Las señales de la nostalgia están por todas partes, un Cris Morena day hecho para festejar producciones de los ‘90 o ferias retro con muñecos y discos de hace un buen par de décadas. Pero, ¿siempre fue así y estamos simplemente frente a un nuevo revival, o nos estamos volviendo más nostálgicos?

Traer cosas del pasado, como música, ropa, películas o comidas y mirarlas con cariño no es nada nuevo, hay ciclos constantes de apreciación de lo que pasó. “La industria cultural siempre fue nostálgica y se revisita a sí misma”, explica Ignacio Del Pizzo, investigador de la Universidad de Quilmes y autor del libro Cultura Pop. Pero hoy estamos rodeados de estéticas de otras épocas, y Pizzo señala que pareciera haber algo más detrás de esta tendencia en este momento “La nostalgia está de moda. En momentos en los que lo contemporáneo es una incógnita, nos aferramos más a cuestiones que nos remiten a momentos más confortables, más seguros, al pasado”. 

Un momento en que esto se vio muy claramente fue el inicio de la pandemia, momento incierto si los hay. Durante las primeras semanas, varios análisis que se hicieron sobre la música que escuchábamos en Spotify encontraron un claro aumento de canciones de otras épocas (la música de los años ‘50 en particular tuvo un peak). Un intento de volver a momentos más seguros a través de la música. 

Y no todo es siempre tan espontáneo. A nuestros revivals también los ayuda mucho que la nostalgia puede ser una gran herramienta de marketing. Una investigación que se hizo sobre esto encontró que cuando estamos en un modo nostálgico tendemos a desprendernos más fácilmente del dinero, nos importa menos. Uno de los experimentos que hicieron fue mostrarles a dos grupos de personas una publicidad para un producto de Kodak. En un caso la publicidad se enfocaba en recordar momentos del pasado, para generar nostalgia, en el otro en cómo crear recuerdos para el futuro. Cuando después le preguntaban cuánto estarían dispuestos a pagar, los que estaban en modo nostálgico tendían a dar números más altos. La nostalgia nos puede hacer gastar más, y las marcas, por supuesto, lo saben. 

“La nostalgia siempre ha sido una de las opciones de marketing”, explica Mariela Moculsky, CEO y fundadora de Trendsity, una consultora de investigación de mercado. Moculsky señala que, aunque no es nuevo, hoy se ve muy claramente el uso de la nostalgia por parte de las marcas. “En otros momentos quizás se apelaba a la ciencia ficción o a otras ideas del futuro. Por supuesto hoy también hay un poco de eso, pero ahora se ve mucho una idea de volver al pasado en todo tipo de cosas, como alimentos, juguetes y ropa. Hay una idea de volver a algo conocido que nos de un anclaje”. 

Otro factor que puede influir en que veamos más nostalgia alrededor es que los ciclos para que las cosas vuelvan parecen estarse acortando. Lo más común es que los ciclos duren alrededor de 20 o 30 años. En general, es el tiempo para que una generación crezca, empiece a extrañar cosas de su infancia o adolescencia y tenga poder adquisitivo para consumir las cosas que se la recuerden. Pero es posible que los cambios en la manera en la que consumimos contenidos a través de las redes sociales, más contenidos de manera más intensa y más rápida, esté impactando en esos ciclos. Lo que antes necesitaba 30 años para volver, hoy quizás lo hace en 5 o 10. Todo es más rápido. 

Esta forma de pensar la nostalgia, como un recuerdo idealizado transformado en consumo cultural, le sería muy ajena a las primeras manifestaciones de la nostalgia. La palabra fue creada por un médico suizo a fines del 1600, que observó que los soldados, cuando estaban en otro país lejos de su casa, a veces comenzaban a mostrar ciertos síntomas como palpitaciones, letargo y falta de apetito. Lo consideró una enfermedad y empezaron a buscar curas, que incluían usar sanguijuelas para sacarte la nostalgia. También prohibían que se cantaran canciones del país originario para que otros no se contagien. Y la idea de que era una enfermedad a tratar se mantuvo por un buen par de siglos. 

