La obra de Carlos Saura continuará tras su fallecimiento el pasado 10 de febrero de este 2023. Y es que la serie sobre Federico García Lorca en la que trabajó durante sus dos últimos años de vida, finalmente saldrá adelante. La ficción, que llevará por título Las voces perdidas (Saura busca a Lorca) , arrancará su rodaje durante el próximo otoño europeo.

Su hijo, Carlos Saura Medrano, será el artífice de continuar con el legado de su padre en forma de una serie de televisión que constará de seis episodios de 50 minutos, tal y como el primogénito del histórico director confirmó a El País. Cada uno de ellos llevará por título un famoso verso del poeta granadino. La fase de preproducción ya está finalizada con unos guiones listos para comenzar a rodar.

Carlos Saura ya había hablado varias veces de este proyecto, que no encontró en vida destino en ninguna cadena, ni ninguna plataforma. De hecho, hace justo un año, el cineasta no dudó en soltar una ironía a RTVE desde el estudio de Historia de nuestro cine en La 2 para ver si la cadena pública se animaba a comprársela.

Pero no funcionó, TVE no entró en el proyecto y ha sido ahora, tras su muerte, cuando su hijo Saura Medrano logró llegar a un acuerdo con el productor Antonio Pérez, de Maestranza Films (Solas, La voz dormida), para poner finalmente en pie esta ficción.

Así será la serie de Saura sobre Lorca

Saura Medrano explicó al citado medio que la intención de su padre era dirigir los seis episodios. Ahora, él se encuentra en la búsqueda de cinco directores, veteranos y nóveles, a los que encargar un episodio. Él mismo se encargaría de dirigir el sexto. “Se convertiría así en una especie de homenaje a Lorca y a mi padre”, declaró sobre una serie que, de momento, sigue sin cadena, ni plataforma donde emitirse.

La serie estaría protagonizada por el personaje de Ana, a la que le encargan un espectáculo audiovisual, combinación entre el teatro, la música y elementos de la biografía de Lorca. Esta tendrá que mediar con sus colaboradores y con su sobrina, una joven rebelde de la que tiene que hacerse cargo. La ficción plasmará las recreaciones materializadas por Ana y también algunos episodios de la propia vida del poeta andaluz. Todo ello, en cuatro planos narrativos que Saura ideó desde el principio.

El primogénito de Saura desveló además parte del dossier en el que el cineasta daba más detalles sobre la trama de Las voces perdidas: “A medida que se indaga sobre el personaje, cuanto más material se consulta, emerge, sin embargo, un sorprendente Federico García Lorca menos conocido; un tipo simpático, encantador, buena persona y amigo de sus amigos [...]. Un hombre alegre y lleno de vida, que de vez en cuando sufría agudos ataques de melancolía y temor a la muerte”.

Y proseguía: “El Federico García Lorca creador vital, curioso e imaginativo es un personaje desconocido para los jóvenes de hoy en día, y que estarían encantados de poder acercarse a él si se le presenta con vitalidad y un tempo moderno. Por eso, he estructurado los episodios de esta serie en diferentes planos, tanto de actualidad como de época, que me permitan mantener la atención de los espectadores viajando de un mundo a otro, de una ensoñación a una recreación”.

Saura Medrano, que también se encuentra en la búsqueda del reparto de la ficción, certifica la pasión que su padre tuvo por la vida de Lorca durante sus dos últimos años de vida. Por ese motivo, quiso formar parte de la obra de teatro Lorca de Saura (con India Martínez a la cabeza de su reparto) que se encuentra actualmente de gira. “Tanto le apetecía el mundo lorquiano y tanto le empapó, que al cruzarse el proyecto de la obra, lo aceptó. Es algo casi infantil de nuestra profesión: te enganchas, te enganchas y te lo crees. Lo vives, quieres contarlo bien, y ese entusiasmo impulsó a mi padre a llevar la serie adelante”.

