Si hay algo que hace que el perfil de Barcelona sea reconocible es esa basílica que sobresale por encima de todos los edificios de la ciudad: la Sagrada Família. Esta obra del arquitecto Antoni Gaudí no sólo es la construcción más alta de la capital catalana, sino que también es la iglesia más alta del mundo.

Su punto más elevado se consolidó el pasado 20 de febrero, con la colocación de la Torre de Jesús, que pone punto y final al crecimiento vertical del templo. Ahora mide 172,5 metros. Más que cualquier otra obra del hombre en la ciudad, pero unos pocos metros menos que la montaña de Montjuïc. Todo porque Gaudí quería evitar superar la obra de Dios.

Esta es una de las decenas de curiosidades que rodean a la Sagrada Família, un templo al que, aunque haya dejado de crecer, todavía le faltan unos 10 años para estar terminado del todo. Su construcción sigue en marcha, pero 2026 será especial para el templo. Este año se cumple el centenario de la muerte de Gaudí y eso propició una agenda llena de actos y ceremonias que tendrán lugar en la que fue su creación más icónica. Entre otras cosas, el Año Gaudí contará con una visita del papa León XIV, que acudirá a Barcelona para bendecir la basílica.

El templo es una de las atracciones turísticas más concurridas de la ciudad, llegando a recibir cada año a casi cinco millones de personas. Pero más allá de admirar sus abarrotadas fachadas, la curiosa forma de las columnas y el espectáculo de colores que son sus ventanales, pocos salen de su visita conociendo esas historias menos conocidas.

La Sagrada Família es “una Biblia en piedra”, según la define Umberto Viotto, arquitecto adjunto al arquitecto director de la Sagrada Família. Gaudí usó diversos elementos para explicar, a través de metáforas, las Sagradas Escrituras. Como ejemplo, un detalle: en la fachada del Nacimiento, hay una imagen del corazón de María, que es donde se guardan las vivencias de Jesús. Ese corazón está rodeado de abejas, como símbolo de la importancia de los fieles para entender y salvaguardar la fe.

También sabemos que los brazos de la recién instalada Torre de Jesús son cristaleras y permitirán a sus visitantes mirar tanto al cielo como a la tierra. Y es que el arquitecto quería que la vista estuviera limpia para observar arriba, donde se encuentra Dios, y abajo, donde estaban los obreros. Ambos actores indispensables sin los cuales la Sagrada Familia no existiría.

Pero hay muchas más historias tras sus muros. ¿Por qué las ventanas tienen esos tonos?, ¿Qué hay en los balcones superiores y qué guiños hay en su decoración?, ¿Hasta qué punto era importante la naturaleza para Gaudí y qué elementos de la fauna y la flora usa para explicar la Biblia?, ¿Dónde están los reconocimientos que el arquitecto dejó por toda la basílica a los obreros que la hicieron posible? Estas y otras preguntas son las que responde Viotto, que acompaña a este medio en una visita guiada por el interior y el exterior del templo. Pero advierte: “Todavía quedan muchas incógnitas por resolver”.

Toda época tiene una corriente de diseño de interiores dominante. En la actual, los elementos que se repiten son los que proceden del diseño escandinavo y minimalista. Esto se puede observar en los muebles de ángulos curvos, las plantas de interior en macetas de cerámica, colores neutros y abundante luz natural. Un motivo que explica el fenómeno es su accesibilidad: en los locales y plataformas de venta las opciones más económicas y visualmente “estéticas” responden a este patrón escandinavo-minimalista, como sucede con la popular silla imitación Eames, por ejemplo. Ante la caída acumulada del 24% en el sector mueblero argentino durante 2024 —según datos del Instituto del Mueble Argentino— no sorprende que muchas personas opten por alternativas más económicas para amoblar sus casas. 

“Falso escandinavo” 

Los materiales nobles, fundamentales en lo escandinavo, se comercializan en versiones low cost: el cuero se transforma en cuerina, la madera de roble en pino o melamina y los pisos de madera en placas de porcelanato. Los muebles ideados en el siglo XX por diseñadores escandinavos como Alvar Aalto y Aino Aalto llegan a la Argentina en forma de réplicas desde China, y los géneros “naturales” que recomiendan usar los blogs de interiorismo como lino o pieles se comercializan en sus versiones sintéticas de imitación. Tenemos a disposición, entonces, algo que podríamos llamar “falso escandinavo”. 

En el siglo XX, la pareja Aalto pensaba los muebles para que sean fácilmente reproducibles y, en consecuencia, más económicos y accesibles para la clase trabajadora, lo que sucedía también en Norteamérica con la pareja de diseñadores Eames, por ejemplo. Se puede pensar entonces que hoy este tipo de muebles no se ponen de moda arbitrariamente, sino que responden a la necesidad de producir muebles visualmente atractivos y funcionales a bajo costo. En Mercado Libre, por ejemplo, la ya mencionada silla Eames se consigue por un precio relativamente accesible y ocupa un lugar importante en la lista de los muebles más vendidos.

El impacto del afuera 

Sin embargo, según el arquitecto Fernando Pardo, hay otra razón detrás de la popularidad en el consumo del “falso escandinavo”. Él considera que “la proliferación de dichos espacios es de índole comunicacional, donde los clientes

procuran la aceptación social en vez del interés por la búsqueda individual“. Es innegable que en todas las épocas se instauran modas que moldean la manera en que las personas eligen decorar los espacios. Sin embargo, hoy en día el algoritmo decorativo profundiza la estandarización del gusto. Aplicaciones como Pinterest, Instagram y TikTok generan tendencias y establecen con fuerza lo que es deseable para la mayoría. El resultado: las casas se vuelven espacios de colores neutros con los muebles indispensables, donde es difícil encontrar lo particular de las personas que las habitan. 

En los últimos años, se fue imponiendo en la oferta de diseño de interiores el greige, un color que mezcla el gris y el beige. Acompañado de una paleta de colores neutros característica de lo escandinavo, generaría un efecto “calmante” en los espacios. En un mundo acelerado y demandante, donde el estado generalizado es la ansiedad, los espacios interiores minimalistas sin color podrían funcionar como un refugio mental para las personas. 

Sin embargo, priorizar lo neutro implica un riesgo: que las casas se conviertan en lo que el antropólogo Marc Augé llamó no-lugares para nombrar lugares públicos como los aeropuertos. Allí, el ser humano permanece anónimo y no deja marca en el espacio. Con el “falso escandinavo” minimalista sucede algo parecido, ya que se aplican lógicas del diseño de espacios públicos (funcionalismo, colores como el gris y el beige, etc) para los espacios íntimos. Las casas ya no contendrían lo particular de la historia de una persona, como los muebles antiguos y la vajilla heredada, sino que idealmente deberían ser algo neutro. 

