Este noviembre de 2025 llegó el primer tráiler de ‘Toy Story 5’, la nueva entrega de una de las sagas por excelencia de Pixar que se estrenará en cines el próximo 19 de junio de 2026 a nivel mundial, y que supondrá el primer largometraje sin John Lasseter involucrado.

En el tráiler de ‘Toy Story 5’ se confirma una trama que gira en torno a la tecnología en los niños como una amenaza a los juguetes tradicionales, al llegar una tablet a las manos de Bonnie, ‘Lilypad’, que amenaza la vida de los demás y poner las cosas muy difíciles.

Cómo la tecnología supuso que ‘Toy Story’ sea parte de la historia del cine

Justo el tráiler de esta última entrega llega cuando se cumplen 30 años del estreno del que fue el primer largometraje de la saga de ‘Toy Story’ y el primero de Pixar, que entonces era una pequeña empresa formada por un grupo de jóvenes a los que no les importaba experimentar y que así cambiaron la historia del cine, sobre todo de la animación, a la que influenciaron en estas tres décadas.

De hecho, se suele comparar a este ‘Toy Story’ con lo que supuso ‘Blancanieves y los siete enanitos’ para Walt Disney en 1937 al ser un “salto adelante radical tanto en la tecnología como en la manera de contar historias de animación”, como reconoció en un congreso el dibujante y director Bill Kroyer.

‘Toy Story’ se estrenó en 1995 después de que Pixar se desgajara de Lucasfilms y fuera comprada por Steve Jobs, proyectándose a fuego lento y aupada tras los cortos que habían tenido éxito, con el Premio Oscar de ‘Tin Toy’. Al conseguir colaborar con Walt Disney a nivel de distribución, tuvieron que superar las dudas que había desde el estudio por no seguir normas clásicas como que no hubiera números musicales como tal o un villano claro.

Así, se convirtió en el primer largometraje de animación completamente por computadora (CGI) con un estreno en Estados Unidos el 22 de noviembre de 1995, tras un presupuesto de 30 millones de dólares que fue superado por creces tras recaudar 400 millones de dólares, todo un éxito en crítica y taquilla con una historia simple sobre la llegada de un nuevo líder en un grupo contada con juguetes como personajes principales.

‘Toy Story’ supuso un antes y un después en el cine de animación, al marcar una pauta que se siguó durante estos 30 años, no solo por Pixar, sino también por el propio Disney y otros estudios como Dreamworks o Sony Animation.

La última película abre un debate sobre la tecnología en los niños

Es curioso que justo la tecnología que fue una aliada para la propia saga de ‘Toy Story’ sea el objeto de discusión de la quinta película, en la que una tablet llega para amenazar la vida de los juguetes, ahora con Bonnie, y en la que será la primera sin uno de sus creadores, John Lasseter, que dejó Pixar en 2018.

Este tema interesó a Andrew Stanton y Kenna Harris, directores de la película, que reconocieron la razón por la que querían indagar en esto: “Fue un viaje hermoso ver cómo el equipo favorito de juguetes podría responder al mundo tecnológico actual. Fue increíble contar con la extraordinaria Greta Lee para dar vida a Lilypad, equilibrando un tono juguetón y antagónico con humor y corazón”.

Desde el año 2003, por iniciativa de la Asociación Internacional de Films de Animación (ASIFA), cada 28 de octubre se celebra el Día Mundial de la Animación. Esta fecha corresponde a la conmemoración de la primera proyección pública de cine animado.

Dicho evento fue llevado a cabo en 1892 por el pionero del cine francés, Charles-Émile Reynauden en el Museo Grévin de París (Francia). Lugar donde se proyectaron las Pantomimas Luminosas, programa que incluía las películas: Pauvre pierrot, Clown et seschiens y Un bon bock.

Este pionero del cine francés, inventó y patentó el Teatro Óptico, un sistema sofisticado de lentes y espejos que hicieron posible proyectar en la pantalla las imágenes animadas. Es decir, que sus inventos permitieron una mejor y mayor calidad en el movimiento de las imágenes.

También logró que sus proyecciones estuvieran sincronizadas con música, así como darle algunos efectos sonoros. Su trabajo, en pocas palabras, hicieron posible proyectar dibujos animados en una pantalla grande para una numerosa audiencia.

Día Internacional de la Animación Novedades 2025

Cada año, ASIFA encarga a un animador destacado la creación del cartel del Día Internacional de la Animación. Posteriormente, se adapta a cada país para garantizar una visibilidad mundial del evento. El cartel del Día Internacional de la Animación 2025 ha sido creado generosamente por Lucija Mrzljak.

Las Pantomimas Luminosas

Después de crear el Teatro Óptico, Reynaud proyecta sus tres primeras historias, enmarcadas bajo el título Las Pantomimas Luminosas. El fondo musical estuvo a cargo de Gaston Paulin y fue estrenado en el museo Grévin aquel año de 1892.

Las presentaciones fueron un suceso apoteósico, y fue tan grande la aceptación del público, que tuvieron que hacerse doce funciones por día. Además, debido al éxito, el espectáculo se mantuvo durante dos años consecutivos.

En 1894, Reynaud retomó sus funciones con dos historias nuevas: Revé aucoin du feu y Autourd´unecabine. Sin embargo, en un corto tiempo, los espectadores deseosos de alguna novedad, pusieron atención en el invento de los hermanos Lumiére: El cinematógrafo. Terminando así el interés por el Teatro Óptico.

Una historia en la historia del cine

Con la llegada del cinematógrafo, el Teatro Óptico cayó en decadencia, por lo que el Museo Grévin termina el contrato con Reynaud en el año 1900. El inventor por su parte, no desiste en continuar creando, por lo que incursiona en el campo del cine con las películas: Guillermo Tell y Le premier cigare, luego prosiguió con otras iniciativas.