El director de cine Carlos Saura, autor de obras maestras como Cría Cuervos, La prima Angélica o La caza, ha fallecido a los 91 años. Saura, uno de los directores más importantes e influyentes de la historia de nuestra cinematografía, experimentaba problemas de salud desde el pasado año. Ya en la pasada edición del Festival de Cine de San Sebastián, donde presentaba su último documental dedicado al arte y la pintura, tuvo que cancelar su asistencia por una caída que le dejó bastante afectado. Desde entonces no había realizado apariciones físicas, y había cancelado cualquier acto programado. Este sábado 11 de febrero, Saura debía recoger el Goya de honor, que finalmente se le entregará de forma póstuma a uno de los mejores directores que ha habido en el cine español.

Saura representó la modernidad en un país gris. Su cine era pura revolución en una España sumida en el franquismo y la censura. Desde obras como La caza (1966), Peppermint Frappé (1967) o Ana y los lobos (1973), radiografió al franquismo y a una burguesía aspiracional que habría comprado los dogmas de la dictadura. Obras que burlaron la censura, con la que tuvo más de un encontronazo, y que eran absolutas cuchilladas a los valores impugnados por Franco. Un cine que era absolutamente radical en lo estético y en lo temático, llegando a realizar hasta una película que era todo un bofetón a la Guerra Civil -quizás la mejor realizada en España- en La prima Angélica (1974). En su cine fue clave Geraldine Chaplin, actriz que protagonizó sus obras más vanguardistas y con la que tuvo una relación sentimental de quien nació su hijo Shane. Saura tendría otros tres hijos con Mercedes Pérez y una última hija con la actriz Eulalia Ramón, Anna Saura, productora de sus últimos trabajos y su mano derecha y apoyo en los últimos años.

Su cine se convirtió en especialista en burlar las tijeras censoras, esas que sí cortaron la aparición de Buñuel como verdugo ajusticiando a unos presos mediante garrote vil en Llanto por un bandido (1964). Junto a Elías Querejeta, figura fundamental en su carrera y con quien produce sus mejores obras desde La caza en adelante, consiguen estrenar filmes tal cual los concebían. Lo hacían presentando el internegativo en vez del negativo original a la censura, o incluso presentando un guion ampliado con escenas que sabían que recortarían por su carácter provocador a fin de que no repararan en las esenciales de la historia originalmente concebida.

Ambos se aprovecharon de las ansias de vender la dictadura fuera de España, y es así como el cine de Saura viajo por los grandes festivales internacionales, donde su nombre hizo ruido desde el primer momento y donde le colocaron la etiqueta de autor, una etiqueta que a él le encantaba y que aquí se empeñaban en no utilizar. La prensa afín al franquismo nunca le consideró un gran director, y fueron las críticas de otros países, especialmente las de Francia, las que le auparon a la categoría de autor sin ningún tipo de discusión. Un autor que directores como Bong Joon-Ho, Julia Ducournau o Tarantino mencionan cuando hablan de sus maestros. 

“Hasta Spielberg lo dijo en algún momento”, recordaba Saura en una entrevista donde confesaba que le encantaba la palabra “autor”. “Todo el mundo estaba en contra de mí porque yo me consideraba un autor, todo el mundo decía: ”este imbécil que se considera un autor“, así que fíjate cómo cambia todo. Decían que eso era una cosa muy elitista, que había que hacer un cine popular para todo el mundo y yo creo que no hay una contradicción entre las dos cosas”, decía entonces. 

El reconocimiento a Saura llegó tarde. Su humildad, su forma llana de hablar, su exceso de alardes hizo que también tras el franquismo una generación tardara en reconocerle. Han sido los directores de una generación posterior como Juan Antonio Bayona, Paco Plaza, Carla Simón o Carlos Vermut los que realizaron una tarea en que se reconociera su trabajo como el del maestro que siempre fue. Un maestro humilde que costó que le reconocieran en su país. “Siento que me respetan mucho más ahora. Hay un reconocimiento mucho más grande, no sé cuál es el motivo”, solía comentar Saura.