Mirar hacia adentro 

Pero ¿se puede escapar a esta homogeneización de los espacios y que las casas no se vuelvan un no-lugar, en un contexto de crisis económica, donde lo que ofrece el mercado son las mismas sillas para todo el mundo? En principio, María Tórtola, autora del libro Conquistá tu casa (Monoblock) y fundadora de Casa Chaucha, nos dice que hay que dejar de mirar afuera y empezar a mirar adentro. 

En su “terapia de casas”, observa que la mayoría de las personas se sienten avergonzadas de sus hogares. Están frustradas porque los objetos y muebles que tienen no parecen ser los adecuados, por lo tanto deberían comprar nuevos. La sobreexposición a las redes contribuye a esa sensación, ya que la distancia entre lo que se ve y lo que realmente se puede tener parece insalvable. María propone dejar de buscar las referencias en lo que está de moda o en el afuera, sino en uno mismo, en las cosas que a uno lo conmueven, como el cine, las series y el arte. De esa forma, uno puede volverse capaz de dar con interiores que sean representativos de la propia historia, bordeando las modas y encontrando respuestas en lo que ya se  tiene.

VO/MT

Nadie tuvo tantas muertes como Arturo Prins. La primera de ellas ocurrió a inicios del siglo 20, cuando este ingeniero uruguayo, quien había llegado a Buenos Aires a sus 6 años y desde chiquito se destacaba en matemáticas, hizo mal los cálculos de un edificio gótico, y entonces saltó de su parte más alta y en la caída mortal miró fijamente al palacio trunco, obnubilado por el fracaso. La estructura no era lo suficientemente robusta como para soportar lo que había imaginado como la frutilla del postre: una torre central de 120 metros. Prins no aguantó la frustración, o eso es lo que dicen en la primera hipótesis de su muerte.

Pero hay quienes, en cambio, le adjudican otro final, menos acrobático, pero tan dramático como el primero: una noche de tormenta, con el barrio vacío, Prins entró al edificio gótico, esa mole de cemento de avenida Las Heras y Azcuénaga que lo convirtió en leyenda y a la vez lo maldijo para siempre, desplegó los planos erráticos sobre el escritorio y cayó sobre ellos después de dispararse en la cabeza. Saltos al vacío y disparos en la cabeza, son  algunas de las muertes que le adjudican, pero hay más. Se trata de otro final, menos romántico y algo más canalla: cuando Prins se dió cuenta de que esa estructura de ciudad gótica en pleno Recoleta no podía soportar la carga del revoque de las paredes, se escapó con toda la plata de la obra y nunca más apareció. 

Tanto el mito del edificio, frente al cual muchos transeúntes se persignan entre solemnes y temerosos -será por eso que también lo llaman La Catedral- como el de su arquitecto siguen, a casi un siglo de ocurridos, más vivos que nunca. En el 2018 el escritor César Aira bautizó con el apellido Prins una novela donde una parejita compraba marihuana y después se metía a intimar en el edificio gótico. Ese maldito edificio gótico.

Además de sus obras arquitectónicas, dejó un legado vivo, su descendencia, a quienes estableció que deberían llamarse como él. Arturo Prins, que recibió ese mandato, tiene hoy 51 años y es bisnieto del famoso ingeniero (entre nosotros el Prins 4, dado que todos se llaman igual y es difícil de entender a quién nos referimos) y es el único de los Prins vivos que heredó su parte artística: es pintor y director de cine. Arturo está de visita en Buenos Aires, vive en Madrid desde 1991, y por primera vez va a ingresar al edificio gótico de Las Heras, ese por el que se comenta que su bisabuelo se suicidó. Prins 4 mira fijo en el celular una foto del arquitecto. Se parece al cantante de tango Ángel Vargas, aunque también a cualquier hombre promedio de las primeras décadas del siglo 20: en la foto de la revista de la facultad de arquitectura de 1926, el Prins original mira al frente, peinado con gomina y raya al costado. De camisa de cuello alto, corbata, chaleco y saco. “Parece un galán, tiene una mirada melanco, pero fijate bien, no hay depresión. Los Prins siempre tuvimos una gran fuerza” dice Prins 4 que, a diferencia de su bisabuelo, tiene el pelo parado, jeans, zapatillas blancas y anteojos de sol. Él no cree que su bisabuelo se haya suicidado: “Después de haber construido tantos edificios no se va a frustrar por uno solo”, dice. 

Poco tiempo atrás, Prins 4, sangre de su sangre, nombre de su nombre, apellido de su apellido, recogió la moraleja incompleta de su bisabuelo y se dijo: “Esto no me puede pasar a mí”. Filmaba un documental y estaba a punto de renunciar al proyecto, por razones que no vienen a cuenta: “Quise romper la maldición Prins del abandono” dice hoy entusiasmado: “No sólo no abandoné sino que mi película ahora está en proceso de edición”. 

Esto no es lo único que Prins 4 terminó. Una tarde recibo un mensaje suyo: “Aquí la tienes, Nico, muy expresionista alemán y fantasmagórico”. Es la obra terminada de su bisabuelo, aunque hecha de carboncillo sobre lienzo.

La Sherlock Holmes del edificio gótico

“¿Por qué el edificio gótico y misterioso está sin terminar? y ¿por qué es hoy la facultad de ingeniería?” se preguntó la licenciada en museología María de Carmen Maza que trabajó 8 años en el Museo de Ciencia y Técnica de Las Heras, y dedicó un trabajo académico a revelar la verdad detrás del mito. En María del Carmen no hay nada de gótico, es una mujer menuda que hoy se queja del dolor de tobillo, más cotidiano imposible.

El inicio de su investigación fue difícil y no encontraba nada. Ella buscaba la verdad y encima los docentes, que eran ingenieros, le agregaban más mitos, hasta el director del museo le dijo que Prins se había tirado de una torre, pero Carmen se indignó: “¡¿Pero de qué torre me habla, señor, si no se llegó a construir ninguna torre?!”. 

“Me conmovía estar en un edificio que se decía paralizado por un error de cálculos, por donde transitan constantemente profesores y alumnos de ingeniería y sin que el hecho despertara la más mínima inquietud”, dice hoy ella. 

