Entre el mundo digital, los claroscuros del Barroco, el realismo decimonónico y la desobediencia del graffiti, aparecen los murales de Heber Fleitas. Vecino de Hurlingham, sus obras son “covers” y parodias de pinturas de Da Vinci, Miguel Angel, Caravaggio y otros artistas. Pueden encontrarse por las calles del conurbano bonaerense y también en Latinoamérica y España. 

Dejó su huella en el Festival de Street Art de Navarra y en el Museo Banksy de Barcelona. También desafió a la autoridad barcelonesa con el mural de un guerrero indígena que hizo frente al Ayuntamiento y la policía no dejó que terminara su obra. 

Autodenominado un “escenógrafo urbano”, el artista de 33 años pasó la mitad de su vida laboral en los talleres del Complejo Teatral de Buenos Aires. “Cuando arranqué a estudiar escenografía, me di cuenta de que si podía pintar un telón, podía pintar una pared”, cuenta.

–¿Cómo llegas al Teatro San Martín?

–Hay una tradición en los teatros: es algo que pasa de padre a hijo. Mi papá trabajó acá en la parte técnica por 40 años hasta jubilarse. Mi mamá está en el área de Camarines y mi hermana en Seguridad e Higiene. Yo arranqué en el 2011 en el sector de Utilería, trabajaba sobre objetos pequeños. Me acuerdo que una de las primeras obras que asistí fue de las últimas de Alfredo Alcón. Después arranqué a estudiar Escenografía en el 2014 y me pasaron a ese sector. 

–¿Cuáles son tus tareas ahí?

–Con el equipo de Escenografía y Artesanía recibimos los objetos que modelan en el sector de Escultura, desde máscaras y títeres hasta armas de fuego. Los pintamos para las puestas escénicas en este teatro y también en el Teatro Alvear y el Teatro de la Ribera. Lo más reciente que hicimos fue la escenografía de Cyrano, Clandestina, La Gran Ilusión y también para una adaptación de Eduardo II de Marlowe. Hay cosas que las trabajamos acá desde cero y otras que alquilamos de un depósito. Las herramientas son las acuarelas, telgopor y cartón. Después aplicamos algunas técnicas si queremos envejecer elementos o hacerlos parecer de metal. 

–¿Qué significa el teatro para vos? 

–Es la magia de lo vivo. Del funcionamiento en el aquí y el ahora. Tiene una mística que otras disciplinas no tienen. Al espectador lo conmueve, porque lo hace pasar por distintas etapas. Lo sé porque también soy actor, estuve en la compañía Teatro Sanitario de Operaciones.

–¿Y la escenografía?

–El teatro cambió mi visión sobre lo que son los espacios, tanto los urbanos como los teatrales. Empecé a ver todo como una escenografía. Todas las piezas para mí pueden pasar a ser una. Combiné mis conocimientos y por eso digo que me volví un escenógrafo urbano. 

–¿En qué momento comenzaste a pintar los murales?

-Fue al mismo tiempo que arranqué a estudiar en la universidad. Cuando aprendí a pintar en grandes dimensiones, me di cuenta de que si podía pintar un telón, podía pintar una pared. Al principio lo hice para divertirme con mis amigos del barrio. 

–Algunas de tus pinturas recrean o parodian obras barrocas, del Renacimiento y clásicas. ¿De dónde viene esa inspiración? 

–Viví afuera por casi cuatro años, desde el 2020 hasta diciembre de 2023, entre Latinoamérica y Europa. Solventé mi estadía con lo que me pagaban los municipios, los pueblos y los festivales para embellecer las paredes con los murales. Cada lugar que fui visitando me inspiraba. En Europa me fui nutriendo de lo que veía en los Museos. Es la cuna de ese tipo de arte, aunque también se apropiaron del arte egipcio y griego. 

–De ahí lo llevaste al Oeste del conurbano.

–En el barrio hice obras que trataban de identificar a la gente de ahí, como un retrato de Diego Armando Maradona, por ejemplo. Pero después del viajé quería transmitir el conocimiento que traje del viejo continente y empecé a hacer arte público. Los museos para mí son controversiales: tenés que pagar para ver una parte de la historia y hay mucha gente que, sea por plata o distancia, no tiene acceso a eso. 

