El 18 de mayo se celebra a nivel mundial el Día de los Museos. La creación de este día fue por iniciativa del Consejo Internacional de Museos (ICOM), en el año 1977.

En 2025, el Día Internacional de los Museos (DIM) explora “El futuro de los museos en comunidades en constante cambio”, centrándose en cómo los museos pueden navegar y contribuir a un mundo que experimenta profundos cambios sociales, tecnológicos y medioambientales. 

Los museos como catalizadores del cambio

Los museos son más que espacios de conservación: son participantes activos en la configuración de comunidades sostenibles e inclusivas. El tema de este año se alinea con tres Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS):

En 2024, el Día Internacional de los Museos registró más de 8000 eventos y más de 50 traducciones del póster oficial, lo que subraya el alcance global de esta iniciativa.

Son muchos los museos e instituciones culturales de todo el país que participan de esta iniciativa global. Este año, en Ciudad de Buenos Aires, el Ministerio de Cultura reagendó la conmemoración el sábado 17 de mayo, ya que los museos permanecerán cerrados el domingo 18 por las Elecciones Legislativas porteñas.

¿Qué podemos encontrar en un museo?

Un museo es una institución sin fines de lucro que ofrece exhibiciones, exposiciones y muestras para la educación y disfrute de sus visitantes, sobre la cultura, arte e historia de diversas partes del mundo. Se dedica a la investigación y conservación del patrimonio material e inmaterial de la humanidad.

El aporte de conocimientos de los museos es incalculable, contribuyendo a tener un mayor entendimiento de la identidad del resto de los países del mundo.

En los museos podemos conocer y aprender sobre diversos temas, interactuando con el arte, la historia, la ciencia y la cultura presentes en la muestra de piezas exhibiciones y exposiciones a disposición del público: pinturas, esculturas, fotografías, objetos, adelantos tecnológicos de cada periodo histórico y mucho más.

Es apto para todas las edades y sus instalaciones están acondicionadas para personas con limitaciones físicas y discapacidades visuales. El acceso al público es de bajo costo o gratuito, a excepción de algunas exhibiciones y exposiciones privadas.

Así, el Día Internacional de los Museos es una fecha ideal no sólo para visitar los museos de todo el mundo, sino para aprender sobre estas organizaciones sin fines de lucro, que ejercen el rol de guardianes para el acervo cultural de la humanidad.

MP

El gobierno británico informó el pasado sábado de que el cuadro Eneas y su familia huyendo de Troya en llamas, pintado en el siglo XVII por el maestro Henry Gibbs y que perteneció hasta la fecha a la colección del museo Tate Britain de Londres, será devuelto a los herederos de su legítimo propietario, el comerciante judío belga Samuel Hartveld, que lo perdió tras el expolio nazi de sus bienes, según informa la BBC.

La obra fue adquirida por el museo londinense en 1994 a la galería Jan de Maere de Bruselas, pero no se expone actualmente debido a la existencia en los últimos meses de una investigación sobre su origen por parte del Comité Asesor de Expoliación, un organismo independiente británico creado en el año 2000 para revisar las denuncias de robos nazis de arte. La misma se inicio a raíz de las reclamaciones de los herederos de Hartveld.

Tras comprobar que en efecto Eneas y su familia huyendo de Troya en llamas perteneció al comerciante de Amberes y que los nazis se apropiaron del lienzo al tomar la ciudad, y tras tener que salir Hartveld precipitadamente de Bélgica, el citado comité recomendó su devolución. Asegura el informe emitido que “la propiedad, la biblioteca y las pinturas de la pinacoteca fueron saqueadas en un acto de persecución racial”. El mismo considera como “obvios” los argumentos legales y morales para restituir la pintura a los bisnietos de Hartveld.

El fallo fue expuesto al ministro de Artes británico, Chris Bryant, que elogió la comisión por su empeño en “ayudar a reunir a las familias con sus posesiones más preciadas”. Seguidamente calificó la decision de devolver el cuadro de “correcta”. En este sentido, la ley británica permite la devolución de obras expoliadas por los nazis que sean propiedad de museos públicos británicos si así lo autoriza el ministro de Artes del gobierno vigente. No ocurre lo mismo con el arte reclamado por otros países con motivo del expolio colonial británico en tiempos del imperio.

El Pissarro del Thyssen, más cerca de su devolución

Un caso similar, pero sobre el que todavía no se tomó una decisión en firme, es el de la pintura Rue Saint-Honoré por la tarde. Efecto de lluvia, del pintor impresionista francés Camille Pissarro. Esta obra, actualmente propiedad del Estado Español a través de la colección del Museo Thyssen de Madrid, perteneció a la familia judía de industriales y mecenas alemanes Cassirer hasta la llegada al poder de los nazis.

En 1939, Lilly Cassirer, antes de escapar del país, se vio obligada a “vender” la obra a los jerarcas nazis a cambio de un pasaporte para poder salir de Alemania. La pintura terminó en manos del barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza en 1976, que lo compró en una galería de Nueva York y, en 1993, lo vendió a la Fundación Colección Thyssen-Bornemisza, propiedad del Estado.

El nieto de la mujer, el fotógrafo Claude Cassirer, descubrió expuesto el cuadro en el Museo Thyssen en Madrid en 1999. Pidió la devolución, pero le fue denegada y en 2005 inició una batalla legal en California. Tras varias instancias, en 2022 el Tribunal Supremo de EEUU dictó una resolución por la que dio marcha atrás, al resolver que a la obra se le debería haber aplicado la norma de conflicto de leyes de California.

Esta institución ordenó a los tribunales inferiores reabrir el caso para determinar qué derecho se debía aplicar: el derecho español, como se había hecho hasta el momento –y por el que la obra es propiedad del Thyssen–, o el de California, que, en caso de aplicarse, reconocería a los Cassirer como propietarios.

Hace unas semanas, el fallo dictado por un tribunal de apelación estadounidense, que confirmaba que un cuadro de Camille Pissarro robado por los nazis en Alemania en 1939 pertenece al Museo Thyssen-Bornemisza, fue anulado por el Tribunal Supremo de Estados Unidos. Este movimiento supone que el caso retorne al Tribunal de Apelaciones de California para que se tome una nueva decisión a la luz de la ley californiana. Según la misma, no se puede aplicar el derecho de un país extranjero para determinar quién es el legítimo propietario de una obra de arte.

En su mayoría con entrada libre y gratuita, distintos espacios culturales ubicados en la ciudad de Buenos Aires programaron para el verano actividades especiales para todas las edades.

A continuación, un repaso por tres de ellas, que se pueden realizar en el Planetario, en el Museo de Bellas Artes y en el Museo Moderno.

1. Telescopios. El Planetario porteño anunció que los sábados y los domingos de enero “al anochecer” saca 250 telescopios a su explanada para que los visitantes puedan hacer observaciones astronómicas.

“Se colocan telescopios para que los visitantes puedan redescubrir los astros destacados en cada fecha. Todos los sábados y domingos en la Plaza Astronómica del Planetario (Av. Sarmiento y Av. Alcorta, CABA). La actividad es sin costo, con un cupo de 250 personas y observación por orden de llegada. Se suspende por lluvia”, informaron desde la institución. 

Más información sobre los telescopios y sobre su uso, en este enlace.

2. Bellas Artes en verano. “El Museo Nacional de Bellas Artes presenta la agenda de actividades gratuitas programadas para el mes de enero, que incluye visitas guiadas por la colección permanente y las muestras temporarias, recorridos para familias, un taller para adolescentes y propuestas accesibles en Lengua de Señas Argentina (LSA)”, informó el Museo en un comunicado.

La institución anunció que quienes tengan ganas de conocer más sobre la muestra plástica Joaquín Torres García. Ensayo y convicción, dedicada al gran maestro uruguayo que continúa en exhibición hasta el 16 de marzo en el primer piso, habrá visitas guiadas los jueves, sábados y domingos de enero, a las 16.

Además recorridos en Lengua de Señas Argentina (LSA), destinados a la comunidad sorda, en la exposición de Torres García, el Bellas Artes anunció que estará disponible la visita participativa “Yo quiero construir”, pensada para llevar adelante en familia.

“Para disfrutar del Bellas Artes en familia, la visita participativa ”¡Yo quiero construir!“ propone un acercamiento a la obra de Torres García a través de la observación y el juego. La actividad se realiza los martes y jueves de enero, a las 17, y los sábados 11 y 25, y los domingos 12 y 26 del mes, siempre a las 17”, detallaron.

El Museo Nacional de Bellas Artes está ubicado en Av. del Libertador 1473, CABA. Permanece abierto de martes a viernes, de 11 a 19.30 y los sábados y domingos, de 10 a 19.30. Entrada libre y gratuita. Más información, en este enlace.

3. Lo que una ama. Dos tertulias técnicas a cargo de Lucía Seles. Una de las artistas más misteriosas, radicales y singulares de los últimos tiempos en la escena local ofrecerá en el auditorio del Museo Moderno (San Juan 350, CABA) un recorrido por su proceso creativo. En dos encuentros y a partir de distintas dinámicas y ejercicios de tipo experimental, la cineasta, dramaturga y performer “compartirá con los asistentes algunas de las técnicas e inspiraciones que definen su estética”, informaron desde la institución. Las presentaciones de Seles serán los jueves 23 y 30 de enero, de 17 a 19. Están orientadas a participantes mayores de 16 años y quienes estén interesados deberán inscribirse en este enlace.

Esta actividad forma parte de “Destellos de otro mundo”, la programación especialmente pensada por el museo para enero y febrero Según anticiparon, habrá en todo el verano “numerosas propuestas de verano para niños, adolescentes y familias que harán del Museo un espacio de disfrute y aprendizaje”. 

Las actividades son sin costo, aunque la institución cobra una entrada de 2500 pesos a los residentes en Argentina. Estudiantes, docentes, jubilados, personas con discapacidad, menores de 12 años y aquellos que tengan el Pase Cultural porteño pueden entrar de manera gratuita. Más detalles, en este enlace.

AL/JJD

Manuel Boja-Villel ha sido acaso el hombre más poderoso del arte moderno en España en lo que va de siglo XXI. Tras pasar por la dirección de la Fundació Tàpies, entre 1990 y 1998, dio el salto al Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), donde estuvo al mando hasta 2007.

En enero de 2008 estrenó una nueva etapa al frente del Museo Reina Sofía de Madrid, sin duda el mayor centro de arte del siglo XX en España. Permaneció en el cargo hasta diciembre de 2023, cuando salió renunciando a una eventual renovación entre opiniones polarizadas sobre su gestión, si bien con el respaldo de más de mil artistas e intelectuales.

