Los videojuegos Super Mario Galaxy y Super Mario Galaxy 2 son sendas obras maestras del medio. A decir verdad lo son dentro de una franquicia a la que le sobran las obras maestras, pero igualmente hay que rendirse a su apabullante diseño de niveles, a sus virtuosas mecánicas y a las variaciones milimétricas que mueven a pensar que ambos están compuestos de múltiples videojuegos (y todos buenísimos). El díptico Galaxy arrastra por lo demás otra particularidad, y es su poderosa resonancia histórica: fueron publicados entre 2007 y 2010, inseparables de un contexto amedrentador. Una crisis económica mundial. Una crisis que Nintendo se las apañó para esquivar.

Las ganancias responsables de este logro, en rigor, le pertenecen más al exitoso lanzamiento de la Wii —y a las experiencias directamente derivadas en forma de Wii Sports o Wii Fit— que al plomero, pero como en esta etapa pocas obras rivalizaron con la excelencia de los Galaxy el titular sigue siendo tentador: Super Mario Galaxy simbolizó la resistencia del videojuego (como medio e industria) a las fuerzas de declive neoliberal que espolearon la Gran Recesión. De ahí que fuera inevitable sentir cierto resquemor cuando, tiempo después, se cumplían 40 años del nacimiento de Super Mario durante un Nintendo Direct, y a la compañía nipona no se le ocurría otra cosa para celebrarlo que anunciar un remaster de los dos Super Mario Galaxy para Switch y Switch 2. 

También se anunciaba una película basada en los susodichos Galaxy. El remaster, de hecho, obedecía a su existencia. Y resultaba descorazonador. En lugar de anunciar un nuevo Mario, uno que intentara ser tan revolucionario como los Galaxy, Nintendo se complacía en abrillantar su trato con Illumination, confirmando la obligada secuela de Super Mario Bros. La película. Este es, entonces, el objetivo de Super Mario Galaxy: La película, adaptar dos catedrales absolutas del videojuego, y tratar de responder nuevamente a la temible pregunta: ¿cómo hacer algo así sin hacer el ridículo? ¿Sin demostrar, a cada minuto de metraje, que es una misión abocada al fracaso?

Illumination y Nintendo, condenadas a entenderse

Difícilmente podríamos argumentar, por otro lado, que la anterior película de Super Mario fuera eso, un fracaso. Sobre todo si lo comparábamos con lo que había sucedido en los años 90, con aquella delirante película en acción real que, al tiempo de inaugurar la tradición de adaptaciones cinematográficas de videojuegos, también las condenaba a aplazar por unas cuantas décadas el punto en que estas pudieran cuajar y gustar al público. Es lo que hizo Super Mario Bros. La película. Ganó 1.360 millones de dólares. En 2023, solo Barbie pudo superar su recaudación.

Ante la euforia de todas esas masas que gozaron con Super Mario Bros., hablar de fracaso se antoja una tontería. Sin embargo, y puesto que en buena medida Super Mario Galaxy calca su plantilla a la hora de acercarse a estos videojuegos de plataformas, mínimo habría que estudiar cómo es esa plantilla. Y en ese sentido podríamos proponer que la clave del triunfo estuvo en asociarse con Illumination. Illumination y Nintendo sin duda se entienden. ¿Incluso se parecen un poco?

En sus respectivos campos de cine animado y videojuegos —y frente a las desiguales aspiraciones de la amplia competencia—, Illumination y Nintendo se contentan en líneas generales con tener al público infantil como destinatario. Con diseñar juguetes, juguetes con la capacidad de dejar hipnotizados a los peques gracias a estímulos poderosos y chillones. Illumination hace películas baratas, de animación no demasiado pulida (de hecho la subcontrata a una empresa de Francia), que fundamentan su impacto en el colorido y el humor tan bobalicón como, sobre todo, veloz. 

La velocidad resulta determinante si nos acercamos a Super Mario: su impacto se fundamenta en que todo vaya rapidísimo. En el movimiento constante, en resumen, que fue lo que más quiso respetar el primer film animado de Super Mario. El argumento era tan idiota como el que nos habíamos ido encontrando en los juegos, una mera excusa para empezar a moverse. Solo cuando esta síntesis era traicionada atisbábamos ciertas grietas. Grietas atribuibles a la propia Illumination como hogar de Gru y los Minions (la música licenciada para gustar a los padres, por ejemplo), pero también a nociones más amplias que nos hablaban de un momento industrial concreto.

Este momento industrial es muy distinto al de hace 15 años. Sin necesidad de entrar en si las cosas van algo mejor para el videojuego —lo cierto es que no, y los múltiples despidos y estudios cerrados son solo una muestra—, desde luego nos topamos con un entramado corporativo tan dado a la expansión como a la estandarización. Esto es, que cada vez puede haber más empresas distintas trabajando, pero con una coordinación perfecta que ahogue las fricciones capaces de volver a impulsar, por ejemplo, algo como la película de Super Mario de los 90. Este entramado facilita cosas estilo las series de The Last of Us y Fallout, o las películas de Uncharted y Super Mario. 

Es decir, productos homogéneos. Ninguno está lo que se dice bien, pero ninguno está demasiado mal. Se impone una estética aglutinante, reconocible de cabo a rabo —basta verse seguidos los tráilers de las últimas versiones de Vaiana y Harry Potter para hacerse la idea más ajustada y apocalíptica del asunto—, que favorece la transformación de los productos en anuncios simultáneos de otros productos. Escaparates que explicarían, tanto en Super Mario Bros. como en Super Mario Galaxy, la dócil afloración de cameos y guiños a varios rincones de la franquicia.