Yo saco a la calle lo que está en esos espacios. Mis instalaciones son para todos: el anciano, el niño y el indigente del conurbano. Quiero pensar que pongo el arte al servicio de la sociedad y además busco mejorar la apariencia de las calles descuidadas. 

Mis instalaciones son para todos: el anciano, el niño y el indigente del conurbano. Quiero pensar que pongo el arte al servicio de la sociedad y además busco mejorar la apariencia de las calles descuidadas

–¿Cómo describirías a tu barrio?

–Me crié a un costado de Hurlingham, en sus alrededores. Como la mayor parte del conurbano, San Damián es una zona obrera. Tiene una mezcla de personas que se instalaron ahí por las fábricas, trabajadores del ferrocarril, y también inmigrantes de Bolivia, Perú y Paraguay. Eso hace que exista un folklore que no se va a encontrar ni en Capital ni en el Barrio Inglés de Hurlingham. Culturalmente compartimos el mismo código de la calle, otras palabras y sentido del humor. 

–¿En qué estás trabajando actualmente? 

–Por el centro de Hurlingham estoy haciendo una pareja de angelitos del Renacimiento. Salí un día por la tarde a buscar paredes y encontré una abandonada. Me puse a pintar, todo muy improvisado. Hay obras que pienso mucho, otras que me nacen en el momento.

–Tus réplicas tienen un giro visual. Usás colores flúor, como el rosa, el verde y el naranja, que son los típicos del Graffiti. También añadís detalles del mundo digital, como el recuadro de Windows. 

–Me gusta darles un toque contemporáneo. Laburo con bocetos digitales y después los paso a la pared. Entonces eso me da la posibilidad de probar otros tonos de colores con los aerosoles y jugar con las texturas.

–Por las fotos que compartís en tu portfolio personal, los murales ocupan varios metros de una pared. ¿Trabajas solo?

–Por lo general sí. Me permite trabajar a mi propio ritmo y tampoco tengo que preocuparme por generar acuerdos con otras personas para desarrollar las ideas. Cuando estaba de viaje, me acostumbré a hacerlo de esa manera. Entre que limpio la pared y plasmo el diseño no me demoró más de tres días. 

–Llegaste al Museo de Banksy en Barcelona y al Festival de Street Art en Navarra y Madrid. ¿Cómo fue ese recorrido?

–Banksy también pinta en sitios específicos por cuestiones políticas. Es anarquista el tipo. El Museo Banksy abre las puertas una vez al mes a gente del público y convoca a artistas urbanos para pintar en vivo. Armé un diseño a partir de David con la cabeza de Goliat de Caravaggio y lo pinté en dos días. Terminó siendo David con un rodillo. 

Por otro lado, en Navarra trabajé en la pared de un edificio durante tres días. Es un retrato de San Pedro, uno de los apóstoles de Jesus. Me inspiré en la escultura que tiene en la Basílica San Juan de Letrán, Roma. 

–Compartiste en redes que en diciembre del año pasado, en Barcelona, la policía no te dejó terminar un mural de un guerrero indígena que estabas haciendo frente al ayuntamiento. ¿Qué fue lo que pasó?

–Un vecino denunció que estaba pintando en una pared abandonada. Cayó la policía y por primera vez me hicieron un acta. Fue una escena cómica porque toda la gente que pasaba por ahí me felicitaba por el mural mientras el oficial me estaba interrogando. No me dejaron terminarlo ni tampoco firmarlo, tuve que irme. La noche siguiente volví para hacer vandalismo y pude dejar mi firma. 

–“Todo mi arte es político, espiritual y confronta al sistema. Tengo sangre guerrera”, escribiste como pie a las fotos que subiste a las redes.

–Soy descendiente de guaraníes. La inspiración para la pintura vino porque conviví seis meses con una tribu nativa del Amazonas de Perú.

–¿Qué pintaste en Latinoamérica?

–En el caso de Latinoamérica dibujé y pinté pensando mucho en las culturas indígenas. Por ejemplo, en Brasil estuve en San Pablo y también en Florianópolis y realicé murales de niños de pueblos originarios. Cuando pintaba en ciudades grandes, elegía lugares céntricos donde era bien visible la obra y había más concentración de gente. Pero en Brasil trabajé en zonas desfavorables. 

–¿Planeás volver a irte de viaje?

