Desde 1992, cada 28 de febrero se celebra el Día Nacional del Bailarín para recordar el nacimiento del artista argentino Jorge Donn. La efeméride fue establecida por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires y es diferente al Día Nacional de la Danza, que se celebra el 10 de octubre y busca homenajear a los bailarines del Teatro Colón.

Donn nació en El Palomar, provincia de Buenos Aires, en 1947, y estudió Danza Clásica con María Fux en la escuela del Colón. A la corta edad de 15 años, se sumó a la compañía de Maurice Béjart en Bruselas, lo que le permitió, luego, integrar el elenco de las obras Bhakti (1968), Nijinski clown de Dios (1971), Golestan: el jardín de las rosas (1973), Lo que el amor me dice (1974), Nuestro Fausto (1975), Leda (1978) y Adagietto (1981).

Más tarde, en 1976, comenzó a desempeñarse como director artístico del Ballet del Siglo XX y, doce años más tarde, fundó su propia compañía a la que llamó L'Europa Ballet. Sin embargo, dicho proyecto terminó de manera prematura.

Por su larga trayectoria y reconocimiento, en 1989, Donn fue nominado como uno de los mejores bailarines por la Fundación Konex. Su carrera allanó el camino para otros artistas de nuestro país como Julio Bocca, Maximiliano Guerra y Paloma Herrera.

Realizó su última presentación en Madrid en el año 1986. Interpretó el Bolero y un fragmento de Diva en el Palacio de Deportes de la Comunidad para el Festival de Otoño.

Padecía VIH, y el 30 de noviembre de 1992, terminó falleciendo a causa de la enfermedad en Lausana, Suiza.

El año pasado mi amiga Gisela, que vive un poco en Miami y otro poco en Madrid, la creadora de Danzar & Conectar, bailarina desde que era una nena, desembarcó por unas semanas en Buenos Aires y empezó a convocar por las redes a mujeres que quisieran bailar.

Yo vi su invitación.

Me moría de ganas de ir. Pasé buena parte de mi infancia en estudios de danza, aprendiendo el demiplié, el retiré y el relevé, con las zapatillas de media punta para formar parte con mucha ilusión del “coro” de El lago de los cisnes y El cascanueces en las muestras de fin de año. Con el maillot, brillos y cintas de seda.

En la adolescencia, fui a las clases mucho más libres, casi sin normas, aunque sí con consignas, de expresión corporal. Las llevaba adelante Patricia Stokoe, en Belgrano, donde fui mucho más feliz que con el clásico, porque no importaban tanto los resultados, se le ponía mucho más énfasis al proceso de soltar y dejarse llevar.

Mi última experiencia danzada, ya adulta, había ocurrido en Río Abierto, donde era una belleza moverse con María Adela Palcos, su fundadora, en el edificio azul de Palermo, a metros del bar Varela Varelita. O en Mendoza, adonde viajamos a bailar entre las montañas y agradecerle la vida al Aconcagua, muy cerca de la nieve.

Bailar siempre da felicidad. Pero no acudí a aquella primera convocatoria de Gisela, aunque tenía muchas ganas de abrazarla y de moverme, porque los kilos “demás” me avergonzaban, más allá de que cada semana escribo esta columna contra la gordofobia. Así de contradictoria soy. No por nada arrastro un desorden alimentario al que en ALUBA, donde hice hospital de día hace muchos años, me diagnosticaron como bulímica, hambre de buey. Intento deconstruirme, pero aquella educación emocional de la infancia a favor de los cuerpos flacos y en contra de los excesos sigue pesando. ¿A quién no?

Este año, por suerte, las cosas cambiaron. El slogan de Danzar & conectar, “Todas podemos bailar”, ganó la pulseada y asistí a las clases de Gise donde un rato de movimiento se convirtió en alegría para toda la semana. Aun me late esa energía y ya pasó un tiempo. Esas sesiones fueron con músicas de aquí y de allá, percusión en vivo, coreografías al instante, descalzas o con tacos, todas las edades, todos los cuerpos, todos los colores. Rondas, risas y sonrisas y al final, coronándolo todo, un poema de Residente y un contrabajo de fondo que fue el deleite de todas las chicas.   

Nada se detiene, ni la firmeza de una piedra gigante se detiene, porque en el mundo en el que vive, se mueve alrededor de ella y si el mundo se mueve, todos nos movemos. Por eso hay que morir, para que otros nazcan, para que nada se detenga, para que todo siempre empiece. (René Perez Joglar).

Tomar conciencia de qué es lo que una aloja y qué expulsa de sí misma, mirar qué se acepta o se niega es muy aliviador y nos acerca amorosamente a nuestres congéneres. Qué rechazo de mí, qué voces me persiguen cuando algún aspecto mío se siente acosado, cómo puedo tener una convivencia pacífica con esos aspectos repudiados por la cruel dictadura social sobre los cuerpos y de la afectividad. ¿Qué ilusiones compré sobre la existencia de paraísos en la Tierra?