Durante los años de su investigación, María del Carmen prácticamente vivió en el Centro de Documentación e Investigación de la Arquitectura Pública y en el Archivo General de la Nación. ¿Saben quién hizo el edificio de este último lugar? Sí, Arturo Prins. Por lo visto el reguero de este arquitecto no sólo se limita al apellido y al edificio gótico y está por toda la ciudad. “Te cuento algo” dice Arturo Prins 3, es decir su nieto, “buscando un departamento para mudarme leí mi propio apellido en un edificio de Viamonte y Rodríguez Peña. Lo compré sin dudar”. 

Hubo un antes y un después en la investigación de María del Carmen: “Yo buscaba la historia del edificio de Ingeniería, pero en los archivos no encontraba nada. Hasta que en el sector fotografía del AGN (Archivo General de la Nación) tuve una revelación”. La museóloga se entusiasma, “el edificio se había construido como Facultad de Derecho y Ciencias Sociales. Era por eso que no había documentación alguna. A partir de ahí la búsqueda fue más fácil” concluye.

“Vení a ver esta sala” dice María del Carmen paseando por el célebre, trístemente célebre edificio gótico de Prins. El techo es original y está cubierto de rombos y tiene unas espigas que caen como estalactitas y en cada una de sus seis caras tiene figuras ojivales. Son imponentes para tenerlas tan cerca de la cabeza, pero en realidad es el piso el que está demasiado alto. Esta aula no estaba en los planes de Prins, se hizo mucho después para acondicionar el lugar para la Facultad de Ingeniería. Todas las terminaciones tienen mucho detalle, pero María del Carmen se detiene en uno: “¿Ves esta balancita acá?”, señala el vitral de una de las puertas de madera, “Es porque funcionó la facultad de derecho. Nunca estuvo pensada para ingeniería. Lo que yo siempre dije”. No quedan dudas de esto -de hecho efectivamente funcionó allí la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales entre 1924 y 1949- porque esas balancitas están por todos lados. Este edificio no se habrá terminado, pero lo que está hecho tiene mucha dedicación y detalles: por ejemplo en todo el edificio hay 14 tipos de ventanas que son todas diferentes entre sí: “Las conté cuando trabajaba acá” dice María del Carmen. 

Unas horas antes, llegamos a Las Heras 2214 con María del Carmen y se sorprendió cuando vimos los molinetes en la entrada. Pasó mucho tiempo desde su última visita al edificio, pero los empleados más antiguos de la facultad la reconocieron al instante y enseguida nos permitieron recorrer libremente el edificio. Usamos la escalera principal -la escalera de honor- con barandas de madera temporaria -iban a ser de piedra, pero adelantaron la inauguración- que quedaron para siempre. Usamos los ascensores y, literalmente, nos perdemos por los pasillos de los pisos más altos. 

María del Carmen no le teme a las apariciones de fantasmas ni a las estatuas que, dicen, se mueven solas en el edificio. Ni siquiera tuvo miedo cuando pasó toda la noche trabajando en ese lugar. “Tenía que montar una exposición que se iba a hacer acá”, dice señalando una zona del tercer piso. Lejos de asustarse pasó un momento especial: “Fue divino estar en el edificio sin ruidos” a María del Carmen se le iluminan los ojos: “Cuando amaneció, por esa roseta, que da a Las Heras, empezaron a pasar los rayitos de sol. Una visión única”.

El mito del edificio gótico continuó más allá de Prins, años después se llegó a decir que dos estudiantes de Ingeniería Civil retomaron el proyecto trunco del arquitecto y planificaron terminarlo para asombrar al profesor de una materia. Los cálculos, por más revisión que tuviesen, jamás lograban el acierto. No sólo no aprobaron la asignatura sino que a partir de entonces, reprobaron todos los exámenes: la maldición del edificio los bochó para siempre. “Te tiro otras leyendas” dice María del Carmen, “Se dice también que este lugar fue el intento de una iglesia, pero el cura se dio a la fuga con toda la plata del proyecto. Y que la estatua de Luis Augusto Huergo, el primer ingeniero de la Argentina, cambia de posición una vez por semana sin que nadie la mueva en el hall principal de la planta baja”. 

A decir verdad no es el único edificio gótico de Argentina. Está la catedral de La Plata y la de San Isidro. Pero ambos a salvo de leyendas trágicas.  

Fin del misterio

Después de mucho ir y venir entre archivo y sacar sus propias conclusiones, se supo que el motivo por el que el edificio no se terminó no tiene nada de romántico ni de misterioso. María del Carmen lo sabe porque accedió a muchos libros de actas de la Facultad de Derecho: “Fue el Consejo Directivo el que decidió abandonar el proyecto y así quedó incompleto”. La razón: los abogados inversores se quedaron sin plata. Hacer un edificio gótico con las características que se ven en el plano resultó caro, más de lo pensado. Tan caro que el Consejo Directivo, después de 26 años de obra -desde 1912 cuando pusieron la piedra fundamental hasta 1939- decidió abandonar el edificio y hacer otro más modesto donde mudarse. Les resultó más barato construir su facultad en Avenida Figueroa Alcorta 2263 -donde se encuentra hoy-.

Lo curioso es que Prins les había presentado un proyecto de estilo borbónico, pero los abogados lo rechazaron. Incluso rechazaron las objeciones técnicas y económicas del estilo gótico -era muy caro hacerlo-. 

La arquitecta Daniela Fernández -otra estudiosa de Prins y del edificio de Las Heras- publicó una hipótesis en una revista de arquitectura sobre este capricho de los abogados de Consejo Directivo. En resumen lo que dice Fernández es que los abogados eligieron ese estilo inspirados en las instituciones británicas y porque era una manera de generar impacto frente a una reforma universitaria que en Buenos Aires se empezaba a sentir ya en 1906. Fernández agrega que la ideología de esa Facultad había quedado signada por el pensador José Manuel Estrada, catedrático de Derecho Constitucional y Administrativo, que proponía universidades libres, autofinanciadas y sin control estatal, siguiendo el modelo inglés de Oxford y Cambridge. En otras palabras, los juristas de CABA querían demostrar poder en la magnificencia de su edificio gótico frente a los reformistas.

Prins aceptó el trabajo y viajó a Europa para estudiar el estilo gótico. A partir de allí todo fue dolor de cabeza para el arquitecto. Los costos de los materiales se incrementaron por la primera guerra mundial, la plata aparecía a cuentagotas y la relación con los abogados se ponía tirante. “En una discusión con el decano, Prins dijo una frase desgraciada”, María del Carmen lamenta el error no forzado del arquitecto y revela lo que dijo, “el pobre edificio se va a venir abajo si no se hace algo”. ¿Podría ser este el origen de todos los mitos? Porque lo cierto es que Prins no se disparó, ni hizo ningún mal cálculo ni saltó de ninguna torre. A los 62 años, murió por una afección intestinal en el sanatorio Podestá de la Ciudad de Buenos Aires. María del Carmen va más allá y cree que se enfermó por la tristeza que le provocaron las difamaciones. Así fue el final de Prins, un desenlace mucho más tanguero que toda la mitología gótica a cuesta: se enfermó y murió por amargura.