–Es la idea, sí. Tengo planeado un viaje a Barcelona y también me gustaría ir a un festival internacional de graffiti que hacen en Colombia. Pero sé que mi lugar para vivir es acá, en Argentina, por más que sea un caos la política y la situación económica.

LF/MG

Banksy, el enigmático artista urbano británico, viajó hasta Ucrania para plasmar sus trabajos sobre las ruinas de los bombardeos. El dibujante pasó en concreto por la ciudad de Borodianka, en Ucrania, para representar a una gimnasta rítmica que practica un ejercicio de equilibrio sobre los restos de un edificio destrozado por los bombardeos de la guerra.

En un post de su cuenta de Instagram, el artista publicó tres fotos de su obra. La primera es un plano corto en el que se ve a la bailarina, pintada en blanco y negro, en equilibrio sobre sus brazos, con la mirada en el suelo y las piernas en altura. Un paso intermedio hasta lo que se conoce técnicamente en el deporte como equilibrio invertido de manos.

En la segunda imagen, la cámara se aleja y la obra queda en el tercio inferior de la imagen, dibujada bajo un montón de escombros acumulados. La imagen deja a la vista un edificio en ruinas, destruido aparentemente por las bombas. La tercera fotografía muestra el tamaño completo del edificio, de unos diez pisos, y la dimensión completa de la destrucción. La bailarina queda en un pequeño punto abajo de la construcción, haciendo equilibrio en una de las vigas del edificio.

Borodianka es una de las ciudades que proliferan en la periferia de Kiev. Al comienzo de la guerra, las tropas rusas penetraron por el norte de Ucrania, desde Bielorrusia, en decenas de esas ciudades ubicadas a las afueras de la capital, donde permanecieron poco más de un mes. Las tropas ucranianas consiguieron en abril recuperar el control de esos territorios y pudieron comprobar el rastro de muerte que dejaron las fuerzas rusas durante su ocupación, con fosas comunes y cuerpos en las calles.

Tras la publicación del post en su perfil, las agencias de noticias distribuyeron más fotos de sus obras en los alrededores de Kiev, aunque algunos de esos dibujos ya se podían ver hace unos meses. Quienes descubrieron entonces los dibujos se los atribuyeron al artista, que solo ahora confirmó su paso por el país invadido por Rusia desde febrero de este año.

El artista británico, cuya identidad se desconoce, plasmó anteriormente algunas de sus obras en otros territorios en conflicto. En 2005 viajó hasta el muro construido por el Gobierno de Israel de Cisjordania, denominado 'Il yidaar il fasel' (Muro de la Segregación) por los palestinos. Allí imprimió un negativo de una niña volando gracias a un manojo de globos de helio; también a unos niños jugando con un cubo y unas palas, que, escarbando en la pared, descubren una playa salvaje al otro lado.

Hace pocos meses, un grafiti del autor fue subastado en Londres con fines benéficos en apoyo de un hospital infantil ucraniano, una rifa que alcanzó la cifra de 81.000 libras.

El camino de Diego As (nombre artístico de Diego Anido) no fue sencillo, pero su pasión por el mundo del muralismo y del grafiti terminó dándole su recompensa en forma de reconocimiento y éxito. Este español, nacido en Lugo, se inició en la disciplina durante su adolescencia de una forma clandestina y autodidacta, motivado por su gusto por pintar y las influencias del hip-hop y el arte urbano.

Después de sus estudios de secundaria, decidió formarse en el ámbito de la pintura, desarrollando su talento y su pasión por el realismo, que puede verse claramente en sus obras. Poco a poco comenzó a hacerse un hueco hasta trabajar, tanto para particulares como para instituciones, como muralista profesional. Ahora “el  muralismo ya está mucho más asentado”, comenta, aunque reconoce que en sus inicios era difícil trabajar “en este mundillo”.

El Julio César frente a la muralla de Lugo se ha convertido en un símbolo más de la ciudad y ha conseguido una repercusión que, según asegura, nunca imaginó al ser nombrado como mejor mural del mundo, según Street Art Cities, la mayor comunidad de arte urbana. Tras este mural, el interés de los medios de comunicación españoles se incrementó, pero el nombre de Diego As ya era respetado entre el resto de grafiteros.

