Es irónico que el proyecto soñado durante años por los fans de Tim Burton fuera aquel que acabó con la carrera del director. Desde que el director mostrara su personalidad y su gusto por lo gótico y lo onírico gracias a filmes como Beetlejuice y El joven manos de tijera, todo el mundo comenzó a señalarle como el único capaz de trasladar a una película (de acción real) el imaginario que Lewis Carroll desarrolló en Alicia en el país de las maravillas. Cuando Disney vio el filón económico de llevar sus clásicos animados a películas con actores de carne y hueso no dudó y le ofreció a Burton realizarlo.

Era la apuesta perfecta, y el resultado económico fue apoteósico, pero en lo creativo Burton no supo unir ambos mundos y creó un filme que apenas ofrecía ciertas pinceladas de su estética, sacrificando cualquier atisbo de oscuridad por el camino. Disney domesticó a Burton y le hundió por completo. Un cineasta que incluso había sobrevivido a adaptar a Batman y había construido una carrera impecable empezaba a caer en picado justo cuando alcanzaba unas cimas que incluso le colocaban en la mirada de los premios gracias a filmes como Big Fish o Sweeney Todd.

Desde Alicia en el país de las maravillas todo fueron fiascos que iban ahogando cada vez más a Burton, que tocó fondo, precisamente, con otra adaptación de un clásico de Disney, Dumbo, quizás su peor filme. Muchos vieron en aquella historia la metáfora del propio cineasta, un elefante encerrado en una jaula y expuesto por la empresa que le pagaba el sueldo. Fue otra empresa y otro golpe de talonario quien sorprendentemente lo rescató parcialmente. Netflix vio en él un nombre perfecto para su serie sobre Merlina, el personaje de La familia Addams. Si Burton había logrado domesticarse para otra empresa podría hacerlo para ellos, que encima le dieron un producto con el que poder volver a su estética gótica y ciertas obsesiones.

El éxito de Merlina fue estratosférico. En estos momentos sigue siendo, de lejos, la serie más vista de Netflix con 252 millones de visualizaciones (más de 100 que la cuarta temporada de Stranger Things, que se sitúa en el segundo lugar). Aquel pelotazo dio alas a Tim Burton, que regresa a sus orígenes de manera literal, ya que estrena Beetlejuice, Beetlejuice, la secuela de una de las películas que le colocaron en el foco de la industria. Burton no solo ha resucitado al personaje al que vuelve a dar vida Michael Keaton, sino que de alguna forma se ha resucitado a sí mismo. Por fin volvemos a ver al Burton de siempre. Reconocemos su estética, su humor, su espíritu… No se deja llevar por el signo de los tiempos y vuelve a recurrir a los efectos visuales prácticos en vez de al CGI cantarín. Hay segmentos en stop motion, una dirección artística que sale de su mente sin dudarlo y un gusto por la artesanía. A priori esto ya es mucho más que lo que había en sus últimas películas. 

Beetlejuice, Beetlejuice, huele a cine de los 80. Mantiene el espíritu y a casi todo el reparto en una secuela divertidísima que hasta levantó los aplausos de la prensa en su primer pase en Venecia, donde abre con lujo la 81 edición del festival italiano antes de llegar a las salas el próximo 6 de septiembre. También hay que ser sinceros, la historia es más simple que el mecanismo de una polea, y alguna trama ―todo lo relacionado con Mónica Bellucci― está metida con calzador, pero poco importa ante la energía despendolada que desprende un filme en donde caben dardos a Disney, a los falsos aliados, al arte contemporáneo, a los influencers (en una escena brillante que fue ovacionada) y hasta a Netflix.

Los ejes temáticos se mantienen. Si en la original se atizaba a la especulación urbanística, aquí Burton ataca a la explotación comercial en forma de show televisivos que sacan la sangre (y los billetes) de cualquier cosa, ya sea una médium, una boda, o una tragedia. A eso añade una propuesta interesante, el amor es terrorífico. Todas las mujeres de esta familia -encabezadas por la sensacional Catherine O’Hara, seguida de una competente Winona Ryder y apuntalada por una Jenna Ortega que muestra que es una de las estrellas del momento- muestran que siempre mejor solas que mal acompañadas, ya sea por aduladores blanditos que esconden al machista de manual o por guaperas con rollito James Dean. Y por si fuera poco lo redondea con un epílogo con guiño a Muñeco Diabólico.

