Penélope Cruz estudió danza durante muchos años. Aquella preparación la rescató para convertirse en Nené, la cupletista (artista de revista) a la que da vida en La bola negra, la película dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi. El film, que cuenta tres historias atravesadas por los amores disidentes y la memoria de Federico García Lorca, sorprendió en las últimas jornadas del Festival de Cannes, donde muchos la ven entre las premiadas. Si bien la película dividió a parte de la prensa internacional, todos se quedan prendados de esa cantante y bailarina que aparece animando a las tropas franquistas encima de un tanque en plena Guerra Civil. Penélope Cruz se enfunda una peluca rubia, se viste con traje militar y canta y baila como una especie de Marta Sánchez de los años 30. 

La actriz contó en la conferencia de prensa que justo antes de rodar esa escena su médico le dijo que podía tener un aneurisma cerebral. Eso hizo que la escena estuviera dotada de una emoción especial. Finalmente, fue solo un susto, pero la actriz confiesa que aquel momento quedará grabado en su recuerdo como actriz, igual que la larga ovación de más de 15 minutos que le dedicó el Teatro Lumière en la gala de presentación del film.

Unas horas más tarde, en un encuentro reducido con la prensa, Cruz quiso tranquilizar. Aclaró que preguntó a un médico antes de seguir rodando, y que al día siguiente se lo dijo a los Javis, que en todo momento le ofrecieron desde paralizar el rodaje a adaptarlo a sus necesidades. Explicó que quiso contarlo ahora a todo el mundo porque “es bonito compartirlo”, y para que la gente vea las situaciones a las que se tienen que enfrentar en un rodaje, y recordó otro momento donde la tragedia se impuso en un rodaje. 

Su padre murió a los 62 años. Ella se encontraba rodando Zoolander 2, y el viernes por la noche había hablado con él. “Unas horas más tarde estaba muerto de un infarto”, recuerda. “Fue horrible. El sábado por la mañana llegaba a Madrid, el funeral fue el domingo, y por la tarde estaba de vuelta en Roma para seguir rodando una comedia el lunes. Recuerdo que me tenían que sujetar. A veces se viven cosas así y creo que es bonito compartirlas, porque somos un equipo, y si uno falla, todo el dominó que es un rodaje puede caer. No quería contarlo desde un lugar de víctima, sino de contar situaciones que vivimos que a veces son muy peculiares”, afirmó.

El ejemplo de los Javis

Desde que vio La llamada quedó cautivada con los Javis, y La mesías se lo confirmó. Entre medias muchos encuentros casuales donde hablaban de esa colaboración que no terminaba de confirmarse hasta que los directores le dijeron que tenían un personaje muy pequeño, esa Nené inspirada en cupletistas reales por la que muchos la colocan ya incluso en la carrera por el Oscar del año que viene. 

Tras la emoción por la ovación de casi 20 minutos, Penélope confiesa que tuvo que irse un buen rato a llorar a la habitación antes de pasar por la fiesta que el equipo celebró en la playa y donde se sentó a hablar con Javi Calvo en una hamaca e intentar procesar todo lo que habían vivido. Tiene la convicción de que los Javis hicieron “algo muy gordo”.

“Son tan jóvenes, pero son unas almas muy viejas y tienen mucha profundidad y mucha inteligencia, mucho humor, van a llegar a unas nuevas generaciones con unos temas mejor que lo que les van a llegar en un libro de texto o con un sermón de un familiar. A veces hay películas tan especiales que pueden conseguir eso. Pueden conseguir que por lo menos los más jóvenes se hagan esas preguntas desde otro lugar. Y eso era lo que más me motivaba para decir que sí. Ellos tenían miedo de mandármelo porque decían que era muy corto. No sé si son 15 minutos. Yo no los he contado y me da igual”, asegura.

El personaje tenía otro aliciente, volver a bailar, algo que estudió durante años y que no hacía en una película desde Nine, por la que, curiosamente, optó al Oscar. Pero también por lo que representa ese personaje, “ese sueño de libertad que ninguno de los personajes masculinos tiene”. “Ninguno de los personajes de las tres historias está cómodo en el lugar donde quiere estar y siendo quien quiere ser, ni siquiera pueden compartir quiénes son en su esencia. Y ella representa eso. Me emociona mucho lo que representa ella, era un honor poder darle vida”, reincide y hace hincapié en una de las frases finales del filme, “cuidado que aún nos acechan”.

Queda muchísimo y va a paso muy lento. El Me Too para mí fue un arranque de algo que tiene que continuar para siempre

Penélope Cruz — Actriz

Desde que comenzó a estudiar teatro en la escuela de la argentina Cristina Rota, “con 14 o 15 años”, a la que entró mintiendo sobre su edad, se obsesionó con Lorca. “Mi maestra en esos años era Cristina Rota, y yo elegía cosas que eran curiosas para una niña de esa edad, como Las criadas, de Jean Genet, o Doña Rosita la soltera, de Lorca. Ella nunca me prohibía hacer las obras que a mí me llamaban la atención, que siempre tenían temas muy turbulentos, personajes que no tenían mi edad, pero yo sentía que los entendía y que los quería comprender más a fondo y los quería explorar. Yo recuerdo todavía ese monólogo de Doña Rosita. Hay partes que no las voy a olvidar. Soy una apasionada de Lorca, es uno de los genios más grandes de nuestro país”, asegura.

Tiene claro que el que no haya querido ver la homosexualidad de Lorca en su obra es porque “ha querido mirar para otro lado, porque está en todo lo que escribe”. “Hay una protesta todo el tiempo a no poder ser uno mismo, y a estar incluso en peligro de muerte. Aunque no lo ponga en primera persona, o lo ponga en otros personajes que no siempre son hombres, el tema de la identidad, de la libertad y de poder compartirla con los familiares siempre ha estado. Quien no haya querido ver eso a lo largo de las décadas desde que murió es porque no ha querido verlo. Es imposible no verlo”, zanja.

Apenas unos días antes de que se presentara La bola negra, Cate Blanchett decía en una masterclass en Cannes que, para ella, el Me Too se había enterrado de forma interesada y que debería estar más activo. Penélope Cruz coincide con su compañera: “Lo llamemos como lo llamemos, es algo que ya tiene que seguir de por vida. Para nada hemos llegado a un punto donde podamos estar relajados. No estamos en un lugar justo para ni para el colectivo LGTB ni para, por supuesto, las mujeres. Queda muchísimo y va a paso muy lento. El Me Too para mí fue un arranque de algo que tiene que continuar para siempre”.

El empresario argentino Jorge “Corcho” Rodríguez y el reconocido actor estadounidense Johnny Depp aprovecharon su estadía en Madrid para hacer una visita especial al Museo Reina Sofía, uno de los principales centros de arte moderno y contemporáneo de España. La cita no fue casual: ambos pudieron admirar juntos algunas de las obras más icónicas de la colección, entre ellas, el histórico “Guernica” de Pablo Picasso, una pieza que no solo es un emblema del arte, sino también un poderoso símbolo contra la violencia y la guerra.

Quien se encargó de guiarlos y acompañarlos durante el recorrido fue nada menos que Penélope Cruz, amiga cercana de Rodríguez y Depp. La actriz española les ofreció un recorrido cargado de detalles sobre la historia y el contexto de las obras, haciendo la experiencia mucho más enriquecedora. El empresario compartió luego en sus redes sociales una foto junto a Depp, posando frente al “Guernica”, y aprovechó para agradecer a Penélope por la invitación y por acompañarlos en esta visita tan especial.

La relación entre Corcho Rodríguez y Johnny Depp tiene varios años y un recorrido que va más allá de lo profesional. Se conocieron gracias a Ross Halfin, un famoso fotógrafo de rock que los presentó y desde entonces su amistad se fue consolidando, especialmente a partir de encuentros en festivales internacionales de cine como los de Roma y San Sebastián. Allí pudieron compartir intereses y proyectos en común.

En 2024, Depp dio un gran paso al debutar como director con la película “Modi”, y Rodríguez jugó un rol clave en la distribución del film en América Latina, marcando así su primera colaboración concreta en el mundo audiovisual. Pero la relación no se quedó solo en lo laboral: Depp viajó varias veces a Uruguay y grabó en el estudio que Rodríguez tiene ahí, La Roca Power Studio. Además, se alojó en la residencia de Corcho en Punta del Este, uno de los lugares favoritos del actor para descansar y desconectarse.

