Selva Alemán falleció hoy a sus 80 años, según confirmó la Asociación Argentina de Actores. La reconocida actriz nació el 30 de abril de 1944 y fue protagonista de reconocidas ficciones nacionales.

“Con profundo pesar informamos el fallecimiento de la querida actriz Selva Alemán”, inició el comunicado oficial. “Extendemos nuestras más sinceras condolencias a su compañero de vida, Arturo Puig, y a todos sus seres queridos en este difícil momento, recordándola con el respeto que supo ganarse a lo largo de su extensa trayectoria artística en teatro, cine y TV”, dijeron desde la entidad.

La intérprete, que debutó a los 15 años, llevaba cinco décadas en pareja con Puig y, según fuentes allegadas, falleció a causa de un infarto.

El sindicato le entregó el Premio Podestá a la Trayectoria Honorable junto con el Senado de la Nación en 2003.

En televisión, participó en memorables títulos, como “Mujercitas”, “Situación límite”, “Son amores”, “Lalola”, “Malparida” y “Tiempo final”, entre muchas otras. 

Así mismo, en teatro, su versatilidad le permitió destacarse en obras de diversos géneros, desde clásicos hasta comedias contemporáneas, como “Madres e hijos”, “¿Quién le teme a Virginia Woolf?”, “Cartas de amor”, “Las troyanas” y “Le Prenom”.

La noticia conmociona al mundo del espectáculo y a quienes crecieron con las tiras clásicas de la televisión nacional.

La repentina situación impacta ya que la intérprete había acompañado a Puig a la entrega de los Premios Sur el lunes pasado.

La pareja era realmente admirada por su compañerismo. Meses atrás, una usuaria de redes sociales contó: “Yo laburaba en un centro médico. Una vez vino Selva Aleman a hacerse un estudio. Tenía miedo. La acompañaba Arturo (Puig). Él hacía chistes y ella le sonreía enternecida. Adorables sencillamente”.

MM con información de la agencia NA.

La actriz Camila Perissé, quien fue una sex simbol en la década de los '80, murió este martes a los 70 años como consecuencia de una neumonía, entre otros problemas de salud, informaron allegados.

Perissé se encontraba internada en el Hospital Español y su esposo, Julio “Chino” Fernández, había señalado cinco días antes que su cerebro no respondía.

En los últimos años se había contagiado de COVID-19, lo que había complicado su ya delicado estado de salud por otras afecciones.

La actriz había sobresalido, sobre todo en la televisión de los '80, en los programas de Tato Bores, donde se destacaba por su exuberante figura, su delicada gracia y su simpatía. Apareció en varias tapas de revistas, incluyendo Playboy.

Además se destacó en cine y teatro en la misma época. La actriz luego perdió fama y dinero por culpa de las adicciones.

Sus últimos cinco años de vida estuvieron marcados por problemas de salud que cada vez le fueron haciendo más difícil la vida, aunque estuvo acompañada por su marido hasta el último momento.

Camila Perissé nació en Mar del Plata el 1 de enero de 1954, bajo el nombre de Camila Porro. Con solo 15 años se recibió de profesora de Danzas Nativas. Llegó al teatro con “Despertar de primavera” y acompañó a Tato Bores en televisión, en los famosos programas de humor político.

Pero después las adicciones le jugaron una mala pasada. En 2019 trató de volver a los medios con una autogestión junto a su marido, pero sus problemas de salud le impidieron trabajar.

Le diagnosticaron fibromalgia cuando no podía soportar sus dolores musculares y articulares, pero estuvo mal medicada y eso la perjudicó al punto tal que un día se cayó en su casa y se rompió la cabeza del fémur.

Le colocaron tres tornillos en la cadera y tuvo que estar tres meses en silla de ruedas. Luego la operaron y varios actores se juntaron para ayudarla económicamente.

Mientras intentaba recuperarse, Camila se contagió COVID y su salud empeoró aún más, llegando a pesar solo 45 kilos. Finalmente, esta tarde murió en el Hospital Español, donde estuvo sus últimos 6 días de vida ya con un diagnóstico de neumonía que la tenía con respirador artificial.

JJD, con información de NA.

Un gran jurado de Nueva York votó este jueves imputar al expresidente Donald Trump (2017-2021) en una causa relacionada con el pago a la actriz porno Stormy Daniels a cambio de su silencio, según adelantó el diario The New York Times. El diario, que cita a cuatro personas conocedoras del asunto, señala que la primera imputación por delitos criminales a un expresidente de EE.UU. se anunciará en los próximos días y para entonces la Fiscalía de Manhattan habrá solicitado a Trump entregarse para ser citado por los cargos, que aún no se conocen.

El gran jurado, un órgano que estudia los casos y decide si hay base o no para la celebración de un juicio, ha sido seguido con gran atención mediática desde que hace diez días el propio Trump asegurara que sus 23 miembros iban a confirmar su imputación y acto seguido sería detenido, lo que finalmente no se produjo.

Hasta el miércoles mismo, se creía que el gran jurado pospondría su decisión hasta fines de abril.

Por su parte, The Wall Street Journal sostiene que el gran jurado ha examinado en sus últimas reuniones -que no son públicas, por lo que su contenido solo se conoce por filtraciones- un segundo caso de otra modelo de Playboy que también acusa a Trump de haberle pagado a cambio de callar sobre una relación sexual.