Burton encuentra la confianza para volver a entregar escenas originales y brillantes visualmente ―el tren con música soul―, y de la mano de la música de Danny Elfman y de un Michael Keaton desatado e hilarante llega con su mejor película en años y ofrece signos de esperanza a quienes pensaban que ya no tenía nada más que hacer en el cine.

Los últimos años me desilusioné con la industria del cine. Durante muchos años he estado perdido, y esta película me ha vuelto a dar energía

Tim Burton — Cineasta

El propio Tim Burton reconocía en la rueda de prensa que este filme supone, de alguna forma, su regreso. “Los últimos años me desilusioné con la industria del cine. Pensaba que no iba a poder hacer nada más que saliera de mi corazón. Durante muchos años he estado perdido, y esta película me ha vuelto a dar energía, he conectado con las cosas que me gusta hacer, me he rodeado con la gente que me gusta, y creo que esa es la única forma de tener éxito. No sé cómo irá la película, pero yo lo he disfrutado, y eso es lo principal”, dijo Burton, insistiendo en definir la película como un “proyecto muy personal”.

El cineasta no cree que esta secuela sea una consecuencia directa del éxito de la serie de Netflix, y confesó en Venecia que este proyecto llevaba mucho tiempo en su cabeza, pero también que erlina le dio ganas de hacer cosas, y que “conocer a Jenna Ortega también fue importante”. Pero este filme ya estaba hablado de antes con sus dos amigos, Michael Keaton y Winona Ryder, que le acompañaron en la presentación y se deshicieron en elogios hacia él, a quien definieron como un artista único y el rodaje como una de las mejores experiencias de sus vidas. Ninguno se quiso perder el regreso de un director que se ha reencontrado a sí mismo en una secuela de la que deberían aprender muchos taquillazos inanes de Hollywood.

DM

El Festival de Venecia celebrará su edición número 81 del 28 de agosto al 7 de septiembre. A dos meses de la fecha, pocas cosas se sabían de esta edición más allá de la presidenta del jurado (Isabelle Huppert) y dos de los premios honoríficos (el director Peter Weir y la actriz Sigourney Weaver). Por eso, la Mostra apretó el acelerador y anunció la que será su película de inauguración. Será la secuela de Beetlejuice, el clásico de Tim Burton, la que se encargará de dar el pistoletazo de salida a la competición, aunque en este caso fuera de la pelea por el León de Oro.

El filme, de nombre Beetlejuice, Beetlejuice, es uno de los más esperados del año, y con su presencia el festival se asegura una gran repercusión mediática además de una alfombra roja llena de estrellas de Hollywood, una de sus señas de identidad desde hace años. El filme tiene a casi todo el reparto de la original: Michael Keaton, Winona Ryder y Catherine O'Hara. Además, incorporó a Monica Bellucci y a una de las estrellas jóvenes del momento, Jenna Ortega, protagonista de la serie Merlina, donde ya trabajó con Tim Burton, que repite en la dirección en esta secuela de uno de sus filmes más emblemáticos.

Será una de las nuevas apuestas de Warner Bros para reventar la taquilla desde el 6 de septiembre, cuando se estrene en todo el mundo una semana después de abrir el certamen italiano. Su sinopsis oficial habla de cómo “después de una tragedia familiar inesperada, tres generaciones de la familia Deetz regresan a su hogar en la pequeña ciudad de Winter River”.

“La vida de Lydia, que sigue atormentada por Beetlejuice, da un vuelco cuando Astrid, su rebelde hija adolescente, descubre la misteriosa maqueta de la ciudad en el ático y el portal al Más Allá se abre de forma accidental. Con tantos problemas en ambos mundos, es sólo cuestión de tiempo que alguien diga tres veces el nombre de Beetlejuice y el travieso demonio vuelva a las andadas para desatar su particular caos”, añade.

