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Condé Nast anunció este martes el nombramiento de Chloe Malle como nueva editora de la edición estadounidense de la revista Vogue, poniendo fin así a semanas de especulación sobre quién sería la sucesora de Anna Wintour. La ya exdirectora de la revista anunció el pasado mes de junio que abandonaba su cargo, aunque seguirá siendo la responsable de todos los contenidos editoriales de las distintas cabeceras de Vogue.

Malle, de 39 años, ejerció hasta ahora como responsable de la edición digital de la revista, por lo que supervisaba todos los contenidos online de la marca de referencia del mundo de la moda a nivel global. La sucesora de Wintour, que ejerció su cargo durante casi cuatro décadas, forma parte de Condé Nast desde 2011 y trabajó en diferentes secciones, desde redes sociales y producción de video hasta “reportajes especiales”, según informó la cabecera.

“En un momento de cambio tanto adentro como afuera del mundo de la moda, Vogue debe seguir marcando los estándares al mismo tiempo que desafía los límites”, declaró Wintour en un comunicado emitido por la compañía. “Chloe demostró que sabe encontrar el equilibrio entre la historia singular de Vogue y su futuro”, añadió la ya responsable de contenidos globales de la revista.

Wintour, 75 años, aseguró que se siente “ilusionada” por seguir trabajando con Malle “como mentora pero también como estudiante, mientras nos lleva tanto a nosotros como a nuestras audiencias donde nunca hemos estado antes”. Condé Nast informó este martes que, bajo la dirección de Malle, Vogue.com vio cómo se duplicaba el número de visitas online, especialmente durante eventos como la Gala Met.

“Vogue moldeó quién soy”, dijo Malle este martes. “Y estoy ilusionada ante la perspectiva de moldear Vogue”. La periodista, que también destacó su “fortuna” al poder seguir contando con la presencia de Wintour “al final del pasillo”, es hija del director francés Louis Malle (fallecido en 1995) y la actriz Candice Bergen —conocida por títulos como la serie 'Murphy Brown' e intérprete del papel de directora de la revista Vogue en la serie Sexo en Nueva York.

Sucesora de un legado de 40 años

La decisión de la editora británica de abandonar la dirección de Vogue, un puesto desde el que marcó la dirección de la industria de la moda durante casi 40 años, abrió una nueva etapa tanto en el mundo de las revistas especializadas como en el sector en general. La llegada de Wintour en 1988 a Vogue quedó sellada con una portada revolucionaria que marcó un antes y un después en el sector, tanto por su contenido como por sus intenciones.

La periodista quiso dejar atrás los retratos de las modelos para incorporar imágenes de cuerpo entero, además de combinar prendas de ropa de lujo con otras más asequibles. El cambio era solo el primero en una lista de tendencias que afectaron a la industria en las últimas cuatro décadas como quizás nadie pueda volver a hacerlo otra vez, desde la etapa de las supermodelos a la apuesta por las celebrities.

Más allá de esta influencia, Wintour también será recordada por las numerosas críticas recibidas en las cuatro décadas que ejerció su cargo por la falta de diversidad, tanto racial como corporal, en las páginas de la revista, así como su preferencia a contratar, a todos los niveles, a profesionales mayoritariamente blancos.

Este lunes, cuando la periodista Lauren Sherman adelantaba la exclusiva del nombramiento en Puck News, lo calificaba de decisión “natural” por el encaje de Malle en un puesto creado y moldeado durante estos años por Wintour. “Como era de esperar, elegió a una suplicante imbuida de un pedigrí hollywoodense y una disposición positiva, para hacerse cargo de la revista Vogue, el último y más natural paso en un viaje de sucesión interminable”, ha escrito Sherman.

Malle toma el mando al frente de Vogue, sin embargo, en un contexto bastante diferente al que dominó Wintour. La revista compite desde hace varios años no solo con el auge de diferentes publicaciones y cabeceras en Internet, así como los diferentes hábitos de consumo de las generaciones más jóvenes, sino también con la fuerza de las tendencias creadas por creadores e influencers fuera del radio de influencia que dominó la cabecera hasta ahora.

Anna Wintour tiene tanto poder dentro de la industria de la moda que su sello de aprobación tiene sus propias siglas, AWOK. Es el 'OK’ de la editora de la revista Vogue, que desde 1988, además de transformar el mundo de la moda, también ha ido acaparando tanto dominio como para lanzar y encumbrar las carreras de diseñadores, modelos y celebrities, o hacer justo lo contrario con sus destinos. Pero después de casi 40 años al frente de la revista más influyente de la industria, con decisiones que reverberan desde las pasarelas hasta los estudios de cine o la televisión, la marca Condé Nast debe abrir una etapa nueva: Wintour decidió a finales de junio dejar la dirección editorial de Vogue, el gigante editorial debe buscar su reemplazo y el mundo de la moda una nueva referencia en el horizonte.

Sin conocer aún quién sustituirá a Wintour en su cargo, Vogue acaba de publicar su primer September Issue en 37 años sin su editora al frente. El ejemplar de la revista más importante de todo el año —una especie de ‘biblia’ de la moda que ha llegado a tener más de 900 páginas— hace este mes de septiembre un guiño a la primera portada que firmó la británica con un posado simbólico. Ahora es Emma Stone quien posa con un lujoso top y unos vaqueros, en un fotograma similar al revolucionario posado que dio comienzo a la era Wintor a finales de los 80.

“Tras más de tres décadas de números de Vogue, ella ha definido no solo las tendencias de moda sino los estándares de belleza, diciéndole a millones de personas qué comprar, cómo vestir y a quién prestar atención”, escribe la periodista Amy Odell en Anna: The Biography (Atlantic Books, 2022). “Ella decide qué celebridades y modelos son fotografiadas y con qué prendas. Si quiere que un diseñador tenga más influencia, le recomienda a las grandes marcas. Y tiene ese poder porque los dueños de esas firmas buscan y siguen sus consejos”.

Odell reconoce en la biografía que entre las decenas de personas que entrevistó para ese trabajo, la mayoría “tenían dificultades para explicar por qué es tan poderosa y qué significa realmente ese poder”. Pero su autoridad en la industria está reflejada en la decisión misma de apartarse de la dirección editorial de la revista. “Es un me voy pero no me voy”, afirma a elDiario.es Alex Hug, escultora textil y profesora del Máster en Diseño y Dirección Creativa de Moda IADE. Wintour se va, porque ya no dirigirá la revista, pero se queda, porque seguirá siendo la responsable editorial de todas las cabeceras de Condé Nast, excepto The New Yorker.

Es decir, sigue controlando Glamour, Teen Vogue, Allure, The World of Interiors, Architectural Digest, Bon Appétit, House & Garden, GQ, Wired o Vanity Fair —entre otras, hasta 20 cabeceras— y su sucesor o sucesora, aún por nombrar, deberá responder ante ella. Hug afirma que su grado de autoridad lo justifica. “Ella está anclada allí, tiene todos los contactos, y mueve tantísimo a puerta cerrada, que Condé Nast no quiere perderla”, afirma la escultora.

La moda como símbolo de poder (blanco)

“Ella hizo de Vogue una revista que fuera un referente para la cultura global, donde una industria tan poderosa como la moda podía llegar a influir en lo cotidiano casi sin darnos cuenta”, afirma el director artístico Rafa Pena. El creativo destaca desde la capacidad de Wintour para detectar talento y plasmarlo en la revista —como hizo con Alexander McQueen o Marc Jacobs— especialmente en la década de los 2000, hasta la creación de la Met Gala, “el ejemplo claro de donde se performa la moda como sistema de poder y un escaparate global”.

“Es la mujer que puso de moda la moda”, declara a este diario Maria Chammah, historiadora de moda y profesora del Fashion Institute of Technology de Nueva York (EEUU). Para describir esa influencia, Chammah recuerda una escena de la película El diablo viste de Prada, en la que Meryl Streep interpreta a un personaje inspirado en la editora británica. Esta le pregunta a su asistente en la ficción si se cree que lleva un jersey de color azul simplemente porque lo encontró en las rebajas. “Ese azul lo inventé yo”, dice el personaje de Miranda Priestly en una de esas escenas de ficción que ya no podemos separar de la realidad.

Además de haber recibido la ayuda inestimable de la película de 2006 —cuya secuela se rueda estos días en Nueva York—, Chammah describe a Wintour como una profesional “extremadamente política” con la capacidad de intelectualizar la conversación sobre la moda, poner los nombres de diseñadores y marcas en boca del público general y, sobre todo, conseguir que la moda se volviera “un comunicador muy grande”. La historiadora recuerda que en los años 90 ella era una adolescente interesada en la moda, que compraba Vogue y reconocía a los profesionales de la industria. “Mis amigas no tenían ni idea, yo era la única fanática de la moda que veía”, cuenta.

Wintour también ha reconocido que nunca contrataría a una persona con sobrepeso y uno de sus principales asesores le confesó a Oprah Winfrey —a quien Wintour dijo que nunca estaría en la portada si no perdía peso— que a la editora “no le gustan los gordos

Aquello cambió con el estreno de la película protagonizada por Streep y la popularización del personaje de Wintour, siempre reconocible con el mismo corte de pelo, siempre con la mirada escondida tras sus gafas de sol. Por si el filme no hubiera llegado suficientemente lejos, le siguió tres años después el documental The September Issue, sobre la elaboración del número de la revista más importante del año. En diversas escenas se escucha a Wintour pedir cambios en una sesión de fotos de la actriz Jennifer Garner porque “da la sensación de que está embarazada” o reducir el tamaño de la letra de la portada “porque parece que es para ciegos”.

Las escenas de tensión del documental no hicieron más que añadir pinceladas al retrato de la tirana que todo lo puede en el mundo de la moda. En una le dice a una jefa de sección lo que piensa de su corte de pelo mientras rechaza la selección de joyas que había preparado para el próximo número; en otra le dice a la cara a Oscar de la Renta las prendas de su colección que nunca mostraría en la revista. En 2009, la editora declaró a la CBS que “la gente responde bien a las personas que saben lo que quieren”. La misma cadena afirmó que Wintour lidera un “equipo de chicas jóvenes, blancas, delgadas y bellas que van corriendo nerviosas por las oficinas”. En otras entrevistas, Wintour también ha reconocido que nunca contrataría a una persona con sobrepeso y uno de sus principales asesores le confesó a Oprah Winfrey —a quien Wintour dijo que nunca estaría en la portada si no perdía peso— que a la editora “no le gustan los gordos”.

Cualquier evento sirve para hablar de moda

“Es el Al Capone de la moda”, dice Hug, que también describe a Wintour como “la presidenta no electa” de una industria cuyos cambios en las últimas décadas han estado condicionados por sus decisiones desde el despacho que ocupa en el One World Trade Center, al sur de Manhattan. Más allá del mito, la directora de Vogue ha dejado una huella imborrable en una industria valorada en 1,7 billones de dólares en 2023, según datos de McKinsey.

Nada más estrenar su puesto a finales de los 80, determinó que la portada de la revista dejase atrás los retratos e incluyera imágenes de modelos de cuerpo entero. La primera desató la polémica por combinar unos pantalones vaqueros de 50 dólares con una camiseta bordada con joyas valoradas en 10.000 dólares, una tendencia de mezclar marcas de lujo con ropa asequible que llevaría su nombre.

“Hizo un cambio muy grande, empezó a enseñar el mundo de la moda desde otro punto de vista, más de streetwear”, recuerda Hug ahora que ese formato está consolidado y que fue reinventado décadas después por blogs como The Sartorialist o Atelier Doré, entre muchos otros. Cuando la editora británica agotó aquella tendencia, apostó por las supermodelos, después por las celebridades y para finales de los 2000, desde la alfombra roja de los Oscar a la de cualquier festival —como la de estrenos de cine, teatro o musicales— es una excusa para debatir sobre moda.

“Convertía la moda en un tema de conversación mucho más público, con portadas y editoriales a veces icónicas, aunque a base de impulsar el consumo de productos prácticamente inaccesibles para la mayoría, convirtiéndose a sí misma en una figura de autoridad casi incuestionable e impenetrable”, añade el director artístico Pena. “Te guste más o menos, es un personaje histórico de este tiempo, que ella misma cierra con su retirada de Vogue”.

“Te guste más o menos, es un personaje histórico de este tiempo, que ella misma cierra con su retirada de 'Vogue

Rafa Pena — Director artístico y creativo

Y nada representa mejor ese logro que la Met Gala que cada año, el primer lunes de mayo, secuestra la atención de medios y audiencias de todo el mundo para hablar de las creaciones de los diseñadores con la temática elegida por Wintour. Según la revista Business of Fashion (BoF), la reserva de una mesa para cenar en la gala oscila entre los 200.000 y los 300.000 dólares. Pero detrás de este evento para recaudar fondos destinados al Costume Institute del Museo Metropolitano de Arte en Nueva York —renombrado Anna Wintour Costume Center en 2014—, también hay una oportunidad publicitaria para Condé Nast, que cobra un millón de dólares por cada anuncio de seis segundos que se emite durante la retransmisión online del evento, que ya supera en impacto económico a la Super Bowl, según BoF. En 2025, la Met Gala batió su propio récord al recaudar 31 millones de dólares en una noche.

Crisis contadas pero reseñables

Las finanzas del conglomerado editorial son también la razón por la que Wintour ha sobrevivido a las crisis que han afectado a su carrera. Han sido pocas, pero dignas de recordar. “Se le ha acusado repetidamente de publicar artículos y fotografías inaceptables cultural y racialmente, así como por negarse a incorporar más diversidad”, escribe Odell. “Durante los años 90, pasaron años en los que solo había mujeres blancas en la portada. Una de sus causas célebres era promocionar las prendas de piel. Ha humillado públicamente a varias personas por su aspecto físico. Y su equipo es mayoritariamente blanco, seleccionado a partes iguales por estilo personal, apariencia y pedigrí, como por credenciales o habilidades”.

Entre sus mayores críticos está uno de sus principales asesores, André Leon Talley. En su autobiografía, el periodista describió a Wintour como “colonialista” y “arrogante”. “Es una mujer colonial, proviene de la Inglaterra de entonces, forma parte de un entorno colonial. No creo que jamás permita que nada interfiera con su privilegio blanco”, escribió tras ser cesado de su cargo. El archivo de la revista refleja de qué hablaba Leon Talley. La edición británica —cuyo contenido también depende de Wintour— no puso a una sola modelo racializada en su portada entre 2002, con Naomi Campbell, y hasta 2014, con Jourdan Dunn, el equivalente a 146 portadas.

