia de Hollywood.

Habría cumplido cuarenta años en septiembre pero seguimos recordándola en la fecha más macabra de entre sus efemérides, la de su muerte. Doce años se cumplen de aquella mañana en la que Amy Winehouse, de tan solo 27 años, era encontrada sin vida en su casa de Camden Square en Londres. Una noticia impactante, durísima, que no sorprendió a casi nadie. Era la crónica de una muerte anunciada y, como en la novela de García Márquez, anticipada desde el arranque mismo de su historia.

El presagio, alimentado durante años desde el púlpito de los tabloides, había calado en la calle. Ni un comentario aquel día sin la muletilla “se veía venir” transmutados todos en videntes o forenses, a pesar de que no hubo acceso al contenido de su autopsia hasta pasado un mes, momento en que fue revelado por su familia. 

Todo un mes de perverso runrún que no se disipó tras el anuncio. Todavía hay quién desconoce que no se encontró en el cuerpo de la cantante rastro alguno de sustancias ilegales, limpia desde un par de años atrás. Sí de alcohol, droga legal de la que era frecuente consumidora y tan entusiasta que presumió de ello en su tema de mayor éxito, Rehab (Back to Black, 2006), cuya posterior escucha provocaría turbadores escalofríos a más de uno.

Excesiva y sin límites, así era ella. Pero se hace necesario puntualizar: no fue la primera ni la última artista en componer bajo los efectos de la bebida o de los estupefacientes, o si no que pregunten cómo lo hacía Brian Wilson, John Lennon, Eric Clapton, Shane McGowan, Noel Gallagher... (y tantos otros que rentaría más enumerar a los abstemios) sin provocar un escándalo de similares dimensiones. La pregunta se contesta sola: eran hombres.

Tristemente, lo de Amy no quedó en anécdota. Intoxicación etílica aguda, concluía el informe forense de aquel 23 de julio de 2011. Una simple borrachera acabó con su maltrecha vida, extremo del que había sido advertida tras ser diagnosticada con un enfisema pulmonar provocado por el consumo de crack y agravado por años de bulimia. Sin embargo, no solo la mataron sus adicciones, también los vicios de una sociedad infecta. El negocio del morbo, el amor romántico, los tentáculos del patriarcado y la codicia capitalista merecen una nota al pie de página en este desafortunado suceso, cuestiones excelentemente retratadas por Asif Kapadia en su galardonado documental, Amy (2015).

El negocio del morbo

Resulta imposible diseccionar la figura de Amy Winehouse sin trazar analogías con otras mujeres que la precedieron. “Por encima de todo, quiero ser tratada como un ser humano”, declaraba su admiradísima Marilyn Monroe en Marie Claire a solo dos años de morir presumiblemente de forma accidental, como Amy. Sobredosis de barbitúricos. 'La tentación rubia' necesitaba empastillarse para dormir. Quizá, de habérsele concedido su disparatado deseo, se habría salvado. Ambas. Porque si algo hizo la prensa sensacionalista con la británica fue distorsionar su imagen pública, reprobar su comportamiento, señalar sus debilidades y vulnerar constantemente su derecho a la intimidad. Deshumanizarla completamente hasta minar su cordura.

Una actitud repulsiva que, lejos de desaparecer, seguimos permitiendo y financiando para saciar nuestra dosis diaria de morbo, ejemplo último de una deficiente educación en empatía. ¿Quién no sufriría de graves problemas mentales ante semejante vigilancia y escrutinio público? Sería necesario edificar una salud mental a prueba de la bomba de Hiroshima para mantenerse estable en situaciones así, lo que no era el caso de la artista londinense cuya fragilidad se ocultaba tras un tremendo postizo, “cuanto más insegura me siento, más grande tiene que ser mi peinado”, decía a menudo Winehouse que, como Monroe, construyó un personaje tras el que proteger su persona.

El amor romántico

Toda esta vulnerabilidad, que contrastaba con su firmeza y seguridad en planos como el artístico, podría achacarse a varios traumas familiares y a uno de los más grandes caballos de Troya en la historia de las mujeres: el venenoso amor romántico del que ya se sirvió Gustave Flaubert para construir su Madame Bovary en 1857. Amy sucumbió a sus peligros. Se dejó seducir por sus falacias. Se claveteó el eslógan “el amor duele” e, imbuída en el desgarro que sigue tras el derrumbe de la idea de su eternidad, terminó componiendo uno de los más grandes álbumes de ruptura de la historia, Back to Black (2006), con una guitarra comprada in extremis en la costa alicantina, a la que huyó para afrontar el duelo.