Un año después de la muerte de Franco dirigiría la que muchos consideran su mejor película, Cría Cuervos, un filme presentado en Cannes, algo que fue fundamental para Saura, que reconocería después que de no ser por el certamen su carrera podría haber terminado en ese momento: “Si no fuera por el premio en Cannes y la locura que se montó… Aquí hubo un crítico muy conocido que la destrozó. En Berlín fue La caza y dijeron que era mi mejor película, que yo no lo creo, pero al salir de la premiere un crítico español me dijo: 'vaya mierda que has hecho’”.

Es el director español que más galardones ha ganado. Dos Osos de Plata al Mejor director por La caza (1966) y Peppermint Frappé (1967); un premio BAFTA por Carmen (1983); Premio del Jurado en Cannes por La prima Angélica (1974) y un Gran Premio del jurado, por Cría Cuervos en un certamen en el que compitió hasta en ocho ocasiones y cuyo nombre es uno de los elegidos que en la última edición, la 75, adornaban las cortinillas que se veían antes de cada proyección. Solo tres españoles estaban: Buñuel, Saura y Almodóvar, los tres autores más importantes de la historia de nuestro cine,

Niño de la guerra

La vida de Carlos Saura y su cine están marcados, como la historia de nuestro país, por la Guerra Civil. Saura se definía a sí mismo como un niño de la guerra. El golpe estado llegó cuando él tenía cuatro años, y su familia dejó Huesca y se refugió en las zonas republicanas de Madrid, Barcelona y Valencia. Una experiencia traumática que siempre recordaba y que siempre mentaba. En los últimos años, con el auge de la extrema derecha, usaba su propio ejemplo para alertar de lo que se volvía a escuchar. 

Sus vivencias quedaron plasmadas en uno de sus últimos trabajos, el emocionante corto Rosa, Rosae, un trabajo animado con sus propios dibujos y con la canción de Labordeta que hablaba de la infancia que tuvo que vivir el conflicto y vivir con sus heridas. También la Guerra Civil era el escenario de su mayor éxito de público, Ay, Carmela, la adaptación de la obra de José Sanchís Sinisterra con guion de Azcona por la que ganó el Goya a la Mejor película y al Mejor director.

La guerra estaba también en esa original y brillante aproximación que era La prima Angélica, pero las heridas estaban en La caza, con esos señores buscando conejos en un paraje que esconde los muertos republicanos que no tuvieron sepultura. 

Tras la guerra, Saura se trasladó a Madrid, en 1941, donde estudió bachillerato y donde comenzó a trabajar como fotógrafo y a estudiar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC), donde comenzó en 1952 y se diplomó cinco años después gracias a la práctica Tarde de domingo. También trabajó allí como profesor de prácticas escénicas. Su debut llegaría en 1957 gracias a Los golfos (1957), un filme sobre la juventud en los márgenes que ya participó en el Festival de Cannes y ya provocó la ira de la censura.

La música, su otra obsesión

Existe otra gran área temática que agrupa buena parte de la filmografía de Carlos Saura, especialmente la de las últimas décadas. Son sus películas dedicadas a la música tradicional no solo española, sino de otros países como Portugal, Argentina o México. Se negaba a decir que sus filmes fueran sobre el ‘folclore’ porque detestaba esa palabra. “Mis obras mantienen las formas antiguas, las vestimentas, los detalles... Pero a mí lo que me gusta es actualizarlo”, explicaba sobre su estilo. Consiguió imágenes hipnóticas retratando el flamenco, los fados, el tango… todo gracias a la fotografía de Vittorio Storaro, otro de sus grandes colaboradores y uno de los mejores directores de fotografía de la historia del cine.

