El despliegue festivo en el estreno mundial de Digger en Londres, hace cuatro semanas, fue literal. Cuando el príncipe y la princesa de Gales subieron al escenario, su llegada fue anunciada por el grupo de fanfarrias de la banda de la Guardia Irlandesa: cornetas relucientes, charreteras brillantes y gorros de piel de oso que se agitaban bajo las luces.

Dada la ocasión, los músicos no iban vestidos de forma exagerada. Acompañando a Guillermo (con smoking de terciopelo) y a Kate (con un vestido de gasa y los aros que pertenecieron a la difunta Diana) para presentar la película, se encontraba el monarca más longevo del cine, Tom Cruise (vestido de Armani), junto a un séquito que incluía al director Alejandro González Iñárritu y a los coprotagonistas Sandra Hüller, Riz Ahmed, John Goodman, Jesse Plemons y Michael Stuhlbarg. En las primeras filas se acomodaron los “leales cortesanos”: Salma Hayek, Hannah Waddingham y nada menos que tres miembros de la familia Beckham (David, Cruz y Romeo).

La proyección comenzó con dos horas de retraso, debido a la característica minuciosidad de Cruise a la hora de hacerse selfies y firmar autógrafos en la alfombra roja. Pero a nadie le importó demasiado. Si alguien se ganó el derecho a hacer esperar a 800 personas —mientras aumentan los gastos de la niñera y los asistentes empiezan a perder la sensibilidad en las piernas—, ese es, sin duda, indiscutiblemente la última gran estrella de cine: ese enigma irresistible y siempre sonriente, el hombre que “le salvó el trasero a Hollywood” cuando Top Gun: Maverick logró que el público regresara a las salas de cine tras dos años de pandemia.

A las 11 de la noche, cuando se encendieron las luces, el ambiente era otro. Se percibía inquietud. Había aplausos, claro, pero también murmullos y gente apresurándose hacia la salida, aunque con cierta dificultad debido al hormigueo en las piernas. ¿Será que esta función, para la que era casi imposible conseguir entrada, resultó ser un fiasco absoluto?

El estreno mundial resultó ser el punto álgido de la trayectoria de Digger en los cines. Cuando la película se estrenó a nivel global una semana después, tras recibir críticas casi unánimemente negativas, la recaudación en taquilla fue desastrosa, y a partir de ahí, la situación no hizo más que empeorar. Digger logró ocho millones de dólares durante su primer fin de semana en Estados Unidos, para luego sufrir una caída del 60% en el segundo. Su estreno internacional fue aún peor: 12 millones de dólares repartidos en 74 territorios, lo que supone una media de 162.000 dólares por país. Hasta la fecha, Digger recaudó 37,7 millones de dólares, y las estimaciones apuntan a una recaudación final de 50 millones.

Sus costos fueron… superiores. Aunque el presupuesto inicial era de 125 millones de dólares, el rodaje —que se prolongó durante seis meses— terminó costando cerca de 175 millones. A esto hay que sumar otros 100 millones destinados al marketing. Dado que los cines se quedan aproximadamente con la mitad de los ingresos por venta de entradas, la película necesitaría recaudar 350 millones de dólares para cubrir gastos (aunque Warner Bros. sitúa esta cifra más cerca de los 300 millones). Estos cálculos se complican aún más debido al acuerdo de Cruise de cobrar desde el “primer dólar”, lo que significa que los ingresos iniciales van directamente a sus bolsillos en lugar de al estudio.

La pérdida prevista de 245 millones de dólares sitúa a Digger entre los fracasos más costosos de la historia, junto a la película de aventuras Cutthroat Island (1995, con una pérdida de 222 millones de dólares ajustada a la inflación), el film steampunk Mortal Engines (2018, con una pérdida ajustada de 224 millones) y el desafortunado spin-off de Capitán América, The Marvels (cuyas pérdidas estimadas, ajustadas a la inflación, oscilan entre los 205 y los 250 millones de dólares).

En cierto sentido, Digger ya tuvo un desempeño peor que los tres títulos mencionados. Antes de sus respectivos estrenos, nadie tenía grandes expectativas para ninguno de ellos; sin embargo, todos lograron recaudar, al menos, el doble de lo que se espera que ingrese Digger. Nadie imaginaba que Cutthroat Island cambiaría nuestra percepción de lo que podría ser una sátira de gran presupuesto, ni que la interpretación de Hugo Weaving en Mortal Engines lo convertiría en un candidato fijo para los Oscar. Pero Digger es algo único: un desatino sin precedentes, fruto de un juicio erróneo, una elección de momento inoportuna y una soberbia espectacular.

Para desentrañar el defecto fatal de Digger, resulta útil remontarse a sus orígenes. La idea de su personaje central —un multimillonario magnate del petróleo, zafio y tosco, cuyas perforaciones en el Ártico desencadenan una catástrofe ecológica— surgió en 2015 en la mente de Iñárritu, el cineasta mexicano que saltó a la fama con Amores perros. Por aquel entonces, trabajaba en El renacido, otra superproducción épica (con un presupuesto de 165 millones de dólares) que giraba en torno a una interpretación visceral y exigente —en este caso, la de Leonardo DiCaprio, quien, en la piel de un hombre de la frontera en plena huida, atravesaba ríos helados, comía hígado de bisonte crudo y se refugiaba en el interior del cadáver de un caballo—, la cual le valió un Oscar. En esa misma ceremonia, Iñárritu se alzó con el premio al mejor director, convirtiéndose en la tercera persona en la historia en lograrlo dos años consecutivos, tras su triunfo en 2014 con el despliegue teatral de Birdman.

Iñárritu comentó que, al principio, no siguió adelante con Digger porque, a pesar de haber desarrollado una obsesión por el personaje, “no estaba buscando una historia” (palabras que, vistas en retrospectiva, resultan un mal presagio). Sin embargo, tras el éxito de El renacido, comenzó a desarrollar el concepto junto a Netflix como un proyecto a medida para DiCaprio, bajo el título provisional de Blah, Blah, Blah (segunda señal de alarma).

Entonces, alguien en la plataforma se percató de que ya tenían entre manos otra costosa comedia dramática de temática ecológica protagonizada por Leonardo DiCaprio: Don’t Look Up, de Adam McKay —cuyo fracaso completa una rápida tríada de malos augurios—, por lo que Digger fue descartado. Así pues, Iñárritu se volcó en Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades: un proyecto personal, existencial y casi autobiográfico de casi tres horas de duración; el tipo de obra que solo un director recién encumbrado por la crítica y la industria podría permitirse realizar. Poca gente la vio, y a menos aún les gustó.

Mientras tanto, Cruise —en pleno apogeo tras su reciente consagración como el “salvador del cine”— buscaba proyectos que le permitieran ampliar su repertorio más allá de las franquicias de acción como Top Gun y Misión: Imposible. Quizás recordando el horror fascinado que provocó su aparición —bajo un traje que lo hacía parecer obeso— en Tropic Thunder, donde interpretó al repulsivo ejecutivo de estudio Les Grossman, se puso en contacto con Iñárritu, y ambos comenzaron a trabajar en 2022. El rodaje arrancó a finales de 2024; se filmó en película de 35 mm y en formato VistaVision, lo cual —por si quedaba alguna duda— resulta extraordinariamente costoso.

Por estas mismas fechas, el año pasado, la película se encontraba en fase de posproducción y Cruise estaba en Los Ángeles recibiendo un Oscar honorífico: su primer galardón de la Academia. En su emotivo discurso, repasó toda una vida dedicada a su oficio. “Hacer cine no es lo que hago; es lo que soy”, declaró ante los presentes. ¿Y quién le entregó la estatuilla? Iñárritu. Los presagios eran claros: si alguna vez una película iba a hacerle ganar a Cruise su primer Oscar “de verdad”, Iñárritu sería, sin duda, la persona encargada de entregárselo.

¿Alguien notó durante la producción que Digger era horrible? ¿O que era probable que un número suficiente de personas detestara que la película fuera un fiasco? De ser así, se sintieron intimidados o alentados por la confianza de los dos hombres al mando. Además, dice Steven Gaydos, ex editor ejecutivo de Variety, durante la última década aproximadamente, este tipo de esfuerzo imprudente ha sido una práctica estándar de la industria: “Digger es simplemente la última película artística de Hollywood sobre un superpetrolero que se derrumbó”.