“En la industria de la moda, conseguir una portada en Vogue sigue siendo esencial para obtener acceso a los contratos más importantes”, escribe Tansy E. Hoskins en el Manual anticapitalista de la moda, que publica Capitan Swing el próximo 1 de septiembre. “Es también un signo de por dónde van los parámetros de belleza, y estos se habían vuelto decididamente solo blancos”.

En Estados Unidos, Vogue tardó 126 años en contratar a un fotógrafo afroamericano, Tyler Mitchel, para retratar a una protagonista de su portada, que en aquella ocasión era la cantante Beyoncé. Fue en 2018, cuando Wintour ya llevaba dos décadas al frente de la revista. Dos años después, un número titulado “Hope” (Esperanza), reaccionó a las protestas del movimiento Black Lives Matter incorporando por primera vez una mayoría de modelos, fotógrafos y diseñadores afroamericanos. Wintour, una de las principales recaudadoras de fondos para políticos del Partido Demócrata, reconoció en una carta a su equipo editorial que no había hecho lo suficiente para “impulsar y dar espacio” al trabajo de creadores racializados y por publicar imágenes “dolorosas e intolerantes” para las minorías. “Asumo la responsabilidad de esos errores”, dijo.

Casi siempre llegan un poco tarde y, cuando llegan, lo explotan tantísimo que le hacen un flaco favor al movimiento porque lo vuelven supercomercial

Alex Hug — Escultora textil

“Casi siempre llegan un poco tarde y, cuando llegan, lo explotan tantísimo que le hacen un flaco favor al movimiento porque lo vuelven supercomercial”, reflexiona Hug. “Me hubiese gustado que Vogue hubiese impulsado estas cosas, que fuese un poquito activista con algunos temas en vez de callarse para no ofender a cierta gente que tiene el poder financiero”. Otros analistas cuestionan incluso que a los máximos responsables de la industria les convenga liderar una tendencia más abierta. “Hacerse inclusivo significaría perder el poder de excluir”, añade Hoskins.

La historiadora Chammah coincide en que estos cambios en los estándares de diversidad, tanto racial como corporal, así como los valores de sostenibilidad que se le exigen hoy a la industria de la moda han surgido fuera de esta, impulsados en las redes sociales por las nuevas generaciones. Pero considera que esto no es excusa para que una persona con la autoridad de Wintour no hiciera más por liderar el cambio desde dentro. “Ella podría haber hecho más, obviamente, porque estaba en una situación de poder tan alto”, afirma.

Los expertos recriminan a la editora británica, además de no haber liderado estos cambios en favor de la diversidad y la sostenibilidad, que se haya quedado atrás cuando un nuevo contexto —tanto generacional como impulsado por Internet— ha cambiado la dirección de la corriente. Es pronto para saber si esto ha afectado a los números de Vogue y de Condé Nast, acelerando la salida de Wintour. La revista cuenta ahora con 1,2 millones de suscriptores en EEUU —similar a las cifras de ventas de la revista en 2007, según The Independent— y en redes sociales amasa algo más de 51 millones de seguidores, mientras que cualquiera de las tres hermanas Kardashian, solo en Instagram, tienen más de 200 millones de seguidores cada una.

“La crisis editorial, que si bien manteniene la relevancia en la era digital, convive con nuevos líderes de opinión que no son necesariamente editores y editoras de revistas, nuevas voces que piden nuevas cosas como transparencia, autenticidad y representación alejada de la voz de las élites que ella encarna como nadie”, concluye Pena. “Las contradicciones constantes que atraviesan el mundo de la moda global que ella representaba basado en el lujo y falta de diversidad es cada vez más complicado de defender”.

Varios tribunales italianos y el supervisor de la Competencia de ese país pusieron bajo la lupa a la industria textil, sobre todo a la del lujo. Cuestionan sus prácticas laborales, la supervisión de los contratos que sella con sus proveedores y la comunicación que realiza sobre estos cuando desglosa sus políticas de sostenibilidad.

Estas actuaciones ya han conllevado multas y la intervención judicial en la gestión de algunas de estas enseñas, que suelen hacer gala de la exclusividad de sus productos. Entre ellas están firmas como Giorgio Armani, Dior o Loro Piana. Estas dos últimas forman parte del gigante francés Moët Hennessy Louis Vuitton (LVMH).

La última decisión centrada en el sector del lujo afecta a uno de los emblemas de la industria: Giorgio Armani. La Autorità Garante della Concorrenza e del Mercato (AGCM), el equivalente a la Comisión Nacional de los Mercados y la Competencia (CNMC) española, ha sancionado con 3,5 millones de euros a dos sociedades del grupo textil que lleva el nombre del diseñador que lo fundó.

El supervisor considera que Giorgio Armani SpA y GA Operations SpA han llevado a cabo “prácticas comerciales engañosas” y realizaron “afirmaciones falsas” sobre su política de sostenibilidad. La investigación que, como en el caso de otras empresas, data de hace meses, refleja que sus comunicaciones sobre la responsabilidad ética de su cadena de producción no se correspondían con la realidad laboral de sus proveedores. En cuanto a estos últimos, no se desvela su identidad.

La autoridad de Competencia explica que estas sociedades de Armani “optaron por externalizar gran parte de su producción de bolsos y de accesorios” y que los subcontratistas que, finalmente, producían esos artículos llegaron a retirar “los dispositivos de seguridad de la maquinaria” de fabricación de las prendas “para aumentar la capacidad de producción, lo que ponía en peligro la salud y la seguridad de los trabajadores”.

También se señala que “las condiciones de higiene y saneamiento eran inadecuadas y, a menudo, los trabajadores eran contratados, total o parcialmente, de forma ilegal”, según recoge en un comunicado.

Respeto a la salud de los trabajadores

“En este contexto es evidente que el respecto de los derechos y de la salud de los trabajadores no se corresponde con lo reflejado en las declaraciones de responsabilidad ética y social realizadas por Giorgio Armani Spa y GA Operations SpA”, concluye la autoridad de Competencia.

Armani niega estas acusaciones y asegura que “siempre ha actuado con la máxima equidad y transparencia hacia los consumidores, el mercado y las partes interesadas, como lo demuestra la historia del grupo”, según recoge Reuters. También afirma que recurrirá la multa ante un tribunal administrativo regional.

La gestión de estas divisiones del grupo de lujo ya estuvo bajo supervisión judicial durante varios meses –entre mediados de 2024 y febrero de 2025–. En ese caso, sí se concretó que fue por las prácticas laborales de sus proveedores en China. Esta medida se levantó porque un tribunal consideró que la compañía había roto su relación con los proveedores cuestionados “con extrema rapidez” y desarrolló varias mejoras en las prácticas de contratación y de supervisión.

La actuación del grupo Armani coincide con lo que también le ha ocurrido a Loro Piana, una de las marcas del grupo LVMH, que va a estar un año bajo supervisión de un tribunal milanés. Este consideró que la firma del grupo controlado por Bernard Arnault encargó su producción a través de dos empresas intermediarias que, en realidad, no tenían capacidad de producción y que subcontrataban en China.

En esta cascada de intermediarios, Loro Piana “falló” a la hora de supervisar a quienes fabricaban para ella. Es decir, el tribunal considera que la marca es responsable por no controlar su cadena de suministro, por no poner freno a los contratos en China donde no se respetaban los derechos laborales de los trabajadores.

En cambio, sí mantuvo sus márgenes de beneficio por cada una de las prendas que producían y que llegaban a superar los 1.000 euros por producto. La empresa italiana, que sigue teniendo a la familia fundadora entre sus accionistas, se defendió argumentando que en ningún momento tuvo conocimiento de las condiciones laborales de los proveedores subcontratados, según recoge la prensa italiana.

Esta situación es muy similar a la ocurrida con Dior, que también forma parte del grupo LVMH. A diferencia de los casos anteriores, aquí sí hay detalles sobre sus procedimientos judiciales en el último informe anual del gigante francés. La empresa francesa explica que, en junio de 2024, su filial italiana Manufactures Dior “fue declarada en concurso de acreedores” por un tribunal “como consecuencia de hechos anómalos y aislados”.

En esa memoria, LVMH argumenta que el concurso es una “medida de protección” que se “inició tras el descubrimiento por parte de las autoridades de infracciones de la normativa aplicable en materia de condiciones de trabajo por parte de dos subcontratistas” de esa filial.

“En este contexto, los equipos de Dior colaboraron plenamente con el administrador concursal, quien documentó en informes las medidas implementadas por la empresa para supervisar su cadena de valor”. También, que “debido a su carácter excepcional y aislado, así como a los sistemas de control existentes y reforzados”, estas medidas de supervisión se levantaron en febrero de este año. Sin embargo, como ha ocurrido con Armani, la Autoridad de Competencia italiana también ha puesto en marcha su propio procedimiento.

Multa de un millón a Shein

Y no es solo el lujo. La AGCM italiana también acaba de sancionar al gigante del comercio electrónico Shein. En este caso la multa es de un millón de euros por considerar que ha utilizado “información engañosa” en la “promoción y venta de ropa”.

Este organismo supervisor del mercado italiano entiende que las declaraciones ambientales del gigante asiático han sido “vagas, genéricas o demasiado enfáticas”, y, en otros casos, “omitidas o engañosas”. “Las afirmaciones utilizadas por Shein para presentar, describir y promocionar la línea de ropa 'evoluSHEIN by Design' enfatizan el uso de fibras 'verdes' sin indicar de forma clara los beneficios ambientales de los productos a lo largo de su ciclo de vida y sin especificar que esta línea de productos aún es marginal en comparación con el total de productos de la marca Shein”, explica el organismo italiano.

Además, la AGCM subraya que “estas afirmaciones pueden inducir a los consumidores a creer no solo que la colección 'evoluSHEIN by Design' está fabricada exclusivamente con materiales ecológicos, sino también que los productos de esta colección son completamente reciclables, lo cual, considerando las fibras utilizadas y los sistemas de reciclaje existentes, es falso”, sentencia.

También conocido como monopatín, es mucho más que un simple medio de transporte o una moda pasajera; es una forma de vida y una expresión artística en movimiento. Nacido en la década de 1950 en las costas de California, el skateboard se ha transformado en un deporte globalmente reconocido y practicado por millones de personas en todo el mundo.

Este deporte combina elementos de habilidad, creatividad y estilo, permitiendo a los patinadores realizar una impresionante variedad de trucos y maniobras. Desde el clásico “ollie” hasta complejas combinaciones de flips y grinds.

Elegir un skateboard perfecto puede parecer una tarea abrumadora, especialmente si eres nuevo en este emocionante deporte. Con tantas opciones disponibles, desde tamaños y formas hasta materiales y marcas, es fácil sentirse perdido. 

¿Cuál es el mejor monopatín para empezar?

Si sos nuevo en el mundo del skateboarding, comenzar con uno adecuado puede marcar la diferencia en tu experiencia de aprendizaje. Para principiantes, es esencial elegir una tabla que ofrezca una buena combinación de estabilidad, maniobrabilidad y durabilidad.

Tablas de 7.75“ a 8.0”: ideales para principiantes debido a su tamaño intermedio. Son lo suficientemente anchas para proporcionar estabilidad. Una tabla de este tamaño permite desarrollar habilidades tanto en el street como en el park.

Ruedas medianas (54-56mm): son perfectas para los principiantes, ya que ofrecen un buen equilibrio entre velocidad y control. Son lo suficientemente grandes para rodar suavemente en diferentes superficies.

Marcas recomendadas para principiantes: algunas marcas ofrecen patinetas de alta calidad diseñadas específicamente para principiantes. Element, Enjoi y Powell Peralta son opciones excelentes, ya que proporcionan tablas duraderas y bien construidas a precios accesibles.

¿Qué tipo de Skateboard necesitas?

El primer paso es determinar qué tipo de patinador sos o qué estilo te gustaría practicar. Los diferentes tipos de skateboards están diseñados para estilos específicos de patinaje, como el street, el park, el cruising o el downhill. 

A continuación, te presentamos los tipos más comunes:

Street y Park: estos son ideales para trucos, grinds y flips. Son más pequeños y ligeros, lo que facilita el control en rampas y rieles.

Cruiser: diseñados para la comodidad y la velocidad, los cruisers son perfectos para desplazarse por la ciudad. Tienen una tabla más ancha y ruedas más suaves, lo que proporciona un paseo más suave y estable.

Longboards: son perfectos para downhill y carving. Son más largos y tienen una forma diferente, lo que ofrece mayor estabilidad a altas velocidades.

Old School: son ideales para bowls y pools, con una base más ancha y ruedas grandes.

Tamaño de la tabla

El tamaño de la tabla es uno de los factores más importantes a considerar. La medida de las tablas se da generalmente en pulgadas y se refiere al ancho de la tabla. El ancho ideal depende de tu estilo de patinaje, tu altura y tu preferencia personal.

Tablas de 7.5“ a 8.0”: son ideales para el patinaje street y para realizar trucos técnicos. Son más ligeras y maniobrables.

Tablas de 8.0“ a 8.5”: funcionan bien para el park y el vert, ofreciendo más estabilidad para grinds y grandes trucos en rampas.

Tablas de 8.5“ en adelante: estas tablas son perfectas para cruising y downhill, donde la estabilidad es clave.

Elige el material adecuado

La mayoría de las tablas de skateboards están hechas de madera de arce, que es conocida por su durabilidad y flexibilidad. Sin embargo, también hay otras opciones disponibles:

Madera de arce canadiense: es la opción más popular debido a su excelente equilibrio entre peso y resistencia.

Bambú: el bambú es ligero y flexible, proporcionando un pop excelente, aunque puede ser menos duradero que el arce.

Fibra de vidrio: algunos están reforzados con fibra de vidrio, lo que los hace más ligeros y duraderos, aunque también más caros.

Ruedas y ejes

Las ruedas y los ejes son componentes cruciales. La elección correcta depende del terreno en el que planeas patinar y tu estilo de patinaje.

Ruedas pequeñas (50-53mm): son más adecuadas para el street, ya que permiten hacer trucos más fácilmente.

Ruedas medianas (54-59mm): son versátiles y funcionan bien tanto para street como para park.

Ruedas grandes (60mm o más): son ideales para cruising y downhill, proporcionando mayor velocidad y estabilidad.

Los ejes, por otro lado, deben coincidir con el ancho de la tabla. Además, el material del que están hechos, generalmente aluminio o titanio, puede afectar la durabilidad y el peso del skateboard.

Configura tu Skateboard

Si sos nuevo en el mundo de los skateboards, puede que te sientas tentado a comprar una tabla completa, que incluye todos los componentes preinstalados.

Lija: es un componente esencial para mantener tus pies firmes en la tabla. Puedes elegir entre diferentes niveles de agarre.