La película original, estrenada en 1989, es un éxito de culto que pasó de generación a generación y que recaudó solo en EEUU más de 70 millones de dólares. Ahora intentará hacer lo mismo en un nuevo intento de explotar franquicias existentes y la nostalgia.

JZ/CRM

La artista norteamericana Margaret Keane murió en su casa de California los 94 años debido a una insuficiencia cardiaca, según han informado sus familiares. Sus característicos retratos de ojos enormes fueron muy populares en las décadas de los 50 y 60, pero su propia historia saltó a la fama en 2014 gracias a la película Big Eyes, dirigida por Tim Burton.

La trama de la película de Burton se centra en el calvario al que le sometió su esposo durante años. Walter Keane, agente inmobiliario y docto en técnicas de marketing, se atribuyó la autoría de los cuadros de Margaret, a quien obligaba a pintar durante 16 horas seguidas mientras él disfrutaba de la riqueza obtenida con su labor. Si él salía, llamaba cada hora a casa para asegurarse de que seguía trabajando. “Era una carcel”, admitió ella años después.

Los retratos kisch, firmados como Keane, causaron sensación y les convirtieron en una pareja mediática, llegando a aparecer en la portada de la revista Life. Las obras preferidas por la alta sociedad norteamericana eran en las que aparecían niños abandonados de grandes ojos tristes. Estos cuadros llegaron a costar 50.000 dólares cada uno.

El carácter tímido de ella contrastaba con el de él, que se movía en círculos poderosos haciendo contactos y vendiéndose como el verdadero artista. En realidad, fue Margaret la que realizó retratos de Zsa Zsa Gabor, Kim Novak, Natalie Wood, Robert Wagner o Joan Crawford. También pintó a los Kennedy y a la familia de Jerry Lewis vestidos de arlequines. Su estilo no estuvo exento de detractores, pero el mismo Andy Warhol salió en su defensa y lo alabó, diciendo que no podía ser malo si era tan exitoso.

“Todo se convirtió en una bola de nieve y era demasiado tarde para decir que no fue él quien los pintó”, dijo la artista años más tarde al New York Times. “Siempre me arrepentiré de no haber sido lo suficientemente fuerte para defender mis derechos”.

Margaret fue afinando su técnica y empezó a firmar de forma diferente las obras perfeccionadas, incluso bajo la amenaza de muerte de Walter. En 1965 se divorció y en 1986 le demandó. El juez pidió a ambos que pintaran ante el tribunal para demostrar quién era el verdadero artista. Él alegó no poder hacerlo por una lesión de hombro, pero ella terminó un cuadro en 53 minutos y ganó. El juez obligó a Walter a pagar 4 millones de dólares a su exesposa, por lo que en el año 2000 murió arruinado.

Una fama renovada

Margaret Keane rechazó vender los derechos de su historia en numerosas ocasiones, hasta que llegó un par de guionistas que se los cedió a Tim Burton. Ella había retratado unos años antes a Helena Bonham Carter, por lo que aceptó ponerse en sus manos. Amy Adams fue la actriz escogida para interpretarla –ganando el Globo de Oro con este papel– y Christopher Waltz se metió en la piel de Walter.

Con la película y en el contexto de la cuarta ola feminista, la figura de Keane recobró fuerza. La artista abrió una galería en California, cuya imagen principal en redes sociales la muestra a ella junto a Amy Adams. Allí se explica que su artista favorito es Amedeo Modigliani y que también se inspiraba en Van Gogh, Rousseau, Picasso, Gustav Klimt o Gauguin.

A los 90 años, Keane comenzó a recibir cuidados paliativos en su casa. En 2017 desveló que sufría problemas circulatorios y pulmonares que le hacían depender de un suministro de oxígeno permanente. Su hija ha informado a los medios que, no obstante, la artista ha muerto rodeada de sus seres queridos y “en paz”.

MZM