Él rastrea los orígenes de esa tendencia hasta el entusiasmo prepandémico de los streamers por emitir cheques en blanco para directores que pudieran conferirles credibilidad. Los autores se apresuraron a inscribirse, pero la falta de supervisión o barreras de seguridad (exactamente los términos que endulzaron el trato) significó que sus películas muchas veces solo les agradaban a ellos mismos.

A veces la estrategia (desde que fue descartada en Netflix) funcionó. Ni Roma de Alfonso Cuarón ni Historia de un matrimonio de Noah Baumbach, El poder del perro de Jane Campion o Mank de David Fincher aseguraron a Netflix el codiciado Oscar a la mejor película, pero estuvieron bastante cerca. Muchas veces, el fracaso fue más evidente. Gaydos destaca los 175 millones de dólares que Netflix invirtió en El irlandés de Martin Scorsese en 2019, y luego los 200 millones de dólares que Apple le entregó en 2022 por Los asesinos de la luna. “Otra vez”, dice Gaydos, “muchas nominaciones al Oscar, ninguna victoria”.

Mientras tanto, los estudios tradicionales, intimidados por el dominio de las plataformas de streaming, siguieron la misma estrategia, con resultados igualmente desastrosos. Tras alcanzar la gloria en los premios con Whiplash y La La Land, Damien Chazelle le endosó a Paramount Babylon, un fracaso de crítica que, según Gaydos, “se quedó a 135 millones de dólares de recuperar su inversión”. Por su parte, Bong Joon-ho —quien arrasó en los Oscar con Parásitos— repitió la jugada en Warner Bros, con Mickey 17, provocando una pérdida de 200 millones de dólares.

El historial de este estudio con las superproducciones de corte “artístico” no es del todo negativo: el año pasado perdieron 150 millones en otro proyecto mastodóntico, aunque, al menos, Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson, les reportó numerosos premios Oscar, incluido el de mejor película. En aquel momento, Warner Bros pudo absorber el golpe, gracias a unas arcas rebosantes gracias a éxitos como Sinners, The Minecraft Movie y F1.

Esta vez, sin embargo, no hubo una red de seguridad en forma de superéxito comercial; por ello, señala Gaydos, “este ”transatlántico“ podría haber hundido a los directivos del estudio, Michael De Luca y Pam Abdy”. El último estreno del estudio antes de su adquisición por parte de Skydance (que tomó el control de Paramount) resultó ser un desastre tan absoluto que la primera medida del nuevo propietario, David Ellison, fue destituir a ambos.

Antes de la fusión, muchos habían expresado su preocupación por el tipo de proyectos a los que el nuevo “superestudio” daría luz verde. Ahora ya lo saben: el interés de Ellison por las ideas nuevas y la propiedad intelectual original se vio aún más mermado. “Gastar en exceso en cine de autor nunca ha sido una estrategia ganadora en Hollywood”, afirma Gaydos. “Pero nadie había visto antes una serie de desastres de esta magnitud, ni los océanos de números rojos que han dejado a su paso estas superproducciones de corte artístico”.

De todos los afectados por el desastre de Digger —salvo, quizás, De Luca y Abdy—, Cruise es quien salió peor parado. Ya tuvo fracasos anteriormente: La momia (2017) perdió 95 millones de dólares, aunque aun así recaudó más de 400 millones. Las conclusiones que cabe extraer resultarán aleccionadoras para un hombre que probablemente daba por hecho que se lo valoraba tanto por su faceta artística como por su condición de veterano de aspecto sobrenaturalmente juvenil, famoso por su entrega absoluta a escenas de riesgo casi mortales y por su costumbre de aparecer sin camiseta.

Sin embargo, parece evidente que el público no acude a una película de Tom Cruise para verlo actuar; va a ver a una estrella de cine. Es cierto que en Tropic Thunder utilizó prótesis, pero aun así se podía reconocer al hombre bajo la máscara; además, su aparición fue breve. En Digger, las capas de látex son tan gruesas que, bajo ellas, podría estar cualquiera.

Más allá de verlo saltar por un precipicio en moto, los seguidores de Cruise no desean que asuma riesgos, ni que se entregue a ese nivel de locura agresiva que tanto él como su personaje exhiben aquí —un comportamiento que recuerda, de forma incómoda, a sus años de saltar sobre el sofá en el programa de Oprah—. Tampoco quieren verlo como otra cosa que no sea el “bueno” de la historia. En Top Gun y, sobre todo, en Misión: Imposible, encarna a una especie de mesías: el único hombre capaz de salvar el mundo. En Digger, interpreta al único hombre capaz de destruirlo. Eso es exactamente lo contrario de lo que busca su base de admiradores.

No obstante, más allá de sus seguidores habituales, hay mucha gente a la que, probablemente, le habría interesado ver Digger si hubiera sabido de qué trataba realmente: una ambiciosa sátira liberal y metatextual que aborda la responsabilidad colectiva en el colapso ecológico. Por desgracia, toda la campaña promocional de la película intentó ocultar este aspecto; en parte, porque explicarlo obligaría a revelar un detalle clave de la trama.

En su lugar, la promoción se centró en la transformación de su protagonista, ofreciendo adelantos y revelaciones sobre la enorme barriga de su personaje en Digger y su actitud insoportablemente sermoneadora. Los creadores de Digger estaban tan seguros del atractivo de su película —dando por hecho que el público ya estaba ganado de antemano— que olvidaron promocionarla realmente.

Cuando aparecieron las primeras críticas, el equipo de marketing tuvo que reaccionar a toda velocidad. Se lanzó una nueva campaña que incluía tanto reseñas negativas como positivas, invitando al público a ignorar a los críticos y a juzgar por sí mismos. Presentar, a posteriori, la naturaleza divisiva de una película como algo intencionado no es, en sí, una mala estrategia. Sin embargo, este enfoque recordaba inevitablemente al que empleó Megalópolis —el desastre de 125 millones de dólares de Francis Ford Coppola estrenado en 2024—, la cual terminó autosaboteándose aún más al atribuir citas inventadas a críticos reales. Fue una asociación desafortunada; a los pocos días, la publicidad de Digger dio un nuevo giro: de repente, instaban al público a prestar atención a los críticos, argumentando que, si bien en Estados Unidos la acogida había sido tibia, en Francia la película había gustado mucho.

Para entonces, el desbarajuste ya no importaba. Solo los más morbosos podrían sentirse tentados a ir al cine. El boca a boca también hizo lo suyo: la calificación de CinemaScore de Digger (que registra la reacción del público al salir de la sala durante la noche del estreno en EE.UU.) fue de C+. Es una nota considerablemente más baja que la de la nueva película de PAW Patrol (A) e incluso peor que la del drama sobre Mark Zuckerberg, The Social Reckoning (B+); el flojo desempeño de esta última en taquilla sugiere, además, que el público no siente un deseo automático de pasar sus fines de semana viendo a multimillonarios a gran escala cometiendo atrocidades.

Es posible que Cruise siga haciendo campaña, de forma discreta, para lograr una nominación al Oscar; el costo de hacerlo sería una minucia en comparación con las pérdidas ya sufridas. En un año marcado por interpretaciones sobresalientes, como las de Andrew Scott (Elsinore) y John Malkovich (Wild Horse Nine), la victoria resulta prácticamente imposible. Aun así, Cruise y su equipo podrían considerar que un reconocimiento de este tipo, proveniente de sus colegas, ayudaría a amortiguar el golpe y a justificar las decisiones tomadas por todos los implicados.

De hecho, ya hay indicios de que la magnitud del desastre de Digger podría jugar a su favor. Al fin y al cabo, no se trata de un fracaso insulso —al estilo de Bardo—, destinado a quedar como una simple nota a pie de página en un libro que nadie lee. Estamos ante una película cuyo título es ya sinónimo de una locura pasmosa. Un movimiento, aparentemente surgido desde la base, está construyendo un argumento sólido para convertir a Digger en un futuro clásico de culto. Algunas celebridades dieron un paso al frente para defenderla; y no solo aquellos cercanos a Cruise (como Anne Hathaway, quien protagonizará junto a él la próxima secuela de Days of Thunder y le dio un 10/10 en Letterboxd, o Glen Powell, a quien Cruise asesoró en Top Gun: Maverick y que la calificó como “pura alegría cinematográfica”).

