Nunca me pasó con una serie lo que me está pasando con la de Fito Páez.

La vi todo el tiempo con los ojos llorosos y, por momentos, llorando fuerte, a moco tendido. Pero no con los momentos trágicos, que son muchos, sino con los instantes de amor, de amistad, de relaciones familiares... Reminiscencia de nuestra juventud.

Pero la serie no es sobre Fito como pareciera. Es sobre el amor (los primeros), la amistad juvenil, la familia, viaje directo a nuestra amada adolescencia. Una verdadera explosión de nostalgia para los cuarentones como yo.

Confieso que la fui viendo de a poco, como si se tratara de un buen whisky que se saborea despacio. 

Creo que una de las cosas que más conmueve son esos lazos y vínculos de amor y amistad que existían en esas épocas. Muy distintos a los actuales que se encuentran hegemonizados por la cultura del descarte y la inmediatez. El actual protocolo social de generar y mantener vínculos frágiles, que aparecen y desaparecen como si nada (fantasmagóricamente), donde hoy sí y mañana ni me acuerdo. Donde todo es cálculo y estrategia y nada de corazonada. Donde sólo importa el goce propio e inmediato aún si con eso se descuidan los afectos. Un gran desinterés por el otro, sin importar si le haces daño. Relaciones mediadas, hoy día, por pantallas y aplicaciones que contrastan con la presencia, los abrazos, las terrazas y las juntadas que se ven en la serie (con excepción de algún teléfono público, previo conseguir un cospel)

Y tiene detalles, muy pensados, que disparan recuerdos de nuestras infancias. El primer plano de los ravioles de la abuela, los autos, los cassettes, las veredas, la casa. Y un viaje directo a la secundaria, a las trasnochadas con amigos y amigas tirados en una cama escuchando música con las paredes llenas de posters de nuestros ídolos. Las complicidades juveniles para desafiar al mundo, los enamoramientos y decepciones. Por eso tenemos los ojos húmedos toda la serie. Emociones que estaban dormidas, se despiertan y te parten como un rayo. 

Es que la serie, excepto por la singular genialidad de Fito, en realidad es como vernos a nosotros mismos retrospectivamente. 

Las actuaciones son geniales. La de la actriz Micaela Riera, como Fabiana Cantilo, es deliciosa. La interpretación perfecta del amor juvenil que alguna vez nos atravesó: rebelde, salvaje, indomable, intenso. Y la de Martín Campilongo (Campi), haciendo del padre de Fito, es superlativa. Sin tener la personalidad de mi viejo, me llevó directo a él. En definitiva, ella interpretaba a un amor y él a un padre, y el enorme logro de ambos es llevarnos a cada uno de los nuestros, aunque sean bien distintos. 

Por supuesto que ayuda para la fascinación que estén reflejados los super iconos del rock argentino. El casual encuentro con el Flaco Spinetta. La escena donde toca, en vivo, Virus dan ganas de un spin off sobre Federico Moura y su fascinante vida. Pero también me pregunto ¿cómo no hay una sobre Charly? Y con varias temporadas. Incluso una sobre el productor Daniel Grinbank, que las vivió todas. En realidad necesitamos una especie de Universo Marvel pero del rock argentino. 

Fito fue la banda sonora de nuestras vidas. En realidad todo el rock nacional lo fue, por eso lo llevamos tan adentro del corazón. De eso no hay duda. Teníamos un tema musical para cada momento de nuestras vidas. Cuando andábamos de amores o de desamores, siempre había una canción que aparecía para ese instante de gloria o sufrimiento. Nuestro cable a tierra. 

Es nuestra historia y es la que genera esa montaña rusa de sensaciones.

Casi 30 años después de terminar su primer show de estadio en Vélez Sarsfield cantando junto a la multitud “Y dale alegría a mi corazón”, como punto culminante del gran suceso del disco “El amor después del amor”, Fito Páez repitió anoche la misma escena, tras dos horas y media de un concierto que tuvo como excusa festejar las tres décadas de esa exitosa producción pero que, en realidad, terminó siendo una gran celebración de su vida y obra.

El rosarino había puesto en marcha el año pasado la gira “El amor 30 años después del amor” para conmemorar el aniversario del álbum estrella de su discografía; pero su reciente cumpleaños número 60, la inminente llegada de una serie biográfica a la plataforma Netflix y algunas canciones de corta data que echan una recurrente mirada retrospectiva a su andar durante los años `80 dieron un nuevo sentido a este regreso a la cancha ubicada en el barrio porteño de Liniers.

Si en los shows previos de la gira había optado por recorrer el disco lanzado en 1992 de punta a punta, respetando el orden de las canciones, y luego sumar algunos clásicos ineludibles en sus habituales presentaciones; esta vez decidió escoger solo algunas composiciones de esa placa y trazar un recorrido con paradas en muchas creaciones que ocupan un lugar especial en el corazón de sus fans pero que rara vez son revisitadas en vivo.

Con la misma reformulación de arreglos planteada para la versión discográfica 2023 de “El amor después del amor” que planea lanzar en los próximos meses, para la cual sumó entre otras cosas una sección de vientos, Fito repasó una buena cantidad de canciones que habían quedado perdidas en su largo recorrido de más de cuatro décadas.

Fito Paez en Vélez: las figuras invitadas

Para ello armó su propia gran fiesta, llena de guiños a sus fans, plagada de referencias a sus inspiraciones musicales, en un marco majestuoso, por momentos apelando a un espíritu juguetón y rodeado de figuras invitadas; un ítem que incluyó a David Lebón; Nathy Pelusso; Fabiana Cantilo; Hernán Coronel, de Mala Fama; y Alejo Llanes, del dúo mendocino Alejo y Valentín.