Lamentablemente, fracasa y gasta una muy buena parte del capital ganado con Las Pantomimas Luminosas. En el desespero rompe a martillazos sus equipos y lanza al río Sena una cantidad de tiras de películas.

Terminaría años después, en un hospicio, abandonado y pobre.

Todos celebran la Animación

Son muchos los países que se unen a esta celebración, la cual se convierte en un espacio propicio para fortalecer iniciativas culturales en el ámbito de la animación.

En las calles, universidades, teatros y cines podemos encontrar una gran variedad de actividades para el disfrute del público: premios de animación, proyección de cortos, conferencias, talleres jornadas de videojuegos, largometrajes de animación, preestrenos de películas animadas, lecturas, cine a cielo abierto y muchas otras más.

NB

Con talleres, proyecciones y conferencias gratuitas destinadas a niños y adolescentes, del 23 al 27 de julio tendrá lugar en Buenos Aires Suiza Pop. Se trata, según informaron los organizadores, de “una iniciativa interdisciplinaria que busca mostrar la capacidad para la innovación y vanguardia suiza a partir de la creación de un espacio de descubrimiento y encuentro, donde diferentes artes como la animación, los videojuegos, las artes visuales y la literatura infantil son el epicentro”.

En coincidencia con las vacaciones de invierno porteñas y con una programación diseñada “para sorprender, educar, disfrutar y formar un puente cultural”, el encuentro cultural promete la presencia de destacados artistas suizos de distintos rubros.

“Impulsado por la Embajada de Suiza en Argentina, Suiza Pop es un evento cultural gratuito para infancias y adolescencias que tendrá lugar durante las vacaciones de invierno porteñas. Se desarrollará principalmente en El Cultural San Martín (Paraná 310), con actividades adicionales en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930) y la Alianza Francesa (Av. Córdoba 946)”, detallaron desde la organización en un comunicado.

El evento contará con la participación de destacadas figuras de la cultura suiza. Entre los nombres anunciados se encuentra el de Clémence Pun, parte del estudio Hélium —nominado al Oscar por maravillas animadas como My Life as a Zucchini—, quien viene a estrenar Sauvages en Argentina y a realizar diferentes talleres (incluido uno de stop-motion junto a Moco), además de encuentros mano a mano con la industria local de la animación.

“La artista visual Myriam Gämperli se suma a Suiza Pop para llevar a cabo talleres dirigidos a niños y adolescentes, junto a figuras de la región como la artista colombiana Powerpaola, la creadora venezolana Titihoon y el humorista gráfico argentino Gustavo Sala”, adelantaron los organizadores.

“En el terreno de los videojuegos, Aditya Deshpande representará al Swiss Game Center mediante una serie de workshops gratuitos para aprender a crear videojuegos a lo largo de los cinco días del evento”, agregaron.

En total, durante los cinco días de Suiza Pop habrá 16 proyecciones, entre las que se encuentran “el estreno nacional de Sauvages, de Claude Barras, además del regreso a pantalla grande de My Life as a Zucchini y los cortometrajes del estudio Hélium”.

“También se incluyen funciones de cortos suizos y argentinos para las infancias, un cruce entre animadoras de ambos países, un programa para descubrir talentos emergentes de la animación suiza y una selección de cortos curados por el prestigioso festival de animación Fantoche. A modo de cierre, habrá una función especial: el estreno en Argentina de la remasterización realizada por la Cinémathèque Suisse de L'Histoire de Monsieur Vieux, un clásico de la animación suiza basado en la obra de Rodolphe Töpffer, considerado el padre de la historieta moderna, con musicalización en vivo a cargo de Axel Krygier”, señalaron desde Suiza Pop.

La programación también contará con diez talleres y laboratorios de videojuegos, además de charlas sobre animación y encuentros vinculados con la literatura infantil. Los detalles de días y horarios para cada actividad se darán a conocer en estos días a través de las redes de la embajada de Suiza en la Argentina.

AL/MG/JJD

Desde el 2003, cada 28 de octubre se celebra el Día Mundial de la Animación en conmemoración a la primera proyección del cine animado que se volvió pública. Un día como hoy, en 1892, se presentó en el Museo Grévin de París, Francia, las Pantomimas Luminosas, que incluía las películas Pauvre Pierrot, Clown et seschiens y Un bon bock.

La proyección de estos films fue posible gracias al Teatro óptico, invención del pionero del cine francés Charles-Émile Reynauden. Se trata de un sistema sofisticado de lentes y espejos que permitieron mejorar la calidad en el movimiento de las imágenes a proyectar. Esta figura también logró que tales imágenes contaran con música sincronizada y otros efectos sonoros.

Las proyecciones tuvieron tanta aceptación entre el público que debieron hacerse alrededor de doce funciones al día y el espectáculo debió repetirse durante dos años consecutivos. Esto llevó a que Reynaud retomara con dos historias nuevas: Revé aucoin du feu y Autourd unecabine.

Con la aparición del cinematógrafo, sin embargo, el interés por el Teatro Óptico fue decayendo, lo que derivó en el fin del contrato con el Museo Grévin. Pese a esto, el pionero de la animación continuó incursionando en el campo del cine con las películas Guillermo Tell y Le premier cigare.

De acuerdo a Raúl Manrupe, Comunicador Social de la Universidad Nacional de El Salvador, otro gran salto de la animación se dio de la mano de Disney que, con el largometraje de Blanca Nieves y los siete enanos, llevó a la animación al campo del arte.