Risers: estos pequeños bloques de plástico se colocan entre los ejes y la tabla para evitar que las ruedas se rocen con la tabla, especialmente si usas ruedas más grandes.

Rodamientos: los rodamientos afectan la velocidad y la suavidad del ride. Los rodamientos de alta calidad, como los de cerámica, son más duraderos y rápidos.

Marcas recomendadas de Skateboards

Algunas de las más recomendadas por su durabilidad y diseño innovador incluyen:

Element: conocida por su enfoque en la sostenibilidad, Element ofrece skateboards de arce canadiense de alta calidad.

Santa Cruz: esta marca clásica es famosa por sus diseños llamativos y tablas duraderas.

Powell Peralta: fundada por dos leyendas del skate, esta marca es conocida por sus tablas de alta calidad y diseños icónicos.

Zero: popular entre los skaters más hardcore, Zero ofrece tablas robustas que pueden soportar grandes impactos.

¿Deberías elegir un Skateboard completo o personalizado?

Una de las decisiones más importantes al comprar un skateboard es si optar por una tabla completa o construir una personalizada. Las tablas completas son una excelente opción para principiantes, ya que vienen pre ensambladas y listas para usar. Son económicas y eliminan la necesidad de preocuparse por la compatibilidad de los componentes.

Por otro lado, uno personalizado te permite elegir cada pieza según tus preferencias personales. Si ya tienes experiencia, esta opción te permite optimizar tu tabla para el estilo de patinaje que prefieras, desde el tamaño de la tabla hasta los rodamientos y las ruedas.

Mantenimiento y cuidado

Una vez que hayas elegido y ensamblado tu skateboard, es importante mantenerlo en buen estado para prolongar su vida útil. Aquí tienes algunos consejos de mantenimiento:

Mantén la tabla seca: la humedad puede debilitar la madera y dañar los rodamientos. Evita patinar en días de lluvia.

Revisa los ejes y las ruedas regularmente: asegúrate de que los ejes estén bien apretados y que las ruedas giren libremente. 

Cambia la lija cuando sea necesario: una lija desgastada puede reducir tu control sobre la tabla. Si notas que tu tabla pierde agarre, considera cambiar la lija.

Conclusión

Elegir el skateboard perfecto es un proceso que involucra entender tu estilo de patinaje, preferencias personales y los diferentes componentes que hacen única a cada tabla. Ya sea que optes por un cruiser para moverte por la ciudad o uno street para perfeccionar tus trucos, la clave es elegir un equipo que te haga sentir cómodo y seguro en cada ride.

Recordá que la elección no es solo una compra, sino una inversión en tu diversión y desarrollo en este emocionante deporte. Por lo tanto, tómate el tiempo para investigar y probar diferentes opciones hasta encontrar la que se ajuste perfectamente a tus necesidades y estilo de vida.

La moda ofrece una lección de anatomía y no precisamente porque la muestre literalmente a través de transparencias, prendas reducidas o patrones ajustado, sino porque propone piezas que exhiben y revelan el cuerpo hasta exponer su interior, sus vísceras, su parte más vulnerable.

En moda, desde hace años, la obsesión por el cuerpo es omnipresente y esta temporada se lleva hasta sus últimas consecuencias con prendas que muestran desde el cerebro o el esqueleto óseo hasta el aparato digestivo, incluyendo con todo tipo de detalle hasta las vísceras.

Esta tendencia, bien la conoce el artista multimedia David Szauder (Hungría, 1976) quien se ha encargado de lanzar a través de su cuenta de Instagram una colección de jerséis -con o sin capucha-, estampados con órganos como el hígado o los pulmones.

Otros modelos presentan el esqueleto humano, el aparato digestivo, el sistema circulatorio o distintas células y tejidos de la anatomía.

Un trabajo, que parece tejido a mano, pero que sin embargo se ha realizado con una serie de imágenes tratadas con inteligencia artificial que ofrecen un culto a la anatomía humana con una potente carga expresiva.

Szauder, que también es docente universitario y consultor de arte, ha presentado estas originales prendas en su cuenta de Instagram y rápidamente se han hecho virales en redes y han puesto de moda la llamada “anatomía macroscópica”.

“Esta moda crea un trampantojo fascinante”, dice a EFE Helena López del Hierro, directora del Museo del Traje de Madrid que recuerda que ya en 1938, la diseñadora italiana Elsa Schiaparelli (1890-1973) diseñó junto al artista español Salvador Dalí (1904-1989) el 'Skeleton Dress', un vestido negro a modo de esqueleto, seguramente el primer modelo que plasmaba el cuerpo humano como una especia de radiografía.

Ahora, el concepto va más allá, da un paso de gigante y revela el cuerpo humano hasta exponer partes internas y vulnerables como los intestinos, los pulmones o las arterias.

La idea de mostrar la anatomía a través de la moda no es nueva, pero cada vez es más revolucionaria. Prueba de ello son los accesorios que lanzó la pasada temporada la firma Schiaparelli en los que centró toda su atención en el pecho con collares a modo de bronquios, una creación que lució la modelo Bella Hadid en la alfombra roja de Cannes.

El interior del cuerpo humano, arterías, músculos y vísceras, han sido tratado también por el francés Jean Paul Gaultier (1952) de muy diversas formas. Desde trajes que reproducen un cuerpo sin piel hasta un tejido que dibuja un cuerpo desnudo, creaciones que utilizan ese punto erótico de mostrar y ocultar.

La diseñadora italiana Vivetta Ponti (1980) ha jugado con la idea de los pezones, mientras que la firma Balmain ha reformulado el 'naked dress' (vestido desnudo) y el creador Jonathan Anderson, para Loewe, también ha trabajado la interacción entre moda y cuerpo humano con vestidos arquitectónicos.

Una tendencia que, en muy poco tiempo, se ha instalado en camisetas y sudaderas de algodón de todos los colores que se prodigan con autoridad sobre todo en redes sociales y escaparates de firmas online y que lucen coloridas estampaciones recreando el interior del cuerpo humano.

Por Carmen Martín, para la agencia EFE.

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La moda circular está en expansión en Argentina. Por cuestiones económicas o por el cuidado al medio ambiente, la venta de ropa de segunda mano y fabricada con materiales recuperados o reciclados está creciendo, y no solo en los sectores de bajos ingresos, también existe un circuito de consumo premium en el que se venden marcas nacionales reconocidas e importadas. Un relevamiento en la Ciudad de Buenos Aires determinó que existen 70 emprendimientos, a los que se suman los puestos informales en las ferias de barrio. 

Los datos del INDEC muestran que en los últimos tres años hubo un desequilibrio entre el aumento del costo de la ropa y los salarios. Entre marzo de 2020 y marzo de 2023 el precio promedio de la ropa y el calzado se multiplicó por siete, mientras que los salarios por cuatro. El dato explica una parte del auge de las tiendas de venta de ropa de segunda mano.  Según el informe del observatorio Jungla Urbana publicado este mes, se pueden conseguir prendas por valores que van entre un 40% y un 70% menos que en un negocio de ropa nueva. Ante la crisis económica, el circuito de moda circular se convirtió en una salida para compradores y vendedores. 

En la ciudad de Buenos Aires se notó un fuerte crecimiento a partir de la pandemia, sobre todo con la venta online y a través de redes sociales. Según el informe, que desarrolló el equipo del diputado de la Coalición Cívica Maximiliano Ferraro, el 73% de las personas encuestadas consumieron ropa usada al menos una vez. Sin embargo, solo un 56% del total de los encuestados sabe o recuerda dónde comprarla.

María De Piero es la dueña de Vintage Reciclado, un emprendimiento que Instagram tiene más de 20.000 seguidores y seguidoras. Ella “rescata” ropa, la convocan de distintas casas para que revise los placares y compre las prendas, que muchas veces son de personas fallecidas. También recorre el circuito de Caritas en busca de prendas especiales para después venderlas. “La moda circular viene creciendo porque  hay una noción del desecho con la importancia de no seguir fabricando. También tiene que ver con la economía, con lo cara que está la ropa. Además, la calidad de las prendas de ahora no son como las de antes, no están hechas para durar. La calidad es impecable, son productos hechos para durar”, le cuenta a elDiarioAR.

Cada sábado, María hace transmisiones en vivo donde muestra la ropa que “rescató” a sus clientas, una comunidad virtual de la recirculación. “Tuve un crecimiento terrible en la pandemia. La gente estaba más en las redes y eso tuvo llegada. Hay un factor económico, otro ecológico y también porque hay ropa muy linda. La gente busca diferenciarse del otro, vos salís con una camisa vintage y es muy poco probable que encuentres la misma tela en otra camisa. Hay una cosa de sentirse identificada con las prendas, no sentirse uniformadas. Hay algo lúdico: jugar con la ropa, los estampados, mezclar”, agrega.

Casi todos los emprendimientos se nuclean alrededor de la zona céntrica de la Ciudad, mayoritariamente en Palermo, Recoleta, Almagro y San Telmo. Incluso, algunos se convirtieron en cadenas como Urban Luxury, que tiene diversas sucursales, o El Galpón de Ropa, que incluso abrió un local en pleno Recoleta. Buceando en las webs y en los lacales se encuentran prendas de Rapsodia, Vitamina, Jazmín Chebar, H&M, Zara, Adidas, Nike y por momentos carteras Jackie Smith o Michel Kors. Incluso se puede pagar en cuotas.

Pero también se da en espacios más informales, el fenómeno ropa de segunda está en todos los sectores sociales. Norma Vázquez es de Lomas de Zamora, tiene 58 años, es trabajadora de casas particulares y no está en el circuito formal. Desde hace cinco años empezó a vender ropa usada en la Feria de Guernica, a 20 kilómetros de su casa.  Recupera ropa que le dan sus empleadores, las lava, las arregla y las vende. “Las personas de 50 o 60 ya no servimos para el trabajo, no te toman y  yo tengo necesidad, no tengo jubilación. Me hago un re viaje porque hay muchas ferias pero no hay lugares, no tenés donde trabajar, tenés que ir peleando por los lugares. Lo que uno saca es solo para la comida”, dice.

La periodista y conductora de radio Cynthia García es consumidora de este tipo de moda, desde hace años compra ropa de segunda mano a través de las páginas web como la de El Galpón de Ropa o  en lugares más informales. “A veces, porque valoro el género y la mando a arreglar. Hace poco le compré una camisa de Elsa Serrano con unas mangas principescas que era una preciosura. Solo había que arreglarla y me quedó una camisa vintage por $5.000”.  Cuenta que siempre compró en ferias por una cuestión ideológica: “Se volvió una militancia, la idea de que la ropa circule y genere recursos. Cuando hago circular mi perchero, lo regalo. Tengo un principio y es que mi ropa circula sin intercambio de dinero. A veces el universo es desalineado y después recibo mucho más de lo  que di. Cosas mágicas que  pasan alrededor de la economía circular.”.

Pero este año también lo hace por una cuestión económica, Cynthia García cuenta que en lo que va del año no compró ropa nueva, excepto a una vecina de Balvanera que vende ropa propia y otra que consigue en ferias para llegar a fin de mes. “Es gente que sabe donde dan ropa y la recicla para sobrevivir, que fue de clase media y ahora quiere jubilarse y tiene problemas para alimentarse más de una vez al día. Eso es lo que compré este año, para ayudarla a ella y también como una manera de yo poder acceder a ropa este año. Desde que ganó Milei solo le compré ropa a mi vecina del primer piso”, explica.

Del otro lado de la cadena están las personas que ponen a la venta su ropa. Luciana Cedro es madre de dos niños y cuando la ropa ya les queda chica se acerca a alguno de los comercios y las vende. En algunos les ofrecen dinero en efectivo y en otros vales para comprar otras prendas en el local. “La condición es que tienen que estar en muy buen estado, las revisan con luz detallada, miran las costuras y que no tengan manchas. En general, me llevo ropa deportiva que está súper bien, muy en precio, tres veces menos que algo nuevo. Un valor con dignidad, no regalado”, explica.

Aunque tiene una queja: la falta de talles diversos. “Para mí, que soy una persona XL o XXL, directamente no hay  disponibilidad de prendas, salvo algún vestido. No hay opciones para personas con talles más grandes en negocios de ropa circular. Quizás la gente no lleva esa ropa”, plantea Luciana.

Pero la razón económica no es la única, el impacto sobre el ambiente también es un impulso para la recirculación. Producir un jean requiere $7.500 litros de agua y la fabricación de ropa y calzado representa el 8% de los gases de efecto invernadero emitidos a nivel mundial. Además se entierra o quema una cantidad de textiles equivalente a un camión de basura por segundo. Según el Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente, se trata de una industria que utiliza 93.000 millones de metros cúbicos de agua dulce al año, un volumen  suficiente para satisfacer las necesidades de cinco millones de personas. 

Es en ese contexto en el que se presentó el primer mapa interactivo “Panorama actual de la Moda Circular en la Ciudad de Buenos Aires” para facilitar el acceso a este tipo de consumo. Además, el diputado Ferraro presentó un proyecto de ley para la gestión ambiental de residuos de T.L.C. (textiles, lencería y calzado), que entre otras cosas propone una alícuota reducida del IVA (10,5%) a las prendas de indumentaria y calzado de segunda mano.

CDB/DTC

Renovar el armario cada pocos meses por poco dinero nos está creando un montaña de basura gigante. Hay que pensar en nuevas colecciones llegando a las tiendas cada diez días. Diez temporadas diferentes cada año. A ese ritmo, la moda de usar y tirar en España genera un millón de toneladas de residuos textiles al año –el 14% de toda la UE–. El reciclaje es muy bajo ya que más del 80% termina tirado en un basurero o, simplemente, quemado.

La Agencia Europea del Medio Ambiente (AEM) describió hace pocas semanas el panorama de los residuos textiles en la UE: mucha generación de residuos y la mayoría termina mezclada con otras basuras. España está entre los primeros generadores de residuos, con una gran proporción de desechos que terminan en el tacho de basura general y una tasa de material reciclable recuperado bajísima: un 3% frente al 12% de media en la Unión.

“El problema es grande porque, aunque compramos el doble de ropa que hace 20 años y la utilizamos la mitad de tiempo, no somos conscientes de la situación. Además, al tirar la ropa a un contenedor pensamos que acabará en buen puerto y no es así”, analiza la responsable de Consumo Sostenible en Greenpeace, Celia Ojeda. “Hay muchísima cantidad –añade– y de tan baja calidad que los propios recicladores, que antes podían utilizar esas fibras para otros usos, se encuentran con fibras que se deshacen o químicos que imposibilitan reutilizarlas. Así que mucho termina en el vertedero o incinerado”.

