“Hubo un momento en que parecía que éramos más famosos en España que en Argentina”, dice Santiago “Motorizado” desde el living de una casa en el barrio madrileño de Lavapiés. Este martes presentó algunas canciones de su flamante disco, El Retorno (2025), en la sala Casa Brava de la capital española. Las invitaciones se agotaron en apenas un par de horas.

No sorprende: desde que en 2010 tocaron por primera vez en el festival Primavera Sound, Él Mató a un Policía Motorizado —y el propio Santiago— no han dejado de girar por toda la península. Bandas icónicas del indie español, como Los Planetas, los celebraron públicamente en cada oportunidad.

Quince años después de aquel debut, el próximo 26 de noviembre, la banda tendrá su fecha más convocante en Europa: un concierto en el Movistar Arena de Madrid, con capacidad para más de 15.000 personas.

Ahora, mientras disfruta de unos días de descanso —en los que viajó a Manchester para ver a Oasis junto a Dillom y otros amigos—, Santiago se toma un rato para hablar con nosotros sobre sus nuevas canciones, el clima político y cultural actual, y los dilemas que la tecnología impone sobre la música y la vida cotidiana.

–¿De qué se trata el nuevo disco El Retorno? ¿Cómo surge y cómo lo estás viviendo ahora que ya estás tocando algunas canciones en vivo?

–Bien, contento. Siempre estoy diciendo que es mi primer disco solitario, y después me pelean en Twitter (actual X) porque yo ya saqué otro disco que eran las bandas sonoras (para la serie Okupas y la película La muerte no existe y el amor tampoco), pero la verdad es que estas siempre fueron o iban a ser las canciones de mi primer disco. Además, son mis primeras canciones porque sí, en pos de complementar una narrativa. Algo que me gusta, además, es que las canciones más viejas encajan bien con este momento.

– ¿Cuál sería este “momento”?

–Hay una canción que es una de las más viejas, se llama “Google Maps”, que en su momento se llamó “Google Earth”, aunque el concepto de la canción es el mismo: alguien que torpemente busca un amor en Google Maps. Y siento que encaja bien con este momento. Seguimos usando Google Maps, seguimos muy pendientes de los teléfonos celulares, buscando algo, buscando una solución, buscando un amor en Instagram o que ChatGPT nos solucione la existencia.

–Hablas de la existencia, algo que se repite en letras y comunicaciones de El Mató.. Recuerdo una entrevista a Dave Grohl en la que hablaba de su trayectoria como músico y su incansable búsqueda de un sentido a la existencia... ¿Es algo retórico o es algo a lo que le das vuelta?

–Es algo que está en mi cabeza y que también está un poco en juego en estos días..., esto de los teléfonos móviles, esta comodidad que nos muestran, que nos ofrece la tecnología, pero también nos aleja de la experiencia; la experiencia como eso que le da sentido a la existencia. No puedo negar las virtudes de tener toda la discografía de la historia de la música en mi mano, pero esta especie de milagro arrastra como una maldición, que es alejarnos de la experiencia, alejarnos de la aventura de ir a buscar esa canción, que puede ser un tesoro, que nos podía defraudar, o que nos podía cambiar la vida...

–Pensaba en las baladas del disco, que tienen un sello propio, y se me ocurrió describirlas como “baladas motorizadas”.

–(Ríe) Me gusta. Sí, hay algo que marca un poco la estética, la forma de las cosas que hago. Justo estos días discutíamos sobre algo parecido. Fuimos a ver a Oasis, y al final del show tocaron Wonderwall y Don’t Look Back in Anger, y los chicos decían “termina muy tranquilo, con baladas”. Y no sé si son baladas del todo. Y El Mató tiene para mí un poco de eso, canciones que están en un punto intermedio, canciones que te invitan a saltar o a bailar, pero que todavía no están en ese pulso punk, digamos, están ahí. Y lo mismo con las baladas.

– Camino de piedras, por otra parte, tiene una estética western tipo el inicio de la película Django, sin cadenas, de Tarantino. No solo a nivel musical, sino también audiovisual.

–Elegimos esa canción para el principio del disco porque sentíamos que de alguna manera era como una invitación a mostrar algo diferente, salirse un poco del universo de El Mató. Al principio era una cosa muy básica, los acordes, la voz, un poco inspirados también por el contexto, estábamos grabando en Sonic Ranch, en medio del desierto de Texas, donde son todos medio cowboys, y, la verdad es que me gustaba eso.

–Hace unos días presentaste algunas canciones en un bar de aquí de Madrid, y viendo el público, pensé algo que ya advertí varios años atrás... la enorme conexión que hay entre El Mató y vos con el público de España.