La primera de las dos noches programadas en Vélez, ante unas 35 mil personas, y con transmisión en vivo por Star+, inició con un anticipo en las pantallas de la serie biográfica, que -obviamente- se llama como el disco celebrado. Acto seguido, Fito apareció en escena y se dio todos los gustos imaginados en materia artística, con la plena consciencia que también resultaría una invalorable ofrenda para sus seguidores.

De “El amor después del amor” sobrevivieron para este concierto aquellas canciones que suelen ser parte de su habitual repertorio, como la que da nombre al disco, “Thelma y Louise”, “Tráfico por Katmandú”, “Pétalo de sal”, “Un vestido y un amor”, “Tumbas de la gloria”, “La rueda mágica”, “Brillante sobre el mic” y “A rodar mi vida”. A ellas le sumó en esta ocasión “La Verónica”, para lo cual contó con Nathy Peluso.

Aunque fueron apareciendo en el orden que se suceden en el disco, las fue intercalando con muchas otras canciones infaltables de sus shows como “11 y 6”, Circo Beat“, ”Ciudad de pobres corazones“, ”Dar es dar“, ”Mariposa Technicolor“ y la mencionada ”Y dale alegría a mi corazón“.

Allí se colaron además algunas que pueden llegar a sonar en muchos de sus conciertos, como “Naturaleza sangre” y la retrospectiva “Los años salvajes”; y otras que hacía mucho tiempo que no formaban parte de su setlist, como “Margarita”, “Te aliviará”, “Confiá”, “Fue amor” y “Cable a tierra”.

Pero sin dudas lo más festejado, sobre todo por los seguidores de más larga data, fue el middle que mixturó fragmentos de “Solo los chicos”, “Nada más preciado”, “Tercer Mundo”, “Gente sin swing”, “Yo te amé en Nicaragüa”, “Ey, You”, “Nadie es nadie” y “No bombardeen Buenos Aires”, de Charly García.

Previo a esta explosión sonora, hizo el experimento de trasladar a un estadio de fútbol una vieja costumbre de interpretar “Yo vengo a ofrecer mi corazón” a capella. Difícilmente la sensación haya sido la misma para quienes ocupaban los lugares cercanos al escenario que para los que estaban ubicados en las tribunas.

Lo que sí estuvo garantizado a lo largo del concierto fue la calidad sonora de su banda, que a su ya establecida formación que incluye a Diego Olivero en bajo, Gastón Baremberg en batería, Juan Absatz en teclados, Juani Agüero en guitarra eléctrica, Carlos Vandera en guitarras y teclados, y Emme Vitale en voces; adosó una sección de cuatro vientos, que se duplicó a ocho en algunos pasajes, al percusionista Juan Barone y a la corista Belén Cabrera.

Este plantel permitió algunas sutilezas fantásticas como la mezcla de piano y trompeta en “Un vestido y un amor”, el vendaval de vientos en el comentado popurrí o la notable combinación de voces en gran parte de las canciones.

La participación de los invitados dejó una variada gama de momentos: desde la carga afectiva y de admiración que circuló en las intervenciones de Fabiana Cantilo en “Te aliviará” y David Lebón en “A rodar mi vida”; a la intrascendencia de Nathy Peluso en “La Verónica”; y la divertida aparición de Hernán Coronel en “Ey, You”.

Una mención especial merece “Circo Beat”, que combinó la explosión de vientos recreando una banda circense y la performática interpretación de Alejo Llanes como una arengador arlequín, para brindar uno de los muchos pasajes altos de la velada.

En el mismo plano juguetón, como un gran hallazgo, hay que rescatar la formidable versión de “Cable a tierra” sobre la base musical del clásico de The Cure “Boys Don´t Cry”. Como complemento, las pantallas mostraron imágenes de los `80 de Fito y del grupo de Robert Smith, además de la postal del referente dark inglés con sus ojos intervenidos como en la tapa del disco “Giros”.

Y así como muchas veces la crudeza de “El diablo de tu corazón” se resignificó a partir del estado actual de cosas, esta vez fue “Ciudad de pobres corazones” la encargada de levantar esa bandera a partir de la proyección en las pantallas de reconocibles paisajes rosarinos, justo en tiempos donde la ciudad santafesina ocupa largos minutos en noticieros por situaciones violentas. La introducción con aires de gran orquestación fúnebre alimentó esas lecturas.

Hacia el final, hubo celulares encendidos para “Brillante sobre el mic”, papel picado para “Mariposa Technicolor” y todo el batallón de invitados en el escenario para “Y dale alegría a mi corazón”.

“30 años no es nada” había dicho Fito al inicio del concierto. En el cierre podría haber ampliado la frase a “60 años no es nada”, tan así como que pudieron ser recorridos y celebrados en dos horas y media en la que todos fueron felices.

No quedaron dudas que se trató de una fiesta de cumpleaños, en la que el homenajeado quiso repasar su vida en canciones e imágenes junto a miles de amigos.

Con información de agencia Télam/Hernani Natale

“Hay olor a gol, la pelota va a caer en el área chica, va a patear Fernández, treinta y cinco del primero, y es un fucking gol”. En 2006, durante la primera temporada de Peter Capusotto y sus videos, se presenta una sección sobre rock y fútbol. Una aproximación melódica a “Rueda mágica”, uno de los temas señeros de El amor después del amor, sirve para que un supuesto Fito Páez nos cuente cómo festeja Temperley, un club del ascenso, la apertura en el marcador. “Todo es tan Uma Thurman”. Mofa cariñosa, la de los guionistas, y logro mimético el del imitador, acentuando esos deslizamientos del canto tan propios. El llamado a la risa trae a la vez un reconocimiento: hasta qué punto la voz de ese relator es parte del aire. Y su cancionero, un clásico, es decir, horizontal, abierto a casi todos. Qué mejor halago para alguien que, hace 17 años, había escrito la mayoría de sus grandes melodías y letras. Con “Carabelas nada” le habría alcanzado para ser incluido entre los músicos populares argentinos de mayor refinamiento. Pero Fito ha tenido una producción muchísimo más fértil.