Una relación que comenzó de forma tímida con el ballet en su particular versión de Bodas de sangre (1981), y que se consumó en Carmen (1983), adaptación flamenco del clásico de Merimée que marcó las líneas estilísticas de su cine musical. Una película visualmente arrebatadora, con unos travellings siguiendo a los zapatos de las bailarines que siguen siendo un prodigio de puesta en escena y por la que ganó el Bafta a la Mejor película extranjera. Tras ellas vendrían El amor brujo (1986), Sevillanas (1992) y Flamenco (1995). 

Tres años después le reclamarían para retratar de la misma forma las danzas y músicas de otros países. Argentina fue el primer país, y su Tango fue tal éxito que se convirtió en el filme elegido por ellos para representarles en los Oscar e incluso llegó a estar entre las cinco finalistas. Sería la tercera, tras las logradas por Mamá cumple cien años y Carmen. Tras el Tango llegarían Fados, Zonda, y El rey de todo el mundo.

Mucho más que un director

Carlos Saura fue un director que siempre abrazó la técnica. Nunca sintió añoranza por la película cinematográfica, y se dejaba seducir por cada innovación. Siempre pegado a su cámara de fotos, que cambió de analógica a digital sin trauma y con alborozo. “Yo soy muy pro-avance de la técnica. La gente se olvida que el cine es un invento científico, sin conocimientos científicos no hubiera existido el cine, ni la fotografía, dependemos de eso y hay que aceptarlo. Al que pinta y al que escribe les vale con un lápiz y un papel, pero nosotros necesitamos un soporte técnico y ahora es una maravilla, es un sueño”, dijo en la edición de Seminci donde presentaba Zonda, folclore argentino en 2015.

La fotografía fue su otra pasión, pero no la única. Saura no podía quedarse quieto. Su inquietud artística se manifestó en películas y fotografías, pero también en cuadros, esculturas y novelas que han sido traducidos a varias lenguas. Incluso ha dirigido en seis ocasiones ópera y varias obras de teatro. En los últimos años su obsesión fueron los 'Fotosaurios', una intervención artística en la que regresaba a sus propias fotografías para alterarlas con pintura.

El proyecto inacabado

Hiperactivo, Saura siempre tenía un proyecto en mente En cada entrevista contaba nuevas ideas. Quería rodar con Rosalía, a la que admiraba, pero siempre hubo un proyecto que estuvo en su cabeza y que nunca pudo terminar. Su película sobre Picasso, que acabó con la etiqueta de proyecto maldito. Se intentó levantar en muchas ocasiones. El director ya había dirigido una película sobre un pintor, Goya en Burdeos, pero aquí se pensaba centrar en los 33 días (de hecho, ese era el título de la película, 33 días) que el artista tardó en pintar el Guernica. Era un filme que hablaría, al final, sobre España, sobre la Guerra Civil, e incluso en alguna ocasión desveló que el filme tendría viajes fantásticos en los que el propio Picasso entraba en su propia obra.

Para dar vida al pintor siempre existió un nombre, Antonio Banderas, que durante años estuvo vinculado al proyecto y que incluso durante un tiempo tuvo a Gwyneth Paltrow como protagonista. Uno de los golpes más duros para Saura fue ver que Banderas interpretaba a Picasso en una serie de televisión, pero sin embargo seguía empeñado en realizarlo aunque ya fuera sin el actor malagueño. En el último festival de Málaga contaba que seguía ahí, aunque había girado y ahora se centraba “más en la relación de Picasso con Dora Maar, que fotografió cómo pintaba el cuadro”. Allí, Saura dejó una frase que sonaba a despedida. Con serenidad, sin un solo titubeo, decía a la prensa que no temía a la muerte, y que cada día que amanecía y abría los ojos daba las gracias. Una frase que desprendía el espíritu de Saura, esa humildad de un artista fundamental sin el que es imposible entender nuestra historia reciente.

