Severance, la serie de Apple TV+ que explora la separación quirúrgica de los recuerdos entre el trabajo y la vida personal, parte como la gran favorita para los la 77 edición Premios Emmy 2025 al sumar 27 nominaciones. Competirá con otras producciones exitosas como The White Lotus, The Last of Us, La diplomática, The Pitt, Paradise y Slow Horses.

La plataforma de streaming estadounidense también lidera los premios en el apartado de comedia con The Studio, que alcanzó 23 nominaciones superando a las galardonadas la veterana The Bear, que logró 13. Hacks, de Paramount +, se queda con 14.

Los protagonistas de muchas de esas series lucharán por los galardones individuales, como es el caso de Britt Lower, Adam Scott, Bella Ramsey, Keri Russell, Kathy Bates o Pedro Pascual. Javier Bardem consigue también su primera nominación (actor de reparto) para los premios más importantes de la televisión.

La decisión final llegará el 14 de septiembre, en una gala que se celebrará en el Teatro Peacock de Los Ángeles. Sin embargo, los seriéfilos aprovechan las nominaciones para adelantarse y disfrutar de las mejores series del año, ganen o no una estatuilla dentro de unas semanas.

Plataformas en las que ver las series nominadas a los Emmy 2025

Severance (27 nominaciones). Dirigida por Ben Stiller, narra la historia de Mark Scout, un trabajador que lidera un equipo en Lumon Industries, cuyos empleados se han sometido a un procedimiento de despido, que implica la división quirúrgica de sus recuerdos entre el trabajo y la vida personal. Se puede ver en Apple TV+ y también en Prime video.

La segunda serie con más nominaciones es El pingüino (24), aunque en este caso hablamos de una miniserie de ocho episodios que profundiza en la vida del icónico villano al que se enfrenta Batman en el Caballero Oscuro. Está disponible en HBO Max.

Le sigue de cerca The Studio (23 nominaciones). Es una serie que habla de Hollywood y para eso se mete en la piel del director de un estudio de cine desesperado por gustar a las celebrities y encontrar un equilibrio entre las exigencias corporativas y las aspiraciones creativas. También se puede ver en Apple TV+, que está disponible a través de Movistar+.

Pasan las temporadas y también los países, pero nada parece perturbar el éxito de The White Lotus (23 nominaciones). En su tercera temporada, ha viajado a Tailandia para adentrarse en un oasis que se termina convirtiendo en una pesadilla y que deja al descubierto las miserias de las familias más adineradas. ¿Dónde verla? En HBO Max. Otra veterana es The Last of Us (16 nominaciones), donde sigue la lucha por la subsistencia. Pero si hay algo que atrae a sus seguidores es el carisma de sus protagonistas, interpretados por Pedro Pascal y Bella Ramsey. También se puede ver en HBO Max.

Adolescencia se queda por debajo en nominaciones (13), pero su impacto ha trascendido pantallas y removido sociedades como la británica. Una mirada a una época vital, complicada en el caso de Jamie Miller, al que se le acusa del asesinato de una compañera de clase. ¿Dónde verla? En Netflix. Con las mismas nominaciones se queda The Bear, porque entre fogones aún queda mucho por contar. Se puede ver Disney+.

Hará unos tres años, Bilall Fallah y Adil El Arbi aceptaron la nada envidiable tarea de dirigir una película de Dos policías rebeldes sin Michael Bay. Tiempo después, Fallah y El Arbi obtendrían nuevamente atención mediática por firmar la malograda Batgirl —aquella película cuyo estreno canceló Warner Bros pese a estar casi terminada y costar 90 millones de dólares—, pero antes de esta desgracia, podían sentirse satisfechos de que Bad Boys for Life hubiera recibido el suficiente apoyo del público como para ser, pandemia mediante, el estreno más taquillero de 2020. Con este logro, ¿qué importaba haber traicionado un legado?