“Yo puse las canciones en tu walkman. El tiempo a mí me puso en otro lado”, canta en “Al lado del camino”, en 1999, y ya se permite hablar en pasado en un juego permanente entre lo personal y lo público. No es algo menor haberse adherido tanto tiempo a la memoria analógica y digital de los oyentes. Se ha hablado mucho por sus 60 años. Trataré de evitar recorridos transitados. Me atrevo a decir, primero, que las canciones de Fito puntuaron como pocas la transición democrática… ¡cuando tenía 21 años! “¿Cómo serás? ¿Cómo seré? / ¿Cuántos seguiremos? / Los que sobrevivieron/ marcaron huellas”. La bella e infrecuente “Viejo mundo”, de su primer disco, Del 63, no solo habla de las heridas y las expectativas sino de las nuevas tramas disciplinarias: “Una escopeta escupe balas de cocaína”. Insisto: 21 años y una sensibilidad acaso única. En “Cuervos en casa” podemos reencontrarnos con los fantasmas de esos días frágiles: “Hay una música en la ciudad, hoy matarán al presidente ¡Fuego!”. La beatlesca “Sable chino” parece escrita en contrapunto con las canciones citadas: “Ya no me importa quién soy/ si un mal parido, esquizofrénico de hoy/ o un guerrillero, militante ¿de qué?”.

Fito pendulaba entre la esperanza posdictatorial y la sospecha: “quiero un sol, un dígito que marque tres/ una revolución”, escuchamos en “Un rosarino en Budapest”. En el disco siguiente ofrenda su corazón, para alborozo inicial de Mercedes Sosa, mientras que en “D.L.G”, que cierra Giros, anhela una “fiesta en la calle/ un orgasmo que nunca se acabe/ día de resurrección”.

Hay una canción de ese disco, “Decisiones apresuradas”, que podría haber funcionado muy como banda sonora de las transmisiones televisivas del juicio a las Juntas. Recordemos: las imágenes llegaron silentes a las pantallas. Ya me he referido a esa circunstancia al comentar Argentina, 1985. Repito: el joven fiscal Luis Moreno Ocampo conversa telefónicamente con su madre, Mercedes Pérez Amuchástegui, una persona que admiraba a Jorge Videla. Ella cambia su opinión sobre el dictador cuando le llega desde la radio la voz de Adriana Calvo de Laborde, sobreviviente de un campo de concentración bonaerense. La película nos sugiere que eso alteró la percepción de Pérez Amuchástegui, algo que, sabemos, nunca pudo haber sucedido. La madre leía La Nación. Su conocimiento de lo que ocurría en tribunales vino de la letra impresa, no cualquiera. La palabra escrita provocó una ilusión de escucha. Solo los jueces estaban a punto de mira de espectadores y lectores. Se los veía escuchar atentamente lo que no se podía ni siquiera oír, eso que Páez, a los 22 años, había resumido en “Decisiones apresuradas”. Brama él: “Generales, mataron media generación/ una guerra no es un negocio ni una ilusión/ una guerra es sangre”. Sobre el final, en un segundo plano, una voz parodia al exgeneral Galtieri. El señalamiento del trauma de la dictadura se vuelve a solapar con detección de las amenazas que sobrevuelan un presente enclenque: “Cocaína, alguien decide por el país”. El cancionero de Páez está plagado de topos, recurrencias, una de ellas, la merca como nota al pie. El sol es otra, un lugar común que brilla hasta irritarnos.

Si la baguala de “D.L.G” invitaba en 1985 a creer en un mañana mejor, en “Nunca podrás sacarme mi amor”, que forma parte del EP Corazón clandestino, de 1986, Páez ya comenta con sorna la pendiente alfonsinista: “ni un anarquista ni un doctor/ Ni Stubrin ni el gobernador/ Te solucionan los problemas”. Nadie se acordará de aquel joven y locuaz diputado radical de no ser por su inclusión estadística en ese estribillo.

Fito había acompañado a Juan Carlos Baglietto, luego se sumó al último gran ciclo de Charly García y, ese mismo 86, a los 23 años, grabó con Luis Alberto Spinetta esa joyita doble que se llama La-la-la. El disco se inicia con “Folly Berghet”, que, arreglo de Carlos Franzetti mediante, vista aquellas zonas beatle que no forman parte del conocido parque temático. Lo beatle no es en este caso un ademán cristalizado, como le ocurriría años más tarde. Y qué decir de “Instan-Taneas”, donde, como había sucedido en “Tres agujas” y “Giros”, vuelve a rezumar el imaginario de cierto tango: “hace frío en Buenos Aires/ música en los automóviles/ caen del walkman gotas de humedad”. Uno de los rasgos que ha distinguido a Fito, inclusive por encima de sus maestros, es el de su condición de ciudadano de muchos mundos: además del rock y el tango el folklore y la música brasileña. Todo zurcido por una manera exquisita a través de su instrumento. Páez es mucho más que un pianista oriundo del rock.

Ciudad de pobres corazones es la crónica de un drama personal y familiar, pero a la vez sintoniza con la desilusión que empieza a germinar en 1987. Las promesas democráticas de curar, educar y dar de comer eran devoradas por las urgencias. La gramsciana ciudad futura, esa aspiración transicional del círculo de intelectuales que rodeaban a Alfonsín, y que tenía en el traslado de la capital al sur uno de sus mojones, había devenido puta ciudad. Es el año de las Pascuas infelices y la Obediencia debida. A medida que la década se cierra, el Fito más punzante es un punto de intersección entre los mundos juveniles educados en la transición y subjetividades que serán dominantes en los noventa. Valeria Manzano, autora del imprescindible ensayo La era de la juventud, ha recuperado con astucia la figura del psicobolche, satirizada por quienes ya no creían en los augurios ni en las bibliotecas o discotecas que reverdecieron a partir de 1984 ni en la pertenencia al movimiento estudiantil. El psicobolche podría sentir culpa “si se encuentra tarareando un tema de Prince”, decía el joven Marcelo Figueras, exhumado por Manzano. Para la investigadora, la satirización del psicobolche “constituyó una vía por la cual diversas cohortes juveniles debatieron públicamente sobre la crisis de la izquierda y aquello que ya se comenzaba a denominar como postmodernismo”.

