Me siento a escribir sobre Una batalla tras otra, la nueva película de Paul Thomas Anderson, y me doy cuenta de que hace varias semanas vengo viendo y escribiendo sobre películas y series que abordan la cuestión de la violencia política. Las otras dos obras que reseñé, Belén de Dolores Fonzi y Mussolini: hijo del siglo de Joe Wright, narraban historias reales: eso hacía un poco más fácil entender de quién hablaban, con quién discutían, contra quién filmaban.

Parte de la dificultad de Una batalla tras otra es que no solo se trata de una ficción: es prácticamente una película sci-fi, una suerte de ucronía en la que la izquierda revolucionaria global ha, por alguna suerte de milagro, sobrevivido a la caída del muro, y sigue poniendo bombas y organizando redes clandestinas para luchar por sus causas. Me sorprende un poco haber leído pocas críticas que pongan el acento en eso. Para mí es el elemento más llamativo y complicado de la película, la decisión de poner como protagonistas a una suerte de montoneros del siglo XXI que toman las armas por consignas de nuestra época, fundamentalmente la lucha contra las políticas antimigratorias en Estados Unidos.

Cuando la película empieza, estos revolucionarios millennials (Bob Ferguson, el personaje de Leonardo DiCaprio, dice haber nacido “en algún momento de los años 80”) están organizando una acción violenta en un centro estatal de detención para personas que intentan cruzar la frontera mexicana. Quince años después, en nuestro presente, todo indica, estos mismos exguerrilleros están viviendo con nombres inventados y, en el caso de Ferguson, criando solo a una hija adolescente que tuvo con su compañera Perfidia (Teyana Taylor), desaparecida muchos años atrás. DiCaprio es muy convincente como Ferguson, una cruza de Che Guevara con gran Lebowsky, pero cuando un tipo de cuarenta y pocos que militaba por las fronteras abiertas hasta hace quince minutos se desconcierta ante los amigos no binarios de su hija como un viejo cascarrabias del PC de los 70 no puedo evitar preguntarme, ¿de quién habla Paul Thomas Anderson? ¿Con quién habla? ¿Por qué pone a un tipo de su edad a criticar la pasividad de una juventud que ya no tiene huevos para tomar las armas, cuando la primera generación de progresistas sin huevos es probablemente la suya?

En la revista Otra Parte, Antonio Gómez aventura una hipótesis buena, interesante y mucho más generosa que la mía: a quien Paul Thomas Anderson reivindica es en realidad a los mexicanos que sostienen redes de ayuda más allá del efectismo de las bombas, ese grupo al que pertenece Sergio St. Carlos (Benicio del Toro) que rescata al personaje de Ferguson cuando vienen a buscarlo. Después de la desaparición de Perfidia, todo indica que Bob no volvió a involucrarse en política, ni en el mundo en general; más allá de la demanda de pasar a la clandestinidad, parece que la revolución le interesó cuando era para divertirse, cuando se trataba de poner bombas y salir corriendo. St. Carlos, en cambio, está claramente involucrado con el día a día de los migrantes, su supervivencia y sus redes de ayuda, más allá de la parte más glamorosa de la militancia. Creo que tiene razón, Antonio Gómez, en esta lectura, y quizás se complementa con la mía. Tal vez esto que yo leo como una reivindicación injusta que hace Paul Thomas Anderson de su generación, mezclándola demasiado con la de los 60 (la novela de Thomas Pynchon en la que se inspira, de hecho, se trata de militantes de los 60), es en realidad un mea culpa: quizás está diciendo, nosotros somos unos chantas losers, no llegamos ni a dar la vida por la revolución como nuestros padres ni a tener el coraje de abrazar la diversidad sexual como nuestros hijos.

La otra cuestión, que me hizo volver a pensar también en Belén y en Mussolini, es que Una batalla tras otra es una película que casi no habla del Estado. Supongo que es muy difícil ver todo esto desde un país que tuvo otra relación con la guerrilla. Nuestros montoneros no necesitaban viajar a Sierra Maestra a hacer turismo aventura, como los estadounidenses; acá, a la lucha armada la daban a la vuelta de sus casas, las pastillas de cianuro estaban en sus propios bolsillos; y la relación del Estado con la violencia paramilitar, sea de derecha o de izquierda, es una de las líneas narrativas más interesantes y polémicas para seguir en la historia de nuestro país.

En ese sentido quizás Una batalla tras otra es, y esto lo digo sin matices positivos ni negativos, una película profundamente norteamericana: más allá de las menciones a ICE y a la lucha migratoria, tanto los malos como los buenos de la película son todas personas actuando por fuera del Estado y su lógica; el Estado parece entenderse como una estructura vacía, sin poder y sin esperanza, cuyos devenires son menos importantes para el futuro del país que las luchas entre poderosos y desposeídos que se dan de alguna manera lejos de él. Sigo abusando de los “quizás”, pero puede que esta me parezca, en términos políticos, la idea más interesante de la película (las mejores ideas de Anderson, claramente, son cinematográficas, narrativas y estéticas, más que políticas).

Quizás (otra vez) Belén y Mussolini son obras pensadas a partir del siglo XX; y en el fondo, el gran logro de Una batalla tras otra como obra de cine político es el de dibujar el mundo del tecnofeudalismo, de una violencia que no solo se escurre por fuera de la lógica y el funcionamiento del Estado sino que lucha con ella de igual a igual; un mundo en el que la idea del Estado como el que ostenta el monopolio de la fuerza es una antigüedad, en el que el Estado, si tiene todavía algo de peso y legitimidad, lo tiene como esas empresas de rubros en decadencia que sobreviven a base de tradición e inercia pero están, en el fondo, a punto de fundirse.

TT/MF

Paul Thomas Anderson lleva muchos años soñando con adaptar uno de sus libros favoritos, el Vineland de Thomas Pynchon. Su anterior experiencia adaptando al escritor, Vicio propio, terminó siendo un filme irregular y alucinado que fue el que peores críticas recibió de su filmografía. Quizás por eso, quizás por el propio material, hiperbólico, complejo y esos que llevan la etiqueta de inadaptable pegada, el cineasta se resistía a acometer el proyecto a pesar de que siempre decía que quería hacerlo.

35 años después de su publicación. 29 después de su debut. 11 desde su anterior adaptación de Pynchon, y cuatro desde su último estreno, Licorice Pizza, Paul Thomas Anderson acometió su película más ambiciosa -cifran su presupuesto en más de 100 millones- para cumplir finalmente su sueño. Lo hace entendiendo que la única forma de ser fiel a Pynchon era siendo, irónicamente, tremendamente infiel. De aquella novela, ambientada en la época de Reagan y que indagaba en qué quedaba de los grupos revolucionarios de los 60, Anderson se queda con ciertos mimbres temáticos, pero, sobre todo, con la esencia del libro para hacer la mejor adaptación posible y, sin duda, una de las mejores películas del año.