El nivel de producción necesario para tener a la mano un flujo constante de nuevas camisetas a 4 euros, pantalones a 16, vestidos o faldas a 20 convirtió a la moda en una de las mayores presiones sobre el medio ambiente: consume gran cantidad de agua, materias primas y plástico además de comerse grandes extensiones de terreno para fabricar al ritmo exigido. La fast fashion, que consiste en la provisión constante de colecciones a muy bajos precios, hizo “estallar”, como lo define la AEM, el número de prendas que se fabrican y, también, que se desechan.

Hay muchísima cantidad y de tan baja calidad que los propios recicladores, que antes podían utilizar esas fibras para otros usos, se encuentran con fibras que se deshacen o químicos que imposibilitan reutilizarlas

Celia Ojeda — Encargada de consumo responsable de Greenpeace

La producción global de textiles pasó de 58 a 109 millones de toneladas en 20 años. Y la proyección es que llegue a 145 millones en 2030, dice la AEM. La Federación Española de Recuperación y Reciclaje –la patronal del sector– calcula que para ese año la producción de prendas va a gastar un 50% más de agua, emitir un 60% más de CO2 y generar un 63% más de residuos, es decir, hacer crecer la montaña de basura de ropa.

La investigadora india S. Aishwariya defiende que “no es posible fabricar prendas ecológicas con este sistema” y recuerda que las nuevas colecciones aparecen cada dos semanas. Son prendas “de pobre calidad, bajo precio y producción masiva. Entendidas como destinadas al vertedero en poco tiempo”.

Tan poco como que el 50% de las prendas fabricadas de esta manera duran menos de un año antes de ir a la basura.

La mayoría de residuos son postventa

Solo en la Unión Europea se tiran unos 7 millones de toneladas de textiles al año. 16 kilos por persona. En España son unos 21 kilos por ciudadano cada año. Prácticamente toda esa basura se genera en los hogares –son residuos postventa– y casi toda es desperdiciada. Gestionar tal cantidad de desechos se ha convertido en una necesidad. La ley europea obligará dentro de seis meses a que todos los estados tengan recolección separada de prendas.

Actualmente, ya tienen un sistema de separación obligatorio funcionando en Francia, Italia, Finlandia, Bélgica, Polonia, Dinamarca y Eslovenia. Además, la norma exige que se implante un esquema de responsabilidad ampliada del productor, es decir, que sean los vendedores de ropa los encargados de recolectar los residuos para reciclarse –se trata del mismo sistema que gestiona Ecoembes para los envases de plástico–.

Con todo, los estados de la Unión Europea tienen una capacidad de reutilización y reciclado limitada por lo que una proporción grande de las prendas que se recogen son exportadas a terceros países, sobre todo de Asia y África. “Y su destino es incierto”, subraya la agencia medioambiental. “La percepción común del público de que las donaciones de ropa son gestos generosos hacia personas con necesidad no se corresponde totalmente con la realidad”.

Ese comercio se casi triplicó en lo que va de siglo: de unas 550.000 toneladas saltó a 1,7 millones. Y España destaca entre los exportadores con unas 200.000 toneladas vendidas a países fuera de la Unión Europea, básicamente a Turquía –paralelamente, España es el principal destino de la exportación de residuos textiles de Portugal aunque a una escala mucho menor–.

Este flujo de material que se vende fuera supone, a juicio de la AEM, una barrera para que funcione bien el sistema de responsabilidad del productor en el que la Unión Europea basó su plan para reducir la basura de ropa. “Las tasas se quedan en los países exportadores, lo que priva a los países de destino de la financiación que necesitarían para el tratamiento de los residuos”. De ahí que el destino final de esas prendas sea calificado de, como poco, “incierto”.

“El melón es la cantidad de ropa que se fabrica”, recuerda Celia Ojeda. “Se ha generado un ciclo muy perverso en el que es tentador comprar a esos precios, pero las prendas son cada vez peores”. La ecologista pide a la industria “que produzca mucho menos, de mejor calidad y que sea reparable”.

De hecho, la nueva normativa europea especifica que los productores deben promover la reutilización y la reparación porque están reconocidas como prácticas “medioambientalmente más sostenibles” por delante del mero reciclado.

Por el lado del consumidor, Ojeda apela a pensar si hay una verdadera necesidad y luego acudir a esa reparación o a la segunda mano, “pero con cuidado para no convertirlo en un nuevo circuito de fast fashion, con los mismos niveles de consumo de prendas. No puede reproducirse el ritmo de consumo acelerado ya que esas prendas tienen que fabricarse de alguna manera también”.  

Este lunes 6 de mayo tuvo lugar una de las fiestas de moda más esperadas del año, la MET Gala.

Esta gran alfombra roja que se despliega en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York eligió como dress code la temática The Garden of Time inspirada en el cuento de J. G. Ballard del mismo título (1962) y que es “una celebración de aquellas prendas tan frágiles que no pueden volver a usarse jamás y que, por tanto, se convierten en bellezas durmientes de los escrupulosos archivos del Instituto del Traje”, matizan.

Un discurso que define a la perfección la exposición que se inaugura con esta Costume Institute Gala, Sleeping Beauties: Reawakening Fashion.

Los mejores y más comentados looks de esta gran noche neoyorquina.

Es el segundo consumidor de agua y emite más CO2 a la atmósfera que la aviación, según la ONU. La producción textil supone un mercado de más de 122.000 millones de dólares al año y puede superar los 197.000 millones en un lustro. Pero también es una industria altamente lesiva con el medio ambiente. ¿Hay un freno posible que obligue a detener la espiral de daños ambientales de la ropa de usar y tirar? Hasta ahora parecía difícil, pero Francia ha roto esa imagen de intocable al tramitar las primeras imposiciones legales para limitar la fast fashion.

La Asamblea Francesa votó hace dos semanas por unanimidad la primera ley específica “para reducir el impacto ambiental de la industria textil”: se prevé prohibir publicidad y cargar a la prendas con una tasa verde. Hasta ahora, las regulaciones se habían orientado hacia aumentar el reciclaje para reducir los desechos textiles más que hacia rebajar el volumen de prendas que salen a la venta.

Precisamente este lunes, la vicepresidenta tercera del Gobierno, Teresa Ribera, apuntaba antes de un Consejo de Ministros de Medio Ambiente de la UE que hace falta, además de una “buena gestión de las materias primas”, avanzar en la “reducción del consumo textil y la moda sostenible”. También sobre este sector ha abundado que es preciso abrir un “debate en torno al seguimiento de la cadena de valor del textil y las exportaciones”.

La responsable de Greenpeace sobre Biodiversidad y Consumo Sostenible, Celia Ojeda, opina que “la medida francesa será positiva para ese país y da ejemplo sobre cómo acotar la moda rápida y su contaminación”. “Pero, por ejemplo, Shein no produce en Francia...¿cómo va a detener la iniciativa de un país una industria que es global?”, se pregunta. Sin embargo, defiende que “es bueno que haya estados que empiecen a abordar la fast fashion como lo que es”.

¿Y cómo es el sector? La fast fashion se basa en una renovación ultrarrápida de la oferta con prendas a bajo precio. Diversos investigadores la describen como una “producción de ropa barata, de baja calidad y de moda en un tiempo muy corto proveyendo al cliente en el momento de máxima demanda a un coste muy bajo”. O como la producción de prendas que “acabarán en un vertedero en poco tiempo”.

Dados los enormes impactos ambientales y sociales de esta industria, pensamos que es imprescindible y urgente su regulación y esperamos que España y otros países de Europa, sigan el mismo camino

Blanca Ruibal — Coordinadora de Amigos de la Tierra

En palabras del Programa de Naciones Unidas para el Medio Ambiente (UNEP) el modelo se basa en “nuevas temporadas, comprar más, comprar barato, tirar”. Por eso, de media, cada persona compra un 60% más de ropa que hace dos décadas y cada prenda dura la mitad de tiempo, resalta UNEP. Se producen unos 100.000 millones de prendas nuevas al año.

Este modelo explotado por empresas como Zara, Shein o Primark implica que “las prendas se mueven muy rápidamente desde las pasarelas a las tiendas”, como explica este análisis de 2024 de la consultora Business Research Company. Y sus enormes cifras de negocio solo van hacia arriba: un 8,5% anual hasta, al menos, 2028 por “el incremento de adquisición de ropa por la población joven, de la penetración del sector en las redes sociales y la entrada de los grandes distribuidores en economías en desarrollo”.

Pero, al mismo tiempo, esta dinámica de producción ha impuesto una factura ambiental. La Fundación Ellen MacArtney ha calculado que esta industria gasta unos 93.000 hectómetros cúbicos de agua al año –incluidos los cultivos– y causa un 20% de aguas residuales por los tintes o los microplásticos liberados.

Además, el sector es responsable de, aproximadamente, un 10% de las emisiones de CO2 mundiales –la aviación y transporte marítimo equivalen al 4% mundial–.

La legislación francesa “revela un profundo malentendido de la oferta y del sector en su conjunto”, señala a elDiario.es un portavoz de Shein. La china Shein –que ofrece 500 novedades diarias– es una de las empresas señaladas como de ultrafast fashion. “No comprenden la forma en la que opera el segmento y, sobre todo, los hábitos de los consumidores”, afirman. El grupo Inditex, matriz de Zara, no ha contestado a las preguntas planteadas por elDiario.es para este reportaje.

Sin capacidad de reciclaje: exportación o basurero

La Fundación Ellen MacArtney cifra en 92 millones de toneladas la basura textil que se genera cada año, y señala que solo el 1% de las prendas desechadas terminan recicladas en otras prendas de vestir. De hecho, en la Unión Europea, “la limitada capacidad de reutilización y reciclaje” hacen que una gran parte de la ropa usada que se recoge termine exportada a África o Asia, según explica la Agencia Europea de Medio Ambiente (EEA). “El textil utilizado se ha convertido en un problema creciente de desechos y exportación”, dice la EAA.

En este sentido, la cantidad de ropa usada exportada ha pasado de 550.000 toneladas en 2000 a 1,7 millones de toneladas en 2019, el 25% del textil consumido al año. “Una parte se reutiliza, pero otra termina en vertederos”, aclara la Agencia, que añade: “La percepción de que las donaciones de ropa usada son un gesto generoso para personas con necesidades no casa completamente con la realidad”.

Revela un profundo malentendido de la oferta y del sector en su conjunto. La ropa que producimos satisface la demanda existente

Shein

En la Unión Europea, el consumo de textiles implica por cada ciudadano 400 m2 de tierra, 9 m3 de agua y 391 kg de materias primas a lo que se le suman 270 kg de carbono a la atmósfera.

En España, los datos de Moda-Re (entidad dependiente de Caritas) dicen que solo se recogen selectivamente unas 108.000 toneladas al año, es decir, un 12% de todos los residuos textiles generados, que superan las 890.000 toneladas.

Lo que está haciendo Francia con su proyecto de ley –que ahora se ve en el Senado– es imponer una tasa de hasta el 50% del precio de la prenda. El dinero, dice, se destinará a favorecer la producción europea. También contempla la prohibición de publicidad de productos de fast fashion –“moda efímera”, lo llama el texto legal–.

La coordinadora de Amigos de la Tierra, Blanca Ruibal, celebra el paso dado en Francia. “Dados los enormes impactos ambientales y sociales de esta industria, pensamos que es imprescindible y urgente su regulación y esperamos que España y otros países de Europa, sigan el mismo camino”, considera. Además, Ruibal destaca que la ley “obliga a informar a las personas consumidoras del impacto ambiental de la ropa, lo que es un paso muy importante en cuanto a transparencia de cara a la ciudadanía”.

Empresas que no se sienten concernidas

Con todo, a la norma le falta falta definir los umbrales de nuevos modelos producidos puestos a la venta que se considerarán fast fashion.

“Shein no corresponde a esa definición”, explican en la empresa con sede en Singapur. “El número de prendas ofrecidas no es un indicador relevante ni mide objetivamente la huella ambiental. Sería mucho mejor tener en cuenta los artículos no vendidos, y nuestro porcentaje está por debajo del 10%. La ropa que producimos satisface la demanda existente”.

Me parece una burda mentira que digan que no son parte de la 'fast fashion' con 50 microtemporadas o 1.200 vuelos diarios. Producen por encima de los límites del planeta y generando contaminación y condiciones laborales muy precarias

Celia Ojeda — Responsable de Biodiversidad y Consumo Sostenible en Greenpeace

Tampoco se sienten en esa categoría en Primark, donde contestan a elDiario.es que llevan 15 años desarrollando “una estrategia de responsabilidad ética y sostenible” y afirman: “No tenemos una plataforma de comercio electrónico y sí una extensa presencia en tiendas que nos permite atestiguar los beneficios de las políticas dirigidas a armonizar nuestras acciones con el incremento de los estándares medioambientales”. 

“Me parece una burda mentira que digan que no son parte de la fast fashion con 50 microtemporadas o 1.200 vuelos diarios para trasladar la producción”, rebate Celia Ojeda. Esta doctora en Biología subraya que estas compañías “no pueden aducir que fabrican lo que se les demanda porque producen por encima de los límites del planeta, generando contaminación y condiciones laborales muy precarias. ¿Eso está bien porque hay una demanda?”

A pesar de no considerarse concernidos –ni querer pronunciarse sobre la posibilidad de que normas análogas se implanten en otros mercados como España–, Shein sí sostiene que la norma francesa “impactará directamente sobre el consumidor, en un momento como el actual con un incremento generalizado de los precios. Con la creación de un nuevo impuesto, el proyecto de ley no logrará el impacto ambiental que pretende abordar, y sin embargo sí penalizará a un gran grupo de consumidores con ingresos modestos”.

Hasta ahora, las medidas legales para afrontar este problema, al menos en la Unión Europea y España, se han centrado en incorporar el sector textil a la llamada responsabilidad ampliada. Se trata del sistema utilizado, por ejemplo, con los envases por el que los productores deben sufragar la recogida selectiva y el reciclaje. La ley de Residuos de 2022 establece que será obligatoria la recogida separada de textiles el 31 de diciembre de 2024. Y explicita que se desarrollará un régimen de responsabilidad ampliada para estos residuos “a los tres años de la entrada en vigor de la ley”. El plazo llega a abril de 2025.

El productor de moda Mariano Caprarola falleció este jueves como consecuencia de una insuficiencia renal aguda, derivada de una cirugía realizada por el médico Aníbal Lotocki.

El panelista de 49 años estaba internado desde el lunes pasado en el Instituto Argentino del Diagnóstico y Tratamiento (IADT) del barrio porteño de Recoleta. El también co-conductor del programa “La jaula de la moda” se descompensó en una intervención donde se pretendía retirarle unos cálculos renales. Los médicos no pudieron reanimarlo.