La modelo Karen McDougal, que fue “chica Playboy” del año en 1998, asegura que mantuvo una relación sexual con Trump durante diez meses en 2006, y llegó a un acuerdo para publicar su historia con The National Enquirer a cambio de 150.000 dólares (137.500 euros al cambio de hoy), pero el diario -cuyo propietario es amigo de Trump- compró su testimonio para ocultarlo.

El detalle es importante, porque significaría que la acusación de Stormy Daniels ya no es aislada y que existe un patrón de conducta por parte de Trump, lo cual hace más factible su culpabilidad. 

DA

“Una vez sacaron a una extra gorda delante mío para que no creyeran que era yo. Sin contar las veces que me confundieron con Karina Hernández. No nos miran a la cara, da lo mismo quién es quién. No nos parecemos en nada, pero nos ven como un coso gordo. Karina es blanca, medio rubia de pelo largo, tiene pecas y es todo simpatía. Yo soy morocha, de pelo corto y ojos verdes, más bien seria. Hace poco una periodista me hizo una nota y puso ‘Brilla en El primero de nosotros’, la telenovela donde actúa Karina que, de paso, recibió felicitaciones por la película Permitidos, donde estuve yo. Ya nos reímos, aunque es indignante”. 

La que habla sobre cuerpos gordos en el mundo del espectáculo es Maruja Bustamante, actriz, directora, performer, dramaturga y docente. A ella, que se pasó la vida actuando, dirigiendo, creando, el tema de los cuerpos no normativos le importa y se entusiasma entre anécdotas y reflexiones porque le interesa que se sepa qué pasa en su ámbito profesional con las personas que están fuera de los estándares más rígidos.

Maruja abre su biografía gorda con la esperanza de abrir mentes y corazones. Es docente en la Escuela Municipal de Arte Dramático y curadora en el área de Artes Escénicas del Centro Cultural Ricardo Rojas de la Ciudad de Buenos Aires. Trabaja con personas de cuerpos diversos, como hay en el teatro y en … la vida. Tiene 43 años, uno menos que el número de casas en las que vivió, siempre está en movimiento. 

Según su colega Mariano Tenconi Blanco, Maruja es “como una vidente, sus obras aumentan, exageran o hasta profetizan su propia biografía”.

Hace un tiempo, ella contó en un tweet que le dijeron: “la gorda tiene que ser fácil, porque no es para novia”. Eran los días en que un reconocido médico televisivo, especialista en cuestiones de peso, declaraba en las pantallas hogareñas: “un gordo no puede enamorarse”. ¡Horror! Y error elemental, además.

Maruja dice: “soy gorda y siempre lo fui. Mi familia me obligó a hacer dietas restrictivas y fui de las que soñó con despertar flaca mágicamente. También la que un día dijo (como autocastigo): hasta que no adelgace no como más huevo de Pascua”.

Que haya participado en más de 100 obras alternando distintos roles nos da una idea clara y contundente de que en la vida como en la ficción hay infinidad de cuerpos diferentes, no sólo hegemónicos, aunque a veces a los diferentes  se los pretenda ocultar.

Maruja dirige la obra Yegua, de Belén Gatti, una fábula rural y lésbica, y actúa en La casa oscura, “un show documental sobre salud mental” que escribió junto a Mariela Asensio, sobre estos tiempos de eficiencia y resultados, cuando todo parece funcionar por fuerza de voluntad y los imperativos son la felicidad y el estar bien. “Nadie soporta la tristeza de nadie y se lo calla con químicos o fórmulas mágicas. Si querés gustarle a la gente, tenés que estar bien o enojada. Nunca triste”, le dijo un amigo. Ambas puestas en escena pueden verse en El galpón de Guevara.

Autora de los libros Hija boba y Potencia Gutiérrez, ensaya Alicia por el momento, de Sylvain Levey, sobre “lo difícil que es ser una chica en una ciudad gris bajo la mirada burlona de los varones”. Un poco como le ocurrió a ella durante su infancia y adolescencia. “No fue una época feliz, mi padre era un gordoodiante y me hacía la vida imposible diciéndome que era una gorda asquerosa, pasé por todo tipo de humillaciones verbales suyas, haciendo además regímenes restrictivos. También viví el acoso de otras personas.”

Pero los padecimientos por gordofobia no ocurrieron sólo en la edad temprana de la artista. “Multiplicá esas situaciones por los 43 años que tengo. En la infancia querés hacer amigues, ser una más, pero yo no pude. Fui una quilombera, una abanderada, una rara, una loca, una violenta, una depresiva, y siempre, siempre, una gorda a la que había que recordarle que eso era lo peor que le podía pasar”. 

Su mamá modista siempre le confeccionó la ropa multicolor que Maruja veía en las revistas y que en los locales no podía comprar porque de su tamaño no había. Eran los 90, todas las chicas andaban de negro con micro mini y, para las frívolas, yo era una carpa de circo que nadie quería tocar. Bailaba sola, iba a boliches gays donde era la mascota de unos putos hermosos que me ponían glitter y me hacían sentir una diosa. Me fui armando una vida en la que pude ser yo“.