Los españoles Javier Calvo y Javier Ambrossi se encuentran preparando el que será su siguiente proyecto como creadores. En esta ocasión se trata de una película, la segunda en su carrera tras La llamada. El proyecto se anunció hace unos meses con el título de La bola negra, y ahora, en el marco del Festival de Cannes, ambos aprovecharon para avanzar los primeros detalles de un casting que tiene el reclamo de Penélope Cruz como nombre más popular de la película. La ganadora del Oscar tendrá un papel en el filme, que se estrenará en cines en 2026 y que, como contaron los directores en Cannes, “está escrito a medida” para ella.

Los protagonistas serán tres hombres y uno de ellos hará su debut en el cine. Se trata de Álvaro Lafuente Calvo, más conocido como Guitarricadelafuente, el músico que acaba de publicar su nuevo disco Spanish Leather, y que tendrá su primera incursión en la interpretación con uno de los personajes centrales de este filme que toma el nombre de una obra perdida o inacabada de Federico García Lorca del que se conocen algunos personajes y las cuatro primeras páginas. 

A su lado estará Carlos González, al que se acaba de ver en Mariliendre, una serie producida también por Los Javis, y Miguel Bernardeau, conocido por su papel en Élite y más recientemente en Querer. Todos en lo que los directores definieron en su anuncio como una “reivindicación queer de una parte de la historia de nuestro país”.

La película abordará “las heridas” de tres hombres en tres momentos distintos: 1932, 1937 y el año 2017. Abordarán “lo que significa ser maricón a lo largo del tiempo”, subrayaron hace unos meses, cuando dijeron que esa “bola negra es el símbolo del rechazo, nuestra letra escarlata”, en relación a los estigmas o las vergüenzas públicas que porta una sociedad. 

“El proceso creativo de La bola negra comenzó con una labor de documentación e investigación histórica que hemos mezclado con un trabajo literario precioso con Alberto Conejero. Tiene una parte de adaptación teatral, otra de imaginación y otra de introspección para proyectar sobre todas las tramas nuestra identidad. Es muy ilusionante presentar aquí en Cannes, con estos compañeros, parte del casting de esta película de la que quedan aún por desvelar muchos nuevos talentos y sorpresas”, dice Ambrossi de este filme, del que su compañero asegura que es un texto que les toca “profundamente” y que les hace entender por qué se dedican a contar historias.

La historia 'queer' de España

Ambrossi y Calvo esperan “revisitar la historia de España desde lo queer”. Esta película llegará tras el gran éxito de Calvo y Ambrossi con la serie La Mesias, que vino anticipada por otras dos, Veneno y Paquita Salas. No es la primera vez que se juega a desarrollar esta obra inacabada de Lorca. En 2015, Alberto Conejero estrenó su obra La piedra oscura, dirigida por el argentino Pablo Messiez para el Centro Dramático Nacional, que es el segundo título que el poeta granadino dio a esa historia.

En Cannes se anunciaron, además, los socios internacionales de La bola negra: Le Pacte y Goodfellas, estandartes del cine de autor y fundamentales para el recorrido del filme fuera de España y en festivales internacionales. Además, en el equipo técnico repiten profesionales con los que Calvo y Ambrossi trabajaron en La Mesías: Gris Jordana será la directora de fotografía, Roger Bellés el director de arte, Ana López Cobos la figurinista, y Belén Martí Lluch, la coreógrafa. Alberto Gutiérrez firmará el montaje y Raül Refree la música de la película.

El rapero Residente y cuatro mujeres vestidas de blanco con los ojos vendados presiden el centro de la sala 12 del Museo del Prado, que alberga Las meninas de Diego Velázquez. “Quiero que tu pecho sea mi cama. Que tus manos y tus piernas sean mis ramas. La playa que se respalda con el pelo de tus olas con la arena de tu espalda”, recita el compositor y productor, mirando a cámara. La canción que interpreta junto a Sílvia Pérez Cruz es 313, de la que ya lanzaron una primera versión el pasado mes de febrero, que contó con su propio videoclip y la colaboración de la actriz Penélope Cruz.

La Granja de San Ildefonso, en Segovia, fue el escenario de aquella pieza audiovisual; ahora sustituido por la pinacoteca nacional, localizada en Madrid. “Los rumbos se encaminan, en la mirada de tus ojos porque nunca se terminan. Los abres y me estrello. Se rompen las nubes, se disparan los destellos y viajé cuando me vieron porque son como los cielos que se abrieron”, continúa cantando el puertorriqueño.

“Eres un ave sola. Te disparas como una pistola. Eres de los que se atrevieron como todos los labios que mis besos conocieron”, añade mientras gira alrededor de la sala, dejando ver otras obras del pintor español a su alrededor, como Retrato de la reina Isabel de Borbón, El príncipe Baltasar Carlos a caballo y Felipe IV. La grabación fue realizada el pasado 15 de marzo.

Las pinturas arropan las íntimas estrofas de Residente, con las que rinde homenaje a su amiga Valentina Gasparini, fallecida en 2022. La segunda parte del tema lo protagoniza la ganadora del Premio Nacional de Músicas Actuales 2022, que arranca entonando: “No quiero que te acabes. Eres tanto que no cabes, que no cabes”. En su caso, en la Galería Central, vestida de rosa. Pérez Cruz acaba fusionando su voz con el violín de Noemí Gasparini –hermana de la fallecida– frente a La adoración de los magos de Pedro Pablo Rubens.

La nueva versión de 313 supone un adelanto de los conciertos que el rapero dará en España. El primero será el 14 de septiembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el siguiente el día 15 del mismo mes en el Wizink Center de Madrid. Respecto a la canción, Residente ya explicó que era un tema que “nació de manera inexplicable, sobrenatural y mágica”. “Inspirado en mi amiga Valentina, una joven que talentosa que aunque ya no está físicamente aquí, sigue estando”, escribió en sus redes sociales, “un homenaje al tiempo y a las cosas que no queremos que se acaben”.

Residentepublicó el videoclip de su canción 313, en la que canta también Sílvia Pérez Cruz y que está protagonizado por ambos músicos y por la actriz Penélope Cruz.

El video musical fue rodado en los jardines del Palacio Real de La Granja de San Ildefonso, en Segovia, España, gestionados por Patrimonio Nacional y está dirigido por el propio René Pérez Joglar, nombre real del cantante.

Residente agradeció “el talento y el tiempo” para la participación de Penélope Cruz de esta manera: “Desde Jamón, jamón, Belle Époque y Abre los ojos todos en el planeta estamos enamorados de ti”.

Respecto a Sílvia Pérez Cruz, Premio Nacional de las Músicas Actuales 2022, el puertorriqueño reconoció su “voz llena de luz que nos abraza el espíritu”.

La canción está inspirada en Valentina, una amiga fallecida del artista, y por ello los protagonistas del vídeo desaparecen antes de poder encontrarse, con unos efectos visuales creados por El Ranchito VFX, empresa española ganadora de 10 premios Goya, el último por La sociedad de la nieve.

Los artistas aparecen acompañados de un cuerpo de baile formado por bailarines de la compañía madrileña 180.

Hay algo que vincula a Penélope Cruz con las grandes actrices del neorrealismo italiano. Con Sophia Loren y Anna Magnani. Con esas mujeres pasionales, arrebatadas y sufrientes. Lo vio claro Pedro Almodóvar, que la convirtió en una de ellas en títulos como Volver, donde no por casualidad aparecía aquella película en una escena. Varios de sus mejores trabajos fueron, además, en italiano. A las órdenes de Sergio Castellito en No te muevas encarnó a un personaje que, además, tenía por nombre Italia. Penélope Cruz era la italianidad hecha cuerpo, y algo de eso pensó también Michael Mann cuando por fin levantó su proyecto soñado, el biopic de Enzo Ferrari con el que regresó al cine tras ocho años sin rodar un largometraje, y que llega a las salas este jueves.

En la historia del piloto y empresario había, cómo no, una mujer engañada, anulada y silenciada, su exmujer Laura Garello, la “signora Ferrari”, como la llamaban. Una mujer que fue señalada e insultada y que, a pesar de ello, fue la que llevaba cada cuenta y la que salvó a la compañía en sus peores momentos. Fue eso lo que Penélope Cruz vio en este personaje, en el que la rabia está contenida pero se desata cuando aparece en escena el Enzo Ferrari al que interpreta Adam Driver. Visitó su casa y hasta consiguió las cartas que ambos se escribieron. “Lo que me transmitía era mucha tristeza. Ella disfrazaba algo de una alegría que no existía”, dice de su personaje en un encuentro reducido con periodistas con motivo de la presentación de Ferrari.