Super IP Galaxy

No es que Illumination haya incorporado esto a Super Mario. Hasta cierto punto, de hecho, podríamos darle a Nintendo la responsabilidad de haber avanzado los Universos de Propiedades Intelectuales a finales de los 90, con el inicio de la saga Super Smash Bros. Fue Nintendo —antes que Fornite o La gran aventura LEGO — la primera que reunió a buena parte de sus licencias para combatir, entendiéndose a sí misma como un catálogo de personajes e historias intercambiables. Ante la frustración que entraña encontrarse con tantas referencias en las películas de Super Mario, la gente de Illumination bien podría replicar que solo se ciñen a las enseñanzas de Nintendo.

Y sería un buen argumento. Galaxy añade al adorable Yoshi para acompañar a los personajes principales (Mario, Luigi, Peach y Toad) mientras Bowsy intenta liberar a su padre y dominar la galaxia, combinando las sinopsis de Galaxy y el previo Super Mario Sunshine (donde debutó este hijo de Bowser). Hasta ahí todo bien. El caso es que la secuela también añade escenarios y motivos de otro prestigioso título de la saga como es Super Mario Odyssey —acaso avanzando que la tercera entrega, seguramente ya en preproducción, se titule justo así—, y a personajes como Fox McCloud en calidad de Han Solo: el protagonista de una saga de los 90, Star Fox, que los chicos de hoy día difícilmente reconocerán a menos que se lo hayan pedido en el Smash Bros.

Así con todo. Super Mario Galaxy es otra película-escaparate, donde a cada rincón hay una referencia a un juego previo con el que seguramente disfrutaste mucho más que viendo este artefacto, pero con el que de todas formas es grato reencontrarse. La prioridad es ampliar el escaparate todo lo posible y eso va en detrimento de cualquier narración mínimamente funcional, así que añadiendo la comedia marca de la casa —mucho más sarcástica que la vista en las consolas porque al fin y al cabo hablamos de un equipo mayoritariamente estadounidense—, ya tenemos todas las piezas para conseguir un nuevo film IP que arrase en taquilla. 

Todo es de lo más previsible y continuista de forma que, aceptando que esto es lo que hay, quepa divisar algún consuelo. La irritante banda sonora boomer —que nos condenaba en Super Mario Bros. a escuchar a AC/DC o A-ha— fue completamente sustituida por los inmortales temas de Koji Kondo, debidamente editados para que suenen como Hans Zimmer, pero reteniendo parte de su belleza. Eso que nos llevamos. Y, además, hay un abandono más contundente al movimiento por el movimiento, coreografiado en varias tomas continuas para hacer brillar lo que definió en primer lugar a todos estos personajes. Sus saltos, sus esquivas, sus vuelos.

Fueron los verbos que nos enamoraron durante años de los videojuegos de Super Mario, y de lo que aquí se trata simplemente es de verlos impresos desde una distancia nostálgica. Puede ser agradable, por qué no. Porque aquí ya nadie engaña a nadie y de lo que se trata es de ofrecer una experiencia cuidadosamente delimitada, que no deje poso alguno ni fuerzas para ofrecer una opinión enfática. Porque para qué, qué sentido tendría. Si tanto se habla hoy de “consumir” obras culturales ha de deberse a artefactos como el que nos ocupa, que difícilmente vamos a encontrar más pulidos y depurados en otra parte. He aquí el grado cero, el patrón oro, del producto de consumo. 

El pasado 13 de septiembre se cumplieron 40 años del primer ‘Super Mario Bros’, la serie de videojuegos de plataformas que desarrolló Nintendo sobre un personaje que había comenzado como un secundario de Donkey Kong y que fue obra de Shigeru Miyamoto, que había comenzado en la empresa como becario.

El famoso fontanero de Nintendo se convirtió en su gran estrella y en un icono de la cultura pop, trascendiendo generaciones, con una historia que había versionado a su manera clásicos como ‘Popeye’ o ‘La Bella y la Bestia’.

El origen de una de las teorías más disparatadas de Mario Bros

La aparición de más de 200 juegos de Mario Bros a lo largo de sus cuatro décadas de historia ha dado lugar a todo tipo de especulaciones, que a finales de los 90 vio nacer a una de las teorías más locas en internet relativa a único de sus videojuegos más populares, Super Mario 64.

Desde su lanzamiento entre 1996 y 1997 alrededor del mundo para la consola Nintendo 64 se convirtió en una de las insignias de la franquicia, todo un objeto de culto que pasó los doce millones de copias vendidas.

En Super Mario 64, Mario Bros era el gran protagonista del juego, pero una extraña teoría hizo que Luigi, sin aparecer, se convirtiera en uno de los iconos, y todo por el hecho de que los aficionados aseguraron que se podía desbloquear a este como personaje jugable.

Exactamente fue el descubrimiento de una frase ‘L is real’ inscrita en una de las fuentes del castillo de la Princesa Peach, que algunos aseguran leer a pesar de lo borroso que aparece una frase que sería exactamente un ‘L is real 2041’. De esta forma, según los fans de Super Mario 64 para desbloquear a Luigi como un personaje jugable había que hacerse con 2401 estrellas o monedas, dependiendo de la versión que se tuviera.