Jane Fonda elogió la película extensamente en Instagram, describiendo a Cruise como “muy bueno y muy valiente”. Por su parte, Guillermo del Toro comentó que es una obra “audaz, valiente y cinematográficamente compleja”. Neil Young, por su parte, la calificó como “la mejor película” que haya “visto jamás”. Mientras tanto, los programas conmemorativos de aquel estreno mundial —que tuvo lugar hace menos de un mes— ya alcanzan sumas considerables en eBay; en uno de los anuncios, se describe con orgullo este “objeto de colección muy codiciado” como “completamente nuevo y sin leer”. Al parecer, es poco probable que Digger permanezca enterrado para siempre.

La sátira cinematográfica suele lidiar con dos pecados y hoy resulta especialmente fácil estudiarlos gracias a la afluencia que viene teniendo este subgénero en los últimos años. Desde que Bong Joon-ho ganara el Oscar con Parásitos (2019) surgieron a lo largo del mundo sofisticados ejercicios discursivos —tal es la columna vertebral de la sátira, la narración totalmente domesticada en pos de un ideario compacto—, tan capaces de conectar con la crítica como de que el gran público, de vez en cuando, también se sienta movido a opinar. Y entonces la conversación se decante por uno de estos dos pecados, condenando cualquier sátira a ser (felizmente) discutible.

El primer pecado es la equidistancia. Puestos a aplanar la ficción para emitir un mensaje —y que este mensaje parezca desafiante y resabiado, porque quien hace sátira es ante todo gente muy inteligente—, nada mejor que atizarle a varios bandos por igual, aceptando el peligro de que todo se reduzca a un cinismo medular (y, por tanto, decantando la balanza finalmente hacia el eje conservador). Pasó con Eddington o El triángulo de la tristeza. El segundo pecado es el que nos lleva a Digger. Es el de la obviedad. El que nos obligó, en la Navidad de 2021, a criticar la machacona seguridad en sí misma que exhibía No mires arriba de Adam McKay. Esa alerta subrayadísima de la letal combinación de estupidez humana y cambio climático, tachada de “obvia” o “ideológica” porque todos sabemos lo que hay, no necesitamos que nadie nos lo repita. 

Lo sabemos, y no lo necesitamos, pero un lustro después la urgencia climática permanece imparable. Y siguen llegando las sátiras obvias, sátiras como Digger. Los esperpénticos tráilers mostraron a Tom Cruise caracterizado como un magnate del petróleo anciano —si bien irónicamente cercano a la verdadera edad de la estrella, 64 añitos—, haciendo frente junto a élites políticas y económicas estadounidenses a una catástrofe medioambiental de la que es responsable. Digger Rockwell y sus contertulios son personajes muy caricaturizados, al estilo Dr. Insólito o: cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba. Solo que en 2026, bueno, tampoco se diferencian mucho de la clase política realmente existente.

Así que la suspicacia se mantiene. Lo grotesco del planteamiento de Digger, lo obvio, remite a cierta amarga frase de No Other Land, el documental dedicado al apartheid de Cisjordania acometido por el Estado de Israel. “La gente ve algo, se conmueve, ¿y luego qué?”, se preguntaba uno de los directores. Podría adaptarse esta pregunta a la cuestión de la sátira. “La gente ve algo, se ríe, se siente muy inteligente, ¿y luego qué?”. Y pasa lo mismo, que la respuesta es difusa (¿un Oscar a Mejor documental, quizá?). Esa respuesta es justo la que preocupa a Alejandro González Iñárritu.

Tom Cruise y los peligros del cine de autor

Digger no solucionará los problemas del mundo. Es decir, a poco que se vieran los tráilers —no se puede insistir lo suficiente en lo insoportables que son—, nadie en su sano juicio habría alumbrado esta esperanza, pero la cuestión es que no lo va a hacer en la misma medida que no lo hizo, el año pasado, Una batalla tras otra de Paul Thomas Anderson. Como Digger, fue la apuesta otoñal de Warner Bros. para el Oscar saltándose festivales europeos y, como Digger, parodiaba a la cúpula filofascista que hoy gobierna EE.UU. Hubo quien se quejó de que ninguno de los acólitos de Trump, o del ICE, podrían sentirse molestos por esta réplica propia de dibujos animados.

Es lo que suele pasar. De forma análoga a cómo en España Torrente se burla de la ultraderecha con la complicidad de la ultraderecha, las cosas en EE.UU. alcanzan un punto en que el circo de Digger parece superfluo, incluso funcional al poder. Aunque podemos valorar el ingenio de Iñárritu fichando a un Cruise recién liberado de la saga Misión imposible y con inquietudes por volver al cine de autor —inquietudes que el inminente descalabro de Digger evaporará rápidamente, por eso ya se anunció que a continuación hará una secuela de Días de trueno—, presto a jugar con su imagen mediática. Volviendo (no nos alejamos de PTA) al Frank que abanderaba la prehistoria del movimiento incel en Magnolia. Digger, en efecto, es una caricatura del hombre heterosexual.

Un reflejo deforme de Ethan Hunt y el propio Cruise, que en esta película toma pie a partir de un grueso destilado de la petromasculinidad. Este concepto lo teorizó Cara Daggett allá por 2018 y apunta a la afinidad del varón por los combustibles fósiles para preservar una imagen de poder hegemónico. Que puede concretarse en coches muy rápidos o, caso de Digger, en la obsesión fálica por perforar la tierra y extraer petróleo. Es en lo que se especializó el protagonista del film, lo que justifica su arrogancia y negligencia, y no se trata de un retrato especialmente original. Todos los millonarios de hoy día, sin importar el gremio, tienen algo de Digger Rockwell.

Podemos reconocer asimismo la única brizna de humanidad que matiza al personaje de Cruise: el absurdo empeño en mantener con vida a su gata Maggie, animal esquelético y agonizante al que los primeros minutos de Digger prestan una agotadora atención. ¿No es algo parecido a la obsesión que Javier Milei tiene por su perro muerto, Conan? Porque todo en la película funciona así. Todo es obvio y zafio, encadenando hipotéticos chistes a un ritmo atroz que convierten la primera media hora de Digger en una experiencia de delirante incomodidad, intensificando el desagrado hasta que algo sucede e Iñárritu enseña sus verdaderas cartas. Parece que… ¿esa era la idea?

No conviene detallar en qué consiste el giro —es una pena que la película vaya a ser tal fracaso porque la campaña promocional de Warner fue modélica—, aunque sí podemos dejar caer que Digger, finalmente, se parece más a trabajos previos de Iñárritu estilo Birdman o Bardo que a una sátira de Kubrick sobre la Guerra Fría. Lo que busca el director, con una gran audacia posibilitada por su condición de infiltrado mexicano en Hollywood —la locura de Digger solo se le podría haber ocurrido a un forastero—, es aferrarse a la estridente distancia que estas imágenes conjuraron frente a la audiencia, y pasar a cuestionar los mecanismos del tipo de ficción que creíamos estar presenciando. El resultado, por otra parte, tampoco mejora excesivamente desde entonces.

El corazón de la sátira

¿Cómo podría hacerlo? La propuesta de Iñárritu pasa primero por entregarnos la plasmación más estereotipada de un tipo de cine que debe considerar políticamente inútil —donde no solo irrita Cruise con largos discursos que parecen parodiar las escenas susceptibles de dar Oscars, sino también un John Goodman pasadísimo como presidente estadounidense—, para de forma progresiva cuestionar sus lógicas internas. Desvelando las imposturas y facilidades que tantos cineastas antes que él emplearon a lo grande. Como Iñárritu (pese a estos desvíos discursivos) comparte megalomanía con muchos de ellos, Digger sigue siendo irregular y excesiva de principio a fin, con un desarrollo narrativo de lo más caprichoso y un desnortado planteamiento escénico.

Igualmente, si se ponen en primer plano las intenciones y las estrategias que las envuelven, cuesta mucho no hallar en Digger una película valiosa, quizá bastante más que las propuestas de los Anderson, los Östlund y los McKay de turno. Porque Iñárritu, ahí donde lo vemos y sin mayor interés por adscribirse a sucesos de actualidad, se está proyectando con todo este distanciamiento kamikaze al proyecto marxista que inaugurara Bertolt Brecht hace un siglo, según el temor que le inspiraban las recompensas afectivas de la representación teatral. Brecht temía que los poderes consustanciales a la ficción —la inmersión, la empatía, la relajación, la diversión— disolvieran una vocación política que a su juicio debía guiar la lucha de clases e iluminar la emancipación humana. 