–Sí, la verdad. La primera vez que tocamos acá fue en 2010 en un Primavera Sound. Era otra época de la comunicación, no teníamos mucha idea de nada y éramos full independientes. Pero aquel concierto fue especial, generó como algo, por lo menos en el boca en boca que se generó ahí. Después tuvimos suerte con el show... pasaron cosas extrañas. Primero fuimos invitados para cubrir una banda de Brasil que no se presentó. Después, el día que tocamos, se rompió el sonido del escenario grande que estaba al lado nuestro, y mucha de la gente vino a nuestro escenario. Por ejemplo, “Jota” (Juan Rodríguez Cervilla), de Los Planetas, que siempre que podía hablaba bien de nosotros o decía que éramos su banda favorita de Argentina. Toda esa combinación de cosas hizo que entráramos en el mundillo del indie español, que en ese momento estaba muy en boga. De pronto se dio algo raro, parecía que éramos más famosos en España que en Argentina.

–¿Cambió la escena española en estos últimos diez años? Pregunto, sobre todo, por todo el éxito de la música urbana en España.

–Evidentemente esto de la música urbana que se puso en el centro de la atención en todas partes del mundo, no esquivó España. Pero, a la vez, apareció esta banda que es Carolina Durante, que es muy famosa, que son unos pibitos jóvenes que hacen una especie de protopunk y están totalmente a contramano de esto (de la música urbana), sobre todo haciendo hincapié en que son una nueva generación, y que su público es gente joven. Me gusta pensar que va por ahí, pero bueno, hay de todo y hay muchas cosas todo el tiempo a la vez.

–El escritor Juan José Becerra tiene un libro fantástico que se llama El amor, una suerte de historia narrada en el futuro en la que se da cuenta de un fenómeno ya extinguido... el amor. Pienso en ese libro y en tus canciones, muchas de ellas dedicadas al amor, ¿sigue vivo el amor o está en extinción?

–Estos últimos años se habla mucho del amor romántico como un lugar malo. Yo la verdad que pongo en discusión que eso sea malo, pero creo que en este momento puntual, donde está un poco de moda la crueldad, en redes sociales sobre todo, creo que florece un poco la idea del amor, del cariño y la empatía como una cosa media obligada para contrarrestar todo eso.

–Sobre estos tiempos que vivimos, quería preguntarte por el contexto político, cultural, social que te inspiró aquellas canciones de los primeros discos y el contexto de estos días...

–Creo que muchas de aquellas canciones estén atravesadas un poco por la esperanza y estas canciones más nuevas, sobre todo las de Super Terror (2023), están escritas con bronca. Hablo un poco del mundo, un poco de Argentina, un poco encriptado, no tan literal, pero sí siento que vivimos en un mundo de locura total, ¿no? Se mezcla el haber salido campeón del mundo con tener un presidente que está totalmente enloquecido, lo digo con respeto, o no, pero vivimos en esta cosa, esta especie de distopía. Por momentos nos causa gracia también, un poco como mecanismo para atravesar esta dura realidad. Y por momentos, el horror. El horror de ver a los que peor están, los que más sufren. Ojalá que la respuesta sea un poco más de amor, pero siento que estamos yendo a otro lugar…

–Sé que sos muy cinéfilo. Una de las canciones de El Retorno, de hecho, se llama Amor en el cine, y quería preguntarte qué película elegirías para describir este momento del mundo en que vivimos.

–Se me viene mucho a la cabeza la película Idiocracia (2006). Es una comedia que con el tiempo empieza a ser cada vez menos comedia porque plantea un futuro donde la gente se vuelve cada vez más estúpida, donde los estúpidos empiezan a reproducirse y las personas inteligentes dejan de reproducirse. El personaje principal, que es Luke Wilson, queda atrapado en una cápsula del tiempo y aparece mil años después cuando el mundo está dominado por la estupidez total. Mucho de ese humor y un futuro distópico y delirante empieza a replicarse; la figura del presidente de Estados Unidos de ese momento, que es un personaje muy gracioso, una exageración, va siempre con una ametralladora. Bueno, es como verlo ahora a Milei con la motosierra, entregándosela a Elon Musk… La película es muy buena, pero ahora está perdiendo gracia porque aquellos gags se están volviendo dramáticamente reales.

–¿Cómo analizás el impacto de la tecnología en la música desde aquellos primeros streaming de comienzos del 2000, que permitían a alguien en otro país escuchar un show en vivo, a lo que sucede en la actualidad?