Es lo que ocurre en Paraguay, de Paula Grinszpan y Lucía Maciel, que vi el fin de semana pasado, en el Teatro Astros. Los personajes dejan su paisaje natal para ir en busca de un territorio dorado, iluminado por la esperanza, que… no existe.

“Una obra única, absolutamente personal y magnética”, dijo Claudio Tolcachir. “El nuevo teatro argentino en una síntesis de tradición e innovación”, observó Jorge Dubatti. Se trata de una pieza musical kitsch y trash, protagonizada por el maravilloso y versátil Mariano Saborido (qué actor enorme), al que vimos en Lo que el río hace, de las hermanas Marull.

Paraguay está atravesada por la melodía del sueño americano, donde dos chicas (Manuela Martínez, Olivia Daiez) emprenden un viaje hacia lo que suponen, mal, que es la libertad. El territorio del Norte, los Estados Unidos de América. Tendrán que atravesar desafíos mágicos para poder llegar a una Tierra que les vendieron como Prometida, mientras Migue Canevari nos deleita con los acordes de sonidos guaraníticos de la guitarra que hace sonar la música compuesta por Román Martino.

También hay música en La Falcón, el musical que dirige Cintia Miraglia en El extranjero. La Falcón es Ada Falcón, una mezzosoprano de comienzos del siglo veinte, que se hizo mito porque se enclaustró en un convento de Salsipuedes, Córdoba, en pleno apogeo de su carrera como cancionista de tangos.

La emperatriz del tango es María Colloca y Carlos Ledrag encarna a Francisco Canaro, dueños ambos de voces maravillosas y personajes protagónicos de una relación tormentosa. El tango fue siempre un territorio de machos, Canaro una figura popular, de gran poder monetario, y quien ayudó a Ada a proyectarse masivamente.

Pero las convenciones patriarcales a las que se aferró Canaro no permitieron que su relación sentimental se desarrolle y prolongue en el tiempo y la frustración de Ada la llevó a renunciar a todo. Las normas sociales pesaron más para él, quien nunca se separó de su esposa y la cantante optó, frustrada y triste, por retirarse de la escena pública.

Aunque las condiciones cambiaron, las mujeres del tango siguen siendo minoría respecto de los hombres, con menos peso en las decisiones de los conjuntos musicales y en la relación con las compañías. Siguen teniendo más dificultades que ellos para labrarse un destino artístico y trascender.

LH/MF

Desde 1992, cada 28 de febrero se celebra el Día Nacional del Bailarín para recordar el nacimiento del artista argentino Jorge Donn. La efeméride fue establecida por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires y es diferente al Día Nacional de la Danza que se celebra el 10 de octubre y busca homenajear a los bailarines del Teatro Colón.

Donn nació en El Palomar, provincia de Buenos Aires, en 1947, y estudió Danza Clásica con María Fux en la escuela del Colón. A la corta edad de 15 años, se sumó a la compañía de Maurice Béjart en Bruselas, lo que le permitió, luego, integrar el elenco de las obras Bhakti (1968), Nijinski clown de Dios (1971), Golestan: el jardín de las rosas (1973), Lo que el amor me dice (1974), Nuestro Fausto (1975), Leda (1978) y Adagietto (1981).

Más tarde, en 1976, comenzó a desempeñarse como director artístico del Ballet del Siglo XX y, doce años más tarde, fundó su propia compañía a la que llamó L'Europa Ballet. Sin embargo, dicho proyecto terminó de manera prematura.

Por su larga trayectoria y reconocimiento, en 1989, Donn fue nominado como uno de los mejores bailarines por la Fundación Konex. Su carrera allanó el camino para otros artistas de nuestro país como Julio Bocca, Maximiliano Guerra y Paloma Herrera.

Realizó su última presentación en Madrid en el año 1986. Interpretó el Bolero y un fragmento de Diva en el Palacio de Deportes de la Comunidad para el Festival de Otoño.

Padecía VIH, y el 30 de noviembre de 1992, terminó falleciendo a causa de la enfermedad en Lausana, Suiza.

ACM

Dice la escritora Gloria Peirano que, en Mundos en disolución -el nuevo libro de relatos de Pía Bouzas (colección Manguruyú, Salta el pez ediciones)- en el interrogante “¿qué se derrumba? ¿la mirada? ¿o aquello que es mirado?” hay un transcurrir. Ese pasaje fluido va desde un estado líquido, en el que como lectores nos movemos en espiral, hacia algún sentido que no se deja agarrar. Sobre los modos de ver, plurales, nunca uno solo y neutral, habló en la BBC hace más de medio siglo John Berger, el pintor y escritor. Después, dejó constancia en su libro homónimo de que las imágenes siempre están en conflicto con lo real, que hay algo oculto en la forma de mostrar y mirar, y que es necesario desarmar el fetichismo de las producciones humanas, mercancías del capitalismo.  