Resulta que, en medio de esos remezones, Fito recae en La Habana. Recuerdo muy bien sus dos conciertos en 1988 en el teatro Carlos Marx (hoy abandonado, como el mismo autor de El Capital en la Cuba poscastrista). El primero lo hizo solo. El segundo con su banda. Fue una conmoción para el auditorio (y un estímulo para el activismo cultural inconformista). Dos años después, en Tercer Mundo, graba “Yo te amé en Nicaragua”, para que el denostado “psicobolche” pudiera finalmente reconciliarse con Prince: “Ardió todo Managua/ No recuerdo mas/ Una chica en la Habana/ No paraba de hablar/ Fue amante de Guevara/ Una amante más”. Cuba sería, en adelante, un paisaje revisitado. Nueve años después graba “Havana”, una canción apesadumbrada de un viaje tardío a la isla-faro devenida ruina: “la locura de los que se perdieron en el mar/ las vidas rotas por la sangre aquí y allá”. Su mirada del entropismo caribeño devino sin embargo desconcertante y naif en 2017. Canta en “Se terminó”, de su disco La ciudad liberada: “Tocan los Rollings en la Habana/ Y la revolución cubana pega un giro más hermoso y profundo”.

Creo que Páez es uno de los grandes cantautores del desamor. Si en “La despedida” volvemos al tango, “Naturaleza sangre” se impregna de energía roquera. “Fue amor” es un melodioso inventario de los desaciertos. No percibo a veces la misma inspiración en sus estados de algarabía. “El amor después del amor/ se parece a ese rayo de sol”. Es cierto, si nos enamoramos, si estamos felices, es ese júbilo desbordante el que permite semejantes derrapes cantábiles. Ahora bien, ¿qué tan grande es la diferencia entre “Y dale alegría a mi corazón” y “Corazón contento”, de Palito Ortega? El mismo órgano vital y el mismo alborozo (confieso que me quedo con la segunda).

El significado social de “El amor después del amor” llamaría a poner entre paréntesis estas consideraciones. Ese es el efecto de la voz tatuada que Peter Capusotto evoca, la razón misma de filmar una biopic. El amor después del amor contiene, ya se sabe, hermosas canciones. Es, además, y más allá de las pretensiones de su autor, un documento cultural del 93, del frenesí de la convertibilidad monetaria. La fantasía de que un dólar y un peso valían lo mismo tuvo otras aspiraciones de simetría. Se podía grabar en Abbey Road o tener un productor sajón. La melodía del corno y el uso de las cuerdas en “Un vestido y un amor” presentan, en ese sentido, un doble carácter: de un lado, su inocultable eficacia (realza con artesanía a la George Martin lo cantado), pero, también, expresan un deseo de membresía global, el coeficiente de aproximación al sonido del mundo consagrado, algo que se refuerza en otro muy buen disco como Circo beat (que, a mi gusto, contiene otra de sus canciones más inspiradas, “Dejarlas partir”) y los trabajos siguientes.

La primera década de Fito acumula constantes puntos altos. Esa intensidad fue menguando, lo que es en parte natural: la forma canción, como la ha abordado, había encontrado sus limitaciones melódicas, armónicas, texturales y textuales. El oficio afirmativo se impondría. Eso no quiere decir que no irrumpieran ocasionales y portentosas excepciones como “La casa desaparecida” o “Acerca del niño proletario”, última rescritura de “11 y 16” o, una más reciente, “La ciudad liberada”.

Si algo ha separado a Páez de su cofradía musical son sus afinidades electivas, repetidamente invocadas, sus incursiones en el cine (De quién es el potaligas y Vidas privadas) y la literatura. En la novela Los días de Kirchner, sucesora de La puta diabla, da cuenta de su gozosa heterodoxia, se pasean por sus páginas la Escuela de Frankfurt, Led Zeppelin, Fogwill, Horacio González, Silvina Ocampo, María Moreno, Kubrick… y el Frente para la Victoria. Su enciclopedismo y su praxis, su intervención en la arena pública, lo acercarían a Caetano Veloso, aunque, a diferencia del bahiano, se nota un gran esfuerzo por el floreo con los nombres propios de prestigio. Uno de los casos más llamativos es el de Gerardo Gandini. Hablamos acerca de uno de los compositores más importantes de este país, fallecido hace 10 años y objeto por estos días de merecidos homenajes. Gandini era un pianista fuera de lo común. Su temprana desconfianza hacia las vanguardias académicas lo dotaron de una originalidad que, más allá de su melancolía y escepticismo, queda como uno de los legados más potentes del último medio siglo.