Sabía que quería trabajar con Michael Mann, pero cuando empezó a escarbar en esta mujer se encendió en ella “una rabia y una necesidad de darle una voz a una mujer que no tuvo ninguna, y la poca que tuvo se la querían cargar”. “Todos esos hombres pasaron años intentando quitársela de en medio y se reunían con Ferrari para avisarle del riesgo de que ella tuviera tantos poderes legales, pero él llegó a despedir a 50 personas por intentar convencerle de aquello. Echar a Laura no era una opción”, añade.

La actriz se encontró que en Módena todos decían “que era una loca, que era complicada, que era un bicho…”. No encontró “compasión” hacia ella. “Preferían que esa parte de la historia de Ferrari siguiera oculta y enterrada. Y ahí Michael y yo, y mira que él es cero violines y cero cursi, vimos que esta señora tiene una historia que representa la historia de tantas mujeres, y no solo en esa época en Italia, sino también ahora en cualquier lugar del mundo. Todos conocemos casos así, y es una suerte poder darle una voz que nunca tuvo y darle su lugar”, cuenta sobre el señalamiento de tantas mujeres.

Un señalamiento que también viven las mujeres que se atreven a alzar la voz y denunciar agresiones sexuales, como se vio con el caso del cineasta español Carlos Vermut, algo que para Penélope lo que muestra es que el camino a la igualdad “nunca se dijo que fuera a ser un proceso corto ni sencillo”, y tiene claro que esa igualdad “está todavía muy lejos”. Deja claro que quiere que su respuesta “no haga referencia solo al mundo del cine” y avanza que, de hecho, prepara un documental “sobre estos temas porque me importan de verdad”. 

Esta señora representa la historia de tantas mujeres, no solo en esa época en Italia, sino ahora y en cualquier lugar. Todos conocemos casos así, y es una suerte poder darle una voz que nunca tuvo

Penélope Cruz — Actriz

“Me da muchísima rabia y pena que sigan muriendo tantas mujeres. Mujeres que encuentran la fuerza descomunal para acercarse a denunciar, a hablar. No lo quiero llevar solo a lo que pasa en el cine, que evidentemente pasa aquí y en cualquier lugar del mundo, porque pienso que qué pasa con esas enfermeras, maestras, amas de casa, señoras de la limpieza o periodistas. Está por todas partes. A nosotras nos ponen un micrófono cerca, y la película que yo quiero hacer va más por ahí, porque al final son quienes menos voz tienen, igual que Laura no la tenía, pero es que hay casos de gente que está viviendo un auténtico infierno en sus casas, con hijos, y que no tienen escapatoria”, continúa.

A la actriz le preocupa “el sistema legal” en estos casos: “El problema más grave para mí es que muchas veces el sistema judicial falla. Es muy difícil para una mujer con hijos que está viviendo una tortura de malos tratos hacia ella o hacia unos niños atreverse a hablar. Para empezar no tienen ni a dónde ir, y cuando dan el paso, porque yo conozco a varias, no les han dado la protección necesaria y no las han escuchado. No digo que sea así siempre, pero muchas veces el problema más grande que tenemos es que no las escuchan”.

Cruz aclara que el documental que está rodando “no habla del maltrato”, sino que “tiene que ver con la mujer, pero habla de otra cosa”. Lleva un año trabajando en él y anuncia que le quedan otros dos aunque no da más pistas. Eso sí, también avanza que no descarta atreverse con dirigir ficción, algo que lleva diciendo “desde los 16 años”. “Se lo conté a Pedro Almodóvar con 16 años. Le dije: ‘Te voy a contar una cosa que te va a parecer muy rara, pero yo quiero dirigir’. Y él me dijo que tenía que hacerlo inmediatamente, pero yo sabía que no era mi momento. Ni lo es todavía. El documental para mí era mucho más importante y me lleva mucho tiempo. Me imagino que lo haré cuando mis hijos sean más mayores y y cuando aparezca la historia que yo sienta que es esa”.

Un Ferrari con miedo a conducir

Por su interpretación en Ferrari fue nominada a los premios del sindicato de intérpretes de EEUU. Un trabajo del que destaca la meticulosidad de Michael Mann, que llegó a elegir también la casa donde los actores se iban a quedar durante el rodaje. “Lo controla todo. A mí me mandaban casas, porque cuando vas a ir con tu familia pues la quieres elegir tú, entonces me mandaban como un filtro de cuatro o cinco, y yo decía: ‘¿pero este filtro quién lo ha hecho?’, y me decían que Michael. Yo le dije que no quería que perdiera el tiempo en esas cosas, que debía estar muy ocupado, pero me dijo que no, que quería hacerlo él, y hasta iba en persona a ver las casas, así que imagínate con las localizaciones…”.

Eso sí, siempre “con un sentido”. “Él mima hasta el último detalle. Todo es importante. Yo prefiero un director así a un director al que todo le dé igual o al que todo le parezca bien. A veces puede ser duro y da un poco de miedo, pero es un tío muy inteligente y con sentido del humor, y por suerte yo creo que los actores son uno de sus departamentos preferidos. Da igual si eres un actor que viene para un día o para una frase, te va a dar el mismo tiempo, te va a contar el pasado de ese personaje y nos trata a todos con mucha paciencia, cuidado y cariño”.

Michael Mann mima hasta el último detalle. Todo es importante. Yo prefiero un director así a un director al que todo le dé igual o al que todo le parezca bien

Penélope Cruz — Actriz

Lo que pocos sabían es que Penélope Cruz tiene un miedo irracional a los coches. “No soporto la velocidad. De hecho, fue mi primera pregunta a Michael Mann cuando me mandó un guion llamado Ferrari. Le dije que me hacía muchísima ilusión trabajar con él pero que no pretendiera que condujera un Ferrari a 200 por hora porque le tenía que decir que no. Creo que esto es por algo que compartí hace poco, y es que a mi hermana le pilló un coche yendo al colegio en una calle peatonal. Recuerdo perfectamente que ella iba vestida de rojo, con un anorak, y la tumbó. Perdió el conocimiento. Mi madre se la tenía que llevar a urgencias y a mí me dejaron con una vecina que me llevó al colegio. Con los años me he dado cuenta del trauma que tengo con los coches por esto, por ver a mi hermana sin conocimiento en el suelo y yo tener que ir a clase como si no pasara nada y sin saber si estaba bien o no. Le tomé muchísimo miedo a los coches”.

Ya prepara sus dos siguientes proyectos. La adaptación de Los días del abandono, la novela de Elena Ferrante, a las órdenes de Isabel Coixet; y una versión de La novia de Frankenstein dirigida por Maggie Gyllenhaal, pero ella pide nuevas experiencias: “Sigo buscando comedias. Esta es la conversación semanal con mis agentes. O algo de musical, que creo que voy a hacer uno dentro de poco y estoy muy contenta, porque, como he bailado 18 años, así el proyecto me obliga a irme a bailar otra vez tres horas al día, que es algo que echo mucho de menos. Seguir buscando esos géneros que también me motivan pero que me es más difícil encontrarlos que el drama”.

JZ

En Alcobendas, a las afueras de Madrid, a mediados de los años 80, una niña soñaba con ser actriz. Lo hacía desde el living de su casa, espiando a las señoras que acudían a la peluquería de su madre, imaginando que las calles de su barrio eran un decorado en el que imaginaba otras vidas y visitaba otros mundos. Aquella niña recibía, este sábado, el Premio Nacional de Cinematografía de España convertida en la intérprete española más premiada en la historia. Penélope Cruz tiene todos los premios, trabajó con los mejores directores y, sin embargo, como destacaba el ministro Miquel Iceta, hasta ahora no le había tocado a ella la mayor distinción que se otorga desde las instituciones públicas de ese país.

Cruz recibió el galardón emocionada, llorando, y dedicando el premio a su familia y a aquellos directores que le abrieron las puertas. También anunciando que la dotación económica del galardón (30.000 euros), irá destinada a causas sociales. Un tercio irá para la Plataforma de los afectados por la Hipoteca, tema que le toca de cerca y del que habla la película En los márgenes, que produce y protagoniza, otro tercio para la unidad CRIS contra el cáncer de La Paz y el último para el fondo asistencial para actores en precariedad de AISGE, una iniciativa que fue creada por su suegra, Pilar Bardem.

La actriz explicaba a la prensa tras recoger el premio que era importante para ella donar la dotación y elegir bien las causas. Por ello eligió a tres que conoce bien. Destacó la labor de la PAH y cómo después de rodar este filme conoce “con nombres y apellidos” a personas afectadas y lo mucho que este dinero les puede ayudar. Igual pasa con la unidad CRIS, que explicó que trató a personas cercanas a ellas. También conocía de primera mano ese fondo para actores en situaciones difíciles, “especialmente mayores”.