NG/MG

En París era visto como una persona que trabajaba para construirles casas a los ricos y en el ámbito artístico en el que se movía era tildado frecuentemente de burgués. Hacia finales de la década de 1920, el arquitecto Charles-Édouard Jeanneret- Gris –más conocido como Le Corbusier y décadas después considerado el padre de la arquitectura moderna– se encontraba en una meseta: quería demostrar que no era sólo un hombre dedicado al diseño de viviendas sofisticadas, que lo suyo estaba más relacionado con pensar las ciudades y las formas en las que los seres humanos podían habitarlas.

Cuando, en 1929, recibió de parte de una escritora argentina llamada Victoria Ocampo un ofrecimiento para visitar Buenos Aires y brindar allí una serie de conferencias sobre su trabajo no lo dudó un segundo: le había llegado, desde una ciudad entonces pujante y en constante crecimiento, la oportunidad para demostrar sus teorías, ampliar la influencia de sus ideas y obtener nuevos clientes para llevar adelante proyectos a gran escala. Tanto fue el entusiasmo que no tardó en empezar a delinear un ambicioso plan urbanístico para cambiar para siempre Buenos Aires.

Este curioso episodio histórico es el centro del notable documental Plan para Buenos Aires, del cineasta argentino Gerardo Panero, que luego de circular por festivales con buena repercusión y pasar por los cines, llegó en estos días al streaming y se puede ver en la plataforma gratuita CineAR Play.

“Todas las ciudades del mundo están enfermas”, se escucha al principio del largometraje, una idea que el mismísimo Le Corbusier solía repetir. Apenas vio desde el barco en el que viajaba que la capital argentina estaba ubicada en medio de dos líneas infinitas –de un lado la pampa, del otro el Río de la Plata– el arquitecto percibió que él podía transformarse en una suerte de médico. Eran tierras con enormes posibilidades y riqueza. No pasó mucho tiempo hasta que esa apreciación incipiente cobrara la forma de una obsesión.

La convocatoria

Le Corbusier, que nació en Suiza y en su juventud se nacionalizó francés, llegó a la Argentina en septiembre de 1929. Su misión, en principio, era brindar diez conferencias organizadas por la Asociación Amigos del Arte, una entidad que, con un ojo en las vanguardias europeas, quería renovar las ideas que circulaban en los ámbitos culturales. La principal impulsora de estas iniciativas era la escritora Victoria Ocampo, una mujer que, desde los primeros encuentros que mantuvieron, impactó a Le Corbusier. Es que el arquitecto vio en ella a una posible mecenas con dinero, contactos en la aristocracia y la mirada artística necesaria para cualquier tipo de emprendimiento que le quisiera ofrecer.

“Victoria Ocampo es parte de una familia que forma parte de la élite porteña, de las familias más destacadas de la Argentina, y pone todo su capital material y simbólico al servicio de la difusión de la modernidad”, señala ante las cámaras del documental la historiadora e investigadora Sonia Sasiain.

A medida que los días pasaban, el entusiasmo de Le Corbusier se incrementaba. Primero trazó algunos bocetos informales, con dibujos pequeños en los que ya proyectaba una Buenos Aires moderna y efervescente. 

Tal como sostiene el documental a partir de distintos testimonios de referentes de la arquitectura y el urbanismo que estudiaron la obra del europeo y sus ideas para aplicar en la Argentina, la intención de Le Corbusier era la de “un demiurgo”: a partir de trabajar con los elementos preexistentes, iba a organizar la totalidad.

En su diagnóstico inicial, propuso que la ciudad recuperara su vista al río e incluso proyectó una “Ciudad de los negocios” aprovechando una parte del sector costero. Como gran visionario, además de considerar que se debían incrementar los espacios verdes en todos los barrios, destacó que era importante darle prioridad al sur porteño, una zona que, en su mirada, estaba deteriorada. Por esos días, la capital argentina se había convertido, junto a Chicago y Nueva York en los Estados Unidos, en una de las ciudades con mayor recepción migratoria en todo el mundo y el urbanista también consideró que era necesario controlar el crecimiento de la población.

Sin embargo, no había una oferta formal de las autoridades locales para llevar adelante el plan para Buenos Aires que Le Corbusier seguía tramando. Él de todas maneras se reunía con personajes influyentes, mientras daba sus conferencias e incluso llegó a proyectar la publicación de un libro con el material que fue recolectando.

La última de sus presentaciones públicas tuvo lugar el 19 de octubre y al poco tiempo volvió a París. Desde allí, obsesionado, continuó enviando cartas a Buenos Aires para que su plan urbano no fuera olvidado. Pero los tiempos no lo acompañaron: el mundo se asomaba a la Gran Depresión y en la Argentina tenía lugar el primer golpe de Estado, que el 6 de septiembre de 1930 derrocó al presidente constitucional Hipólito Yrigoyen.

Le Corbusier, sin embargo, no desistió. Primero intentó trabar relaciones con las autoridades de facto, que en su visión contratarían sus servicios por formar parte de las élites y entender las necesidades de una modernización general.

En 1937, dos jóvenes arquitectos argentinos –Juan Kurchan y Jorge Ferrari Hardoy– llegaron a París con ganas de conocer a Le Corbusier, quien para entonces seguía en ascenso con su carrera. El europeo no tardó en reclutarlos y convencerlos de que debían ayudarlo a avanzar con el plan para la renovación de Buenos Aires. Kurchan y Ferrari se quedaron en Francia un año y desde allí recolectaban información, mediante sus nexos con Buenos Aires, para avanzar con las tareas. Tanto era el entusiasmo, que se encargaron de armar una presentación para la prensa en el estudio parisino de Le Corbusier: invitaron a las autoridades diplomáticas argentinas que vivían en Francia y también a periodistas de distintas agencias internacionales. 

Tiempo después se sumó a la iniciativa el arquitecto catalán Antonio Bonet que también se proponía llevar el modernismo europeo hacia distintos países latinoamericanos. Para eso conformó una agrupación de vanguardia que llamó Grupo Austral, que tomó el plan de Le Corbusier y decidió ampliarlo. Sin embargo empezaron a aflorar diferencias hasta que perdieron contacto.