Probablemente el nombre más recordado en la historia de la cinematografía sea el de Walt Disney. Sin embargo, existen otras grandes personalidades que merecen mayor reconocimiento en este campo. Este es el caso, por ejemplo, de Max Fleischer, Lotte Reiniger yNorman McLaren.

La aparición de la televisión en los años '50 también contribuyó al avance de la animación ya que multiplicó los puestos de trabajo en esta área. Una década más tarde surgió la xerografía, que permitió acelerar los procesos de producción de los films.

MM

Disney cumplió 100 años. Un siglo de sueños, de películas inolvidables y de princesas. Sí, las princesas fueron su personaje femenino por antonomasia. Se convirtieron en un arquetipo más y lograron colarse en el imaginario (y en el vestuario) de las nenas. Las chicas de todas las generaciones tuvieron sus propias princesas y abrazaron generosamente a las de generaciones anteriores. En una fiesta de disfraces de 2023 pueden convivir sin problema Blancanieves con la Sirenita y con Elsa, de Frozen; tres mujeres (ficticias) de tres momentos diferentes de la empresa y que ejemplifican también los cambios en ella.

Las princesas están desde el primer largometraje animado de la compañía, Blancanieves y los siente enanitos, que se estrenó en 1937. La película fue una revolución técnica y un hito cinematográfico. Tanto, que en los Oscar de 1939 se le otorgó un premio honorífico por su contribución (no existía entonces el premio al Mejor filme de animación) acompañado de siete estatuillas en miniatura que representaban a los siete enanitos del título. 

El primer personaje protagonista de Disney en uno de sus clásicos, por tanto, fue una mujer, y fue una princesa. La imagen que daba aquella mujer era la que por aquel entonces se tenía en la sociedad. Mirando desde 2023 y con varias revoluciones feministas encima, uno observa a una mujer cuyo único motor es el amor; que para agradecer un favor se dedica a realizar las labores de la casa de forma compulsiva y para la que la salvación tras morder la manzana es un beso de amor verdadero. Además, su atributo más destacable, o el único que se grita a los cuatro vientos, es su belleza. De hecho, en Blancanieves lo que desencadena todos los actos es la competencia de dos mujeres por ver quién es la más bella, perpetuando el estereotipo de mujeres envidiosas y que se pelean.

A pesar del éxito de Blancanieves, las siguientes películas del estudio no ahondan en la figura de la princesa, ni siquiera en explotar el personaje femenino protagonista que tan buenos resultados les daría posteriormente. Sus siguientes clásicos fueron obras maestras como Pinocho (1940), Fantasía (1940), Dumbo (1941) o Bambi (1942). Incluso obras menos conocidas como Saludos amigos (1942). Aunque ahora consideremos a muchos de esos títulos como clásicos, en su momento no funcionaron en taquilla, lo que hizo que se volviera al origen, a una princesa, para asegurar el éxito. 

Mujeres sumisas y domésticas

La siguiente princesa Disney llegó en 1950 gracias a La cenicienta, adaptación del cuento de Perrault que se convirtió en su mayor éxito desde Blancanieves. Otra mujer protagonista y otra cuya actividad se basa en las labores domésticas. Esta vez explotada por su madrastra y sus hermanastras, algo que queda claro en el filme. El problema es que la solución posible a tal situación es el dinero y un matrimonio con un príncipe. En los años 50, para Disney, la única forma de no ser ama de casa era ser rica y ‘esposa de’. La sumisión siempre asociada a la condición de ser mujer.

A pesar de que las princesas demostraron ser la apuesta más segura, Disney prefirió la adaptación de novelas en obras como Alicia en el país de las maravillas (1951), una de las excepciones de la primera etapa de la empresa, ya que en este caso su protagonista nunca busca el amor, ni se ajusta a los cánones de ama de casa ni mujer sumisa ni damisela en apuros, sino que en 1951, Disney ofreció una película que, a día de hoy, sigue siendo moderna y psicodélica.

Tras una pausa de adaptaciones con protagonistas masculinos o animales (Peter Pan, de 1953 y La dama y el vagabundo, de 1955) llegó una nueva princesa que repitió todos los tópicos que ya habían desplegado en sus anteriores obras. En La bella durmiente (1959) se perpetúa la historia de amor platónica, el beso del príncipe ―no consentido, como en Blancanieves― como solución al dilema. En todas las princesas hasta el momento la villana era, además, otra mujer. Una bruja, una madrastra… De hecho, una de las primeras películas de acción real basada en sus títulos anteriores que hizo Disney fue Maléfica (2014), en donde intentó humanizar al personaje malvado de La bella durmiente.

Durante casi tres décadas las princesas no volvieron a aparecer. Comienza lo que muchos bautizaron como la época oscura de Disney, marcada por la muerte de su creador, Walt Disney, el 15 de diciembre de 1966. Una etapa que abarca los años 70 y 80, donde la calidad de la animación bajó y también la repercusión de sus clásicos, donde se estrenaron obras como Los rescatadores (1977) o Tod y Toby (1981). Una época que volvió a romperse gracias a la llegada de la nueva oleada de princesas. 

Princesas modernas… pero poco

El resurgimiento de Disney tras su época de menor repercusión llegó gracias, cómo no, a las princesas. Princesas nuevas para una etapa nueva. Disney volvió a acudir a la base para encontrar sus historias, a los cuentos clásicos que pasaba por su filtro de canciones y colores. La primera de todas ellas fue La sirenita. Ariel se convertiría en princesa Disney y, aunque se aprecia un pequeño cambio a mejor, siguió perpetuando el amor como único motor de estas mujeres. Es cierto que en La sirenita hay una rebeldía hasta entonces desconocida, esa provocación al orden paterno, pero sigue anhelando un hombre con el que estar y, cómo no, hay una bruja a quien enfrentarse. Otra mujer que, encima, se la representaba como gorda y fea. 