Por supuesto se acordó de sus padres, que “tuvieron la generosidad” de apoyarla en una elección difícil. Entrar en un mundo que no conocían. “No teníamos ni un cine cerca, ni un pariente dedicado a esto, sólo un betamax de 300 kilos”, recordaba con los ojos vidriosos tras la entrega. Hubo una mención a sus maestros, Cristina Rota y Juan Carlos Corazza, y también para Bigas Luna, y Fernando Trueba, pero sobre todo para Pedro Almodóvar, “una de las personas que mejor ha relatado nuestro país, una figura imprescindible para entender el cine”. También a su representante desde que tenía 15 años, Katrina Bayonas, a la que agradeció que no la echara la tercera vez que siendo una adolescente se presentó en su oficina.

Antes que ella hablaron dos de sus grandes amigos, la actriz Goya Toledo y el actor Luis Tosar, que habló de “todas las Penélopes, la madre, a la hermana, a la hija, a la compañera, a la amiga, a la vecina”. “Las conozco a todas y todas sois poderosas, firmes, entusiastas, solidarias, empáticas, simpáticas, revolucionarias, comprometidas, graciosas y todas ellas sois la misma, y la única. Seguramente no eres consciente de lo que supones para nuestra industria y nuestra cultura la influencia para miles de personas aquí y fuera por mucho tiempo. O quizás no pretendas hacerlo, pero tu bondad, compromiso, amor y trabajo hablan por si solos. Esas características no son solo de la Penélope actriz, sino de las otras. Creo sinceramente que para ser una extraordinaria actriz, hay que ser antes una extraordinaria persona. Y a esa la conozco”, dijo el intérprete con el que actúa en En los márgenes.

JZ

La actriz española Penélope Cruz deslumbró este domingo a su paso por la alfombra roja del 79º Festival de Venecia, adonde acudió para el estreno en competición oficial de L'Immensitá, en la que se mete en la piel de una “mamma”.

Cruz, la primera española en hacerse con la Copa Volpi a la mejor actriz el pasado año por Madres Paralelas de Pedro Almodóvar, fue recibida en el estreno entre gritos y ovaciones por parte de cientos de seguidores y curiosos que se congregaron en la zona.

La actriz madrileña acudió con el pelo suelto y con un vestido largo de corte recto con mangas y estampado floreado rosa sobre fondo negro y, tras posar ante las cámaras, firmó algunos autógrafos.

“Es muy emocionante porque el pasado año fue muy fuerte para mi estar aquí con Pedro, también con la otra película, ”Competencia oficial“, y volver aquí es muy especial”, aseguró Cruz en italiano en la alfombra roja, el idioma en el interpreta durante la cinta.

La actriz protagoniza L'Immensitá, la cinta con la que Emanuele Crialese busca hacerse con el León de Oro y que narra la opresión de un padre de familia hacia su esposa, Cruz, y la hija de ambos que se siente hombre y que encarna la propia experiencia del cineasta.

Con ella llegaron Crialese y la niña que hace de su hija en la película, Luana Giuliani, así como el resto del reparto.

“Penélope es un arquetipo. Es la mujer de ayer, la mujer de hoy y la mujer de mañana y de siempre. Contiene todas las mujeres, es ella, es hipnótica”, la elogió el director por su parte.

Los aledaños del Palacio del Cine, que acoge los grandes estrenos de la Mostra en el Lido, la isla veneciana donde tiene lugar el certamen, aparecieron este domingo especialmente concurridos, también porque no es día laborable y por la agradable temperatura que reinó.

Por la alfombra roja veneciana también pasaron algunas estrellas como la modelo Irina Shayk.

CRM con información de la agencia EFE

Penélope Cruz (Madrid, 1974) fue distinguida con el Premio Nacional de Cinematografía 2022 por el Ministerio de Cultura y Deporte español. El jurado decidió por unanimidad otorgar el galardón a la actriz madrileña “por los éxitos cosechados en 2021, que se unen a todos los recogidos en una trayectoria excepcional”.

El año pasado, Cruz fue la primera española en conseguir la Copa Volpi en el Festival de Venecia y consiguió su cuarta nominación al Oscar gracias a Madres paralelas, que finalmente ganó la actriz norteamericana Jessica Chastain. “Todas las veces lo he vivido con una emoción increíble, pero lo de hoy ha sido más fuerte para mí. Por estar nominada junto a Javier [Bardem], por ser una película de Pedro Almodóvar y por la forma de vivir ese personaje. Necesito procesarlo”, declaró entonces a este diario.

“Comprometida con su oficio, busca la excelencia en su trabajo, gracias a lo cual ha creado algunos de los personajes más inolvidables de la historia de nuestro cine. Por todo ello, Penélope Cruz es una actriz icónica cuyo brillante legado enriquece el patrimonio cultural español”, han añadido los nueve miembros del jurado en la nota. La intérprete toma el relevo así a José Sacristán, galardonado en 2021, y recibirá el premio en manos del ministro, Miquel Iceta, el próximo septiembre en el Festival de San Sebastián.

Estos han señalado otros premios que “reconocen su talento” como el de mejor interpretación femenina en Cannes junto al reparto de Volver, el Oscar a la mejor actriz de reparto por Vicky Cristina Barcelona, el Cesar honorífico, el Premio Donostia del Festival de San Sebastián, y las trece nominaciones al Goya, “de las que ha ganado tres”.

El fallo ha destacado a Penélope Cruz como “una de las cabezas visibles de una generación, la de los años 90, que supuso una renovación del cine español, participando en muchas de las películas emblemáticas y aclamadas internacionalmente”. Con más de 60 películas a sus espaldas, “su enorme talento y versatilidad le han abierto las puertas a colaborar con cineastas de todo el mundo manteniendo igualmente un firme vínculo con el cine español”.

En los últimos diez años, seis mujeres y cuatro hombres de la cinematografía española han sido destacados por el Ministerio con el Premio Nacional, que está dotado con 30.000 euros. El galardón reconoce la labor profesional del año anterior al que se entrega y, en casos contados, premia una trayectoria vitalicia, como ocurrió el año pasado con Sacristán. Iceta admitió entonces que había sido “un acto reparador que estaba pendiente”.

Cruz, una carrera disparada en 30 años

Todo empezó con Jamón, jamón en 1992, tres décadas antes de recibir el Premio Nacional. Con la película de Bigas Luna consiguió su primera nominación a los Goya y compartió cámaras por primera vez con Javier Bardem, hoy su marido y padre de sus dos hijos. A partir de ahí se sucedieron sus trabajos con Fernando Trueba, Fernando Colomo o Amenábar, pero ella había empezado a actuar por Pedro Almodóvar, y su oportunidad llegó en 1997 con Carne Trémula. Sería la primera de siete.

“Mi referente político desde que era una niña era él. Y no era ningún político. Yo decía: mira, las cosas pueden ser de otra manera. Yo decía, por ahí es por donde hay que ir, y no me refiero a la movida, sino a su mensaje. Me movía muchas cosas por dentro, decía: esa persona tiene que estar en mi vida”, admitía este año en el Festival de Venecia.

Mi referente político desde que era una niña era Pedro Almodóvar

Penélope Cruz

En 2001, Hollywood le abrió sus puertas con Vanilla Sky, Blow, Sahara o Bandidas, pero en ningún momento se desligó del cine español, del que es una vehemente defensora. De hecho, en 2006 hizo su película más relevante hasta la fecha con Almodóvar: Volver, que le procuró su primera nominación al Oscar, que ella no se llevó pero él sí consiguió en Mejor película extranjera. Quizá la excepción sea Madres paralelas, con la que ambos han disfrutado de una trayectoria internacional a la altura de aquella obra almodovariana.

“Me gusta que la memoria histórica esté presente a través del mensaje de Pedro, que pueda viajar. Además lo hace desde un lugar que habla de los derechos humanos y va más allá de los debates políticos. Cada persona podrá mirar en su historia y encontrar alguna lección para no repetir los mismos errores”, declaró Cruz sobre los temas que destacan en su última película con Pedro. También las mujeres, que fueron su “motor durante el rodaje”.

Siempre ha mostrado su apoyo a la industria española –“necesita muchos apoyos y no es algo que yo pueda cambiar, pero sí aportar mi granito”– y se ha pronunciado para impulsar el interés del público por el cine: “Me rompe el corazón ver que todas las salas estén cerrando. No me imagino un mundo sin el que ir al cine no forme parte de nuestra vida”.