El amor no debería doler, sí puede matar. No está de más recordarlo en tiempos de acechante oscuridad por la negación de la violencia machista. También resulta difícil desligarlo de los pilares que sustentan el patriarcado, tal y como ha señalado el feminismo en multitud de ocasiones. Kate Millett lo comparaba con la religión: “Ha sido el opio de las mujeres. Mientras nosotras amábamos, ellos gobernaban” y Coral Herrera lo señalaba como eficaz instrumento de control “un dispositivo que nos tiene muy entretenidas y ocupadas”. En definitiva, un concepto que somete a las mujeres a través del hechizo del romanticismo, una adicción más de la que Amy fue víctima a lo largo de toda su vida. 

Los tentáculos del patriarcado

Es esta cultura patriarcal, precisamente, la que resulta clave para entender el viacrucis por el que transitó la cantante, azote también de otras muchas, como Lindsay Lohan o Lily Allen. Algunas de sus herramientas, como la victimización, la infantilización del comportamiento femenino, poner el foco en la vida personal sobre lo profesional, hacer luz de gas o afear aquellas conductas que pudieran considerarse inmorales tienen como objetivo el control, no de una mujer, sino del conjunto de las mismas. Las herejes del buen gusto son señaladas, perseguidas y ridiculizadas para disuadir al resto. Y Amy Winehouse resultó en buen filón para la causa. Es justo anotar que, de haber nacido hombre, sus adicciones, imprudencias y actuaciones erráticas hubieran dado para poco más que un jocoso chascarrillo, unas palmaditas de camaradería y un tratamiento próximo a lo heroico por su insólita supervivencia. Keith Richards, para más señas. 

Pero si hubo un trastorno que destruyó a Amy, generalmente subestimado entre la lista de agravantes de su deterioro físico, fue su constante lucha por controlar su peso, producto de la inquisición mediática a la que era sometida. Dinah Washington, otra figura admirada por la británica, también sufrió la imposición de un restrictivo canon de belleza y murió, con solo 39 años, por una sobredosis de pastillas para adelgazar. La bulimia fue una constante en la vida de Amy Winehouse desde los tiempos de la escuela, un desorden alimenticio consecuencia de sus inseguridades, que pudo perjudicar gravemente su estado de salud e, incluso, mediar en su muerte.

La codicia capitalista

Y estas fueron las circunstancias que se interpusieron en el camino del codicioso capitalismo. Amy Winehouse había publicado su segundo álbum, Back to Black (2006), llamado a hacer historia. A disputar plaza entre los grandes. Número uno en una veintena de países. Con el beneplácito unánime de crítica y público. De los que perduran. Una obra maestra del soul del siglo XXI. Y, sin embargo, su continua indisposición impedía rentabilizarlo al máximo. Si durante la promoción del álbum había recalado en más de cien ciudades en un solo año, tras ésta, el ritmo de actuaciones descendió a apenas una quincena en los cuatro años restantes hasta su muerte. Nadie parecía contento. No hacía grandes giras ni había álbum a la vista. Los bienintencionados esfuerzos por estabilizarla mediante terapias de rehabilitación se teñían de oscuras y lucrativas intenciones. Ni siquiera su padre se salvaba de tales sospechas en un inquietante paralelismo con el infierno sufrido por Britney Spears, cuyo progenitor aprovechó la imagen retorcida que la prensa ofrecía de su hija para someterla a una férrea tutela legal durante trece años. 

Lo cierto es que Amy Winehouse lo tenía todo, excepto quizás la voluntad (lo cual debería ser respetable), para continuar con la meteórica carrera que la había convertido en una de las más grandes figuras de la música de nuestro tiempo. Solo dio para dos álbumes de estudio. Ambos geniales. Trascendentales, especialmente el segundo. Su cultura musical y sus habilidades para la composición la llevaron de los coqueteos con el jazz en Frank (2003) a la reinvención del soul en Back to Black (2006). Su manera de expresarse, de tratar el desamor con el lenguaje explícito y grosero del hip hop sobre ese tapiz culto y candoroso del jazz y el soul, la hizo única. Una mujer carismática. Cultísima, aunque lo ocultara tras una aparente frivolidad. Una mujer de carne y hueso, con su dulzura, humanidad y también con sus debilidades. Contradictoria, como cualquiera. De carácter fuerte pero insegura al mismo tiempo. Y con una imagen genuina, inspirada por la gran Ronnie Spector (The Ronettes), rememorable sin esfuerzo: peinado beehive, delineador negro, bailarinas y minivestido vintage años cincuenta. Un estilo indeleble, marcado a fuego en nuestras retinas.