En uno de los principales cambios, y uno de los más lógicos, Anderson se trae la historia al presente para ver qué queda de los grupos revolucionarios ahora, en un momento en el que los migrantes están en jaulas, como enseña en su contundente primera escena. Ahora Reagan es Donald Trump y sus políticas se sienten en todos los costados de la sociedad, especialmente en aquellas comunidades donde los latinos son mayoría.

Aquí el grupo revolucionario, en el que milita un Leonardo DiCaprio como héroe fumón que tiene mucho de The Dude de El Gran Lebowski, se deja el cuerpo para liberar a los migrantes hasta el momento en el que agarran a una de sus integrantes -esa Perfidia con nombre icónico-, también pareja del personaje de DiCaprio. Ahí entra en juego el villano desquiciado, exagerado y sobreactuado (voluntariamente) al que da vida Sean Penn, supremacista blanco tan pendiente de limpiar la raza blanca americana como de satisfacer su fetichismo por una mujer negra.

La película da un salto en el tiempo para crear un viaje febril y colocado, tanto como lo está el personaje de DiCaprio, a un presente en el que los movimientos revolucionarios fueron aniquilados, pero donde probablemente sean más necesarios que nunca. A través de una historia de venganza, Paul Thomas Anderson construye su película más eminentemente política. Una que nos dice claramente que la lucha activa debe, como el cariño, ser transmitida de generación en generación si queremos que haya algún futuro. Lo hace a través de esa transmisión generacional entre el personaje de DiCaprio —cuyo look está condenado a ser imitado en fiestas de disfraces y ser parte de la historia del cine— y su hija.

Aunque sea una película política hasta el último de sus fotogramas, Anderson lo hace desde el juego, desde la mezcla de tonos y géneros más heterogénea e iconoclasta posible. Una batalla tras otra es un thriller político, una película de acción tremendamente sexy, una comedia negrísima y hasta absurda y, en su corazón, una hermosísima historia sobre los vínculos paternofiliales y qué es lo que nos hace una familia, si la sangre o los valores que se transmiten en la educación.

Todo esto lo hace con un guion complejísimo, que en apariencia es desquiciado y que, sin embargo, nunca llega a desbordarse. Enlaza escenas, como pasaba en Licorice Pizza, que parecen disonantes entre sí, para ir componiendo un puzzle que solo se atisba cuando han concluido esas dos horas y media de película que, por suerte, se pasan volando. Una película mutante, que se transforma constantemente y que, sin embargo, siempre es fiel a sí misma y a su espíritu.

Si Sean Penn se rinde al exceso, sorprende la forma de encontrar el equilibrio de Leonardo DiCaprio en una de sus mejores interpretaciones. Se le nota disfrutar, juega incluso al humor físico, pero midiendo cada gesto para nunca pasarse de la raya. Está lejos de lo que hizo Joaquin Phoenix en Vicio propio o lo que el mismo actor hizo recientemente en Eddington, película con la que Una batalla tras otra haría un buen programa doble.

Tanto Paul Thomas Anderson como Ari Aster se revelan como dos cineastas tremendamente preocupados por el presente de su país hasta el punto de realizar dos películas políticas en filmografías que no se habían caracterizado por ello. Pero mientras que Aster acaba fagocitado por su exceso, la maestría de Anderson es la que lo eleva por encima de muchas propuestas recientes. No se deja llevar por la tentadora sátira, sino que consigue ser divertida tomándose en serio cada una de sus ideas. Una carcajada puede ir acompañada de un latigazo político de altura sin que nada chirríe. 

Consigue, además, una película visualmente fascinante con escenas para el recuerdo. Ese parkour a contraluz que termina en caída; todo lo que envuelve a ese sensei latino defensor de los migrantes que interpreta con calidez un sobresaliente Benicio del Toro y, sobre todo, una persecución final por las carreteras del desierto que es imposible borrar de la memoria.

Pero, sobre todo, lo que late en su interior, es la reflexión pertinente sobre un presente que necesite que las revoluciones no acaben, que el inconformismo, la queja y la lucha estén en los más jóvenes. Paul Thomas Anderson lo escenifica de forma contundente con una escena final hermosa y emocionantísima, el abrazo de un padre a su hija que tiene mucho de transmisión de legado. 

Cada cierto tiempo regresa el debate de qué directores actuales están destinados a ser historia del cine. Paul Thomas Anderson lleva años reivindicando su lugar, pero con Una batalla tras otra deja claro que merece estar en esa lista, y puede que hasta merezca un Oscar que se le resiste desde Boogie Nights.

Cada persona tiene sus propias ideas sobre qué es el amor. Está comprobado que se trata de un sentimiento químico: la dopamina actúa como neurotransmisora para hacernos sentir placer y atracción. Pero también se trata de un tipo de afecto abstracto, ya que está en la personalidad y experiencia de cada cual sentir y actuar de una manera u otra; sea con una pareja sentimental, con un amigo o con un familiar. 

Crecemos con las ideas románticas de que “un clavo saca a otro clavo” o de que “cuando estás enamorado no hay límites”. “El amor no tiene edad”, dicen, “no elegimos de quién nos enamoramos”. Y, entre los refranes más conocidos sobre este sentimiento, está el de “ni abril sin flores ni juventud sin amores”, haciendo alusión a que durante la adolescencia las personas suelen enamorarse más. Pero hay quienes se saltan el dicho y parecen llevar esa norma a la espalda durante toda su vida, enamorándose de personas mucho más jóvenes. Y, en algunos casos, repetidas veces. 

En numerosas ocasiones vimos cómo a la comunidad de Instagram, de X (antes Twitter) o de TikTok, le llama la atención este tipo de relaciones. Las que más virales se hacen al publicarse decenas de titulares o centenares de memes son en las que un hombre famoso empieza a salir con una chica llamativamente más joven que él. 

En la prensa del corazón española encontramos a Kiko Matamoros, de 66 años, quien se casó a principios del pasado verano con Marta López Álamo, modelo e influencer de 26; se sacan 40 años. Otra pareja cuya diferencia de edad fue ampliamente comentada es la que formaban la modelo Laura Escanes y el presentador Risto Mejide, quienes se conocieron cuando ella tenía 19 años y él 41. Este es un patrón que repite el actor y productor de cine Leonardo DiCaprio con sus novias, y no parece cansarse de él. Hace poco conocíamos que su nueva pareja es Vittoria Ceretti, una reconocida modelo italiana de 25 años. Ella rompió con la 'norma' que siguió el estadounidense de dejar a sus novias cuando cumplen el cuarto de siglo por otra más joven, aunque él siga cumpliendo años. 