Dos décadas después, la teoría se resuelve

Esta teoría sobre Luigi en Super Mario 64 con la mítica ‘L is real 2041’ sobrevivió décadas hasta que se produjo la masiva filtración de códigos fuente de Nintendo en 2020 y entre estos archivos se descubrió que había un archivo con la idea de un modo que permitía dos jugadores.

De hecho, así se descubrió que Luigi formó parte del código del juego, algo que se conoció justamente 24 años y 1 mes después, lo que conecta directamente con el grabado. A pesar de ello, los creadores del videojuego señalaron que esta era una textura común que se reutilizaba entre los programadores como una broma, y como una idea inicial que no se llegó a dar y que, por tanto, no se podía desbloquear.

La cinta animada “Super Mario Bros: La película” superó, el viernes 14 de abril, el millón de espectadores en el país y se convirtió, así, en la película más vista en cines argentinos. Según datos de Ultracine, del total de 651.575 entradas vendidas entre el jueves 13 y el domingo 16 de abril, 365.731 tickets fueron para la adaptación del videojuego de Nintendo, lo que le permitió alcanzar 1.282.787 de espectadores desde su estreno el 6 de abril.

La película ya había marcado otro gran logro en los primeros días luego de su estreno: entre el jueves 6 y el domingo 9 de abril, vendió 639.339 entradas en 514 pantallas del país, lo que le permitió consagrarse como el segundo mejor arranque de fin de semana de la era post-pandemia. Su pre-estreno también fue un éxito: se vendieron 90.215 tickets para las funciones del miércoles 5 de abril.

Con estas cifras, el film dirigido por Aaron Horvath y Michael Jelenic se volvió la tercera película más taquillera de Argentina en lo que va de 2023, detrás de “El gato con botas: el último deseo” y “Avatar: el camino del agua”. A nivel internacional también está rompiendo récords: se convirtió en el mejor estreno animado de la historia y ya superó los 470 millones de dólares, según cifras de Box Office Mojo. Con este éxito, está cerca de convertirse en la película más taquillera del año.

El estreno de terror “El exorcista del Papa”, protagonizado por el ganador del Oscar Russell Crowe, y la producción nacional “La extorsión”, con la actuación de Guillermo Francella, Pablo Rago y Andrea Frigerio, fueron la segunda y tercera película más vista en el país, respectivamente. Esta última contó con 250.000 espectadores durante el fin de semana y destronó a “Asfixiados” ─que vendió tan sólo 53.220 entradas─ como la película argentina más vista de 2023.

El éxito de “John Wick 4”, la película más taquillera de toda la saga, encontró una barrera y no logra superar los 454.971 espectadores. En el último fin de semana, perdió un 52% de la taquilla. “Calabozos y Dragones: Honor entre ladrones” encontró un mismo destino: pese a las expectativas iniciales en el film, todavía no ha podido superar las 100.000 entradas, con un máximo de 95.559 tickets vendidas.

ACM con información de agencias

“La princesa está en otro castillo”, repetía con insistencia Toad cada vez que Mario llegaba a una nueva fortaleza tras haber superado multitud de obstáculos y enemigos. Salvar a Peach no era fácil, pues la monarca siempre terminaba siendo secuestrada por el peligroso Bowser, némesis eterno del fontanero. Con los años, la frase se ha convertido en una tonadilla que simboliza uno de los estereotipos femeninos más frecuentes del videojuego: el de la damisela en apuros. Empero, las princesas no son como antes, y la propia soberana del Reino Champiñón lo demuestra.

Es particularmente significativo lo que ocurre en la recién estrenada Super Mario Bros: La película, donde aparece como una mujer capaz y decidida, dispuesta a darlo todo por sus súbditos. Con la excepción de su mano en matrimonio, claro. Ya con los escasos detalles que se intuían de su personalidad a través de los tráileres, surgieron críticas en redes de quienes acusan de woke —ese término empuñado por la derecha para denostar a la izquierda— a esta nueva versión de la rosada protagonista.

Sin embargo, por mucho que los directores Aaron Horvath y Michael Jelenic y la actriz Anya Taylor-Joy, quien da voz al personaje en versión original, insistan en que Peach por fin es tridimensional, en realidad podría afirmarse que este cambio ha estado cociéndose desde siempre en los videojuegos de Nintendo. Solo que, ahora, al contar con una voz propia, en el sentido más amplio del término, es cuando el público ha visto a la dirigente empoderada, aunque sin amigas a su lado. Así refleja superficialmente las nuevas sensibilidades de la audiencia, como, de algún modo, siempre lo ha hecho.

Peach se enfrenta al ‘incel’ de Bowser

En gran parte de los videojuegos protagonizados por Mario, el esquema de partida es el mismo: Peach es secuestrada por Bowser o por otro villano, de modo que el héroe y sus aliados deben acudir a rescatarla en una peligrosa travesía. El final feliz llega siempre cuando recuperan a la monarca, que se convierte de este modo en un trofeo. Pero en la reciente película, ella es quien toma la iniciativa para defender a su reino, en tanto que el también fontanero Luigi se convierte en la víctima a la cual su hermano debe rescatar. Además, en esta ocasión, el rey de los Koopas aparece caracterizado como un incel, empeñado en casarse con ella.