Las primeras Dos policías rebeldes suponen una exigente inmersión en las constantes autorales de Bay: dos monumentos al exceso —en especial la segunda— que navegan plácidamente entre la pirotecnia, la ambivalencia política y un machismo rutilante. Bad Boys for Life, por su parte, reencontraba a Martin Lawrence y Will Smith en el crepúsculo, replanteándose su propensión a la violencia y aceptando el relevo generacional: un nuevo equipo de reclutas con mucho que enseñarles sobre un presente donde el “bad” de la canción de Bob Marley que titulaba las películas no tenía por qué ser algo de lo que enorgullecerse.

Bad Boys for Life proponía un vaciado manejable del Bayhem —así se conoce popularmente el inconfundible estilo de Michael Bay— que, más allá de discursos redentores, afectaba a sus imágenes. La grandeza era sustituida por la cercanía en un ejercicio fallido de mímesis a cargo de Fallah y El Arbi, creyendo que por emular los típicos 'planos Bay' podrían igualar su impronta. Bad Boys for Life fue, en fin, un ensayo de lo que ha sido Transformers: El despertar de las bestias. Un ensayo que, al menos, hacía gala de una reflexividad que en la nueva aventura de los Autobots ni está ni se la espera.

El combustible secreto

Michael Bay rodó cinco Transformers en diez años. Cualquiera hubiera pensado que así, con este compromiso a la franquicia y a los cheques de Paramount, desafiaba su creciente consideración crítica: aquella que le ha erigido como autor con todas las de la ley en el seno de Hollywood. Lo habría hecho si entre medias no hubiera rodado Dolor y dinero o 13 horas, y si posteriormente a dirigir Transformers: El último caballero no hubiera aclarado el porqué de su fidelidad a los robots. Varias amistades le habían sugerido que dejara de hacer películas de Transformers, pero para Bay simplemente eran “demasiado divertidas de hacer”.

¿Qué nos dice esta actitud? Que, efectivamente, las cinco primeras Transformers pertenecen por entero a las pulsiones de Bay, al hecho de que él disfrute rodando sin que sea del todo prioritario que el público disfrute con ello también. Lo que ha pasado tras la etapa Bay es que Paramount ha querido incrustar Transformers en un plan más pulido, sin cineastas díscolos: un plan que primero se parecía bastante al concepto original de Steven Spielberg cuando Bumblebee se estrenó en 2018. Spielberg, como productor, quería contar la historia de “un chico y su coche” a partir de los juguetes de Hasbro, pero Bay había variado sustancialmente este esbozo. Bumblebee, con Hailee Steinfeld, devolvería las aguas a su cauce.

¿Qué pretende El despertar de las bestias, articulada nuevamente como una precuela de lo que comenzó en 2007 con Shia LaBeouf? Pues, como hacía Bad Boys for Life, reajustar el estilo del director de La roca para alumbrar un producto más digerible, empleando a un director manejable —Steven Caple Jr., que se puso tras las cámaras de Creed II— y limando todos los elementos conflictivos que pudiéramos hallar en la etapa Bay. Elementos que bien podríamos resumir con una iconografía concreta. O, incluso, una patología. La de la petromasculinidad, que la profesora Cara Daggett acuñó en 2018. 

La petromasculinidad, resume Arnau Horta, es una variante de la hipermasculinidad que se nutre de la convergencia de tres factores: la emergencia climática, un sistema económico dependiente de los combustibles fósiles y una comprensión hegemónica del sujeto“hombre” que acusa fragilidad. En una época donde se imponen nuevos modelos de masculinidad junto a la preocupación por la huella ecológica de los vehículos, el hombre reacciona acelerando y expulsando todo el humo posible por su tubo (fálico) de escape. 

Paul B. Preciado, en Dysphoria mundi, señala que “la masculinidad moderna no está hecha de testosterona, sino de petróleo y pólvora”. Y, por supuesto, esta visión afecta a la codificación de la imagen de las mujeres, como comparsa de esos vehículos que cobijan el secreto para que los hombres sigan siendo hombres. ¿Cuál es esa imagen? Pues, básicamente, es la tremendamente sexualizada de Megan Fox en las dos primeras Transformers, con su top y sus pantalones cortos en el taller, arreglando las entrañas de un coche.