Hoy sabemos que la nostalgia no sólo no es una enfermedad, sino que puede tener muchos aspectos positivos. La emoción suele estar asociada a conexiones sociales, y justamente por eso puede reforzar nuestra sensación de pertenencia. Recordar momentos lindos nos puede hacer sentir muy bien, aunque la idealización del pasado trae sus contras, especialmente a nivel social. Los discursos que buscan revivir un pasado mejor, muchas veces omiten parte de la historia para idealizar momentos que estuvieron lejos de ser idílicos, y eso puede tener consecuencias. Tal como el marketing puede usar la nostalgia para manipularnos y hacernos comprar cosas, los discursos políticos pueden traer estas reversiones del pasado para tratar de convencernos. 

Buscar confort en el pasado, en tiempos que recordamos o imaginamos más simples o mejores, puede ser una buena manera de lidiar con momentos complicados. Conectar con una sensación agradable, traer cosas lindas del pasado. Estamos en medio de tiempos bastante inciertos en cuanto la tecnología, la política y las relaciones sociales, entre tantas otras cosas, y parece lógico que se vuelva más fuerte la mirada hacia atrás. Mientras sepamos que en el proceso estamos idealizando un poco y no creamos que todo realmente era perfecto, podemos relajarnos y disfrutar de cuidar a nuestro Tamagotchi.

OS 

Durante la segunda mitad del siglo XX, la música pop se convirtió en el gran canal de difusión de la cultura LGTBQ+. Al principio lo hizo con mensajes codificados. Hasta que Bowie y Ziggy Stardust pusieron de moda la ambigüedad sexual. La historia del pop está llena de nombres e historias que contribuyeron a hacer público lo que entonces era un secreto.

El veterano periodista británico Jon Savage, usa esa misma frase para titular su ensayo al respecto. The Secret Public. How The LGTBQ+ Aesthetic Shaped Pop Culture (1955-1979), editado por Faber & Faber y por el momento sin edición en español a la vista, repasa con detalle dicho trayecto, que también cuenta con un disco homónimo ideado como banda sonora del texto.

-Una de las grandes conclusiones de su libro es que en una época en la que la sexualidad no normativa estaba prohibida y oculta, la música pop se convirtió en su caballo de Troya.

-Eso fue debido a que la música pop no estaba entonces sometida a demasiada vigilancia. Era percibida como algo de usar y tirar, un producto dirigido a los adolescentes. El radar del autoritarismo y de los que quieren controlar la sexualidad y a la gente en general no detectó las imágenes y los mensajes que el pop estaba enviando. Hasta que llegaron los ochenta, los adultos no fueron plenamente conscientes de lo que estaba pasando en la cultura pop.

-¿Y cómo algo aparentemente inocente acabó siendo subversivo?

-Es muy interesante porque eso no figuraba entre las intenciones del pop, ni siquiera está implícito en su origen. Se trataba de una industria totalmente nueva que atrajo a marginados y disidentes, personas que no encajaban en otro lugar y que podían proyectarse tan cual eran en ese nuevo mercado. Hubo mánagers gais que inventaron el concepto de boy band introduciendo un elemento andrógino en la manera de vestir, que resultaba muy femenina comparada con lo que había hasta entonces, por no hablar del pelo largo. Las bandas más importantes de los sesenta estaban representadas por homosexuales, y eso no es cualquier cosa. Por eso [el mánager de The Beatles] Brian Epstein fue tan importante.

Era obvio que la canción 'Tutti Frutti' de Little Richard no iba a sonar en las radios porque la letra original incluía referencias al sexo anal, así que suavizaron el mensaje

-En su libro plantea que todo comenzó con Tutti Frutti de Little Richard. ¿Tiene la canción un verdadero subtexto gay?