Por novedosas o rupturistas que parezcan estas ideas, algunos conceptos similares habían sido introducidos antes en las consolas. Por ejemplo, el objetivo de desposar a la princesa está sacado directamente de Super Mario Odyssey, el lanzamiento de 2017 que terminaba con un último enfrentamiento entre el fontanero y el villano, tras el cual ambos se declaraban a la soberana. Ella decidía rechazarlos para irse de viaje con su amiga Tiara, que había sido igualmente secuestrada. Por suerte, en el filme de animación, Mario no es retratado como el baboso que espera una recompensa que parodiaba el creador de Padre de familia en su miniserie de animación Seth MacFarlane's Cavalcade of Cartoon Comedy hace más de una década, ya que los códigos han cambiado.

Hoy en día no tiene cabida un héroe como ese en una película para toda la familia, de igual manera que, en general, no están bien vistas las secundarias pasivas. Pero Peach en los videojuegos había demostrado en diversos momentos tener habilidades y personalidad propia, además de que había asumido un papel más activo en la trama. De hecho, en 2006 fue la protagonista de su propia entrega para Nintendo DS. En Super Princess Peach se convertía en el personaje jugable al intercambiarse los roles, ya que este spin off estaba centrado en cómo ella rescataba a los bigotudos hermanos. Todo con la ayuda de… sus emociones, de modo que, por ejemplo, llorar le permite aumentar su velocidad.

Este detalle ha generado a lo largo del tiempo multitud de debates entre quienes consideran que es sexista que la fuente de poder de la princesa provenga de si está contenta o enfadada —mientras que Mario puede usar objetos que potencian sus habilidades—, y quienes afirman que esta concepción se trata de un “feminismo performativo malentendido”, pues los personajes femeninos pueden ser reivindicables incluso cuando su fortaleza reside en características típicamente asociadas a su género

Delicadas damiselas que son secuestradas

Cuando la divulgadora feminista Anita Sarkeesian comenzó su serie de videoensayos Tropes vs. Women in Video Games, se desató una campaña de odio hacia ella como parte del movimiento Gamergate. La criticaron, entre otras cosas, por señalar los estereotipos machistas que pueblan los videojuegos. Por supuesto, en el primero de sus ensayos menciona a Peach, epítome de la damisela en apuros al contar con todos los atributos —también físicos— de esta figura, que se habían establecido previamente en la literatura.

Es más: el primer diálogo pronunciado por una mujer en un videojuego fue un grito de ayuda que la primitiva Peach, entonces llamada Pauline, soltaba en el Donkey Kong de 1981. El videojuego que dio pie a la saga homónima, como su título indica, partía de la premisa de King Kong, y a su vez es el origen de Super Mario Bros. Desde entonces, la princesa ha sido una motivación para el héroe masculino, aun cuando luego se ha convertido en algo más. Por eso, es asimismo un reflejo de la evolución de los roles femeninos en el medio.

A lo largo de los años, pese a ser fundamentalmente una excusa para que avanzase la acción, como tradicionalmente ha ocurrido en la saga The Legend of Zelda, la monarca se ha convertido en una ayudante activa del protagonista —por ejemplo, en Super Mario Bros 2, mas no por casualidad esta obra es una adaptación directa de otro videojuego—, un personaje jugable —en la saga Mario Party— e incluso una villana, aunque fuese mediante la posesión, como se vio en Paper Mario: La Puerta Milenaria.

Este último es otro cliché habitual, el de la secundaria a rescatar que se transforma en némesis por culpa de un acechante. En general, la figura de la dama necesitada es recurrente en los videojuegos —donde adopta diferentes variaciones, como la de mujer en la nevera que el protagonista debe vengar a lo Max Payne o la de rescatada que coopera con el personaje principal, como encarna Ashley en Resident Evil 4—, en parte por el éxito de las aventuras del fontanero. De este modo, incluso cuando Peach ha tenido más entidad, había otras damas a las que salvar. Así sucedía en Super Mario 3D World, donde la princesa ayudaba a Mario, Luigi y Toad a liberar a unas hadas capturadas por Bowser. No obstante, la película ha terminado de romper con esta premisa. O, al menos, la ha modernizado.

Niñas insatisfechas por las presiones estéticas

La primera mujer de la cual queda registro en los videojuegos es Ms. Pac-Man, la versión femenina del mítico comecocos, que contaba con su mismo diseño, solo que con pestañas, pintalabios, pose sugerente y un lacito. Porque, si no, ¿cómo iban a saber los jugadores que era una chica? Con este cuestionable referente de partida es fácil reconocer un patrón posterior, que también afecta a Peach, una consecuencia directa de la denominada male gaze, esa mirada masculina que sitúa al hombre como objeto activo y a la mujer como ente pasivo que, simplemente, es observado, cual complemento estético dentro del videojuego.

Diversos estudios han analizado las consecuencias que la representación estereotipada y sexualizada tiene en los jugadores, que van desde cómo la agresividad y el sexismo favorecen la intolerancia hacia la violencia de género hasta cómo la sexualización influye negativamente en la autopercepción de las jugadoras, pues refuerza los ideales inalcanzables de belleza. Más reciente es el estudio Satisfacción corporal y uso de pantallas en escolares españoles, realizado por investigadores de la Universidad Pompeu Fabra (UPF) y la Universitat Oberta de Catalunya (UOC), que determina que la apariencia de los personajes de series, películas y videojuegos afecta a los niños entre cinco y nueve años.

En concreto, los rasgos faciales y el esquema corporal global en videojuegos es lo que más influye en la insatisfacción de las niñas —pero no de los niños— con su propia percepción. Sobre todo, se ven afectadas por el color de ojos, la piel y la imagen corporal. Los autores insisten en que, a pesar de que se están rompiendo estereotipos, todavía persiste un canon corporal que las empuja a querer encajar con una norma en la que entraría Peach, dado que, como la mayoría de personajes femeninos de videojuegos 'triple A', responde a un aspecto normativo en el que predominan la tez blanca, los ojos claros y el cuerpo delgado de pronunciadas curvas.