 Gandini convocó a Fito en los noventa para una lectura de Conferencia sobre nada, de John Cage. Entablaron una amistad que derivó en una acotada colaboración de Gerardo con el cantante en calidad de arreglador (curiosamente Franzetti o Carlos Villavicencio lo habían hecho mucho mejor). Páez asegura que Gandini fue un “maestro” para él. Claro que no es posible encontrar huellas de ninguna enseñanza o concepto musical del autor de la ópera La ciudad ausente en el cancionero del rosarino en general, y menos en las incursiones instrumentales. Con Futurología Arlt, Fito pasó de las piezas episódicas (“Intermezzo”, “Ennio en mi”, “Dreaming Rosario”) a una obra entera de música pura. Jugada riesgosa, sí, pero condenada a trastabillar por su falta de riesgos. Páez, como dijimos, lector de González y también de Ricardo Piglia, reconoce en el paratexto de este disco para piano y orquesta la “fuerza poética” y la “escritura plebeya” de un Arlt que, remarca, ha eludido “los cánones de la ‘buena escritura’”. La música discurre sin embargo por el camino de la refutación de esa idea: se construye sobre la base de tópicos correctos y fácilmente identificables: los del cine. La “mala escritura” de Arlt que Renzi reivindica frente a sus interlocutores en Respiración Artificial (el hacer lo que “no se debe”) deviene en este disco lo contrario: una obediencia a los preceptos de las bandas sonoras más accesibles. Nada más alejado del “tango carcelario” con el que “los miserables acompasaban inconscientemente sus rencores”, al que se refiere Arlt, que el Piazzolla orquestal que intenta de sonar culto por la simple presencia de un tema de fuerte impronta anacrúsica, la preminencia de las cuerdas y el trémolo de la percusión tónica.

Nada de esto desmerece un repertorio colosal que quisiera resumir con 60 canciones llamadas a perdurar. Ahí van:

“Las cosas tienen movimiento”, “Tres agujas”, “Viejo mundo”, “Cuervos en casa”, “Sable chino”, “Rojo como un corazón”, “Canción sobre canción”, “Giros”, “11 y 16”...

 …“Cable a tierra”, “Decisiones apresuradas”, “DLG”, “Rumba del piano (en la versión con Veloso)”, “Nunca podrás sacarme mi amor”, “Folly Berghet”, “Instan-Taneas”, “Dejaste ver tu corazón”, “Parte del aire”, “Hay otra canción”...

…“De mil novecientos veinte”, “Fuga en tabú”, “Gente sin swing”, “Ciudad de pobres corazones”, “Ámbar violeta (!!!) , ”Lejos de Berlin“, ”Polaroid de locura ordinaria“, ”Canción de amor mientras tanto“, ”Por siete vidas“...

…“El chico de la tapa”, “B. Ode y Evelyn”, “Religion Song”, “Yo te amé en Nicargua”, “Carabelas Nada ”, “Pétalo de sal”, “Un vestido y un amor”, “Tumbas de la gloria (¡¡!!)” , “La rueda mágica”, “Circo Beat”...

…“Mariposa Technicolor”, “Normal 1”, “Las tardes del sol, las noches de agua”, “Nadie detiene al amor en un lugar”, “Dejarlas partir”, “Abre”, “Al lado del camino”, “La casa desaparecida (¡¡!!)”, “Havana”...

… “Acerca del niño proletario”, “Nuevo”, “Naturaleza Sangre”, “Los restos de nuestro amor”, “Bello abril”, “Desaluz”, “El sacrificio”, “Mouchette”, “El mal vino y la luz”, “Bohemia internacional”…

Y me estoy quedando corto. Añado otras para anticiparme a su cumpleaños 65:

“La ciudad liberada”, “La mujer torso y el hombre de la Cola de Ameba”, “El secreto de su corazón”, “Resucitar”, “La canción de las bestias”.

AG

Fito Paez agotó las entradas para el show El amor 30 años después del amor que programó en el estadio de Vélez para el próximo 1 de abril. Esta presentación ya tuvo paradas en 2022 en el Movistar Arena porteño con ocho funciones, tres en el Anfiteatro Municipal de Rosario, dos en la Plaza de la Música de Córdoba, conciertos a pleno en el mítico Radio City Music Hall de New York, Orlando, Miami, Madrid y Barcelona, entre otros destinos.

Ante la inmensa cantidad de personas con ganas de formar parte de la celebración del emblemático disco, Paez anunció la vuelta a Vélez, donde originalmente se presentó en 1993, y ya agotó las localidades.

El tour El amor 30 años después del amor está girando este verano con shows próximos en el Cosquín Rock (19 de febrero), Viña del Mar, Chile (22 de febrero); Estadio Polideportivo Malvinas Argentinas de Mar del Plata, el 7 de abril; Multiespacio Cultural Luján de Cuiyo, Mendoza (el 15 de abril) Auditorio Aaújo Vianna, Porto Alegre, Brasil (6 de mayo) y Movistar Arena de Bogotá, Colombia, el 20 de mayo.

Fito Páez suspendió la octava y última fecha del tour en Buenos Aires de “El Amor 30 Años Después del Amor”, la cual estaba prevista la noche de hoy martes, por un cuadro de “gastroenteritis aguda”, según explicó el músico en sus redes sociales.

“Ayer realicé el concierto del Movistar Arena en Buenos Aires con un fuerte dolor del lado izquierdo inferior del tórax y tomé lo que todo hijo de vecino: antiinflamatorios y analgésicos, pero el dolor no cedió al punto de declararme una gastroenteritis aguda”, escribió Páez desde su cuenta de Twitter hoy al mediodía.

“Obviamente me veo en la triste obligación de suspender el concierto de hoy a la noche por expresa indicación de mis médicos”, agregó. No obstante, aclaró que la recuperación “será rápida”, pero que lo obliga a “estar en reposo y con dieta estricta por tres o cuatro días”.

“A la brevedad anunciaremos la reprogramación de acuerdo a la disponibilidad de la agenda del Movistar Arena”, concluyó el músico. La de hoy iba a ser la octava y última fecha prevista en Buenos Aires, para celebrar las tres décadas del disco más vendido de la historia argentina.

Está previsto que la gira de El Amor 30 Años Después del Amor continúe el 25 de noviembre en Montevideo, el 2 de diciembre en Santiago de Chile. Durante 2023, seguirá rodando nuestro país, así como Brasil, Paraguay, Perú, Ecuador, Colombia, México, Costa Rica, República Dominicana, Puerto Rico, Estados Unidos, Canadá, Israel y varios puntos de Europa.