Un nuevo impacto para los sueños de Le Corbusier en Argentina llegaría en la década de 1940, con Juan Domingo Perón en el poder. En 1946 se conformó un organismo que tenía como finalidad estudiar la traza urbana porteña y repensarla. Se llamó Estudio del Plan Para Buenos Aires (EDBA) y contó con la participación de Ferrari, uno de los discípulos argentinos con los que Le Corbusier había trabajado en París. Pero el europeo quedó rápidamente afuera del proyecto y terminó recibiendo, tal como destaca el documental, “uno de los gestos más desagradables que recibió en su vida profesional”. Sus propuestas innovadoras, de todos modos, jamás llegaron a implementarse ni entonces ni hasta la actualidad.

Ya convertido en una especie de mito de la arquitectura, Le Corbusier tuvo su revancha en el país. En 1949 fue convocado para diseñar la vivienda familiar de un prestigioso cirujano, Pedro Curutchet, en la ciudad de La Plata. Las obras concluyeron en 1952 y el arquitecto, que mandó su propuesta desde París, nunca llegó a ver su creación terminada.

En 2016, la Casa Curutchet, única construcción de Le Corbusier en toda Latinoamérica, fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, junto con otras 16 obras del urbanista desplegadas por todo el mundo.

Un documental argentino

El director Gerardo Panero llegó a la historia de los días agitados de Le Corbusier en la Argentina mientras trabajaba en otro largometraje sobre la arquitectura, dedicado a Amancio Williams (N. de la R: esta película también está disponible en CineAR Play). Buscando material se encontró con el cortometraje documental La ciudad frente al río, de 1950, que es el que da inicio a su película. Allí se habla de las ciudades “enfermas” y se proponen posibles curas.

Con una estructura clásica, Plan para Buenos Aires está armado a partir de material de archivo, pero también con testimonios de expertos y con imágenes actuales de la ciudad infinita que sirven como referencia para entender la fascinación de un urbanista encendido y visionario que soñaba con verla florecer.

AL

Plan para Buenos Aires se puede ver de manera gratuita en CineAR Play.

Algo Prestado es un podcast de elDiarioAR realizado por Tamara Tenenbaum, junto a un invitado cada semana. Está alojado en Spotify, plataforma líder para la publicación de podcast, y también en otras aplicaciones de streaming.

TT

El renombrado arquitecto y urbanista Rodolfo Livingston murió hoy a los 91 años y fue recordado por colegas y familiares como el creador del premiado método “Arquitectos de Familia”, un sistema que “pateó el tablero de la arquitectura” al hacer partícipes a las familias en el diseño de las viviendas.

“Murió mi papá”, publicó esta mañana en Facebook su hija Ana, confirmando el deceso del arquitecto que ocurrió mientras estaba de vacaciones con su familia en Mar de las Pampas, en la costa atlántica bonaerense.

Hacia el mediodía, su esposa, Nidia Marinaro de Livingston, publicó en su cuenta de Instagram una foto de Rodolfo abrazado a su hijo menor, Tomás, y escribió: “Queridos, murió Rodolfo en mis brazos, con Tomás al lado. En paz. Su alma sabia hizo única la despedida”.

“Lo que logró Rodolfo fue patear el tablero de cómo pensar a la arquitectura. Era afín a una arquitectura más sensible y humana, alejada del 'lobby' y del negocio inmobiliario”, subrayó el arquitecto Nahuel Ré, integrante del Departamento de Dirección de Obras del Estudio Livingston.

Además, lo recordó como “un tipo muy divertido” y “amiguero” que “vivía replanteándose las cosas”, y destacó que “entablaba relaciones muy afectuosas con los clientes”, quienes “lo querían mucho”.

Nacido en 1931, desarrolló el “Método Livingston” o “Arquitectos de Familia”, un revolucionario sistema de trabajo caracterizado por “la atención de familias” y por escuchar lo que el cliente quiere, un sistema de diseño participativo que recibió premios internacionales en Estambul y Bruselas.

“El método que desarrolló fue un punto de inflexión. Él se autodenominaba el anti-arquitecto”, aseguró la arquitecta Paula Florenza, colaboradora del Estudio Livingston. “Para los demás arquitectos tradicionales, hacer la reforma de un baño o una cocina lo toman como una obra pequeña. Y los arquitectos de familia tenemos la visión de que no hace falta hacer obras ni agregar metros cuadrados, a veces hay que resignificar los espacios”, explicó.

Por su parte, Ré detalló que el método es un sistema en el que “los clientes son partícipes del proceso de diseño”, donde a través de varios encuentros con entrevistas, juegos y ejercicios con toda la familia, incluyendo a las niñas y niños, “se va llegando a lo que Rodolfo decía que eran los deseos latentes del cliente”.

“Busca que el arquitecto no imponga alguna forma o idea, sino que es más respetuoso de lo que el cliente quiere”, explicó el profesional y, en este sentido, recordó que Rodolfo decía que “nunca hay una familia tipo” por lo que “no hay proyectos estándar, son todos diferentes”.

Para Ré, que en sus primeros años de ejercicio de su profesión se vio cautivado por el método, este sistema “va a trascender bastante porque es revolucionario y le da una sensibilidad especial a una profesión que suele ser bastante rígida”.

“Lo que importa es la vida que sucede en ese espacio. No es el espacio en sí mismo, sino lo que sucede en él”, señaló Livingston a Télam en julio de 2020, en el marco del primer Congreso Internacional llevado a cabo de manera virtual con el objetivo de generar una relación de mayor solidaridad entre profesionales de la arquitectura y sus clientes.

El emblemático profesional sostuvo que la realización del congreso significó “romper con el concepto de la especialidad como fuente de conocimiento única”.

“Este evento está mucho más cerca de la vida real” porque genera “diversidad al enfrentar a clientes y arquitectos”, afirmó el urbanista durante el congreso llamado “Uno = Miles” impulsado por arquitectos de familia y el proyecto de la ONG Propamba (Propuestas para el Área Metropolitana) que se desarrolló con el método Livingston, bajo la visión y pensamiento del arquitecto.

Durante la década de 1990, el arquitecto supervisó la aplicación del programa Arquitectos de la Comunidad en Cuba, donde también escribió más de 500 artículos y realizó reportajes en revistas especializadas y en publicaciones de interés general.

“Rodolfo tenía a Cuba como una referencia a nivel político, social y económico. Era muy afín a esas ideas, que tiene que ver con estar con el pueblo, con la gente, algo distinto a lo que es la arquitectura tradicional, que a veces deja de lado a la persona”, comentó el arquitecto Ré.