Cambiando la obra dramática por la sátira nos topamos sistemáticamente con equivalencias, pruebas de que los temores de Brecht estaban plenamente fundados y de que el público era en efecto susceptible de ser despolitizado a través de la ficción. En este trasvase drama-sátira la empatía daría paso a la admiración estética por los trajes de los personajes de Succession y la diversión se transformaría en un sentimiento de superioridad ante espantajos monolíticos como Digger. Todo de cara a un conformismo final, el conformismo de los finales felices y las conclusiones categóricas.

Puesto que Digger se niega a todo esto, la propuesta es rigurosamente anticlimática, radicalmente antisatisfactoria. Iñárritu, con una actitud francamente admirable, se resigna a través de las sobreactuaciones y la música atronadora a no dejar contento a nadie, a expulsar a la gente, a negarles las cómodas catarsis de la ficción e incluso a reflexionar verbalmente sobre ello —la duda de si Digger se merece ser caricaturizado hasta este punto llega a formularse explícitamente— mientras afronta con resignación el precio de ponerse brechtiano con un medio (el cine y, aún peor, el cine de Hollywood que abandera su actor protagonista) que no podría ser menos afín al mismo.

El precio es, volvemos a ello, el fracaso. La incomprensión, la irritación. El aburrimiento, del que a medida que encadena vueltas de tuerca no llega a librarse Digger (incluso si decidimos reírle las gracias). Todo vale en pos de la gran conclusión a la que llegó Iñárritu tras unos cuantos años donde las crisis mundiales compartieron espacio con más sátiras que nunca. La conclusión es que, sean cuales sean sus pecados específicos, la sátira siempre va a ser un consuelo. Y con consuelo no vamos a ningún lado. No estamos yendo a ningún lado. 

La Academia de Hollywood entregará un Oscar honorífico a Tom Cruise y reconocerá a Dolly Parton con el galardón humanitario Jean Hersholt, también una estatuilla del Oscar, durante la 16 edición de los Governors Awards (Premios de los Gobernadores) prevista para el 16 de noviembre de 2025.

La institución más reputada del cine también honrará con Oscar honoríficos a la coreógrafa y actriz Debbie Allen y al diseñador de producción Wynn Thomas, respectivamente. Estos galardones celebrarán “a cuatro individuos legendarios cuyas extraordinarias carreras y compromiso con nuestra comunidad cinematográfica continúan dejando un impacto duradero”, dijo en un comunicado Janet Yang, presidenta de la Academia.

El premio marcará la primera vez que Tom Cruise reciba una estatuilla Oscar en su carrera. El actor de Top Gun había estado nominado en cuatro ocasiones por sus actuaciones en Jerry Maguire, Magnolia, Nacido el 4 de julio, además de una cuarta ocasión como productor de la secuela de Top Gun, que estuvo nominada como Mejor película. “El increíble compromiso de Tom Cruise con nuestra comunidad cinematográfica, con la experiencia teatral y con la comunidad de especialistas nos inspiró a todos”, añade el comunicado.

Por su parte, la leyenda de la canción Dolly Parton, quien fue nominada en dos ocasiones a los Oscar como compositora e intérprete de canciones de filmes como Nine to Five o Transamerica, será reconocida por su labor altruista. “La querida intérprete Dolly Parton ejemplifica el espíritu del Premio Humanitario Jean Hersholt a través de su inquebrantable dedicación a obras benéficas”, apuntó Yang.

La actriz, coreógrafa, directora y productora Debbie Allen será homenajeada por su labor como pionera a lo largo de casi cinco décadas de carrera. Allen fue la coreógrafa de la ceremonia de los Oscar en siete ocasiones, y algunos de los títulos que destacan de su carrera son Forget Paris, A Jazzman's Blues o The Six Triple Eight.

A su vez, la “mirada visionaria y maestría en su oficio”, hicieron elegible a Wynn Thomas a este premio honorífico. Los créditos cinematográficos de Thomas incluyen Do the Right Thing o Malcolm ', entre muchos otros. El evento se celebrará en el Ray Dolby Ballroom del Ovation Hollywood en Los Ángeles, el 16 de noviembre de 2025.

Con información de la agencia EFE

Hace unos días, Sean Penn se refería a Tom Cruise como “probablemente el mejor doble de riesgo en la industria del cine”. Aunque muchos quisieron ver en sus palabras un cierto desprecio, al reducir sus capacidades interpretativas a su gusto por realizar él mismo las escenas de acción, había en ellas un reconocimiento a algo que se convirtió en el sello de Cruise, que a los 62 años consiguió ser la mayor estrella del cine de acción de Hollywood y, probablemente, una de las pocas estrellas —a secas— que existen. Además, es de las pocas que lleva público a los cines por el mero hecho de ver su nombre en el cartel.

La prueba irrefutable es la saga de Misión Imposible. Cruise la comenzó hace casi 30 años, es decir, cuando acababa de pasar los 30, y la cierra ahora —desde un Festival de Cannes que siempre se rinde al intérprete— sin haber cedido el testigo. Él fue el epicentro de una franquicia por la que pocos apostaban y que consiguió sobrevivir a modas y sagas que iban y venían. Lo hicieron con la fórmula que usa el actor, que no es otra que apostar por recuperar la sensación de incredulidad ante lo que ocurre en la pantalla. Que la gente se pregunte cómo pudo hacer esas escenas en vez de quejarse por lo que chirrían los efectos visuales.

Para ello perfeccionaron una maquinaria promocional que, desde la segunda entrega, cuando nos presentó a Cruise colgado a pelo en una barranca, mostró cómo el actor realizó escenas de acción cada vez más complejas sin necesidad de dobles. Todo en pos de dotar de realismo a unas películas cuya trama no podía ser más inverosímil. Pero Cruise se dejaba el cuerpo, literalmente, para que nos creyéramos que él era el único que podía salvar al mundo porque era el único que puede realmente realizar esos saltos.

En este viaje encontró, desde la quinta entrega, a un compañero de viaje perfecto, el director Christopher McQuarrie, que desde que ganó el Oscar por el guion de Los sospechosos de siempre seguía buscando su lugar en Hollywood. Cruise apostó por él y lo convirtió en el único director que repetía dentro de la saga, confiando en ese gusto compartido por un cine que huela a artesano, a hecho con las manos para las tres últimas entregas de la franquicia. Finalmente, la tercera se partiría en dos, con Misión Imposible: sentencia mortal - Parte 1, sentando las bases de lo que ahora se llamó Misión Imposible: sentencia final, y que es, supuestamente —nunca digan nunca en Hollywood— el cierre final y definitivo de la saga basada en la serie (y que llegará a las salas el próximo 22 de mayo).

El principal problema de este cierre está, irónicamente, en su primera parte, que era una excelente película de espías y acción donde el peligro apelaba a los miedos de nuestra sociedad —una inteligencia artificial capaz de crear las fake news más veraces— y donde el ritmo y sus excelentes y espectaculares escenas dejaban con la boca abierta. Cruise protagonizó la que vendieron como la mayor escena de acción nunca rodada, un momento que él mismo quiso hacer y que consistía en tirarse por una barranca con una moto para luego accionar un paracaídas. Todo ello grabado desde helicópteros, drones y el propio rostro de Cruise. Era una escena de esas que recuerdan por qué vamos al cine, como lo era ese final en un tren cuyos vagones iban cayendo por un precipicio. 

Por eso las expectativas estaban tan altas. Si aquello era solo la primera mitad, cómo debía ser el redoble final que se habían dejado para culminar la saga por todo lo alto. Y la respuesta es que Misión Imposible: sentencia final es tan espectacular como finalmente desequilibrada por su sensación de despedida. Son tan conscientes de que es el último capítulo que deciden apostar por una falsa trascendencia y un empeño constante en emocionar que no estaba presente en las anteriores películas. A Misión Imposible se viene a dejarse sorprender por las escenas de acción, no a que intenten que uno llore con frases que parecen dedicatorias en una carpeta de la escuela. 

Hay demasiada voz en off, demasiada frase engolada y demasiados guiños nostálgicos. McQuarrie apuesta por unir todos los episodios en este final, y hace guiños constantes a todos los capítulos anteriores. Algunos funcionan por lo mítico del recuerdo. Se rememora constantemente la escena de Tom Cruise descolgándose en la primera película, y es normal, porque con esa escena comenzó todo, pero quizás no hacía faltan tantos flashbacks en forma de fogonazos, sino confiar más en el gusto por el espectáculo que tan bien había funcionado en el resto de entregas. 