–Es difícil. La verdad que nosotros como banda, yo como músico, fuimos beneficiados por un montón de situaciones que tienen que ver con la tecnología. Somos una banda independiente. Lo que más le cuesta a una banda independiente es darse a conocer, y las redes sociales, las plataformas, obviamente lo hicieron mucho más fácil. Pero como te decía antes, estas cosas milagrosas arrastran una maldición. Y esa maldición pone en perspectiva todo. Ahora estoy valorando mucho cosas que hice toda mi vida y ahora las valoro el doble porque me doy cuenta que las hago igual que siempre, pero sin el teléfono celular, como ir al cine o ir a jugar al fútbol. Y es lo mismo con la experiencia de la música, hay algo que pasa en el mundo real, cuando nos salimos de los teléfonos. Ahora me encanta salir de viaje, tocar, ver lo que pasa en el show. Ojalá en el futuro nos libremos del celular, de querer filmar todo el tiempo esos recuerdos que nunca vamos a ver.

–Pasaron veinte años del primer disco de El Mató un policía motorizado, y pasaron muchas cosas muy lindas a nivel trayectoria de la banda. ¿Cuáles son los incentivos para continuar? ¿Con qué se renueva el deseo, las ganas?

–El ciclo es siempre un poco hacer canciones nuevas y salir a tocarlas. Las canciones como la excusa para irse de aventura por el mundo. Y eso todavía me pone contento porque, a pesar del tiempo, incluso con las dificultades, ahora muchos tienen hijos, está muy vivo el espíritu de salir a por la aventura. El Retorno, en algún punto, es también una excusa para salir a tocar.

AF/MG

Pensar un arquitecto inteligente detrás de la creación del universo siempre es una posibilidad. Pero hay otras. Por ejemplo, en los sistemas dinámicos y complejos de la física está la teoría de los atractores. Que le ponen nombre al hecho de que quizá podamos imaginar una serie de organismos complejos que se repelen y atraen colisionando de manera casual hasta lograr, mediante infinitas combinaciones de prueba y error, cosas tan increíbles como el ojo humano. El concepto de atractor también se usa en las ciencias sociales y, por ejemplo, se le da el nombre de atractor negativo a alguien que atrae gente para utilizarla por pura negatividad. Ejemplo común: Hitler. A muchas personas les gusta pensar que están predestinados para hacer ciertas cosas o establecer determinados vínculos. Otras se sienten mejor nadando en el caos, incluso con la posibilidad de desaparecer en él. En el principio fue el caos –podrían decir– y tal vez siga siéndolo bajo las apariencias tranquilizadoras de los sistemas sociales.

Tenía unos amigos que hacían un programa en la Rock & Pop hace muchos años. Iba los sábados por la noche, en vivo, casi cayéndose de la programación de la radio. Lo hacían dos conductores y un movilero. El programa se llamaba Mal elemento porque pasaba una música que no era muy usual en esa estación radial. Eran la oveja negra musical de esa emisora. Solían pasar post punk, punk, krautrock y cualquier tipo de música que escucharan cinco personas muy informadas. También mucho indie, tanto nacional como internacional. Recuerdo una emisora de Iowa City que escuchaba mientras vivía allá que pasaba la música de las bandas universitarias o de garage. “Esto es Iowa city rapids”, decía una voz genial, aguardentosa, en el cuarto a oscuras de la residencia de la beca. Es increíble cómo una voz en la radio puede consolarte en la oscuridad del éter. Qué bueno era no ver a quién emitía esa voz, poder imaginar todo.

Estos amigos de Mal elemento a veces me invitaban para que pasara por la radio a buscarlos y después saliéramos a tomar algo –el sábado puede ser la noche más triste de la ciudad si no estás preparado– y a veces, cuando llegaba temprano, me dejaban quedarme con ellos haciendo el programa, opinando y entrevistando a los músicos que invitaban como si yo fuera uno más del equipo. También venían bandas a tocar en vivo. Para eso armaban en el estudio de al lado un set.

¿Qué hice ese sábado cuando me levanté? Ni idea. Lo tengo completamente borrado. Me imagino que alguno de los conductores me debe haber llamado por mi teléfono de línea –yo no usé celular hasta los cuarenta y cinco años– y me debe haber invitado al programa. Lo que recuerdo es que estoy hablando con el encargado de seguridad –los sábados a la noche la radio no tenía movimiento y ese hombre era casi un sereno– quien después de preguntarme el nombre y hablar con alguien por fono me dejó pasar. Esa noche –me enteré ahí– iba a tocar en vivo una banda nueva que tenía un nombre muy curioso: El mató a un policía motorizado. Cuando me dijeron el nombre recordé que había visto una reseña muy breve pero elogiosa en una revista musical. El nombre de la banda me parecía extraño, pero no me escandalizaba –no tengo familiares en la Fuerza– y por otra parte había crecido escuchando nombres como: Massacre Palestina, Cadáveres de niños o Víctimas de cáncer terminal. Frente a esos nombres la remera de Johnny Rotten diciendo “Odio a Pink Floyd” era una estupidez. En la reseña de la que hablo también había una foto. Eran unos niños. Y lo que resaltaba su juventud (me acuerdo que pensé que como eran de La Plata podían vivir en la Ciudad de los Niños) era que en la foto uno de ellos cuatro estaba subido a caballito de otro.

