En un hito solo al alcance de super estrellas globales, Duki tuvo una noche consagratoria este sábado en la capital española, en la que también confirmó la enorme gravitación de la música urbana argentina en el mundo de habla hispana.

En el estadio del Real Madrid, ante más de 65.000 personas, el rapero surgido de las “batallas” de improvisación del porteño Parque Rivadavia brindó un recital demoledor, en el que contó con un sinfín de invidados, entre los que se destacaron Nicki Nicole y Emilia Mernes, pareja de Duki y también una artista de enorme popularidad en España.

A sus 27 años, el rapero disfruta de una carrera en continuo ascenso en España, que le ha llevado de salas pequeñas en sus inicios para después pasar por el WiZink Center de Madrid en 2023 con dos fechas, hasta llegar ahora a esta cita en el Bernabéu.

Duki es el primer artista argentino en marcar el hito de un Bernabéu lleno, lo que lo confirma como figura de referencia de la generación dorada de la música urbana de nuestro país, en la que se destacan también artistas de enorme éxito por fuera de nuestras fronteras, como María Becerra, Emilia, Nicki Nicole, YSY A, Milo J, Dillom, Wos, Cazzu y tantos más.

“Lo que me trajo aquí es mi gente”, fue la respuesta emocionada de Duki a una pregunta de su propia madre el pasado ueves en Madrid. Hubo tamibién palabras de agradecimiento a sus seguidores en una emocionante rueda de prensa en el estadio Santiago Bernabéu, donde se presentó este sábado con todas las entradas vendidas desde hace meses.

DM

“Morir es un arte, como todo”, escribía Sylvia Plath, la poeta que poco tiempo después de escribir esas líneas metió la cabeza adentro del horno con gas de su cocina y se suicidó. Dillom también convirtió en arte su propio final en Post mortem (2021), cuando en sus conciertos era llevado en su propio ataúd. Ese álbum lo instaló como una figura central de la música nueva, creando un universo paralelo dentro del trap con sus propias reglas: escenas explícitas de sexo y drogas, humor negro, angustia, rabia y terror. 

En el verano, Dillom fue el foco de las noticias cuando cantó en el Cosquín Rock el tema “Sr. Cobranza” (que popularizó la Bersuit en los noventa) y le añadió unos versos dedicados al ministro de Economía del gobierno de Milei: “Me muevo para aquí, me muevo para allá, a Caputo en la plaza lo tienen que matar”. 

El anuncio de la salida de un nuevo disco generó otro tipo de ruido a su alrededor. Sin embargo, Dillom no sucumbió al algoritmo ni al dictado de la industria. Prefirió el misterio antes que los singles adelanto. Su estrategia fue subir todo el disco completo de una sola vez.

Hace una semana editó Por césarea, su segundo álbum, y rápidamente se colocó en el noveno puesto del Top Global. El morbo del miedo es taquillero y lo que hizo en esta nueva producción fue crear un cuento de terror psicológico sobre el nacimiento de un monstruo. La pesadilla es que ese monstruo puede caminar entre nosotros, o puede habitar dentro de cada uno. 

Es un álbum incómodo que va a contramarcha de la escena efervescente del trap. No habla de fiestas ni marcas caras, o mansiones. Refleja el clima de hastío de la época, dominado por el miedo, los discursos de odio en las redes sociales y la crueldad de las decisiones políticas, apoyadas por un segmento de la sociedad capaz de votar en contra de sus propios intereses. 

En una de las frases del disco Dillom canta: “Entonces pienso cual es el problema/ si un poco me calienta la desgracia ajena/si colaboro con la fuente de las penas/quiero sentir que soy la carie (sic) de tu muela”.

El guion original de este disco nació de aquellos momentos claves del artista donde tomó otras decisiones que lo llevaron a un lugar diferente y le permitieron dedicarse a la música, en medio de imágenes que lo marcaron: el día que detuvieron a su madre por posesión de cocaína o el día que su padre lo echó de su casa y no tenía otro lugar a donde ir que la casa de una familia amiga que lo terminó “adoptando”. 