Regresó entonces a Cataluña como máximo asesor museístico de la Generalitat (Gobierno de Cataluña), no sin suscitar de nuevo cierta polémica sobre el alcance de sus atribuciones. Su misión en el nuevo cargo es repensar la función social y la estructura que actualmente tienen los museos en Cataluña, una reflexión que se hace extensible a toda España e incluso al ámbito internacional, donde Borja-Villel es ampliamente reconocido y respetado.

Como primer gran hito de esta nueva etapa, ha organizado recientemente las jornadas Museu Habitat (Museo Habitado), en las que un grupo de expertas y expertos en museografía ha debatido, junto a artistas y activistas culturales de todo el mundo, sobre cómo actualizar los museos a las actuales conversaciones, que implican hablar de clase, raza o género entre otras cuestiones.

¿Cómo explicaríamos los objetivos de las jornadas Museu Habitat?

Los museos han evolucionado siempre: han sido palacios, ha sido aulas, han sido enciclopedias; también cubos blancos, caja negras, etc. No son algo estático, sino que van mutando al igual que muta la sociedad. El concepto de museo que tenemos actualmente empezó básicamente en los siglos XV y XVI y desde entonces no ha parado de evolucionar. Y en este contexto de continua mutación, es fundamental preguntarse cuál es la función del museo en estos momentos. ¿Qué tipo de museos queremos para el siglo XXI en adelante? ¿A quién deben servir y por qué? Todas estas preguntas han sido expuestas en las jornadas con unos resultados muy prometedores.

Pero muchos de los museos españoles más importantes, exceptuando el Prado, se conforman ya bien entrado el siglo XX, incluso en democracia. ¿Es tan necesario repensarlos?

Es cierto que el sistema de museos catalán, y el español en general, empieza a estructurarse a finales de la década de los 80. El Reina Sofía es del 86 y en los 90 en Barcelona aparece la Fundació Tàpies; el MACBA surge en el 95 y la idea del MNAC se estructura también a principios de los 90. Si miramos a esa época veremos que es la época de Thatcher, cuando parecía que no había alternativa al capitalismo.

Es también el tiempo del 'fin de la Historia' que postuló Francis Fukuyama, de la caída del muro de Berlín y el fin del bloque soviético; un tiempo que parecía que no iba a cambiar más, que duraría toda la eternidad. Pero con la entrada en el siglo XXI llegaron primero los atentados a las Torres Gemelas en 2001, también la bestial crisis de 2008 y luego la pandemia, la guerra de Ucrania, etc...

La extrema derecha ha leído mucho a Gramsci y sabe que para consolidar el poder hay que ganar la batalla cultural

Manuel Borja-Villel

Es decir que hemos pasado a un tiempo inseguro y muy cambiante, donde, además, en el ámbito social se han producido grandes cambios de paradigma sobre el género, con teorías como la queer, sobre el feminismo, sobre la descolonización gracias al pensamiento diaspórico indigenista; sobre ecologismo o sobre especismo, etc. Y los museos españoles no pueden ser ajenos a estos cambios, porque al fin y al cabo pertenecen a la sociedad, que es quien paga para mantenerlos.

¿No adolecen los museos clásicos, pensando en pinacotecas como el Prado o el Louvre, pero también en otros como el British Museum e incluso en algunos de arte moderno, de una descontextualización de lo que exhiben, como si fuera un arte muerto y desligado del significante que motivó al artista?

Totalmente. De hecho, su relato sigue esta historia lineal que empieza en Egipto, luego sigue en Grecia, pasa por Roma y acaba en nuestra civilización... Acaba en Europa o Estados Unidos o lo que sea. No han variado su relato, que es exclusivo de Occidente sin tener en cuenta el que podrían aportar otras culturas. Esto ocurre porque la idea de progreso occidental es una cosa lineal, evolutiva, darwiniana, que les obliga a crear ficciones, historias inventadas.

Por ejemplo, cuando Gauguin va a Tahití y pinta a las nativas, en su momento resulta lo más avanzado. Pero esas obras contemporáneas rompieron los esquemas en los museos de entonces, ya que fueron consideradas como si estuvieran en la prehistoria, dado que su estilo no se correspondía con la evolución de la pintura occidental. No tenían cabida en su discurso lineal.

¿Podríamos decir que los museos, que antaño fueron instrumentos de demostración de riqueza y poder de los imperios coloniales, actualmente son el invitado incómodo a la conversación social actual? Lo digo porque el contenido de sus colecciones muchas veces delata situaciones vergonzantes de expolio, de esclavitud, racismo o incluso violencia sexual...

En las jornadas se ha tratado el tema del expolio y, por ejemplo, en el caso de las estatuas moái de la isla de Pascua, hay quien ha argumentado que si no hubieran sido sustraídas no las vería nadie. En cambio, gracias a que están en París o en Londres, las podemos ver. Eso es cierto, pero no debemos confundir el mensaje: están en nuestros museos por una cuestión de poder de quien las sustrajo, no para que las vea la gente.

En España el tema de las obras expoliadas no nos afecta tan directamente, si exceptuamos el tema del tesoro de los Quimbayas, pero sí lo hace el del origen, muchas veces oscuro, de las fortunas que pudieron adquirir las obras para nuestros museos. ¿De dónde salió oro para comprarlas? ¿Cuántas vidas costó ese oro? Hablamos de la colonización americana, del tráfico de esclavos, de la explotación en Marruecos, de Filipinas, etc. Debemos introducir la visión de los cubanos, los filipinos, los rifeños en nuestros museos para completar un relato que ahora es totalmente sesgado.

¿Usted es partidario de la restitución del patrimonio artístico expoliado por Inglaterra o Francia a Egipto, Grecia u otros países?

Bueno, es que lo robaron; es que es de cajón. Eso ya no debería cuestionarse. Estos países tienen además un discurso para no restituirlo que está lleno de falacias, como que nosotros hemos cuidado su patrimonio porque ellos estaban en guerra... Pero, ¿quién provocó esas guerras? O bien argumentan que la restitución vaciaría los museos. Ahora bien, después nos enteramos de que sus museos muestran, con suerte, el 10% de sus colecciones, el resto está guardado y no se muestra... 

Debemos introducir la visión de los cubanos, los filipinos, los rifeños en nuestros museos para completar un relato que ahora es totalmente sesgado.

Manuel Boja-Villel

Es un debate falso. Lo que sería más problemático para estos museos sería tener que restituir el busto de Nefertiti, porque atrae muchos visitantes... Pero ahí estamos hablando ya no de cultura, sino de dinero. Por decirlo de un modo gráfico: dicen que hablan de amor pero la cuestión de fondo es el sexo.

Hablemos de los museos y su relación con el entorno. Tenemos en Barcelona el MACBA y el CCCB en un entorno en riesgo permanente de exclusión como es el Raval; al MNAC o la Fundació Miró en una colina que es un jardín separado de la ciudad y el Picasso, en plena zona turística. ¿Cómo abrirlos a la gente que los rodea pero no los habita?

Antes de plantearse estos temas habría que hablar de desinstitucionalizar los museos, porque si no eliminamos la estructura institucional será difícil que se abran. Te daré un ejemplo: cuando era director del Reina Sofía, durante la pandemia tuvimos una petición de ayudar al barrio de Lavapiés, que es vecino del museo.

Habría que hablar de desinstitucionalizar los museos, porque si no eliminamos su estructura institucional será difícil que se abran a los nuevos tiempos

Manuel Borja-Villel

Se trataba de dejar que en parte de los 60.000 metros cuadrados del museo se constituyera un comedor social para gente necesitada, afectada por la imposibilidad de trabajar durante el encierro. Obviamente, no fue posible dada la estructura institucional del museo. Yo creo que una de las funciones que deben tener los museos con la sociedad, que además es su propietaria, es la solidaridad.

¿Quizás haría falta eliminar las grandes sedes monumentales como hogar de las colecciones?

Bastaría con sacar todo lo que tienen en los sótanos y llevarlo a nuevas sedes, sin tocar las colecciones principales. Hay un tema aquí directamente conectado, y es la actividad colaborativa de los grandes museos con otros más pequeños, de localidades menores. Debe haber en este sentido una mayor colaboración, una cesión de obra para exposiciones, por ejemplo.

Ahora que la extrema derecha podría llegar al poder incluso en España, ¿no deberían ser los museos una especie de monasterios para guardar el pensamiento democrático a buen recaudo?

En cierto modo sí, pero no pensando en un saber o un arte escondido, sino para compartir, porque los museos deben servir para compartir y para aprender, también el pensamiento democrático. Porque la extrema derecha, no nos engañemos, ha leído mucho a Gramsci y sabe que para consolidar el poder hay que ganar la batalla cultural. Y desde luego que la van a dar, porque lo que nosotros proponemos para actualizar los museos es justamente todo lo que ellos odian.

DM

Con actividades gratuitas y en muchos casos una programación especial, tendrá lugar en Buenos Aires la Noche de los Museos 2024, que comenzará el sábado 9 de noviembre, a partir de las 19 y se extenderá hasta la madrugada del domingo 10. Más de doscientos espacios, entre museos, edificios emblemáticos, entidades educativas y centros culturales abrirán sus puertas para recibir al público.

Se trata de la vigésima edición de uno de los eventos culturales más grandes de la agenda porteña donde tanto los espacios locales como los que dependen del Estado nacional y algunos privados permanecen abiertos de noche para que el público pueda visitar gratis sus exhibiciones y disfrutar de múltiples actividades.

“Distribuidos por toda Buenos Aires, habrá más de 250 espacios culturales para que vecinos y turistas puedan disfrutar de propuestas únicas, con exhibiciones que convertirán a la Ciudad en un gran escenario de disfrute cultural, tanto dentro como fuera de los espacios habituales. Habrá actividades varias como talleres creativos, visitas guiadas, shows, espacios lúdicos e interactivos, intervenciones artísticas y mucho más”, informó el Ministerio de Cultura porteño en un comunicado.

Además, la cartera confirmó que habrá algunos medios de transporte que serán gratuitos durante la Noche de los Museos. Para eso será necesario descargar en el llamado “Boti” porteño un pase.

“Los transportes se suman a esta gran noche para que el público pueda trasladarse por toda la Ciudad. Vecinos y turistas van a poder acercarse en subtes (todas las líneas y el premetro desde las 18 hasta las 23) y colectivos, de manera gratuita, mostrando el 'pase libre' que se descarga de BOTI”, informaron.