Creo que primero estuve un rato en el estudio con mis amigos mientras la banda preparaba su set al lado. Creo que los fui a escuchar cuando empezaron a tocar y, como estaba yo solo viéndolos, me sentí incómodo y volví al estudio donde mis amigos charlaban mientras escuchábamos un tema que se llamaba Chica rutera. Era un set corto el que se usaba y después de eso los integrantes de la banda vinieron al estudio para que los entrevistáramos. A mí no se me ocurrió nada para preguntarles. Pero uno de los integrantes, el que cantaba y tocaba el bajo, que con el pelo cortado a lo Guillermo Tell tenía algo medieval en su aspecto (podría haber andado por el bosque platense tirando flechas), se acercó –y la verdad que no sé por qué– me regaló un CD que se llamaba Un millón de euros. Después en casa, cuando me puse a observarlo y a escucharlo, vi que estaba ilustrado por él. Era un EP de siete canciones. Y en la tapa se veían sobre un fondo verde, camiones blancos inmensos como el que había usado una vez Maradona para llegar a la práctica de Boca.

El sonido de la grabación del CD era irregular. Todas las letras juntas del disco podían entrar en el horóscopo del chicle Bazooka. Eso me llamó la atención. ¿Por qué no habían hecho sólo temas instrumentales? Era una escasez de lírica llamativa y repetitiva. Tenían algo de los graffitis urbanos y de los haikus japoneses. Por ejemplo: Chica rutera. Decía la letra: “Espero que vuelvas, chica rutera”. Amigo Piedra era un poco más larga: “Sos mucho mejor que los demás. Todo el día pensando, pensando, vos soñás con un mundo mejor y te quedaste mirando la nada. Amigo piedra necesito que, me ayudes con mi auto otra vez, para viajar a ese lugar nuevo”. En la primera canción se esperaba a alguien, en la otra se le pedía a alguien ayuda. En el tema Provicia de Buenos Aires, ya no había letra. Pero creo que el surco con el que me agarré de una grieta de la montaña para no caerme del disco, como cuando se escala sin arneses ni ganchos, fue Vienen bajando. Era también breve, pero tenía algo de pura imagen como el poema de Ezra Pound “A la salida del subte”. Pound decía que la imagen es para el poeta como el pigmento para los pintores. Yo no sabía en ese entonces que Santiago Motorizado –el compositor– había estudiado Bellas Artes y pintaba y dibujaba. Esta es la letra: “Vienen bajando las multitudes inquietas. Con su espalda rota en los festejos de primavera”. Cada uno de los que leyera esa letra o la escuchara, podía imaginarse su propia multitud quebrada: yo pensaba en la de mi primo Carlos desconcentrando la plaza después de haber sido echado por Perón en un día soleado.

En el disco había una pequeña advertencia, en letra chica –como la de los contratos– estaba la canción El rey de la TV italiana: “Guiando mi propio poder, duplicando mi propio poder”. Parecía algo que ellos se decían a sí mismos para sostenerse en las aguas turbulentas de lo emergente.

Otra cosa más: en la repetición de las estrofas había algo de pérdida de sentido. Los niños suelen hacerlo cuando exploran el lenguaje como exploran sus excrementos. Muchas veces inventamos palabras porque no podemos pronunciar exactamente las que sirven o tienen utilidad y es genial cuando otra persona encuentra en esa palabra inventada una conexión, es como si de golpe formáramos parte de una comunidad con gente que usa el lenguaje fuera de su mera razón utilitaria: yo creo que eso es la poesía. También sabemos que la repetición es paradójica, vuelve el verano, pero ya no es el verano que nos marcó.