Dillom utilizó escenas frustrantes de la adolescencia y se preguntó qué hubiera pasado si todas esas decisiones que lo llevaron por otro camino hubieran sido distintas. Ese fue el puntapié conceptual de la narrativa del disco para crear un universo paralelo que dispara preguntas inquietantes: ¿qué transforma un alma pura en un monstruo?, o ¿cuando nace el mal? Quizás sólo hace falta una acción para que todo eso suceda, para que todo se desencadene.

La lírica del álbum y el clima cinematográfico, asfixiante, tenebroso, muestra esa radiografía de un personaje de ficción, que vive toda esa transformación, donde se acumula el desánimo, la obsesión, el resentimiento, la brutalidad, el consumo de drogas, los trastornos de personalidad y la fantasía del suicidio como solución final. Dillom escribe con la precisión de un médico forense que disecciona sin miedo el corazón de un psicópata, y que en realidad puede ser una persona común como tantas otras. 

 “Vivo con el impulso de destruirlo todo

Y hay algunas noches que me dejo ganar.

Tengo a mis demonios haciéndome los coros

diciéndome al oído que sos para mí“.

‘Por cesárea’, canción a canción 

En este cuento tenebroso de doce canciones continúa cierta tradición del rap y el trap de traficar en sus universos musicales la influencia de las películas de terror. Lo hicieron desde los raperos Nas y Tupac en los ochenta hasta Travis Scott, Odd Future y Kanye West en el siglo XXI. En el álbum Por cesárea las referencias culturales y musicales son muchas: Edgar Allan Poe, Tim Burton, Daft Punk, Blur, Kendrick Lamar, Beastie Boys, Nirvana, pop de los setenta, el jazz, la música contemporánea, el hip hop vieja escuela y hasta María Elena Walsh. 

En “Carie”, la voz de Lali emerge grave, ululante, gótica y se hamaca sobre una nana que cita los primeros versos de “Plegaria desvelada”, de la autora de “Como la cigarra”.

“Dios mío, dame mi sueño de paz, y no de pastillas

(Y no de pastillas)

El diablo que nunca duerme. 

Penando me despabila“.

Nada puede generar tanto miedo como la propia mente humana y el artista con su música de terror psicológico pone en situación al oyente desde la primera canción del disco. “Últimamente”, comienza con un groove que recuerda a “Paranoia y soledad” de Serú Girán y que plantea rápidamente el ingreso a esa paisaje ominoso de las cuerdas del Cuarteto Divergente, dirigido por Alejandro Terán, que hizo arreglos musicales para Charly García. 

“Para sentir que algo se viene/no hace falta ser vidente”, canta Dillom en la canción de apertura con un flow lento, pesado, hasta que hay un quiebre. La voz se deforma, la base instrumental se torna oscura como una cripta. Nace la bestia. Lo demás será el derrotero de ese personaje y el in crescendo de su locura.

La producción musical de Fermín Ugarte y el ingeniero de sonido Santiago de Simone acompañan la tensión y la atmósfera densa del monólogo mental de Dillom, que parece caminar en círculos adentro de esta ópera tenebrosa y contemporánea donde se mezclan el ruidismo de las cuerdas, los samplers, los riffs de guitarras, el peso del bajo y la batería, los sintetizadores, el post rock y un audio analógico de los setenta, registrado en estudios como Panda. 

Si en su primer disco Dillom jugaba con la incorrección y el humor, en este trabajo conceptual no se corre un milímetro de este narrador en off entregado a sus demonios: en el fondo es un disco sobre el vacío, la ausencia de amor y de futuro. 

En la “La novia de mi amigo”, explora las zonas más oscuras de una relación tóxica. “No digas que no es nuestro momento, eso no es cierto/dolía menos que agarren mi cuerpo/y me arranquen los brazos/mientras estoy despierto”, canta Dillom con una voz aniñada sobre los beats aletargados de un trip hop de pesadilla y un sonido de cuerdas que parece girar de forma envolvente junto al loop mental: “Me estoy volviendo loco/me estoy volviendo loco”. 

Se puede ver la mutación entre “Cirugía”, una canción pop de amor escrita por un control freak retorcido, “Buenos tiempos”, una diabólica crónica de la tríada sexo, drogas y rocanrol (sucesora de “Hegemónica”, de su disco anterior), y “Muñecas”, que es el relato crudo en primera persona de un femicida. 