Según el ministerio porteño, las líneas de colectivos participantes (de 18 a 3 h) serán las siguientes: 1, 4, 6, 7, 8, 9, 10, 12, 17, 20, 21, 22, 23, 24, 25, 26, 28, 31, 32, 34, 39, 41, 42, 44, 47, 50, 51, 55, 56, 57, 60, 63, 64, 65, 67, 68 ,71, 74, 75, 76, 78, 79, 84, 85, 87, 90, 91, 92, 98, 99, 100, 101, 102, 103, 106, 107, 108, 109, 110, 111, 113, 115, 117, 118, 127, 128, 130, 132, 134, 135, 136, 146, 150, 151, 152, 158, 161, 163, 164, 168, 169, 177, 178, 182 y 188.

“Para utilizar el servicio de Ecobici, el nombre del pase será Noche de los Museos, contando con cuatro viajes de hasta 45 minutos cada uno. Este pase tiene validez el día 9 de noviembre desde las 18 hasta las 3 del día siguiente. Para acceder a este beneficio, los usuarios deberán tener el pase libre que podrán descargarlo de BOTI, o de la página Festivales BA”, afirmaron.

Una de las entidades que abrirá sus puertas durante toda la noche será el Museo Nacional de Bellas Artes.

“Desde las 20, con entrada gratuita, habrá actividades para descubrir las grandes obras exhibidas de la colección, disfrutar del arte en familia o recorrer las muestras temporarias ‘Horacio Zabala. El efecto Piranesi’ y ‘Nate Lowman | Auguste Rodin’”, informó la institución en su cuenta de Instagram.

El Museo Moderno, del barrio porteño de San Telmo, será otro de los participantes. Allí se presentará, según adelantaron desde Cultura BA, “El Aprendizaje Infinito. Arte es educación”. Se trata de una exposición “que indaga en las relaciones entre arte y educación y se centra en las experiencias desarrolladas en la Argentina entre los siglos XX y XXI”. También se podrán recorrer “Moderno y Metamoderno, obra que se despliega en tres grandes salas del Moderno, pone de relieve las importantes colecciones que conforman el patrimonio del museo y permite visualizar su crecimiento y sus procesos de investigación, materializados en exposiciones, publicaciones y acciones a lo largo de sus 68 años de existencia y Alberto Passolini: Soñar a borbotones, un gran mural del hall es una invitación a reflexionar sobre historias existentes y a imaginar nuevas historias a través del dibujo”.

El Museo de Arte Decorativo, en tanto, adelantó que se sumará al evento, como parte del circuito de museos de la Avenida del Libertador. “Además de la Colección Permanente se podrá visitar la exposición Puccini y la Argentina organizada por el Instituto Italiano de Cultura”, informaron y también anunciaron que estará disponible en la sala de exposiciones temporarias la muestra Arte, Diseño y Modernidad del artista plástico Ary Brizzi. En el jardín del museo, además, habrá una puesta de mapping y musicalización a lo largo de la jornada.

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, ubicado en Palermo, tendrá actividades en el exterior del edificio dado que se encuentra en refacciones. Se anunciaron, entre otras cosas, una suelta de libros, intervenciones en la fachada, talleres artísticos, instalaciones interactivas y shows musicales al aire libre.

AL

La Noche de los Museos 2024 tendrá lugar en Buenos Aires en más de 200 instituciones culturales el sábado 9 de noviembre a partir de las 19. Todos los espacios participantes y las actividades programadas en cada uno de ellos se encuentran en este enlace.

Octubre que me encuentra en Argentina, finalmente me veo cara a cara con las luchas en las que vengo involucrándome de manera virtual, siempre atenta a cómo poder ayudar a distancia, preocupada por las políticas de gobierno que están desmembrando sistemáticamente a nuestra sociedad. Hoy quisiera dedicarle ésta columna a la lucha de lxs trabajadorxs del que hasta hace muy pocas semanas era el Museo Nacional de la Historia del Traje, un espacio que para mí representa la protección de la memoria nacional en el vestuario argentino.

La historia de esta lucha (que aún sigue vigente) se desarrolló durante todo el mes. En los primeros días, luego de que fuera publicado el decreto que dispuso el cierre del museo, lxs trabajadorxs se organizaron y, desde una cuenta asociada y preexistente con la que contaban —muy pronto les sacaron el acceso a su cuenta oficial—, comunicaron y pidieron apoyo a la comunidad para impedir el cierre. Desde aquel momento, se adentraron en un estado constante de incertidumbre al que resistieron, teniendo que, a su vez, desmentir los datos falsos que el Gobierno utilizó en sus comunicados y discursos para justificar la decisión intempestiva. 

Hubo una instancia en el desarrollo de este proceso que incluso implicó la posible pérdida del acervo entero del Museo. Lxs trabajadorxs unidxs y recibiendo el apoyo de distintxs artistas, diseñadorxs y actorxs (entre otrxs) fueron quienes lograron que actualmente las más de 9.000 piezas de indumentaria (que datan desde el siglo XVIII hasta el día de hoy), la bibliografía, fotografías y cada uno de los objetos catalogados, se conserven bajo el nombre de “colección”, y puedan así, al menos, continuar siendo preservados de una manera profesional y abierta al público, siendo anexo del Museo Histórico Nacional. 

No dejo de ver el desinterés por nuestra propia cultura y cómo cada cierre de espacios históricos y al servicio de la comunidad es un nuevo golpe, tanto hacia el propio sector como hacia sectores que, por contexto, también se ven afectados. En este caso, el cierre del Museo Nacional de la Historia del Traje deja sin una cierta estructura de formación a estudiantes de carreras universitarias y diplomaturas que se relacionan con el mundo de la indumentaria. No hay un golpe que no resuene. 

Como históricamente hicieron y hacen lxs estudiantes al tomar las escuelas y universidades, lxs trabajdorxs del Museo Nacional del Traje tuvieron clara su conexión con su espacio desde el día uno: desde adentro, unifican sus actividades culturales en agenda con la más amorosa resistencia.

Sumate a su lucha a través de su cuenta de Instagram y en X (@apoyoMHT), y asistiendo a las distintas acciones que continúan organizando.

MBC/SN/DTC

Tres activistas de la organización ecologista británica Just Stop Oil volvieron a tirar sopa este viernes sobre dos pinturas del holandés Vincent Van Gogh en la National Gallery de Londres, poco después de que dos activistas fueran condenadas a cárcel por vandalizar 'Los Girasoles' de la misma forma en octubre de 2022.

Lo confirmó la propia organización medioambiental en su cuenta de X (antes Twitter), junto a un video en el que aparecían tres activistas en la exposición dedicada a Van Gogh en el museo londinense, lanzando sopa de tomate a dos de las pinturas y dirigiéndose a la multitud a gritos.

“Hay gente en prisión por pedir el fin de nuevos (proyectos de) gas y petróleo”, gritaron los activistas, en referencia a sus compañeras Phoebe Plummer, de 23 años, y Anna Holland, de 22, sentenciadas este viernes en el tribunal londinense de Southwark.

Las dos ecoactivistas recibieron penas de dos años y veinte meses de cárcel, respectivamente, por causar daños al marco dorado del cuadro de 'Los Girasoles', por valor de 10.000 libras (casi 12.000 euros).

Los tres fueron detenidos

Por su parte, la National Gallery informó en un comunicado de que los tres activistas fueron detenidos y que las pinturas vandalizadas, otras dos de la serie de 'Los Girasoles', de 1888 y 1889 respectivamente, permanecen sin daños.

“Las obras han sido retiradas de la exposición y examinadas por un restaurador y están intactas. Esperamos poder reabrir la muestra lo antes posible”, escribió el museo londinense.

En octubre de 2022, Plummer y Holland, que llevaban camisetas de Just Stop Oil, arrojaron el contenido de dos latas de sopa de tomate Heinz sobre la obra de 1888, antes de arrodillarse frente a ella y pegar sus manos a la pared.

Aunque el óleo no se manchó al estar protegido por un cristal, sí se estropeó el marco, que el museo había comprado en 1999 por 28.000 libras (33.500 euros).

Al pronunciar su sentencia, el juez Christopher Hehir afirmó que a las activistas “no pudo importarles menos si el cuadro se dañaba o no” y lamentó que hubiera podido perderse un “tesoro de la cultura”.

“El museo no es un escenario neutro, genera una política de la memoria”. Todos, sin excepción. Alberguen las obras que alberguen, sean de la época que sean, tengan la envergadura que tengan. Pinturas, esculturas, tapices, fotografías, joyas. No importa el material de las piezas. Ninguna pasa en balde a ojos del público. Ni tampoco de sus mentes e incluso corazones. Las galerías son espacios que funcionan como universos a explorar, reconocer, identificar, entender, acercarse o incluso alejarse. Por ello, cada decisión sobre qué y cómo se expone es tan relevante.

De ahí a que cuando el ministro de Cultura de España, Ernest Urtasun, anunció a principios de año su compromiso para descolonizar las pinacotecas estatales, su mensaje no pasó, ni mucho menos, desapercibido. Tranquilizó a muchos, levantó ampollas en tantos otros, generó curiosidad y está llamado a abrir muchos ojos. Por ahora el único paso que se conoce públicamente que dio es anunciar la creación de dos comités asesores que elaborarán el informe técnico que servirá de guía para la renovación del Museo de América y el Nacional de Antropología. También está en el aire saber qué pasará con el Tesoro de los Quimbayas, albergado en el primero, cuya devolución fue reclamada formalmente por Colombia el pasado mes de mayo.

El caso español no es aislado. Este es uno de los grandes debates que lleva fraguándose a nivel global desde hace años, porque no hay una fórmula desarrollada para llevar este proceso a cabo, pese a lo necesario que es. En España, una de las muestras más recientes es la valiosa exposición La memoria colonial del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, que propone una nueva mirada al catálogo del centro que rompe con el paradigma eurocéntrico, patriarcal y supremacista blanco que conformó –y sigue alimentando– el imaginario colectivo. Este es un ejemplo de lo que se puede hacer que, como explica la comisaria y profesora agregada de la Universitat Oberta de Catalunya María Iñigo, “es mucho”. “Es un proceso abierto del que todo el mundo está aprendiendo, desde nosotros a los comisarios indígenas”, comenta.

Junto a ella y a la historiadora y comisaria ecuatoriana Malena Bedoya recorremos el Museo de América para entender en qué se podría materializar la descolonización y ampliar las miras hacia qué se puede –y debe– pedir a las pinacotecas. “El museo no es un espacio donde tengas que sentir: '¡Oh, qué lindo!'. Es un espacio de conflictos, de tensiones, de pensar”, defiende la segunda. La institución, localizada en Madrid, cuenta con tres plantas flanqueadas por un monumental edificio situado al lado de la Universidad Complutense, bien cerca de la comunidad educativa.