Uno con lo que se queda de Sentencia final es, cómo no, con dos escenas de acción que son, de nuevo, apabullantes. La primera, una tensa incursión acuática en un submarino, y la segunda, la que ilustra el cartel del filme, una persecución entre avionetas vintage —la llegada de la IA hace que se recurra a lo analógico en la película— que hace que otra vez nos preguntemos ¿cómo habrán hecho eso?

Tom Cruise será una de las estrellas que desfilarán en la alfombra roja del Festival de Cannes, que se celebrará en Francia del 13 al 24 de mayo. El actor y productor presentará la octava y última entrega de la famosa franquicia Misión imposible, que lleva por nombre Sentencia final.

Cruise llevará al festival más importante en Europa la película acompañado de Christopher McQuarrie, director y guionista, así como del resto del elenco. El filme se estrenará fuera de concurso.

Esta no es la primera vez que Tom Cruise acude a la fiesta del cine de Cannes. El actor ya lo hizo en 1992 con motivo de la cinta Horizontes lejanos (1992). A partir de entonces, Cruise tardó 30 años en regresar al festival, una racha que terminó en 2022 gracias al estreno de Top Gun: Maverick, año en el que también recibió la Palma de Oro Honoraria. El 14 de mayo supondrá la tercera vez que el actor acuda al Festival de Cannes.

La octava entrega de Misión imposible es el cierre de una franquicia que lleva marcando las salas de cine desde el estreno de la primera película en 1996. En esta ocasión, el reparto está compuesto por Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Henry Czerny, Mariela Garriga y Angela Bassett.

El filme se estrena en Argentina el próximo 22 de mayo, fecha en la que llega a las salas de la mayor parte del mundo.

El actor estadounidense Val Kilmer ha fallecido a los 65 años en Los Ángeles a causa de una neumonía, según ha comunicado su hija, Mercedes Kilmer, al New York Times. El actor había sido diagnosticado con cáncer de garganta en 2014, pero logró recuperarse. Kilmer fue el protagonista de varias de las películas más icónicas de los años 80 y 90 como Top Gun, Batman Forever, Willow, The Doors o Top Secret!. Su última aparición en pantalla fue, precisamente, en la secuela de uno de esos títulos, Top Gun: Maverick, donde se apreciaban las secuelas que la enfermedad habían dejado en él.

Kilmer tardó tiempo reconocer -no lo hizo hasta 2017- que padecía cáncer, pero dejó de negar esa enfermedad con un documental autobiográfico, VAL, que se estrenó en el Festival de Cannes y en el que ofreció un inédito acceso a su estado de salud y su intimidad, y donde también de repasaba su carrera desde sus inicios, donde fue considerado uno de esos enfants terribles de Hollywood. De hecho, en un momento de aquel filme, se veía una escena durante el rodaje de Top Gun en donde Kilmer decía a cámara con su toque altivo: “Más vino, más sexo, más drogas… y menos Tom Cruise”.

Nacido en Los Ángeles, el carismático actor, con aires de estrella de rock interpretó papeles de rockero en varias ocasiones en los inicios de su carrera. Debutó en el cine con una parodia humorística de espías de la Guerra Fría titulada Top Secret! (1984), dirigida por los maestros del cine de parodias Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker. También conocidos como los ZAZ. Allí interpretó a un cantante estadounidense que complacía al público y movía las caderas en Berlín, involucrado sin saberlo en un complot de Alemania del Este para reunificar el país.

Jim Morrison en 'The Doors'

Quizás su papel más memorable fue el que le dio Oliver Stone como el cantante Jim Morrison, icono de la sensualidad psicodélica —y con quien guardaba un parecido físico—, en The Doors (1991). Con Stone repetiría dando vida a Filipo de Macedonia, el padre de Alejandro Magno (Colin Farrell), en la grandiosa y fallida epopeya Alejandro (2004).

También se metió en la piel de Mentor —un Elvis consejero imaginado por el protagonista antihéroe de la película, interpretado por Christian Slater— en Amor a quemarropa (1993), una violenta historia de aventuras sobre drogas escrita por Quentin Tarantino y dirigida por Tony Scott.

Protagonizó junto a Sam Shepard Thunderheart'(1992), interpretando a un agente del FBI, y se convirtió en un ladrón elegante y astuto que juega al gato y al ratón con la mafia rusa en El Santo, la adaptación cinematográfica de la mítica serie que, a su vez, se basaba en unos populares libros sobre el personaje de Simon Templar. Quizás su papel más icónico fue el de Batman, ya que fue el encargado de sustituir a Michael Keaton en la tercera entrega de la saga, Batman Forever, en 1995.

Frente a Tom Cruise en 'Top Gun'

Pero para entonces, otra faceta de la carrera de Kilmer ya se había desarrollado. En 1986, Tony Scott lo eligió para su primera película de gran presupuesto, Top Gun (1986), un drama de aventuras sobre pilotos de caza de la Marina en entrenamiento, en el que era el rival de la estrella de la película, Tom Cruise, con quien también participaría en su secuela en 2022. Su carisma le convirtió en el robaescenas de la película y rápidamente se convirtió en una estrella.

Otro de sus papeles más importantes fue el de miembro de la banda de ladrones de Heat (1995), de Michael Mann donde formaba parte de un reparto estelar que incluía a Robert De Niro y Al Pacino y fue coprotagonista, junto a Michael Douglas de Los demonios de la noche (1996), una película de época sobre la caza de leones ambientada en el África de finales del siglo XIX. En 2003 encarnó a la estrella del porno John Holmes en la película Wonderland.

“La mayoría de los actores reconocen que Val tiene algo diferente de lo que se ve a simple vista”, dijo Stone en una entrevista de 2007 para un segmento de la serie de televisión 'Biography', recuerda The New York Times. David Mamet, el dramaturgo y guionista que dirigió a Kilmer en el thriller político Spartan (2004), añadió: “Val tiene algo que los grandes actores tienen: hace que todo parezca improvisado”.

El villano de Misión imposible: Sentencia mortal - Parte 1 —, filme que, como Fast & Furious X o Spider-Man hace poco, antecede el gran final de la saga— es una Inteligencia Artificial se llama la Entidad y puede infiltrarse en cualquier sistema informático, expandiéndose sin mesura ni alineamiento político para sojuzgar a la humanidad a golpe de engaños algorítmicos. Hay quien dice que la Entidad sería una metáfora de Netflix y el streaming, contra la que Tom Cruise lucharía valerosamente al igual que hace en la realidad.

De un tiempo a esta parte, las películas de Misión imposible se han erigido como experiencias inseparables de la pantalla grande. No solo por la espectacularidad que íbamos dando por supuesta a través de los distintos directores —de Brian De Palma a John Woo, antes del convertido en habitual Christopher McQuarrie—, sino por el temerario compromiso de Cruise con las escenas de acción vertiginosas, que él mismo llevaba a cabo una y otra vez sin dobles mientras iba superando los 60 años de edad. Las circunstancias han querido que, con la fiebre streaming y la crisis del coronavirus, el ímpetu de Cruise se antoje aún más heroico.

“Le has salvado el culo a Hollywood”, le dijo Steven Spielberg a Cruise —que controla la saga con mano de hierro— durante la carrera al Oscar de Top Gun: Maverick. Este filme fue el más taquillero de 2023 (sin contar Avatar: El sentido del agua) con sus casi 1.500 millones de dólares recaudados, y es el gran motivo por el que Sentencia mortal - Parte 1 se aproxima a las carteleras con paso triunfal. Uno que busca culminar la leyenda incólume de Tom Cruise, pero que no termina de ocultar ni las grietas, ni los percances sufridos por el camino.

Tom Cruise contra Paramount

“¡Estamos creando miles de puestos de trabajo, hijos de puta!”. El audio filtrado del rodaje de Misión imposible: Sentencia mortal - Parte 1, donde Cruise amonestaba agresivamente a los trabajadores de la película por infringir protocolos anti-COVID, fue recibido por la opinión pública con agrado, en líneas generales. A Cruise parecía importarle de verdad la supervivencia de Hollywood en el difícil marco impuesto por la pandemia, así que se podía pasar por alto la conducta despótica que mostraba en el set. El fin justificaba los medios.