Aunque en algunos espacios del espectáculo percibe ciertos cambios, hay experiencias que reflejan el gordoodio que domina en la mayoría de los sets de grabación. Tener que usar el mismo vestido negro con sirenitas en varias películas, un remerón rosa que no paraba de brillar en la pantalla o “varias faldas que me reclamaban cachet”, le produjeron hartazgo. También, que, a falta de canje para “una actriz gorda boló”, los vestuaristas me pidan “que lleve mi propia ropa plus size” para luego inspeccionarla, mirar con asco y cuestionar: “porque usás muchas estampas”.

“¿Por qué traen extras gordas? Estoy podrida, no sé qué ponerles, les queda todo horrible”, gritó una vez una directora de vestuario. Maruja hubiera querido armar una revolución de gordas desnudas, una legión de redondeces sin ropa en rebelión contra las jerarquías ridículas y los profesionales “sin talento que sólo sabe vestir maniquíes”, pero se quedó paralizada detrás de un cortinado. 

Por gorda, Maruja tiene restringido el tipo y categoría de personaje, pero no lo toma como algo personal sino colectivo, político. “¿Viste protagonizar en alguna pantalla a una gorda? ¿1, 2, cuántas? Sí, en una serie que se llama Gorda, cuac. ¿Pero alguna que haga de inteligente, deseable, proactiva y tenga una trama importante? Tal vez haya alguna actriz consagrada que está gorda, pero es una excepción. Esto no lo van a cambiar y temo decirlo porque después no trabajo, pero es así. Vi sufrir a Mirta Wons y no lo podía creer. Qué bronca. Canta, baila y actúa increíble, pero no le dieron una verdadera oportunidad. La nombro a ella y podría mencionar otras. Las cineastas independientes podrían jugarse en sus historias, pero ponen actrices escuálidas y blanquísimas porque está interiorizado que eso es lo que está bien para el audiovisual y lo repiten una y otra vez”. 

Algo similar ocurre con el encasillamiento gordx en el teatro. “Hacemos de matonas, buenudas o graciosas, salvo en la obra que se llama ‘Gorda’. Maruja: adelgazá, me dicen”. Y evoca cuando dos años atrás la humorista canadiense Rebel Wilson, se puso a hacer dieta y las activistas salieron a criticarla. Wilson dijo: quiero que los medios me tomen en serio. “La entiendo, porque la mina es flor de bestia actuando, pero la tienen como la gorda graciosa. Te puede recopar, empoderar, pero también romper los coquitos. Dejen ser feliz a Rebel que adelgazó para que dejen de hablar de su cuerpo y siguen dale que dale, un infierno”.

Lo peor “es que nos pongan como cupo y no nos den tramas, sucesos para actuar. Como si no nos pasara nada. ¿Cómo puede ser?”, pregunta. 

Entre tanto malestar, Maruja celebra “cuando nos juntamos todes, hablamos y nos damos cuenta de que no estamos soles, que tenemos que luchar entre todes. Cada granito alcanza: desde pararle el carro a quien te maltrata en la calle hasta militar en el gordeactivismo, que te da muchas herramientas para responder cuando te increpan. Parezco enojadísima porque tengo un año un poco controversial”, se ríe.

Pese a todo, Maruja Bustamante admite que el ambiente artístico es menos despótico que otros. “Es un poco más abierto, muy pocos te van a maltratar o a opinar sobre tu cuerpo sin permiso porque cada une es como se le canta, pero seguramente te dan menos trabajo y te pagan mucho menos, más si sos una femineidad. Hay una doble moral”.  

La gordura habilita la opinión ajena e impune, cualquiera siempre tiene algo para decir. “Perdón si te jodo, es porque mi hermana pasa por lo mismo”, es una frase que la actriz escuchó infinidad de veces, como otras “de gente que te da lecciones de nutrición y fitness que nunca pediste”.

Asegura que “por suerte hago teatro desde chica y siempre tuve mis amigues ahí, donde al menos se reconocen otros valores, más allá de tener o no un cuerpo hegemónico. Actuar me salvó la cabeza, porque en los ámbitos donde estaban las personas ‘normales’, como la escuela o mi casa, solo recibí violencia que intenté sobrellevar tomando a favor el ridículo en que me ponían, empoderándome, aunque no estuviera de moda la palabra”.

“Mi mamá me cuenta que era alegre, pero que me fui poniendo gris y que ella extraña a aquella nena. A mí me agota esta sociedad que te burla, te aparta, te exige demostrar que podés más y no te da descanso. Es insoportable escuchar una y otra vez personas opinando sobre tu cuerpo, insultándote gratuitamente. Aunque hay días mejores, cuando te rodea la gente amorosa que elegí, admiro, me trata increíblemente bien y quiero con todo mi corazón”. 

 LH

La casa familiar que ahora tenemos que desmontar está llena de fotos. Mi abuelo materno sacaba fotos, hay diapositivas y negativos a granel. Todos mis abuelxs murieron y de sus casas nos llegaron fotos, las suyas, las de sus antepasadxs, en álbumes de hojas transparentes entre página y página. En algunos de ellos hay familiares que nos cuesta reconocer. Y después mi padre, que sacaba fotos de toda situación. Y no sólo sacaba sino que además mandaba a revelar, el rollo entero claro, como se solía hacer. Así que hay armarios y cajones repletos de albumcitos de fotos de las casas de revelado. Los de cuando éramos bebés son formato más pequeño, de menos que 10x15, en colores naranja, entre sepia y saturado, el cartón de los álbumes del mismo color. Y fines de los ochenta o noventas aparecen las famosas 10x15 brillantes, con sus álbumes de tapa blanda algunos, tapa dura otros, con el nombre de la casa de revelado más alguna marca reconocida, Kodak en la mayoría de los casos. Rollos y rollos y rollos, cerca de 30 años registrados en papel fotográfico que -ahora me entero- no se puede desechar.