Ese programa en Cuba fue el germen del taller de Arquitectos de Familia que dictó durante años en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires, donde los estudiantes realizaban gratuitamente proyectos para las “familias comunes” que se anotaban.

Livingston también fue columnista semanal en “Juventud Rebelde” (Cuba) durante los años 2002 y 2003, recibió la distinción de personalidad destacada de la Cultura y la Educación de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, en 2017, y escribió a lo largo de su vida.

Otra de las grandes pasiones de Rodolfo fue el chocolate. “Era un fanático, se volvía loco. Cuando nos juntábamos alguien siempre le llevaba chocolate”, recordó Florenza. Y agregó que también “tenía esas cosas de que se acordaba poemas y los recitaba. Tengo en el teléfono audios de él recitando poemas”.

Sobre cómo era trabajar con él, la arquitecta recordó que era “redivertido, siempre estaba haciendo chistes, pero se ponía serio cuando se tenía que poner serio. Tenía esa versatilidad”.

Más rasgos del arquitecto se pueden ver en el documental “Método Livingston” (2019), dirigido por Sofía Mora, que realiza un recorrido por sus ideas, y cuenta con la participación de Rodolfo, su esposa, su hijo Tomás, el psicólogo y arquitecto Alfredo Moffat y el abogado Eduardo Cárdenas, entre otros.

Desde la cuenta de Instagram del taller Arquitectos de Familia (@arquitectosdefamilia) también lamentaron el fallecimiento del arquitecto, al que consideraron un “maestro y mentor”.

“Deja con nosotros toda su sabiduría y generosidad de compartir su aprendizaje y conocimientos. Su alma sabia se despide un día hermoso, con paz. En un lugar que amaba”, agregaron.

Sobre el legado que deja el arquitecto, sus colegas resaltaron que “la gran enseñanza de Rodolfo es cómo ser el psicólogo del cliente y darle la casa soñada que quiere”.

Con información de Télam

Con su primera obra retrospectiva que reunió más de diez años de producción, en un recorrido inmersivo e interactivo por los salones, patios y jardines del museo, el artista y arquitecto Gaspar Libedinsky logró lo que pocos en la historia de la institución: el público se renovó por completo, con presencia de muchísimos jóvenes y niños.

La obra central de la muestra, que ocupó el Gran Hall del edificio, bautizada “Arrecife”, fue una suerte de laberinto monumental que se podía recorrer por su interior, compuesto por 1.000 kilos de cerdas de escobillón, ya fue desarmada y esa materia prima volvió al fabricante para ser convertida en escobillones que la gente podrá comprar en supermercados.

“Son corales listos para convertirse en 5.000 escobillones rojos que podrán encontrarse y adquirirse en las góndolas de bazar y limpieza. Un paisaje efímero que tomó el Gran Hall del museo con una huella de carbono neutral: en su creación no se utilizaron nuevos recursos ni se generaron nuevos desperdicios”, contó el artista.

El público que asistió a la muestra “Casa Tomada”, que acaba de finalizar el desmontaje, se acercó a récords como los de la exposición de Joan Miró (“La experiencia de mirar”, 2017) en el Museo Nacional de Bellas Artes, que convocó a 263.373 visitantes, o la de Leandro Erlich en el Malba (“Liminal”, 2019) que fue vista por 252.000 personas.

Uno de los highlights de la exposición -punto obligado para la selfie de cada visitante- fue “Nube”, una impactante instalación en el Jardín de Invierno que invitaba a acoplarse visualmente a esta elegante figura multicolor hecha con cerdas de 300 escobillones de 50 colores. La pieza fue vendida a la compañía de Miami Rosso Development y se verá en uno de sus desarrollos inmobiliarios, The Standard, en esa ciudad estadounidense.

En el antiguo Palacio Errázuriz Alvear, Libedinsky exhibió gran parte de sus obras realizadas con elementos de limpieza: trapos, plumeros y escobillones pasaron a ocupar un lugar estelar en el sitio que alguna vez fue residencia de una aristocrática familia. La apuesta de Libedinsky en su producción es convertir lo ordinario en extraordinario, lo marginal en objeto de deseo.

LC con información de agencia Télam

Este viernes 1° de julio se celebra el Día del Arquitecto en Argentina para homenajear a los profesionales de la arquitectura de nuestro país. En tanto, otros países del mundo lo festejan el primer día de octubre.

La Federación de Arquitectos Argentinos (Fadea) constituyó el 1 de julio como el Día del Arquitecto Argentino en 1996. Hasta ese año, la celebración se realizaba ese mismo día pero en el marco del Día Internacional de la Arquitectura, que había sido instituido por la Unión Internacional de Arquitectos (UIA) en 1985. 

Durante el Congreso Internacional de Arquitectura en Barcelona en 1996, la UIA trasladó esa celebración al primer lunes de octubre, que se celebra el Día del Hábitat. Sin embargo, como ya estaba instalado en la agenda nacional, Fadea decidió mantener la fecha del 1° de julio para honrar a los arquitectos argentinos.

Amancio Williams, Wladimiro Acosta, Clorindo Testa, Mario Roberto Álvarez, César Pelli y tantos otros -célebres y desconocidos- que fueron y son los que con su obra construida conforman el acervo de la arquitectura argentina, hoy son recordados y homenajeados.

La arquitectura es un arte y una técnica que se encarga de proyectar y diseñar espacios tanto públicos como privados, que serán habitados por el ser humano. Esta profesión se encarga de modificar y alterar el ambiente físico con el objetivo de suplir las necesidades humanas. 

DL

El jueves pasado en el recinto del Consejo Directivo fueron elegidas las nuevas autoridades de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires luego de que asumieran las consejeras y consejeros, surgidos de las recientes elecciones generales. El nuevo Consejo Directivo eligió a Carlos Venancio como decano y a Walter Gómez Diz como vicedecano con 9 votos a favor.

La profesora Diseñadora Industrial Anabela Rondina –consejera electa que encabezara la lista por el claustro de profesores y profesoras, en representación de la mayoría del Consejo Directivo de la FADU–, llevó adelante la propuesta de la candidatura de Venancio como decano, detallando su trayectoria académica e institucional y su compromiso con la educación pública. Manifestó “por su capacidad y calidad profesional, su gran empuje, porque aboga por la transversalidad en las carreras de la FADU (soy testigo que conoce todas y cada una de las materias de todas nuestras carreras) y por lo que, a mi entender, es la más importante de las cualidades que alguien puede tener: la de ser una excelente persona.”