Por ello, en un momento en el que Super Mario Bros: La película ha despertado tantos debates sobre la función del entretenimiento puro y de la crítica periodística, no se debe perder de vista que las obras audiovisuales tienen un impacto real, ya que influyen en la percepción del mundo, y que una de las funciones de los medios culturales pasa por el análisis del papel que juegan a nivel artístico y social. En el caso de Peach, es cierto que al menos la princesa no se limita a ser un objeto de deseo y que no está sexualizada, pero este es un pobre consuelo si se tiene en cuenta su síndrome de Pitufina y su rosada imagen, que refuerza los estereotipos de género tradicionales. Aunque, ¿es esto último tan terrible?

Sí a las mujeres con falda, pero no con amigas

A través de Lara Croft, en la franquicia Tomb Raider se puede ver cómo ha cambiado la concepción social de lo que entendemos por un buen personaje femenino. Eso ha dado lugar a otro cliché, que es el de las heroínas que se construyen en base a patrones asociados a lo masculino. De ese modo, aun cuando Aloy de Horizon Zero Dawn, Ellie de The Last of Us o Kassandra de Assassin's Creed: Odyssey —algunos de los nombres más repetidos cuando se recopilan grandes mujeres principales— no aparecen sexualizadas y tienen personalidades complejas, son serias, duras, independientes y pertenecen a videojuegos en los que las armas y la violencia están muy presentes.

Sin embargo, la regente del Reino Champiñón no es así. Si cualquiera de las protagonistas mencionadas anteriormente fuese sustituida por un hombre, el impacto sería nulo, mientras que la relación de los jugadores con un Peach masculino sería muy diferente. Ella suele llevar vestido, actúa de forma algo repipi y el rosa es su color favorito, detalles que no impiden que pueda dar tortas como panes en Super Smash Bros o valerse por sí misma en la reciente película. Y eso está bien, sobre todo porque en un mundo de fantasía en el que las tuberías son medios de transporte y las estrellas dan poderes, ¿por qué no iba a ser posible superar peligrosos retos sin llevar pantalones?

Habrá quien considere que esto convierte a Peach en 'una Mary Sue', pero, ¿acaso no ha sido siempre un referente idealizado para muchas niñas? ¿Puede entonces ser considerada un buen ejemplo de hiperfeminidad? ¿O es un modelo caduco que debe ser erradicado? Quizá sobre todo sea el máximo exponente de cómo hace apenas unos años, para que un personaje femenino fuese tomado en serio, tenía que adoptar los rasgos de sus homónimos masculinos, en tanto que ahora puede permitirse ser más girly. Porque en la variedad de referentes está la clave de una buena representación.

Lo único es que todavía le queda trabajo para convertirse en un icono verdaderamente feminista, pues en la película Peach no tiene amigas, al igual que sucede con tantas otras protagonistas femeninas, que se limitan a ser “la chica” del grupo. En las consolas podría argumentarse que tampoco, mas no se puede obviar que las tramas superficiales de los videojuegos no permiten mucho desarrollo, ni este es igual de necesario. Al mismo tiempo, aunque Mario y Luigi son hermanos con un vínculo entre ellos, las mujeres humanas son princesas y “novias de” ante todo. Ya no son recompensas de los protagonistas masculinos, pero no pasan el test de Bechdel.

Con el éxito comercial de Super Mario Bros: La película, es posible que veamos cómo a Peach se suman Daisy o Estela en futuras secuelas. La película se ha convertido en el mejor estreno de animación de la historia, destronando a Frozen 2. En términos económicos, es el mejor estreno de una adaptación de un videojuego. También ha conquistado el primer puesto de la taquilla en España, con 1,2 millones de espectadores en el primer fin de semana.

Es probable que los cambios adoptados por el cine acaben permeando de nuevo en los videojuegos, donde la monarca podría adquirir un rol aún más activo como consecuencia de este bucle. Si lo hace, demostrará una vez más cómo ha sabido adaptarse tímidamente a los tiempos, sin perder sus características esenciales, pero reflejando los avances sociales. Porque las princesas —todavía de una belleza canónica— pueden ser personajes reivindicables en su feminidad. Solo que, aunque no aguarden atrapadas en los castillos, los siguen habitando desde la soledad.

En 1985, el éxito inmediato en Japón del videojuego de plataformas Super Mario Bros. sentó las bases de una de las franquicias más icónicas de la industria, protagonizada por dos bigotudos fontaneros. Con un reconocible diseño como clara seña de identidad, las simplonas tramas siempre han sido meras excusas para el lucimiento de sus mecánicas, centradas tradicionalmente en el desplazamiento lateral a través de distintos niveles repletos de plataformas móviles, llamativos villanos y objetos potenciadores de habilidades. Ahora, la adaptación a manos del estudio Illumination recoge el testigo, emulando estos elementos clave de la saga sin llegar a capturar por completo su carisma.

Cuando los hermanos italoamericanos Mario y Luigi viajan por accidente desde su Brooklyn natal hasta un mágico mundo repleto de criaturas sorprendentes, ven cómo su valía es puesta a prueba en un enfrentamiento contra el peligroso rey Bowser, que quiere hacerse con el poder de ese universo. En realidad, el punto de partida del filme es bastante similar al de los videojuegos de Nintendo, pues Super Mario Bros: La película mantiene aquellos componentes más notables, solo que se ve obligada a desarrollar una historia propia que haga avanzar la trama sin depender de la proactividad del usuario como motor del progreso.