Fragmentos de realidad, guerra y destino, el despertar de la carne, la mordedura, decían unos versos que le dediqué a mi amiga Marisa Aguilera en el libro Broderí. Con collages del artista visual Adolfo Nigro, mi hermano mayor, armamos un rompecabezas de papeles, colores, textos imperfectos, un work in progress. En esa incertidumbre e impermanencia, nos fuimos haciendo conscientes de nuestro anhelo de una totalidad tranquilizadora y de su inevitable fracaso. 

Escribir y pintar, como bailar o hacer música, son artes y oficios que nos entrelazan con otras subjetividades. Actividades políticas (de las polis) fraternas y amables, porque aún en sus facetas más tormentosas, nos conectan con nuestra humanidad, sin destruir a nadie. Somos devenir. 

Danzar y conectar, por ejemplo. Así decidió mi amiga Gisela Schwartz nombrar su regreso al baile, como coreógrafa y docente. Gisela danzó casi siempre, con otres, sola y en soledad, en su fantasía y en distintos estudios de Buenos Aires, Miami, Madrid, Londres y otras ciudades. Hubo un paréntesis, aunque el deseo quedó latente y lo volvió a materializar. Hace un tiempo, con sus tres hermosas hijas ya grandes, decidió volver a los salones con barras y espejos, dibujar con sus manos y sus pies en el aire, se dejó conmover por las figuras que ella y sus alumnas son capaces de crear.

Su vuelta al ruedo no sólo le permitió recuperar una actividad que ama, sino que, generosa, ofrenda su saber a otras personas. Muy lejos del esquema clásico para la formación y la ideación de movimientos, facilita clases para quienes tienen ganas de indagar en el arte kinético. Gordas, delgadas, de cualquier género, pequeñas, grandes, plateadas, teens coloradas, rubias, morenas se inspiran con la sonrisa y el alma noble de Gisela. “Todas podemos bailar, todas las edades, todos los cuerpos, todas las maneras conectan” con lo profundo de su ser y se dejan abrazar por la magia sonora. Búsquenla en IG para dejarse llevar por su danzar, en una playa de Marbella o algún salón neoyorkino, cerca del Central Park. “Bailamos para romper moldes, deshacernos de etiquetas y conectar con nuestra alegría”.  

Al poema le incumbe todo, aún la tierra más ingrata, la prueba más dura. De su confrontación consigo mismo no está ajena la tierra con lo ajeno. Todo y nada están ahí para ser dichos. El poema es el puente que une dos extremos ignorados, dice en su ars poética Susana Thénon. Pareja de la bailarina Iris Scacheri, de gran trascendencia en los 70, fotografió sus movimientos de mariposa-murciélago, sus bucles y bamboleos en los escenarios del entonces Teatro San Martín. Thénon y Scacheri resonaron con una idea de la vanguardista y trágica Isadora Duncan: El cuerpo está en la raíz de todas las artes. Artes que, como los abrazos, forman la trama de sustentación con que se tejen las relaciones de afecto. 

Mientras tanto, las construcciones sociales de lo masculino y lo femenino se fragilizan y surgen celebraciones de la violencia. No es que sean completamente originales, pero están situadas en este presente y en ocasiones parece no haber límites a sus riesgos. Una exhibición de sí por parte de los hombres pretende virilidad, se la glorifica y alimenta formas extremas de la agresión. El odio es feroz y provoca guerras, grietas, polaridades. Hay una fascinación por la imagen propia y la sensación de alcanzar la inmortalidad arrojándose contra el mundo, desafiando, perjudicando, provocando a los demás, señala David Le Breton en Ritos de virilidad en la adolescencia (Prometeo editorial). 

Los autoproclamados voceros de Dios encarnan en sus gestos monumentales “una verdad intangible”, absoluta, falsamente neutral y desprovista de ética. “Ofrecen una representación global que alimenta una prótesis fácil de endosar y mitiga la fatiga de existir y de pensar su lugar en el mundo”, escribe el sociólogo y antropólogo francés, especializado en el cuerpo y el dolor.

Zumba sin impacto, con María Laura en la plaza Aristóbulo del Valle y a la gorra, y el taller de danza fusión de Fabiana Maler son, desde hace algunas semanas, mis destinos matutinos. La felicidad corporal en Villa del Parque y en grupo. 

“Suavecito y más lento, con ritmo propio, árboles y cielo”, anima María Laura a las chicas y chicos mayores que somos. Hay que ver a mis compañeras y compañeros de más de 80 soltarse y moverse. La profe no deja a nadie afuera.