La foto no puede ser basura, la foto no es basura, la foto no se puede desechar. Leo cómo se puede destruir papel fotográfico. Recomiendan no quemarlo porque es tóxico por sus químicos. Recomiendan no tirarlo como basura común porque no se recicla ni se degrada. El papel de fotografía es eterno. Recomiendan hacer artesanías con él. Un jardín de flores de papel fotográfico con cachitos de nuestras caras en sus pétalos no es para mí. Tampoco quisiera tirarlas a la basura común, siempre me da impresión cruzarme con fotos en o cerca de basureros, las caritas ahí, esos abrazos, esas sonrisas, entre pañales cargados y yerba mate. Eso sé que no quiero para nuestros instantes capturados. Recomiendan triturarlos para después poner las tiritas en bolsas que, otra vez, no se pueden tirar en ningún lugar. Imagino mi madre migrando a su nuevo hogar más pequeño con fotos en todos los ambientes, o rodeada de bolsas de consorcio con nuestras caras en tiritas.

Las fotos no se pueden deshacer.

Las fotos no se reciclan, no se queman, no se degradan. Una foto impresa en papel fotográfico, queda para siempre. 

Justo lo contrario de la actuación. De todo el fenómeno teatral, bah, pero particularmente de la actuación, que es de lo más efímero que existe.

Esta semana murió, demasiado joven, Julieta Vallina, una de las actrices más conmovedoras que hayamos visto. Alcanza con ver todas las palabras hermosas en las redes, alcanza con haberla visto actuar aunque sea una vez. Julieta trabajó en cine, tele y teatro, siempre preciosa, siempre bien, pero en el teatro, ahí de cerca, era que se podía asistir al milagro de verdad. Trabajó tanto y a lo largo de tantos años que cada unx tiene su momento de devoción por Julieta, según cuándo le haya tocado encontrarse con ella. A mí se me viene el Andrei de Un hombre que se ahoga, la versión de las Tres Hermanas de Chéjov que hizo Veronese en el 2004, en la sala anexa de El camarín de las musas, que se estrenaba con ese espectáculo. Hacían función a la tarde, si no me equivoco a las cinco de la tarde. La sala tenía una claraboya en el techo que a esa hora recibía aún la luz de la tarde, filtrada, y la obra se hacía con esa luz, natural. Esos hallazgos que unx le agradecía tanto a ese Veronese: esa sala de piso de fenólico clarito, las paredes de cemento, peladas, excepto por una mapamundi sepia, las actrices y los actores con su ropa, algunas sillas, un sillón, un ropero, y esa luz natural que iba cediendo conforme avanzaba la acción. Si eso no era un suceso teatral, qué si no. Y ahí estaba, entre varixs otrxs, Julieta Vallina, con su carré reluciente, siendo Andrei, el hermano menor de las tres hermanas que en esta puesta eran interpretadas por tres varones. Si mal no recuerdo, en un momento Julieta Andrei se metía adentro de ese roperito y alguien la sacaba de ahí. En esa puesta, también, los actores que justo no actuaban estaban sin embargo en escena asistiendo al y siendo parte del drama que a lxs otrxs les tocaba contar. Todo de esa puesta, y Julieta, su voz, su piel, su presencia, verla actuar. Para mí Julieta siempre estuvo rota, en el mejor sentido en el que se puede estar, no sé si para sí misma, no sé a quién le cabría juzgar eso, rota de estar abierta y poder ver el mundo en ella, el universo, la humanidad. Julieta cuando actuaba estaba ofrecida, brindada, sacrificada. Era la encarnación de eso que describe Grotowski en su Hacia un teatro pobre, como la actriz santa que se ofrece en sacrificio expiatorio, que sacrifica su cuerpo y se entrega como en un acto de amor. Actuar así, una actriz así, actuar y poder conjurar el amor y la humanidad, así. 

Y a diferencia de las fotos, que no se dejan destruir, el teatro en sí, el hecho teatral, y lo que en él hace la actriz, deja de existir como materia en el momento mismo en el que se encienden las luces, y sólo vive como transformación en los que asistieron al fenómeno, al milagro, a eso que los griegos llamaban catarsis. Quizás también por eso todxs queremos contar, queremos decir, lo que fue verla actuar, para poder prolongar ese estado un poco más, esa transformación.

A diferencia de las fotos, el teatro se destruye, se inmola, su existencia es su extinción y en eso reside todo su poder.

Compartimos fotos de la hermosa Julieta, que nunca se destruirán; compartimos muchxs de lxs vivxs el milagro de haberla visto ser en un escenario y que eso se haya extinguido, fue la condición misma de su existencia.

RP

Hilda Bernard, reconocida actriz de extensísima trayectoria en cine, teatro, televisión y radio, y que quedó en la memoria más reciente por sus papeles de villana en telenovelas, falleció en las últimas horas a los 101 años.

Así lo comunicó la Asociación Argentina de Actores, de la que Bernard era la afiliada viva más antigua, registrada en 1942.

“Nuestras condolencias a sus familiares y seres queridos, acompañándolos en este momento de tristeza”, expresó la entidad a través de sus redes sociales.