-Era obvio que Tutti Frutti no iba a sonar en las radios, así que suavizaron el mensaje, porque la letra original incluía referencias al sexo anal. Richard solía actuar en clubs para negros bastante sórdidos así que estaba acostumbrado a correr riesgos. Nunca se había visto nada igual pero, seguramente al ser negro, se le prestó menos atención. Lo contrario de lo que le sucedió a Elvis, que era blanco y se hizo muy popular. Pero Elvis también escandalizó a los sectores más conservadores, que llegaron a llamarlo chapero porque les parecía afeminado y se movía de una manera extraña.

-Su libro nos recuerda que la cultura LGTBQ+ también está escrita por heterosexuales que ayudaron a redefinir los conceptos de sexualidad y género.

-La cultura gay es muy atractiva para las personas heterosexuales que no quieren seguir las reglas sociales que definen a su género. Tengo amigos que en su día frecuentaron clubs gais porque eso les permitía vestirse otra manera sin que se metieran con ellos. En la música hay muchos artistas heterosexuales que abrazan ciertos elementos de lo queer porque eso les diferencia de los demás y, en el caso de los hombres, también los hace más atractivos antes los ojos de las mujeres.

-Una de las figuras más representativas en ese aspecto podría ser Mick Jagger.

-Sobre todo, explotó su ambigüedad entre 1964 y 1965, aconsejado por Andrew Loog Oldham, heterosexual también. Le encantaba el estilo y la gente gay y veía lo camp como un arma para incordiar a determinadas personas. Porque eso es lo que hace la gente LGTBQ+, usar los recursos del camp para confundir a los heterosexuales y descolocarlos. Hay aspectos de la vida gay que pueden ser usados como arma, como altavoz, como elementos para incomodar.

Elvis también escandalizó a los sectores más conservadores, que llegaron a llamarlo chapero porque les parecía afeminado y se movía de una manera extraña

-¿Qué debe tener una canción, más allá de que esté hecha por homosexuales o heterosexuales, para enganchar al público LGTBQ+?

-En los sesenta un artista pop no podía mostrar su homosexualidad, así que todo se reducía a mensajes codificados. La gente del negocio sabía que Billy Fury, Dusty Springfield o Brian Epstein eran gais, pero esa información no llegaba al público. Y antes esa ausencia de referentes claros, el público LGTBQ+ buscaba canciones que se pudieran bailar, porque bailar es fundamental; también eran receptivos al melodrama, a las emociones a flor de piel; y a las letras con mensajes con los que pudiera identificarse una persona LGTBQ+, como Needle On A Haystack de The Marvelettes.

-La mayoría de los artistas del glam eran heterosexuales, pero, de una u otra manera, acabaron siendo aceptados. En cambio, Jobriath, que era abiertamente gay, fracasó.

-Siempre he tenido un problema con Jobriath y es que me parece que lo que hacía no era muy bueno. Mezclaba malas melodías con rock vulgar, nunca lo he encontrado interesante. Podía tener una imagen escandalosa, pero la música no estaba a la altura. Bowie es todo lo contrario. Dijo que era gay y tuvo un éxito enorme, pero no por sus declaraciones sino porque sus discos eran fantásticos. Si haces música pop, los discos han de ser buenos, el resto es secundario.

-¿Diría que The Velvet Underground fue el primer grupo de rock queer?

-En un sentido muy amplio se podría decir que sí, porque el sonido es queer si nos atenemos al sentido etimológico de la palabra, que significa inquietante, extraño, diferente. El sonido de los dos primeros álbumes es completamente nuevo, con la viola de John Cale creando drones que nunca antes se habían escuchado en el rock. Lou Reed, que estaba muy familiarizado con el mundo gay y con la gente de la Factory, tomó muchos aspectos de la cultura queer y las introdujo en sus letras y en su propio personaje. Y no olvidemos la portada del primer álbum de los Velvet, la imagen fálica de un plátano que, además, es rosado.