Fabi Maler – La típica Danza juega con sus amigas Claudia y Grace delante del mural que homenajea a Tita Merello, en Chacarita. O comparte su pasión en Chascomús, cerca de la laguna, con otra obra de arte visual callejero como fondo. Lluvia y calma, feminismo y agitación, bajo techo o en el Abasto con la compañía Sheva Mujeres Danzan Mundos.

Ambas docentes, bailarinas y coreógrafas nos entrenan, nos divierten y nos cuidan para que cada una/uno florezca con el cuerpo que tiene, a su propia manera. Con la maestra Gisela me reencontré por las redes y ojalá, aunque por ahora está lejos, nuestra afinidad electiva vuelva a enredarnos. 

LH

La dupla rosarina Sandra Leal y Sergio Decrin en “Tango Senior” y las porterñas Suyay Quiroga-Jhonny Carvajal en “Tango de Pista” y Julián Sánchez-Bruna Estrellita en Tango Escenario“ resultaron las parejas ganadoras de la gran final Tango BA Mundial de Baile 2023.

La consagración se dio en marco de una actividad que convocó a más de 20 mil personas. al aire libre que se realizó ayer en la calle Diagonal Norte, con el Obelisco porteño de fondo y una gran pantalla

El encuentro comenzó con un concierto de cierre a cargo de tres figuras del tango: Amelita Baltar, José Colángelo y Raúl Lavié, además de los 120 competidores del mundial.

Además, las parejas campeonas históricas de tango de pista y tango escenario se unieron en una coreografía bajo la dirección de Carlos Rivarola, bailarín y coreógrafo que integra Tango Argentino, en homenaje a los 20 años del Mundial.

Esta edición de Tango BA Mundial convocó a más de 650 parejas de todo el mundo, representando a países como Argentina, Brasil, Italia, Chile, Japón, Rusia, Costa Rica, Ucrania, Colombia, India, Alemania, Estados Unidos y muchos más.

CRM con información de la agencia Télam

María Fux, bailarina, coreógrafa, terapeuta, pionera de la danza moderna y creadora de la “danzaterapia”, murió hoy a los 101 años, según confirmaron desde su entorno. “Se fue en paz sin sufrir”, aseguraron al dar cuenta de la triste noticia sobre el fallecimiento de la artista reconocida a nivel internacional.

“Lamentamos profundamente despedir a la maestra María Fux. Es muy reciente y estamos conmovidos. Ella, que dejó una huella imborrable en nuestras vidas y en la vida de tantas personas en Argentina y el mundo. Ella nos enseñó que la danza es vida, y así la recordaremos siempre”, se publicó en la cuenta de Instagram @estudiomariafux.

En el mensaje, se señaló: “Enviamos nuestras más sinceras condolencias a sus familiares y seres queridos. Honramos su legado eterno. Descanse en paz querida maestra. Te amamos y te vamos a extrañar siempre”.

También se indicó que “el domingo 6 de agosto a las 11:30 nos encontramos para dar el último adiós danzando en la pérgola del Rosedal”.

Otra danza pública, libre y abierta –entonces en una calle del barrio porteño de Congreso donde funciona su estudio–, había sido la modalidad elegida por Fux para celebrar el centenario de su nacimiento, el 2 de enero del año pasado.

María Ana Fux nació en el Hospital Rivadavia de Buenos Aires el 2 de enero de 1922. Fue hija de inmigrantes judíos de Rusia, y es madre del músico y compositor Sergio Aschero, abuela de la cantante Irene Aschero y prima del compositor Mario Litwin. Entre 1962 y 1963 fue maestra de danza de Jorge Donn, antes del viaje consagratorio del bailarín argentino a Europa.

Pionera de la danza moderna y creadora de la danzaterapia en la Argentina y con una amplia actividad en Latinoamérica, Estados Unidos, la ex Unión Soviética, Israel y varios países de Europa, recorrió el país con la originalidad de su estilo. Bailó tanto en los escenarios del Teatro de Pueblo, el Colón, el San Martín, el Nacional Cervantes, como en lugares a los que nunca había llegado una bailarina, como en las minas de Zapla (Jujuy), Quitilipi y Charata (Chaco).

En 1915, sus abuelos maternos migraron a la Argentina junto a 11 hijos, escapando de la persecución a los judíos en Odessa, Ucrania; su madre era la menor de los hermanos. En el camino, por Alemania, sufrió una infección en la rodilla y cuando llegó a Buenos Aires tuvieron que quitarle la rótula de la misma.

La familia se estableció en el barrio porteño de Caballito. Desde los cinco años, María Ana se apasionó por la danza. A los 13 leyó “Mi vida”, la autobiografía sin terminar de la bailarina californiana Isadora Duncan (1877-1927). Comenzó así una búsqueda de una forma de comunicación no verbal mediante su cuerpo y a estudiar con Ekatherina de Galantha, otra exiliada.