Esta bronca fue el episodio más célebre del largo rodaje, que había empezado en Italia a principios de 2020 para ser el primer gran filme de Hollywood en suspender su producción por la emergencia sanitaria. La visión de Cruise, totalmente empeñada en sacar adelante su película millonaria y en que esto revitalizara las finanzas de Hollywood, se mantuvo en episodios posteriores como su publicitada excursión para ver Tenet —primer blockbuster estrenado en pandemia, con los cines a aforo limitado o incluso cerrados— o el pulso que le terminó echando a Paramount en pos del modelo de estreno a seguir con Misión imposible.

Durante la crisis del coronavirus, las majors de Hollywood creyeron que lo mejor para paliar sus efectos era acelerar la inversión en streaming y acuñar sus propias plataformas a toda velocidad. De ahí que surgieran Disney+ o HBO Max para competir contra Netflix, mientras se improvisaban modelos híbridos (cines y streaming simultáneamente) o, en el caso de Paramount, se optaba sobre todo por recortar la ventana de exhibición en salas. A principios de 2022 Jim Gianopoulos, CEO de Paramount, propuso a Cruise que Sentencia mortal solo estuviera en cines 45 días antes de dar el salto a Paramount+. Cruise no se lo tomó nada bien.

Meses después, Gianopoulos había sido sustituido por Brian Robbins al frente del estudio. Cruise atesora un poder enorme en la industria, que ha garantizado la copiosa taquilla de sus películas, su propio atractivo mediático —capaz de sumir en el olvido su pertenencia a la Iglesia de la Cienciología y unos primeros años 2000 especialmente convulsos para su imagen— y el rodearse de socios fieles, como Christopher McQuarrie en calidad de director y guionista. Esta entente se resistió al plan de Paramount, negándose a aceptar la ventana de exhibición, y para salirse con la suya no se les ocurrió otra cosa que… secuestrar la película.

Para Cruise, la dependencia del streaming es un ultraje. La estrella ve en este modelo al gran enemigo de Hollywood, tal y como él lo ha conocido, así que entorpeció las aspiraciones de Paramount alargando el rodaje de Sentencia mortal - Parte 1 como medida de presión. A última hora, decidió que cierta secuencia con un submarino involucrado formara parte de esta Parte 1 y no de la Parte 2 como así estaba planeado y, ante la perspectiva de seguir gastando dinero en un rodaje sobre el que había perdido cualquier control, Paramount transigió.

Como meses después, llegó el taquillazo de Top Gun: Maverick (también a cargo de Paramount). La visión de Cruise quedó legitimada por completo. No es un tipo excéntrico que pone en jaque a la industria por su romanticismo trasnochado, sino el héroe que Hollywood necesita. Un héroe que respeta las medidas sanitarias, es homenajeado en Cannes e incluso ayuda a enderezar la mala prensa de un filme como Flash con su entusiasta recomendación. Todo gracias a Top Gun, con la que resulta curioso comparar Sentencia mortal - Parte 1.

La secuela del clásico ochentero sorprendía, a base de entretenimiento escapista, por la celebración desvergonzada del aparato militar estadounidense, así como la cuidada despolitización de cualquier conflicto bélico (a los enemigos no se les identificaba más que como “enemigos”). No es el caso de la penúltima Misión imposible, que construye en torno a la Entidad un entramado de conflictos internacionales donde EEUU no sale bien parado, llevando al paroxismo el clima de paranoia donde ha transcurrido la mayor parte de la saga.

Resulta pues difícil calibrar la forma de ver las cosas de Cruise, tan capaz de espectacularizar el militarismo como de mostrar un cinismo salvaje que ni siquiera tema invocar teorías de la conspiración. En su película, uno de los personajes llega a describir como “complejo industrial-militar” al auténtico y subterráneo motor de la nación.

La programación de Ethan Hunt

Lo de “complejo industrial-militar” lo dijo por primera vez el presidente Eisenhower en el discurso de despedida de su mandato, en 1961. “Aquel día no hubo un solo partidario de Eisenhower que supiera a qué se refería el viejo Ike, por la sencilla razón de que ese término acababa de inventarse. Por él mismo”, escribe Noel Ceballos en El pensamiento conspiranoico, rastreando la génesis de cualquier mirada suspicaz hacia la geopolítica de EEUU. Es la mirada que, justo después de Maverick, ensayan Cruise y su equipo.

Y no es una desinformada, pues la noción de un poder armamentístico que trabaja a espaldas de los procesos democráticos se retrotrae a varias décadas. “EEUU decidió que su forma de ganar una guerra mundial pasaba por convertirla en una carrera industrial”, sigue Ceballos, “con sus fábricas de automóviles poniéndose explícitamente al servicio de la maquinaria bélica”. Asumiéndolo Misión imposible, y combinándolo con su megalómana posición en la maquinaria blockbuster, podríamos abrigar la conclusión de que Tom Cruise no se guía ni por banderas ni por cálculos. Que lo único que espolea sus esfuerzos es el placer del público.

Pero, ¿es eso cierto? ¿Es tan “pura” su mirada, tan desprogramado e indómito su cine? Desde luego que no, y Sentencia mortal - Parte 1 es un ejemplo palmario. Su escepticismo político —con todas las potencias luchando egoístamente entre sí por el control de la Entidad, y con Ethan Hunt y su equipo yendo por libre al preferir destruirla— es la sublimación lógica de los postulados de la saga, donde no ha habido entrega en que Hunt no fuera perseguido por los suyos. El guion es más embrollado de lo habitual pero esencialmente previsible, llegando al punto de homenajear y establecer rimas con el filme inaugural del 96.

Sentencia mortal - Parte 1 presume de un supuesto liderazgo en el cine de acción de alto presupuesto que en efecto refrenda su aparato formal, pero que no respaldan ni la escritura ni su apego complaciente a fórmulas asentadas. El villano es Gabriel (Esai Morales) como representante de la Entidad, y se nos intenta vender un pasado común con Ethan con la misma convicción con la que Jason Momoa reclamaba el estatus de némesis en la última Fast & Furious. Solo que, claro, en esta película nadie quería salvar al cine, ni proclamar que este era un espectáculo de acción como nuestros ojos solo podían ver cada cierto tiempo.

Esta Misión imposible es mucho menos sofisticada de lo que creen sus artífices, y más ajustada a un patrón de lo que le gustaría a Cruise, pues maltratar a los personajes femeninos no deja de ser un patrón también —no algorítmico, sino sociocultural—, y aquí se abraza sin autocrítica alguna, pensando todavía que la mejor forma de construir a un protagonista traumatizado es matando a cualquier mujer que tenga alrededor mientras sus colegas masculinos, Simon Pegg y Ving Rhames, llevan sobreviviendo como mínimo cinco entregas.

Es especialmente doloroso porque estas inercias, que subordinan cualquier agencia femenina a la serenidad heteropatriarcal de Ethan Hunt, afectan tanto al fichaje de Hayley Atwell como al gran hallazgo de las últimas entregas de Misión imposible. Esto es, el personaje de Rebecca Ferguson, Ilsa Faust, aquí con una importancia irrisoria pero manteniendo la capacidad de llevar la saga a sus lugares más sugerentes y románticos. Por ejemplo, ese magnífico prólogo ambientado en una tormenta de arena, capaz de disimular a lo grande que en lo que queda de película nos limitaremos a ver compitiendo a dos tipos distintos de Inteligencia Artificial.

Los estudios Paramount fueron demandados por la familia del autor del artículo que inspiró la película Top Gun (Ídolos del aire), protagonizada por Tom Cruise, por una presunta infracción de los derechos del autor que afecta a la segunda parte de este exitoso film recientemente estrenado. Según informan medios estadounidenses, la demanda fue presentada este lunes en la corte federal del estado de California por los herederos de los derechos del artículo que en 1983 escribió el periodista israelí Ehud Yonay, en el que se inspiró el argumento de la primera parte la película.

La demanda la firman la viuda y el hijo del periodista de Top guns, el artículo publicado en la revista California Magazine sobre los pilotos de combate de élite que inspiró el film. La denuncia afirma que la película original acreditó la historia y se ajustó a los derechos de autor. Pero señala que los estudios Paramount no podían rodar la segunda parte del film, Top gun: Maverick, sin haber solicitado los permisos adecuados de nuevo, ya que, según dicen, es un trabajo derivado del artículo original, asegura la prensa estadounidense.

Precisamente “Top Gun: Maverick” se ha convertido en la película más taquillera de toda la carrera de Tom Cruise en EE.UU., donde ha amasado más de 290 millones de dólares en apenas dos semanas. Tras un espectacular estreno que recaudó 120 millones de dólares en su primer fin semana, el interés del público por la cinta de acción no ha mermado, pues en su segundo fin de semana en cines ingresó más de 90 millones, una retención de audiencia que ni la factoría Marvel ha logrado en sus estrenos más recientes.