LC con información de agencia Télam

El Amor Después del Amor es un disco que no necesita introducción. Los lectores más grandes lo conocerán y los más chicos lo habrán visto en sus casas. Claro, si es el disco de rock más vendido de la Argentina. Quienes hoy en día no sean fanáticos de Fito Páez, quizás pueden tener el compact disc guardado por ahí.

En el último día del invierno, Fito Páez dio el primero de ocho recitales en Baires festejando El Amor 30 Años Después del Amor. Al día siguiente, Buenos Aires amaneció soleada, y todos cambiaron la campera por el suéter. “Feliz primavera!!! Nos vemos en unas horas!” Escribió Fito en su Twitter antes de su segunda fecha en el Movistar Arena.

Los altoparlantes del estadio sonaban con música clásica que cedía para que asome un bandoneón. Más tarde, Fito mencionaría estas influencias de la musica popular que su papá le enseñó en los 60, como George Gershwin y Aníbal Troilo. Se fueron apagando las decenas de pantallas publicitarias del Arena y esa misma música levantó para darle la apertura del show.

Los tres golpes del platillo le dieron inicio al espectáculo, que no podía arrancar de otra manera, pero el artista no salía. La tribuna cantaba más fuerte la canción que le da el nombre al disco, mientras Fito susurraba la letra detrás de escena. La tensión subía, y él se deja ver al mismo tiempo que estallan los vientos del estribillo. Acá resalta su vocalista Mariela “Emma” Vitale como la otra pata fuerte del show, importantísima para el primer track.

Fito, ya sentado en el piano de cola saludó al público y calló los que lo vitoreaban: “incondescentes”, e hizo hincapié en que “estamos en una situación de inmensa gravedad” en referencia a los pobres del país. Agregó que todos estaban ahí para celebrar muchas cosas, pero hizo énfasis en que “si estamos acá es para transmitir amor”. Al terminar “Pétalo de sal”, se lo dedicó a Luis Alberto Spinetta.

“A ver, uno es un canalla, claramente. Viste cuando no estás dotado ni de inteligencia, ni de ingenio, ni de genio, ni Dios te proveyó de nada… hay que pelear. Entonces sucedió que con esas pocas armas que tuve, conquisté a una mujer que nunca se iba a detener en mí”. Como la noche anterior, le dedicó “Un vestido y un amor” a Cecilia Roth, pero sin mencionarla: “Canallas del mundo, usen sus armas. Puede funcionar”. Las pantallas detrás de Fito estaban en negro, hasta que cantó “ya sé, no te hace gracia este país” y se pintaron de un celeste y blanco con un enorme sol dorado.

Para “La rueda mágica”, se soltó la rebeldía en el estadio. Desde el principio, el público numerado del campo estaba estático y bajo la atenta mirada de la seguridad de camperas fluorescentes. Ahora, los que querían bailar tapaban la circulación de los pasillos. En la platea que se paraba para disfrutar los temas más movidos, algunos aprovecharon para esconderse y soplar bocanadas de humo, cuyo olor a yuyo se esparcía por los aires acondicionados.

Para “Brillante sobre el mic” era imposible no cantar, pero cuando Fito de pie le pedía a la tribuna que lo cubra en “A rodar mi vida”, volvía a sentarse haciendo más o menos con la mano. Al rato, en “Circo beat”, se tiró a dormir.

Con el “chau hasta mañana” del final del disco, hace un intervalo de 10 minutos, “como en el teatro”. La cuenta regresiva de la pantalla lo obliga a cambiarse rápido. En lo que fue una noche larga y ya con un nuevo vestuario, siguió con temas de todos los tiempos, como “Lo Mejor de Nuestras Vidas” (Los Años Salvajes, 2021); “El diablo de tu corazón” (Rey Sol, 2000); “Al lado del camino” (Abre, 1999); “11 y 6” y “Yo Vengo a Ofrecer Mi Corazón” (Giros, 1985) y “Ciudad de Pobres Corazones” (1987).

En el final de esta última canción, luego un tremendo solo de guitarra de Juani Agüero, la tribuna pidió cinco veces que continúe la función, mientras Fito hacía el tercer y último cambio de traje. El vestuario de la banda fue preparado por Pía Rey, pero fue Fito quien decidió sus looks. La idea fue tener al rosarino monócromo en distintos colores y los demás de negro, cada uno en su estilo.

El último bloque del espectáculo tuvo como protagonistas a “Es sólo una cuestión de actitud”, “Dar es Dar” (Euforia, 1996), y su cierre fue por la tan esperada “Mariposa Tecknicolor”, del disco sucesor a El Amor. “Lo hacemos entre todos, y esa es la puta verdad”, dijo Fito sobre el show que terminaba con los últimos segundos de quizás su canción más popular. “Me cago en la vanidad de los artistas, hay que vivir así, esta es la manera de conectar: como una tribu todos cantamos, todos participamos. Los amo con todo mi corazón”. Con el amor comenzó y terminó.

Después de una hora de El Amor 30 Años Después del Amor y otros 60 minutos de euforia, en la multitudinaria salida del Movistar Arena los ascensores no daban abasto y todos se dirigían a las escaleras. Entre la gente, un hombre con una remera con la cara de la vicepresidenta Cristina Fernández de Kirchner que rezaba “CFK 2023”. Saliendo del campo, un grupo de amigos decía que había que hacer un Vélez, referenciando a aquellos días de abril de 1993. “Más pogo, que se mueva un poco más, esto fue muy civilizado”.

El tiempo dirá cómo sigue su gira, ojalá que complementada por el nuevo disco de las reversiones del clásico, el cual tendrá nuevos invitados. En la Caja Negra de Filo.news, mencionó a nuevos personajes de la escena popular, como Bizarrap, Dillom, Nathy Peluso y Ca7riel.