En este caso, la compañía detrás de Gru, mi villano favorito ha tenido que recurrir a las grandes secuencias de acción para intentar camuflar un relato plano y repleto de tópicos, pero funcional y con cierto encanto pese a su vacuidad. Aunque aquí el espectador no podrá hacer frente de primera mano a los retos que atenazan a los protagonistas, sí experimentará junto a ellos el entusiasmo de crecer gracias a ingerir un champiñón rojo o la angustia de quedarse a mitad de camino en un salto vital. Lo que la audiencia tendrá más complicado será conectar emocionalmente con sus personajes, que se presentan desdibujados, pues todo su carácter se reduce a una actualización del look visto en los videojuegos.

De la consola a los cines… sin alma

Por mucho que resulte complejo trasladar las particularidades del lenguaje del videojuego a la gran pantalla, adaptaciones recientes como The Last Of Us o —más en la línea familiar de esta propuesta— Sonic, la película y Pokémon: Detective Pikachu han demostrado que encontrar un equilibrio entre diferenciarse del referente original y apelar a sus seguidores es una buena manera de cautivar a los espectadores al ofrecer una experiencia con un sabor reconocible pero novedoso. Sin embargo, a pesar de que Super Mario Bros: La película recoge elementos de anteriores adaptaciones cinematográficas para construir en base al lore —la historia escondida—paralelo a los videojuegos, lo hace sin atreverse a inventar nada demasiado rompedor.

No es casualidad, por tanto, que el guión de Matthew Fogel (El origen de Gru) apueste por el isekai, un subgénero de fantasía que consiste en que un personaje viaja por accidente desde la Tierra hasta un universo desconocido para él. Así, aunque Mario y Luigi en los videojuegos inicialmente pertenecían al Reino Champiñón, la nueva adaptación opta por una premisa similar a la vista en la película de animación japonesa de 1986, la estrambótica serie de 1989 El show de Super Mario Bros. y la denostada propuesta de acción real de 1993.

De hecho, con esta última —conocida como Super Mario Bros. a secas— presenta un puñado de similitudes en cuanto al desarrollo de los acontecimientos, algo curioso si se tiene en cuenta el pésimo recibimiento que el trabajo obtuvo en su momento y cómo ha quedado grabada en el imaginario colectivo como una nefasta adaptación debido a lo rupturista y caótico de su propuesta. Es llamativo también cómo la nueva película, aun siendo la adaptación más fiel hasta la fecha, mantiene elementos establecidos en los filmes anteriores, de alguna manera equiparando este legado cinematográfico al de las consolas.

De ese modo, Peach ya no es una simple princesa a la que rescatar —aunque sí el único personaje femenino con importancia—, pero carece de motivaciones más allá de querer proteger su reino. El achampiñado Toad se convierte en el clásico sidekick graciosete, aunque cuando está a punto de transformarse en un incordio, su papel en la trama se vuelve anecdótico. Lo mismo le ocurre a Luigi, cuya función en los eventos se diluye a medida que avanza el metraje, siendo más un macguffin —elemento narrativo que hace avanzar la trama— que un protagonista con entidad propia. Y Bowser funciona en su desempeño de villano, pero sin llegar nunca a brillar, y eso que Jack Black en la versión original pone todo de su parte para conseguirlo.

Solo el gorila Donkey Kong consigue tener una presencia más firme, hasta tal punto que su relación de rivalidad con Mario es la más creíble de todo el metraje. Este es uno de los grandes problemas de la película que, al margen de su simpleza, no es capaz de implicar al espectador. Las alianzas que surgen resultan insulsas, el amago de romance carece de interés y hasta el vínculo entre los hermanos pierde fuelle con el tiempo, pues sirve más de excusa narrativa que de honesta muestra de afecto. Además, aunque el objetivo de Mario está relacionado con demostrar su valor frente a su familia, esto apenas se muestra en tres líneas de diálogos, lo cual reduce su evolución personal a un par de frases situadas en el momento justo, con la precisión de una inteligencia artificial, y su mismo corazón.

Nostalgia para toda la familia

A cambio, Super Mario Bros: La película mide a la perfección los guiños, para que no resulten pesados o frenen el infatigable ritmo de la cinta. La sucesión de easter eggs o referencias directas seguramente hagan las delicias de los fans más nostálgicos de los videojuegos, mientras que para los recién llegados servirán para descubrir los ingredientes mediante divertidas secuencias… que no dejan de ser un gigantesco escaparate, ideal para vender los distintos títulos de la colección a un nuevo público. La presencia de vehículos que remiten a las entregas de Mario Kart o ver a un miedoso Luigi avanzando por un tenebroso escenario con su linterna como en el videojuego Luigi’s Mansion son buena muestra de ello. Por eso, en ocasiones toda la película da la impresión de ser un anuncio alargado, aunque sea uno colorido, cautivador y de sobra entretenido.