Claro que a una banda que escuchaste en CD después, si te interesó un poco, querés conocerla. Y eso se hace viéndola en vivo, si es que podés, si la banda vive cerca de donde vos estás, si las entradas son accesibles. Por ejemplo, Sumo siempre me pareció muy buena en sus discos, pero en vivo era algo intransferible. No se podía enviar por CBU a Sumo. Era una banda aurática. Fui a ver El mató una noche en un teatro de San Telmo. No recuerdo si tocaron otras bandas, pero ellos hicieron un set corto y había algo de público, es decir que se podía caminar por el lugar, ir al baño, decidir ponerte cerca o lejos. Un grupo de chicos que estaba cerca del escenario parecía conocer todas las canciones y hacían pogo, como suele pasar en los casamientos en el momento en que alzan al novio y lo tiran por los aires. Qué momento. Una vez estuve en un casamiento en el que el novio no tenía amigos y pasaban por la mesas pidiendo por favor que fuéramos a alzarlo y arrojarlo por los aires para que se pudiera ir tranquilo de su boda.

El show fue desprolijo. El cantante, Santiago, parecía tener super terror a la exposición pública. Hablaba poco y cuando hablaba decía: Hola hola hola. Bueno bueno bueno, ¿están bien? Como si probara el micrófono. Estaba claro que el escenario era un lugar hostil que iba a tener que conquistar. Ricardo Zelarayán decía que a los escritores no había que conocerlos, había que leerlos. Detrás de un genio de la prosa puede estar un imbécil profundo. Pero si yo no hubiera visto en vivo a El mató no sé si los hubiera propuesto para una nota larga en una revista en la que escribía de vez en cuando. Me acuerdo que en ese momento el jefe de redacción me preguntó si daba para una nota larga. Y yo le dije que sí, aunque no estaba seguro. Pensé por un momento: me hablarán en la nota o serán como en el escenario. Las letras eran parcas, pero yo sentía que conectaban con algo. No veía detrás de ellos la influencia del rock nacional: nada de Spinetta, ni Nebbia, ni Manal, ni Charly. Salvo en San Antonio de Areco donde la tradición parece heredarse y son todos gauchos en formol, uno sabe que a la tradición hay que ir a buscarla y que puede estar compuesta con muchas influencias, de cualquier estilo y de cualquier país. La tradición es metaestable. La tradición es traición.

Ayer escuchaba un cover de Jesus Mary Chain tocado por Pixies. El mató tenía algo de los Strokes, de Jesus Mary Chain, y también del subidón adrenalínico de las canciones de Frank Black antes de que Nirvana las lograra meter en la góndola del mercado. Lo que no sabía o no se vislumbraba en ese momento es que al compositor principal –Santiago– le gustaba el folklore, por influencia de su padre, también músico vocacional, el tango y cierta zona de la música melódica. Pero para que eso hiciera eclosión todavía faltaba mucho. Y sobre todo le gustaban las películas de acción, las de ciencia ficción, las comedias, las de serie b de Corman y, por encima de todo, como si fuera la biblia de la televisión: Lost. Lo cual no es casual porque Lost es la historia de un grupo de personas que se salvan de un accidente aéreo pero caen en una isla misteriosa. Algo similar les pasa a los chicos del accidente aéreo de la novela de William Golding, El señor de las moscas, que inspira en parte a Lost. Lo curioso en Lost y en la novela de Golding es la repetición: frente a la posibilidad de organizar un nuevo sistema, siempre volvemos al mismo de opresión y salvajismo, aunque ligeramente cosmetizado, que es la civilización. Los niños de Golding están solos, sin adultos, pero terminan matando a uno de ellos para justificar sus acciones. Una vez Santiago me contó que cuando trabajaba en una escuela como profesor de pintura, le pasó que había un grandote de otro curso que entraba al aula para pegarle siempre al mismo gordito. Una vez el gordito se defendió y le pegó al grandote y le rompió la cara. Santiago los reprendió a los dos, pero íntimamente estaba contento de que el gordito hubiera cortado con el bullying. Pero duró poco: envalentonado con su nuevo superpoder, ahora el gordito le pegaba a los de su clase. La multiplicación es esclavo por esclavo.

Hay días en los que siento que estamos en una época banal: la música que escucho por todos lados parece cantada por el mismo cantante portorriqueño. Hay días en los que siento que vivo en una época inspirada: una persona puede ser una mujer a la mañana, un hombre a la tarde y a la noche un perro. También siento que se viene un colapso inminente dentro de pocas generaciones. Los colegios deberían enseñar, como quería Gilbert Simondon, cómo funciona el motor de un auto. Los hijos de nuestros hijos van a tener que saber cómo extraer agua de una piedra, cómo hacer funcionar de nuevo una máquina como hacen esos personajes extraordinarios del cuento de Fogwill “Camino, campo, lo que sucede, gente”. El sistema virtual está atado con alambres virtuales y se viene el gran apagón y vamos a tener que convivir de nuevo con gente real. Hay que aprender en los colegios a escalar terrazas, a plantar fruta y verduras, hay que enseñar a vivir el apocalipsis. Mirar el cielo para guiarse: volver a descubrir la noche.