En cambio, “Mi peor enemigo” con la colaboración de Andrés Calamaro y construido sobre el sampler de un solo del trompetista de jazz latino Jerry Gonzalez, funciona como un testamento de la frustración y el zeitgeist de este tiempo. La herida irá supurando en “Mentiras piadosas” y se infectará en “La carie”, a partir de estos versos: “Entendí que hacer el mal era la única opción”.

“Coyote”, es un grito desesperado, paranoico y alienante, que cabalga sobre un hardcore tormentoso y psiquiátrico. Mientras que en “Reiki y yoga”, la película se vuelve más truculenta, con ese piano de acordes menores que va descendiendo hasta el infierno. 

En el último track, “Ciudad de la paz”, el protagonista sufre la mutación: el alma suena aliviada, ya liberada de ese cuerpo tomado por la oscuridad. Dillom canta sobre un luminoso mantra de sintetizadores pop un estribillo y una melodía pegadiza que le dan brillantez a su voz. Es un nuevo reinicio, una suerte de redención final.

En las redes se discutía si este disco no sería su obra maestra. ¿Importa eso? Lo que importa es que Dillom con 23 años, perturba con su nuevo álbum, pero sobre todo deja flotando en el aire una idea, una sensación larvada y aterradora. Cualquiera puede ser un potencial monstruo: un familiar, un vecino, un compañero de trabajo o una pareja. Sólo hay que mirar al costado quienes son los que nos rodean. 

GP/DTC

Evlay sabe cómo es que la cosas falten en tu casa cuando sos chico. Sabe cómo las crisis económicas de un país pueden golpear directamente adentro de un hogar. Sabe como se puede romper una pareja y como la familia se vuelve a rearmar. Sabe cómo salir adelante, porque en su casa siempre salieron adelante. Sabe como es el deseo aspiracional de un título universitario. Sabe lo que es la frustración de hacer lo que no le gusta, y también sabe la explosión que genera en el cuerpo la adrenalina de encontrar lo que realmente estaba buscando en la vida. Incluso sabe –ahora, que está sentado en este departamento moderno cuyo edificio se recorta como la proa de un barco sobre la esquina de Corrientes, donde vive y tiene el estudio de grabación el productor estrella de los discos más importantes de la actualidad– lo que es el fracaso, lo que es el éxito, y lo que significa haberse comprado una casa gracias al trabajo con la música, quizás cuando muchos de sus amigos y familiares nunca puedan alcanzar ese sueño.

Cuando se traspasa la puerta del departamento una luz natural hace que todo el ambiente se vea resplandeciente. La casa de Evlay parece la portada de una revista de diseño: los objetos, las pinturas, los colores, los muebles, todo encaja, todo es equilibrado. En unos estantes está su colección de vinilos y uno que destaca por el dibujo de tapa: Almendra en su edición original. También hay una matrícula con el número 333, el mismo que da título al primer álbum del productor Evlay, un material con paisajes oníricos y oscuros, que son el reflejo de vivir enfrente del cementerio de Chacarita. 

Esa densidad de la muerte, a una cuadra de distancia, no se refleja en la armonía que fluye en este ambiente grande dividido por una gran mesa de grabación con una fila de instrumentos, donde el productor registra y diseña el audio de los discos y las canciones más escuchadas de la nueva escena: Milo J, Louta, Bizarrap, Ca7riel, YSY A, Nicki Nicole, y Paco Amoroso. Hasta bandas clásicas como Babasónicos tienen el sello de este productor, músico y compositor de 30 años que lleva una gorra de lana puesta, unos bigotes finos que le dan un aire europeo, un vestuario ancho y cómodo de skater californiano, el rostro y los brazos tatuados, la sonrisa amigable y el andar relajado, que descomprime esa contextura alta y robusta.

Hace unos días salió Descartable, el nuevo álbum de Wos, donde la firma de Evlay está en las canciones y la producción artística del disco. “Es un disco multigénero. La atmósfera es de a ratos oscura, melancólica, feliz y, al rato, full fiestero. Tiene todos esos matices. Siento que encontramos un audio que venimos buscando hace mucho tiempo. Llevamos dos años y medio trabajando. Hubo mil sesiones en todos lados. Laburamos en el sur, en Córdoba, acá en mí casa, en la casa de Valentín, en todos lados. Es uno de los mejores discos que hice hasta ahora”, dice Evlay. 