Leónidas Barleta, creador y conductor de Teatro del Pueblo, le permitió en 1942 presentarse en ese escenario con “La última hoja”, una experiencia que fue cambiando año a año hasta alcanzar las diez temporadas. En 1953, obtuvo una beca para tomar clases en Nueva York nada menos que con la “étoile” Martha Graham, por lo que estuvo siete años sin ver a su hijo Sergio y viviendo en condiciones materiales muy estrechas. Ella misma lo contó en uno de sus libros:

“Un día, al salir de una clase, por fin quedé a solas con la gigantesca, inalcanzable Martha Graham. Fue en el ascensor. Entonces, en mi entrecortado y mal inglés, le supliqué que viera mis danzas. Accedió. Mirando su reloj, dijo que al día siguiente me concedería media hora. Esa fue una noche infernal, revisé in mente cada una de mis danzas y todas me parecían muy pobres. Por fin llegó el momento. Ella me esperaba y yo, con mis discos rayados, comencé a bailar frente a Martha. Ya no me importaba nada, era mi meta (...) Fue pidiéndome más y más, hasta que, después de una hora, yo ya no tenía más que darle y me senté en el suelo. Entonces me dijo: 'Sos una artista, no busques maestros fuera de vos. No tengas miedo de hacer danzas teatrales, sos actriz. Volvé a la Argentina y no esperes nada de maestros. Tu maestro es la vida”.

Al regresar, las dificultades de la hija sordomuda de una de sus amigas la motivaron a desarrollar la danzaterapia para niños, adultos y personas con discapacidad. Comenzó sus giras artísticas en épocas en que se ignoraba todo lo que no fuera danza clásica, y viajar a otros continentes era una verdadera travesía: fue la primera argentina y la segunda bailarina no clásica después de Isadora Duncan en pisar escenarios de Moscú en 1955.

Sus convicciones y su manera de concebir la danza como camino hacia la plenitud de las potencialidades expresivas que toda persona posee abrieron las fronteras de la disciplina, posibilitando la integración en sus clases y espectáculos a personas con diversidad funcional, etaria, cultural y social.

Hace más de 70 años, comenzó a desarrollar el método original de danzaterapia, la cual lleva su nombre y tiene sus orígenes en la creatividad de su arte con la danza. Realizó innumerables cursos, conferencias y seminarios de formación tanto en la Argentina como en el mundo, invitada por diversas instituciones y organismos dedicados a la salud, la educación, la transformación social, el arte y la cultura. Su escuela de formación en el método María Fux tiene filiales en Europa y Brasil.

Publicó nueve libros –“El color es movimiento”, “Danza, experiencia de vida” y “Danzaterapia, fragmentos de vida”, traducidos a varios idiomas–, fue declarada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, recibió la Mención de Honor Senador Domingo Faustino Sarmiento, el Diploma de la Unesco por su labor docente, el reconocimiento de la Organización de las Naciones Unidas por su trayectoria, la Medalla del Bicentenario y los premios Gratia Artis, Fondo Nacional de las Artes y el Rosa de Plata del Senado de la Nación.

En su estudio y escuela de formación se capacitan fisioterapeutas, terapeutas ocupacionales, fonoaudiólogos, médicos, profesores de danza y de gimnasia, psicoterapeutas, psicólogos, docentes que trabajan con distintas discapacidades, y docentes especiales.

Siempre llamó la atención la energía y la creatividad de la artista a pesar del paso de los años, quien en marzo de 2010 puso fin a sus presentaciones públicas con su unipersonal “Diálogos con imágenes”, que desbordó la sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación, aunque un año exacto después insistió con “¿Y ahora qué?”.

A modo de resumen de su manera de ver la vida y su labor, y en ocasión de recibir una condecoración en 2016, Fux propuso: “No se queden sentados mirando cómo el tiempo pasa. ¡Muévanse!”.

LC con información de agencia Télam

El Día del Bailarín se celebra en nuestro país todos los 28 de febrero desde 1992, en honor al nacimiento del bailarín argentino Jorge Donn, un día como hoy pero de 1947.

Cabe destacar que la fecha fue establecida por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, a través de la ordenanza nº47.619. No debe confundirse con el Día Nacional de la Danza, la cual tiene lugar el 10 de octubre en homenaje a los bailarines del Teatro Colón.

El artista que revolucionó las artes contemporáneas nació en El Palomar, provincia de Buenos Aires. Estudió danza clásica con María Fux en la escuela del Colón, y con apenas 15 años se incorporó en la compañía de Maurice Béjart en Bruselas.