Desde mediados de los años 90 hasta la actualidad, DiCaprio tuvo más de una decena de parejas sentimentales. En la adolescencia fue la modelo Bridget Hall quien le robó el corazón con 17 años, tres menos que él. Con 23, época de estreno y explosión de la exitosa película Titanic, el actor tuvo varias parejas (todas menores de 25 años) pero ninguna estable. En el año 2000 comenzó una relación con la supermodelo brasileña Gisele Bündchen, la cual no llegó a los cinco años de duración, justo cuando ella cumplía los 25. Tras esa ruptura conoció a Bar Refaeli, 10 años menor que él. Estuvieron juntos hasta 2009, cuando la actriz y presentadora israelí soplaba las velas de sus 25 años.

Tras varios romances pasajeros, DiCaprio empezó a salir con la modelo Camila Morrone, hasta que decidieron ponerle fin a una relación de cinco años; algo que ocurrió dos meses después de que ella cumpliese los 25. Su última pareja conocida antes de Ceretti fue la modelo estadounidense Megan Roche; ella tenía 22 años, 26 menos que él. No parecen necesarios más ejemplos para observar con claridad que el famoso actor lleva un patrón en sus relaciones condicionado por la edad de las mujeres con las que empieza a salir y, sobre todo, la edad que tienen cuando decide dejarlas por otra. 

En redes sociales su comportamiento fue ampliamente comentado, aparte de convertirse en material de primera para memes. “Titanic cumplió 25 años, ya es más vieja que cualquiera de las novias de Leonardo DiCaprio”, comenta una usuaria. “Qué lindo DiCaprio preocupándose por el medio ambiente, se nota que quiere un planeta mejor para sus próximas novias”, escribe otra siguiendo el juego.

Otros crean infografías con estadísticas que reflejan el anecdótico límite de edad de las parejas en cuestión, e incluso existen hilos con teorías sobre el tema: “DiCaprio no le termina a sus novias cuando cumplen 25, sino que ellas llegan por fin al nivel de madurez necesario para visualizar con más herramientas la relación que tienen con un tipo estancado emocionalmente que podría ser fácilmente su papá y se largan de ahí”, escribe una joven en X. 

Se normalizan las parejas con diferencia de edad, pero solo si ellos son mayores

Existen distintas investigaciones que concluyen que, en términos generales, a mayor diferencia de edad, menor posibilidad de que la pareja funcione. Sin embargo, seguimos encontrando el llamado 'complejo de Lolita', nombrado así a partir de la novela de Nabokov (hombres a los que les gustan las mujeres con aspecto aniñado), tanto en el mundo de los famosos como en nuestro día a día.

Para la socióloga especializada en diversidad e igualdad Raquel Jiménez Manzano, que se normalicen este tipo de relaciones entre dos personas con gran diferencia de edad tiene que ver “con algo tradicional”. “Que un hombre sea mucho mayor que una mujer en una relación siempre ha existido y se ha justificado con la diferencia en base a la diferencia del proceso madurativo. Es decir, siempre se ha señalado que, en general, los hombres maduran más tarde que las mujeres y, por tanto, la diferencia de edad estaría compensada por la madurez”, sostiene.

Si históricamente hemos normalizado que el hombre sea el mayor, también deberíamos hacerlo al revés y dejar de ridiculizarlas

Raquel Jiménez Manzano — socióloga especializada en igualdad y diversidad

Aunque entendamos que “los hombres se acercan a mujeres más jóvenes por intereses sexuales”, para la socióloga “cada vez hay menos diferencias entre los pensamientos y el físico a diferentes edades”, por lo que entiende la normalización de estas relaciones. Por contra, señala que esta normalización no existe cuando la mujer es la mayor sino que, por el contrario, se la juzga de manera pública.

“Los distintos juicios que se hacen en función del género de la persona mayor están relacionados con los estereotipos de género. Por ejemplo, en el caso de Nicholas Sarkozy y Carla Bruni, donde la diferencia de edad era de 13 años y, en el caso de Emmanuel Macron y su mujer Brigitte, donde la diferencia es de 24 años —ella mayor que él—, los comentarios hacia Brigitte fueron muy, muy desagradables. Sin embargo, cuando se da el caso contrario la gente lo ve como que la persona joven (una chica) está buscando estabilidad y experiencia. Si históricamente hemos normalizado que el hombre sea el mayor, también deberíamos hacerlo al revés y dejar de ridiculizarlas”, reflexiona Jiménez Manzano.

Aunque la experta lamenta que se hagan juicios de estas relaciones sentimentales, sea la persona mayor de un género u otro, cree que “no debemos caer en las ideas del amor romántico de que es una fuerza que lo puede todo”. “En este tipo de relaciones, llega un momento en el que la persona mayor deja de ser una persona adulta para convertirse en una que necesita cuidados cuando su pareja aún está en otra etapa vital de tener nuevas experiencias, algo que puede romper relaciones que se creían totalmente consolidadas”, dice.

No podemos saber qué hay exactamente tras el comportamiento de estas personas más mayores que sus parejas. Según Sergio García Soriano, psicólogo especializado en vínculos de pareja, sí pueden barajarse diferentes patrones. “La mente es compleja”, dice, “puede que sea simplemente un gusto personal hacia personas más jóvenes pero, en este caso [el de DiCaprio], acabar el análisis aquí se quedaría corto. Si existe una condición sine qua non de que sus parejas sean extremadamente jóvenes puede tener varias lecturas”.

El psicólogo plantea diferentes motivaciones que podrían responder a, desde el gusto de una persona madura por la inocencia infinita y un afán por enseñar su experiencia a diferentes personas, a un deseo de no bajar el ritmo ni la pasión sexual que se ha sentido desde los 20 años; hasta un complejo inconsciente de la eterna juventud si se observa esta conducta desde la mirada psicoanalítica. 

“Una pareja más joven siempre revitaliza la vida sexual de aquellas que llegan a los 50 años, y es algo que podemos ver habitualmente porque socialmente está bien visto. Muchos lo ven como un 'trofeo' porque para ellos significa algo prestigioso poder enamorar a chicas jóvenes. Sin embargo, en este caso debemos considerar la posible existencia de un complejo de Edipo”, sostiene García Soriano refiriéndose a los casos en los que la diferencia de edad podría corresponderse con la de un padre y una hija. “El incesto es algo que hemos superado a lo largo de los siglos, pero en ocasiones puede tener algo que ver en nuestros comportamientos diarios”.

En este tipo de relaciones, llega un momento en el que la persona mayor deja de ser una persona adulta para convertirse en una que necesita cuidados cuando su pareja aún está en otra etapa vital, algo que puede romper relaciones que se creían consolidadas

Raquel Jiménez Manzano — socióloga especializada en diversidad e igualdad

Según García Soriano, en la mayoría de los casos y sobre todo en las relaciones sentimentales, buscamos más el carpe diem que un enamoramiento sin fecha de caducidad. “La motivación de las chicas que salen con DiCaprio seguramente tenga que ver más con una fantasía erótica y con el vivir el día a día de un amor romántico que con la búsqueda de un proyecto de futuro. Ellas también pueden estar buscando una figura paterna en su pareja —nuevamente una característica del complejo de Edipo—, a sabiendas de que todo será a corto o medio plazo porque él aún actúa como si tuviese relaciones adolescentes”, opina García Soriano.