Su trabajo se vio recompensado con campañas con marcas importantes, además de con premios, como ser uno de los 'Lucenses del año', el título compartido de Campeón de España en el concurso 'Grafiti Battles Spain 2021' que convoca la Liga Nacional de Graffiti. As atiende a elDiario.es en su estudio en la ciudad de Lugo, donde muestra algunas de sus obras y otras que están por venir.

¿En qué momento te diste cuenta de que el muralismo dejó de ser un hobby y pasó a ser un trabajo?

Con 19 años me di cuenta que podía dedicarme a ello cuando me hacían encargos de particulares. Me costó porque antes siempre me había dedicado al mundo de la construcción. 

¿Cómo ves España para desenvolverte en esta disciplina?

Cuando empecé estaba muy mal vista. En Estados Unidos o en Berlín, con la gente de 1-UP, estaba muy desarrollada. Parece que la gente ha ido abriendo los ojos y estamos ya considerados como artistas. Ya no somos gamberros como se decía. Estamos bien valorados.

Lo que sigue sin aceptarse, evidentemente, es que te pinten la puerta del garaje o una propiedad privada

El muralismo y el grafiti son dos disciplinas que arrastraron muchos estigmas, sobre todo, hace unos años. Sin embargo, parece que hoy en día han ido difuminándose. ¿Qué crees que queda por hacer?

Es algo ya muy normalizado. En Lugo, que es una ciudad antigua y que siempre parece que vamos dos años por detrás del resto, está aceptado porque hay obras que ya se valoran, que ven que tienen trabajo detrás y que ya no es la pintada del grafiti rápida… Al final eso es el grafiti: una acción muy rápida y momentánea. Se acepta que se haga en muros sin uso. Lo que sigue sin aceptarse, evidentemente, es que te pinten la puerta del garaje o una propiedad privada. Ahí no hay manera [risas].

¿Por qué surgió ese cambio de mentalidad en la población que le hizo darse cuenta del potencial que tienen estas obras?

Por la calidad de las obras. Antes técnicamente la gente no era tan buena. Hoy en día, el bote de pintura da para que tenga más calidad la obra. Hay más obras y más buenas. Llega un momento donde la gente se da cuenta que es otra cosa, o es la firma o el grafiti, ya son otras cosas.

Y en ese sentido, ¿crees que incluso el arte está más democratizado?

En mi ámbito era muy  sencillo. Los botes son caros, igual no podías tener todos los colores que querías pero era accesible, solo era coger los botes e ir a pintar a un sitio abandonado o en el que habías estado tranquilo y hacías libremente lo que te gustaba. Pienso que en otros ámbitos es más complicado. A nivel público sí es más fácil ahora. Conseguir un muro en el Ayuntamiento es más sencillo, vas a la Juventud y pides un muro y te van a dar el espacio y todo. 

Muchos grafiteros critican el muralismo y pintar de legal, porque dicen que no es la “esencia” del movimiento. ¿Qué piensas de esto?

Que son cosas distintas. El que pinta grafiti y le gusta la actuación rápida en un sitio ilegal lo va a seguir haciendo y el que hace murales, con un tiempo pensado y con un estudio detrás, también. Al final, están en la misma raíz pero son incompatibles la una con la otra. Creo que hay que entendernos y que cada uno haga lo que tiene que hacer. Yo procedo del grafiti de antes aunque ahora estoy haciendo otras cosas y la gente tampoco dice nada porque sabe que hay un cambio en la vida. 

¿Cómo es el proceso de creación de un mural? ¿En qué piensas para hacer cada una de tus obras? 

Pienso en la estética y en adaptarlo al espacio, al entorno. Luego tiene el proceso de qué hacer o qué motivos meter. Si te gusta el realismo, como es mi caso, puedes tirar de fotografías. Una vez retocado y editado el diseño es llevarlo al muro y la ejecución que pueda tener allí con logística de grúas. 

¿Es importante adaptarla al entorno?

Sí. Para la gente que va a vivir en ese espacio, porque yo pinto allí y marcho, pero la gente va a convivir con esa obra, va a hablar esa obra. Que a la gente no le cause impacto tener una obra de tres pisos y que la vea todos los días, te tienes que adaptar un poco a la gente. En ese sentido es importante que no le cause impacto.

¿Tienes influencias de la cultura gallega a la hora de adaptarla a los entornos? 