Los coches de Transformers son seres alienígenas —Optimus Prime y compañía—, pero también pueden ser vehículos ruidosos que amplifiquen la virilidad de sus ocupantes. Shia LaBeouf, en la primera Transformers, aprende a ser hombre y a conquistar al personaje de Megan Fox a raíz de conocer a Bumblebee. Toda la iconografía de la etapa Bay se ajusta a rotundos motivos petromasculinos: explosiones, cámara lenta, herrumbre. En La venganza de los caídos incluso dos bolas de demolición pasan a ser los testículos de un robot. 

Así es el imaginario de Bay, y tal es el responsable de que lo que deberían haber sido inocentes películas para niños, protagonizadas por juguetes, se hayan convertido en algunos de los blockbusters más antipáticos (incluso abstractos) de los que se tiene memoria en Hollywood. Sustituir a LaBeouf por Mark Wahlberg en la cuarta película fue la enésima declaración de intenciones, pero el asunto llegó a tales extremos de regodeo onanista que puede que fueran los mismos líderes de Paramount quienes le pidieran a Bay que parara.

El mundo después del Bayhem

La petromasculinidad es, también, una aliada insoslayable del heteropatriarcado y el capitalismo global, subyaciendo igualmente en las películas de Transformers según las preocupaciones corporativas —el idilio con el mercado chino que se produjo a partir de La era de la extinción— y la imagen de marca. Tras el fenómeno de Transformers, por mucho Bay desmelenado que haya marcado su identidad, se encuentra la cordial asociación de Hasbro y Paramount, que también ha dado pie a varias películas de G.I. Joe.

Este condicionante es el que se ha mantenido con mayor solidez tras la marcha de Bay, perdiendo la petromasculinidad cualquier aplomo entre Bumblebee y El despertar de las bestias —todo mientras una saga aledaña como Fast & Furious ha conseguido, desde presupuestos parecidos, adaptarse y mantener su propia coherencia narrativa— para capitular ante la necesidad de que Transformers sea rentable y no provoque sobresaltos. El despertar de las bestias no los provoca, en efecto. Es una obra depurada, aséptica, que ha dejado el sello Bay a la mínima expresión para devolver la mirada al entretenimiento infantil.

Es algo que se percibe en la incorporación de los Maximals. Transformers con aspecto de animales salvajes —un águila, un tigre, un gorila llamado Optimus Primal— que se popularizaron en los años 90 a través de la televisión y los susodichos juguetes. Los Maximals son Transformers ajenos a la arrogancia de un Filippo Marinetti —padre (fascista) del futurismo que, por despreciar a los ciclistas y considerar un coche veloz como “más bello que la Victoria de Samotracia”, resulta ser asimismo padre de la petromasculinidad—: Transformers en armonía con el medio ambiente. Inofensivos, dóciles. Asexuales.

Los Maximals respaldan el intento de Paramount de volver sobre una producción destinada al público familiar, con mayores opciones de extenderse en el tiempo que si dependiera del febril temperamento de un Bay. Como lo respaldan una acción meramente funcional —no exenta de algún momento inspirado, sobre todo en el clímax— y un dibujo de personajes humanos más contemporáneo. Tanto por la bonhomía que transmiten —abocando a que el humor gane amabilidad, y por tanto aburrimiento— como por su cásting y circunstancias.

Tanto Anthony Ramos como Dominique Fishback son intérpretes racializados. En el caso de Ramos, nos encontramos además a un joven neoyorquino con problemas económicos —en curiosa concomitancia con el musical de En un barrio de Nueva York que Ramos protagonizó recientemente—, y sin ningún tipo de conflicto con su expresión de género. No es un Shia LaBeouf con las hormonas revolucionadas, tampoco un Mark Wahlberg seguro de sí mismo. Simplemente es un chaval normal, agradable, que se preocupa por su hermano enfermo.