Otro rasgo atribuible a algunos de estos casos, según el psicólogo, es el del complejo de Peter Pan. Aplicado a este tipo de situaciones, este se explica por un cambio en la actitud de la persona más mayor que se empieza a comportar como alguien más joven con el fin de seducir al otro: cambios en la vestimenta, en los sitios frecuentados y hasta en la forma de hablar para acercarse los códigos generacionales que les son ajenos. “Una persona de 20 años se puede enamorar de una de 60, aunque en ocasiones esas parejas no duren por las diferencias en sus momentos vitales y necesidades”, concluye García Soriano. 

El cambio que ha sufrido Hollywood en los últimos años en cuestiones de diversidad ha sido radical. A pesar de los ataques de los ‘antiwoke’ y la derecha reaccionaria, en la industria del cine se dieron cuenta que tenían serios problemas. Sus historias las contaban hombres blancos y hablaban de hombres blancos y casi siempre heterosexuales. Había mucha gente que no se estaba viendo representada en las historias, o que cuando lo hacía notaba que su presencia era estereotipada y llena de tópicos denigrantes.

Mientras que muchos de ellos se han ido superando o están en proceso (la brecha de género es todavía bastante amplia), otros empiezan a ser alumbrados. Es el caso de la representación de las comunidades nativas, que durante décadas han visto cómo el cine ha perpetuado un imaginario que los mostraba como los villanos de la función, avaros, borrachos y salvajes. Los “indios”. Como dijo a este periódico el cineasta chileno Felipe Gálvez, director de Los colonos: “El wéstern fue cómplice de los genocidios que sufrieron dichas comunidades”.

Quizás por ello Martin Scorsese no se había atrevido hasta ahora con un género que adora desde niño pero que nunca ha abordado como cineasta. Lo hace con Los asesinos de la luna, la adaptación del libro de David Grann que estrena este jueves y que cuenta y documenta el genocidio de la comunidad Osage en los años 20 en Oklahoma, en EEUU.

Los Osage fueron movidos de sus tierras originales y les obligaron a establecerse en un nuevo lugar que contenía en su subsuelo una cantidad ingente de petróleo. Eso hizo que pasaran de la noche a la mañana a ser una de las comunidades más ricas de EEUU, lo que provocó que las autoridades obligaran a las mujeres a tener tutores legales blancos para manejar su dinero, una decisión que llevó a la matanza indiscriminada de nativos Osage para acumular su riqueza. 

Un capítulo desconocido de la historia de EEUU. Uno de los que nunca se contarían en un wéstern clásico y el único que ha hecho que Scorsese se atreva con el oeste. Aunque nunca lo hubiera hecho, de alguna forma el director siempre ha hablado de un tema que tiene en común con el wéstern, y es la fundación de América. Para Scorsese todo se basa en lo mismo, en la avaricia. El capitalismo crea monstruos y los perpetúa. Los mismos monstruos que estaban en Gangs of New York están en Los asesinos de la luna y repetirían en su cine de gánsteres hasta llegar al capitalismo desaforado de El lobo de Wall Street. 

El director explicó en una rueda de prensa que para él fue muy importante ser fiel a lo que viven esas comunidades. “Tan pronto como me dieron el libro dije que, si querían que me involucrara en ello, teníamos que hacerlo con los pueblos nativos”, comenzó diciendo y recordó que durante mucho tiempo fue “inconsciente sobre cuál era su situación”. Fue en los años 70 cuando empezó a tomar conciencia y durante años ha estado “fascinado”.

La pregunta que se hizo todo el tiempo fue: “¿Cómo tratar esta cultura siendo respetuoso pero sin ser hagiográfico?”. “No quería caer en Rousseau y mostrarlos solo como los nativos nobles, sino ser auténtico, hablar de ellos con respeto y dignidad y lidiar con la verdad de forma honesta y de la mejor manera que pudiéramos”. Esa forma fue “involucrándose en los Osage” y haciendo que ellos fueran parte del filme. 

No íbamos a caer en el cliché de victimizarlos, o en el cliché del indio borracho, o el del indio salvaje, todo este tipo de cosas… Queríamos contar la historia de la forma más directa posible

Martin Scorsese — Director de cine

Los Osage fueron “cautelosos”. “Tuve que explicarles que iba a intentar tratarles de la forma más honesta y sincera posible. No íbamos a caer en la trampa. No íbamos a caer en el cliché de victimizarlos, o en el cliché del indio borracho, o el del indio salvaje, todo este tipo de cosas… Queríamos contar la historia de la forma más directa posible”, dijo Scorsese, que confesó que hubo algo que le costó entender, y es que todos esos temas no se habían hablado en la generación de descendientes de nativos actual ni en la anterior: “Las personas que vivieron lo que cuenta la película siguen ahí de alguna forma, porque son sus familiares, son sus descendientes”. Fue Margie Burkhart, pariente de Ernest (el personaje de Leonardo DiCaprio), quien señaló una de las claves para encontrar el punto de vista de la película: “Ernest amaba a Molly, y Molly amaba a Ernest. Es una historia de amor. En ese momento reelaboramos el guion y ya no iba sobre descubrir quién lo hizo, sino quién no lo hizo. Esta es una historia sobre el silencio cómplice, sobre pecar por omisión”.

El Oeste como un sitio en donde “no se necesita la ley”. “Estaba la ley, pero la ley no funciona de esa manera, porque puedes hacer que la ley funcione para ti si eres lo suficientemente inteligente, como sabemos ahora que mucha gente lo hace. Pero en aquel sitio, además, tienes un territorio abierto. Un lugar que, por muy hermoso que sea, puede volverse muy siniestro, y lo que quería capturar en última instancia era la naturaleza misma del virus, el cáncer que crea esta sensación en estas personas de que pueden realizar una especie de genocidio de forma sencilla”, explicó sobre Los asesinos de la luna.

Aunque los nombres más conocidos del cartel son los de Leonardo DiCaprio y Robert De Niro, dos sospechosos habituales del cine de Scorsese, quien se está llevando todos los elogios es Lily Gladstone, la actriz descubierta por Kelly Reichardt en Certain Women y descendiente de una comunidad nativa que impresionó al director por “su presencia, su inteligencia y la emoción que hay en su cara”, pero también “por su activismo”. “Su activismo estaba en el arte. Después de ver la película es posible que estés pensando más en ella que en una persona que te da un sermón. Teníamos la sensación de que la necesitábamos. Necesitábamos que ella nos ayudara a contar la historia de aquellas mujeres. Siempre consultábamos todo con ella y trabajamos con ella en el guion. Hubo escenas que se agregaron y escenas que se reescribían constantemente”, subrayó del trabajo de la actriz.