Comienza una época de éxitos y muchas princesas, tanto protagonistas como secundarias. Siempre hay una princesa con la que vender muñecas y disfraces. En La bella y la bestia se profundiza en esa idea de rebeldía que ya se entreveía en La sirenita. Bella se rebela contra el pueblo, contra la incultura, lee aunque le digan que eso es de bobos y reivindica la lectura. Eso sí, termina enamorada de su secuestrador en uno de los casos de síndrome de Estocolmo más claros de la historia del cine. Disney no le daba mucha más opción: debía elegir entre un machista como Gastón y un secuestrador como Bestia. La soltería, por entonces, todavía no era posible.

Se encadenan después dos películas con protagonistas masculinos donde no se desperdicia la posibilidad de colar una princesa como mera comparsa pensando en las ventas y en las niñas espectadoras. Aladdin (1992) tendrá a Jasmine, cuya labor en la historia es poco más que ser el interés romántico, igual que en El rey león (1994), en forma de animal, Nala lo será para Simba. Eso sí, ambas responden al nuevo prototipo de princesa Disney, que también lucha y tiene una participación más activa. Siguen siendo el elemento sentimental, pero participan en la acción aunque sea de forma secundaria. 

Esta etapa los lleva a perder dos de las mejores oportunidades para subvertir la figura femenina, las que tuvieron en Pocahontas (1995) y Mulán (1997). Aunque sí que rompen ciertas representaciones (no son estrictamente princesas) y son protagonistas activas que centran toda la trama y hasta las escenas de acción, Disney introduce en ambas una historia de amor de la que sigue sin desprenderse. En el caso de Pocahontas esto lleva a que la fidelidad histórica se la salten a la torera y en Mulán a convertir toda la epopeya en un nuevo romance. Entre medias de ambas se encuentra Hércules, cuyo personaje femenino más importante solo responde a la categoría de interés romántico del protagonista. Una época que termina con Tarzán en 1999, donde ocurre lo mismo que en Hércules.

El regreso de las princesas

Tras Tarzán se inicia una etapa muy extraña en Disney. La llegada (y el éxito) de la animación 3D que apuesta por otras narrativas hace que comiencen a probar cosas diferentes y entren en unos años en donde ninguno de sus éxitos termina de convencer. Aunque alguno de ellos haya sido reivindicado posteriormente como El emperador y sus locuras (2000), ninguno se convierte en clásico instantáneo como ocurrió en la anterior época. Se suceden películas que pocos recuerdan como Dinosaurio (2000), Atlantis (2001), El planeta del tesoro (2002), Chicken Little (2005), Descubriendo a los Robinson (2007) o Bolt (2008), el filme que cierra esta época.

Son títulos en donde no hay princesas ni personajes femeninos y donde se mezclan filmes que apuestan por la aventura más clásica y de origen literario con una última etapa que coquetea con una animación menos tradicional como la que triunfa en otros estudios de la competencia. Entre medias hay un título que sí que logró destacar entre todos ellos, Lilo & Stitch (2002), su apuesta por la cultura hawaiana que tiene dos personajes femeninos, dos hermanas huérfanas, supone una de las mayores rupturas con lo visto hasta ese momento, aunque en aquel año no fuera reivindicado como tal.

Ante una época de tan poca repercusión, Disney anunció con bombos y platillos su regreso a la animación tradicional y… a las princesas. Lo hizo con Tiana y el sapo (2009), que introduce un elemento nuevo: la diversidad. Eso sí, la diversidad racial, porque la sexual sigue sin hacer aparición. Aquí tenemos la primera princesa negra en una defensa de la cultura de Nueva Orleans, aunque esa sea la única subversión que se permitieron, ya que siguieron manteniendo la historia de amor y el término princesa.

Ocurre algo parecido en Enredados (2010), que le dio la vuelta al cuento de Rapunzel en un truco parecido al que realizó antes Shrek, pero sin ser tan irreverente como el filme de Dreamworks, aunque sí que lograron construir una protagonista más irónica y menos melosa. Eso sí, de nuevo manteniendo el concepto principesco y el romance como centro de la historia y recuperando la figura de la mujer como villana. 

Quizás el mayor punto de inflexión, en cuanto a repercusión cultural en las niñas, se produjo en 2013, cuando llegó Frozen, un éxito como hacía tiempo que Disney no vivía. Lo hizo con una historia de dos princesas en donde había un giro con el que pocos contaban. Durante toda la trama se vende que es el amor lo que salvará a una de las protagonistas, pero será el amor de su hermana, y no el del falso aliado que intentó engañarla todo el tiempo. Muchos quisieron, además, ver un trasunto LGTB en la historia que Disney nunca se atrevió a explotar, ni siquiera en su secuela de 2019. Este giro se consagra en Vaiana (2016), otra historia en donde por primera vez una princesa no tienen en ningún momento un interés romántico, destrozando una de las máximas de sus historias hasta ese momento

Princesas post Me Too

Hay que destacar que Vaiana llega un año antes que la explosión del caso Weinstein y la llegada del Me Too y de la nueva revolución feminista de los últimos años. Es a partir de ese momento cuando se vuelve a poner la mirada en cómo se está representando a la mujer, y es cuando se empiezan a notar más cambios en quienes cuentan las historias y cómo las cuentan. De hecho, hasta Frozen ninguna mujer había dirigido un clásico de Disney.