No hay consensos tampoco en esto. La 94 edición de los Óscar sacará de dudas a críticos y expertos que no logran coincidir en sus pronósticos acerca de quién será la ganadora en la categoría de mejor actriz este año. Una disputa muy reñida entre Jessica Chastain (“Los ojos de Tammy Faye”), Olivia Colman (“La hija oscura”), Penélope Cruz (“Madres Paralelas”), Nicole Kidman (“Ser los Ricardo) y Kristen Stewart (”Spencer“).

La terna final de la Academia de Hollywood dejó fuera de la terna definitiva de cinco candidatas a Lady Gaga por su papel en “La casa Gucci”, una decisión que causó notable controversia entre el público.

Jessica Chastain, firme candidata

La actriz californiana Jessica Chastain, con su tercera nominación tras optar con “Criadas y señoras” (2011) y “La noche más oscura” (2013), es la única de las actrices en la lista que concita un cierto consenso de la crítica como merecedora del Óscar 2022. Y lo ha conseguido por “Los ojos de Tammy Faye”, en la que interpreta de forman brillante a esa telepredicadora evangelista muy popular entre los años 70 y 80.

La intérprete se mimetizó con Faye en una película que es un proyecto muy personal en el que se agarra con fuerza a un personaje que sobrecoge al espectador tanto en escenas cómicas como dramáticas.

Chastain lidera la carrera por esta disputada estatuilla después de ser galardonada por su interpretación en los premios del Sindicato de Actores (SAG Award, en inglés) y, recientemente, en los Critics Choice. Pero el primer premio que consiguió por este trabajo fue la Concha de Plata del Festival de San Sebastián.

Penélope Cruz, la apuesta española

Penélope Cruz vuelve a los Óscar con su cuarta candidatura gracias a “Madres Paralelas”, que ha gustado especialmente a la Academia de Hollywood pese a no haber sido la elegida por España como representante en la categoría de mejor película internacional.

Cruz se estrenó en los Óscar en 2007 con “Volver” y en 2009 se hizo con el premio a mejor actriz secundaria de la mano de su papel en “Vicky Cristina Barcelona”, dirigida por Woody Allen. Su tercera nominación llegó en 2010 por el musical “Nine”.

A caballo entre el género de suspense y el drama, la madrileña exprime al máximo el personaje de Janis, una fotógrafa embarazada que conecta de manera especial con una adolescente en un hospital.

Un recorrido por parte de la psique femenina por el que Cruz ganó la Copa Volpi en el Festival de Venecia y, entre otros, el premio a mejor actriz de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles.

Olivia Colman busca su segunda estatuilla

La británica Olivia Colman es una de las mayores figuras femeninas de la interpretación actual y su nominación ya no sorprende a los más avezados, pues ha logrado consagrarse en el universo Hollywood.

Colman buscará su segunda estatuilla, tras ganar el Óscar con “La favorita” (2019) y ser candidata por “El padre” (2021).

Bajo la dirección de Maggie Gyllenhaal en su debut tras las cámaras, la británica protagoniza “La hija oscura” como Leda, una profesora de literatura que conoce en una isla griega a una madre joven que le llevará a viajar a sus recuerdos y a reflexionar sobre la maternidad y los tabús que la rodean.

La actuación de Colman en “La hija oscura” le llevó a conseguir el triunfo en los premios Spirit, uno de los galardones de cine independiente más prestigiosos del circuito, y nadie descarta que pueda repetir en los Óscar.

Nicole Kidman, el valor de la experiencia

Nicole Kidman ha estado presente en la ceremonia de los Óscar previamente con “Moulin Rouge” (2002); “Las horas” (2003), con la que se alzó con la estatuilla; “Los secretos del corazón” (2011); y “Lion” (2017).

Ahora se convierte en Lucille Ball, uno de los grandes iconos de la televisión estadounidense, en “Ser los Ricardo”, una cinta que se sumerge en los conflictos y entresijos de la relación de pareja que mantiene con su marido, el cubano Desi Arnaz (Javier Bardem).

Kidman aúna el valor de la experiencia y haberse embolsado el reconocimiento de los -venidos a menos- Globos de Oro 2022. No parte como favorita, pero tampoco sería una sorpresa supina si logra su segundo Óscar.

Kristen Stewart, única baza de “Spencer”

El filme “Spencer” solo ha logrado colarse en esta edición de los Óscar devueltos a la normalidad con la candidatura de Kristen Stewart a mejor actriz principal.

La actriz se pone en la piel de Lady Di en este biopic, dirigido por el chileno Pablo Larraín, que narra los momentos en la vida de Diana de Gales desde que, en la residencia de Sandringham (Reino Unido), decide que su matrimonio con el príncipe Carlos está acabado.

Pese a ser su primera nominación, Stewart sabrá lidiar con la responsabilidad, después de haber reorientado su carrera con notorios papeles en los últimos tiempos, que le han alejado del papel de Bella Swan que le dio la popularidad en la saga “Crepúsculo”.

Guillermo Azábal/Agencia EFE

Antonio Banderas es uno de esos actores capaces de compaginar el cine más autoral con el puro entretenimiento hollywoodiense. No se le caen los anillos por hacer de malo malísimo en Uncharted, como tampoco se le caen cuando trabaja con autores como Terrence Malick o su amigo Pedro Almodóvar, junto al que en 2020 lograba su primera nominación al Oscar gracias a Dolor y gloria. Un momento histórico que no ha hecho que se tome más o menos en serio a sí mismo, que engole la voz y apueste solo por películas de arte y ensayo. A Banderas le gusta jugar y pasárselo bien, y la prueba está en Competencia Oficial, la película que se estrenó hoy en la Argentina y en la que da vida a un actor lleno de ego al que solo le preocupan la fama, el dinero y las mujeres. Puro estereotipo que en sus manos se convierte en un artefacto desde el que se ríe de media industria.

Competencia Oficial es la nueva película de Mariano Cohn y Gastón Duprat, que ya habían radiografiado el mundo de la creación artística en El ciudadano ilustre y que ahora atizan al mundo del cine. Una radiografía cruel llena de empresarios que quieren pasar a la posteridad y a los que el arte no les importa, directoras de técnicas extrañas, actores de método que miran por encima del hombro y estrellas vacías con el símbolo del dólar tatuado. Una sátira tan cruel como, por desgracia, real.

¿Cuánto de realidad y cuánto de exageración sobre el mundo del cine y la interpretación hay en 'Competencia Oficial'?

Hay mucho de realidad, más de lo que la gente se puede creer. A mí no me han puesto una piedra de 25 toneladas encima para ensayar ni me han envuelto en plástico, pero sí me han hecho cosas parecidas. No voy a decir nombres, pero una directora en Estados Unidos, en un estudio, me tuvo haciendo de perro una mañana entera y me tiraba trocitos de pan que tenía que agarrar con la boca. Y yo pensaba, si me vieran ahora en España dirían: no veas el gilipollas este lo que tiene que hacer para conseguir un papel. Era la historia de un tío que sufre un accidente paranormal y se convierte en perro y trata de comunicarse con su familia, que cree que ha desaparecido pero no puede hablar.

¿Una película así también es la oportunidad para reírse de uno mismo?

Sí. Es que hay muchas cosas que hemos vivido de verdad. Por ejemplo lo de decir ‘grajo’ (su personaje grita palabras para ejercitar la voz y que se le entienda bien) me lo enseñó una actriz en el Centro Dramático Nacional que iba gritando 'grajo’ y 'Cartagena’. Esas cosas son verdad. Al principio del proceso nos reunimos en Londres todos durante dos días y pusimos sobre la mesa el guion y todo lo que teníamos de nuestro anecdotario, que eran cosas reales, y ellos iban apuntando y metiendo todos esos trocitos de anécdotas dentro del guion que ya existía. Ellos tienen un ojo extraordinario para la mala leche y el uso de la idiotez. Porque ellos describen muy bien a los idiotas, y el mundo está lleno de ellos, así que es muy interesante verlo. Pero en ese mundo también hay mucho listo que sabe cómo ocupar el terreno de la directora, y se ve cómo se van mezclando todos los comportamientos para conseguir algo. 