La propuesta de la candidatura del vicedecano fue hecha por Carlos Venancio, ya como decano electo, presentando al profesor arquitecto Walter Gómez Diz para acompañarlo en el decanato. Al rescatar sus valores, su capacidad de trabajo y su calidad como persona destacó su formación en gestión y su trayectoria académica. Y detalló “en ese equipo que conformaremos es muy importante su participación y colaboración. Porque no solo es profesor en el área de proyecto sino también en el área de las tecnologías. Me parece que es otro de los puntos que tenemos que llevar adelante en las gestiones que vienen (y que hemos intentado en este reciente período de la facultad). Tiene que ver con tender puentes entre carreras, entre materias y asignaturas, entre claustros, entre facultades (donde hay mucho por hacer). Tiene que ver con tender puentes entre grados (entre grado y posgrado), entre nuestros graduados, estudiantes y profesore. Tiene que ver también con los vínculos entre universidades del interior y del exterior de nuestro país. Esos puentes están representados en el profesor y la transversalidad que tenemos que escalar y llevar adelante.”

Además, el profesor Venancio agregó: “ Eso también tiene que ver con el mundo productivo y disciplinar. Esos vínculos que tienen que establecerse y ponerse en primera línea, como lo establece nuestro Estatuto Universitario sobre la responsabilidad en la educación pública de ser los proveedores preferenciales del Estado Nacional y nuestra capacidad de sabiduría para ponerla al servicio a partir de esta formación”.

Ambos asumirán funciones el 1 de agosto próximo para desarrollar sus mandatos durante el período 2022-2026.

CG

El célebre arquitecto y urbanista Ricardo Bofill murió este viernes a los 82 años, según adelantó La Vanguardia y pudo confirmar elDiario.es. Por su larga trayectoria y obras, plagadas de reconocimientos y premios, este barcelonés se había convertido en uno de los arquitectos españoles con mayor proyección internacional.

Nacido en la capital catalana, Bofill estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, de la que fue expulsado por su activismo antifranquista, y prosiguió su formación en Suiza. A su vuelta a Catalunya, en 1963 fundó el conocido Ricardo Bofill Taller de Arquitectura, para el que reclutó a un equipo interdisciplinar que incluía a artistas, fotógrafos o sociólogos. Entre ellos, el escritor José Agustín Goytisolo, el político Salvador Clotas o su hermana, la también arquitecta y músico, Anna Bofill.

El fallecimiento de Bofill llega apenas un mes y medio de la muerte de otro de los grandes urbanistas de Barcelona, Oriol Bohigas. 

Cruz de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya, Bofill fue declarado miembro honorario del Instituto Americano de Arquitectura en 1985 y Doctor Honoris Causa por la Universidad de Metz en 1995 o por la Politècnica de Catalunya en 2021. 

“Familiares, amigos y compañeros de profesión lamentan la muerte del gran arquitecto”, ha expresado el entorno familiar en un comunicado. “Para despedir a Ricardo Bofill Levi, los días 26 y 27 de enero se celebrará un acto en el que amigos, allegados y admiradores de su arquitectura podrán acudir a la emblemática sede del estudio para rendir homenaje al arquitecto”, añaden.

Entre su extensa obra, destacan inicialmente el proyecto de vivienda colectiva Walden 7, inaugurado en 1974, en Sant Just Desvern, al lado de Barcelona, así como la Muralla Roja, en Calpe (Alicante). La construcción de este último se completó en 1973, pero el arquitecto explicó que llevaba diez años trabajando en él.

Sus proyectos más emblemáticos van desde el Hotel Vela, en Barcelona, hasta los Jardines del Túria, en Valencia, pasando por el Palacio de Congresos de Madrid. Su estudio estuvo detrás también de las ampliaciones de la T2 y la T1 del Aeropuerto del Prat. A nivel internacional, contaba en su haber obras como la sede de Cartier, en París; la de Shiseido Ginza, en Tokio; el Citadel Center, de Chicago; o el edificio Arsenal, de Metz.

Bofill destacó por “cuestionar el pensamiento dominante en arquitectura”, resaltan desde su Taller, “y de esa filosofía ha nacido una ingente obra muy variada en su expresión estilística, arraigada al lugar, con un fuerte componente de innovación y riesgo”. En total, cerca de 1.000 obra en unos 40 países de todo el mundo. 

La Confitería del Molino es una esquina emblemática de la Ciudad de Buenos Aires. Su ubicación estratégica, a metros de la Plaza de los Dos Congresos y del Palacio del Poder Legislativo Nacional, la puso en un lugar privilegiado de la vida social, cultural y política de la Metrópoli. El edificio refleja los vestigios de una historia rica en tradiciones y relatos de pactos y traiciones de un barrio donde se reunían los debates de una nación. Tan rica quizás como sus postres.

Como obra de arquitectura, el edificio es un ícono del Art Nouveau en Argentina. Fue proyectado por el Arquitecto Francisco Gianotti, el mismo que diseñó la Galería Güemes. Si visitáramos ambas obras, encontraríamos patrones comunes tanto del estilo como de su impronta personal. Posiblemente la forma de la torreta-mirador de la Galería, construida en acero y revestida en cobre, nos recuerden a la esbeltez de la torre-cúpula de la Confitería.

Con más de un siglo de historia, el Molino emplazado en la esquina de la Av. Rivadavia y Av. Callao se erige sobre una estructura metálica, con mampostería de ladrillo como cerramiento, entrepisos de perfilería metálica con bovedilla y piezas de hormigón premoldeado en escaleras y torre-cúpula. Cada espacio presenta, según sus usos, pisos de piedra –mármoles de procedencia europea–, finos pisos de madera u ornatos premoldeados de yeso estucado o con toques dorados. Pero estas características materiales eran abstractas hace tres años. Porque el edificio se encontraba en estado de saqueo y desidia. Principalmente faltaban las piezas de bronce de la cerrajería e iluminaria, y se retiraron del interior más de treinta bateas de basura: cuarenta colchones, roedores muertos, tarros de wano y excremento de todo tipo. Pero el riesgo más importante era el colapso de la estructura.

“El primer desafío, y posiblemente el más grande, fue la consolidación del Edificio del Molino. Evitar su derrumbe, que parecía inminente. Hay mucha ansiedad, y la gente cree que hay que abrir rápido. Y llevamos apenas treinta y seis meses del día que entramos, la mitad de los cuales fueron en pandemia. En término de laburo efectivo no tuvimos más de veintidós meses. El Edificio estuvo veintidós años cerrado, pero ya desde antes tenía un nivel de mantenimiento muy bajo. (...)El riesgo más grande era el colapso”, manifiesta Ricardo Angelucci, secretario técnico administrativo de la Comisión Bicameral del Congreso Administradora del Edificio del Molino.