Alejada de la actividad hace algunos años, la mujer nacida el 29 de octubre de 1920 en Puerto Deseado, provincia de Santa Cruz, tuvo una siempre elogiada labor en todos los medios en los que una intérprete podía expresarse.

Su trayectoria teatral incluye títulos como “Martín Fierro”, “Mataron a un taxista”, “Felices fiestas, león”, “Cuando el tiempo está después”, “Concierto de aniversario”, “El último encuentro”, “Póstumos”. También se desempeñó en numerosos ciclos de radioteatro de Radio El Mundo y Radio Splendid, junto a Oscar Casco, Nené Cascallar, Eduardo Rudy, entre más.

En su carrera televisiva se encuentran las ficciones “Chiquititas”, “Alta Comedia”, “Muchacha italiana viene a casarse”, “Antonella”, “El amor tiene cara de mujer”, “Rosa... de lejos”, “Floricienta”, “Rebelde Way”, “Se dice amor”, “La extraña dama”, “Cosecharás tu siembra”, “Celeste”, “Pobre Clara”; donde supo cultivar roles de villana que marcaron una época.

En cine, trabajó en “Mala gente”, “Cuerpos perdidos”, “Vení conmigo”, “Autocine mon amour”, “El reclamo”, “Cama adentro”, “Rebelde Way”, “La sombra de Jenninfer”, entre otros.

Una vida dedicada a la actuación

La rica trayectoria interpretativa de Bernard la ubica en ambos extremos del camino brillando en radioteatros de los '40 y componiendo malas malísimas en telenovelas de los '90.

En medio de ese andar que nunca pasó inadvertido, la actriz se ganó un lugar de reconocimiento en los escenarios teatrales y tomó parte en una veintena de filmes entre 1951 y 2010.

“Cada personaje hay que armarlo y pensarlo mucho. Por lo general, y sobre todo en televisión, a mí siempre me han dado personajes de mala y me gustan mucho, porque son roles fuertes. No me atraen los personajes débiles para nada”, definió Hilda en declaraciones periodísticas.

Cinco años atrás y como prólogo a un homenaje que se le realizó en el Teatro Nacional Cervantes, el investigador Alberto Wainer resaltó que “es, sin duda una gran actriz, sin que importe el medio desde el que nos regala su talento pero, si hay algo de ella que la hace especialmente única, está en su voz, una música que nos permitió soñar con heroí­nas de indescriptible belleza y habitar universos deslumbrantes”.

Con una de las mejores voces del medio, que la hizo estrella de la radio en la década de 1940 cuando formó en Radio El Mundo una imborrable dupla con Oscar Casco -hubo también otros galanes-, Bernard nació en Puerto Deseado, provincia de Santa Cruz, el 29 de octubre de 1920, de ancestros ingleses, belgas y austríacos.

Ya en Buenos Aires, estudió en el entonces Conservatorio Nacional de Arte Dramático, donde tuvo como maestro a Antonio Cunill Cabanellas y compartió las aulas con María Rosa Gallo; en 1941 debutó en el escenario del Cervantes en una versión de “Martín Fierro”, con un papel de vendedora de empanadas que ganó por concurso.

A partir de entonces comenzó a acaparar los roles de lo que se llamaba “damita joven”, una categoría muy codiciada. Su primera gran popularidad residió en aquellos programas, con Casco, Eduardo Rudy y Fernando Siro en El Mundo; a principios de los 50 estuvo en Radio Splendid como primera figura de un ciclo libretado por Nené Cascallar –“Mi esposa se quiere casar”, con Nydia Reinal y también con Casco“- y regresó a su emisora madre con títulos como ”No quiero vivir así“ y ”Alguien para querer“.

En los últimos años gloriosos del género (1957), interpretó por El Mundo una adaptación de “Palabras al viento”, una película estadounidense dirigida por Douglas Sirk en la que hacía el papel de Lauren Bacall, en tanto Fernando Siro replicaba el de Rock Hudson.

Rastrear la carrera teatral de Bernard permite ubicarla, entre decenas de puestas, en “Los mirasoles” e “Islas Orcadas” (ambas en 1942), “Las de Barranco” (1962) y “Mataron a un taxista” (1970). En 1983 participó del ciclo Teatro Abierto con “Concierto de aniversario”, de Eduardo Rovner, con dirección de Sergio Renán, que se repuso modificada en el San Martín en 1991 y en el que ella repetía su papel.

“Las Sopranos Sociedad Secreta” fue en 2007 un experimento musical de Osvaldo Campion en el que actuó junto a cantantes líricos, y ese mismo año tomó parte en el ciclo “Mujerres x la Identidad”, junto a Georgina Barbarossa, Luisa Kuliok, Natalia Oreiro, Julia Zenko y China Zorrilla.

Dos puntos altos de su carrera fueron “El último encuentro” (2010), de Sándor Márai, junto a Duilio Marzio y Fernando Heredia, dirigida por Gabriela Izcovich, y “8 mujeres”, de Robert Thomas, con Katja Alemann, Cecilia Dopazo, María Leal, Emilia Mazer, Norma Pons, Juana Repetto, Mónica Villa y Chunchuna Villafañe, con dirección de José María Muscari. Allí repetía el papel de abuela que Danielle Darrieux hizo en la película de François Ozon.