A esta última etapa hay que agradecer el cambio más radical provocado en las princesas Disney, que ya no son princesas, sino que son guerreras como Raya en Raya y el último dragón (2021). Mujeres que no buscan novio, sino que salvan su país, o simplemente, a su familia, como en Encanto (2021), hermoso homenaje a la cultura colombiana con una protagonista que también rompe el canon físico (no es esbelta ni rubia ni se destaca su belleza) y que se convirtió en un personaje muy querido por todas las nenas sin necesidad de ser de la realeza ni de buscar un hombre a su lado.

Desde el 2003, cada 28 de octubre se celebra el Día Mundial de la Animación en conmemoración a la primera proyección del cine animado que se volvió pública. Un día como hoy, en 1892, se presentó en el Museo Grévin de París, Francia, las Pantomimas Luminosas, que incluía las películas Pauvre Pierrot, Clown et seschiens y Un bon bock.

La proyección de estos films fue posible gracias al Teatro óptico, invención del pionero del cine francés Charles-Émile Reynauden. Se trata de un sistema sofisticado de lentes y espejos que permitieron mejorar la calidad en el movimiento de las imágenes a proyectar. Esta figura también logró que tales imágenes contaran con música sincronizada y otros efectos sonoros.

Las proyecciones tuvieron tanta aceptación entre el público que debieron hacerse alrededor de doce funciones al día y el espectáculo debió repetirse durante dos años consecutivos. Esto llevó a que Reynaud retomara con dos historias nuevas: Revé aucoin du feu y Autourd unecabine.

Con la aparición del cinematógrafo, sin embargo, el interés por el Teatro Óptico fue decayendo, lo que derivó en el fin del contrato con el Museo Grévin. Pese a esto, el pionero de la animación continuó incursionando en el campo del cine con las películas Guillermo Tell y Le premier cigare.

De acuerdo a Raúl Manrupe, Comunicador Social de la Universidad Nacional de El Salvador, otro gran salto de la animación se dio de la mano de Disney que, con el largometraje de Blanca Nieves y los siete enanos, llevó a la animación al campo del arte.

Probablemente el nombre más recordado en la historia de la cinematografía sea el de Walt Disney. Sin embargo, existen otras grandes personalidades que merecen mayor reconocimiento en este campo. Este es el caso, por ejemplo, de Max Fleischer, Lotte Reiniger yNorman McLaren.

La aparición de la televisión en los años '50 también contribuyó al avance de la animación ya que multiplicó los puestos de trabajo en esta área. Una década más tarde surgió la xerografía, que permitió acelerar los procesos de producción de los films.

ACM

El 28 de agosto es el Día de la Animación, fecha que recuerda la primera proyección pública del Teatro Óptico del inventor francés Charles-Émile Reynaud, quien logró grandes avances en lo que sería el cine animado, como el perfeccionamiento del zoótropo, el fenantiscopio y la creación del praxinoscopio. Con este último artefacto, logró sincronizar imagen y sonido en sus proyecciones, lo que lo convirtió en un precursor de las películas que conocemos hoy en día.

El “Théâtre Optique” de Reynaud consistía en un sistema de lentes y espejos que proyectaba imágenes animadas en la pantalla. El praxinoscopio, su invención de 1876, es un cilindro con una banda de imágenes a color colocadas en su interior y un tambor central de espejos, que con una lámpara iluminaba las imágenes. Este avance tecnológico le otorgó una gran popularidad, tanto que fue reconocido en la Exposición Universal de París.

Luego de perfeccionar este mecanismo, añadiéndole una caja de madera y una abertura con vidrio para ver las imágenes en movimiento, el 28 de octubre de 1892 Reynaud proyectó por 15 minutos sus diapositivas dibujadas, mientras sonaba un piano y efectos sonoros detrás de la pantalla. Sus Pantomimas luminosas fueron presentadas en el Museo Grevin de París.

A continuación, “¡Pobre Pierrot!”, considerada la primera animación de la historia. Fue semejante éxito que la pieza debió proyectarse ininterrumpidamente por dos años.

Lamentablemente para el inventor, tras de la creación del cinematógrafo de los hermanos Lumière, perdió el contrato que tenía con el museo, lo que lo llevó a arrojar sus dibujos al Río Sena, destruyendo el teatro óptico. El cuadro depresivo que invadió a Reynaud no lo dejó volver a innovar, y terminó sus días en una institución psiquiátrica de Ivry-sur-Seine, hasta su fallecimiento el 9 de enero de 1918.

Por iniciativa de la Asociación Internacional de Films de Animación (ASIFA) se celebra esta efeméride.

La animación en nuestro país

La Argentina tiene una larga tradición en el dibujo y la caricatura política. Existieron revistas como El Mosquito, Cascabel, Don Quijote y más tarde Caras y Caretas y PBT, las cuales fueron de gran aceptación en el público, a partir de la segunda mitad del 1800.

Quirino Cristiani, quien fue un joven dibujante italiano que trabajaba para Federico Valle, el editor del primer “Noticiero de nuestro cine”, desarrolló un sistema de animación a partir de figuras animadas de cartón. Esto lo llevó a hacer el primer largometraje animado del mundo: “El apóstol” (1917), y después el primer largo animado sonoro, “Peludópolis” (1931). No existen copias de ninguna de estas películas.

LC

El cine de animación tiene una cuenta pendiente con las mujeres, tanto dentro como fuera de la pantalla. Los personajes femeninos han mejorado notablemente durante los últimos años gracias a ejemplos como Brave, Moana o la capitana Hawthorne de Lightyear. Pero tras las bambalinas la cosa cambia. La primera producción del líder absoluto en el sector, Pixar, que ha dirigido en exclusiva una mujer ha sido Red, de 2022. No es un dato menor. La representación importa y todo lo que se avanza dentro de los estudios repercute en el producto final, ese que consumen millones de niños y niñas que están configurando ahora su futura visión del mundo.