Aquí hay una tendencia a atizarnos y a darnos mucho con un látigo. Eso es muy español. El éxito en España es un inconveniente

Antonio Banderas — actor

Sí que hay cosas exageradas que yo no he visto, como lo que ocurre al final, pero que quizás haya sucedido en la historia del teatro, de los grandes divos de otra época, que eran más divos porque tenían menos exposición y entonces la figura se mitificaba mucho más. Ahí estaban los cantantes de ópera, los toreros, que no estaban todo el día en la televisión y no les observaban los programas y eran míticos. Las Glorias Swanson de su momento, que vivían en una gloria prácticamente intocable y ese tipo de estrellas ya es más difícil que exista. A las estrellas ahora nos zarandean muy rápido y es que ni se creen que eres tú. El otro día me gritó una señora en el teatro: “Antonio, ¿eres tú de verdad?”. No se lo creía. Vivimos en un mundo de sospechosos, y eso es más complicado, pero ahí se expone que la película habla también de la lucha de la supervivencia que se da en el cine, pero imagino que también en el periodismo y en el mundo de la política ni te cuento, mira lo que estamos viviendo estos días, es fascinante, eso te lo agarra Shakespeare y te hace un novelón, una gran obra de teatro. Esos movimientos que está habiendo estos días son espectaculares, el uso de la prensa, el golpe certero en el momento justo… es fascinante.

En la película se contraponen dos tipos de actor, el de método y la estrella obsesionada con la fama, ¿ha tenido miedo a convertirse en alguno de ellos?

No, lo que siempre he tratado en mi vida es de no perderme a mí mismo y no perder mi naturalidad. Yo creo en la experiencia, en ir añadiendo poco a poco experiencias que me han podido ir haciendo mejor, más tranquilo, tener menos ansiedad… te hablo de interpretación. Pero sí que he vivido diferentes escuelas. Yo estudié cuatro años de arte dramático, y tuve profesores que eran conductistas. Estos días en el teatro he invitado a los alumnos superiores de las escuelas de arte dramático de Andalucía y he tenido un coloquio con ellos. Y ya vas viendo cómo a los chicos les han colocado según un criterio de un profesor, y cuando salten a la vida profesional se van a dar cuenta de que tienen que escuchar otras cosas, porque cada director tiene su librillo, y habrá directores que no te dejarán usar el método Staninlavski por falta de tiempo o porque no se da. Y se encontrarán con actores que tienen otros métodos diferentes al suyo, y ahí tienes que engancharte y sobre todo ser muy flexible, porque no es lo mismo trabajar en una comedia o en un drama, en un idioma u otro… y tienes que acoplarte a eso. Pero los narcisismos no solo existen en mi personaje, el que está con las chicas y los coches, el otro, el actor de método tiene otro tipo de narcisismos, distintos, pero los tiene.

Ahí entra otro de los temas de la película, el ego. ¿Cómo se gestiona el ego cuando se recibe una nominación a un Oscar y se está en películas que arrasan en taquilla?

Los premios son una tontería, pero es verdad que cuando te los dan dejan de ser una tontería. Hace ilusión. Recuerdo cuando me dijeron que estaba nominado al Oscar. Yo había desechado ya esa posibilidad, porque era una película pequeña, en español, venía Robert De Niro por detrás, con el aparato americano, que lo conozco muy bien… y dije: esto es imposible. Me acuerdo que estaba comiendo con el alcalde de Málaga ese día, tenía el teléfono al lado y lo miré un momento y vi que Dolor y gloria estaba nominada, y dije: bueno, pues ya han salido. Y seguí hablando. De repente, el teléfono empezó a sonar todo el rato y ya vi que estaba nominado y en ese momento sentí una alegría extraordinaria que duró segundos. Fue bonito, pero ya está, luego ya sabía quién iba a ganar, porque lo sabía todo el mundo, pero me quedo con eso.

Este año hay cuatro nominados españoles, algo se mueve en Hollywood con nuestro talento.

Claro, eso es incuestionable, pero eso forma parte de algo mucho más grande. Primero, de una comunidad hispana que ha trabajado muy duro para que las nuevas generaciones fueran a los colegios y a las universidades, y esas nuevas generaciones han ido saliendo a todas las profesiones y también al cine. Cuando llego a EEUU se empieza a producir ese fenómeno y empiezo a jugar unos personajes en películas como El Zorro o Desperado. Es un momento en el que se les empieza a dar una oportunidad a los hispanos. Esa puerta se abrió y ahora ya tienen poder, son productores, directores… hay hispanos en todos los sitios y a los españoles se nos respeta, probablemente mucho más fuera que en nuestro propio país, porque eso de no ser profeta en tu tierra ocurre, aunque no solo en España. Pero es verdad que los anglosajones tienen tendencia a quererse mucho, y allí si eres una estrella y has nacido en Norteamérica lo serás siempre, pase lo que pase. Y te recordarán por eso. Aquí hay una tendencia a atizarnos y a darnos mucho con un látigo. Eso es muy español. El éxito en España es un inconveniente con el que hay que luchar, porque puede reportarte muchos problemas.

JZ

El piso de la protagonista de Madres paralelas ronda el millón de euros en todos los portales de vivienda. Está en pleno barrio de Conde Duque, en Madrid, tiene grandes ventanales, un patio, varias habitaciones y una decoración exquisita. Hasta ahí todo en orden. Una casa al estilo de Pedro Almodóvar. Pero Janis, el personaje interpretado por Penélope Cruz, es una fotógrafa freelance y madre soltera que en cierto momento de la película implora trabajo a su amiga para llegar a fin de mes. Es entonces cuando el envoltorio no encaja. Janis es una proletaria en un cascarón de oro con suelos hidráulicos y juegos de sillas Jeanneret a 1.300 euros la pieza.

Hace tiempo que la precariedad y la ficción española de alto presupuesto no coinciden. Y no solo ocurre en Madres paralelas. Las casas de las protagonistas treintañeras de Valeria, los alumnos del instituto público de Merlí, los profesores de la Galicia interior de El desorden que dejas o la de Abril Zamora en Todo lo otro chocan con lo que se encontrarían sus personajes en las tres dimensiones, sobre todo en ciudades superpobladas.

Un banco alemán ha publicado un estudio sobre cuánto costaría comprar las casas más famosas de la televisión. “¿Puede Valeria permitirse ese piso en el centro de Madrid?”, se preguntan. Han tasado este último en 300.000 euros por una habitación, mientras que un apartamento en la urbanización de La que se avecina y el domicilio de Aida, en Carabanchel, costarían ambos 170.000. Un precio más coherente con la trama de sus personajes y unas casas que hace años eran reconocibles en el mundo real. 

Pero los caminos de la ficción son múltiples y no hay guías maestras sobre la réplica de viviendas. Quienes se encargan son los directores artísticos o diseñadores de producción, pero siempre según las directrices del director o directora. Si este último quiere un retrato fiel de la pobreza y la escasez, el trabajo del departamento de arte es casi más complicado que el de inundar el interior de colores y opulencia. Si el presupuesto escasea, esa dificultad se multiplica. En cambio, sobre un lienzo y un cheque en blanco (o al menos boyante) las oportunidades son infinitas.

Casas ricas: acuerdos con marcas y decorados

“Lo chulo de la ficción es poner cosas que la gente no se atrevería a tener pero que le gusta ver”, piensa Mercedes Canales, directora artística de la serie Valeria. Los apartamentos que diseñó para la producción de Netflix son con los que sueña toda persona de 30 años: espacios para vivir sola, acompañada o hacer fiestas, céntricos, exteriores y con una decoración particular que no dependa de los artículos rebajados de Ikea. Sobre todo si esa persona no tiene trabajo o sobrevive a base de un adelanto editorial, como Valeria. “Es muy difícil dar con estas casas en el centro Madrid”, reconoce la creadora.

Alquilar un piso así en Malasaña alcanzaría los 1.000 euros al mes. Pero ¿quién nos dice que el personaje vive de alquiler? “Pensemos que la heredó de su abuela y que luego la decoró con papeles pintados y muebles muy normales”, propone Canales. De hecho, en su opinión lo que marca la diferencia no es el precio de la decoración, sino el atrevimiento. “Ahora las casas son todas iguales, están amuebladas de Ikea y en color blanco para no aburrirnos”, asegura. “A mí me gusta darle un plus que sea coherente con la realidad, pero que tenga algo de magia”, defiende la licenciada en Bellas Artes. No en vano su decorado fue reproducido a escala en la feria Casa Decor.

Canales ha trabajado en múltiples series y películas españolas durante décadas. Desde El secreto de Puente Viejo, Los protegidos, Hospital Central o La cocinera de Castamar. En el caso de Valeria la estética era una prioridad. Aunque se mencionan las penurias económicas de algunos personajes, no suponen el centro de la trama.