La música es otro elemento que ayuda a acrecentar esta sensación impostada, pues los arreglos de Brian Tyler a los temas clásicos compuestos por Koji Kondo se intercalan con reconocibles canciones pop —y hasta con el famoso rap de Donkey Kong 64—, en la línea de lo visto en otros trabajos de Illumination como Mascotas y ¡Canta!, solo que en este caso solo hay tonadas de hace unas décadas. A caballo entre tocar la fibra de quienes han crecido jugando a los videojuegos y la conquista de aquellos padres que reconozcan en el filme temas de su juventud, es evidente que tiene claro cuál es su target. Por eso, tampoco deja de lado a los niños, ya que ante todo esta es una película infantil.

Si bien apela a cierto perfil de adultos, es una obra familiar cuyo sentido del humor amable, y tontorrona inocencia, sintonizan directamente con los más pequeños. Esa es la razón de que las explosiones de color trasladen con encanto las pantallas de los videojuegos a las salas de cine, de una manera que sin duda sabrá captar la atención de los menores gracias también a la robustez que aportan al conjunto los directores Aaron Horvath y Michael Jelenic, que ya trabajaron juntos en la serie Teen Titans Go! Y la verdad es que, en una época de remakes oscuros, la apuesta por un universo esplendoroso supone un alivio.

Entonces, ¿se le puede pedir más a Super Mario Bros: La película? Al fin y al cabo, es entretenimiento puro, sencillo y directo, como ocurre con los videojuegos. La diferencia es que estos sí planteaban retos y novedades para el sector, mientras que aquí no hay ningún tipo de innovación, ni siquiera en sus solventes secuencias de acción. Pero, pese a una narrativa superficial que no sabe, o quiere, alejarse de lo formulaico, no hay duda de que la alianza entre Universal Pictures, Illumination y Nintendo sabrá contentar tanto a los sentimentales amantes del Mario pixelado como a los nuevos espectadores que encuentren en este redondeado fontanero un sustituto menos estridente de los Minions.

La divulgación de un video en el que un ministro de María Eugenia Vidal coordina con empresarios, espías y otros funcionarios el armado de causas contra sindicalistas trajo aparejado un debate sobre el papel del periodismo, los off the records y la libertad de expresión.

En la mañana del lunes, cuando la denuncia publicada en Página 12 cobró vuelo, el periodista de La Nación Hugo Alconada Mon tuiteó un fragmento de su libro “La Raíz” (2018), en el que se preguntaba si “algún día” se sabría la existencia de la reunión que finalmente expuso el video. El párrafo de la página 168 describe con bastante exactitud quiénes concurrieron a ese encuentro de junio de 2017 y el lugar en que se produjo.  

Dos días más tarde, el periodista de La Nación dio a conocer el nombre del último integrante de la reunión que faltaba identificar: Ricardo Alconada Magliano, un tío segundo o tercero, miembro de la Cámara de Desarrolladores Urbanos de La Plata, con quien dijo no mantener relación. Cabe aclarar que la familia Alconada tiene varias ramificaciones que transitan hace décadas los campos de la política, la Justicia y la empresa de la capital bonaerense.

Una primera reflexión sería por qué, si el cronista contaba con información tan precisa, no la publicó en su momento. Habría sido un elemento útil para develar a tiempo que la cruzada ética enarbolada por el macrismo, que tenía al diario La Nación como uno de sus principales propagandistas, se trataba en realidad de chapucerías extorsivas organizadas por espías, fiscales, jueces y funcionarios que soñaban con la Gestapo, con el fin de eliminar obstáculos y favorecer negocios personales. Hoy, ya conocidos el caso D’Alessio-Stornelli, el listado de visitas de jueces federales a Mauricio Macri y la trama espionaje omnipresente Super Mario Bros, el contenido del encuentro en el Banco Provincia resulta impactante, pero no sorprende.

Tras cartón, Alconada Mon fue acusado en medios y en redes de regular la información y ser cómplice de los mecanismos ilegales que se potenciaron bajo el Gobierno de Macri. La senadora Juliana di Tullio (Frente de Todos, Buenos Aires) llevó el tema a la sesión del miércoles. “Alconada Mon es un mago”, ironizó. “Va a tener que dar explicaciones en sede judicial; estoy harta de la connivencia de los periodistas y las periodistas que se hacen los estúpidos”, aseveró.

Reglas de juego

Para cualquiera que conozca los procedimientos del periodismo, la respuesta de por qué Alconada Mon se guardó el dato para un párrafo sugerente en su libro sería fácil de deducir. A veces, una información llega bajo la forma de rumor verosímil, pero el periodista no encuentra cómo corroborarla, o la fuente transmite hechos que presenció bajo la exigencia de no publicación. Esta modalidad de “off estricto” (te lo digo para que lo sepas, a condición de que no publiques una letra si no lo corroborás por otro lado) no es tan habitual en Argentina como en Estados Unidos o Alemania.

Si la fuente del cronista fue su tío segundo, es una hipótesis plausible. No cambia la razón que pudo haber llevado a Alconada Mon a manejarse con cautela. Si, por el contrario, el periodista eligió guardarse la información por complicidad, ¿qué sentido habría tenido volcarla en un párrafo perdido en un libro?

Un dato más invitaría a no precipitarse. Las investigaciones de Alconada Mon podrán ser más o menos sólidas, sus razonamientos políticos y prioridades periodísticas se podrán compartir más o menos, pero nadie debería omitir que fue certero a la hora de exponer los negociados de la familia Macri. El autor de “La Raíz” fue artífice de la publicación de los Panamá Papers que tenían a hermanos y amigos del entonces presidente y gran parte de su gabinete como protagonistas centrales, e informó el entramado de offshore y testaferros usado para depositar decenas de millones de dólares producto de supuestas compraventas espurias. Es cierto que La Nación se esmeró por hundir esas investigaciones hasta el límite del ridículo, pero los textos están en la web para quien los quiera constatar.