La galería está dividida a su vez en salas en las que se abordan diferentes temáticas como 'La sociedad', 'La Realidad Americana', 'La Religión' y 'La Comunicación'. Las expertas comentan que esta división ya es en sí relevante y clave por cómo arma la narrativa del recorrido. La primera parada es el área 'El conocimiento de América', donde María Iñigo repara en un cocar indígena, expuesto en una de las vitrinas. “Se podría hablar del pueblo indígena brasileño Karaká al que pertenece, hacer un repaso histórico de sus luchas, de la situación política actual en cuestión de demarcación de tierras, la violencia de la que es víctima en su día a día, así como explicar cómo fue adquirido ese cocar, invitar a miembros de su comunidad para que puedan conocer los objetos que hay en el archivo, establecer un vínculo y colaboración con la comunidad”, propone, considerando escasa la escueta descripción que lo acompaña.

“Una de las grandes reivindicaciones que se hacen es que los pueblos se presentan como extintos cuando están vivos y luchando por mantener sus culturas”, comparte la profesora, “y que más allá de mostrar los objetos y una ficha técnica se reivindiquen los saberes”. El Museo de América, que dirige Andrés Gutiérrez, cambió el pasado mes de abril 200 cartelas para actualizar la narrativa que acompaña al catálogo. En su visita a la institución, Urtasun identificó como “anomalía” que “en 2024 aún se utilizaran palabras como 'indio' o 'mulato', en vez de utilizar el nombre y apellidos de las personas retratadas, o hablar de pueblos indígenas”.

De hecho, hay quienes se niegan a identificarse con el concepto indígena, como es el pueblo Shuar en Ecuador del que hay varias piezas en el centro. Las expertas consideran que, aunque haya sido positivo, el trabajo no debe quedarse ahí: “Esto es algo integral. Este espacio es gigantesco, hay que ir a los guiones, el programa educativo, el vínculo con la comunidad”.

Los mapas son uno de los grandes protagonistas del catálogo. Uno de ellos está expuesto en la zona dedicada a la ciencia. En ella hay instrumentos pero, para María Iñigo, falta contexto: “Se alinea con el conocimiento, pero aquí no está ni la dominación ni la colonización ni la violencia ni el genocidio ni nada. Y ahora ya se puede explicitar que los mapas eran una forma de cartografiar el terreno, para poder apropiarse de él y explotarlo”. “Esto también incluía a los indígenas a los que se presentaban en un estado natural –no civilizado– , y de esa manera se podía negar todo acceso a unos derechos civiles y a la política”, añade.

Desromantizar la colonización

Para ampliar el foco sobre la sala 'América entre mito y realidad', donde la profesora aplaude que enseñe la forma en la que “los seres humanos que se encontraban en América Latina se mostraban como si fuesen monstruosos”; agrega que habría que explicitar “por qué esta deshumanización de quienes estaban allí contribuyó a permitir y legitimar la colonización, cómo las representaciones fueron una tecnología que ayudó a la dominación”. “El dispositivo ya está hecho en el museo, solo habría que hablar de cómo la deshumanización ha sido una herramienta fundamental para la explotación y el exterminio”, insiste.

La comisaria española repara en otros óleos expuestos como Conquista de México. Recibimiento de Moctezuma, que data de 1698, y que forma parte de un conjunto de 24 tablas que representan la comitiva formada por el líder y sus nobles, para ir al encuentro con Hernán Cortés en su llegada a la ciudad de México-Tenochtitlán, la capital azteca. “Sería interesante explicitar cómo se ha explicado la colonización a través de estas pinturas que la han romantizado”, pide la profesora.

Al avanzar en el recorrido, las expertas reparan en la importancia de cómo se combinan los elementos que van copando las salas, dado que puede ser que ocurra que se mezclen aquellos que para los pueblos a los que pertenecen no deberían estar juntos o en la posición equivocada. “Imaginémonos qué efecto causaría en nosotros si nuestros objetos religiosos se expusieran boca abajo, ¿no nos parecería una falta de respeto?”, cuestiona María Iñigo. “Siempre me pregunto si es necesario mostrarlo todo. Y por qué deberíamos hacerlo”, plantea Malena Bedoya, “hay una relación afectiva desde ciertas maneras en las que se enseña la historia con determinados patrimonios que también es interesante ver”.

La suspensión del tiempo

Una de las salas del museo está decorada como si se tratara de un gabinete de coleccionismo de época. “Esta instalación es un interesante documento con el que trabajar para mostrar las complicidades entre las ciencias y la colonización. Por ejemplo, para cuestionar cómo se crea una temporalidad suspendida en la que no hay una narración histórica. De esa manera, ni se habla de dominación ni de resistencia ni de la historia política o desposesión”, reflexiona María Iñigo, “esta idea de clasificación funciona como estrategia de ocultamiento y la descontextualización y atemporalización ayudan a evitar hablar de la historia colonial, de una historia del sufrimiento”.

“Esta especie de temporalidad suspendida fue muy típica de la antropología en el pasado, pero muchos museos la mantienen, por eso es muy importante interrogar cómo se dio esta complicidad entre la ciencia y colonización; mucho más teniendo en cuenta que la organización actual del Museo de América se basa en el conocimiento científico, y que está situada dentro del conjunto universitario”, subraya. Malena Bedoya suma que “esta percepción del tiempo que está contenido implica que cuando visitas el museo, lo que haces es reafirmarte sobre esa lejanía”.

El Museo de América contiene varias pinturas de castas. “¿Por qué estos cuadros no están en el Prado? ¿Son peores? Al aislar las obras y crear una especie de convivencia de objetos raros, se crea una jerarquía entre lo producido en América Latina y lo que está en el Prado, como si esto no fuesen buenas obras de arte”, plantea María Iñigo, que por ello propone como estrategia “trasladar obras allí y tratarlas con la misma consideración y valía”.

Eso sí, uno de los principales reclamos de la colección del Museo de América es el Tesoro de los Quimbayas, una joya compuesta por 121 piezas doradas que el entonces presidente colombiano Carlos Holguín regaló a finales del siglo XIX a la reina María Cristina; en agradecimiento por haber intercedido en un conflicto fronterizo entre su país y Venezuela. El obsequio no estuvo exento de polémica, dado que Holguín lo entregó a España sin contar con la autorización del Congreso de Colombia. El ministro de Cultura del país, Juan David Correa, realizó una petición formal pidiendo su devolución en mayo. Se desconoce en qué punto están las negociaciones y no existe mención al respecto en el centro madrileño que todavía lo expone.

Situada frente a la imponente vitrina que lo alberga, María Iñigo recuerda que existe “una cultura del expolio” que permite reducir la información proporcionada a que fue un regalo o, en el caso de otros tesoros, “compras legales”. 

Malena Bedoya apunta que “en las relaciones humanas y sociales hay otras cosas que están mediando. Como por qué ciertas diplomacias se creían capaces, como es el caso de Quimbaya, de tomar objetos de determinados lugares para venderlos, fundirlos. De esto no ese habla porque son las mismas élites de poder que se repiten”. La comisaria y profesora española invita a “entender el expolio local”, dado que “gran parte de los expoliadores locales, los huaqueros, trabajaban para los científicos europeos”.

Decidir cómo ser representado

Tener en cuenta la opinión de los pueblos y nacionalidades indígenas negras es una de las grandes claves para las expertas. “Dónde queda la comunidad y lo que se dice. Aquí te encuentras una forma de representar este pasado pero la gente que está y es parte de ese pasado no está diciendo cómo quiere ser representado”, argumenta Malena Bedoya.

La reflexión en torno a la descolonización de los museos está abierta y es muy amplia. María Iñigo declara que “apoyar las luchas políticas que están reivindicando” estos pueblos es fundamental: “Si muestras piezas indígenas, muestra las luchas y apóyalas. Para eso no hace falta ni remodelar la colección. Si no se explicitan sus problemas reales y actuales, estás separando la cultura material de un pueblo de sus productores, como si estos valiesen menos que lo que los objetos que producen”.

Dónde queda la comunidad y lo que se dice. Aquí te encuentras una forma de representar este pasado pero la gente que está y es parte de ese pasado no está diciendo cómo quiere ser representado

Malena Bedoya — Historiadora y comisaria

Ambas debaten sobre qué hacer con aquellos objetos que contengan racismo. “Si vuelves a mostrarlos, ¿no estás de nuevo reforzando lo mismo que quieres borrar? ¿Cómo se puede trabajar con los registros que son difíciles?”, se preguntan haciendo alusión a representaciones del “negro violento, el indígena vago o melancólico y mujeres hipersexualizadas”. Para explicarlos, Malena Bedoya defiende como necesaria “una mediación que pasa por un trabajo museográfico que permita al visitante construir una visita distinta de estas obras a que si las pones 'en seco'”.

En referencia al racismo, la historiadora ecuatoriana sostiene que lo primero que hay que hacer es nombrarlo. “Dentro de él operan muchas cosas: la vergüenza, el dolor, el resentimiento, el duelo. Pero a la larga, no puedes negar que estas cosas están ahí. La responsabilidad del museo sería ver cómo hacer que se vea de esta manera o se interprete de otra. ¿Quién cuenta la historia y cómo lo hace? Que al menos haya un disclaimer [advertencia]”, propone, “aquí hay cosas que quizás sean ofensivas para ciertos públicos, o quizás no ofensivas, pero que hemos naturalizado verlas así”.

“El museo es una herramienta excelente para iniciar estos diálogos, para aprender a desaprender una forma de mirar”, comenta, “el museo es un espacio de institucionalización de discursos. Todo lo que empiece a nombrar, explicar y tratar de deshacer, la sociedad lo va a notar”.

Ambas expertas comparten la misma postura, tras recorrer y reflexionar en torno al Museo de América, pero invitan a realizar el mismo ejercicio en otros centros como el citado Museo del Prado, el Museo del Traje, el Museo Nacional de Ciencias, el de Antropología y el del Romanticismo dentro de un largo y nutrido etcétera, que debería pasar por abarcarlos a todos. Y que todo aquello que se comience a llevar a cabo sea con la perspectiva de sostenerse en el tiempo, con apoyo presupuestario, personal diverso y especializado, que incluya a las comunidades migrantes de las ciudades. Solo así se podrá garantizar que estas prácticas no queden relegadas a lo anecdótico, y que lleven implícita la palabra permanente.

LGH/CRM

En este episodio nos vamos a preguntar con qué lógica funcionan, cómo se ha ido modificando su rol en el tiempo y qué desafíos les esperan en el futuro.

Para conversar sobre estos interrogantes recibimos a Gabriel Di Meglio, quien fuera director del museo del Cabildo y la Revolución de Mayo y que actualmente se desempeña como director del Museo Histórico Nacional.