Los problemas de salud de Caprarola se habían originado tiempo después de una operación que le realizó Lotocki en 2010. Se trata el mismo médico que había operado a Silvina Luna, internada hace varios meses por supuestos efectos derivados de la mala praxis.

Según el periodista de espectáculos Ángel De Brito, Caprarola “murió de un shock hemorrágico que desencadenó en paro cardíaco”.

Caprarola fue amigo de Lotocki, pero luego lo denunció tras las complicaciones de salud de Luna y aseguró que el médico le “inyectó muerte” en una cirugía de glúteos. Lotocki le había aplicado metacrilato, una sustancia que varios especialistas señalan como sumamente peligrosa en ese tipo de intervenciones.

El sábado pasado, día de su cumpleaños número 49, Caprarola realizó su última publicación en redes sociales con fotos de su niñez junto a sus padres: “Quiero compartir con ustedes quienes me trajeron al mundo, Fady y Bocha”.

LC con información de agencias

Amado por iconos de estilo como Brigitte Bardot, Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Kate Middleton o Rosalía, los cuadros vichy, ligados a la época estival, no pasan de moda y esta temporada del verano europeo se abren camino en un patronaje más contemporáneo como propone Chanel o Prada.

Con la llegada del verano en el hemisferio norte, este versátil estampado vuelve a salir a la calle y ofrece infinitas posibilidades como se ha visto en la colección de la firma Paul&Joe, que apuesta por un peto de cuadros vichy en blanco y celeste combinado con camisas de flores, una bucólica y joven apuesta.

Diseñadores y firmas como Chanel, Coach o Ami Paris recurren a este dulce estampado para coser vestidos, pantalones, americanas y chaquetas.

Miuccia Prada da un paso más y en su colección de hombre primavera/verano 2023 utiliza este estampado en abrigos o camisas con reminiscencias bucólica e infantiles.

Una tendencia que también se ve en las propuestas masculinas de Jaime Álvarez (La Luisiana, Sevilla, 1994), director creativo de su propia firma, Mans, que utiliza este estampado en su trabajo sartorial.

Los cuadros vichy ofrecen al vestir un guiño más informal y relajado, “me recuerdan a la infancia en mi pueblo”, dice a EFE este diseñador sevillano que reivindica el gusto por los tejidos, el buen corte y una confección impecable, “que es lo que da valor a la pieza”.

Con origen en la región francesa de Auvernia-Ródano-Alpes, concretamente en la ciudad de Vichy, este estampado de algodón con cuadros de distintos colores surgió en el siglo XVII y se utilizaba para coser manteles y servilletas.

Desde 1946, en la época de la posguerra, se comenzó a utilizar esta tela para confeccionar camisas para los campesinos, tanto mujeres como hombres.

Esta combinación ligada a las comidas campestres, alcanzó gran fama con el personaje de Dorothy en “El mago de Oz” (1939) quien alimentó su popularidad.

Alcanzó su éxito gracias al diseñador Jacques Esterel, autor del icónico vestido de novia que lució Brigitte Bardot para su enlace con Jacques Charrier en 1959.

La combinación más típica de colores son el blanco y rojo, pero también destacan el negro, azul marino, verde o colores pastel como se han visto en los estilismos románticos y de aire naíf de Audrey Hepburn.

No pasan por altos los pantalones de cuadros blancos y negros que solía ponerse Marilyn Monroe o los vestidos de esencia francesa que lucía Jane Birkin como el que se vio en “La Piscine” (1969), película que protagonizó junto a Romy Scheider, Alain Delon o Maurice Ronet.

Entre los estilismos mas memorables de la princesa de Gales, Lady Di, se encuentran algunos confeccionados con cuadro vichy, particularmente en tonos pasteles como el amarillo, rosa, azul, verde.

Aún se recuerda el abrigo en blanco y rosa que llevó en octubre de 1990 o los pantalones también rosas que lució en compañía de su hijo Enrique en su casa de Highgrove. Desde entonces, la princesa de Gales lo ha incluido en su vestuario, convirtiéndolo en indispensable.

Ahora, treinta años después, sigue siendo un referente y estampado indispensable también en el armario de la actual princesa de Gales, Kate Middleton, quien esta semana, en un su última aparición en Windsor, ha lucido “una ”blazer“ de firma española Zara, con estampado vichy en blanco y azul celeste.

En redes sociales, también se ve que a la cantante Jennifer Lopez le gusta esta tendencia y muestra un vestido de tirantes con cuadros en blanco y beis.

La actriz Margot Robbie llegó al estreno de la película “Barbie” en Las Vegas con un coqueto conjunto de minifalda y top de la firma Prada, estampado en vichy, como no podía ser de otra forma en blanco y rosa.

La cantante Rosalía también se suma a esta tendencia como se pudo ver en el escenario del Parque Bicentenario de Ciudad de México donde lució un vestido largo de Acne Studios con cuadros en blanco y rojo, inspirada en la estética de los años 50: tirantes anchos, escote recto, cuerpo entallado y falda amplia.

Carmen Martín, para la agencia EFE.

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Según adelantó el medio local francés Le Télégramme, el modisto Paco Rabanne murió este viernes a los 88 años en su domicilio de Portsall, un pueblo en la costa al noreste de Francia, según ha confirmado el alcalde de Vannes a ese periódico.

Francisco Rabaneda Cuervo, su nombre real, había nacido en Pasajes (Gipuzkoa) en 1934, de madre costurera para Balenciaga y de un general republicano fusilado en la Guerra Civil. Su familia se exilió a Francia y es allí donde emprendió los estudios de costura. Desarrolló su carrera, de gran prestigio internacional, tanto en la alta costura como en el prêt-à-porter y la perfumería; Rabanne decía que “el perfume es seducción”.

Polifacético, extravagante, audaz y moldeador del metal sobre el cuerpo, fue retirado de la alta costura por el Grupo Puig, propietario de su marca, en 1999, por los altos costes de este tipo de diseño. Aunque Rabanne siguió supervisando las colecciones de prêt-à-porter y los perfumes. Destacó por el uso de metales y otros materiales industriales e incluso los plásticos, como los que utilizó para el icónico vestido que lució la cantante Françoise Hardy en la revista Elle, en 1966.

Fue en ese año en el que presentó su primera colección, que ya aventuraba que no sería fácil de vestir: 12 vestidos imposibles de llevar fabricados en materiales contemporáneos, en el que utilizaba placas de Rhodoid, que iluminados con luz artificial producen fluorescencias. No era solo un vestuario, era una “Colección manifiesto”.

Paco Rabanne vestía siempre de riguroso negro y nadie olvidaba el poder de una mirada angular, imponente. El carisma de su discurso. En 2010 recibió el Premio Nacional de Diseño de Moda. Era un gran defensor del presente y despreciaba a los diseñadores actuales que se inspiran en sus obras con metal de los años sesenta.

Paco Rabanne, apasionado por el ocultismo, realizó algunas declaraciones controvertidas, como la que hizo en un libro, a partir de Nostradamus, que aventuraba que la estación espacial Mir se estrellaría sobre París el 11 de agosto de 1999. Más allá de este tipo de declaraciones, apreciaba la mitología y las leyendas, tanto vascas como bretonas, un misterio que le servía de inspiración para su trabajo.

Su casa de costura ha publicado un mensaje en sus redes sociales en el que le rinden homenaje y la califican como una de las “figuras de la moda más influyentes del siglo XX”, afirmando que “su legado seguirá siendo una fuente constante de inspiración”.

La diseñadora británica Vivienne Westwood, destacada por sus diseños innovadores y atrevidos, murió este jueves a los 81 años, según sus representantes. Pionera por su estilo en los pasados años setenta, Westwood falleció en paz rodeada de su familia en el barrio de Clapham, en el sur de Londres.

Su marido y socio creativo Andreas Kronthaler, dijo hoy: “seguiré con Vivienne en mi corazón. Hemos estado trabajando hasta el final y ella me ha dado muchas cosas para seguir adelante. Gracias cariño”.

La diseñadora será recordada en el mundo de la moda por sus diseños innovadoras y atrevidos, su actitud inconformista y como referente icónico de la estética punk del Reino Unido. Transgresora, rebelde y ferviente defensora del medio ambiente, Vivienne Isabel Swire, conocida como Vivienne Westwood, fue la artífice principal de la estética punk y New Wave en este país y con frecuencia llevó al extremo provocadoras creaciones que nunca dejaron indiferente al exigente sector de la moda.

Nacida en el condado inglés de Derbyshire el 8 de abril de 1941, la modista tomó su apellido de Derek Westwood, con quien se casó en 1962 y tuvo a su hijo Ben, y a quien dejó tras conocer a Malcolm McLaren, el que fue representante del emblemático grupo de punk Sex Pistols y “un hombre cosmopolita y muy atractivo”, de cuya unión nació Joseph.

En ese momento, Westwood trabajaba en una escuela de primaria al tiempo que fabricaba y vendía joyas en un puesto del popular mercadillo londinense de Portobello.

Con McLaren fundó en 1971 una boutique con la que el creativo tándem revolucionó la formar de vestirse, y que adoptó sugerentes y sucesivos nombres como “Let It Rock”, “Too Fast To Live”, “Too Young To Die”, hasta un enorme letrero de neón rosa renombrado como “SEX”. Ese local sirvió como primera plataforma para que Westwood comenzara a exponer sus extravagantes diseños.

Inspirada en el estilo “motero”, las prostitutas o el fetichismo, esa estética empezó a calar tras el primer concierto de los Sex Pistols, donde los músicos vistieron diseños de la pareja.

En esos atuendos abundaban las cadenas, los alfileres de gancho cadenas o las cuchillas de afeitar y, junto a otros factores procedentes del estilo más convencional británico, dieron lugar al “look” antisocial y transgresor irremediablemente ligado al punk.

Aún se recuerda el desfile de 1979 en el London Olympia, donde Westwood y McLaren lanzaron su elogiada colección “Piratas”, que se convirtió en referente del llamado “New Romantic Look”.

Es en los 80, tras su separación de McLaren, cuando el nombre de Vivienne Westwood empieza a ser tomado en serio, sobre todo porque sus originales ideas fueron adoptadas por diseñadores consolidados como Karl Lagerfeld, Jean Paul Gaultier o Lacroix.

La prensa de todo el mundo no escatimó en elogios a la modista británica, considerada una de las diseñadoras más vanguardistas del siglo pasado.

Durante las últimas dos décadas, Westwood ha estado unida al fotógrafo austríaco Andreas Kronthaler, 25 años menor que ella y con quien se casó en el ayuntamiento de Wandsworth (Londres) en 1992 porque “entonces Austria no formaba parte de la Unión Europea (UE) y Andreas no podría haberse quedado en este país”.

Aunque hace años renegaba de la monarquía británica, sus opiniones han variado hasta derrochar elogios al príncipe Carlos por sus esfuerzos medioambientales y fue condecorada en 1992 por la reina Isabel II con un OBE (Orden del Imperio Británico), mientras que en 2006 fue nombrada “Dama”.

Mejor diseñadora británica en 1990, 1991 y 2006, Westwood, que llegó por primera vez a Londres con 17 años “sin conocimientos culturales”, ha despotricado en ocasiones de la moda por “no ser muy intelectual” y ha llegado a afirmar que no se siente “cómoda” defendiendo sus propias creaciones.

En su marcada faceta como activista por el medio ambiente, Westwood presentó su iniciativa “Climate Revolution” durante la gala de clausura de los Juegos Paralímpicos de Londres de 2012 y apoyó a la organización benéfica “Cool Earth”, fundada en 2007 por el diputado laborista Frank Field para preservar los bosques.

Luchó además contra la polémica técnica de extracción de gas conocida como “fracking”; en 2014 se afeitó su llamativa melena naranja por una campaña ecológica y ha citado como a “una de las personas más importantes del planeta” a James Lovelock, autor de la “Teoría Gaia”, que sostiene que la tierra funciona como un súper organismo vivo.

En una entrevista con un diario británico en 2012, Vivianne Westwood aseguraba que le gustaría poder vivir “otros 20 años” para saber qué ocurrirá con el medio ambiente.

DA

Era fatal que en medio de la embriaguez deliciosa inducida por la tercera Copa no faltaran voces resentidas. A mis oídos las más chirriantes fueron las que, prensa, medios y redes mediante, acusaron a los atletas campeones del fútbol mundial, con abundancia de menciones ad hominem, de mostrarse rústicos y de ser intrínsecamente vulgares. Que los aludidos, una banda de muchachos dichosos en un momento supremo de sus vidas profesionales, no se hayan dado por tales no quita que la situación merezca ser comentada. 

El uso de la palabra vulgar como peyorativo terminal es característico de sujetos resueltos a convencer al resto de poseer  un gusto personal irreprochable y certero, garantía de su supuesta superioridad social. En realidad lo que manejan en materia de estilo es el surtido sucinto de prejuicios, estereotipos, y nociones dudosas de lo bello y lo feo que fundan y estructuran el gusto medio. 

Falto de imaginación y de identidad propia el gusto medio se define por una ansiedad doble: por un lado, la que ritma su aspiración a anexionarse a la esfera elitista, que se le presenta como una suerte de espejismo brumoso pero deseable; por otra vía, la urgencia permanente de distanciarse para bien distinguirse de la intensidad del  gusto popular. Pero ocurre que en el campo de las predilecciones estéticas, la índole elitista y la índole popular, ambas dotadas de una fuerte impronta propia, no aparecen, bien al contrario de lo que el gusto medio profesa, como puntos enfrentados sino como extremos complementarios; en diversas ocasiones llegan a coincidir e incluso a fusionarse.

La alpargata es un ejemplo ideal de las coincidencias entre chic y pop, sofisticación y campechanía. Calzado rural y luego obrero, práctico, resistente, de formas depuradas y confeccionadas con materiales honestos, esparto o yute y lona, sobria en su diferencia, la alpargata seduce aún hoy por su simplicidad encantadora. Todo lo cual resultaba muy poco para las pretensiones del gusto medio, cuyos anhelos de todos modos fueron satisfechos. Hace ya más de medio siglo,  en 1970, Yves Saint Laurent, el modisto francés más aclamado de la época, quien se vivía artista a la vez que estaba en sintonía inmediata con el público medio, lanzó la alpargata de taco chino, es decir alto, engendro multicolor cuyo alcance comercial, se prolongó hasta alcanzar los sitios actuales de moda vintage. 