La actriz se casó dos veces, tiene una hija (Patricia), un nieto (Emiliano Parada, hijo del recordado Emilio Disi, pareja de Patricia) y un bisnieto.

La televisión subrayó la figura de la intéprete desde la década de 1960, cuando apareció en programas como “Romeo y... Raquel!!!”, con Atilio Marinelli, seguido, entre otros por “Mujeres en presidio”, “Lo mejor de nuestra vida… nuestros hijos”, “Muchacha italiana viene a casarse”, “Malevo”, “Alta comedia”.

En los últimos años se la siguió admirando gracias a esos roles malévolos que asumió en “Antonella”, “Soy Gina”, “Chiquititas”, “Los simuladores”, “Tiempofinal”, “Rebelde Way”, “Floricienta”, “La niñera”, “Los exitosos Pells”, “Lo que el tiempo nos dejó” e “Historias de la primera vez”.

En el cine debutó con “Mala gente” (1951), de Don Napy, cuando su estrellato radial era pleno, y a esa película siguieron títulos como “Enigma de mujer” e “Historia de una soga” (1956), “Vení conmigo” y “Autocine mon amour” (1972), “La flor de la mafia” (1974), “Seis pasajes al infierno” (1976, de Fernando Siro), “Días de ilusión” y “Rosa de lejos” (1980), “Diapasón”, 1986, de Jorge Polaco.

En 2004 participó en una peculiar película de terror coproducida con Estados Unidos y hablada en inglés, “La sombra de Jennifer”, junto a varios intérpretes argentinos y estelarizada por la hollywoodense Faye Dunaway.

En 2014 fue nombrada Ciudadana Ilustre por la Legislatura porteña y sufrió un ACV del que pudo salir airosa, pero comenzó a pensar que su etapa artística estaba concluyendo.

Un año antes había participado del ciclo televisivo “Los Grimaldi, una familia de locos” y en la obra “Póstumos”, un emprendimiento demasiado fúnebre de Muscari en el teatro Regio y hacia 2015 se le otorgó un Martín Fierro a la trayectoria (el segundo que mereció tras ganarlo en 1992 como actriz de reparto por su labor en “Antonella”).

Con información de agencias.

IG

Liz Sheridan, la veterana actriz estadounidense recordada por haber encarnado a Helen, la madre de Jerry Seinfeld en su emblemática sitcom de los 90, y a la chismosa señora Ochmonek en la clásica ALF, falleció esta mañana a los 93 años.

La intérprete nacida en Nueva York en 1929 murió por causas naturales, doce años después de su último paso por la industria audiovisual, cuando integró el elenco de la comedia dramática y criminal Trim (2010), informó el sitio especializado Entertainment Weekly.

Sheridan comenzó a vincularse con el rubro del entretenimiento cuando, después de trabajar en los 50 y 60 como bailarina y cantante en distintos clubes nocturnos en esa ciudad y en el Caribe, tuvo la oportunidad de obtener sus primeros papeles relevantes en 1977 con la ficción televisiva Kojak y en el musical Happy End, en las que compartió elenco con Christopher Lloyd y una joven Meryl Streep.

Tras ocupar otros roles menores en cine y TV, la actriz consiguió su primer personaje de importancia con ALF, en la que fue Raquel Ochmonek, la molesta y entrometida vecina de la familia Tanner, que junto al memorable extraterrestre Gordon Shamway estuvieron en pantalla entre 1986 y 1990.

Sin embargo, poco después le llegó el papel que sellaría su fama: se trata de Helen, la cariñosa y algo insoportable madre de Jerry en Seinfeld, personaje que apareció en 21 episodios de la legendaria sitcom que se emitió entre 1989 y 1998.

Al respecto, la tira también sufrió hace menos de dos semanas la pérdida de otra de las figuras maternales de su historia, cuando se conoció el fallecimiento de Estelle Harris, quien daba vida a la chillona madre de George Costanza, el mejor amigo de Seinfeld interpretado por Jason Alexander.

Además de sus roles en Alf y Seinfeld, Sheridan también fue parte de tiras como Brigada A, Luz de luna, con Bruce Willis y Cybill Shepherd; ¿Quién manda a quién?; Lazos de familia, con Michael J. Fox; y Reportera del crimen, con Angela Lansbury.

MB con información de la agencia Télam

“Sugiere el sexo”, “cara llenita”, “ojos avellana”, “su cara la ha marcado y la seguirá marcando hasta la muerte”, “guapa”… Así es como definía la prensa a la actriz Charo López en los años 70 y 80. Pocas menciones a su talento como intérprete, muchas a su belleza hipnótica. El machismo de la época hizo que durante muchos años se destacaran solo sus atributos físicos y nunca sus interpretaciones llenas de pasión y entrega. Charo López era, y es, un torbellino, una fuerza de la naturaleza que impone desde que pone un pie en un plató o un escenario. A ella le costó que vieran lo que había detrás de aquella joven que fue descrita por muchos como el “mito erótico de la Transición y la intelectualidad”. Había mucho más, y su carrera fue una lucha constante por romper con aquella imagen, por demostrar que era una actriz.