La cúpula está construida sobre cuatro columnas de hierro. Ellas sostienen todo el casquete que va desde el primer subsuelo hasta los setenta metros de su coronamiento. Poder garantizar que esa estructura de hierro tuviera la estabilidad suficiente para poder empezar la reconstrucción fue el desafío más grande. Hubo que recambiar hierros y perfiles. Recién se pudo trabajar en la terraza cuando la consolidación del edificio, que llevó aproximadamente un año, hubiera finalizado. Desde la azotea se filtraba agua con cada lluvia, lo cual obstaculizaba la restauración y deterioraba cada vez más al edificio, pudriendo los pisos de madera entre otras “patologías”. 

Con la Arquitecta Nazarena Aparicio nos adentramos en la obra. La confitería distribuida en planta baja se encuentra en la etapa de finalización de la puesta en valor de los solados de mármoles originales y cielorraso ornamentado en yeso. En la envolvente, las placas de mármol revisten los muros; y los distintos conjuntos de vitrales que están cubiertos por protección se desmontaron, restauraron y volvieron a colocar. La columnata, revestida en estuco de falso mármol, consiste en una estructura mixta de perfilería metálica y hormigón armado. Su revestimiento “símil mármol” consiste en una técnica pictórica que aglomera polvo de mármol y distintos pigmentos para llegar a la veta correspondiente. Se hizo una fuerte limpieza técnica sobre la superficie del estucado, y resta finalizar las tareas de consolidación de los capiteles. El conjunto de luminarias de la confitería está restaurado en su totalidad. Los apliques periféricos están compuestos por muchísimas piezas con caireles de vidrio, y el aplique central está compuesto por paños de vitral.

Al exterior se puede apreciar los característicos leones alados, que no estaban previo al inicio de la obra. Sólo restaban unas fotografías históricas, y a partir de ellas se pudo diseñar los moldes de forma digital y fabricarlos materialmente. Se trabajó por separado con el torso por un lado, y con las alas por el otro; y se ensambló todo en altura. Estos leones pesan aproximadamente una tonelada cada uno, y están custodiando la cúpula. Su terminación es en “símil piedra”, que es el mismo revestimiento que tiene la superficie exterior. Al levantar la mirada, se puede ver piezas coloreadas que en serie se repiten en la cúpula y en la fachada. Son miles y miles de piezas de vidrio horneado que ornamentan toda la envolvente externa del edificio con distintos motivos. Aparicio nos revela que se hicieron veintisiete mil reposiciones, con más de veinte variedades de colores de vidrio diferentes. Las tejuelas sobre la cúpula y sobre la falsa mansarda son de mayólica, con una doble cocción y una terminación dorada. Hubo que ejecutar algunas réplicas porque había faltantes. Para tal fin, hubo que hacer muchísimas pruebas y así dar con el tono exacto de la pieza original. La puesta en valor de la cúpula, desde el tambor hasta su coronamiento, está finalizada. Lo mismo que la fachada y la azotea. 

Para la restauración de un edificio de tamaña envergadura, se constituyó un equipo de trabajo interdisciplinario: hay especialistas en vitrales; en metales; en restauraciones edilicias en yesería, moldería, superficies en mármol, como también especialistas en madera, asesores expertos en vitrales y restauración en general. Por otro lado, Aparicio nos explica que un equipo de arqueología urbana, coordinado por la arqueóloga Sandra Guillermo, trabaja en la recolección y hallazgos dentro del edificio a lo largo del tiempo desde que inició la obra, para reconstruir su historia. La ejecución del Plan de Restauración Integral del Edificio del Molino –RIEM- incursiona en un abordaje poco habitual de la gestión patrimonial, que contempla la dimensión material e inmaterial de los bienes culturales, desde la multidisciplina y la pluralidad política, con el compromiso de involucrar la participación de la comunidad.

Tenemos entonces por un lado la reconstrucción del edificio en su faceta material y arquitectónica, y la reconstrucción de la historia del inmueble en su sentido inmaterial e intangible. Por otro lado, el equipo de prensa trabaja sobre la recolección de los testimonios que integrantes de la comunidad acercan a través de las redes, ya sean fotos o relatos, que a su vez aportan a la reconstrucción material del edificio. Por ejemplo, la baranda del balcón sobre el salón de fiestas se pudo replicar con sus ornamentos con suma fidelidad del original a través de la fotografía donada de un evento social celebrado allí mismo. A partir de unas fotografías, la diseñadora gráfica de la Comisión junto al equipo de vitralistas pudo reconstruir la traza original de plomos para generar réplicas de paños de vitral. De alguna manera, una fotografía puede ayudar en simultáneo a reconstruir el edificio y sus historias. A través de las redes también, la gente colaboró con testimonios que azoran la reconstrucción. Trabajadores de antaño, como un panadero que horneaba cada mañana del pasado en la cocina del subsuelo, aportó recetas. El postre emblemático del Molino original es el “Leguisamo”, que es el postre que le hace Gardel al homónimo jockey uruguayo.

“La ansiedad de la gente no se condice con el estado del edificio”, sentencia Angelucci. Pero, casi sin decirlo, el equipo de restauradores y de la Comisión tiene la misma ansiedad. Su intención es hacia este fin de año terminar la restauración del núcleo central, que es la Confitería, el salón del primer piso, la envolvente exterior, y la marquesina de la esquina. Pero que abra la confitería no significa que enseguida podamos sentarnos a tomar un café. El proceso de selección de la empresa para la concesión del bar tendrá requisitos rigurosos tanto para el método de selección como para su postulación. “Quien venga tiene que tener la capacidad de conservar el edificio en el estado de restauración. Tiene que ser consecuente con la historia gastronómica y cultural”, agrega el secretario técnico de la Comisión. Según la legislación, debe conservarse lo inmaterial, el espíritu de la confitería: debe recuperarse recetas, espacios, historias y relatos. Con respecto al mobiliario, si bien no había uno “característico” de la confitería, porque a lo largo del tiempo se alternaron indistintamente mesas genéricas de madera o de mármol, será condición también que los nuevos muebles armonicen con el carácter del edificio.

Con dieciocho meses netos de trabajo en un edificio cerrado por veintidós años, se saneó y consolidó una estructura que corría con riesgo de demolición, y hoy se encuentra con la expectativa de que, más pronto que tarde, nos vuelva a ofrecer un café.

AB/JIB