Este refulgente magnetismo, multiplicado por su prematura pérdida, ha logrado la sinrazón de que lejos de atenuarse el interés por su figura, éste continúe intacto. Amy Winehouse sigue siendo noticia. Ya sea porque se rueda su esperado biopic bajo las órdenes de Sam Taylor-Johnson (50 sombras de Grey) o porque las nuevas generaciones la citen entre sus influencias en una retroalimentación cultural sin fin. Si antes fueron Lana del Rey o Florence Welch, ahora son Billie Eilish, Jorja Smith o Nicky Nicole. 

Este refulgente magnetismo, multiplicado por su prematura pérdida, ha logrado la sinrazón de que lejos de atenuarse el interés por su figura, éste continue intacto

Por este motivo, la editorial HarperCollins publicará a finales de agosto, pocos días antes del que hubiera sido el cuarenta cumpleaños de la cantante, el libro In Her Words, un tomo aprobado por la familia Winehouse que recogerá anotaciones inéditas de sus diarios personales, letras manuscritas y fotos personales. La recaudación por derechos de autor de la obra se destinará íntegramente a la Fundación Amy Winehouse, constituida por su padre, Mitch Winehouse, en 2011. 

En el aire queda la pregunta de si gestionar el legado de artistas fallecidos, sin una voluntad expresa en uno u otro sentido, es éticamente aceptable. En el caso de Amy ya resultó polémico el apresurado lanzamiento de Lioness (2011), un álbum póstumo que incluía demos inacabadas y que, según varias de sus amistades -entre ellas su productor Mark Ronson-, habría enfurecido a la británica. No es una cuestión banal. Son tiempos de inteligencia artificial y cualquiera es susceptible de ser resucitado. Amy Winehouse, visto lo visto, podría ser la siguiente. 

Amy Winehouse, la fulgurante artista que a comienzos de este siglo revitalizó con su inigualable talento ritmos como el jazz y el soul, y recuperó espacios para las mujeres en el ámbito musical a través de su presencia escénica, era hallada muerta en su departamento de Londres el 23 de julio de 2011, a los 27 años, a causa de una excesiva ingesta de alcohol.

Dueña de una potente y expresiva voz que supo transmitir sus más profundos sentimientos, por la que se la llegó a comparar con las legendarias Billie Holiday y Sarah Vaughan; y de una ajetreada vida marcada por demonios internos que buscó eludir con el consumo de drogas y alcohol, esta artista rememoró en el amanecer del siglo XXI las trágicas parábolas de las grandes figuras femeninas de la historia del jazz.

Pero además, Amy Winehouse no solo recuperó y proyectó en la nueva era sonidos que habían sido relegados por el pop y la electrónica para las nuevas generaciones; sino que además provocó una nueva forma de empoderamiento al permitir con su éxito la aparición de figuras como Adele y Lady Gaga, entre otras.

Su sorprendente voz, su desgarradora pluma para expresar su sentir, la sinceridad de su arte y su estética fueron las grandes claves de un éxito coronado con su monumental y multipremiado segundo disco, “Back to Black”, producido por Mark Ronson, tras su debut de 2003 con “Frank”.

La áspera canción que le dio el título al disco, la confesión y declaración de principios de “Rehab”, la dolorosa “You Know I´m No Good” o títulos como “Love Is a Losing Game” y “Tears Dry on Their Own” son algunas de las composiciones que recordaron al sonido Motown, aunque con un grado de crudeza y honestidad más cercano a la canción jazz cultivada por Holiday y Vaughan, entre otras divas del género.

“Era una persona hermosa, muy dulce y un talento como cantante, muy original”, la definió ante Télam su guitarrista Robin Banerjee en su visita al país en 2017 para sumarse a los shows tributo que realizaba la local La No Rehab Band.

“La música que Amy escribió es muy poderosa. La gente las relaciona con cosas que pasan en sus propias vidas”, añadió en esa ocasión el músico, quien consideró que sus canciones tenían “letras dulces, pero fuertes a la vez” y que habían traído “de nuevo el sonido de Motown, pero además un sonido nuevo que inspiró a nuevas cantantes”.