Conducción: Alejandro M. Rabinovich

Edición y producción de sonido: Ian Gutiérrez y Martín Shindell

HistoriAr es un podcast creado y producido por la Asociación Argentina de Investigadores en Historia (AsAIH). Cada episodio aborda un tema específico de historia argentina, latinoamericana o mundial.

AsAIH

“No podemos pensar el futuro sin pensar en el pasado que ha sido borrado”. Silenciado, sustituido, dejado fuera del foco. El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid se propuso cambiar y ampliar el relato con su exposición La memoria colonial, que propone una nueva mirada al catálogo de la pinacoteca que rompe con el paradigma eurocéntrico, patriarcal y supremacista blanco que conformó –y sigue alimentando– el imaginario colectivo. La exhibición funciona como una nueva lente que ponerse para cambiar la manera en la que vemos el mundo, y poder así entender el presente.

Un presente en el que el colonialismo no solo expandió sus tentáculos en la pintura. Yeison García, uno de los comisarios del proyecto, pone como ejemplo lo ocurrido con la selección española de fútbol en su reciente victoria en la Eurocopa: “El racismo que habido contra Lamine Yamal y Nico Williams no es una cosa de ahora, es una construcción que lleva siglos inventando nuestro imaginario y nuestra identidad nacional como estado español”.

El director del centro cultural Espacio Afro alude también al concepto de amnesia colonial de Claudia Claremi para explicar una de las teorías de las que bebe la muestra: “Que no nos demos cuenta de las huellas que hay en el imaginario español sobre el pasado colonial se debe a una producción de amnesia colectiva que nos impide reconocerla. Hasta que no haya un planteamiento que nos lo ponga directamente en el espejo, es muy complicado que una mirada que se ha educado en un imaginario que niega esa realidad pueda reconocer estos gestos y huellas”. La propuesta artística opera precisamente como tal, como un espejo ante el que es imposible resistirse a reconocer los mecanismos del colonialismo que impregnaron la historia del arte.

Él es uno de los responsables que comisarió la exposición junto a Andrea Pacheco González, comisaria independiente y directora del espacio FelipaManuela; la historiadora de arte independiente Alba Campo Rosillo; y Juan Ángel López-Manzanares, comisario del museo y director del proyecto. Un equipo que lleva trabajando más de dos años en esta investigación que se puso en marcha antes de que Ernest Urtasun pusiera la descolonización de los museos en el centro del debate –y para algunos del huracán–, a principios de este 2024, tras anunciar el compromiso del ministerio de Cultura de llevarlo a cabo en los centros estatales.

El equipo de expertos pudo trabajar sobre todo el catálogo del Thyssen. Andrea Pacheco explica que el primer paso fue realizar una selección de obras en torno a dos criterios: las que mostraban “paisajes, objetos o personas no europeas, que vienen de esas tierras 'lejanas'” y las que retrataban a “personas blancas europeas en situaciones de clara supremacía”. En torno a ellas fueron articulando los seis bloques en los que se divide la exposición. En el primero, titulado Extractivismo y apropiación, se encuentran varios bodegones de Willem Kalf, uno de los grandes maestros de las naturalezas muertas. “La mayoría de los objetos que están representados vienen de otras tierras, Afganistán, distintos lugares de Oriente Medio, jarrones”, describe la comisaria.

En Bodegón con cuenco chino, copa nautilo y otros objetos, de 1662, se incluye un cuenco chino que perteneció a la dinastía Ming, usado en Europa como un azucarero. “Todos esos elementos que en sus tierras originarias tenían unos usos y que aquí son representados desde esa mirada eurocéntrica de aquello que no considera propio”, apunta. En cuanto a la extracción de recursos, sobre la que expone que “hay toda una construcción iconográfica a partir del arte, sobre todo desde el siglo XVII”.

La flota holandesa en Goeree, de Willem van de Velde II, realizado hacia 1672 y 1673, es un ejemplo de cómo la pintura se usó para “legitimar el paradigma europeo y de explotación que determina que los mares tienen que ser cartografiados para poder generar rutas marítimas para extraer recuerdos de lugares lejanos sin ninguna incidencia en la población local y explotar a las personas que habitaban esos lugares”.

La exhibición incluye en cada una de sus salas piezas contemporáneas de la Colección TBA21, como los Cóndores sin vida (2022) de la artista colombiana Nohemí Pérez, con los que alerta sobre la explotación forestal debida al narcotráfico y la pérdida de derechos de los pueblos originarios: “La suya es la mirada de una persona que realmente ha nacido y crecido en ese lugar; y ha visto cómo ha sido devastado por estos procesos”.

Del 'otro' al esclavismo

Yeison García señala que la pintura también participó en la “legitimización de la esclavización de las personas negro africanas”. En la muestra se comprueba en varios cuadros que representan un mundo árabe violento, salvaje y estereotipado, como en El rastro perdido (hacia 1856) de Charles Ferdinand Wimar; o la proliferación de esclavos como personajes dentro de los óleos. “Para muchos contextos europeos, tener a un sirviente negro africano era una manera de marcar su estatus social. Estas pinturas representan esa jerarquización racial de supremacía blanca pero antes no estaban relatadas así, sino desde la falsa neutralidad de la historia del arte”, especifica el director del centro cultural Espacio Afro.

Otro caso significativo es el Retrato de David Lyon (hacia 1825) de Thomas Lawrence, una de las más emblemáticas de la colección Thyssen. “De él se destacaba que era 'el guapo', 'el dandi', su elegancia, pero nadie se había puesto a investigar quién era y de dónde venía toda su riqueza, que resulta que venía de la esclavización de personas negro africanas en Jamaica”, expone. Conocer esta información permite que se “amplíe el relato”: “Ahora el dandi es el esclavista y te permite saber cómo se han construido una parte de las riquezas europeas”.

A este apartado pertenece uno de los lienzos estrella de la exhibición: Grupo familiar ante un paisaje (1645-1648) del holandés Frans Hals. Yeison García comparte que la investigación reveló que su protagonista es Jacob Ruychaver, el encargado del enclave desde donde se gestionaba la esclavización de personas negroafricanas“.

Cuerpos “a conquistar”

La sala Evasión a nuevas arcadias ejemplifica “cómo la representación del paisaje formó parte de esa narrativa de construcción idílica de ese mundo al que se había llegado”. “Gran parte de estas representaciones ocultan la violencia de la colonización”, reflexiona Yeison García. La muestra avanza hasta situar el Cuerpo y la sexualidad en el foco. “Durante la investigación, nos dimos cuenta de que no es posible hablar de descolonizar el pensamiento, el conocimiento del arte, sin hablar de despatriarcalizar”, reconoce Andrea Pacheco.

Esta lógica es la que determinó que “el cuerpo de la mujer racializada o no blanca sea vista como un cuerpo a conquistar, a representar únicamente la hipersexualización”. Algo que se ve en obras como Dos desnudos femeninos en un paisaje (hacia 1926) del pintor alemán Otto Mueller, que contrapusieron con la instalación de video de Inci Eviner Harén (2009).

La artista turca tomó como punto de partida uno de los grabados de Antoine Ignace Meilling (1763-1831), sobre uno de estos espacios, cuyas representaciones occidentales poco tuvieron que ver con lo que sucedía en sus interiores realmente. En su video, las atemporales figuras captadas por el artista alemán son sustituidas por personajes contemporáneos que, a través de sus movimientos alineados, se abren a la posibilidad de resistencia.

Resistencia

Uno de los únicos artistas no europeos presentes en los fondos del Thyssen es Romare Bearden, artífice de Domingo después del sermón (1969), que forma parte del último bloque de la exhibición, Resistencia, Cimarromaje y derechos civiles.

Un área que busca, como apunta Yeison García, “poner sobre la mesa que frente a la dominación colonial, las comunidades tanto negroafricanas como los pueblos originarios han generado siempre procesos de resistencia”. Esto se ve también en Sin título, de la serie Lluvia dorada/Pardo es el papel (2019), de Maxwell Alexandre, que “visibiliza las vidas de las personas negras en el contexto de fabelas, pero no en una posición de sufrimiento, sino de poder”.

Otro caso paradigmático, incluido igualmente en el tramo final de la exposición, es el Retrato de un hombre de la isla Dominica, pintado hacia 177-1780), cuyo autor se desconoce. “Hasta hace poco se llamaba al cuadro El cocinero de Washington, dando por hecho que una persona negra vestida de esta manera no podía ser otra cosa que un cocinero o un sirviente”, aporta el comisario, “las investigaciones empezaron a construir la hipótesis de que seguramente pertenecía a una clase social de personas negras libertad de la isla de Dominica”.

“El colonialismo no ha terminado”

Dentro del diálogo que el equipo del proyecto quiere generar a través de la exposición, Yeison García sostiene que no solo hay que tener en cuenta “no poder pensar el futuro sin pensar ese pasado que ha sido borrado”, sino también “no pensarlo simplemente desde el pasado colonial”. “Antes de la llegada de la conquista y de los europeos ya había toda una serie de civilizaciones. Hay que interrumpir el relato de considerar que la historia empezó ahí”.

A modo de cierre, la obra del artista palestino Taysir Batniji, que expone fotografías de casas de Gaza como si estuvieran en una inmobiliaria. “Plantea cómo su lugar, su hogar, está siendo expropiado por el colonialismo israelí”, indica el comisario, que insiste en que esta era la manera de dejar claro que “el colonialismo no ha terminado. En la actualidad se manifiesta de diferentes manera y una de las más flagrantes es el colonialismo israelí frente al genocidio del pueblo palestino”.

“Queríamos acercar pedagógicamente al público a que viera estas huellas, esta memoria colonial que tan evidente para nuestras miradas que han sido educadas en un prisma puramente eurocéntrico. Queremos que la gente entienda que hay que hablar de todo esto para enfrentar este problema y entender mejor nuestro presente”, describe.

El trabajo de este equipo fue sobre la colección del Museo Thyssen pero ambos responsables coinciden en que se podría repetir con los catálogos de todas las pinacotecas: “Se debería, de hecho”. Ambos seguirán involucrados en este proceso, ya que forman parte de los comités de expertos que el Ministerio de Cultura puso en marcha para elaborar el informe técnico que servirá de guía para la renovación del Museo de América y el Nacional de Antropología.

LGH/CRM

Desde este viernes entrarán en funciones ocho nuevos directores en museos, quienes fueron designados por la directora de Patrimonio Nacional, Liliana Barela. En este contexto de cambios, además, en breve los museos nacionales dejarán de tener entrada gratuita, así lo confirmó en una entrevista con la periodista María Paula Zacharías para La Nación.