La conciencia sobre esto hace que las nuevas generaciones partan con ventaja, ¿verdad? Aunque se da por hecho que en las últimas décadas la igualdad ha dado un paso al frente en las cintas de animación, no siempre ocurre. Por suerte hay una forma de comprobarlo: el famoso test de Bechdel, creado por una dibujante de cómics en 1985 –lee aquí nuestra entrevista con ella–. La premisa es simple y su aprobado depende de tres factores: que haya dos mujeres con nombre en la película, que hablen entre ellas y cuyo diálogo no verse sobre un hombre. Su puesta en práctica, sin embargo, ya se complica.

Para comprobarlo, elDiario.es ha tomado una muestra de las 290 películas de animación más taquilleras de todos los tiempos y se han pasado por el filtro de Bechdel Movie List, una página colaborativa donde los usuarios completan un formulario y debaten en los comentarios cuando el resultado no está claro. Hay que tener en cuenta que las tres reglas de Bechdel son muy concretas y no dan cabida a los matices, por eso hay 122 películas aprobadas, 113 suspensas y 25 en discusión. Lee más detalle sobre cómo se hizo este análisis en la metodología.

Una de las películas que ha suscitado más debate es Mulán, de 1998. El personaje de la guerrera china fue un referente para las niñas de la época, sobre todo al compararlo con otras princesas Disney. Varios usuarios argumentan que las conversaciones que mantiene con otras mujeres, aunque sea para rebatirlas, giran entorno a los hombres, el matrimonio y cómo ser una buena esposa. Ocurre lo mismo con La novia cadáver (2005), de Tim Burton, sobre la que no hay un consenso por culpa del personaje de Víctor. En el caso contrario estaría Peter Pan (1953), que cumple por los pelos las tres reglas gracias a las escenas de Wendy con su madre o con la niña india.

Una de las cosas más interesantes es observar la evolución por épocas. En este caso, se han agrupado las cintas por lustros. Cabe destacar que no hay información disponible sobre si aprueban o no el test de Bechdel en muchas películas de la década de los 80 ni de las estrenadas en los últimos dos años, por lo que la proporción podría no ser del todo exacta.

Para comparar muestras similares, analizamos 43 películas de entre 2015 y 2019, y 48 películas de toda la década de los 90. Del primer grupo, más de la mitad (26) pasan el test, y otras 6 están al límite de hacerlo. En cambio, del medio centenar de cintas escogidas de los años noventa, sólo 18 aprueban el test y 3 están en discusión. Es un aumento significativo, teniendo en cuenta que los 90 fueron años muy prolíficos para la animación y a los que pertenecen películas icónicas para el imaginario colectivo, como Aladdin, El rey León, la primera Toy Story, Pocahontas, Anastasia o Hércules. De estas, las tres primeras no lo pasan y las tres últimas sí.

Lo que queda claro es que la animación es un sector masculinizado en cuanto a dirección. Independientemente de que aprueben o no el test de Bechdel, la mayoría de las películas de la historia han sido dirigidas por hombres o, como mucho y en algunos casos puntuales, tienen una codirección femenina. Las cintas dirigidas exclusivamente por mujeres se cuentan con los dedos de una mano: Los osos amorosos (1985), La vuelta al mundo de Alvin y las ardillas (1987), La película de Tigger y Winnie the Pooh (2000), Kung Fu Panda 2 (2011) y Red (2022)

Entre las codirigidas por hombres y mujeres, destacan en los últimos años Brave, Encanto y las dos partes de Frozen, películas que tienen como protagonistas a personajes femeninos. Este equilibrio de poderes no siempre ha sido del gusto de ellas. Brenda Chapman, que dirigió Brave, lo dejó claro a su salida de Pixar: “Era una historia que yo había creado, que provenía de un lugar personal, como mujer y como madre. Que me la arrebataran y se la dieran a otra persona, a un hombre, fue realmente angustioso en muchos aspectos”, escribió en The New York Times. 

Otro factor a tener en cuenta ha sido el del monopolio. El imperio que ostentó Disney durante todo el siglo XX se vio irrumpido por un boom de estudios y películas que no solo se dirigían al público infantil. En esta época también aterrizó en Occidente el cine de animación asiático, que dio una lección al norteamericano en cuanto a la representación de sus heroínas, como ocurre con El viaje de Chihiro y La princesa Mononoke. Pero si bien cuenta con numerosas dibujantes, en el estudio Ghibli no ha existido jamás una mujer directora. 

La introducción de nuevos actores en el tablero provoca que la muestra se amplíe mucho desde el año 2000, momento en el que la animación se permitió incluir un rango de matices amplio y hablar directamente al espectador adulto.

Quizá por eso, desde finales de los 90 hasta ahora, hay más mujeres encargadas del guion, aunque distan todavía de sus homólogos masculinos. Sobre todo, de nuevo, es una rareza encontrar un diálogo o argumento escrito en exclusiva por una mujer. Destacan La Bella y la Bestia (1991), Los Rugrats: Vacaciones salvajes (2003), Frozen (2013), Frozen 2 (2019) o la ya mencionada Red (2022).

Cabe señalar que en muchas de las películas consideradas de guion “mixto” la proporción de hombres y mujeres queda lejos de ser paritaria. Es el caso de Hércules (1 mujer y 4 hombres), Toy Story 2 y Cars (1 mujer y 3 hombres) o Monstruos contra Alienígenas (1 mujer de un equipo de 5 guionistas), entre otros ejemplos.