Cuando llegó la pandemia tuve que cuidar a mi padre que se moría –lo alimentaba, lo bañaba, lo cambiaba– era agotador. Recordé que había un método para aprender inglés que consistía en estudiarlo con un grabador al lado encendido con las lecciones mientras uno dormía. Yo me acercaba a mi padre cuando se dormía y le decía: Dale, ya está, pone el punto final. Una de esas noches en que volvía a casa recorriendo la ciudad vacía por el toque de queda sanitario, llegué agotado y decidí rendirme, pero no sólo de manera simbólica, sino de manera práctica: hice con una escoba y una toalla blanca una bandera de rendición y la planté en el balcón de casa bajo una llovizna tenue. Como me había rendido, dormí plácidamente y al otro día volví con renovadas fuerzas a ocuparme de mi viejo.

Le conté esto al Chango –el cantante de El mató– y al poco tiempo escuché una canción que sacó en su primer disco solista que hablaba de esta experiencia. La canción empieza así: “Hoy colgué en el balcón mi bandera blanca”. Pero rápidamente pasa a otro registro que no tiene nada que ver con lo que le había contado: “Esa niña bonita que todo lo atrapa/ Voy a rendirme no quiero volver a intentar”. Siempre me interesó esa capacidad que tienen ciertos letristas para hacer funcionar la realidad a su favor y no quedar prisioneros de la anécdota que los inspiró. Federico Moura también lo hizo. Recordando una tarde en su casa de City Bell con toda su familia, añoró el rostro de su hermano mayor posteriormente desaparecido por la dictadura militar y escribió la canción Pronta entrega: “Recordando tu expresión/ vuelvo a desear/ esas noches de calor/llenas de ansiedad”. Pero el tema sale del registro personal, vivencial, y pasa a otra dimensión: “Sofocado por el sueño y la pasión/ busco un cuerpo para amar/ la distancia va perdiendo su espesor/ pronta entrega por favor”.

¿Qué es lo que hace que alguien que era un completo extraño se convierta en tu amigo o amiga y por lo mismo en algo esencial de tu vida? ¿Cómo funcionó el atractor para que esto suceda? Un amiga o amigo es un bien en sí mismo, nunca lo vas a poder reificar, querés estar con ella o con él porque sí, porque hace mejor tu día. Porque lo potencia. Ahora estoy yendo en un auto hacia Tolosa, el remisero absoluto que me lleva me pregunta si voy por trabajo. Le digo que no, que un amigo músico está haciendo un video y me pidió que participara. El remisero me pregunta si hago música. Le digo que no, que no sé tocar ningún instrumento y que no puedo tararear ninguna canción. Me mira por el espejo. Tal vez esté pensando qué mierda voy a hacer en el video. Pienso en el poema de John Ashbery que tanto me gusta: Alguien viaja furiosamente hacia vos/ a una velocidad increíble/viaja día y noche/a través de la nieve y el calor del desierto/a través de torrents/ a través de gargantas/ Aunque ¿podrá encontrarte, reconocerte cuando te vea,/ Darte lo que tiene para vos?“.

FC/DTC

Aunque ya había protagonizado algunos importantes conciertos en escenarios emblemáticos, como el del año pasado en Obras Sanitarias; en microestadios como el Malvinas Argentinas; o en festivales internacionales; Él Mató a un Policía Motorizado, banda insignia del indie local, reconfirmó la noche del sábado con su consagratoria primera presentación en el Luna Park que juega en las grandes ligas del rock argentino.

Su desembarco en el mítico “Palacio de los Deportes” se produjo en el contexto de la presentación oficial de su flamante nueva producción Súper Terror; sin embargo, el show de dos horas en el que recorrió sus 20 años de historia resultó un velado homenaje a su largo y silencioso peregrinaje por la escena local y por renombrados encuentros musicales europeos.

Es que, por supuesto que la banda puso en escena casi todo el material que conforma su nueva placa, pero también hizo un exhaustivo repaso por toda su discografía, en lo que acabó siendo una generosa ofrenda a un público fiel que agotó localidades y se manifestó con admirable devoción ante cada uno de los 26 temas que se fueron sucediendo a lo largo de la velada.

En esa recorrida, la banda comandada por Santiago Motorizado se paseó dentro de un mismo pulso sonoro por una gama que, a grandes rasgos, atravesó el postpunk, la psicodelia y el rock espacial.