El sector está atravesando una serie de cambios que incluyen la digitalización y puesta online del inventario de todas las instalaciones. Con este objetivo, el área, que deberá trabajar con el mismo presupuesto que en 2023, buscará fondos privados.

Los ocho nuevos nombramientos no derivan de concursos públicos y, según explicó Barela, la dirección ahora “tiene la política de que en los museos históricos haya al frente historiadores, para que no haya historias maniqueas sino historias complejas donde difícilmente se distinguen los buenos de los malos”.

Cambios en los museos nacionales: dejan de tener entrada gratuita

La directora de Patrimonio Nacional explicó que se vienen varios cambios en el sector, sobre todo en las instituciones que cambiarán de director. “Hicimos una reducción política grande de la estructura de la Secretaría. Tenía tres direcciones nacionales y ahora tiene dos. Inés asumió parte de la gestión patrimonial y yo asumí parte de los institutos”, detalló.

En términos de presupuesto, se mantendrá el mismo que en 2023. Por eso es que se comenzará a cobrar entrada en los museos nacionales, aunque aún no se definió a partir de qué fecha. Habrá precios diferenciados entre extranjeros y residentes, y un día gratis para todos, como se hace en el resto del mundo.

NB

El Museo Moderno, ubicado en el barrio porteño de San Telmo, anunció hoy que forma parte de la Red de Refugios climáticos de la Ciudad de Buenos Aires, por lo que los días de más de 35 grados de temperatura abrirá en forma gratuita para quienes busquen un reparo fresco e hidratarse ante la ola de calor.

Para combatir las temperaturas extremas y las olas de calor, la Agencia de Protección Ambiental de la Ciudad de Buenos Aires creó la Red de Refugios Climáticos de la Ciudad, propiciando espacios donde los vecinos puedan refrescarse y resguardarse por un momento durante los días de calor, explicó el museo en un comunicado.

En ese sentido, y como las proyecciones climáticas indican un aumento de las temperaturas máximas y mínimas para estos días, el museo del barrio San Telmo comunicó la apertura de sus puertas a la comunidad.

“Como Refugio climático, el Museo Moderno brinda un servicio a la comunidad, en particular para las personas mayores, niños y niñas, embarazadas, y la población con enfermedades preexistentes”, detalló.

El museo, que permanece cerrado los martes, se puede visitar en avenida San Juan 350, en San Telmo, los lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 y los sábados, domingos y feriados de 11 a 20.

MM

Con información de la agencia Télam.

El Centro Ana Frank de Argentina reabrirá sus puertas el próximo 12 de junio con nuevos objetos en exhibición, en el marco del proyecto de modernización a cargo del museólogo Gabriel Miremont. “No sólo trabajamos el tema de accesibilidad física, sino también accesibilidad intelectual. Tratamos de buscar textos que tengan varios niveles de lectura, pero con un léxico entendible y dinámico”, señaló.

El equipo que trabaja en el museo de Ámsterdam también llevó adelante tareas de modernización en su centro. Según explicó Menno Metselaar, miembro de la Anne Frank House, a Noticias Argentinas, en Países Bajos desarrollaron un video de Youtube en el que se plantea un escenario ficticio en el que Ana, en lugar de recibir un diario por su cumpleaños, recibe una cámara de video. Con ella, registra en imágenes toda su experiencia.

“Para nosotros, fue encontrar una nueva forma de contar la historia y llegar a una audiencia que tal vez no le guste leer tanto, por ejemplo”, explicó.

En tanto, la actualización del museo argentino contempla la accesibilidad de personas en sillas de ruedas, subtitulado en todo el material audiovisual para aquellas personas con discapacidad auditiva. También se incorporaron códigos QR sonoros en reemplazo del sistema braille para las personas no videntes.

Qué nuevos objetos estarán en exhibición en el centro Ana Frank

Para su reapertura el museo contará con una nueva colección de objetos en exhibición que incluyen el álbum privado de los Juegos Olímpicos de Berlín 1936, la constancia de las “elecciones del 12 de noviembre de 1933 en Merseburg (Este de Alemania) y documentos bancarios de entre 1922 y 1923.

Además, podrán observarse notas del Reichsbank (banco nacional) del Estado (Württemberg) y la compañía Nacional Ferroviaria, así como también cupones de racionamiento para alimentos utilizados en los Países Bajos entre el 9 de julio y el 5 de agosto de 1944. En aquella época, la gente recibía una serie de cupones para acceder a los alimentos, triángulos de tela o metal usados en campos de concentración. Su color dependía del tipo de prisionero: los rojos se aplicaban a prisioneros políticos mientras que los verdes eran para “criminales” y los negros para “asociales”.

La nómina incluye, asimismo, libros donde se escondían documentos y radios ─ya que, por entonces, estaba prohibido escuchar la radio en los Países Bajos ocupados─ y soldaditos de juguete utilizados por niños en la Alemania Nazi de 1930.

ACM con información de NA

La Secretaría de Cultura garantizó hoy el pago de horas extras para los empleados, y, en consecuencia, los Museos Nacionales permanecerán abiertos durante este fin de semana.

“Se informa que las horas extraordinarias correspondientes serán abonadas de manera convencional de conformidad a la normativa de empleo público vigente”, señaló el organismo a través de un comunicado.

Los Museos Nacionales, dependientes de la Secretaría de Cultura, habían decidido no abrir las puertas este fin de semana luego de que el Gobierno de Javier Milei decidiera eliminar las horas extras de los empleados estatales.

“Por decisión administrativa de la Jefatura de Gabinete de Ministros de suspender el trabajo excepcional para toda la administración pública, nos vemos imposibilitados de abrir los museos el sábado y domingo próximos para recibir al público, ya que esta medida no permite ni reconoce el trabajo fuera del horario administrativo de lunes a viernes”, expresaron las autoridades de los establecimientos nacionales en un comunicado oficial.

Desde los museos, advirtieron que miles de personas aprovechan el fin de semana para asistir a estos establecimientos culturales en el verano. Por ello, estaban trabajando para “lograr el reconocimiento a la brevedad de la labor de fin de semana” de los equipos. “Queremos seguir abriendo los fines de semana para que el público pueda volver a disfrutar de las exposiciones y actividades gratuitas”, plantearon.

El comunicado oficial contaba con la firma de los museos porteños Casa Nacional del Bicentenario, Complejo Histórico Cultural Manzana de las Luces, Museo Casa de Ricardo Rojas, Museo Casa de Yrurtia, Museo de la Historia del Traje, Museo de las Comunidades, Museo del Cabildo de Buenos Aires y de la Revolución de Mayo, Museo Histórico Nacional, Museo Histórico Sarmiento, Museo Malvinas e Islas del Atlántico Sur, Museo Mitre, Museo Nacional de Arte Decorativo, Museo Nacional de Bellas Artes, Museo Nacional del Grabado, Museo Roca, e Instituto de Investigaciones Históricas.

ACM/CRM con información de agencias.

Este sábado llega la decimonovena edición de La Noche de los Museos con un circuito con 290 espacios de la Ciudad de Buenos Aires abiertos de forma gratuita desde las 19 hasta las 2 horas. Allí podrán se podrá disfrutar de shows musicales, talleres, murales colectivos, bailes, proyecciones y recorridos guiados por distintos establecimientos culturales: museos, institutos, centros culturales y demás edificios emblemáticos.

En esta oportunidad, además, habrá recorridos subterráneos en los antiguos vagones de madera que funcionaron durante casi 100 años de la Línea A ─una vez que finalice el servicio, pasada la medianoche─ y un mapping sobre la fachada de la Torre IBM en Retiro, donde se proyectarán obras de arte surgidas de la colaboración entre artistas e inteligencia artificial.

Para conectar los distintos puntos del circuito, habrá transporte público en varias líneas con previa descarga del “pase libre” a través del Boti de la Ciudad de Buenos Aires. Es recomendable, organizar el recorrido según zona, barrio o eje temático para aprovechar al máximo la jornada.

Uno de los clásicos de la noche porteña es el circuito histórico en el casco de la ciudad, donde se combinarán eventos de música con DJ, charlas, lecturas y bailes, además del cambio de guardia del Regimiento de Infantería en el Cabildo. En este recorrido, se podrá visitar el Museo Histórico Nacional, donde se exhiben objetos icónicos del período 1820-1852 de la historia argentina y una muestra dedicada al fútbol argentino con más de 100 camisetas, pelotas, botines, copas, medallas, etc. También había se podrá visitar la Manzana de las Luces, con iconografía popular en torno al gauchito gil.

Qué establecimientos se pueden visitar en la Noche de los Museos

Museo Nacional de Bellas Artes: ubicado en Avenida del Libertador 1473, cuenta con visitas breves y propuestas para una amplia variedad de públicos. Tiene exposiciones temporarias, como la del artista español Pablo Picasso o la de Alfredo Hilto, que propone una relectura sobre el archivo del artista. También podrá visitarse la muestra de Daniel Santoro “Panorama. El teatro de la memoria”, que reúne 26 obras y una adicional inédita.

Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA): ubicado en Figueroa Alcorta 3415 cuenta con dos grandes exposiciones: “Tercer ojo. Colección Constantini en Malba”, que incluye la pintura de Frida Kahlo “Diego y Yo”, y la antológica de Edgardo Giménez que recorre sus más de 60 años de producción artística.

Museo Sitio Memoria ESMA: el centro de detención, tortura y exterminio fue declarada Patrimonio Mundial de la UNESCO por su “valor universal excepcional”. Realizará recorridos breves de 30 minutos en la planta baja y el sótano y un recorrido histórico por el predio Espacio Memoria y Derechos Humanos, donde funciona el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti donde están exhibidas las muestras “Nuestra urgencia por vencer. Fotografías de la lucha de mujeres contra la dictadura” o “El Abrazo infinito” en homenaje a los desaparecidos y las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo. Además, podrá visitarse el Museo Malvinas e Islas del Atlántico Sur.

Museo de la Imaginación y el Juego (MIJU): está ubicado en la ex cervecería Munich y se consolida como el primer espacio lúdico de la ciudad para niños y niñas de 0 a 12 años. Entre sus actividades, cuenta con una experiencia 360° con animación y cuentos narrados por Shumi Gauto.

Museo del Hospital de Clínicas de la Universidad de Buenos Aires: cuenta la historia y la evolución de la medicina alrededor de los años.

Museo de la Diabetes: ubicado en Viamonte 2790 ofrecerá una instancia pedagógica, social, articuladora, institucional y relacional para todas las personas que algún tipo de conexión con la diabetes.