Volver a ver Top Gun —la original— debería ser considerado deporte de riesgo. Aquel filme que sobrevivió en la memoria de varias generaciones como un icono no soporta una revisión. Es machirula, con música repetitiva y con un Tom Cruise que se hacía el engreído y se merecía un capón para que espabilara. Sin embargo, Tony Scott consiguió que aquella película de acción sobre los alumnos de la escuela de pilotos de combate de la marina de EEUU se convirtiera en uno de esos títulos que marcan en todos los campos. Las gafas de aviador, la campera, las canciones, el Take my breath away cantado en karaokes hasta la extenuación… es indudable que hay un legado ligado a ella.

Recuperar Top Gun para una secuela décadas después era un movimiento que estaba claro que ocurriría tarde o temprano en un Hollywood enfermo de nostalgia que vuelve a sus éxitos para intentar llevar a las salas a las viejas generaciones mientras engancha a las nuevas. Hacerlo con una película como esta era complejo, ¿cómo enfrentarse a un filme que era un elogio de la juventud y la insolencia?, ¿crear un nuevo héroe como lo fue Tom Cruise, o convertirle de nuevo en héroe de acción una vez más? También había una decisión en torno al tono de la secuela. Esas estridencias visuales y musicales son casi impensables en el momento actual.

Joseph Kosinski soluciona todo eso en Top Gun: Maverick —que llega este viernes en los cines de Argentina tras presentarse en el Festival de Cannes— con un guiño autoparódico y metacinematográfico. Con una escena inicial que no es más que la secuela Top Gun riéndose de todos los clichés de la primera parte. Ahí tenemos a Tom Cruise, subrayado por la banda sonora original, que tras un nuevo desafío a la autoridad tiene que volver a aquella escuela. Lo hace agarrando sus gafas de aviador, su campera de cuero, su moto y dando paso a los mismos carteles con los que comenzaba la original. Los lazos están echados, los fans ya estarán contentos y lo que comienza ya tiene la libertad de volar (un poco) por su cuenta.

Lo que construyeron Cruise y Kosinski es un blockbuster como los de antes. Una película grande, estruendosa, simplona en su narrativa y muy divertida. No hay tiempo para el descanso, siempre están ocurriendo cosas, ya sean dramáticas o increíbles escenas de acción. Es un taquillazo que funciona a la perfección y que dentro contiene, además, una defensa por ese tipo de cine que llena salas, artesanal y honesto en su propuesta. No intenta Top Gun: Maverick engañar a nadie ni ser lo que no es. No hay pretensiones elevadas, solo llenar salas y divertir a la gente.

La propia trama del filme deja clara su defensa de esta forma de ver y hacer cine. Maverick vuelve a la escuela y tendrá que entrenar a la nueva camada de jóvenes que quieren ser pilotos. Todo ello en un nuevo contexto, el de los drones que amenazan con sustituir a las personas. La tecnología por encima de los seres humanos, que no es más que Cruise diciendo que un algoritmo nunca podrá sustituir a un filme tradicional. Esto es una película de acción clásica de las que las plataformas no producen. Demasiado cara, demasiado larga, demasiado espectacular. No es una película para que esté un fin de semana en el número 1 de las más vistas de Netflix y luego quede enterrada en ese cajón de sastre que son los ingentes catálogos. Ese espíritu casi de rebelión y defensa se respira en cada poro del filme, especialmente en sus escenas de acción, más épicas y espectaculares que en la primera entrega.

La trama de alumno convertido en maestro es ya un tropo clásico que aquí se aprovecha para apelar también a los fans de la original. Uno de los alumnos será el hijo de su mejor amigo fallecido en la primera película y cuyo trauma no supera. Sin embargo, el punto emocional del filme llega con la aparición fugaz de Val Kilmer, que pese a estar retirado por las secuelas del cáncer de garganta que sufre, aparece en la película en dos momentos que emocionan al traspasar de una forma sorprendente la pantalla y jugar en el terreno de la realidad-ficción. Es imposible no sentir ese abrazo de Cruise y Kilmer como el reencuentro de ambos en la secuela de la película que les hizo estrellas.

Hay una cosa en la que Top Gun: Maverick no supo o no quiso rectificar a su antecesora. Si en la original el héroe era un engreído aquí ya no lo es, pero eso no quita para que haya una historia de amor que no aporta nada a la trama y que solo sirve para cumplir con todos los cánones del clásico filme de acción protagonizado por Tom Cruise. Su peor error es, además, haber prescindido de la protagonista del filme de 1986, Kelly McGillis. La actriz habló claro sobre su ausencia: “Soy vieja, estoy gorda y luzco de mi edad”. No hay otro motivo para que ni se la mencione. No tiene ni un cameo divertido y nostálgico. En cambio, colocaron a Jennifer Connelly como protagonista, una actriz que luce con todos los requisitos de belleza patriarcal de Hollywood. Hay en cosas en las que Hollywood no cambia, y Tom Cruise sigue en un pasado que defiende las salas de cine, pero también solo a las protagonistas delgadas.

El coronavirus ha cambiado el cine. Incluso lo que consideramos cine. A partir de aquel encierro la gente descubrió la comodidad de las plataformas y se olvidó de las salas. Fueron dos años en los que las películas nos salvaron. Lo que pocos imaginaban es que de alguna forma también condenaron a la gran pantalla. Se aceleró un cambio de modelo que muchos presagiaban. Desde la industria, pocos se opusieron al cambio. Productores, directores, actores… todos vieron en las plataformas una oportunidad. Había más trabajo, se dio voz a nuevas voces y se olvidó de la experiencia comunal de compartir una historia en un mismo espacio. Hay excepciones. Actores, actrices, directoras, que siguen defendiendo una forma de disfrutar que no tiene que ver con algoritmos. Entre ellos destaca Tom Cruise. Es uno de los últimos defensores de las salas. Quizás el último actor. Nunca ha hecho una película para una plataforma. Nunca ha hecho una serie de televisión. Trabaja por y para el cine.

Para las salas ha hecho Top Gun: Maverick, la secuela del filme que le convirtió en una estrella. Una película que debería haberse estrenado en junio de 2020 pero que sufrió retraso tras retraso. Durante dos años el actor ha aguantado el filme para poder estrenarlo como él lo concibió. Muchos creían que podía acabar estrenándose en Netflix, en Amazon o en cualquier plataforma. Pero para Cruise nunca fue una opción. Lo ha confirmado en el Festival de Cannes, donde ha presentado la película por todo lo alto. Es uno de los grandes estrenos del certamen, que ya la tenía seleccionada para su edición de 2020 y ha terminado proyectándola dos años después. 

Cannes le ha dedicado, además, un homenaje, y en palabras de Thierry Frémaux, un motivo era esa defensa férrea y sin fisuras de las salas. Una defensa que comparten, ya que ninguna película que no estrene en cines puede competir por la Palma de Oro. En ese homenaje la pregunta era obligada, ¿nunca se vio tentado o presionado para estrenar Top Gun: Maverick en una plataforma? Su respuesta, tajante: “Eso no va a pasar nunca. Nunca. Voy al cine y veo a todas esas personas trabajando, a los que ponen las palomitas que están levantando los cines y os prometo que cuando hago una película intento aplicar todas las habilidades que he aprendido durante todos estos años para crear una experiencia que tiene que ver con la gente, con lo humano”.

Su defensa del cine ha sido uno de los centros de este encuentro con la prensa donde ha subrayado que “debemos estar unidos y como comunidad compartir de forma conjunta”. “Entiendo este negocio, lo he estudiado, y hay algo muy específico en hacer una película para cines. Yo hago películas para salas, luego se van donde quieran, pero siempre pienso en hacer una película que enganche al público, que les entretenga, que vaya más allá del primer fin de semana de estreno. Me gusta esa experiencia y creo que hay muchos directores que también quieren esto. Es diferente escribir una película para cine que hacerlo para la televisión. Hay algo en cómo se rueda, en cómo se comunica… todo es diferente. El cine es mi pasión. Voy al cine cuando sale cada estreno y quiero estar allí, ver los tráilers, pasar tiempo con los dueños de las salas. Quiero entender estos cambios y ayudar a los estudios, porque si funciona una película eso significa que podré hacer otra después”, ha dicho en Cannes.