También encontramos algunas ocasiones donde pasa al contrario...pero son minoritarias. Ocurre en La novia cadáver (2 de sus 3 guionistas son mujeres), Brave (donde sus dos guionistas son mujeres, y una de ellas es también la directora), Spirit: indomable (3 mujeres y 1 hombre), o la última de Pixar, Red, cuyas dos guionistas son mujeres. Todas estas películas aprueban el test de Bechdel.

Hay que tener en cuenta que el test de Bechdel no es la prueba definitiva sobre la presencia de las mujeres en las historias cinematográficas. De hecho, en algunas de las cintas que no lo pasan, las mujeres adoptan un papel fundamental en la trama, como en Tarzán o Shrek. También ocurre lo opuesto: aprobarlo no asegura una representación rica y brillante de los personajes femeninos, como pone de manifiesto la figura de Wendy en Peter Pan.

Aunque el test de Bechdel tiene poco más de 30 años y solo en la última década se ha empezado a usar como barrera para medir la igualdad en el cine, bebe de referentes más antiguos. Como Virginia Wolf, que ya en 1929, en Una habitación propia, reflexionó sobre la representación de la mujer en el arte.

“La galería de personajes ficticios son demasiado simples. Intenté recordar algún caso entre mis lecturas, donde las mujeres estuvieran representadas como amigas. Pero ellas son ahora, y lo fueron siempre, madres e hijas. Casi sin excepción se las muestra debido a la relación que tienen con los hombres. Era extraño pensar que todas las grandes mujeres de ficción fueran, hasta el día de Jane Austen, vistas no sólo desde el otro sexo, sino también únicamente en su relación con el otro sexo. Y qué pequeña es esa parte en la vida de una mujer…”. 

En definitiva, no hay fórmula que sustituya a un estudio de género meditado y consciente. Pero Bechdel puede ser un primer paso para que los estudios y las academias de cine acaten su responsabilidad sobre la igualdad de género y los referentes. Por ejemplo, el Instituto del Film de Suecia la emplea desde 2013 para conceder a los largometrajes una calificación (A) que acredita su fomento de la igualdad de género. No es un mal comienzo.

Por cierto, en esta tabla puedes acceder a todo el listado de películas analizadas de manera más cómoda y rápida, ordenando la información por orden alfabético, por año, por si aprueba o no aprueba el test o por género de la dirección y del guion.

A la gente del estudio cinematográfico Illumination le gusta presumir de haber estrenado la película más rentable jamás distribuida por Universal Pictures en su siglo de historia. Gru 2 costó 71,8 millones de euros y recaudó mundialmente 917 millones, en lo que suponía un triunfo para el modelo acuñado por Chris Meledandri al fundar el estudio allá por 2007. Meledandri, antiguo presidente de BlueSky bajo el paraguas de Fox y responsable del épico fracaso en taquilla de Titán A.E. en el año 2000, había determinado un “control estricto de costos” para sus futuras producciones. El presupuesto debía siempre oscilar entre los 56 y los 75 millones.

Lo habitual, en la animación 3D de EEUU, es que cada película ronde los 945 millones de euros, de forma que el gesto de Meledandri era muy significativo. Lo fue aún más cuando Los Minions, precuela de Gru, superó la ansiada barrera de los 1.000 millones de dólares (945 millones de euros), colocándose en el top 5 de películas de animación más taquilleras de todos los tiempos. El modelo funcionaba, no debían apartarse de él. Así que también lo ha asumido Minions: El origen de Gru, secuela directa de Los Minions que sigue indagando en el pasado de Mi villano favorito. Aunque en este caso ha habido algún que otro percance, relacionado con la proverbial pandemia.

A diferencia de otras marcas de la competencia, Illumination solo se encarga de producir la animación, no de realizarla: esto corre a cuenta de un estudio subsidiario, Mac Guff, radicado en Francia. Mac Guff tuvo que cerrar sus puertas durante meses por culpa del Covid-19, de forma que Universal aplazó el estreno previsto para el 3 de julio de 2020. Dos años después Minions: El origen de Gru llega por fin a los cines, queriendo demostrar que la intuición de Meledandri sigue siendo la correcta, y nadie puede resistirse al modelo Illumination.

Algo más que películas baratas

Teniendo en cuenta las considerables opciones de que El origen de Gru arrase en taquilla, quizá convendría indagar en ese “modelo Illumination”, más allá del rasgo básico de los presupuestos restrictivos. Para empezar, y evidentemente, esto afecta a la animación. El estudio de Meledandri prefiere no prodigarse en las texturas o los acabados fotorrealistas, pero busca agradar igualmente al ojo con una paleta de colores cálida y unos personajes de diseños amables y caricaturescos. Los animadores no prestan mucha atención a los escenarios por lo limitado de sus medios, decantándose por el movimiento de quienes los pueblan.

El énfasis en la movilidad, sin embargo, no emparenta necesariamente a Illumination con los progresos de Sony Animation a la hora de construir una gramática propia y espídica —de Hotel Transilvania a Los Mitchell contra las máquinas—, sino con una dependencia del gag fácil y el ritmo de la trama que se halla presente en gran parte de la animación USA ajena a Disney/Pixar. Tanto los Minions como las otras grandes franquicias de Illumination —Mascotas y ¡Canta!— tienden un puente perceptible con el hito que supuso Shrek en 2001.