Para ello, el grupo prescindió de invitados y parafernalia escénica, y optó por apostar a una sobria pantalla que proyectó imágenes alusivas en cada canción y a un discreto juego de luces que alcanzó para realzar los distintos pasajes climáticos.

En ese contexto, en su rol de antihéroe absoluto, el líder de la banda puso la expresividad de su voz y su sólido bajo al servicio de un preciso andamiaje sostenido por la efectiva batería de Doctora Muerte, caracterizada por el golpe de bombo y tambores y su casi nulo uso de platillos; el fundamental clima marcado por los teclados de Chatrán Chatrán; la precisa guitarra rítmica de Pantro Puto y la primera guitarra de Niño Elefante, dueño absoluto de los punteos y las melodías.

Desde allí, Él Mató a un Policía Motorizado realizó un paneo del rock espacial y sintético esgrimido en sus primeros años de vida, con reminiscencias de Pixies y Sonic Youth, por citar algunas influencias; al postpunk de fines de los '70 y principios de los '80, explorados fundamentalmente en su última producción, con guiños a Joy Division, New Order, The Cure o Jesus & Mary Chain; e incluso, alguna incursión con sus canciones de tempos más altos por el rock de tabernas de The Libertines.

A las 21.30 en punto, las luces del estadio se apagaron y se encendió la pantalla con una imagen que aludía a las viejas filmaciones en VHS y proyectaba con letras de juego electrónico ochentoso el nombre de su reciente disco.

Desde la penumbra, la banda se presentó en el escenario y abrió a modo de larga introducción con la sombría “El magnetismo” para luego finalmente provocar la explosión de luces y sonido con “Un segundo plan”.

Le siguió “La noche eterna” y, de esa manera, se marcó un recorrido que incluyó “Súper Terror”, “La Dinastía Scorpio” y “La Síntesis O'konor”, es decir, su nuevo álbum y dos de sus más reconocidas producciones, lo que evidenció la ruta que se iba a desandar a lo largo de todo el show.

Que a “La luces” le siguiera “El perro”, del disco “La otra dimensión”, de 2019, reforzó la noción de que no iba a quedar etapa del grupo sin repasar en la consagratoria noche.

“Tantas cosas buenas” volvió sobre el nuevo trabajo, “Sábado” elevó el tempo, “Navidad en los santos” evocó como ninguna otra composición a Joy Division, y “Más o menos bien”, “Medalla de oro”, “Destrucción” y “Voy a disparar al aire” demostraron que cada una de las épocas conviven en una obra homogénea en la que cuesta diferenciar años.

Probablemente, la clave de eso resida no solo en un sonido que pendula en la amplia gama enrolada dentro del llamado postpunk, sino también en la simplicidad de las líricas que, en su mayoría, parecieran abrevar en el lado adolescente que perdura en cada persona a pesar del paso del tiempo.

Pero si más arriba se mencionó la ofrenda de la banda hacia un público que respondió con devoción, fue precisamente cuando llegó el momento de “El tesoro” en donde la comunión fue absoluta. La gran ovación se prolongó al final de la interpretación con la gente tarareando el coro y las luces acompañando al son de su rítmica.

“Diamante roto” también fue largamente festejada y el éxtasis se prolongó con “Excálibur”, “El mundo extraño”, “Coronado” y, fundamentalmente, “Yoni B” y “Chica rutera”.

No fue casual que esa seguidilla haya sido elegida por la banda para poner el primer broche a la velada, antes de los obvios bises. Como para avisar que se trataba solo de un respiro antes de la explosión final, el escenario quedó iluminado de rojo con un sonido incidental de fondo.

“Gracias a todos por venir”, dijo al regresar para los bises Santiago Motorizado, como lo había manifestado prácticamente al finalizar cada canción, en las que fueron las únicas palabras que necesitó para hablarle a su público.

En lo que fue la única balada del repertorio, con el solo acompañamiento del piano, interpretó “El universo” mientras el estadio se iluminaba con miles de celulares encendidos.

Con “Moderato” se cerró el listado de canciones de “Súper Terror” para reservar el final a temas que ya se han convertido en clásicos de la banda, tal el caso de “Ahora imagino cosas”, “Fuego”, “Chica de oro” y “Mi próximo movimiento”.

Un nuevo agradecimiento del líder del grupo “por agotar estas dos noches” alcanzó para que, ahora sí, los fans se retiraran satisfechos y felices por la noche regalada por la banda.

Es que esta noche de domingo, por localidades agotadas, Él Mató a un Policía Motorizado hará una segunda presentación en el Luna Park, otra vez con todos los tickets vendidos. Como para que a nadie le quepan dudas que los número uno del rock indie local juegan en primera división.