El gusto medio se rehúsa a entender la alpargata, a sentirla, su chic no premeditado, minimalista, sin artificios lo irrita. Con la misma tozudez contrariada procede hacia  los saltimbanquis geniales de la Scaloneta, cuyas acrobacias en la cancha condesciende quizás a aplaudir pero de quienes detesta, cuestión esencial, cuestión ideológica, las apariencias, los looks, las pintas, no conformes a las reglas del protocolo, a la corrección indumentaria. 

Leo Messi y sus compañeros de equipos cultivan estilos que contrastan con el marco institucional que los envuelve. Como los pibes y los no tan pibes y los para nada pibes de la calle popular de la Argentina de hoy han roto relaciones con la formalidad, incluso en ocasiones rituales, como el casamiento, donde los divos de los estadios optan por trajes o smokings (nunca ví jacquets) en versiones digamos imaginativas. El repertorio de prendas y ornamentos, el lenguaje gestual, los talles extra grandes, las zapatillas arquitecturales, las siluetas de personajes de animé, las colisiones de colores y texturas o los engamados imprevistos, los mix and match zarpados de etilos o texturas o estampados o referencias o de todo a la vez, la desenvoltura atemperada,  los logos y los emblemas y los slogans y las efigies de personajes de ficción y los símbolos religiosos en estampas diseminadas por canguros, buzos, pescadores, maxi bermudas, jogginetas, gorras, pilusos  o sobre la propia piel entregada al tatuaje, los cortes y coloraciones fantasiosas de las cabezas y las barbas (y seguí vos la lista) son las mismas en unos y otros; la única (gran) diferencia está en el costo de las prendas. Y no se trata, o no solamente, de seguidores detrás de sus ídolos. Hay reciprocidad e influencias mutuas. Todos navegan los mismos circuitos, todos se miran a la vez en un mismo espejo virtual. 

Quien trate de mirar más allá de esta comunión estética, transformación clara de la cultura argentina del vestir concretada entre los ases de la pelota y su mega hinchada que federa a todas las del país, vale decir más allá del territorio histórico del fútbol, patriarcal, hétero cis y fóbico, podrá detectar el inicio de  un hilo narrativo tan inesperado como inevitable.

Se trata de que, amén de sus otras virtudes deportivas, la Scaloneta se nos figura portadora de un modo nuevo, relajado de vivir y representar la masculinidad. Pasa por su presencia en la cancha, sin duda, reflexiva y potente sin patoteo. Pasa por la firmeza y la seguridad sin alardes manifiestas hasta en los momentos más dramáticos y peligrosos. Pasa por la sobriedad serena de Scaloni, por el ‘bobo’ con que Messi interpela a un rival hostigador, por la complicidad sana, por el entendimiento casi sin fallas, por la ausencia de reproches, de protestas vehementes, de desplantes, de puteadas, de idas al humo. Pasa por la testosterona tranquila que no necesita teatralidad macha. Viril pero no viral, su vigor deportivo enamoró a todos. Y a todas. Y a todes. En todo amor hay glamour y en todo glamour hay sudor. 

JA/SH

Esta semana volví a ver Metropolitan (1990), la película de Whit Stillman, porque quiero escribir algo sobre Mansfield Park y leí en algún lado que Metropolitan era una “vaga adaptación” de la novela de Austen; no lo podría haber entendido la primera vez que la vi, porque es un homenaje más que una adaptación, el tipo de cosa que hay que tener cierta sutileza para ver porque no se copian tramas ni personajes. En Metropolitan, como en Mansfield Park, un grupo de jóvenes privilegiados de veintipocos se involucra en una serie de aventuras cuya banalidad se hace evidente a partir de la mirada de un par de personajes más “serios”: en Mansfield Park son protestantes ejemplares, en Metropolitan una chica tímida y un par de marxistas de universidad. Está bien pensada esa transposición: hoy que el desdén religioso por lo material ya no tiene ninguna importancia en esos círculos las únicas razones para despreciar la superficialidad son el anticapitalismo y cierta pretensión de profundidad. Así y todo, creo que en la película se ve bien algo que no se puede trasponer de una época a la otra: el rechazo de la banalidad hoy es más una posición estética que moral, y por eso a veces parece casi un capricho. Para decir lo mismo pero pensándolo desde otro ángulo: una vez que la frivolidad no es un pecado es más difícil explicar por qué da culpa o qué es lo que deberíamos hacer con ella, si es más elitista odiarla que disfrutarla, si hay que gozarla sin neurosis, o no gozarla, o gozarla con mucha neurosis o con muchas explicaciones sociológicas para purgar el error. Como quien necesita una tesis sobre la cumbia para bailarla, para demostrar que consume eso mismo que consumen todos los demás pero no de la misma manera en que la consumen todos los demás.

Pienso en el célebre monólogo de Meryl Streep en la película El diablo viste a la moda. Anne Hathaway, en la piel de una pasante con ganas de escribir cosas importantes que termina sirviéndole café a la editora en jefe de una revista de modas, se burla de dos estilistas que se paralizan de incertidumbre ante dos cinturones idénticos como si en esa elección se les fuera la vida. En respuesta, el personaje de Meryl Streep (la editora en cuestión) le da al de Hathaway una charla sobre el funcionamiento de la moda como negocio, industria y nodo de poder que la deja muda. A mí también me gusta ese monólogo, los monólogos bien actuados en el cine me gustan tanto que en general me importa poquísimo lo que digan, pero si pienso en texto me parece que se pierde el punto. Las personas que disfrutamos de la fruslería, del encaje refinado, el lacio perfecto o el delineado preciso no lo hacemos por los puestos de trabajo que se crean o las historias de superación de los diseñadores. La disfrutamos porque sí. Hay cuestiones de clase, por supuesto, pero tampoco es solo una cuestión de clase: los ricos se indignan cuando ven a una chica humilde con el pelo teñido o comprando un corpiño con puntilla, como si el derecho a la banalidad fuera patrimonio exclusivo de quienes no tenemos problemas tan graves. 

Hasta los 14 o 15 fui la chica tímida de Metropolitan e incluso los niños marxistas, la que prefiere una biblioteca a una discoteca. Era una forma de distinguirme y también de sustraerme de algo que en principio parecía una competencia en la que yo tenía todas las de perder. Para las mujeres, y supongo que para muchas otras identidades, la belleza tiene esa doble faz, de juego y de guerra, de fiesta y de fracaso. Abandoné mi posición disidente en la medida en que fui entrando a la adolescencia. Recuerdo perfectamente algunos de mis últimos momentos en la resistencia, cuando mi moral empezó a flaquear. Mi colegio secundario exigía un uniforme bastante sencillo, pollera tableada gris y camisa blanca; mi mamá me compró un par de camisas preciosas, eso era fácil, pero todas las polleras grises de las casas de uniforme me parecían una pesadilla. Llegar a un colegio nuevo y a un mundo nuevo con uno de esos tubos de sarga chingados se me hacía el peor de los infiernos. Lupe, la modista que era hermana de la señora que trabajaba en mi casa, salió al rescate. Me hizo la pollera de colegio más linda del mundo, la recuerdo hasta hoy: una tela plana y reluciente, el tiro donde yo lo quería, las tablas justas, el largo justo. La ropa que te queda bien, aprendí entonces, tiene poderes mágicos: puede hacerte entrar a cualquier lado con una seguridad prestada pero igualmente efectiva. Fui aprendiendo despacio todo eso que podía darte la sensación de ser linda, la posibilidad de conversar, de escuchar, de registrar, de pasar sin ser vista y de hacer que todos te vean, según el momento. Algo de esa pavada que yo despreciaba conectaba con algo que estaba entendiendo que me podía interesar, las relaciones humanas. Entiendo que hay una parte de la vida de Instagram que parezca alienante, pero hay una parte del asunto que es todo lo contrario, y no es nada nuevo bajo el sol: son las páginas de las noticias sobre la alta sociedad, los retratos exhibidos de la nobleza, solo que ahora jugamos todos. No hay nada más social que querer decidir cómo te miran, elegir lo que otros ven de vos.

El monólogo de Meryl Streep en la película del diablo está escrito con linda música, pero fracasa en su intento de explicar la importancia de la moda y la belleza para las personas a las que en alguna medida, aunque nos parezca una idiotez, aunque estemos teóricamente en contra, nos importa. No sirve porque hace que lo importante de la moda sea otra cosa: la industria, el poder, la historia, el trabajo. Pero la película sí entiende el punto de la pilcha y las cosas lindas, solo que en otro lugar: la gracia de la moda está mostrada en la secuencia de montaje en la que Jane se viste bien y su vida cambia, en el hechizo de ponerse un vestido que cae bien. No importa que además esa magia pueda explicarse muchas veces en términos de pertenecer a un grupo social o a una hegemonía, porque no pasa solo por ahí, lo saben todas las que no pesan cincuenta kilos ni tienen miles dólares para gastar y así y todo conocen la sensación de relamerse ante una vidriera, o en la semioscuridad de un probador: importa ese momento en que nada más importa, en que te sentís una princesa. Un vestido cortado al bies que te recorre el cuerpo con la naturalidad con la que un río recorre su cauce, un labial nude que tiene el color que tus labios deberían tener; el rojo perfecto, los tacos perfectos, el saco que tiene la caída y el peso justos.

TT

Nunca antes en la historia tuvimos tanta ropa. Y nunca antes en la historia hubo tantos cuestionamientos a la forma de fabricarla. La industria de la moda es la segunda más contaminante del mundo. Hace poco nos conmocionamos con las imágenes del desierto de Atacama, en el norte de Chile, donde se acumulan toneladas de desechos textiles, en general provenientes de Estados Unidos, Europa o Asia. 

Eso tiene que ver con la “moda rápida” (fast fashion), que es como las cadenas de moda se refieren a los diseños que pasan rápidamente de las pasarelas a las tiendas con las tendencias de moda más actuales. La práctica se remonta a los años 80, cuando las empresas empezaron a buscar aumentar el número de colecciones anuales para vender más. La idea es que los consumidores quieran tener siempre lo más nuevo. Pero es ropa que va a parar rápidamente a la basura. Las prendas no están hechas para durar. Y, en general, están fabricadas en un 60 por ciento de sintético, que no se descompone y genera microplásticos.

Las empresas empezaron a buscar aumentar el número de colecciones anuales para vender más. La idea es que los consumidores quieran tener siempre lo más nuevo. Pero es ropa que va a parar rápidamente a la basura. Las prendas no están hechas para durar

Pero no todos las problemáticas en torno a la ropa tienen que ver con lo ambiental. También es una industria que tiene serios cuestionamientos a las condiciones en que se fabrican las prendas: hay trabajo esclavo, trabajo infantil y condiciones laborales indignas en general.

Para luchar contra esta situación es que surgieron movimientos como Fashion Revolution, que tiene su sección argentina en la que Jesica Pullo coordina a un gran grupo de voluntarios. 

El movimiento nació en 2013 con el derrumbamiento del edificio Rana Plaza en Dhaka, Bangladesh, que dejó 1.138 muertos. “Era un edificio que se dedicaba a confeccionar prendas de las marcas de los grandes grupos monopólicos, las más conocidas de fast fashion o de retail”, explica Pullo a elDiarioAR. Las creadoras de Fashion Revolution fueron la italiana Orsola de Castro y la británica Carry Somers que, a raíz del derrumbe, se empezaron a preguntar: ¿quién hizo mi ropa?“.

“En ese entonces, no había tantas redes sociales para difundir información, entonces fue un shock, porque estaba muy tapado todo este tema”, asegura Pullo.

Fashion Revolution busca sobre todo generar consciencia sobre el origen de la ropa. Por eso, trabaja en diferentes campañas: reclama un salario digno para los trabajadores, insta a los consumidores a preguntarse de qué está hecha la ropa y plantea alternativas, es decir, reutilizar la ropa que ya tenemos, transformándola para darle otro uso, donándola o vendiéndola. 

En este último punto entran, por ejemplo, todas las ferias o locales de ropa vintage, es decir, ropa de segunda mano, que revenden prendas usadas. María de Vintage Reciclado lleva once años haciendo “rescates”, como los llama ella, de ropa usada. “El concepto lo inventé yo. Fue mi manera de nombrar al hecho de ir a rescatar esas prendas que están como olvidadas. Cuando empecé tenía un calendario y todas las semanas llamaba a todas las parroquias de Cáritas. Armaba la agenda: tal día hay feria, tal día hay feria. Y esos son los rescates. Después empezó a surgir esto, que también pasó en pandemia, de gente que está todo el día en la casa y que dice: che, tengo ropa, qué hago, hay una chica que vende. Y me empezaron a contactar”.

“El término rescate viene de ahí. Porque lo que yo hago es ir a comprar ropa, claramente, eso se sabe. Pero me pareció simpático el término de ”voy a rescatar prendas que están olvidadas“. Porque hay lugares en los que están en impecable estado, colgaditas, tipo local, y hay lugares donde es un desastre cómo están. Entonces hay como una cosa de rescatar para que vuelvan al círculo y a tener una nueva dueña”, explica. 

María, que vende su ropa exclusivamente a través de vivos en Instagram, tiene muy en claro la diferencia entre la ropa de antes y la de ahora: “La ropa de ahora en unos años no va a existir más. Porque hoy te comprás una remera y en un mes, en dos lavados, ya no la tenés más porque el algodón es malo, la calidad es mala. Y la ropa de hace un montón de años tiene eso: la moldería es buena. La moldería es el esqueleto de la prenda. Entonces ya te sienta perfecto. Los géneros son buenos. Eso es lo que hace que la ropa todavía esté. La calidad. O sea, son prendas que a veces tienen 20 años y se siguen usando. Esa es la diferencia con la ropa de ahora. La ropa de ahora la podés usar dos veces, tres lavados. Y listo”. 

María cree que si bien hay quien compra vintage por un tema de consciencia también hay muchas personas que consumen un montón. “En el consumo de la ropa usada hay que poner un poco el ojo también. Tengo clientas que me compran todos los meses. Ahí también hay una cosa de consumo, que a mí me sirve porque es mi trabajo, pero no es que con esto de la ropa reciclada y de feria no consumimos tanto. Compran compulsivamente. Sí, claramente está el tema de los desechos. Acá estamos comprando ropa que ya está. Y sí, empiezan a darse cuenta. Pero igual la gente sigue comprando. Se siguen matando por la liquidación en Zara. Le suman un poco de lo vintage, pero es una locura lo que consumimos”.

También a ella le importa en qué condiciones se fabrica la ropa hoy. “Sí me interesa todo el tema de los desechos textiles, pero me interesa muchísimo más: ¿y los talleres? ¿Y los pibes chiquitos que tenés metidos en un taller que hace unos años se quemaron acá en un taller clandestino?”. (En 2015 murieron dos niños de 7 y 10 años en un taller clandestino del barrio porteño de Flores). “Está bien, le comprás a Zara. ¿Y de dónde viene la ropa de Zara. ¿Y cómo la producen? Sepamos a quién le compramos la ropa”.