Cuando Carlos Saura comenzó a hacer cine, España seguía en blanco y negro. Era 1960, y tras unos cortos y estudiar en la escuela de cine, debutaba con una película de cine quinqui antes de que el término se acuñara, Los golfos. Saura miraba, con su primera obra, a los débiles, a los abandonados, y lo hacía desde el Festival de Cannes, donde desde bien pronto se rindieron a sus historias y su forma de contar. Sus fricciones con la censura comenzaron desde antes de empezar como director, y se mantuvieron todos los años en los que el franquismo siguió cercenando la libertad de expresión.

Sin embargo, fue su cine quien comenzó a traer color y modernidad a aquella España gris y dictatorial. Con un ingenio prodigioso, Saura se las apañaba para burlar la censura y realizar ataques frontales a la burguesía franquista en películas como La caza o Peppermint Frappé, una de las obras más radicales y autorales de la historia del cine español. Cuesta creer que con Franco todavía vivo —aunque poco antes de morir—, Saura rodara dos películas como Ana y los lobos y La prima Angélica, una de las grandes obras (si no la mejor) del cine español sobre la Guerra Civil.

Un carrera que le ha convertido en uno de los directores más premiados de la historia de nuestra industria, con un Oso de Oro, dos Osos de Plata y un Gran Premio del jurado en Cannes entre otros muchos. Con 91 años sigue creando y buscando. Su curiosidad está intacta, la misma que tenía cuando se colgó del telón del Palais de Cannes para protestar por el mayo del 68. Saura sigue encontrando la forma de hablar de temas que le obsesionan, como en Las paredes hablan, el documental que estrena este viernes y en donde reflexiona sobre la historia del arte, desde las pinturas rupestres hasta los grafitis. Es la esencia de una figura fundamental de nuestro cine, alguien siempre buscando la forma de hablar de nosotros y que, además, recogerá este año el Goya de Honor a toda su carrera, a la altura de los grandes maestros (Buñuel, Berlanga y Almodóvar), aunque no siempre igual de reconocida.

En su cine la pintura, el arte o la música siempre han estado muy presentes, y de repente rueda un documental que une las pinturas rupestres con los grafitis.

El arte siempre me ha fascinado, y ha sido algo que he tenido muy cerca gracias a mi hermano Antonio. Este fue un proyecto que me llegó a través de José Morillas, el coguionista, y de María del Puy Alvarado, la productora, y desde el principio me pareció muy interesante, aunque la evolución hacia los grafitis no estuvo en la idea inicial y ha sido algo que hemos ido descubriendo poco a poco.

¿Que tienen los grafitis de aquellas pinturas rupestres?

Pues tienen la esencia del ser humano, tienen la pulsión artística, el deseo de crear del hombre, el plasmar “yo estuve aquí” como bien cuenta Suso33 en el documental. Al final, por mucho que pasen los siglos el arte es una forma de expresión inherente del ser humano.

Reivindica algo como el grafiti que, normalmente, está denostado, ¿por qué cree que ocurre?

Porque no se sabe apreciar, porque a veces se etiqueta como vandalismo pero, como se ve en el documental, no es más que una forma de expresión del ser humano, una forma de expresión que forma parte de nosotros y que nos acompaña desde que tenemos conciencia y empezamos a crear.

A mi generación nos costó mucho salir adelante en una España gris, en una España en la que casi todo estaba prohibido

Carlos Saura — Director de cine

Sus primeras películas también tenían esa modernidad, eran un soplo de aire fresco, ¿siente que en España no fueron bien recibidas por ese motivo?

Eran otros tiempos, otra situación social y cultural, no olvidemos la Guerra Civil, la posguerra y el franquismo, que fueron terribles. A mi generación nos costó mucho salir adelante en una España gris, en una España en la que casi todo estaba prohibido. En nuestro grupo la mayoría éramos de la escuela de cine, queríamos otra cosa, teníamos otras inquietudes, otras formas de ver la vida, y eso es lo que siempre he contado en mis películas. Es verdad que las primeras películas tuvieron una mayor repercusión fuera de España, sobre todo en Francia, y seguramente gracias a eso y a los festivales pude seguir haciendo cine.