¿Qué hace que Evlay sea un productor estrella de la música? Evlay construye el sonido de un álbum de principio a fin: graba, compone, cierra la idea conceptual de una canción, toca todos los instrumentos y fluye con el artista por ese universo sonoro que le propone. En la mayoría de los discos en los que participa queda impresa una huella personal, un audio que es como su firma. “Todas mis producciones tienen un piso de vinilo. Me genera calidez. Siempre trato de poner ese ruido a púa”, dice Evlay.

Como toda su familia, Facundo Yalve es oriundo de Villa Caraza. Su padre y su abuela siguen viviendo en la misma localidad, donde jugaba de chico. Cuando habla del lugar donde creció y vivió hasta los 18 años, el ambiente moderno del loft se empieza a llenar del canto de los gallos y los pájaros, el sonido de las chicharras, el grito del afilador y los anuncios de los vendedores que pasan con la camioneta y su alto parlante: compro señora, compro heladera, compro todo usado, lo que tenga. Hasta se puede percibir el perfume dulce de las flores, o el olor a Riachuelo y curtiembre, que se hace más fuerte los días de lluvia. 

“Tengo muchas ganas de ir a grabar donde fue mi pieza y hacer un EP, con los sonidos y el perfume que me inspira el barrio”, dice el productor y músico, ganador del premio Gardel al mejor productor del año en 2022. 

Evlay lleva el número 1824, el código postal de Caraza, tatuado en el rostro. Así le puso al primer EP que editó en 2020, a través su propio sello Caraza Records,  donde aparecían los temas “520C”, “523E” y “158”, todas las líneas de colectivos que se tomaba en Lanús. Hay otros números que forman parte de sus producciones: 515 era el número de la casa en la calle San Martín donde vivió tres años con su amigo Pedrito Pascuale, guitarrista y productor del rapero Trueno. Su primer álbum editado en diciembre del 2023 se llamó 333, un número mágico que lo empezó a seguir desde que trabajó en la productora Lado3 (la misma de Lali Esposito). “Siempre que apareció fue afirmación de cosas buenas”, dice.

El álbum 333 se presentó el año pasado con un Niceto Club lleno, lo estrenó después en el Primavera Sound y hace unas semanas lo volvió a tocar en el Lollapalooza. Con sus texturas de noise, electrónica, rock y pop, el disco de doce tracks, tiene grandes colaboraciones: Santiago Motorizado, Wos, Lisandro Aristimuño, Ca7riel, An Espil, Neo Pistea y Taichu. En ese registro amplio se mueve la música de Evlay, quién tiene guardado en su cabeza un montón de información, como si fuera una biblioteca infinita de audios, efectos y samplers musicales. 

“A mí me gustan los discos que tienen capas. Lo que para mí fue oscuro y divertido, quizás a vos te puede generar melancolía o algo bueno. Es lo lindo de los discos con capas. Es un camino diferente a lo que se apunta hoy en día. Tuve la crítica de algunos colegas de que tenía a Cato (Ca7riel) y no lo aproveché para hacer canciones. Lo que me representa a mí es poder estar con mi amigo haciendo esa música deforme. Es la clave. Los discos que escucho todos los días de mi vida tienen la esencia de algo diferente”, dice Facundo. 

En el álbum, también, aparece su abuela Chela, que canta “Naranjitay”, un tema popular andino, que lo grabó en la pieza mientras tomaban unos mates. “Es una canción que me cantaba mi abuela de chiquito. Venía muy oscuro el disco y necesitaba algo que a mí me llevara a la paz. Escucho esa canción y me lleva a un estadío lindo de seguridad”. La canción es un guiño a la historia familiar. “Mi abuelo tenía un taller mecánico en Palermo y uno de los clientes era Jaime Torres. De tanto ir se hicieron amigos. Una vez invitó a toda la familia a que pasen un verano en Humahuaca. El también tocaba esa canción Naranjitay y todo eso viene de ahí”, cuenta Facundo. 