La cultura gay es muy atractiva para las personas heterosexuales que no quieren seguir las reglas sociales que definen a su género

-A la creación del punk contribuyeron homosexuales y lesbianas. ¿Fueron posteriormente aceptados en esa escena?

-Solo hasta cierto punto. Había mucha gente LGTBQ+ involucrada en todo aquello, pero nadie hablaba de ello. Nunca me pareció que el punk recibiera con los brazos abiertos a la gente gay tanto en Inglaterra como en Estados Unidos. Además, está esa letra de los Sex Pistols, New York, donde John Lydon dice “ya poor little faggot” (pobrecito maricón), eso no fue bueno en absoluto. Y luego tenías el punto machirulo de bandas como The Stranglers, que era terrible. El punk se volvió machirulo muy rápido.

-¿Qué fue lo que hizo que se diera ese cambio?

-Al principio, el punk iba de ser raro, de estar al margen. Pero en el momento en que llegó a los grandes medios en 1976, se convirtió en un estereotipo muy bobo. A mí me interesaban los grupos raros, X Ray Spex, Subway Sect, Wire, Siouxsie & The Banshees, The Slits, bandas que no representaban los estereotipos de género. Muchos de los grupos punk originales, incluyendo The Clash, cayeron en la trampa de ir uniformados como si pertenecieran a una banda. Recuerdo estar hablando del punk con un locutor americano que tenía una actitud muy machirula. Tuve que decirle: “Mira, uno de los significados de la palabra punk se aplicaba a los tíos que se dejaban sodomizar en prisión”.

La primera corriente del pop hecha por y para gente LGTBQ+ tiene origen en 1973, en clubs gais y clubs para negros y latinos. Al principio era algo 'underground', pero en poco tiempo creó la figura del dj

-En el libro explica que la música disco fue la primera corriente del pop hecha por y para gente LGTBQ+ y de otros colectivos marginados.

-Ahí es donde localizo sus orígenes, en 1973, en clubs gais y clubs para negros y latinos. Al principio era algo underground, pero en poco tiempo creó la figura del dj, que enseguida les arrebató la exclusiva a los locutores en lo referente a poder hacer un éxito de una canción. “Keep On Truckin' de Eddie Kendricks o TSOP (The Sound of Philadelphia) de MFSB fueron temas popularizados en clubs por djs gais. Unos años después los Bee Gees tuvieron un éxito enorme con las canciones de Saturday Night Fever, cuyo impacto en Estados Unidos fue similar al de los Beatles en la Inglaterra de los sesenta. Lo que pasa es que, en este caso, los elementos gais habían sido rebajados al máximo en la película.

-¿Por qué termina el libro en 1979, justo con el triunfo de Sylvester?

-Quería concluir el libro en un momento álgido y para eso nada mejor que cerrarlo hablando de Sylvester, el primer artista disco gay que tuvo un éxito mundial con You Make Me Feel y que era descaradamente gay y transgénero a la vez. Tampoco quería tocar la época del sida, es un periodo muy triste. Lo que buscaba era presentar una serie de hechos y abrir así una conversación sobre el tema. Mis libros nunca buscan ser definitivos, como si una vez escritos nadie más pudiera aportar algo más al tema en concreto. Esa nunca ha sido mi intención. 

DM

Después de cinco días internada por una infección bacteriana en la unidad de cuidados intensivos, Madonna recibió el alta este jueves. La cantante de 64 años está mejor y recuperándose en casa, según informó la BBC. La artista estaba a punto de arrancar su gira mundial The Celebration Tour, la cual vio obligada a cancelar.

No está claro qué causó la infección por la que entró en el hospital el pasado 24 de junio, pero los médicos afirmaron que se volvió “extremadamente grave”.

“En estos momentos necesitamos pausar todos los compromisos, que incluyen la gira”, explicó su mánager Guy Oseary en redes sociales. Además, adelantó que una vez sepan más detalles, reprogramarán todos los conciertos y anunciarán las nuevas fechas.