Para De Niro y DiCaprio tiene una palabra, “confianza”. La que han creado durante años y años de trabajo juntos. “En el caso de Robert De Niro pasamos la adolescencia juntos. Él es el único que realmente sabe de dónde vengo y la gente que conocí. Algunos de ellos todavía están vivos. Él los conoce, y yo conozco a sus amigos, a sus viejos amigos. Tuvimos un verdadero campo de pruebas juntos en los años 70, donde probamos todo y descubrimos que confiábamos el uno en el otro. Se trata de confianza y amor. Eso es lo que es. Eso puede ser también un gran problema, porque muy a menudo si un actor tiene mucho poder, y él tenía mucho poder en ese momento, puede hacerse cargo de tu película. Yo nunca sentí eso. Juntos había experimentación y no había miedo a nada. Nunca tuve miedo de hacer algo. Solo lo hice”, rememoró.

Robert De Niro y yo tuvimos un verdadero campo de pruebas juntos en los años 70, donde probamos todo y descubrimos que confiábamos el uno en el otro. Se trata de confianza y amor

Martin Scorsese — Director de cine

En sus recuerdos aparece “ese niño”, como se refirió De Niro a DiCaprio. Así le llamó cuando se lo recomendó a Scorsese tras trabajar juntos en Vida de este chico. Llegó de forma casual y nunca se fue. A partir de El aviador desarrollaron una relación más estrecha, y fue ahí cuando el director vio “una madurez en él”. “Descubrí que, aunque había 30 años de diferencia, teníamos sensibilidades similares. Él está abierto siempre a ver partes de nuestra cultura más antiguas. Tiene curiosidad por otras personas y otras culturas”, dijo recordando cuando DiCaprio le contó que había descubierto el cine de Ozu. Socios que siempre están ahí y gracias a los cuales el cine de Scorsese se ha mantenido vivo todos estos años hasta convertirse, como dijo hace poco Coppola, en el mejor cineasta vivo.

En los próximos días llega a los cines 'Los asesinos de la luna', la nueva película de Martin Scorsese. Protagonizada por Leonardo DiCaprio, Robert De Niro y Lily Gladstone, y basada en el libro 'Los asesinos de la luna de las llores: Los crímenes en la nación Osage y el nacimiento del FBI' del periodista David Grann, la cinta relata la muerte de más de 60 miembros de la nación de Osage de Oklahoma (Estados Unidos) por parte de un entramado de colonos blancos que, tras ganarse la confianza de los nativos, buscaban hacerse con sus tierras y fortuna derivada del petrolero.

Unos crímenes perpretrados a principios del siglo XX que el director de 'Taxi Driver', 'Infiltrados' o 'El irlandés' define como “una especie de genocidio silencioso” y que lleva a la gran pantalla de la forma “más fidedigna y honesta posible”. Algo que ha intentado hacer desde el “respeto absoluto y total” a la cultura de los indios americanos, pero sin caer en un estilo “hagiográfico” ni “en la trampa” de todos esos lugares comunes que van desde generalidades como “los nobles nativos” hasta “el cliché de las víctimas o del indio borracho”.

“¿Cómo podemos ser sinceros y auténticos y además tener respeto y dignidad al lidiar con la verdad?”, se pregunta Scorsese en un una videoconferencia con diversos medios internacionales entre los que se encontraba Europa Press y en la que subrayó en varias ocasiones lo importante que fue para él viajar hasta Oklahoma e “involucrarse” para conocer de primera mano la cultura de los Osage, sus “rituales y momentos espirituales” para incluirlos en la película.

Acompañado del guionista Eric Roth ('Dune', 'El dilema', 'Forrest Gump') con el que firma el libreto del filme, al inicio de la preproducción del filme el cineasta se reunió con Geoffrey Standing Bear, el líder actual de la nación Osage, y más personalidades destacadas de la comunidad. “Mi primer encuentro con el jefe y su grupo fue muy diferente de lo que esperaba. Ellos, naturalmente, tenían muchas reservas y tuve que explicarles que iba a abordar su historia de la forma más honesta y justa como me fuera posible”, recuerda Scorsese que, asesorado por un nutrido grupo de expertos, ha intentado recrear todas las tradiciones de la tribu, incluso las más místicas, desde la absoluta fidelidad.

UNA TIERRA “TAN HERMOSA COMO SINIESTRA”

“Cuando la gente habla de todo eso, usan esa expresión que ahora no recuerdo... realismo mágico, místico o algo así. Pero no. Esto es real. En la película aparecen los sueños y los sueños son reales, sus ancestros se les aparecían. El búho, en cierto sentido, es real. Y de alguna manera también lo es para mí, así que quería saber cómo era posible y jugar con el contraste entre sus costumbres y el mundo blanco europeo”, asegura Scorsese.

Pero además de zambullirse de lleno en los ritos y usos más espirituales del pueblo Osage, el viaje al escenario de los truculentos hechos que relata en 'Los asesinos de la luna' también ayudó al director a comprender mejor cómo pudo perpretrarse esa oleada de fraudes, traiciones y crímenes de forma tan impune durante años. A día de hoy, de hecho, algunas muertes siguen todavía sin resolverse.

“Empecé a darme cuenta de que aquella tierra en sí misma podría ser siniestra. En otras palabras, si estás en un lugar tan remoto como este y no ves gente durante millas a la redonda... crees que puedes hacer cualquier cosa. Y cuando estuve allí me di cuenta de que es un lugar en el que no importa la ley. Sí, la ley está vigente, pero no funciona de esa manera. Puedes hacer que la ley sea útil para ti si eres lo suficientemente listo, tal y como sabemos ahora”, reflexiona el director de 'Malas calles', 'Toro salvaje' o 'Gangs of New York'.

En este sentido, Scorsese reconoce que aquellas vastas tierras le parecieron “tan hermosas como siniestras”. “Lo que yo quería, en última instancia, era capturar la naturaleza del virus, de ese cáncer que dio lugar a esa especie de genocidio silencioso”, insiste.

“PECADO POR OMISIÓN Y SILENCIOS CÓMPLICES”

Y precisamente con este objetivo, continúa Scorsese, es por lo que la película pone el foco en la historia de amor de Mollie y Ernest Burkhart. Él, interpretado por DiCaprio, es un buscavidas holgazán y poco versado que acaba de llegar del frente y se instala en Osage al abrigo de la buena vida que le promete su tío, William Hale, el hombre encarnado por De Niro que conoce y maneja todos los resortes y secretos más oscuros del contado. Ella, interpretada por la imponente Lily Gladstone, es una nativa india cuya familia acumula una de las mayores riquezas de la comunidad y que ve como la avaricia de los blancos está devorando a su pueblo.