Lo cuenta en el documental Me cuesta hablar de mí, dirigido por Chema de la Peña, que antes de su próximo estreno el 3 de marzo en España se presentó en la Cineteca de Madrid, donde la actriz acudió a un pequeño coloquio donde se enfrentó a uno de sus mayores temores, las preguntas y las reacciones del público a su trabajo. A pesar de llevar seis décadas actuando sigue sintiendo pánico a las entrevistas. De ahí el título de este trabajo donde repasa su vida y su carrera y donde consigue relajarse. Minutos antes de que acabe la proyección, la propia López reconoce que está “acojonada”, y delante de la gente subraya una y otra vez que tiene “pánico escénico” y que todavía no ha visto el documental. “Lo veré ahora, cuando ya lo habéis visto todos, y en mi casa a solas”.

De primeras dijo que no. No quería exponerse, abrirse. Es alérgica a mostrar sus sentimientos, como deja claro en un momento del documental cuando se emociona y lo único que acierta a decir es “dame un Kleenex y corta, joder”. Al director le dijo que no muchas veces. “Pensé que iba a ser una entrevista como las miles que he hecho y luego ya me di cuenta del compromiso. No sabía dónde me metía y lo he pasado muy mal a veces. No por Chema, pero a mí me cuesta no solo hablar de mí, sino estar aquí en este momento. Pienso que qué pinto yo aquí. Han pasado 60 años desde que empecé a esta profesión y he aprendido a estar delante de una cámara, a estar aquí todavía no sé cómo se hace”, contó tras la primera proyección del documental al público.

Charo López fue rompiendo poco a poco esa timidez, y acabó aceptando que era un poco “cobarde” y que le tenía “mucho miedo a determinadas preguntas”. Al final lograron que se sentara un día entero a repasar su vida, un retrato de una mujer pionera, fuerte y libre. Ella dijo entre risas que también había “puteado mucho al director” y confesó los tres temas que prohibió en el documental: “Interviú, Almodóvar y los hombres”. Lo de Almodóvar se lo saltó por la torera y explicó que le dijo que no a Matador, y que para arreglar su amistad le dijo que sí a un papel muy pequeño en Kika. Pero ahí lo zanjó.

El cine llegó a Charo López de forma casi casual. Había hecho alguna obra de teatro, pero ella estaba preparada para ser maestra. De repente, un día, gracias a su primer marido, conoce a Gonzalo Suárez. El director nada más conocerla supo ver que en su rostro había algo. Le ofreció el papel de Ana Carmona en Ditirambo. Ella no sabía qué estaba ocurriendo, y su pareja le dijo una frase que todavía recuerda: “Te está ofreciendo hacer una película, desde hoy eres una mujer libre”. Para aquella película tuvo hasta que ir a Roma a conocer al futbolista Helenio Herrera, que se convirtió en productor inesperado del filme.

Comenzaron a llegar películas, papeles en series, pero pocos que ella sintiera que sacaban su potencial como actriz. La prensa seguía destacando solo sus atributos. La incluía en las listas de las mujeres más bellas, y alcanzaba cierta fama. Muchos la calificaron como “el icono erótico de la intelectualidad”, pero eso no daba trabajo ni buenos papeles. En aquel momento había pocos de los que se sintiera orgullosa. En vez de arrastrarse en subproductos o rendirse a las mieles del cine del destape, Charo López rompe la baraja en el año 79. Decide dejar el cine tras dos años sin que la llamen y vuelve a su trabajo como profesora.

Si no me decían que estoy guapa me mosqueaba. Es un ratón que te come, te quita espontaneidad, te exige muchísimo. Yo me he obsesionado con la belleza

Charo López — Actriz

“Ahí hubo una crisis económica muy fuerte en la que me planteé por primera vez qué es lo que pasa cuando no te llaman, así que me fui a un instituto y pedí trabajo, les enseñé los papeles y me dijeron que podía empezar la semana que viene. Cuando estaba preparando las clases me llamó el director y me dijo que el comité de profesores había decidido que una actriz no podía dar clases en un instituto”, recordaba la actriz. Por suerte, a la vuelta de la esquina estaba el papel que le cambió la vida, el de Mauricia 'la dura' en la adaptación televisiva de Fortunata y Jacinta que Mario Camus realizó en 1980. 

Ese papel fue clave, e hizo que enganchara una serie de personajes en los que interpretaba a mujeres libres, valientes, pasionales y que “no se convertían en víctimas”. Para ella eran “mujeres marginadas y hermosas de interpretar, porque no aceptan las reglas del juego”. Si uno de esos papeles de mujeres le cambió la vida fue el de Clara Aldán en otra adaptación televisiva, la de Los gozos y las sombras. Se comía la cámara a bocados, y en aquel año 82 donde todavía el país se sacudía el polvo de 40 años de dictadura, López protagonizó una escena que revolucionó el audiovisual, una masturbación femenina.

“Esa escena fue la mejor”, dijo entre risas en la presentación del documental, donde aclaró que nunca tuvo clara del todo la escena y mencionó el mítico discurso que dio este año Petra Martínez en los Premios Feroz hablando de un tema todavía tabú: “Eso sí que fue valiente y eso sí que es un techo de cristal. En TVE me dijeron que lo hiciera de forma que si lo veían los niños creyeran que me dolía la tripa, y que si lo veían los mayores, que dolían las muelas. Me dijeron que si ensayábamos y dije que no, que rodábamos al día siguiente. Yo no es que tenga mucha experiencia masturbándome, pero… le dije al director, 'tú coge la cámara y a ver lo que pillas'. Y salió adelante y fue un éxito grandísimo. Y nadie se escandalizó. O no nos lo dijeron”.