El arte de un productor como Evlay, se refleja en este primer disco, donde interviene samples, utiliza una librería de glitchs (que suenan como el efecto de roturas digitales), se apoya en sonidos orgánicos como la guitarra acústica, el piano, el noise, o el ruido rosa que provoca el mar. “Es un viaje escuchar un disco completo. No me gusta esta idea de los singles y adelantar los temas. A mí me gustaría que la gente llegue al disco completo sin saber nada”, dice, con cierta resignación.

Lo que le da esperanza es toda la música nueva que llega a sus oídos. El año pasado fue el productor artístico de 111, el primer álbum de Milo J, un artista precoz y talentoso de Morón de solo 17 años. “Milo tiene la esencia del barrio. Es talentoso y tiene alma de productor. Me encantó laburar con él. Solamente hay que acompañarlo. En otros artistas tenés que inventar cosas, con él no tenés que hacer nada”, dice Evlay. 

De alguna manera, 2019 fue su despegue en la industria musical hasta la consagración como productor artístico del disco Oscuro Extasis de Wos, que se llevó el Gardel de Oro en 2022. “Lo loco es que después de Oscuro Extasis y con los Gardel pensé que iba a tener más laburo y no. No es que me llamaron más. Siguen llamando igual”, dice el productor. 

Evlay hizo todas las inferiores de la música.

Es fruto de una familia de clase media que en los noventa sufrió el deterioro económico por la crisis. Su padre tenía una fábrica de camperas que quebró cuando se abrieron las importaciones y que se reinventó a la fuerza como empresa familiar. “Trabajaba toda la familia y se hacían arreglos de calderas, o se repartía pastas con la camioneta. Lo que saliera”, recuerda Evlay. En la niñez y adolescencia de Facundo faltó plata pero no la música. Su abuela, devota del guitarrista Oscar Alemán, lo mandó de chico a estudiar con Perlita, una profesora de guitarra que le pasaba yeites de tango, folklore y lo hacía practicar “Pájaro campana”. Su padre, un aficionado al karaoke, tenía teclados y hasta una guitarra eléctrica Gibson, que se la terminaron llevando unos cobradores de deuda.

Cuando sus padres se divorciaron empezó a tocar música en una iglesia evangélica los domingos. Con esos mismos amigos con los que jugaba al fútbol formó una banda punk. El camino musical ya estaba trazado. Ingresó a la escuela Tecson de sonido cuando tenía 19 años, trabajó ad honorem en estudios de grabación, tocó para sesionistas, produjo demos. 

De los muchos viajes de Caraza hasta el centro –cuando se tenía que tomar un colectivo hasta Lanús, de ahí se subía al tren Roca y después hacía una combinación con las líneas C y B del subte– salieron muchas ideas y sonidos que utilizaría en sus futuras producciones. “Era un viaje de más de una hora, pero aprovechaba todo eso estudiando, aprendiendo cosas en Youtube, leyendo o escuchando música. Era la aventura, no sentía que perdía el tiempo”, dice. 

Evlay todavía sigue en una aventura como en sus propios discos. Dice que viajará unos meses a Berlín para experimentar y conocer a fondo la escena electrónica. Tiene en la cabeza, también, un viaje pendiente para quedarse unas semanas en la quebrada de Humahuaca, recobrando aquel ritual que inició su familia y su padre junto a Jaime Torres. El chico que grabó y puso las canciones en los auriculares de la nueva generación, el mismo pibe de Caraza, que se despertaba con el sonido de las chicharras y los gallos, todavía no sabe ni quiere saber dónde terminará el viaje. 

GP/DTC

Cuando Rosalía sacó Motomami, su disco más ecléctico y uno de los más populares de la música española de los últimos años, la cantante también estaba dejando constancia de uno de los rasgos de composición musical más interesantes en el vínculo entre música, lingüística y literatura: la experimentación con el lenguaje.

Que en DIABLO la cantante pronuncie: “La que sale por TV / no es la que yo conóci”, acentuando de forma incorrecta la última palabra para generar la rima, es una idea que esconde detrás un origen, un contexto histórico en la música y un trazado de lenguas, estilos, cantantes y sonoridades cuyos conceptos se expanden ya hacia otros tantos artistas que a día de hoy hacen de la música un espacio de apuesta por el lenguaje y la transformación de la palabra.