Muchas de las obras de Béjart fueron creadas especialmente para él: Bhakti (1968), Nijinski, clown de Dios (1971), Golestan: el jardín de las rosas (1973), Lo que el amor me dice (1974), Nuestro Fausto (1975), Leda (1978), y Adagietto (1981), entre otras.

Desde 1976, Donn fue director artístico del Ballet del Siglo XX. En 1988, formó su propia compañía: L'Europa Ballet, aunque duró poco tiempo. En 1989, fue nominado por la Fundación Konex como uno de los mejores bailarines.

Se considera Donn ubicó a nuestro país en el mapa de las artes en movimiento y abrió el camino a otros artistas como Julio Bocca, Maximiliano Guerra y Paloma Herrera. Bailó con Maya Plisetkaya, una de las máximas bailarinas de ballet ruso del Teatro Bolshói y participó de la película Los Unos y los Otros (1981) de Claude Lelouch.

Su última presentación en un escenario fue en 1986, en el Palacio de Deportes de la Comunidad en Madrid, donde hizo el Bolero y un fragmento de Diva, en el marco del Festival de otoño. Jorge Donn falleció el 30 de noviembre de 1992 en Lausana, Suiza a causa de complicaciones relacionadas con el sida.

Bailar es soñar con los pies

Jorge Donn

LC

En el tema gordo, el sentido común establece una sinonimia entre sobrepeso, pasividad, falta de movimiento, abulia, dejadez. Error; ese pensamiento está paralizado y debe moverse. Es que el sentido común, el más común de los sentidos, suele tener poca relación con la elaboración razonada del pensamiento, es producto del machaqueo, de la repetición de ciertas voces poderosas. Mediado por la opinión, aquello que los griegos llamaban doxa o, ya en la modernidad, por la ideología en el sentido marxiano de inversión de la realidad. 

¿Se acuerdan cuando el ex ministro de hacienda y Finanzas, Alfonso Prat Gay, llamó “grasa de la militancia” a los empleados estatales, estigmatizando a los asalariados públicos? La metáfora descalificadora del señor funcionario, dicha en un sentido nada poético, dio cuenta de la necesidad de re alfabetizar la visión corporal de los temas. Para algunxs más que para otrxs, claro.  

Si separamos los conceptos, nos vamos liberando de los prejuicios con que fuimos configurados y a los que estamos atados. Yo, por ejemplo, me formé como otrxs de mi generación en una escuela tradicional de danza, donde una profesora nos presionaba con un puntero distintas partes del cuerpo para que aprendiéramos bien las técnicas y abandonáramos lo que ella consideraba nuestros kilos demás. Cuerpos que de inmediato se transformaban en plataforma de la opinión pública de la clase por ese gesto que era puro abuso de poder. Naturalizamos el que nos maltraten, era “normal” esa educación. Lo recordé el lunes pasado, Día Nacional de les bailarines, en homenaje al nacimiento de Jorge Donn.

Cuerpos que de inmediato se transformaban en plataforma de la opinión pública de la clase por ese gesto que era puro abuso de poder. Naturalizamos el que nos maltraten, era “normal” esa educación.

Por eso, cuando hace algún tiempo fui a ver un espectáculo de danza moderna donde una gorda se movía con gran elasticidad y ofrendaba al público toda la potencia de su arte, me conmoví hasta las lágrimas, amplié mi campo de belleza y sentí que empezaba a transformarme. Lxs gordxs podían bailar… bien. ¡Bravo! Fue similar a la alegría que sentí cuando asistí a un show de 40-90, el conjunto fundado por la coreógrafa Elsa Agrás, integrado por bailarinas de las llamadas tercera, cuarta o quinta edad y con diversos formatos corporales. 

A propósito, hablé con Laura Fuksman, médica clínica, poeta y creadora de El cuerpo como brújula, un grupo de movimiento donde se considera que hay hermosura y singularidad en la creación de todxs los participantes. Fuksman realiza una verdadera tarea de alfabetización corporal. Me dice que, desde pequeña, tuvo un cuerpo más grande que el resto, “siempre fui muy alta. Por momentos tuve algunos kilos de más, pero con la sensación permanente de que mi cuerpo era tosco, que me llevaba a encogerme o apetisarme para no sobresalir. Me seleccionaban para cantar y actuar en la escuela y me moría de vergüenza. Recién a los 18 años, cuando conocí el Movimiento Vital Expresivo del Sistema Milderman, mi relación con el cuerpo cambió. Decidí formarme para difundir e irradiar el sistema. El motor fue y sigue siendo acompañar a otrxs en el proceso de aceptación del propio cuerpo. El que tenemos, el que somos y el lugar en el cual, indefectiblemente, vamos a vivir”.