La banda indie platense Él Mató a un Policía Motorizado presentó el single “Diamante roto”, que formará parte de su nuevo disco de estudio, aún sin título develado, con estreno en mayo.

El tercer adelanto del próximo álbum de Él mató, que sucede a los cortes “Tantas cosas buenas” y “Medalla de oro”, fue grabado y mezclado en los estudios Sonic Ranch de Estados Unidos.

El single, cuyo arte de tapa fue diseñado por el líder y bajista del conjunto, Santiago Barrionuevo (Santiago Motorizado), narra una experiencia de amor distante, envuelto en una atmósfera melancólica de melodías poderosas.

El lanzamiento del track, acompañado por un videoclip dirigido por Tomás Seivane y Nacho Del Campo, relata una historia de amor no correspondido, anclada en un triángulo entre dos competidores de lucha libre mexicana y una chica.

Con el estreno de este single, sumado próximamente al nuevo álbum, la banda ganadora en 2022 del Latin Grammy como Mejor álbum de rock se prepara también para su primer show en el estadio Luna Park el 16 de septiembre, donde recorrerá sus 20 años de carrera musical a través de nueve discos editados

El grupo está conformado por Barrionuevo en voz y bajo, Guillermo Ruiz Díaz en batería, Agustín Spassoff en teclados y Manuel Sanchez Viamonte y Gustavo Monsalvo en guitarra.

CRM con información de la agencia Télam

La banda platense El Mató a un Policía Motorizado superó otra prueba de fuego este sábado con un show a cielo abierto en el estadio de GEBA donde luego de dos años de inactividad sonó potente, concisa, ajustada e hipnótica.

El show del grupo, referencia ineludible del indie de las nuevas generaciones, comenzó con cierto retraso y se prolongó por cerca de dos horas, en una noche agradable y fresca en la que el grupo subió otro escalón en la ascendente carrera de masividad y crecimiento que viene experimentando.

“Gracias por estar acá, gracias por esperarnos, disculpen las demoras, fueron dos años y dos horas”, dijo Santiago Motorizado desde un imponente escenario comenzado el show, en el que el grupo se mostró sólido y compacto, sin temores escénicos, ante el mayor desafío de su historia de una fecha en solitario.

El último vivo en Argentina del quinteto había sido en diciembre de 2019 en el estadio Malvinas Argentinas en la presentación de “La otra dimensión”, lado b y complemento de “La síntesis O'Konor”, que cambió definitivamente el sonido del grupo, acercándolo a cierta psicodelia y con un marcado trabajo de capas y texturas con el que ganó en frescura, identidad y respuesta de la gente.

El show de GEBA arrancó con “La otra ciudad” y siguió con “Cobra” y “La noche eterna”, tres canciones que esbozaron las líneas de la geografía sonora por donde correría el grupo toda la noche, intercalando temas más levemente hipnóticos con otros de mayor flujo sanguíneo con la voz y el bajo de Santiago invitando a una fiesta sin estridencias.

Dos guitarras a cadencia de riffs y distorsión (Manuel Sánchez Viamonte y Gustavo Monsalvo), una batería de beat preciso y presente (Guillermo Ruiz Díaz) y los teclados (Agustín Spasoff) cada vez con mayor claridad para dibujar las atmósferas emocionales de las canciones constituyeron la arquitectura sonora del grupo, en una noche que manejó con solvencia de principio a fin.

El show de GEBA exhibió también un buen pulso escénico, con luces acompañando los distintos climas, dos pantallas a los lados del escenario, sin estridencias sino trabajando segundo a segundo en el mar de sensaciones que puede ser un vivo de El Mató, donde público y banda sintonizan la misma frecuencia y no se escuchan gritos ni exabruptos sino algo parecido a una respiración expandida.

“El héroe de la Navidad”, “Nuevos discos”, “La síntesis O'Konor” y “Las luces” se proyectaron en la continuidad del vivo, que no tuvo derrapes ni baches sino que se mantuvo en perfecta concordancia con las sensaciones del diálogo que logró entablar el escenario con los músicos y el campo con la gente.

Así llegaron “Chica rutera”, “El tesoro”, “Yoni B”, algunas de las joyas del repertorio de la banda platense que se hicieron presentes en GEBA para continuar alimentando la respiración sonora de una noche, por momentos, perfecta.

Al final, en los bises y ante la insistencia de la gente que no quería partir pasada la medianoche, se escucharon “Más o menos bien” y “Mi próximo movimiento” temas antiguos interpretados bajo las nuevas coordenadas sonoras de la banda.

Pedro Fernández Mouján/Télam