A tal punto Alconada Mon fue molesto para el Gobierno de Macri, que fue blanco, como Cristina Fernández de Kirchner y tantos otros, de los espías “cuentapropistas” que reportaban a la Agencia Federal de Inteligencia de Arribas-Majdalani y entraban a la Casa Rosada para entregar conclusiones en la antesala del despacho presidencial.

En su momento, al periodista de La Nación también se le reprochó que demoró la publicación de los Panamá Papers hasta abril de 2016 para no arruinar la asunción de Macri en la Casa Rosada. Otra acusación sin fundamento. Las grandes filtraciones en las que participan periodistas de decenas de países requieren coordinar la campana de largada, porque si cada uno publica cuando le conviene, perjudica a los colegas de otras latitudes. Son las reglas de juego.

La reacción

Tras los dichos de Di Tullio, la corporación periodística entró en acción. La Nación, que contaba con la misma información que publicó el lunes Página 12, pero prefirió disimularla, rescató el tema y denunció un “ataque” por parte de la senadora peronista. Tras días de ningunear la jugosa trama de la célula Gestapo —en forma similar a lo que hizo con las investigaciones de Alconada Mon sobre Macri: crónicas enterradas todo lo posible—, La Nación decidió entrarle por los dichos de Di Tullio.

El papel central de la reacción le correspondió al tándem Fopea-Adepa. El dúo de periodistas profesionales y empresarios de medios emitió repudios casi idénticos contra las afirmaciones de la senadora.

En un argumento que bien podría enarbolar la defensa de Pepín Rodríguez Simón, el Foro de Periodismo Argentino (Fopea), entidad inspirada, entre otros, por el periodista de Clarín Daniel Santoro, arriesgó: “La postura de la senadora reflota la disparatada teoría del lawfare, mediante la cual se pretende instalar una sensación de permanente sospecha, sin ningún dato objetivo, sobre el rol del periodismo profesional y por consiguiente invalidar los procesos judiciales abiertos”.

Si el lawfare existe, es un debate del corazón de la política que trasciende fronteras, alcanza estrados judiciales y académicos, y excede el objeto de esta nota. De lo que no caben dudas es de que la libertad de expresión es un valor de la democracia que corresponde tanto a un periodista, una ONG, un sindicato, una senadora peronista, un barrendero y una jugadora de vóley.

Sería absurdo un ecosistema de la opinión pública en el que algunos periodistas tuvieran vía libre para el agravio y la acusación penal —varios de quienes propalan insultos al aire son connotadas figuras de la ONG que dicen defender el periodismo profesional— y los políticos se vieran restringidos a la hipercorrección para responder.

Claro que si una fuerza gobernante o un dirigente pasa del dicho al hecho y orquesta el arresto o la censura de un periodista constituiría una instancia grave e intolerable. No es el caso. Tan sólo se trata de la crítica de Di Tullio a Alconada Mon —para quien firma, descentrada— y su voluntad de que dé explicaciones en sede judicial.

En un país en que la censura prevaleciente viene por el lado de las pautas privadas y estatales, y los intereses extraperiodísticos de los propietarios o gestores, en los últimos años, lo más parecido al cercenamiento de la libertad de expresión fue el arresto arbitrario de dueños de medios opositores al macrismo acusados de evadir impuestos (Fabián de Sousa y Cristóbal López) y la amenaza de cárcel proferida desde pantallas televisivas contra quienes no se cuadraran. Esas aventuras seguramente fueron orquestadas en mesas judiciales similares al de la Gestapo antisindical de miembros del gabinete de María Eugenia Vidal, pero no merecieron ningún comentario de las ONG tan íntimamente vinculadas al mundo PRO.

De todas formas, lo más lesivo del accionar de Fopea no son sus silencios sino la confusión deliberada entre la acusación de una senadora oficialista a Alconada Mon y los procesos judiciales que involucraron a Daniel Santoro en las supuestas tramas extorsivas del fiscal Carlos Stornelli, el fallecido Claudio Bonadio, el falso abogado Marcelo D’Alessio y otros personajes por el estilo. Desde que hace dos años se descubrió la triangulación —voluntaria o involuntaria— entre extorsionadores, Comodoro Py y páginas de Clarín e informes televisivos, Fopea y Adepa dedicaron buena parte de sus manifestaciones públicas a denunciar que estaba en riesgo la libertad de expresión. En la innecesaria defensa de Alconada Mon de esta semana, la primera ONG mencionó que se trata de “un nuevo intento de estigmatizar y criminalizar la actividad periodística”, como si fueran asuntos parecidos. Para uno y otro caso, los razonamientos y las palabras fueron los mismos.

Dos procesamientos de Santoro fueron revocados por cámaras federales por falta de mérito (corresponde seguir investigando) y en una de las causas ya fue sobreseído. Las comunicaciones con extorsionadores, las informaciones que resultaron falsas y las coincidencias periodístico-judiciales están descriptas en los expedientes para quien quiera evaluarlas. No cabe, desde ya, violentar la presunción de inocencia.

La generación de alboroto entre un ataque a la prensa libre, un intercambio altisonante en un ambiente político habitualmente árido y una investigación judicial sobre supuestos delitos cometidos en el marco del ejercicio profesional no hace más que deteriorar el debate sobre la libertad de expresión y desdibujar la función del periodismo. 

SL