Por eso la casa de Lola, otra de las amigas de Valeria, hace las delicias de cualquier diseñador de interiores. “Me atrevo a darle una vueltecita a los personajes sin caer en lo absurdo. Por ejemplo, creo que Lola lleva toda la vida matándose a trabajar, ganando dinero y que en su piso nada está colocado de forma gratuita”. Ni la carpintería azul, ni el mobiliario de marca ni el papel pintado con hadas y plantas tropicales.

“No es tan caro tener una casa así, lo que cuesta es el soporte”, insiste Canales. De hecho, cuesta tanto encontrarla en Madrid que la tuvieron que construir desde cero en un estudio. Un procedimiento normal en las series y películas de alto presupuesto. “Lo más importante después del carácter del personaje es la arquitectura”, explica ella. También decidió que las estancias de Valeria fuesen abiertas y luminosas para dar juego al director y cobijar a las decenas de personas que forman parte del equipo de producción.

El apartamento de Madres paralelas también es un decorado. Antxón Gómez es director artístico de muchas de las películas de Almodóvar y toda una eminencia del sector. “Lo primero que te planteas en el caso de una vivienda es encontrarla, sobre todo si la película es modesta. Es una gran opción porque los sitios reales también te hablan, te sugieren y te inspiran”, reconoce. Pero también tiene dos grandes desventajas: que las paredes no se pueden mover y que hay que lidiar con los vecinos, que quizá no acepten las jornadas maratonianas del cine.

En el lado contrario, un decorado tiene el beneficio de que es desmontable y hecho al gusto y la necesidad de la película. Lo malo es que es demasiado perfecto. “Las huellas del tiempo solo se notan en un sitio real y si es una construcción muy cartesiana, te olvidas de los pequeños errores”, reconoce Gómez. 

Aunque levantar todo un escenario es costoso, alquilar una casa por varios meses a veces también puede engullirse el presupuesto. “Para Todo sobre mi madre cogimos un piso de alquiler porque queríamos que se notase una herencia y los restos de los otros inquilinos”, compara.

Los interiores del cine de Almodóvar han ido evolucionando junto a su director. “Cuando trabajas con Pedro todo tiene un punto del universo almodovariano que está por encima de la media. Todo tiene una pincelada de saturación en el color y de diseño en los muebles. Es el sello. Él es guionista, director y productor, y toda la narrativa corresponde a su universo”, explica su director artístico. De ahí que hayan encontrado una justificación para encajar a Yanis en el piso de Madres paralelas que Almodóvar quería.

“Nos imaginamos que esa casa es el patrimonio de un cierto momento de esplendor laboral”, concede Gómez. Algunas obras de diseño que la decoran ya se vieron en Dolor y gloria, su anterior cinta, o de pasada en otras películas. “Pedro es un coleccionista de arte empedernido y muchas de las piezas están sugeridas por él”, reconoce su mano derecha artística. En cuanto al presupuesto, cuenta que la productora El Deseo es “más laxa y relativa” que otras.

El monto que ha llegado a manejar Antxón Gómez en su departamento –sin especificar con quién ni en qué cinta– ha variado desde los 300.000 hasta el millón de euros. “Hay que tener en cuenta que nosotros también nos encargamos de las localizaciones exteriores y de los alquileres que haya que pagar, además de las transformaciones”, expresa. Lo que queda en la hucha, va a parar a los detalles.

Para encontrar el mobiliario y la decoración hacen una “búsqueda interdisciplinar”. Esta va desde hojear revistas de decoración hasta pasearse por tiendas de segunda mano o incluso importar piezas del extranjero. “Mucho es alquilado, otro es cedido y lo demás es guardado en los almacenes de El Deseo”, explica Gómez. Otra importante aportación la hace el propio director desde sus casas. “A veces rehacemos decorados que él tiene en su piso o en su villa”, continúa. Su labor es que siempre vaya en concordancia con lo que expresa la película y con sus “lenguajes subliminales”. 

La casa de Comendadoras de Madres paralelas esta llena de marcas reconocibles: vajillas de Sargadelos, sillas de Pierre Jeanneret, mesas de Carlo Molino, electrodomésticos Smeg, lámparas de Santa & Cole y porcelanas de Vista Alegre. “Todo el mundo está interesado en poner su mobiliario en una película de Almodóvar”, resume. Por eso hacen acuerdos y tienen sus lugares de preferencia. “Siempre recurrimos a Santa & Cole, Sancal, Capellini o Cassina”, enumera el director artístico. Y si no lo encuentran, lo fabrican ellos mismos. Por ejemplo, la enorme alfombra de La piel que habito la diseñó Antxón Gómez y la mandó a hacer específicamente para la cinta. 

Mercedes Canales dice no tener marcas predilectas: usa tanto Ikea y Maisons du Monde como piezas exclusivas sacadas de Architectural Digest o de estudios de diseño. “También tengo ayudantes de decoración y regidores con los que busco en tiendas de segunda mano”. En su caso, su principal escudero es un infografista que le recrea cuadros, láminas o decoraciones.

“Dentro del realismo y del feísmo podemos jugar. Hay gente que tiene buen gusto y coordina bien los colores en todos los barrios. No tienes por qué vivir en una casa fea aunque seas humilde”, opina la directora artística de Valeria. Antxón Gómez insiste, por su parte, en el poder de engaño del cine. Piensa que el espectador puede percibir una vivienda opulenta donde en realidad hay solo un espacio ficticio y réplicas. “Si nuestro trabajo se notara más, sería un mal trabajo”, resume.

Casas pobres: préstamos de ONG y cubículos

Pero hay veces que con engañar no es suficiente. Hay que representar realidades crudas y poco armónicas. “En Techo y comida buscamos una estética feísta porque cuando no te puedes preocupar ni por el bienestar de tu familia, la ropa no conjunta y el ambiente es más desapacible”, explica Amanda Román, directora artística y encargada del diseño de la cinta de Juan Miguel Castillo. 

Ella también es licenciada en Bellas Artes y, para ese trabajo, bebió de fuentes como la pintura y el grabado: “Cogí de referencia Las pinturas azules de Picasso, donde también representa la pobreza con la delgadez de los personajes y los colores fríos”. Para recrear el piso donde viven la joven Rocío (Natalia de Molina) y su hijo, alquilaron uno en Jerez de la Frontera y, en base a las casas de familias humildes que Román pudo visitar, lo transformaron completamente. “Quitamos muebles nuevos de la cocina y pusimos otros viejos, los platos estaban rotos, las sartenes negras y los vasos eran de modelos diferentes”, relata.

Según avanza el personaje hacia el caos y la degradación, la diseñadora hacía lo propio con la vivienda: “Había más suciedad, más desorden, más pelusas. Le cortan el agua y eso se tiene que notar. Parece que hay poco trabajo de arte porque es deslucido, pero es casi más complejo que recrear un piso bonito”. También la dirección es un reto puesto que hay que encajar a todo el equipo en apenas 50 metros cuadrados.

Román colaboró con las organizaciones sin ánimo de lucro Madre coraje y Proyecto Hombre por abaratar costes y porque encajaba con el relato. “Juegas con una estética que no es nada preciosista. No es bonita. Pero lo bonito es trabajar en equipo y por una idea”, asegura. Algo parecido hizo Leonor Díaz con Espíritu sagrado. “Buscábamos casas obreras normales donde no hubiera llegado toda esta locura de Ikea, Airbnb y los millones de apliques absurdos”, cuenta la directora de arte de esta ciencia ficción kitsch.

La película se rodó y se ambientó en Elche, Alicante, y en viviendas tradicionales “con recuerdos de Benidorm, fotos de comuniones y figuritas de porcelana”. En Espíritu sagrado pudieron alquilar un piso que acababa de quedarse vacío por el fallecimiento de su dueño y estaba todavía lleno de sus recuerdos. “A mí me gusta que la casa haya vivido y que haya cosas en los cajones”, dice en contraste con la estética Instagram llena de luces de Navidad y de cuadros de Nueva York.

“Tuvimos que recrear el piso de una aparadora con la máquina de coser en el salón. Es una chica que trabaja 20 horas, cobra en negro y no tiene libros en la estantería, pero sí acetona o quitacallos”, dice Díaz sobre los detalles, a los que les presta una enorme atención. No critica que haya producciones que decidan reproducir casas grandes o nuevas, pero sí le “chirría” que las hagan pasar por viviendas de obreros.

“Te terminas haciendo preguntas que no deberías mientras ves la película”, comparte Manuel Bartual, historietista y director de la película de 2014 Todos tus secretos. “Yo personalmente prefiero ese tipo de cine, me resulta más fácil entrar”, dice sobre aquel que reproduce la realidad del día a día, sobre todo la que tiene que ver con la clase media o trabajadora.