Para Charo López no vale con hacer un buen papel, sino que hay algo que aunque no se diga todos quieren, “repercusión popular”. Hacer “cosas bonitas y que la gente se acuerde”. Eso le ocurrió muchas veces después. En El detective y la muerte, o en Secretos del corazón, con la que ganó su único Goya como Mejor actriz de reparto. Una carrera marcada por una sombra enorme, la de su belleza, que hizo que siempre la consideraran un rostro bonito y que hasta ella misma se obsesionara. “Es una pesadez, pasaba todo el día, y si no me decían que estoy guapa me mosqueaba. Es un ratón que te come, te quita espontaneidad, te exige muchísimo. Yo me exijo y me obsesiono con la belleza”, reconoce en el documental, aunque también sabe que “me hizo la vida mucho más fácil”, expresa en el documental.

Sus frases lapidarias en Me cuesta hablar de mí demuestran su fuerza y la valentía para hablar sin tapujos sobre temas que todavía estaban casi prohibidos para las mujeres, como muestra en esa escena que casi cierra el filme en la que cuenta por qué prefería vivir sin pareja: “Estar sola es una desgracia, pero vivir sola es un privilegio al cual no se llega por azar. Cuesta muchísimo. Pero en España, cuando una mujer dice que vive sola siempre se oye 'pobrecilla, no ha encontrado marido', y hay otras opciones”.

La actriz Verónica Forqué fue hallada muerta este lunes a los 66 años, según adelantó El Mundo. Los servicios de emergencia Summa 112 la encontraron sin vida en un departamento de Madrid que pertenecía a su madre, Carmen Vázquez-Vigo, escritora de cuentos infantiles que falleció hace 3 años. Fuentes de la investigación señalaron a EFE y a Europa Press que el suicidio es la hipótesis principal.

Forqué había aparecido recientemente en la edición Celebrity de Masterchef, que abandonó después de diez semanas de concurso. “Hay que ser coherente, procuro ser humilde y si no puedo más, no puedo más. Mi cuerpo y el universo me estaban diciendo necesitas parar”, afirmó la actriz delante de las cámaras el pasado 22 de noviembre.

La intérprete había hablado sin tapujos de su depresión en numerosas ocasiones. Se la diagnosticaron en 2014, después de la muerte de su único hermano y de la separación del que había sido su marido durante 34 años, el director de cine Manuel Iborra. “Cuando me di cuenta de que no lo amaba, se me vino el mundo encima. ¿Qué iba a hacer? ¿Cómo lo iba a decir?”, confesó en 2020 en el programa Entre ovejas, de TVE. De aquella relación nació su hija María Forqué, que la fue a visitar a su madre a Masterchef en uno de los momentos más emotivos de su polémico paso por el programa. Ese, precisamente, fue el último recuerdo que compartió Verónica en su Instagram.

“Con tratamiento y pidiendo ayuda se sale y se sale más fuerte y mejor, pero es necesario la ayuda de psiquiatras, de médicos y del tiempo, además de la fuerza de uno… La vida sigue”, había dicho Forqué a la revista Hola en 2016. También reveló haberse dejado ayudar por un gurú durante los siete viajes que realizó a la India en ese periodo.

Sus brillantes inicios en el cine

Hija del director y productor José María Forqué, Verónica se estrenó en la gran pantalla con 17 años de la mano del cineasta Jaime de Armiñán en Mi querida señorita en 1972, producida por su padre. Sin embargo, no fue hasta 1984, junto a Pedro Almodóvar, cuando alcanzó el estrellato en ¿Qué he hecho yo para merecer esto?

Durante la mitad de los 80 y principios de los 90, Forqué se convirtió en un rostro muy solicitado para la comedia y fue nominada a cinco premios Goya, de los que obtuvo cuatro. El año de las luces, de Fernando Trueba; La vida alegre, de Fernando Colomo; Moros y Cristianos, de Luis García Berlanga; y Kika, de Pedro Almodóvar, fueron las interpretaciones que le procuraron más premios.

Antonio Banderas, compañero de la actriz en Bajarse al moro, película de 1988 dirigida también por Colomo, ha sido de los primeros en despedirse públicamente: “Trabajé hace años con ella y mi recuerdo es el de una mujer dulce, espiritual y buena compañera”, ha escrito el actor en sus redes sociales. “Un abrazo gigantesco a la familia y amigos que somos todo el cine español. Es angustioso”, ha dicho también el director Álex de la Iglesia.

La actriz también había sido bastante prolífica en televisión, especialmente con Eva y Adán, agencia matrimonial (1991), Pepa y Pepe (1995), que fue la primera gran serie de la productora que tenía con su marido, y La que se avecina (2014), que según reconoció en entrevistas fue una vía de escape para su depresión.

Tampoco abandonó las tablas hasta el último momento. Desde su primera aparición con Ay, Carmela, en 1986 bajo la dirección de José Sanchís Sinisterra, ha realizado una veintena de estrenos distintos, incluyendo Bajarse al moro, de la que también protagonizó la versión en cine, La abeja reina o Shirley Valentine. Como directora había adaptado en 2009 Adulterios, una obra original de Woody Allen, y este mismo año Españolas, ¿Franco ha muerto?, donde reivindicaba el papel de la mujer en la Transición y una Constitución feminista.