La cantante María Barceló, quien aportó su voz a La No Rehab Band, y la actriz e intérprete Mariú Fernández son dos de las artistas de nuestro país que abordaron en su momento la obra de Amy Winehouse.

No es causal que ambas cantantes hayan coincidido, al igual que como también había confesado en la citada entrevista el guitarrista Banerjee, en que la primera vez que escucharon a la diva británica creyeron que se trataba de una mujer de raza negra, acaso como una proyección de la imagen de aquellas grandes históricas figuras de la escena del jazz.

“La primera vez que la escuché pensé que era una morena afroamericana. Después, me encantó su propuesta musical porque eran géneros que no se estaban escuchando tanto a nivel mundial y logró un sonido particular, como en los años 50 pero moderno al mismo tiempo. Me pareció súper interesante esa cosa atemporal y esa estética pin-up muy marcada”, dijo a Télam Barceló, quien actualmente bajo el nombre ROJOBARCELO encara su proyecto personal de composiciones propias.

“Una artista de otro tiempo que dejó un hueco enorme. Cuando la escuché la imaginaba negra y grandota”, manifestó por su parte Mariú Fernández, quien además de realizar varios shows tributos, encarnó a Winehouse en la obra musical “Yo no soy Amy”, de Osvaldo Bazán, en el Teatro Maipo.

Entre otras características, Fernández rescató “la profundidad de sus letras y ese algo de prepotencia que había en sus shows en vivo”, además del “color de su voz”, a la que definió como “aterciopelada, grave, con drama”.

Barceló, por su parte, hizo hincapié en “los preconceptos que rompió” con su aparición en escena, a partir de su mezcla de géneros y la estética que proponía: “Cantaba con todos los yeites y swing que puede tener una cantante de jazz y, al mismo tiempo, tenía una estética y una búsqueda artística muy interesante, además de esa frescura y sinceridad que tenía en el escenario”, opinó.

Y amplió: “Abrió un camino muy fuerte porque antes de ella la mujer artista era pop o era jazz y no la escuchaba nadie. Ella abrió una puerta gigantesca metiendo el jazz, el reggae, el ska, el pop, todo englobado en un mismo paquete. Hoy el soul en Argentina tiene mucho más peso y creo que un poco es por Amy”.

Respecto del desafío de abordar su obra, Mariú Fernández contó que el registro contralto que tenía la artista británica, poco común debido a que las mujeres suelen ser sopranos, fue una de las mayores dificultades que encontró y uno de los aspectos que más debió trabajar.

En tanto, Barceló afirmó haberse sentido “cómoda” con el lenguaje sonoro ligado al jazz y al soul, aunque remarcó que optó por respaldarse en “esa conexión que tenía con la música y su sinceridad” a la hora de interpretarla.

“Nunca me gustó la idea de imitarla, por eso conectaba con sus canciones desde un lugar mío. Todos en La No Rehab Band hacían eso porque es imposible hacer las cosas tal cual lo hacía cada músico original de Amy”, aclaró.

Sin embargo, así como ocurrió con artistas de todo el planeta, tanto Mariú Fernández como María Barceló acusaron el impacto de la influencia recibida tras sendas experiencias en los tributos a la artista británica.

“Yo soy actriz y cantante. Hice muchos musicales en teatro pero esa fue la primera vez que me paré delante de una banda y descubrí mi faceta más musical. Nunca hice una imitación sino un espectáculo homenaje y eso me llevó a impulsarme con mi música. Hoy estoy trabajando en material propio con Mariano Otero como productor. Me abrió una ventana que no hubiese imaginado”, sintetizó Fernández.

“Haber abordado su repertorio y haberme sumergido en su piel para poder interpretarla me fue sorprendiendo y la fui valorando cada vez más. La clave, lo que hace a una artista, es ser una misma, abrir el corazón y mostrar lo que te está pasando. En Amy, su sinceridad, su buen gusto musical y su talento fue un combo demoledor”, concluyó Barceló.

Semanas antes de morir, Amy Winehouse grabó un dueto con Tony Bennett del clásico “Body and Soul”, en un registro que evidencia ese rescate de un viejo espíritu musical perdido pero, a la vez, deja un sabor agridulce al constatar que aún tenía mucho para aportar.

IG