Centro Cultural Kirchner: cuenta con espacios para las infancias y exposiciones de arte o de patrimonio como la recientemente inaugurada muestra con objetos incautados a Perón durante el gobierno de facto de Aramburu.

Estos son sólo algunos de los lugares que se podrán visitar a lo largo de la jornada.

ACM con información de agencias.

El Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires anunció, el pasado 28 de febrero, la extensión del Pase Cultural para los estudiantes regulares que cursan el Ciclo Básico Común (CBC) de la Universidad de Buenos Aires. Se trata de una tarjeta con saldo que funciona como medio de pago para el consumo en comercios y espacios culturales de la ciudad. Con la nueva medida, el monto del beneficio para estudiantes del CBC ascenderá a $10.000.

“La cultura es un derecho, y Pase Cultural es la herramienta que permite acceder cada vez a más jóvenes a consumos culturales. Para los estudiantes del CBC, que están empezando a transitar los estudios universitarios, es un complemento de enorme valor, porque mucho de lo que seguramente encontrarán como contenido en sus recorridos tendrá su correlato cultural: ampliar el conocimiento a través de libros, de películas, de música y demás experiencias culturales”, afirmó Enrique Avogadro, ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

El beneficio también está disponible para estudiantes de escuela secundaria pública, bachillerato de reingreso, ciclo básico de formación ocupaciones o de formación docente de la Ciudad que tengan entre 16 y 19 años. Los alumnos de escuelas privadas porteñas  con cuota cero y subsidio al 100%  y los docentes de todas las instituciones educativas mencionadas también están alcanzados por el programa.

Cómo solicitar el Pase Cultural de manera online, paso a paso

1. Ingresar a Mi BA e iniciar sesión. En caso de no tener una cuenta creada, registrarse.

2. Ingresar a la pestaña Trámites a Distancia (TAD) del Gobierno de la Ciudad y dirigirse a iniciar trámite en la barra superior.

3. En el buscador, escribir “Pase cultural”. Una vez seleccionada dicha opción, clickear el botón “Iniciar Trámite” en la esquina inferior derecha de la pantalla.

4. Completar los formularios y adjuntar la documentación correspondiente en cada caso. Para los estudiantes, se solicitará el DNI, el certificado de alumno regular del año en curso, la constancia de CUIL y la autorización de un adulto responsable en caso de ser menores de edad. En el caso de los docentes, es necesario presentar el NI, la constancia de CUIL y el certificado de prestación de servicios otorgado por un establecimiento educativo público.

5. En un período de 48 horas, llegará un mail a la dirección de correo notificada al momento de la inscripción para informar sobre el estado del trámite.

Para más información, consultar la página web del gobierno de la ciudad o escribir a pasecultural@buenosaires.gob.ar

Qué establecimientos están alcanzados por el programa

El saldo de la tarjeta podrá ser utilizado en comercios y centros de distintas áreas culturales:

1. Cine: 20% de descuento en el Centro Cultural 25 de Mayo, 50% de descuento en la entrada al museo y auditorio de cine del Malba, entradas a $900 para la venta online de películas 2D en Atlas Cines, Cinemark Hoyts y Cinépolis y entradas a $600 para películas 2D y con venta presencial en Cinema Devoto.

2. Cómics e historietas: 10% de descuento en Metrocity Manga, Espacio Moebius, Hocus Pocus y Entelequia, 5% de descuento en La Revistería (librería especializada en manga, cómics y cultura pop), y beneficios en Fábrica de Historietas.

3. Librerías: 5% de descuento en Librería El Hacedor, Yenny- El Ateneo, Biblioterapia, La Maga, Cúspide y SBS, etc. 10% de descuento en Acequia Libros, Gould Libros, Mandolina Libros, Mandrágora Libros y Cultural, Calibroscopio - El libro de Arena, Inpaz Libros, Libros de Arrabal, Fedro, Kel la membresía literaria a domicilio Escape a Plutón y la nueva editorial digital Neural. 6% de descuento en Gauderio Libros. 15% de descuento en Mapamunda / Callejeras (Libros de FemiTours sobre viajes y experiencias con perspectiva de género).

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ACM

Los activistas del grupo Futuro Vegetal lanzó este domingo “sangre y petróleo” falsos a la vitrina de una réplica de momia faraónica del Museo Egipcio de Barcelona para alertar sobre la emergencia climática.

“No aguantamos más que los Gobiernos laven su imagen en COPs para engañar a la población sin efectuar medidas reales”, indicó en su perfil de Twitter. También criticaron la vinculación de patrocinio de Coca Cola con la COP27: “Nos cuesta mucho creer que la corporación número uno del mundo en contaminación por plástico no va a ejercer su influencia como patrocinadora de la COP27 a favor de sus intereses mercantiles, dada su total dependencia de los combustibles fósiles”.

Según Mossos d'Esquadra, los manifestantes fueron identificados y se los dejó ir. La sangre, en realidad, era mermelada y, según la policía catalana, habría manchado una parte pequeña del sarcófago. “Se presentará denuncia por los daños a todos los asistentes”, informó el Museo Egipcio.

Se trata de la misma organización que, hace dos semanas, pegó sus manos a los cuadros de 'las majas' de Goya en el Museo del Prado para alertar de la subida de las temperaturas en el planeta. Los dos activistas y las periodistas que cubrieron el acto en Madrid fueron acusados de un delito contra el patrimonio histórico.

La magistrada titular del Juzgado de Instrucción nº 29 de Madrid resolvió la libertad de los activistas climáticos y las periodistas que informaron de la protesta para “alertar sobre la subida de temperatura mundial” que tuvo lugar el pasado sábado en el Museo del Prado. Los cuatro, tres mujeres y un hombre, fueron detenidos por la Fuerzas y Cuerpos de Seguridad del Estado por su relación con la protesta.

De todos modos, continuará siendo investigados por la presunta comisión de un delito contra el patrimonio histórico-artístico del artículo 323 del Código Penal, informaron fuentes del Tribunal Superior de Justicia de Madrid.

Los activistas de la organización ambientalista Futuro Vegetal pegaron sus manos a los marcos de los cuadros 'La maja desnuda' y 'La maja vestida', de Francisco de Goya, y las periodistas informaron de la acción para el periódico El Salto. Los activistas fueron detenidos el mismo sábado por la Policía Nacional dentro del museo. Las periodistas fueron arrestadas el domingo, según informó el citado medio de comunicación.

La protesta forma parte de una serie de acciones que organizaciones ecologistas vienen realizando en distintos museos para alertar sobre el cambio climático. Ya ocurrió con Los Girasoles de Van Gogh en la National Gallery de Londres,  Meules de Claude Monet  en el Museo Barberini, Alemania, o La primavera de Sandro Botticelli en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia).

Según la agencia EFE, el Museo del Prado confirmó que, tras una primera inspección, las obras no sufrieron daños, pero sí se estropearon los marcos, en particular el de “La maja desnuda”.

“Estoy aquí pegado porque la semana pasada la ONU hacía oficial que ya es imposible contener el calentamiento del planeta en 1,5º, sobrepasando los límites marcados en el Acuerdo de París y comprometiendo nuestra seguridad alimentaria”, se escuchó decir a uno de los activistas en uno de los videos que circuló en redes sociales.

La Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE) y la Asociación de la Prensa de Madrid (APM) consideran que las periodistas podrían ser “cómplices” de los hechos y, por tanto, “tendrán que responder” como ciudadanas, informa Europa Press. “No las detuvieron por un acto en el que ejercían la profesión, por lo tanto no podemos hablar de derecho a la información. Que sean periodistas no les da patente para ejecutar cualquier tipo de actuaciones como, en este caso, incívicas. Se expresaron como ciudadanos, no como periodistas, y como ciudadanos tendrán que responder”, declaró a Europa Press el presidente de la FAPE, Miguel Ángel Noceda.

Por su parte, la Junta Directiva de la APM diferencia entre informar como periodista de un hecho al que se fue convocado o participar en la comisión de un delito. En este sentido, se muestran a favor de amparar la libertad de prensa de un periodista que da información de un hecho. “Lógicamente fueron convocados para ello. Como se convoca, por ejemplo para una manifestación ante el Congreso. No aceptaríamos que se detuviera a los periodistas”, apunta.

Dos activistas entraron el viernes a la National Gallery de Londres armadas con una lata de tomate y estamparon el caldo sobre el cristal que protegía a uno de los ramos de girasoles que pintó Vincent Van Gogh. La opinión pública se abalanzó contra las mujeres, que habían calculado el impacto para lanzar un mensaje claro contra la falta de compromiso político ante el apocalipsis climático. Fueron acusadas de terroristas iconoclastas y catalogadas en la misma liga que los bárbaros talibanes, cuando destruyeron en 2001 los majestuosos Budas de Bamiyán, en Afganistán. Tardaron varios días de bombardeos hasta que acabaron con los budas. La destrucción era el mensaje. Los talibanes pretendían un mundo similar al orden más remoto y lo conquistarían avanzando sin condiciones al pasado. Decapitaron periodistas y atacaron el patrimonio, destruyeron para amenazar y para compensar la carencia de un poder legitimador. Trataron de alcanzarlo a través del arte. La ciudadanía activista que ha accedido a los museos a reivindicarse desde mediados de mayo, tras el tortazo al cristal de La Gioconda, en el Louvre, también. Mientras unos utilizaron el arte para amenazar, los otros lo hacen para acabar con la amenaza climática.

“¿Estáis más preocupado por la protección de una pintura o por la protección de nuestro planeta y la gente?”, preguntó una de ellas. Just Stop Oil está ganando visibilidad pública por rociar un letrero de Scotland Yard con pintura amarilla y bloquear carreteras. Su objetivo es “garantizar que el Gobierno se comprometa a poner fin a todas las nuevas licencias y consentimientos para la exploración, desarrollo y producción de combustibles fósiles en el Reino Unido”. Aseguran practicar la resistencia civil no violenta para que el Gobierno tome medidas. La mayor parte de la financiación que recibe el movimiento para sus operaciones proviene del Fondo de Emergencia Climática, con sede en Los Ángeles, que pudo arrancar sus acciones gracias a una contribución fundacional de medio millón de dólares realizada por Aileen Getty, heredera de Getty Oil. Además, aceptan donaciones en criptomoneda, a pesar del impacto devastador que tiene en el medio ambiente. El guionista, director, cómico y actor estadounidense Adam McKay, ingresó el mes pasado cuatro millones de dólares y se unió a la junta directiva.