Estaba previsto que el tour arrancara el próximo 15 de julio en Vancouver, para luego recorrer Estados Unidos y Europa, poniendo su broche final el 6 de diciembre en Londres. Entre sus 80 actuaciones, estaban contempladas dos paradas en España, los días 1 y 2 de noviembre, en el Palau Sant Jordi.

Celebration pretende ser una fiesta por el 40 aniversario de Holiday, el primer sencillo de Madonna que lanzó en 1983. En él recordará los grandes éxitos de su carrera y aprovechará para rendir homenaje a Nueva York, ciudad en la que inició su trayectoria musical. También reivindicará los derechos de las personas trans, con un concierto en Nashville (Tennessee), estado que el pasado 3 de marzo aprobó una ley que prohíbe los espectáculos drag en espacios públicos o en aquellos lugares donde pueda haber menores.

La cantante anunció la gira el 17 de enero, con un vídeo en el que hacía un guiño al documental En la cama con Madonna que estrenó en 1991. En el spot, aparecía presidiendo una mesa con Diplo, Judd Apatow, Jack Black, Lil Wayne, Bob The Drag Queen, Kate Berlant, Larry Owens, Meg Stalter, Eric Andre y Amy Schumer, que era quien le retaba a embarcarse en una gira con sus grandes éxitos.

LC

La boy band más famosa del momento se separa temporalmente. Lo anunciaron durante una cena de aniversario celebrada el pasado lunes, 13 de junio, cuando conmemoraban sus nueve años de carrera. La compañía Big Hit Music reunió a sus siete miembros en 2010 y les hizo debutar tres años más tarde, en 2013, con el álbum sencillo 2 Cool 4 Skool. Cada uno de los artistas retomará su carrera por separado durante un tiempo. “Perdimos nuestro rumbo y solo queremos tomarnos un tiempo para pensar”, dijeron en el evento.

La banda acababa de lanzar un nuevo álbum recopilatorio, Proof, compuesto por tres discos que recorren su carrera desde sus inicios hasta el estreno de Butter, su último sencillo publicado en julio de 2021. “BTS se mantuvo en activo para interactuar con sus seguidores en 2020 y 2021 en medio de la pandemia de COVID-19, y logró resultados deslumbrantes para consolidarse como los mejores artistas mundiales”, destacaron.

Las acciones en bolsa de Hybe, el grupo de comunicación detrás de la banda, se desplomaron tras el anuncio de la separación.

La banda de K-pop volvió con Butter a conquistar las listas estadounidenses con su cuarto número uno en apenas nueve meses. Desde los Jackson 5 en 1970, ningún otro grupo consiguió debutar en el número uno tantas veces en tan poco tiempo. A demás, tuvieron cuatro álbumes número uno en EE.UU en menos de dos años, algo que solo consiguieron The Beatles entre 1995 y 1996.

Según algunos expertos, tras estos logros se esconde una estrategia para manipular el sistema de medición más importante de la industria musical. Consiste en incluir copias digitales de sus discos en artículos de merchandising o publicar varios vídeos de una misma canción.

BTS fue considerada por la revista Time y Forbes como una de las bandas más poderosas del planeta. En 2018 el grupo dio un discurso en la Asamblea General de las Naciones Unidas e inauguró el Concierto de Amistad Francia-Corea: Los ecos de la música coreana en París frente a 400 oficiales, entre ellos el presidente surcoreano Moon Jae-in.

A pesar de que las medallas culturales se conceden a personas con más de 15 años de logros, el presidente de Corea del Sur entregó a sus siete integrantes la Orden al Mérito Cultural por su papel en la expansión de la cultura y el idioma coreano. Hace justo una semana, Joe Biden invitó a BTS a visitar la Casa Blanca para hablar de inclusión, de los crímenes de odio contra la comunidad asiática y celebrar el mes de la herencia asiática en este país.