LC

Esta semana fui con una amiga que es amiga de Fito Páez a ver el último ensayo general de la gira de El amor después del amor; hace casi un mes, fui a ver el penúltimo ensayo general de Inferno, la nueva obra de Rafael Spregelburd, invitada por una amiga que actúa en la obra. Hace ya un par de años, desde que empecé con el asunto del teatro, que voy a ver ensayos de obras de amigos o colegas que me invitan por diversas razones; hace más años todavía, desde que empecé con el asunto de la literatura, que me acostumbré también a compartir las cosas que escribo con colegas o amigos que escriben antes de enviarlas a las editoriales, y también a leer los manuscritos que ellos me envían. Pienso bastante seguido en por qué hago esto, por qué hacemos esto: qué esperamos.

Alguna vez me enojé con un amigo (no se lo dije) porque me hizo leer un libro y después no se tomó en serio nada de lo que le dije; dedicó el rato que pasamos juntos a rebatir cada una de las sugerencias que yo le hacía, a justificarse, como si estuviéramos escribiendo algo juntos y valiera la pena convencerme a mí de que mi punto de vista era errado. Yo no sabía cómo decirle, de forma amorosa, que solo estaba tratando de ayudarlo, y que honestamente si pensaba que todo lo que yo decía era una tontería no hacía ni falta que tuviéramos esta conversación, ni que me hubiera mandado el manuscrito. Sentí que me había hecho perder el tiempo, pero no me enojé por eso, sino por una cuestión de ego; sentí que en realidad no le importaba mi opinión, en el sentido de que no pensaba que mis sugerencias pudieran enriquecerlo. Solo quería mi aplauso, mi validación, que yo le dijera que estaba haciendo todo bien, y cuando cumplí con esa expectativa se enojó un poco él. Otros amigos me había contado situaciones muy parecidas: ir a ver un ensayo “para que me cuentes qué te parece” y que la otra persona se moleste cuando le contás qué te parece. 

El ensayo de Fito, por supuesto, era otra cosa; la mayoría de las personas que estábamos ahí no éramos amigos personales de él, ni de los músicos. Supongo que había allí (o en el anterior ensayo abierto que hizo) un puñadito de personas cuya opinión a él le importaba en serio, a quienes después les preguntó si de verdad sonaba bien o qué les parecían las versiones, pero el punto no era ese, no era ese tipo de ensayo abierto. Fito lo dijo, de hecho, al final: necesitaba ver, probar y sentir eso que sucede con la música cuando aparece la gente. Creo que con el teatro a veces pasa eso, también: nos invitan a ver las obras sin terminar no solo ni principalmente para que opinemos. Es una deformación de escritora, finalmente, pensar que lo más útil y lo más dulce que tengo para dar es mi opinión: lo que se necesita, a veces, es la escucha, como cuando necesitamos contar nuestros problemas sin que nos den un consejo. Pienso en la bronca de esos momentos, entonces, en los que no “te dan bola”; quizás sería más fácil si todos fuéramos más transparentes, si dijéramos “te paso este manuscrito porque necesito que alguien lo lea y me dé coraje”, “quiero que vengan al ensayo para ver qué pasa cuando hay gente pero no para que me propongan nada”, cosas así. Es difícil cuando los que somos invitados también somos, por supuesto, personas con egos hipertrofiados y frágiles: egos de artista. Pienso también que hay que agradecer cuando alguien nos abre algo tan íntimo como su proceso; es mucho más fácil, por supuesto, cuando se trata de genios como Fito o Spregelburd, cuyo trabajo se siente un privilegio presentar. Es emocionante ver a Fito llevar adelante a su banda, verlo en ese lugar de director más que de cantante o pianista, escuchar las correcciones que hace, leerle los gestos; es estremecedor, igualmente, ver a Rafael dar marcas, repensar sus decisiones. Es más difícil sentirse igual de privilegiada con cualquiera, pero de todos esos procesos se aprende; cuando no estoy superada por la vorágine del trabajo y los trámites y el día a día me siento también privilegiada de presenciar los procesos de escritura de mis alumnos de la Universidad Nacional de las Artes, privilegiada de poder ayudarlos a tomar decisiones y aprender cosas sobre mis propias decisiones como escritora en el trayecto. Pero bueno, por si hiciera falta: en general sí estoy superada por el trajín de la vida cotidiana, y la línea entre abrirte la intimidad de mi arte y pedirte que la presencies para validarme puede volverse tenue.

Repensé, a partir de estas palabra de Fito, mi necesidad de que escuchen mis lecturas, que probablemente es tan egocéntrica y absurda como la necesidad de la otra persona de tomar prestados mis ojos y recibir piropos; y sin embargo, cuando sucede el caso virtuoso, cuando le paso el texto de mi próxima obra de teatro a un amigo que respeto y me devuelve un comentario que me sirve, lo que siento es que toda nuestra danza ridícula de egos vale la pena, que tenemos que seguirla haciendo mal una y otra vez para que cada tanto se alineen los planetas, la belleza y la salud mental y nos salga bien. En el ensayo que vi de Spregelburd estaba presente otro dramaturgo y director que admiro mucho, Javier Daulte; no voy a revelar lo que dijo porque esas intimidades hay que cuidarlas, y para no spoilear la obra, tampoco, que es espectacular, pero volví a casa emocionada después de oír la devolución que él dio, amorosa pero precisa, haciendo una propuesta, un cambio chiquito que podía generar una diferencia real; esa chispa, la de las amistades entre artistas que funcionan. Fui al estreno, una semana después: Spregelburd había tomado el consejo. Somos gente horrible, en algún sentido, las personas que tenemos el ego suficientemente inflado como para pensar que otras personas van a querer escuchar las cosas que nos imaginamos: pero a veces el mundo es un lugar un poco mejor porque los artistas son amigos entre ellos.