Shrek impactó enormemente a la industria por entregar las coordenadas a las que debían ceñirse quienes desafiaran el imperio de la Casa del Ratón. Estas no pasaban en ningún caso por lo formal, sino por nociones como el guion, el humor o el público objetivo. Shrek parodiaba la fórmula Disney —como en Gru 3 hacían un chiste directo con Buscando a Nemo—, sostenía un humor referencial —con bandas sonoras contemporáneas y guiños a elementos de la cultura pop susceptibles de envejecer rápido— y era mucho más flexible a la hora de navegar entre targets. Todas las compañías tomaron nota de sus logros. Incluso Disney, que en 2005 alcanzó su punto más bajo con Chicken Little. DreamWorks, BlueSky, Sony y la propia Illumination —dejando al margen al independiente Laika y a Warner Bros. Animation, más interesada en construir universos corporativos tras La LEGO Película— protagonizaron una atolondrada disidencia 3D bien lejos del prestigio crítico de Pixar, lo que no iba en detrimento de los taquillazos. Gru y Los Minions suponen el caso más sintomático por la desvergüenza con la que exprimen propiedades intelectuales, practican una homogénea comedia familiar y desdeñan las posibilidades expresivas de la animación.

¿Su mayor acierto? La creación de los Minions, claro. Lo que les rodea —ese villano que se aparta del mal en cuanto es padre de familia, o ese perezoso abordaje a imaginarios de espionaje hipertecnológico— es mucho menos interesante que los Minions en sí, todos doblados por un artista, Pierre Coffin, que ha codirigido cuatro de los cinco filmes de Mi villano favorito. Los Minions, inspirados en los Oompa Loompas de Charlie y la fábrica de chocolate y los jawas de Star Wars, son tan adorables como inquietantes, tan inofensivos como violentos. Con su color amarillo, reminiscente a Los Simpson y los emojis, están concebidos para quedarse en nuestra memoria. Para obsesionar a los niños.

Y a los no tan niños. Por pura concepción, la saga Gru exige el desembarco de familias enteras en las salas, lo que parece haber conducido a una curiosa afinidad entre los padres y los Minions. En EEUU, esto ha llegado al punto de que los Minions protagonicen centenares de memes, amparados en el caos libérrimo con el que funciona su humor. Los Minions son estúpidos, torpes, y el galimatías con el que se comunican intensifica una hilaridad que no lograría por sí solo su gusto por la escatología. Su éxito, por tanto, es categórico, y la calidad de las películas que protagonizan nunca le ha tenido que importar demasiado a nadie.

Los Minions en solitario (más o menos)

Gru 2 fue la película más desequilibrada de la saga, y lo fue por su incapacidad para administrar el atractivo de los Minions. La directiva de Meledandri supo verlo y por eso su siguiente proyecto fue, propiamente, un filme centrado en los Minions. La jugada funcionó mucho mejor, beneficiándose de un saludable sentido de la anarquía y una independencia del argumento que convenía mantener si se realizaba una secuela directa, al margen de la línea principal que protagoniza Gru y su familia. Pero El origen de Gru da la espalda a estos hallazgos, intensificando elementos que ya previamente no terminaban de funcionar.

La senda de Shrek, por muy eficaz que pueda ser, corre un peligro aún mayor que Pixar de quedarse en tierra de nadie tratando de combinar reclamos para el público infantil y el adulto. Su hambre del guiño pop, de la referencia directa a una realidad mediática fuera de la película, puede entrar en conflicto con el atractivo que debieran leer los más pequeños y, en este sentido, Los Minions alcanzaba cotas desconcertantes. Su carácter de precuela forzaba a instalar la historia en los años 60, homenajeando a toda la cultura anglosajona de entonces a través de una agotadora playlist de clásicos y cameos fulminantes de los Beatles.

Gru 3 recayó en esta encrucijada al presentarnos a un villano marcado por la nostalgia ochentera —acaso justificando del todo que los Minions gusten tanto a los padres—, pero la buena noticia con respecto a El origen de Gru es que este ingrediente se ha rebajado. La historia transcurre ahora en los 70, rastreando los primeros pasos de Gru como supervillano ayudado de los Minions, pero hay una inmersión más suave en los clichés de la época. El filme prefiere, así, traer elementos que causen placer interseccional —dragones de colores radiantes, artes marciales, persecuciones por las empinadas calles de San Francisco—, en lugar de tirar por lo específico y enfangarse en la preocupación por el aburrimiento paterno.

Tristemente, es lo único positivo. Que Gru pase a ser protagonista demanda que la narrativa de esta secuela de Los Minions sea más similar a la de la saga principal, dedicada ahora a la construcción de su personalidad mientras los secuaces quedan desdibujados. Las travesuras de los Minions vuelven a ocupar un régimen secundario, como paréntesis autoconclusivos de la trama, que hacen brillar por contraste lo rutinario del guion. Cuanto más se pliegan al relato, peor suelen rendir las películas de Illumination —es por ello que quizá sea la primera ¡Canta! su obra más lograda, sin inquietud por disimular que solo pretende ser un encadenado de números musicales—, y El origen de Gru es un ejemplo ominoso.

El último trabajo de Illumination aglutina buena parte de los defectos que lleva suscribiendo la animación mainstream alejada de Disney/Pixar desde hace dos décadas. El apartado técnico vuelve a ser mediocre —la costumbre de disimular la pobreza de las formas con iluminación y colores cálidos conduce ocasionalmente a que estas se difuminen—, el humor acusa el agotamiento de la fórmula, y el entramado dramático discurre entre la previsibilidad y la sensiblería desde una escritura que más que automática parece moribunda.

El impacto de ver a los Minions enseñando el trasero, combinando idiomas o volviendo a manifestar su amor por las bananas debía, forzosamente, entrar en cuarentena en algún punto del trayecto. Minions: El origen de Gru bien podía ser ese punto, si no fuera porque ya está en desarrollo Gru 4 y es probable que los números en taquilla sigan convenciendo a Illumination de que va por el buen camino. En base a sus prioridades, desde luego, nadie podría negárselo.

AC