Fashion Revolution Argentina lanzó ya tres mapas interactivos de tiendas de segunda mano y un mapa de reparadores de ropa y accesorios. “Y este año, en la Fashion Revolution Week, lanzamos el mapa de puntos de recepción de telas y prendas en desuso”, cuenta Pullo.

Para Jesica, la consciencia sobre el tema está creciendo en la Argentina pero también hay mucha información turbia. “Después de la pandemia se vio mucho crecimiento con todo el tema de los emprendimientos sostenibles. Pero también creció mucho el greenwashing (lavado de imagen verde) de las empresas. Hay mucha desinformación. Por ejemplo, tal marca de fast fashion dice 'saqué esta línea de algodón orgánico o de poliester reciclado' y eso ya es sustentable. Y no es así. O sea, ¿en qué condiciones las personas cosieron las zapatillas esas de plástico? ¿Dónde fueron confeccionadas? ¿Quién lo hizo? Puede ser un niño. No sabemos”. 

“Y, además, nos ponemos a investigar un poco, el reciclado de plástico lo hacen unas personas sin... no sé, ni siquiera zapatos... derritiendo plástico, respirando esos gases super tóxicos, no tienen guantes. Y eso me parece el quid de la cuestión. Hay un montón de marcas de cueros que hacen carteras de cuero, que de alguna forma dicen que son sostenibles. Es imposible. Lo vemos en el Riachuelo. El Riachuelo se contaminó por la cantidad de curtiembres que había en su lecho”, añade.

Jesica cree que hay modos de producción que ya están obsoletos. “No pueden ser sostenibles porque son de raíz tóxicos, como la producción de algodón. La cantidad de pesticidas que se usan en nuestro país. El desmonte que hay. Incluso la lana. O sea, la oveja es una especie introducida. La forma de pastar que tiene no es respetuosa con los biomas o el ecosistema del sur”.

Para Jesica y todo el equipo de Fashion Revolution Argentina, la solución a todos estos temas pasa por tomar consciencia. “Uno medio que ya sabe en qué condiciones están las personas que hacen la ropa. Mirá si dijéramos: yo la verdad esto no me lo puedo poner. Prefiero tirar con esta ropa que tengo y arreglarla o incluso remendarla o agarrar dos prendas y hacerme algo. Intervenirlo, dárselo a una costurera. Hay miles de maneras”.

“Este es el momento en que más ropa tenemos en la historia. Antes las personas no tenían tanta ropa. La ropa salía cara. Hay que pensar lo que era un vestido para nuestras abuelas”, reflexiona. “No es como ahora que tengo 40.000 remeras. Este es un momento bastante especial en la humanidad. Entonces si la gente dijera: yo no puedo comprarme esta ropa porque no está hecha en condiciones éticas o no sé en qué condiciones está hecha, fin. Sea en Avellaneda o sea en un shopping. La única solución es un cambio de consciencia, empezar a creer que uno sí tiene las herramientas y el poder para cambiar las cosas. Y, obviamente, pensar en que haya leyes que prohíban cierto tipo de explotación”.

Jesica recomienda informarse. “En Fashion Revolution tenemos fanzines y un montón de información en nuestras redes sociales. También hay muchos documentales en plataformas, incluso gratis. Yo sé que no es lindo ver algunas cosas, que son crudas, pero es importante verlo, conocerlo, porque la información es poder. Nosotros proponemos preguntar siempre a las marcas '¿quién hizo mi ropa?' mostrando la etiqueta y arrobando a la marca. Todas las acciones aunque parezcan pequeñas sí son escuchadas, porque las marcas están viendo qué hacen los usuarios. Y sobre todo tener ese pensamiento crítico para poder elegir bien. Si uno necesita comprarse algo, ver si no se lo pueden prestar, si no lo puede comprar usado o si lo tiene que comprar, comprarlo a un emprendedor o a un negocio de cercanías, local”.

Para María, para recuperar una relación más sana con la ropa hay que correr el foco de querer pertenecer a algo. “La gente compra para pertenecer. Porque si no, la pollera plisada que ves en Zara la podés comprar en una feria. Pero es de Zara. Entonces creo que hay que correrse de esa cosa de creerse que porque tenés la marca pertenecés a un status social. Y jugar un poco más también. Las argentinas somos muy de lo que está de moda y lo que se usa. Hay que correrse un poco. ¿A vos te gusta? ¿Te queda bien? Ya está. Usalo. No es que porque sale más caro es de mejor calidad. Te tiene que gustar a vos. Me parece que es esta cosa de descontracturar un poco, de mezclar. Tiene que ser algo lúdico el vestirse”. 

CRM

La osadía y originalidad de hombres como Timothée Chalamet, Kodi Smit-McPhee y Sebastian Yatra compitieron con la elegancia y sutileza de Penélope Cruz, Zendaya y Nicole Kidman en la alfombra roja de la 94 edición de los Óscar en la que hubo mucho color, entre ellos el azul, en apoyo a los refugiados de todo el mundo.

Penélope Cruz, nominada a mejor actriz protagonista por “Madres paralelas”, con vestido negro de original escote de Chanel y Javier Bardem, que opta a mejor actor protagonista por “Being the Ricardos”, también de negro, marcaron el rumbo en una alfombra roja en la que mujeres y hombres compitieron por brillar con luz propia.

Y en ese juego de luces, destacó la actriz Zendaya, protagonista de “Dune”, que muy elegante lució blusa “crop top” blanco de raso y falda larga con cola cuajada de lentejuelas, una creación de Valentino que completo con joyas en el cuello y muñeca.

Jessica Chastain fue una de las más madrugadoras en la alfombra roja y llegó con un vestido muy ochentero en malva y dorado con el que hizo un guiño a su personaje Tammy Faye, por el que está nominada a mejor actriz.

Con destellos en plata apareció Olivia Colman, que aspira a mejor actriz protagonista por “The Lost Daughter”, un tono también escogido por Alana Haim, protagonista de “Licorice Pizza”, que se decantó por un diseño de Louis Vuitton.

El brillo alcanzó su punto más álgido cuando apareció en la alfombra roja Lupita Nyong'o con un vestido dorado de lentejuelas firmado por Prada.

Centelleos que se rebajaron con la sencillez de Judi Dench, nominada a mejor actriz de reparto por “Belfast”, que resultó elegante con una creación en blanco, y la sutileza de Nicole Kidman, que compite en la misma categoría, con un palabra de honor azul celeste de Armani Prive.

Tras las dos ediciones marcadas por la pandemia, los nominados e invitados a esta nueva fiesta del cine fueron conscientes de que la prestigiosa alfombra exige glamour y así, con las cosas bien claras, llegó Chastain al Dolby.

 Aplaudida fue la elección de Ariana DeBose, actriz que hasta ahora nadie conocía, pero esta noche nominada a mejor actriz de reparto por “West Side Story”, resultó atractiva con un conjunto rojo de alta costura de Valentino.

 Un color con el que también resultó muy favorecida Kirsten Dunst, nominada a mejor actriz de reparto por “The Power of the Dog”, que apostó por un diseño vintage de Christian Lacroix y Tracee Ellis Ross en un diseño de Carolina Herrera.

No solo Penélope Cruz se decantó por el negro. La cantante y actriz Vanessa Hudgens, que participa en “tick, tick...Boom!, llegó con un vestido de corte columna de Michael Kors y una importante gargantilla de esmeraldas y brillantes.

Un color por el que también se decantó Sofía Carson, con un teatral vestido de tul negro de Giambattista Valli; Laverne Cox y la directora Jane Campion.

Apostó al negro también Rita Moreno, que dio vida a Anita en la versión de “West Side Story” de 1961 y que vuelve a participar en la de Steven Spielberg.

La actriz Maggie Gyllenhaal brilló con un diseño negro de de Schiaparelli y Kristen Stewart, nominada a mejor actriz protagonista por “Spencer”, llamó la atención con un rompedor diseño de Chanel compuesto por pantaloncitos cortos.

Elegante y sutil resultó la noruega Renate Reinsve, protagonista de “The Worst Person in the World” con un modelo negro y beige de Louis Vuitton.

 Los Óscar recuperan en esta edición el teatro Dolby de Los Ángeles, adonde regresó la vieja normalidad y el glamour volvió a una espectacular alfombra roja marcada hasta ahora por la elegancia femenina, pero que esta ocasión los hombres compiten, arriesgan y ganan.

Así, la mayoría eligieron su vestuario con tino, tenían claro que querían romper barreras. Uno de los estilismos más comentados y arriesgados fue el de Timothée Chalamet, que optó por no llevar nada debajo de la chaqueta de su traje de Louis Vuitton, unas joyas y una sutil sonrisa le bastaron para dar la campanada en sobre la alfombra roja.

Vanguardistas y originales también se mostraron Kodi Smit-McPhee, que se decantó por un esmoquin azul bebé de Bottega Veneta y el cantante colombiano Sebastián Yatra, por otro de color rosa palo de Moschino.

Ceñido a una elegancia más tradicional, pero con una nota vanguardista apareció Javier Bardem, con un esmoquin negro brocado. Una estela que siguió Andrew Garfield con americana de terciopelo granate y camisa negra con lazada.

Clásico, el actor y director Kenneth Branagh, nominado por su trabajo en “Belfast” apareció con elegante esmoquin azul marino con solapadas en negro, combinado con una camisa blanca y pajarita negra.

 En esa misma línea, Benedict Cumberbatch, lució impecable con un esmoquin negro y en su solapa la bandera de Ucrania. 

Por Carmen Martín - Agencia EFE

Hijo de Orán, Argelia, desde que sus ancestros decidieron instalarse en esa ciudad portuaria del norte de Africa a fines del siglo diecinueve. Oriundo de la misma localidad donde Albert Camus localizó su novela La Peste. Yves Mathieu Saint Laurent, ISL, fue uno de los diseñadores de ropa más importantes de la historia en los tiempos en que el prêt-à-porter de etiqueta y la haute couture eran un gran negocio.

Desde hoy, sábado, París y el mundo de la moda celebrarán su inspiración y pasión por vestir los cuerpos, a propósito del aniversario de la presentación inaugural de su marca de indumentaria, que se tituló Trapeze, y ocurrió el 29 de enero de 1962, en el número 30 bis de la rue Spontini de París, hace exactos sesenta años.

El majestuoso homenaje al creador del esmoquin para mujeres y la chaqueta sahariana, el modisto que hizo ponible el traje femenino a rayas y llevó las pinturas de Piet Mondrian, Pablo Picasso y Georges Braque a los vestidos se realizará con media docena de exhibiciones simultáneas y permanecerá hasta mediados de mayo. Se titula Yves Saint Laurent aux Musées y contará con más de medio centenar de prendas, fotografías y bocetos a mano alzada, un tributo curado y coordinado por la crítica de arte y ensayista Mouna Mekouar, nacida en Casablanca y formada en el Institut National du Patrimoine francés.

El Louvre, el Museo d’Orsay, el Centre George Pompidou, el Picasso, el Museo de Arte Moderno (MAM) y el Yves Saint Laurent -donde funcionó su atelier- son las sedes elegidas para la retrospectiva en la que el público podrá apreciar parte de las colecciones de ISL. “No queríamos colgar simplemente la ropa, la queríamos mostrar entre las colecciones permanentes de las galerías, para que el público pueda redescubrir el diálogo constante entre el trabajo de Saint Laurent y el del arte”, señaló Mekouar. 

Amante del dorado y las piedras preciosas, el Louvre ofrecerá en esta ocasión la deslumbrante Galerie d’Apollon, donde residen las joyas de la corona y se mostrará una chaqueta de organza bordada en hilos de oro y pedrería. El MAM dispondrá de los textiles coloridos del modisto y el Picasso pondrá al alcance de la vista obras vinculadas con el autor de Guernica, como la chaqueta inspirada en el Retrato de la musa surrealista Nusch Eluard.

Los visitantes podrán confrontar cómo se trabajaba en una gran firma de ropa cuando no existían las redes sociales ni se pensaba como hoy en el comercio justo, el maltrato a los animales, el trabajo esclavo o la necesidad de usar materiales orgánicos. Los parámetros se fueron metamorfoseando y hay quienes, pandemia mediante además, auguran la muerte de la moda tal como se la conoció hasta hace breve tiempo.

“Pensada como un archipiélago, la exposición ofrece nuevas formas de diálogo y anima al público a crear su recorrido de un museo a otro, llevándolo a esferas hasta ahora desconocidas o nuevas”, dice el comunicado oficial de la muestra y agrega: “Se trata de jugar con redes de afinidades, creando esferas de vibraciones, con el fin de ofrecer una nueva visión de su obra”.

ISL preguntaba y se preguntaba: ¿la elegancia no es olvidar lo que uno lleva puesto? En esa línea, el modisto que subió hippies a las pasarelas dijo además que “lo más importante en un vestido es la mujer que lo lleva puesto” “las tendencias desaparecen, el estilo es eterno” y admitió que “me gustaría haber inventado los jeans. Son expresión de modestia, sexo y simplicidad, todo lo que espero que sea mi ropa”. Creía en una mujer libre de ataduras. Respecto del futuro, aseguró categórico: “detrás de mí no vendrá nadie que merezca la pena. No veo ni un solo talento”.  

ISL preguntaba y se preguntaba: ¿la elegancia no es olvidar lo que uno lleva puesto? En esa línea, el modisto que subió hippies a las pasarelas dijo además que “lo más importante en un vestido es la mujer que lo lleva puesto”

Hijo de Charles, un padre severo dueño de una compañía de cines en Argelia, Túnez y Marruecos, Ives se fascinó desde la infancia con la elegancia de las mujeres de su ciudad natal, especialmente con la de su madre Lucienne Andrée, quien lo estimuló para que fuera a estudiar a París. Ella estaba muy unida a su primogénito y no soportaba el malestar que le provocaban al chico las burlas de sus compañeros de colegio cuando vestía a las muñecas de sus hermanas y jugaba con marionetas.

Lector de Marcel Proust y devorador de la revista Vogue, a los diecisiete años Yves se fue solo a la capital francesa a aprender todo sobre la alta costura. Muy pronto le mostró sus diseños a Michel de Brunhoff, director de la famosa revista de moda, quien decidió publicarlos. A ISL estudiar lo aburría, era un aprendiz impaciente, así que puso todo su empeño en un boceto para un vestido de cóctel que presentó a un concurso y ganó el primer premio. Fue el paso que necesitaba para darse a conocer en la sociedad de la capital francesa. De Brunhoff lo presentó a Christian Dior, quien se subyugó ante su talento, lo incorporó a su maison como mano derecha en 1954 y lo bautizó “mi príncipe”, convirtiéndolo en su heredero natural. Tres años después, con la muerte de Dior, Saint Laurent se convirtió en director de arte de la casa y lanzó una colección de su inventiva, pero aún bajo el nombre de su tutor. Entre el público de aquella pasarela estaba Pierre Bergé, futuro socio, amigo y amante.