Sí, porque al final también trabajas con muchos concellos que tienen diferentes intereses o simbologías. Si es algo para el pueblo, quieres profundizar en eso y plasmarlo. Soy una persona muy abierta con los temas.

La acogida de tu obra en la ronda de la Muralla de Lugo está siendo increíble, dándole una nueva vida a la zona, que disfruta de un atractivo más. ¿Tenías más alternativas o siempre pensaste que tenía que ser la imagen de Julio César?

No, aunque sabía que en ese espacio quería meter algo relacionado con Lugo romano. No sabía si iba a ser una estatua, un casco o un castro. Quería que estéticamente fuese bonito y que ya que solo podía trabajar con grises, tuviese un impacto en esa escala. Luego investigando iba a poner al fondo la ciudad de Lugo, pero no me gustaba estéticamente, no me parecía atractivo para ese espacio. Y cuando surgió la de Julio César lo comentamos en varios organismos y gustó en todos y dijimos “¿por qué no?, si es un emperador romano y Lugo es romano”. Al final no tenías que dar muchas explicaciones.

¿Cuál fue tu reacción cuando lo nombraron el mejor mural del mundo en agosto de 2021? 

Fue un poco de sorpresa porque no pensé que la ciudad de Lugo se iba a volcar tanto en este mural en concreto. Cuando alguien se entera de que lo hice yo es como si hubiese hecho algo para Lugo. Cuando lo pinté no sabía las consecuencias que podría llegar a tener el mural ni la repercusión. Es un orgullo y una responsabilidad, a raíz de eso surgieron muchos trabajos y mucha gente que quiere apostar por mí, como Estrella Galicia o encargos de los ayuntamientos de hacer fachadas. Es lo que yo quería hacer desde hace muchos años, que me costó mucho llegar a eso, y mira… Tuve una buena idea y escogí un buen espacio y la ciudad contenta, yo contento porque pude sacar un poco de provecho de todo esto, y al final todos contentos. 

También a partir de esto llegó más reconocimiento, tanto nacional como internacional.

Sí, hice una batalla de grafiti a nivel nacional y llegué a la final. Compartimos el premio Nexgraff, que es de Euskadi, y yo. Fue un año de bastantes éxitos, la verdad. También me dieron el premio al ‘Lucense del Año’ en eE Progreso y, bueno, cosas que no te esperas en la vida, pero agradecido.

¿Hay trazas en común entre los artistas de disciplina en Galicia que los puedan diferenciar de los de otras zonas? 

Sí. Hay gente que tiene un estilo muy personal y digamos que casi único, que solo tienen ellos. Para mí Lidia Cao es una ilustradora que tiene un estilo muy único y muy nuevo que se ve que tiene las ideas claras. 

Algo que tiene de original tu trabajo y que no siempre haces a tus obras en el mismo lugar y eso también te permite conocer otros artistas y otras ciudades. Si de ti dependiera, ¿dónde te gustaría pintar?

Pues me gustaría pintar en Nueva York, me da igual en una zona que en otra, pero igual pintar a alguien de la zona. Pasar por allí, sacar una foto de algo que tenga la esencia de la zona y representarla en un muro y pasar esa semana empapándome de la cultura de allí.

Sobre la cultura urbana, ¿crees que puede haber una revaloración de esta por parte de la 'generación Z' a favor de los artistas, del arte y de las disciplinas hechas desde lo local, en este caso Galicia?

Sí. Todo lo que tienes alrededor te está empapando. Si en Lugo un pionero pintó de una manera, los que vemos detrás vamos a pintar así porque nos queremos parecer en algo. A alguien de Galicia lo tienes más cerca. Además, tenemos mucho nivel en Galicia y hacemos cosas originales y diferentes al resto.

¿Está habiendo una transgresión en esto con respeto al pasado?

Sí, es reinventarte. Es necesario, es evolucionar y en la cultura está pasando. Dentro de nuestro mundo, del grafiti, también. Yo estoy metiendo en mis trabajos algo de antes pero con un toque transgresor, que le dé un poco una vuelta. No es el típico cuadro tal cual de la foto, sino que le tienes que dar el toque y que evolucione.

Esta es una colaboración realizada junto a 'Zoom na Bagatela', proyecto ganador del premio Nacho Mirás en su VI edición.

RN/DV