“Todos tus secretos es una película de bajo presupuesto y no podíamos acceder a grandes palacios. La idea era reflejar dónde vivía la gente de una generación de treintañeros, que era la mía”, explica Bartual. A modo casi premonitorio, se desarrolla emulando una videollamada coral a través de nueve webcams. Los personajes muestran un rincón de su casa que, como ha ocurrido en la pandemia, ayuda a hacerse a la idea de cómo vive cada uno.

Aunque parezca sencillo, el equipo tuvo que trabajar en cada una de las estancias para que encajase con el guion. Desde la casa del que tiene más poder adquisitivo, hasta el que no sale de la oficina o el que está en apuros económicos. “Algunas las dejamos como estaban cuando las alquilamos, básicas con un sofá y una estantería de Ikea. Hay que pensar que han pasado casi diez años, aunque no creo que la vivienda haya cambiado mucho en Madrid, en todo caso ha ido a peor”, asume.

También comprende que “las películas que tienen un presupuesto mayor necesitan meter a más equipo”. Pero “con Friends no podías parar de pensar: ¿cómo puede vivir esa gente en esos pisos? Porque acercar mucho la ficción a tu mundo real, te genera más preguntas”, añade. La magia del cine también tiene ese peligro. Por eso Bartual prefiere aquellas que, aunque sean feístas, “están en consonancia con la realidad”.

MZM

Penélope Cruz, de 47 años, dijo que tiene una relación “extraña” con las redes sociales. “Las utilizo muy poco y de una manera muy cuidadosa”, comentó la actriz en una entrevista en el programa estadounidense de la CBS Sunday Morning. Tiene una cuenta en Instagram con casi seis millones de seguidores, pero dedicada sólo al ámbito profesional. “Hay algo que no tiene sentido y está afectando especialmente a las generaciones más jóvenes. Me siento muy mal por los que son adolescentes ahora. Es como si el mundo estuviera haciendo algún tipo de experimento con ellos. ‘Oh, veamos, ¿qué sucede si expones a un niño de 12 años a tanta tecnología?'”.

Y es que la relación actual entre esta tecnología y los menores no es un tema ajeno a la actriz. Cruz tiene dos hijos con el también actor Javier Bardem, Leo, de 10 años, y Luna, de 8, a quienes intenta educar en el uso racional de los dispositivos electrónicos evitando, por ejemplo, que tengan cuentas en redes sociales hasta que cumplan los 16 años o un teléfono móvil hasta que sean “mucho más mayores”. Unas medidas que hace que ella misma se denomine como “muy dura con la tecnología”. “Creo que esto es proteger la salud mental, pero parezco ser parte de una minoría”, reflexionó, al tiempo que explicó cómo sí permite que sus hijos vean de vez en cuando dibujos animados o películas. “¿Cómo no voy a dejar que vean películas? Me han dado momentos increíbles de felicidad desde que era una niña”, aseguró.

En su intervención, Cruz ha sido muy contundente en su opinión sobre la exposición de los jóvenes a las redes sociales y opinó que existe una “falta de protección”. “No hay protección para ellos, para los cerebros que aún se están desarrollando y cómo eso afecta a la forma en que se ven a sí mismos, como todo lo relacionado con el bullying, y tantas cosas que no son la infancia que tuvimos”, dice.

Mantener a los hijos apartados del universo digital es una práctica habitual entre los grandes directivos de empresas tecnológicas como Google, Microsoft y Apple. Tim Cook, director ejecutivo de esta última, afirmó en un acto del diario The Guardian, que, aunque no tiene descendientes, establece algunos límites a su sobrino de 12 años, al que no le deja utilizar las redes sociales. Su antecesor, Steve Jobs, también era partidario de las restricciones y, pese a haber sido una de las cabezas pensantes de algunos de los dispositivos electrónicos más vendidos del mundo en las últimas décadas, no tuvo reparos en reconocer que en su casa no entraba un ipad, que él mismo ideó.

NB

La actriz española Penélope Cruz ganó este sábado la Copa Volpi a la mejor actriz de la 78 edición del Festival de Cine de Venecia por su trabajo en Madres paralelas, de Pedro Almodóvar, convirtiéndose en la primera hispana en hacerlo.

La actriz afirmó que este premio es “cien por cien” de Almodóvar. “Te adoro”, dijo desde el escenario del Palacio del Cine del Lido. “Gracias por confiar en mi, por inspirarme en la búsqueda de la verdad fuera y dentro del set, por tu impecable trabajo ético, muy difícil de encontrar en estos días locos, por tu dedicación a los detalles, has creado magia de nuevo y estoy orgulloso de formar parte de ello”, señaló Cruz.

La actriz dedicó el premio a todo el reparto de la película, a su marido Javier Bardem, presente en la gala, a los hijos de ambos, Luna y Leo, y también a las “madres paralelas de su vida”: su madre Encarna, su “mejor maestra y amiga” y su suegra Pilar Bardem, fallecida recientemente y de quien dijo que hizo “mucho” por los actores y actrices españoles.

La madrileña competía por partida doble, ya que también participó, en sección oficial, en la comedia Competencia oficial, de los argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat.

Se trata no sólo de su primera Copa Volpi sino también de la primera vez que este premio va a parar a una actriz hispana. Antes que ella lo ganaron pesos pesados de la interpretación como Bette Davis, Vivien Leigh, Sophia Loren, Cate Blanchet, Tilda Swinton, Julianne Moore o Olivia Colman.

Ganadora de un Oscar

La actriz española más internacional y primera española ganadora de un Oscar por Vicky, Cristina, Barcelona (2008), de Woody Allen, recordó a su paso por esta edición de la Mostra que la primera vez que vino al festival fue con Jamón, jamón (1992), de Bigas Luna, quien ganó el León de Plata a la mejor dirección por esa obra.

Nominada otras dos veces al Oscar -por Volver (2006) y por el musical Nine (2009)- también tiene en su palmarés particular el premio a la mejor actriz del Festival de Cannes por Volver, en ese caso compartido con el resto de protagonistas femeninas del filme.

Actriz fetiche de Almodóvar, Cruz trabajó por primera vez con él en Carne trémula (1997) y desde entonces rodaron en total seis películas juntos. A las mencionadas se añaden Todo sobre mi madre (1999), Los abrazos rotos (2009), Dolor y gloria (2019) y una pequeña aparición en Los amantes pasajeros (2013).

En Madres paralelas, un filme que entrecruza el tema de la maternidad y la memoria histórica en España, Cruz da vida a Janis, una de las dos mujeres protagonistas -la otra es Milena Smit- que coinciden dando a luz a sus hijos en el hospital, lo que crea un nexo especial entre ellas.

Además Janis, fotógrafa profesional criada por su abuela, está empeñada en cumplir la última voluntad de esta y encontrar los restos del bisabuelo fusilado y enterrado en una cuneta al principio de la guerra.

El León de Oro para Audrey Diwan

L'événement (El acontecimiento), la película de Audrey Diwan que narra un aborto clandestino en la Francia de los sesenta, se alzó con el León de Oro.

El León de Plata Gran Premio del Jurado, segundo premio en importancia, fue para Paolo Sorrentino por È stata la mano di Dio (Fue la mano de Dios), su película más autobiográfica y por la que Filippo Scotti se llevó también el premio Marcello Mastroianni al mejor actor emergente.

La neozelandesa Jane Campion fue León de Plata a la mejor dirección por The power of the dog (El poder del perro) y el Premio Especial del Jurado fue asignado a Il buco, la cinta con la que el italiano Michelangelo Frammartino narra una exploración espeleológica en el remoto sur italiano en los sesenta.

La Copa Volpi al mejor actor fue para el filipino John Arcilla por On the Job: The missing 8, una historia basada en hechos reales sobre la represión a la prensa en su país.

El galardón a mejor guión lo recogió una emocionada Maggie Gyllenhaal por The lost daughter, adaptación de la novela La figlia oscura de Elena Ferrante, y ópera prima de la actriz como directora.

Por otro lado, en la sección Horizontes, la segunda en importancia del certamen, dedicada a las nuevas vanguardias, una de las ganadoras fue El gran movimiento del boliviano Kiro Russo, Premio Especial del Jurado.

El mejor film fue Pilgrims, de Laurynas Bareisa, de Lituania, y el mejor director Éric Gravel, por À plein temps, una cinta que también ha dado la Mejor Actriz de Horizontes, la francesa Laure Calamy, una de las protagonistas de la serie Call My Agent!

Y premio all mejor corto fue para Los huesos, de los chilenos Cristóbal León y Joaquín Cociña.

CRM con información de la agencia EFE