En ese camino, Fuksman aprendió que los estereotipos de belleza y de salud son una construcción socio cultural. “Por fortuna, gracias a tantos años de activismo y a la generación millenial, algo está cambiando. Pero venimos de una larga temporada en donde el mandato, el patrón de cuerpo, fue el famoso 90-60-90. Si no encajabas te criticaban, te juzgaban y maltrataban una y otra vez. Los comentarios aparecían en la calle y en la casa, también la falta de talles reales. Y esto aplica no solo a gordxs, sino a todos los cuerpos diversos que reciben una marca peyorativa, una huella sobre la propia autoimagen y autoestima. Las personas gordas sufren mucho más bulling que las delgadas. En un estudio realizado en México los participantes declaraban preferir una pareja delincuente antes que con obesidad”, me contó.

“Lamentablemente no solo en las instituciones de danza, sino también en las agencias de modelos, hacen de todo para poder encajar en las medidas standard, incluso en contra de la genética: hambre, pastillas, batidos, ayunos y una larga lista de etcéteras. Esto afecta a las mujeres, pero hay muchos varones también con trastornos alimentarios o que consumen anabólicos de un modo indiscriminado para tener más músculos, lo que los lleva a desarreglos hormonales, impotencia, alteraciones en la fertilidad”, continuó.

El tamaño o el peso nada tienen que ver con la posibilidad del disfrute. Hay personas obesas más ágiles y flexibles que otras delgadas; rompieron con años de estereotipos al sentir, moverse, bailar y apropiarse de su esquema corporal con registro y amor. Otras se pasan medio día en un gimnasio haciendo una actividad que no les gusta. Por eso, frente a la alternativa de los aparatos solitarios y aburridos, tuvieron tanto éxito las clases más libres de salsa y zumba.

“La gente en general llega a la actividad con un cuerpo que aborrece, pero desconoce. Ignora sus posibilidades y sus verdaderas limitaciones. No sabe cuál es su tamaño real y moverse sin espejos ni coreografías, centrarse en las sensaciones, la autopercepción y el descubrimiento da lugar al placer”, sumó la doctora Fuksman quien hace poco les pidió a los participantes de su grupo que dieran un testimonio de qué les pasa con el movimiento: Esto fue lo que escribieron: 

“Mi cuerpo es capaz de expresarse, cada parte pueden necesitar moverse diferente, con independencia de las demás y eso me enriquece”.

 “Tomar conciencia de mi cuerpo me ayuda a verlo no sólo como instrumento para hacer, sino como lugar de encuentro, como una maravillosa caja de resonancia”.

“Me di cuenta de que cuento con recursos para no recurrir a la comida como única opción. A veces mi cuerpo necesita otro alimento: un masaje, una caminata o un mimo”.

Para Fuksman, cuyas mamá y tías vivían a dieta, hay que hablar con cuidado de la gordofobia, “para no caer en la gordofilia. No es cuestión de estar a favor de, o en contra de. No acuerdo con opinar sobre el cuerpo ajeno ni con colgarle a nadie una etiqueta con una catarata de características que se dan por añadidura y que quizás no apliquen a esa persona. No defiendo la gordura como bandera porque el cuerpo humano no está diseñado para llevar mucho sobrepeso. Creo que aporto al sumar conciencia sobre el cuerpo que cada unx tiene y el trato que le da. Los seres humanos comemos por hambre, comemos por placer, y también comemos por otro montón de cosas que no se solucionan con comida”. Aprender otros modos de tramitar esas sensaciones a través de recursos expresivos como moverse y danzar lleva a una vida con mayores satisfacciones, una existencia más feliz. La dicha en movimiento. 

LH

La bailarina, coreógrafa y terapeuta argentina María Fux, pionera de la danza moderna y creadora de la “danzaterapia”, cumplió este domingo 100 años de vida y por ello su equipo organizó una danza improvisada al aire libre a las 11, en la puerta de su estudio en Callao 289, en el barrio de Congreso, con tapabocas y distancia social.

María Ana Fux nació en el Hospital Rivadavia de Buenos Aires el 2 de enero de 1922, hija de inmigrantes judíos procedentes de Rusia, y es madre del músico y compositor Sergio Aschero, abuela de la cantante Irene Aschero y prima del compositor Mario Litwin. Entre 1962 y 1963 fue maestra de danza de Jorge Donn, previo al viaje consagratorio del bailarín argentino a Europa.

Pionera de la danza moderna y creadora de la danzaterapia en la Argentina y con una amplia actividad en América latina, Estados Unidos, la exUnión Soviética, Israel y varios países de Europa, recorrió el país con la originalidad de su estilo, danzando tanto en los escenarios del Teatro de Pueblo, el Colón, el San Martín, el Nacional Cervantes, como en lugares a los que nunca había llegado una bailarina, como en las minas de Zapla (Jujuy), Quitilipi y Charata (Chaco).