Ramos y Fishback representan la cara visible de la cuidadosa labor desproblematizadora de El despertar de las bestias. Añadiendo a la mezcla un lecho cultural noventero en materia de temas de rap y referencias a Sonic, la nueva Transformers da la espalda a la etapa Bay quedándose con lo que le interesa. El resultado es una producción más correcta, acaso más soportable, que los mastodontes de tres horas con olor a grasa de motor y Brummel que se estrenaron entre 2007 y 2017. Pero también una producción mucho más vacía, más parecida a cualquier otra película de gran estudio que vaya a estrenarse la semana que viene.

El salto de papá, basado en el libro publicado en 2017 por el periodista y escritor Martín Sivak, llegará a las plataformas de streaming de la mano de las productoras Infinity Hill y Rei Cine en lo que será una película original de Paramount+ en Argentina.

“El salto de papá será una historia atravesada por la valentía y la sensibilidad de la mirada de un hombre, que reconstruye la historia y la figura de su padre, y nos permite acercarnos a un punto de vista nuevo, singular y subjetivo de una historia colectiva”, sostuvo Federico Cuervo, SVP, & director general de VIS Americas. “Con Rodrigo de la Serna, un actor extraordinario y con características tan particulares, sabemos que vamos a poder contar todos los matices que la historia propone”, concluyó. 

Paramount+ producirá el film junto a Infinity Hill, compañía de Axel Kuschevatzky, Phin Glynn y Cindy Teperman, y Rei Cine, de Benjamin Domenech, Santiago Gallelli y Matías Roveda. La dirección será de Daniela Goggi ( (Abzurdah, El hilo rojo y la flamante serie María Marta: El crimen del country), quien además coescribió el guión junto a Andrea Garrote, según informó Variety.

El 5 de diciembre de 1990, un grupo de obreros que levantaba un hotel en el centro de Buenos Aires vio cómo Jorge Sivak se lanzaba al vacío sin darles tiempo a impedirlo. Dirigente estudiantil, guerrillero urbano, abogado defensor de presos políticos, y él mismo preso político y exiliado, Jorge Sivak nunca abandonó la empresa familiar, un pequeño imperio creado gracias a la habilidad mercantil de su padre y a los fondos secretos del Partido Comunista. Quedó a cargo —sin don para los negocios— cuando su hermano mayor fue asesinado en el secuestro más sonado de la década de 1980: el Caso Sivak. Su hijo, Martín Sivak, que en el momento del suicidio tenía 15 años, reconstruye una vida que brilló y se extinguió ante sus ojos. En 2017, Sivak, que ahora es el director periodístico de elDiarioAR, publicó el Salto de Papá, que lleva 18 ediciones vendidas en América Latina y España y que fue elegido libro del año por una docena de prestigiosos medios. Se espera para 2023, cuando se estrene la película, que el libro se publique en otros idiomas.

Los estudios Paramount fueron demandados por la familia del autor del artículo que inspiró la película Top Gun (Ídolos del aire), protagonizada por Tom Cruise, por una presunta infracción de los derechos del autor que afecta a la segunda parte de este exitoso film recientemente estrenado. Según informan medios estadounidenses, la demanda fue presentada este lunes en la corte federal del estado de California por los herederos de los derechos del artículo que en 1983 escribió el periodista israelí Ehud Yonay, en el que se inspiró el argumento de la primera parte la película.

La demanda la firman la viuda y el hijo del periodista de Top guns, el artículo publicado en la revista California Magazine sobre los pilotos de combate de élite que inspiró el film. La denuncia afirma que la película original acreditó la historia y se ajustó a los derechos de autor. Pero señala que los estudios Paramount no podían rodar la segunda parte del film, Top gun: Maverick, sin haber solicitado los permisos adecuados de nuevo, ya que, según dicen, es un trabajo derivado del artículo original, asegura la prensa estadounidense.

Precisamente “Top Gun: Maverick” se ha convertido en la película más taquillera de toda la carrera de Tom Cruise en EE.UU., donde ha amasado más de 290 millones de dólares en apenas dos semanas. Tras un espectacular estreno que recaudó 120 millones de dólares en su primer fin semana, el interés del público por la cinta de acción no ha mermado, pues en su segundo fin de semana en cines ingresó más de 90 millones, una retención de audiencia que ni la factoría Marvel ha logrado en sus estrenos más recientes.