El actor recordó cómo su cinefilia comenzó con cuatro años, cuando sintió que quería “tener aventuras”. El típico niño que se subía a los árboles, pero también que empezó pronto a escribir personajes que interpretar. Comenzó a hacer trabajos como cortar el césped a los vecinos o vender postales con un motivo: ir al cine. Tras su segunda audición logró su primer papel, y ahí se dio cuenta de que aunque nunca fue a una escuela de cine, “conocía las películas desde que era un niño”. Su educación estuvo en los rodajes. “Acudí a cada departamento y estudiaba todo lo que pasaba allí. Entendí que si hacía cine tenía que entender y estudiar lo que pasaba en cada sitio. Todo. Cada aspecto de una película lo estudiaba y eso ha sido mi educación cinéfila”, contó sobre cómo entiende una profesión en la que sigue aprendiendo y en la que cree que no hay que tener miedo a decir “no lo sé”.

El cine es mi pasión. Voy al cine cuando sale cada estreno y quiero estar allí, ver los tráilers, pasar tiempo con los dueños de las salas

Tom Cruise — Actor

Cruise ha dado las gracias una y otra vez y ha asegurado sentirse feliz por haber podido trabajar en lo que ama y haber podido “viajar por todo el mundo”: “No solo como turista, sino a trabajar en esos países y aprender esas culturas. He querido conocer esa gente, entender cómo cuentan historias, con qué se ríen, honrar a otras culturas y compartir mis historias con el mundo. Esas son las cosas que me interesan. Las historias, las personas…”. Ha defendido también la experiencia común de hacer una película, el equipo por encima del individualismo y ha destacado los grandes equipos técnicos con los que ha trabajado y puesto el valor de cada departamento: “Es importante saber de todo, entender las lentes, por qué usar una u otra. Siempre le digo a los actores que lo mejor que pueden hacer es entender cada aspecto de una película y cómo se juntan para hacer una película. Entender por qué el diseñador del set es importante, por qué el vestuario es importante… No me gusta que la gente haga lo que yo digo, porque no es mi película, es nuestra película y necesito que todos contribuyan a hacerla, porque eso es lo más divertido”.

Una de las notas características de las películas del actor es que siempre realiza todas sus escenas de acción, y en Cannes reconoció que “claro que me dan miedo”, pero que hacerlo es una forma de entregarse al público y pensar en lo que a aquel niño de cuatro años le gustaría como espectador. “Cuando alguien dice que algo es imposible yo pienso, bueno, a lo mejor sí que es posible, y lo intento. Siempre aconsejo que es mejor intentar algo y fallar a no hacerlo. Mejor preguntarse y no tener miedo a hacerlo. Yo doy mi vida por esta profesión porque me siento un privilegiado y me encanta. Siempre pienso en qué le puedo dar a la audiencia para que piensen que ha merecido la pena, porque luego ves sus caras, y no quiero decepcionarles, sobre todo a las nuevas generaciones”.

Antes de entrar en la premiere del filme, el actor dedicó un buen rato a hacerse fotos con sus fans, a saludarles y firmar autógrafos. Una de las últimas grandes estrellas de Hollywood que sabe que la promoción es fundamental. De hecho, Cruise recordó cómo comenzó a incluir como condición hacer “premieres en cada ciudad del mundo, llevar las alfombras rojas”. Tom Cruise se resiste a darse por vencido y seguirá rodando para levantar esas salas que le hicieron ser la estrella que es ahora.

JZ

David Cronenberg, Arnaud Desplechin, James Gray y los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne competirán en la 75 edición del Festival de Cannes, que se celebrará del 17 al 28 de mayo y volverá así a sus fechas habituales tras dos años de pandemia.

Cronenberg, que llevaba ocho años sin película nueva, aspirará a la Palma de Oro con Crimes of the Future, Desplechin con Frère et soeur, los Dardenne con Tori et Lokita y Gray con Armageddon Time, según anunció este jueves el delegado general del certamen, Thierry Frémaux, en la presentación oficial.

En competición fueron incluidos también Hirokazu Kore-Eda con Broker, Claire Denis con Stars at noon, rodada en Centroamérica, y, entre otros, Valeria Bruni Tedeschi con Les amandiers, que pasaron el filtro de entre las más de 2.200 películas recibidas por los organizadores.

Cannes completará en los próximos días el listado, pero avanzó ya que en sus sesiones especiales, fuera de competición, el ucraniano Sergei Loznitsa vuelve a la Croisette con The natural history of destruction, de nuevo centrada en su país, y Ethan Cohen firma en solitario Jerry Lee Lewis: Trouble in Mind, sobre el músico estadounidense.

En las sesiones de medianoche Brett Morgen homenajeará a David Bowie en Moonage Daydream, donde habla de hasta qué punto el artista estaba interesado en el cine y fue pionero en sus videoclips, mientras que fuera de competición Cédric Jiménez relatará en Novembre la investigación de los atentados del 13 de noviembre de 2015 en París.

También se verá Hunt, primer filme del actor surcoreano Lee Jung-Jae, que saltó a la fama mundial por su papel en el éxito de Netflix El juego del Calamar.

George Miller estrenará Three thousand years of longing y en Cannes Première, sección dedicada a habituales de Cannes para dar lugar a proyectos que no tienen cabida en competición, destacan el italiano Marco Bellocchio con Esterno Notte, sobre el secuestro y asesinato en 1978 del entonces líder de la Democracia Cristiana, Aldo Moro, por parte de las Brigadas Rojas (BR), y Joseph Kosinski, con Top Gun: Maverick, secuela del clásico con Tom Cruise.

Cruise, como ya se había anunciado, recibirá un homenaje por “la calidad de su compromiso con el cine”, destacó Frémaux. En cuanto a la secuela de Top Gun, se sabe que es una continuación del clásico drama romántico de Tony Scott de 1986 sobre un piloto de la Fuerza Aérea estadounidense y que contará con Cruise nuevamente en el papel de Maverick.

Abrirá el certamen el francés Michel Hazanavicius con Z (comme Z), una comedia de zombies que se presentará fuera de competición.

En la sección Una Cierta Mirada, la segunda en importancia del Festival, fueron incluidas siete óperas primas, y de los 15 filmes anunciados este jueves ocho están firmados por mujeres, según detalló Frémaux.

En ese apartado compite Domingo y la niebla, segundo filme del costarricense Ariel Escalante, tras El sonido de las cosas (2016), que cuenta la historia de un hombre de campo visitado habitualmente por el fantasma de su esposa. Es, por el momento, la única presencia latinoamericana en el festival.

E igualmente Beast, título provisional de la primera película de Gina Gammell y Riley Keough -nieta de Elvis Presley-, rodada en una reserva india.

Este 75 aniversario del certamen, visto como una celebración de su presente y futuro, servirá también para preguntarse sobre el futuro de la cinematografía y el rol de los festivales, en un coloquio en el que participarán cineastas destacados.

En tren de un regreso a los albores del rock and roll, hace diez días ya se había anunciado que Elvis, la película del director, guionista y productor australiano Baz Luhrmann, centrada en la vida del ícono del rock and roll Elvis Presley, tendrá su premiere mundial en la edición 75º de Cannes.

Hasta el momento, lo que se sabe de esta producción es que repasa más de 20 años en la vida del pionero del rock, desde sus inicios hacia el absoluto estrellato, a través de su compleja relación con su controvertido manager y del rol central que ocupó su esposa Priscilla. Esto pudo conocerse a partir de un anticipo lanzado en febrero pasado.

La semana que viene el certamen francés hará más anuncios con algunos pocos títulos que se incorporarán.

El cine latinoamericano no tuvo suerte en esta convocatoria y, por el momento, solo se anunció la participación de la película costarricense.

Otros países que extrañamente se encuentran ausentes del certamen son España y Alemania, aunque se puede ver una fuerte presencia de la cinematografía de Asia y Medio Oriente, con Corea del Sur, India, Irán y Pakistán a la cabeza. De hecho, la cinta de la india Payal Kapadia “A Night of Knowing Nothing” recibió el Ojo de Oro (Mejor Documental) en la última edición.

De esta forma, el Palais recibirá al glamoroso mundo de la industria del cine en su fecha original luego de que en 2021 se corriera a julio por los casos de coronavirus y en 2020 se tuviera que suspender por la aparición de la Covid-19.

CRM con información de las agencias EFE y Télam