En 1960 tuvo que cumplir con el servicio militar pero la rudeza del ejército le provocó una depresión que lo confinó durante un tiempo en un hospital psiquiátrico. Con sus influencias, Bergé logró sacarlo de allí. En ese interín, la casa Dior lo reemplazó por su asistente, Marc Bohan, e Yves demandó a la empresa por daños morales. Con el dinero que ganó en ese juicio más una suma importante que aportó el empresario estadounidense Mack Robinson creó su propia casa de alta costura.

En enero de 1962 presentó la primera colección bajo su nombre, que ahora se conmemora, y cuatro años después lanzó el esmoquin, antes de exclusividad masculina, que con el tiempo se convirtió en uno de sus clásicos. Fue el pionero de un tipo de ropa más democrática, ponible, andrógina, pensada para las mujeres modernas. Algunas de sus musas fueron Marlene Dietrich, Liz Taylor, Sofía Loren y Farah Diba, esposa del sha de Irán. Blusas con la espalda desnuda, el short, de las transparencias al escándalo del negro, su itinerario fue el de quien decide quebrar las reglas impuestas en su medio, buscando una nueva armonía entre la fantasía y lo confortable. Catherine Deneuve, íntima amiga, se enfundó en su icónico trench de cuero para la película Belle de Jour y Josephine Baker le inspiró una fragancia. 

En 1974, luego de modelar él mismo para su colección Rive Gauche de pret-a porter masculino y de posar desnudo para su perfume, la revista Time lo denominó “rey de la moda” y le dedicó una tapa. La depresión volvió varias veces y se refugió otras tantas en la Villa De la Felicidad y la Tranquilidad, un oasis con vasto y salvaje jardín del pintor Jacques Majorelle, que compró con Bergé en Marrakesh. Allí funciona un museo antropológico con ropas y joyas de las culturas originarias africanas que también lo inspiraron, mientras se respira el aroma de los ibiscus y las buganvillas. “Soy un hombre de lugares cálidos y me siento bien en esta ciudad, uno de los últimos lugares con dignidad, fuente infinita de visiones sensuales”, avisó el diseñador que murió de cáncer el 1 de junio de 2008.

La casa Yves Saint Laurent desembarcó en Buenos Aires en 1979 y dejó de operar a fines de 2011. Fueron treinta y dos años en los que un seleccionado de privilegiadas locales pudo acceder a sus prendas sin tener que tomarse un avión ohlalá. Para quienes quieran asomarse a esa combinación extraña entre lo frívolo y ciertos abismos oscuros que a veces conviven en el universo del diseño de indumentaria, Netflix oferta por estos días la miniserie Halston (Ewan McGregor), sobre otra estrella de la moda, un estadounidense pleno de mística que perdió su nombre y el rumbo. Aunque esa es otra historia. 

LH

ARMAZONES

Entre 1850 y 1890, crinolinas, miriñaques, ahuecadores y polisones fueron fundamentales para modelar los contornos. Tanto los vestidos de diario –más moderados– y más aún los de noche –más voluminosos– requerían de alguna estructura para darles forma y reforzar la opulencia. Desde comienzos del período que aquí se aborda, el miriñaque fue un artefacto con una recepción dual, que despertaba una gran polémica. Al igual que sucedía con el corsé, los cronistas denunciaban que, en tren de seguir la moda y ostentar, las mujeres llegaban a extremos casi ridículos. Sin embargo, también eran varios los defensores, que argumentaban que resaltaba los atributos femeninos. Era, además, un artefacto que había que comercializar y vender.

“Condenar al miriñaque es condenar uno de los grandes atractivos de la mujer”, rezaba un texto firmado por N. G. en El Correo del Domingo de 1864. A continuación, en un tono humorístico, recreaba las distintas calamidades provocadas en la humanidad desde que la mujer había comenzado a vestirse: “de la hoja de parra a la crinolina, no hubo más que un paso”. El artículo captaba que, más allá de su aparente inutilidad, la crinolina ejercía un tremendo atractivo sobre la mirada masculina: “el que se ha casado con una mujer globo, no tolerará nunca verla convertida en una mujer espárrago. Si esto sucede, adiós felicidad conyugal”. La crónica fue producida en el momento de mayor auge del implemento, a mediados de la década de 1860. Su uso estaba extendido entre las mujeres e incluso las niñas de la burguesía porteña, tal como manifiesta la elegante pareja que posó para la lente de Antonio Aldanondo hacia 1865 o los niños registrados por Emilio Halitzky en una fecha cercana.

A partir de allí, el uso del artefacto comenzó a retroceder pero en solo tres años fue reemplazado por el polisón (también denominado tontillo), que presentaba una forma achatada adelante, para abultarse a la altura de los riñones y crear una gran protuberancia resaltando la parte trasera del cuerpo femenino. Para fin de la década de 1860 se destacaban precisamente por ser “sumamente grandes” (“Modas”, El Correo de las Niñas, 28.02.1869), podían ir acompañados del pouf o puff, protuberancia que aumentaba el volumen al ser colocado sobre el polisón.

La irrupción del polisón fue tan potente que entre 1869 y 1871 periódicos como El Mosquito o El Correo de las Niñas dedicaron innumerables caricaturas a burlarse de la atracción de las mujeres por dicho instrumento. Las sátiras manifestaban la incomprensión ante el capricho femenino por lucir estas incómodas e inútiles estructuras que entorpecían los movimientos y el tránsito urbano, pero que eran a la vez objeto de deseo por parte de las miradas masculinas. Mujeres que cargaban hombres en sus grupas, o parecían tortugas, muchachas que solo pensaban en competir unas con otras mediante la exhibición de su nuevo tontillo, en improvisarlo a cualquier costo o que adherían al “tontillón prusiano” aparecían, en el contexto de la guerra, tematizadas en las páginas del periódico dirigido por Henri Stein. Quizá la caricatura que mejor sintetizaba esta mirada descarnada sobre el artificio de la moda femenina era “un plano, corte y elevación” de una dama porteña, también obra de Stein, que revelaba todos los adminículos intrínsecos a la modelación anatómica. Allí, el polisón era un implemento entre varios otros que daban realce a los glúteos, el abdomen, el busto, para coronarse con un imponente postizo del que caía una catarata de bucles. Es decir, el polisón se combinaba con otros aparejos, como corsés y pelucas, e incluso mujeres entradas en edad recurrían a todo este arsenal, a veces sin lograr modificar la mirada de desprecio de sus maridos.

El polisón era también un elemento utilizado de modo recurrente para criticar a determinados personajes de la política y la vida pública. El gusto viril por los afeites o los aires extranjerizantes justificaba la atribución de rasgos femeninos, sintetizados en el uso del polisón, como fue el caso de Bartolomé Mitre, Lucio V. Mansilla o el etnógrafo, músico y pintor Ventura Lynch, fundador de El Correo de las Niñas.

Sin embargo, más allá de esta mirada masculina construida por la prensa satírica, el polisón no fue aceptado sin ambivalencias ni quejas por parte de sus reales o potenciales usuarias, conscientes de la artificiosidad y exageración a las que podía llegar a veces la moda. Al respecto, La Ondina del Plata publicó varias crónicas que precisamente se alegraban de que hubiera caído en desuso el “pouli o polisson [...] feo apéndice que se colocaban las señoras para estar a la moda” y que “daba a la mujer mejor formada (si se me permite y perdona la comparación) aire de un camello”. Precisamente, esta revista buscaba desnaturalizar el uso del ahuecador, “exceso de coquetería tan singular, que si ahora no nos asombra es porque estamos acostumbrados a verlo”, pero que sin duda inquietaría y provocaría risa en las generaciones futuras.

Por su parte, El Correo de las Niñas asumía que los “buenos mozos y las buenas mozas” no tenían necesidad de sufrir la tiranía de la moda, ya que tenían suficiente gracia para lucir cualquier modelo: “¡Abajo el polison, el corsé y el malacoff y vivan la gracia y la hermosura!”, declaraba un cronista oculto tras el seudónimo de Quevedo en 1877. Dos años después, La Ondina fue aún más lejos, cuestionando si era necesario volver a llevar esos “trajes espantosamente abultados, esos armazones de mimbre y ballenas que hacían aparecer a las damas de la corte de Luis XV como unos globos prontos para una ascensión”. Lamentaba la reaparición de los “armazones” y sugería medidas drásticas, al asociar la agencia femenina con el socialismo naciente:

Sí, revolucionémonos, amigas mías y al primer miriñaque que encontremos por esas calles de Dios prendámosle... una gruesa de cohetes... la divisa del Socialismo europeo es: fuego y acero – acero y fuego (es decir tijeras y tiroteos de risas) será con lo que escarmentará a ese aborrecido ministro, el socialismo femenino...

El polisón registró varias idas y vueltas durante la década de 1870, pero su lugar como accesorio modelador permaneció –con sus variaciones– hasta prácticamente los últimos años del siglo XIX. Entre 1882 y el fin de ese decenio, la parte posterior de la falda llegó a alcanzar ángulos de 90 grados. Las fuentes son elocuentes respecto de la implementación de esa moda en Buenos Aires, tal como se observa en los vestidos ofrecidos en venta por Dupuy y A la Ciudad de Londres, incluso en sus modelos para señoritas y niñas. También las anónimas muchachas, retratadas por los estudios de Witcomb o Chute y Brooks o representadas en ilustraciones que plasmaban la sociabilidad elegante en sus tiempos de ocio, lucían polisones que llegaban a formar ángulos rectos con la línea del torso.

Se sabe que para comienzos de la década de 1870 era factible adquirir polisones en los comercios de ropa blanca importada del extranjero, como por ejemplo el local que se ubicaba debajo del Club del Progreso en Victoria 180. Más adelante, cuando surgieron las tiendas departamentales, en las publicidades rara vez aparecían estos armazones discriminados como ítems separados, con su precio y medidas, como sucedía con los corsés. En el censo de 1869, figuraban entre los oficios de los porteños dos miriñaqueros, especialidad que ya no aparece en los registros posteriores. Seguramente, debido a que eran las modistas las que se encargaban de fabricar los implementos necesarios para dar forma a los vestidos. Así lo revelaba, por ejemplo, Perfiles y medallones, novela picaresca sobre las costumbres y pasiones porteñas publicada por Ceferino de la Calle en 1886. El texto narraba la visita del protagonista a la casa de una modista, en la que atisbaba con indiscreción el “saloncito de prueba” tapizado con suma elegancia, en el que se veían “como tirados algunos vestidos, restos de géneros, piezas de blonda, tiras de crinolinas, polisones, discos de caoutchouc”. Es decir, las modistas proveían, ellas mismas o mediante algún artesano calificado, las estructuras imprescindibles para el lucimiento del vestido. También podían ser adquiridas de importadores locales, como Tomas G. Foley, que ofertaba el famoso polisón francés Langtry en su comercio de la calle Tacuarí 28-32. Denominado así en honor a la actriz británica Lillie Langtry, el implemento se plegaba al sentarse y al acostarse para volver con rapidez “a su estado normal una vez en pie”, gracias a un mecanismo de bandas de metal sobre un pivote. Era ligero, fresco, fácil de ajustar al corsé con un simple cinto y se acomodaba a “cada dama y a cualquier vestido” (La Prensa, 1888). En suma, el ítem aparecía como un artículo de última tecnología que permitía seguir las modas más recientes, sin renunciar a la comodidad y a la libertad de movimientos.

La década de 1880 se caracterizó además por un estrechamiento de las faldas, que marcaban los muslos y las caderas al tiempo que acentuaban cada vez más la parte trasera del vestido. Nuevamente el humor filoso, producido por la mirada varonil, retomó fuerza al ritmo de la reaparición del polisón. Así lo manifestaba una poesía picaresca dedicada a la anatomía femenina.

¡Imposible! A cada punto

se estrechan las faldas más,

cual diciendo (no verás

nunca claro en el asunto)

Lo risible es que en conjunto,

las piernas al esconder,

Van indicando... sin querer

otro asunto que más vale

y de por sí sobre-sale

en las de toda mujer.

Pasaron los años y el polisón continuó siendo eje de sátiras que se burlaban de la dependencia de las mujeres de estos artificios de la moda, pero que a la vez daban cuenta de su centralidad persistente en el ajuar femenil. En 1892, el Almanaque del Sud aprovechaba la creatividad de la puesta en página para componer una poesía visual –en forma de polisón– que funcionaba como decálogo de una buena niña. Frente a la vanidad de la moda, el tipógrafo ansiaba conseguir una mujer que aspirara a “vestirse modestísimamente”.

Por supuesto, aquellas que tenían mejores presupuestos lograban que sus vestidos se acomodaran estupendamente al volumen real y construido de sus anatomías. Sin embargo, al igual que sucedió con el corsé, el uso del polisón se extendió entre los sectores medios y bajos. En 1899, una publicidad de Sapolio mostraba a una muchacha que realizaba las tareas domésticas luciendo un traje con polisón, del mismo modo que las casas de ropa blanca como Edgar T. Ely, ofrecían polisones elastizados fabricados con alambre de acero en $2.50 y $1,60.

Al promediar la primera década del nuevo siglo, los vestidos comenzaron a ceñirse cada vez más al contorno femenino o buscaban caer lánguidos desde la cintura. Esta ausencia de volumen en las faldas –por primera vez en casi cien años– reavivó los debates respecto de la evolución de la moda, que se aprovecharon para hacer un racconto de sus cambios. Para las crónicas, el perfil femenino o la “curva del talle” había llegado al extremo de ajustarse hacia abajo: “fácil es que dentro de poco veamos, como colmo de la elegancia femenina, a la mujer envuelta en una funda real y verdadera, ceñida alrededor de las piernas”, era una de las quejas frecuentes (“La cintura en las rodillas”, Apuntes y Recortes, 1909). Si sesenta años antes la chanza consistía en burlarse, como había hecho el caricaturista francés Cham, de la gigantez de un miriñaque que impedía a sus usuarias entrar en un carruaje o circular por el entorno urbano, la estrechez de las faldas también dio origen a innumerables chistes. Se había alcanzado el “punto antagónico de la crinolina” y el talle llegaría en breve a la altura de las rodillas.