Un foco de atención

Esta acción cívica, en la que el patrimonio de la National Gallery no ha resultado dañado, es un síntoma del nuevo lugar que la ciudadanía está reclamando a los museos. Ha trasladado sus protestas y pancartas a las salas de las instituciones. El entorno habitual de las manifestaciones es compartido con las obras de arte. Porque los museos y los fetiches icónicos que conservan y exhiben son la mejor plataforma de atención sobre las denuncias. Hasta el momento no hay que lamentar daños, pero tanto en El Prado como en el Reina Sofía indican a este periódico que han convocado a sus equipos de seguridad para atender un posible efecto llamada en España. “Tenemos planes de seguridad encaminados a evitar cualquier acto de vandalismo o acción en contra del buen estado de las obras de arte. Dicho esto también sabemos que el 'riesgo cero' no existe”, explican desde el Museo Reina Sofía. “El 'riesgo cero' no existe, pero el hecho de que tengan cristal quizás los atraiga”, añaden desde el Museo del Prado. El cristal protege y atrae.

Como apuntan desde los museos, el debate no está en la seguridad. Está en la misión. ¿Para qué queremos los museos? ¿Para conservar y exhibir obras de arte convertidas en fetiches? ¿Es el visitante un cliente silencioso que paga, entra, mira y se marcha? La editorial Arcadia acaba de publicar La lógica de la colección y otros ensayos, de Boris Groys. El filósofo alemán apunta en el primero de ellos que lo “más interesante, especialmente hoy en día, es preguntar qué es el museo, y beneficiarse así de su nuevo carácter problemático”. Un museo, en su concepción tradicional y en profunda crisis, es una máquina de coleccionar. De hecho, según Groys, un museo es una insaciable máquina de coleccionar y la realidad es la suma de todo lo que aún no ha sido coleccionado, expuesto, iluminado o tomado por arte.

Si las protagonistas del tomatazo en la National Gallery hubieran descrito públicamente su acción como una performance, ¿qué habría pasado? “Pues que pronto acabaría documentada y preservada en un museo (en otro, claro, no en el de la fechoría o la performance). Esto, que es más inteligente en términos artísticos, es menos eficaz en términos políticos, porque el museo es como un artificiero: desactiva políticamente la obra en la misma medida que la estetiza. Esta es la paradoja: no la del arte como instrumento político, sino la de su musealización”, sostiene Manuel Fontán del Junco, director de museos y exposiciones de la Fundación Juan March y traductor al castellano del libro de Groys.

Un recurso publicitario

Asegura Fontán que los ciudadanos han encontrado lugares apropiados para lanzar sus reivindicaciones porque los museos son hoy “una especie de versión ilustrada del viejo templo”. “Pero me temo que para una vindicación eficaz, la acción tendría que ser de verdad. Un profanación de mentira (una acción contra algo protegido con un cristal) no es una profanación, sino un recurso publicitario. Y sinceramente, preferiría que se hiciera en otro lugar”, sostiene Fontán. Entonces, ¿el museo apenas es un almacén del gusto de cada época? “Yo espero más, desde luego”, responde.

“Creo que muchos museos apenas saben ser más que instrumentos atropellados para la transformación política inmediata y casi directa del presente. Esto me parece muy patético y ridículo en muchos casos, al menos tanto como resistirse completamente a serlo y refugiarse en el formalismo y la presunta neutralidad absoluta, que es irreal”, explica Fontán. Cree en la capacidad del museo para evolucionar y transformarse, pero esa cura debe abordarla el propio museo no gente de afuera. “No es fácil”, remata. Hay pocas recetas.

Filósofos como Paul B Preciado defienden una construcción de las narrativas museísticas más radical. Desde afuera hacia adentro. Quiere museos en el conflicto y en el debate, lugares en los que los públicos imaginen y den forma a estos centros, que intervengan como agentes activos, no como invitados o clientes. Cree que el museo está en crisis porque hasta el momento ha representado el orden de la mirada y la enunciación del sujeto hegemónico, es decir, de un sujeto patriarcal, colonial y heterocentrado. Este modelo excluyente está amenazado por las miradas y voces subalternas, como acabamos de ver en la National Gallery. Por eso Preciado cree que el museo debe abrirse políticamente, “necesita ser despatriarcalizado y descolonizado”.

En esta línea coincide con el historiador Álvaro Perdices, responsable, junto con Carlos G Navarro, de un pequeño paso para el Prado pero inmenso para la humanidad: en 2017 sacaron de los almacenes el cuadro de Rosa Bonheur, El Cid. En breve, este cuadro repudiado por Javier Barón, responsable de pintura del siglo XIX del Prado, será protagonista de la gran retrospectiva organizada por el Museo d'Orsay, en París. “Después de la exposición La mirada del otro lo volvieron a mandar a los almacenes porque no querían ponerlo ni en las salas del XIX. Ese cuadro, un símbolo de poder pintado por una artista lesbiana, permite al museo hablar de otras jerarquías, otras historias que desmontan parte de la historia privilegiada”, indica el comisario para hablar del siglo XIX en un museo del XXI.

Más públicos en los museos

Perdices piensa que hasta el momento los museos españoles han apostado por el turismo, pero ahora necesitan convertirse en importantes para la población española. Su subsistencia depende de ello. No cree que baste con que el museo se convierta en una plaza, también debe salir a las plazas, “como las Misiones pedagógicas”. Recuerda que El Prado lo hizo durante el bicentenario, pero luego nada más. Y entrar en las aulas.

Además, encuentra una contradicción en la definición de los museos públicos y nacionales en España: no se tiene en cuenta a los españoles. No están representados ni atendidos. “Deben desmuseizarse para que se conviertan en lugares activos, no cementerios. Acciones como la de la National Gallery han ocurrido siempre. No se trata de defender un acto de violencia contra el arte, pero sí reconocer el espacio del museo como lugar donde el público puede tener y tomar la voz”, apunta Perdices.

Judit Carrera es la directora del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) y cree que “los museos no son espacios neutrales, sino el reflejo de un contexto político y cultural determinado, de una tradición que puede ser revisada y cuestionada”. Así que para convertirse en espacios relevantes en nuestra sociedad cree que deben ser “un espacio de negociación de sentido, un espacio plural que recoja las contradicciones del presente y del pasado, amplíe los límites de lo posible y fomente la imaginación, que es el verdadero motor de la democracia”.

Las acciones de los activistas reconocen el capital simbólico del arte y la cultura, pero según llama la atención Judit Carrera, “simplifican y reducen el potencial emancipador del museo”. “El museo debe y puede aspirar a una transformación más profunda, que vaya más allá del espectáculo de las redes sociales y confíe en la capacidad democratizadora del arte”, añade. También avisa de que los museos y centros culturales ya no pueden limitarse a ser templos para la contemplación, “sino que deben aspirar a ser ágoras, puentes fértiles entre tradición y contemporaneidad, lugares de ensayo en el doble sentido de experimentación y debate crítico sobre los grandes temas del presente”.

Más valientes y desafiantes

La asociación Museums Association del Reino Unido publicó en 2020 un manifiesto en el que reclamaron museos “valientes y desafiantes”. Como Perdices y Preciado, pidieron a las instituciones que fueran más “activistas” al contar sus colecciones y que no silenciaran perspectivas contra el racismo, el machismo y el cambio climático. Hablaban de una “innovación social radical”, porque “los museos no son neutrales”.

También mantienen la campaña Los museos cambian vidas, y con ella invitan a la reflexión, el debate y el compromiso de los asuntos que cuestionan nuestros días. Quieren que las comunidades hablen y que sean escuchadas. Esta campaña defiende el museo como un lugar esencial en la sociedad, porque aumentan la sensación de bienestar si se abren a la inspiración, el desafío y la estimulación de sus públicos. “Existen claras evidencias de que los museos pueden mejorar la salud y el bienestar de las personas si se las da voz en lo que sucede en las salas”, indica Sharon Heal, directora de Museums Association.

Esta asociación también creó el primer código ético para las instituciones británicas, en el que apoyan “la libertad de expresión y el debate”. Y reclama “asegurar que cualquiera tiene la oportunidad de una participación significativa en el trabajo del museo”. Esta asociación es muy activa en sus investigaciones y en el informe Museos en la era del aprendizaje subraya la necesidad de construir un museo más activo con sus públicos. Una vez las colecciones están cuidadas, así como la experiencia en investigación y exhibición, el siguiente paso es proporcionar recursos al área que hará del museo un lugar para el aprendizaje: el educativo. “La educación es el siguiente paso lógico. Los museos son un vasto recurso de aprendizaje público que espera desarrollo. Son un recurso que ya no podemos permitirnos descuidar”, indica el estudio. En España, los principales museos tienen externalizados estos servicios, aunque este departamento abre la puerta a un mayor número de usuarios locales, no solo turistas. Como advierte Julia Pagel, secretaria General de Network of European Museum Organisations (NEMO), “profundizar en la relación con la comunidad significa aumentar la sostenibilidad del museo del futuro”.

PR

El 18 de mayo se celebra a nivel mundial el Día de los Museos. La creación de este día fue por iniciativa del Consejo Internacional de Museos (ICOM), en el año 1977.

El Día Internacional de los Museos es una fecha ideal no sólo para visitar los museos de todo el mundo, sino para aprender sobre estas organizaciones sin fines de lucro, que ejercen el rol de guardianes para el acervo cultural de la humanidad.

¿Qué podemos encontrar en un museo?

Un museo es una institución sin fines de lucro que ofrece exhibiciones, exposiciones y muestras para la educación y disfrute de sus visitantes, sobre la cultura, arte e historia de diversas partes del mundo. Se dedica a la investigación y conservación del patrimonio material e inmaterial de la humanidad.

El aporte de conocimientos de los museos es incalculable, contribuyendo a tener un mayor entendimiento de la identidad del resto de los países del mundo.

En los museos podemos conocer y aprender sobre diversos temas, interactuando con el arte, la historia, la ciencia y la cultura presentes en la muestra de piezas exhibiciones y exposiciones a disposición del público: pinturas, esculturas, fotografías, objetos, adelantos tecnológicos de cada periodo histórico y mucho más.

Es apto para todas las edades y sus instalaciones están acondicionadas para personas con limitaciones físicas y discapacidades visuales. El acceso al público es de bajo costo o gratuito, a excepción de algunas exhibiciones y exposiciones privadas.

5 museos con las obras de arte más importantes del mundo

Campaña 2022 “El poder de los museos”

Cada año, el Día Mundial de los Museos desarrolla un tema central, y para 2022 el tema es “El poder de los museos”. Se reflexiona sobre la idea de que los museos tienen el poder de transformar el mundo. Nos enseñan nuestro pasado y abren nuestra mente a nuevas ideas, dos pasos necesarios para construir un futuro mejor.

NB