En 1915, sus abuelos maternos migraron junto a once hijos a la Argentina escapando de la persecución a los judíos en Odessa, Ucrania; su madre era la menor de los hermanos. En el camino, cuando estaban en Alemania, tuvo una infección en la rodilla y cuando llegó a Buenos Aires le tuvieron que quitar la rótula debido a una infección.

La familia se estableció en el barrio porteño de Caballito y desde los cinco años María Ana se apasionó por la danza. A los 13 leyó Mi vida, la autobiografía sin terminar de la bailarina californiana Isadora Duncan (1877-1927), comenzó una búsqueda de una forma de comunicación no verbal mediante su cuerpo y a estudiar con Ekatherina de Galantha, otra exiliada.

Leónidas Barleta, creador y conductor de Teatro del Pueblo, le permitió en 1942 presentarse en ese escenario con La última hoja, una experiencia que fue cambiando año a año hasta alcanzar las diez temporadas, y en 1953 obtuvo una beca para tomar clases en Nueva York nada menos que con la “étoile” Martha Graham -estuvo siete años sin ver a su hijo Sergio y viviendo en condiciones materiales muy estrechas; tenía 31 años al partir-. Ella misma lo contó en uno de sus libros:

“Un día, al salir de una clase, por fin quedé a solas con la gigantesca, inalcanzable Martha Graham. Fue en el ascensor. Entonces, en mi entrecortado y mal inglés, le supliqué que viera mis danzas. Accedió. Mirando su reloj, dijo que al día siguiente me concedería media hora. Esa fue una noche infernal, revisé in mente cada una de mis danzas y todas me parecían muy pobres. Por fin llegó el momento. Ella me esperaba y yo, con mis discos rayados, comencé a bailar frente a Martha. Ya no me importaba nada, era mi meta (...) Fue pidiéndome más y más, hasta que, después de una hora, yo ya no tenía más que darle y me senté en el suelo. Entonces me dijo: 'Sos una artista, no busques maestros fuera de vos. No tengas miedo de hacer danzas teatrales, sos actriz. Volvé a la Argentina y no esperes nada de maestros. Tu maestro es la vida'”.

Al regresar, las dificultades de la hija sordomuda de una de sus amigas la motivaron a desarrollar la danzaterapia para niños, adultos y personas con discapacidad.

Comenzó sus giras artísticas en épocas en las que se ignoraba todo lo que no fuera danza clásica y viajar a otros continentes era una verdadera travesía: fue la primera argentina y la segunda bailarina no clásica después de Isadora Duncan en pisar escenarios de Moscú en 1955.

Sus convicciones y su manera de concebir la danza como camino hacia la plenitud de las potencialidades expresivas que toda persona posee abrieron las fronteras de la disciplina, posibilitando la integración en sus clases y espectáculos a personas con diversidad funcional, etaria, cultural y social.

Hace más de 70 años comenzó a desarrollar el método original de danzaterapia que lleva su nombre y tiene sus orígenes en la creatividad de su arte con la danza.

Realizó innumerables cursos, conferencias y seminarios de formación tanto en la Argentina como en el mundo, invitada por diversas instituciones y organismos dedicados a la salud, la educación, la transformación social, el arte y la cultura; su escuela de formación en el método María Fux tiene filiales en Europa y Brasil.

Publicó nueve libros –El color es movimiento, Danza, experiencia de vida y Danzaterapia, fragmentos de vida, entre ellos, traducidos a varios idiomas-, fue declarada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, recibió la Mención de Honor Senador Domingo Faustino Sarmiento, el Diploma de la Unesco por su labor docente, el reconocimiento de la ONU por su trayectoria de la ONU, la Medalla del Bicentenario y los premios Gratia Artis, Fondo Nacional de las Artes y el Rosa de Plata del Senado de la Nación.

En su estudio y escuela de formación se capacitan fisioterapeutas, terapeutas ocupacionales, fonoaudiólogos, médicos, profesores de danza y de gimnasia, psicoterapeutas, psicólogos, docentes que trabajan con distintas discapacidades, y docentes especiales que trabajan con alumnos sordos, con síndrome de Down, espásticos, personas con dificultades de aislamiento o soledad, con capacidades diferentes, gerontólogos, ancianos y no videntes.

Siempre llamó la atención la energía y la creatividad de la artista a pesar del paso de los años, quien en marzo de 2010 decidió poner fin a sus presentaciones públicas con su unipersonal Diálogos con imágenes, que desbordó la sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación, aunque un año exacto después insistió con ¿Y ahora qué?.

A modo de resumen de su modo de ver la vida y su oficio, y en ocasión de recibir una condecoración en 2016, Fux propuso: “No se queden sentados mirando cómo el tiempo pasa. ¡Muévanse!”.

CRM con información de la agencia Télam