¿Cómo de importante fueron festivales como Berlín o Cannes para usted y para su carrera?

Ambos festivales, y también el de San Sebastián, han sido esenciales para mi carrera. Cuando fui a Berlín con La caza estábamos en un hotel de tercera, pasamos la película y ese día nos llamaron para cambiarnos de hotel. El día que nos íbamos a ir nos dijeron que nos quedáramos y nos llevaron a un hotel de cinco estrellas y nos pusieron un Mercedes con un chófer a nuestra disposición, y ganamos el Oso de Plata, luego volvimos años después con Peppermint Frappé. Con esto quiero decir que los premios te abren puertas, te dan ciertos privilegios y te dan reconocimiento. Yo gracias a Berlín y a Cannes tuve gran reconocimiento en España y fuera de España, sobre todo en Francia y gracias a eso pude seguir haciendo películas.

¿En algún momento temió que no pudiera hacer cine en España y tuviera que irse fuera, como le ocurrió a Buñuel?

Temerlo sí lo he temido. Ahora echamos la vista atrás y parece que se nos ha olvidado, pero hace no tantos años España era un país completamente diferente, atrasado, pobre… No me hubiera importado irme, pero por suerte no tuve que hacerlo y siempre que he hecho películas fuera de España ha sido por placer. 

Sus películas de esos años son claros ataques al franquismo, algunas de ellas hechas durante el franquismo, ¿tuvo problemas con la censura, cómo los esquivaba?

Sí, todos teníamos problemas con la censura, era algo terrible. Nosotros hacíamos lo que podíamos, nos las ingeniábamos para poder pasar el control del guion utilizando la imaginación, agudizando el ingenio. Recuerdo cuando leyeron el guion de La caza que me dijeron “la caza sí, pero del conejo, no”, y así se quedó.

¿Cree que se ha ganado a pulso la etiqueta de autor que tan rápido le pusieron fuera y tanto costó que se la pusieran en España? 

A mí, la verdad que eso de cine de autor nunca me ha gustado, porque creo que el cine siempre es de un autor. Entiendo que se refiere más al cine de arte y ensayo, al cine menos comercial, diferente, innovador. Sea como sea, que se etiquete, mientras sirva para conservarlo e impulsarlo, bien está.

Eso de cine de autor nunca me ha gustado, porque creo que el cine siempre es de un autor. Sea como sea, que se etiquete, mientras sirva para conservarlo e impulsarlo bien está

Carlos Saura — Director de cine

Su cine ha sido reivindicado por una nueva generación de directores como Carlos Vermut, Juan Antonio Bayona… y realizadores internacionales como Bong Joon-Ho, ¿siente que su cine, aunque quizás más tarde, sí ha encontrado su reconocimiento?

Es algo que, la verdad, no me ha preocupado, porque yo no he hecho cine para agradar a nadie o para recibir reconocimiento, lo he hecho porque me gustaba, porque a través de él puedo contar las historias que se me ocurren, porque puedo jugar con la música. Pero desde luego, siempre es un halago que el trabajo que uno hace lo vea la gente, que les haga pensar y que lo aprecien.

¿Siente Carlos Saura que tiene herederos en el cine? 

Herederos como tal, no. Siento que hay gente a la que le ha podido influir mi cine, cineastas que han visto mis películas y les ha hecho reflexionar, les ha hecho pensar, y eso para mí es un triunfo.

Cuando se les preguntó a los dos últimos ganadores de la Palma de Oro en Cannes (Julia Ducournau y Bong Joon-Ho) por los directores que los han marcado en su carrera, ambos mencionaron a Carlos Saura. El director español logró convertirse en un cineasta de culto fuera de España, un país que, según él, tardó en reconocer su cine.