“Fuimos con la historia con Molly y Ernest porque es la base de la película. Es una historia de amor y la base del amor es la confianza. Así que cuando hay una traición de esa manera, de esa forma tan profunda, y ahora sabemos por los hechos históricos que fue así, era ahí donde estaba nuestra historia”, señala Scorsese que recuerda cómo el filme fue “mutando” a medida que la historia de los Osage y la relación de Molly y Ernest ganaba más peso en detrimento de la investigación y pesquisas del FBI sobre los asesinatos.

“Fue entonces cuando Leo (DiCaprio) decidió interpretar a Ernest en lugar de a Tom White”, recuerda el director que finalmente encontró en Jesse Plemons al actor para encarnar al agente del Gobierno que encabeza la investigación de los crímenes en el tramo final del filme. “En ese momento comenzamos a reelaborar el guión y en lugar de ser una historia de alguien que viene desde afuera para descubrir quién lo hizo”, 'Los asesinos de la luna' pasó a ser “una película desde adentro hacia afuera”. “Una película sobre quién no lo hizo, una historia de pecado por omisión y de complicidad silenciosa en determinados casos”, sentencia.

Junto a DiCaprio, Gladstone, De Niro y Plemons, completan el reparto principal de 'Los asesinos de la luna' Tantoo Cardinal, John Lithgow, Brendan Fraser, Cara Jade Myers, JaNae Collins, Jillian Dion, William Belleau, Louis Cancelmi, Tatanka Means, Michael Abbot Jr., Pat Healy, Scott Shepard, Jason Isbell y Sturgill Simpson.

Europa Press.

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A James Cameron no le vale con haber reventado la taquilla (otra vez) con Avatar: el sentido del agua, la secuela de su éxito que ha rescatado a los cines y ha llevado a las salas a cifras que no veían desde hace muchísimos años. Cameron es el único director que ha encadenado tres películas consecutivas, superando la apoteósica cantidad de los 2.000 millones de dólares en todo el mundo. Lo ha hecho con Avatar 2, que actualmente ya sobrepasa los 2.174 millones de dólares en todo el mundo, una cifra que no se veía desde… su antecesora, Avatar, que en 2009 se estrenaba y acababa su carrera en 2.743 millones. La que también superó esa cifra inalcanzable para la mayoría fue Titanic. 

En 1997 Cameron contaba una historia de amor a bordo del transatlántico más famoso de la historia y arrasaba. Superó los 2.194 millones de dólares y logró 11 Oscar, la cifra más alta de la historia (empatada con Ben-Hur y El retorno del rey). El romance trágico de Jack y Rose cumple 25 años (en España se estrenó en enero de 1998) y como Cameron no tiene límites, estrena una versión remasterizada y en tres dimensiones de su propio clásico. En un giro loco, Titanic y Avatar 2 coincidirán en salas. Dos mastodontes que son el ejemplo de la ambición de su director, y también de su forma de entender el cine como espectáculo hecho para maravillar a un público al que cada vez le cuesta más levantarse del sofá e ir a la sala. Cameron lo consigue, y ahora quiere que la gente pague por ver una película que ya conoce.

De lo que no hay duda es que James Cameron sabe lo que quieren sus fans, y a este reestreno se une la llegada de un documental de National Geographic que en EEUU se ha emitido en Hulu y que, bajo el nombre de Titanic: 25 Years Later, aborda la pregunta que se llevan haciendo los fans desde hace más de dos décadas: ¿cabía Jack en la tabla de madera donde se subió Rose? Desde su estreno, el final de la película ha sido comentado, parodiado y convertido en meme y en chiste. La puerta donde el personaje de Kate Winslet se sube mientras ve a su amado congelarse y ahogarse parece, a ojos del espectador, suficientemente grande para que ambos pudieran subir. 

Una respuesta que Cameron podría haber dado de manera concisa, pero que ha preferido explotar en forma de experimento científico. El director ha recreado la escena usando dos dobles que tienen el mismo peso y altura que la que tenían entonces sus dos protagonistas, Leonardo DiCaprio y Kate Winslet. Realiza con ellos varias pruebas para ver si, en alguna de ellas, Jack podría haber vivido. En la primera de ellas, ambos se suben a la tabla, porque sí que cabían… pero se hunden, algo que Cameron llevaba aportando mucho tiempo atrás como excusa. Pero el experimento no se queda allí y prueban con otras posturas, como por ejemplo haciendo que solo suban la mitad del cuerpo, con lo que hubieran salvado sus órganos vitales. Una prueba en la que no tienen en cuenta el factor del cansancio de toda la peripecia anterior, por lo que les pide un tercer intento.

Primero pide a los dobles que realicen todo lo que habían hecho Jack y Rose para llegar tan cansados como ellos y le pide a ella que le dé su chaleco cuando ya ha subido a la tabla y está a salvo. Ahí es cuando James Cameron reconoce lo que los fans llevan tanto tiempo diciendo: podrían haber acabado juntos. “Él se estabiliza. Llegamos a una situación en la que, si lo hubiéramos hecho, Jack podría haber aguantado hasta que llegara el bote salvavidas”, reconoce. Lo que nadie tiene en cuenta es que narrativamente la película sería otra. Primero, porque el propio director vendió este filme al estudio como “Romeo y Julieta en el Titanic”. 

Nos enfrentamos a otra crisis llamada cambio climático y es como ese iceberg. Vamos a estrellarnos contra él y lo sufrirán los pobres, no las naciones ricas que lo causaron

James Cameron — Director de cine

Lo ha contado en una rueda de prensa con motivo del 25 aniversario donde ha analizado el fenómeno y ha rechazado que el éxito se debiera a una generación de jóvenes adolescentes enamoradas de Leonardo DiCaprio. Al revés, cree que fue el mensaje feminista y empoderador de la película lo que caló entre la gente. Un mensaje que ha sido reivindicado por directoras como Celine Sciamma, autora de Retrato de una mujer en llamas o Petite Maman, que siempre ha defendido lo revolucionario que fue ver una película de un gran estudio de Hollywood en donde la mujer no quedaba traumatizada por la muerte del amante, sino que se la veía realizada, habiendo conseguido hitos feministas en ese repaso en forma de fotos a la vida de Rose post Titanic. Sciamma también destacaba la escena de sexo en el coche en el que se ve a la mujer tomando la iniciativa y siendo ella la que disfruta, dando la vuelta a los estereotipos patriarcales de la industria.

“Acepto que 100 millones del total de la taquilla puede que fueran por el atractivo de Leonardo DiCaprio para las niñas de 14 años, pero lo que creo que realmente estaba sucediendo es que la película fue un catalizador para las mujeres jóvenes que se encuentran en un punto de su vida en el que la sociedad les dice que no sean quienes realmente son. Que no sean las personas increíbles e ilimitadas que realmente son, y se les dice que se sienten, se callen, y se pongan ese corsé, y hagan lo que espera una sociedad dominada por hombres. Esta es una película que habla de Rose y su realización como persona. Jack fue importante para ella, pero vemos esas fotos después donde se demuestra que tuvo una vida plena. Ella se dio cuenta de todo su potencial y creo que eso habla al lado femenino de la audiencia y a los hombres que se preocupan por esas cosas”, zanjó Cameron.