TT

Hace unos días, el primero de junio, me encontré con un tweet de la actriz Valeria Lois: “Él quiso un amor y no una actriz”, decía, y primero me dio mucha tristeza, y después me sorprendió que ella escribiera públicamente algo que parecía ser tan personal, un diagnóstico casi íntimo, porque tardé en recordar que era un verso de “La Verónica”, de Fito Páez, y que ese día se cumplían treinta años de El amor después del amor. Escuché el disco todo el día, de principio a fin. Toqué las canciones que puedo tocar, las que no pierden el alma en el pasaje del piano a la guitarra, o al menos en el pasaje a mi guitarra rudimentaria, y escuché dos veces para compensar las que sí la perdían, como “La Verónica”.

Recordé que en mi casa había todavía un paquete sin abrir que contenía un libro que lleva en el título una pregunta de la que en teoría estoy harta, ¿Se puede separar la obra del autor?, de Gisèle Sapiro, y decidí abrirlo no porque me interesara leer otra disquisición sobre la pertinencia de darle un premio a Polanski o de hacer millonario a Woody Allen o cualquier otro intercambio de dinero o validación que esté así de lejos de lo que pasa a una persona en el mundo cuando escucha una canción, sino porque es una pregunta que parecemos hacernos solamente cuando se trata de violadores y que puede ser más interesante cuando estamos hablando, por ejemplo, de El amor después del amor. La primera vez que escuché ese disco lo escuché como se escuchan todos los discos de adolescente, sin prestar atención más que a los propios romances. Esta semana, en cambio, no pude escucharlo sin pensar en Cecilia Roth, en que es importante que este sea un disco para Cecilia Roth: en que el romance entre Cecilia Roth y Fito Páez es esencial a la comprensión de la obra, si no es incluso una parte indisociable de la obra. 

Lo primero que una aprende cuando llega a la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, al menos si tiene la suerte de tener mi edad y mi suerte y empezar cualquier carrera cursando Teoría y Análisis Literario con Jorge Panesi, es que no hay nada menos elegante que el biografismo en la crítica literaria. Está claro que las reflexiones sobre las condiciones de producción de la literatura del formalismo ruso, la primera tradición de crítica sobre la que yo aprendí en la facultad, son más sofisticadas que eso que Sapiro llama en su libro “la posición esteta” y que dice, hablando mal y pronto, que una obra debe pensarse y analizarse en una desconexión total de la biografía de su autor material; así y todo, quizás es porque se trata de una primera materia, quizás es algo que se respira o se respiraba en los ambientes intelectuales (sobre todo antes de que las lecturas feministas se pusieran de moda o volvieran a ponerse de moda, ya no sé), pero lo que entendí yo es que efectivamente las lecturas que se valían de elementos de la vida de los autores eran, más que improductivas, sobre todo vulgares. Y aunque con los años todos empezamos a pensar distinto y a mí me empezó molestar menos la vulgaridad, me quedo pensando en que a Fito Páez siempre lo consumimos de esa manera, finos y no finos por igual: a todos nos importa qué canción es para Fabi, para Cecilia, para Romina, para Dolores, para Celeste. Un poco es cholulaje, pero de verdad que no es solo eso; Fito lo sabe y por eso últimamente habla tanto, en sus redes sociales, de sus relaciones con sus ex novias y lo importantes que fueron en todo lo que él hizo. 

Vuelvo a “La verónica”, al verso del tweet de Vale Lois. Si una no supiera que este disco es para Cecilia Roth, que este disco es de Cecilia Roth (con la excepción notable de “Creo”), una entendería ese verso puramente como una metáfora, y como puramente asociado a la actuación como metáfora de la ficción y de la mentira; difícilmente, si no supiéramos que es para Cecilia Roth —nuestra chica Almodóvar, nuestra propia Gena Rowlands— pensaríamos que es un verso que habla también del trabajo, de la ocupación del tiempo, de la vocación de una vida, del peso ontológico y afectivo y político que tiene ser actriz y ser actriz al interior de un amor. Un poco es cholulaje, pero también es más que eso, y el propio cholulaje es más que el cholulaje, porque qué otra cosa es el cholulaje que el hambre y la curiosidad y por qué otra cosa vamos a buscar algo al arte si no es por hambre. Los artistas lo saben: su arte no consiste en eso, no consiste solo en eso porque vidas tenemos todos y no todos podemos convertirlas en algo que dé hambre, justamente, pero Leonard Cohen sabe perfectamente lo que hace cuando firma “sincerely, L. Cohen” en el último verso de su canción “Famous Blue Raincoat”. Es un juego, como cuando los chicos preguntan, escuchando una historia, si es verdad, y una siempre tiene que contestar que sí, no es una cuestión de biografismo ni de literalidad. 

Lo que más me gustó del libro de Sapiro es que recupera para la crítica y la pregunta por el autor el concepto sartreano de proyecto. El proyecto del que habla Sartre para pensar la vida no es un proyecto consciente o intencional; me hace pensar en algo en lo que vengo insistiendo hace mucho sin poder justificarlo muy bien, la necesidad o más bien el deseo (mi deseo) de sustituir la comprensión de la moral como una pregunta sobre los principios y lo permitido y lo prohibido por la ética como una pregunta sobre la vida que vale la pena vivir. Parece que cuando abogamos por separar la obra del artista estamos pensando en la moral en el sentido de lo que es bueno (la obra) y lo que es malo (el artista); pero pienso que si salimos de la cuestión de la voluntad de juzgar, de pensar quién se merece qué, del éxito y el dinero y la institucionalidad del arte y nos quedamos con la experiencia estética, la cuestión de separar la obra del artista termina desmembrar un proyecto de vida, separar la vida de la vida para que nos quede más clara, separar lo cómodo de lo incómodo, quedarnos sin leer lo que no queremos leer. O a veces, quedarnos sin leer cosas que sí nos gustaría leer, como el romance de Fito y Cecilia. No es biografismo ni literalidad; es que todas las cosas que están bien hechas, bien escritas o bien cantadas, sean ficción, canción o poesía, dicen la verdad.

TT