Fueron los festivales internacionales los que comenzaron a poner en el mapa una obra que radiografiaba España de forma única. El cine de Saura plasmó la historia española. De la Guerra Civil a la Democracia pasando, cómo no, por el Franquismo. Quizás por eso, por lo que supusieron los festivales para él, siempre acude a recoger cualquier premio que le den. En esta ocasión le tocó la Biznaga de Honor en Málaga.

Allí atendió a la prensa con la misma amabilidad de siempre y con su inseparable cámara de fotos colgada con la que incluso hizo una foto a los periodistas que le preguntaban. De los piropos de los cineastas de afuera asegura sentirse “muy orgulloso”, pero prefiere no darle excesiva importancia a la posteridad: “Uno no debe ser muy vanidoso. Te crees muy importante y te dicen que eres un genio, pero luego das dos pasos y piensas, 'qué imbécil soy, cómo voy a ser yo un genio'. Tampoco hay que ser excesivamente humilde, que eso te destroza, hay que encontrar el término medio”.

Con 90 años sigue dirigiendo y no piensa parar. Prepara un documental sobre la historia del arte y en Málaga presenta un cortometraje que recrea Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya. En su cartera hay muchos proyectos pendientes y es consciente de que “desgraciadamente alguno no se va a hacer nunca”. “Soy mayor y ya me pilla mal”, dice con ironía y destaca dos películas que le gustaría poder hacer, la adaptación de su novela Esa luz y su eterno proyecto postergado, el de la vida de Picasso que siempre encuentra un nuevo problema. Ahora hay “un productor muy empeñado en hacerlo”, y reescribió el guion centrándolo en “la relación de Picasso y Dora Maar”.

Yo he vivido la brutalidad de la guerra. He visto muertos en las calles. No aprendemos nunca. Me gustaría que el ‘no a la guerra’ sea unánime

Carlos Saura — Director

Al hablar de los proyectos que no hará parece ser consciente del tiempo. De que no es infinito. Por eso comienza a pensar en la muerte. “Estoy haciendo un documental sobre historia del arte con Arsuaga, y Juan Luis me dijo una de las cosas que más me ha tocado, y es que la muerte es un regalo envenenado del ser humano, porque o estás vivo o estás muerto, y eso me ha obligado a hacer una reflexión. Yo estoy vivo de momento. Respiro, y respirar es muy importante. Cada día que sale el sol digo, estoy vivo todavía, es un milagro”.

Su Goya 3 de mayo es un alegato antibelicista. Lo hace alguien que vivió la Guerra Civil y que sigue sorprendido porque volvamos a repetir los mismos errores. En 2022, de nuevo, una guerra, y Saura tiene claro que “el ser humano comete siempre los mismos errores”. “No aprendemos nunca, desde la prehistoria estamos siempre peleando por el terreno, por conquistar otros espacios. Desgraciadamente el diálogo no funciona siempre. Lo que me indigna es que EEUU es muy cínico, porque parece que no recuerda los bombardeos de Nagasaki”. 

“Yo he vivido la brutalidad de la guerra. Yo he vivido los bombardeos de Madrid, de Valencia y de Barcelona. He visto caerse una casa delante de mí, partida a la mitad. He visto muertos en las calles. No aprendemos nunca. Me gustaría que el 'no a la guerra' sea unánime, a cualquier guerra. Un no a al violencia, a la destrucción. Las noticias nos cuentan los muertos, pero no se habla de los heridos, de los traumatizados. Los que, como yo, vivimos una guerra, estamos obsesionados”, zanja.

También le preocupa que España haya cambiado tanto a nivel tecnológico, pero no tanto en cuanto a la crispación. “Hay mucha agresividad. En el congreso veo una agresividad y una violencia que me molesta. Somos un país, como dijo Unamuno, cainita. Estamos siempre enfrentados. Somos envidiosos, rencorosos… y la guerra española demostró eso, el rencor que había. Espero que no se repita más, pero es posible, puede estallar. Lo de Ucrania puede estallar aquí, cuidado”, dice preocupado y subraya de nuevo que “el no a la guerra debe ser rotundo”.

JZ