El director también desveló que Leonardo DiCaprio tardó en decidirse por el proyecto porque no consideraba que su papel fuera “lo suficientemente desafiante”. “Buscaba retos, acabar de hacer A quién ama Gilbert Grape e interpretado a un adicto a las drogas en Diario de un rebelde y quería que su personaje tuviera un problema, algo que lo enfureciese, pero eso no estaba en el guion. Tuve que convencerlo para que interpretara a alguien que no tiene un problema, que de hecho es el más maduro emocionalmente de los dos protagonistas y explicarle que la transferencia de energía y la historia de amor es de Jack hacia Rose. Le dije 'eso va a ser algo muy difícil de hacer'. Solo cuando le convencí de que había un desafío, le interesó la película”, cuenta.

Aunque hayan pasado 25 años, James Cameron cree que en Titanic hay un mensaje que va más allá de la historia de amor y lo hace universal e intergeneracional, y es que muestra cómo las tragedias siempre afectan a los más pobres: “Los que tienen dinero sobreviven, y los pobres mueren. Casi todos los hombres de tercera clase murieron, y la mitad de los niños y las mujeres también. Mientras que en primera clase solo murieron la mitad de los hombres y se salvaron casi todas las mujeres y niños. Hay una fuerte disparidad entre el destino de los pobres y de los ricos cuando hay una crisis. Ahora nos enfrentamos a otra crisis llamada cambio climático y es exactamente como ese maldito iceberg. Vamos a estrellarnos contra él y adivina quién sufrirá más. Los pobres, no las naciones ricas que lo causaron”.

El actor estadounidense Leonardo DiCaprio insistió las últimas horas en proteger al valle del Intag, en Ecuador, frente a un proyecto minero cuyos planes fueron validados meses atrás por un juez, quien consideró que no se habían vulnerado los derechos de consulta previa de las comunidades locales.

La decisión del magistrado está pendiente de revisión por parte de la Corte Provincial de Justicia de la provincia de Imbabura en una audiencia que fue reinstalada este miércoles, donde las comunidades del Valle del Intag insistieron en la acción de protección reclamada para detener el proyecto minero.

A través de una serie de publicaciones pasajeras realizadas en Instagram, DiCaprio explicó el riesgo de la implantación en este entorno natural de la mina de cobre Llurimagua, un proyecto planteado en alianza entre la Empresa Nacional de Minería (Enami) de Ecuador y la Corporación Nacional de Cobre (Codelco) de Chile.

El ganador del Oscar al mejor actor por “The Revenant” (2015) aseguró que el Intag es el hogar de una rica biodiversidad de plantas y animales que podría verse impactada por la irrupción en el lugar de la actividad minera.

El polifacético actor afirmó que las comunidades locales están “profundamente conectadas” con ese enclave natural y puso como ejemplo la oposición a la minería de líderes locales como Cenaida Guachagmira, una joven activista que quiere mantener el Valle del Intag lo más imperturbable posible.

“Si el proyecto de la mina Llurimagua cae, podría ayudar a proteger un área clave para la biodiversidad en los Andes tropicales”, enfatizó DiCaprio.

El valle del Intag está en el norte de Ecuador, dentro de la provincia de Imbabura, y es considerado una zona de enorme biodiversidad que alberga miles de especies, muchas de ellas endémicas y bajo amenaza de extinción, como el mono araña de cabeza marrón y la rana Arlequín hocicuda, que se creía extinta hasta 2016.

Desde finales de 2021 el proyecto es objeto de un arbitraje internacional impulsado por Codelco en el Centro Internacional de Arreglo de Diferencias Relativas a Inversiones (Ciadi) del Banco Mundial para exigir a la Enami de Ecuador que se cumplan los plazos estipulados en el acuerdo entre ambas empresas públicas.

De llevarse a cabo, esta sería la primera operación de Codelco en el exterior ya que se encargaría de la operación de un yacimiento cuyas estimaciones apuntan a 318 millones de toneladas con ley promedio de 0,71 % de cobre y 0,026% de molibdeno.

Con información de EFE.

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El presidente de Brasil, Jair Bolsonaro, respondió en las últimas horas de forma irónica a Leonardo DiCaprio en redes sociales, después de que el actor estadounidense pidiera a los jóvenes brasileños regularizar su título de elector y votar en octubre pensando en pro de la Amazonía.

“¡Gracias por tu apoyo, Leo! Es muy importante que todos los brasileños voten en las próximas elecciones. Nuestro pueblo decidirá si quiere mantener nuestra soberanía sobre la Amazonía o ser gobernado por ladrones que sirven a intereses extranjeros”, señaló el mandatario en su cuenta de Twitter.

El líder ultraderechista también aprovechó para recordar al ganador del Óscar a mejor actor por 'The Revenant' que la fotografía que publicó en 2019 para denunciar los devastadores incendios que avanzaban en la Amazonía correspondía en realidad a una imagen de años atrás.

Bolsonaro, que defiende la explotación de los recursos minerales de la Amazonía, incluso en reservas indígenas, y ha recortado sucesivamente el presupuesto de los organismos medioambientales, contestó así al llamado de DiCaprio para que los jóvenes brasileños se registren y puedan votar en las presidenciales de octubre.

El actor estadounidense se sumó en realidad a una campaña en redes sociales que ya compartieron otras celebridades internacionales, como la cantante brasileña Anitta, y que busca movilizar a los jóvenes de cara a los comicios y sumar apoyos contra Bolsonaro.

“Brasil alberga la Amazonía y otros ecosistemas críticos para el cambio climático. Lo que sucede allí nos importa a todos y el voto de los jóvenes es clave para impulsar el cambio por un planeta saludable”, afirmó DiCaprio en la víspera.

Esta no es la primera vez que Bolsonaro y DiCaprio chocan por la Amazonía.

En 2019, cuando el mayor bosque tropical del planeta sufrió los peores incendios de los últimos años, el jefe de Estado acusó, sin pruebas, a DiCaprio de financiar a organizaciones no gubernamentales y activistas ambientales, que, a su juicio, estaban detrás de los fuegos en el ecosistema.

El actor negó las acusaciones y dijo estar “orgulloso de respaldar a los grupos que protegen” la Amazonía, que tiene alrededor de un 60 % de su superficie total en territorio brasileño.

Desde que Bolsonaro asumió el poder, en 2019, los índices de deforestación se han disparado en la región.

En el primer trimestre de este año, las alertas de deforestación en la Amazonía brasileña alcanzaron un nuevo récord, con 941 kilómetros cuadrados de selva destruidos, según estimaciones oficiales.

Con información de EFE.

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¿Qué es una película? Mejor dicho: ¿qué era una película? Para darle batalla a la respuesta con un caballito que anegará de melancolía a los cinéfilos del siglo XX, digamos con la economía descriptiva del enciclopedista que las películas eran eventos cinematográficos de una duración similar a la de un partido de fútbol, en los que transcurrían historia buenas y malas que dejaban librado al derecho del espectador la bendición de no entenderlo todo. 

Tan grato como lo que una película ofrecía era lo que no daba, formando zonas creativas en las que autor y espectador se hermanaban en un tipo de sociedad artística que hoy marcha rauda al cementerio. Para que no se diga que estos fenómenos sólo suceden en las películas de los dioses Eisenstein, Welles, Hitchcock, Lynch, Godard, Favio, Cassavetes, Buñuel, Kubrick o Tarkovski, allí están los autores-tanque Scorsese, Coppola, Almodóvar, un Anderson (o los dos), los Coen y Burton para sostener esta idea en la coctelera de los nombres que se mueven al ritmo del gusto personal.

En este marco de despecho se estrenó No miren arriba (Don’t look up), la bomba de taquilla de Adam McKay, que “baja” del staff de guionistas de Saturday Night Live al camposanto donde yace el arte cinematográfico y florecen las series gerenciadas por máquinas de leer las tendencias, las reacciones y las manías de un mercado de la contemplación que cada día es más inerme.  

De modo que McKay no puede hacer una película, aunque quisiera. Puede, sí, usurpar su formato y algunas líneas de su añeja y eficaz tradición vinculadas a la comedia política, el progreso narrativo fragmentario a base de gags y la conciencia apocalíptica de una humanidad idiota estremecida y embriagada con la idea del fin.

El comienzo y el final son dos grandes escenas cinematográficas sin cine, consecuencia lógica de la hibridez compositiva de quien sabe empezar y terminar sin conocimiento del proceso que uniría ambos términos en beneficio de una literatura de la imagen. Es una seña particular de No miren arriba, su lunar en la frente. Algo tan evidente que, si nos apartamos de las apariencias, lo que veremos bajo la transparencia del resultado es el hecho, incluso el momento, en que Adam McKay va a cerrar su papota a la gerencia comercial de Netflix a cambio de su propuesta, que no consiste en hacer una película sino en vender una idea.

Esa idea es una fantasía de exterminio trillada y excelente que ¿quién no la imaginó?: se aproxima a la Tierra una bola de metal incandescente y todos vamos a morir. Al mismo tiempo. Ese es el valor agregado del drama. Todos. Al mismo tiempo. A diferencia de lo que ocurriría en una guerra en la que las víctimas pudieran elegir entre Hiroshima y Auschwitz, es decir, entre la amansadora del tormento y la volatilización, el núcleo de cuenta regresiva que tensa las cuerdas de No miren arriba es un punto intermedio que incluye las dos velocidades de un mismo Armagedón. 

Todos los personajes, además de las “criaturas” (ranas, tortugas, hipopótamos, colibríes, etc) cuya existencia paradisíaca la película cita en planos encantados atándose con alambre a El árbol de la vida, de Terence Mallick, se encuentran en la ansiosa espera de un mismo rayo fulminante. 

¿Por qué nos parece que entre el final y el principio de No miren arriba no hay nada? Porque lo único que hay es una comedia de poder de lo más ordinaria, contada en el registro de ironía de la última televisión de masas y de sus nietitos narcisistas, agitadores de las redes de ignorancia social.

Lo único que hay es una comedia de poder de lo más ordinaria, contada en el registro de ironía de la última televisión de masas y de sus nietitos narcisistas, agitadores de las redes de ignorancia social.

Que haya una presidenta de los Estados Unidos, laderos calculadores, periodistas de prime time, chiquitaje de poder, científicos pobres y desdeñados cuyos disfraces les quedan pintados a Jennifer Lawrence y Leonardo Di Caprio, indiferencia burguesa ante el fin del mundo y un techie más boludo que una rueda que lleva el mundo al choque mientras habla con la vocecita maliciosa de Andy Warhol, ¿es algo? Puede ser, si se acepta que ese algo es lo mínimo que esa historia podía contarnos. 

No miren arriba (casi escribo No miren adelante) es una postpelícula sin interior. Pero como no hay mal que por bien no venga, es en esa especie de eviscerado que encuentra su fortaleza ya no como historia para contar sino como historia para discutir. 

Porque quizás no importe demasiado la haraganería de McKay para hundir a sus personajes en algo más que los charcos de lo público (todo lo que les sucede en la víspera del final les sucede afuera: en los plató de televisión, los autos, la calles, los despachos oficiales, etc), como tampoco su impotencia para darle a la historia mucho menos de lo que le pedía y que no era otra cosa que atenerse aunque fuese un poco a cierta poética del final, de lo que de algún modo se resarce en el último minuto. Lo que importa, una vez que sabemos que no vamos a ver una película, es que con o sin ella la discusión ya está armada. 

Posiblemente las películas de ideas de las que se entiende todo no necesiten del arte cinematográfico, ni de ningún otro. Esta lo es en términos extremos. Se acaba el mundo. ¿Qué hacemos? Es lo que le pregunta Tyler Perry a Cate Blanchett (insufribles presentadores de noticias): ¿cogemos?, ¿nos emborrachamos? Por detrás de las despedidas, tardías e incrédulas porque el esperado fin del mundo no puede estar ocurriendo ahora, lo que McKay inocula en el espíritu general de su comedia es una idea sobre la que el mundo no deja un minuto de acumular pruebas: los seres humanos somos muy pero muy pelotudos. 

Esta fatalidad de origen se desliza por el peso de su propia lógica hacia un estado mixto de arrogancia y negación encarnado por Mark Rylance en su extraordinaria composición de Peter Isherwell, en el que, como dijimos, no sólo late la voz mortecina de Andy Warhol sino, sobre todo, la psicosis emprendedora de Steve Jobs, el discurso preescolar de Bill Gates acerca de cómo debería ser un mundo mejor y el nomadismo intergaláctico de Jeff Bezos. La bestia negra de McKay no es la política, sino la santidad indubitable de la tecnología que la fascina y la paraliza con sus supuestos conocimientos del futuro que inventa.

Las cartas están jugadas sobre la mesa de arena y una piedra descolgada del universo avanza sobre este mundo, del que no va a quedar vivo ni el loro. A la indiferencia de la humanidad por lo ajeno se le ha agregado la indiferencia por lo propio. Los humanos de la vieja escuela se preguntan a dónde iremos a parar. ¿Es una idea buena para una película mala de Adam McKay, o una profecía por ahora contenida en las gateras del destino? Por las dudas, miremos hacia abajo.  

JJB