Slappy Av tiene 21 años, hace música urbana e hyperpop y utiliza los mismos patrones de rima. Acaba de sacar el disco Ultras del Amor y en casi todas sus canciones se pueden encontrar barras hechas a partir de palabras acentuadas donde ortográficamente no corresponde, versos libres, sinalefas, sílabas alargadas y rimas que parecen forzadas. Pero muy lejos de tener que ver con un error gramatical, este particular salto en la normativa de la escritura es más que consciente: “Lo hacemos por dos razones: porque nuestro estilo de música viene del inglés, y porque nos caracteriza hacerlo complicado, nos gusta buscarle una vuelta de tuerca”, dice Slappy en una entrevista con elDiario.es. 

En Annie Hall 2, canta: “Da vueltas mi cabezá / pensando que tú te vas”; en LindooOo, une las vocales finales para encajar la rima: “Me pasé la tarde volviendo a tus audios / como si alguno fuese a decir algo / como si no te tuviera tantoásco”; en Gandía Shore, se le oye: “Otra zorra se cree que es aesthetíc / yo en su booty estoy jugando al tetrís” y en Bona Nit!!, entona: “La musíca nunca se marchitá / [...] pero me despiertan pesadillás”. El joven zaragozano hace música como lo hacen muchos artistas de la generación zeta: en su casa, con una tarjeta de sonido y un micrófono, e influenciado por un género musical que todavía lleva muy poco tiempo dentro de la escena en español pero que ya marca en él y en muchos más una forma particular de escribir.

La influencia del inglés

“El trap en inglés está lleno de monosílabos”, explica Slappy, “y como estamos utilizando unos sonidos que vienen de América, los adaptamos al español como podemos. Artistas como Mda o Rojuu son algunos de los que más y mejor lo hacen. Pero sobre todo también es un recurso lingüístico, es una figura retórica”, justifica el cantante. “Hacemos que suene más exagerado para que se note que es a propósito, nos aprovechamos de ello. Es una música a la que cuesta adaptarse si no se ha escuchado nada parecido antes”, piensa. Y por eso la ruptura de las normas ortográficas y de acentuación en la composición musical han pasado a formar parte del propio proceso creativo.

Es cierto que modificar los golpes sonoros de las palabras en busca de la rima no es nada nuevo. Clara Isabel Martínez Cantón, profesora titular en la facultad de Filología de la UNED que escribió varios artículos “sobre el rap y los acentos”, cuenta que ocurre con cientos de canciones de la industria nacional e internacional desde décadas atrás. Pero aunque “no es algo que no se haya hecho antes”, explica la filóloga, “lo interesante y lo distinto es el cómo se está haciendo”, dice. “Y eso viene claramente del rap”. La diferencia, para la teórica, es que “antes no era algo sistemático y se hacía con intenciones distintas”, pero los géneros urbanos son los que realmente tienen que ver con la ruptura de las normas, con la libertad compositiva y, sobre todo, afirma, “con una clara experimentación del lenguaje”.

Hacer rap en español era algo muy difícil hasta que vieron que podían romper las palabras

Clara Martínez Cantón — Doctora en Filología Hispánica

Que Slappy Av identifique en su música el origen del inglés no es casualidad. Clara Martínez Cantón explica que cuando empezó a investigar “la forma en que los cantantes de rap españoles modifican la métrica” descubrió “toda una teoría del rap en inglés” que, asegura, “exige una competencia lingüística enorme para llegar a entender cómo ellos escuchan los sonidos, qué consideran rimas y qué no y cómo juegan con lo fónico”, relata la filóloga. “Hacer rap en español siempre había sido algo muy difícil porque es un lenguaje con sílabas llanas y muy exigente con la rima; lo mismo con el italiano y las esdrújulas”, comenta. “Hasta que los cantantes del género urbano se dieron cuenta de que podían romper las palabras, forzar la sonoridad y hacer cosas mucho más interesantes”. Allí comienza todo un camino de ruptura lingüística en la música y la métrica en español.

El proceso de globalización, clave

Un camino en el que también entra el reggaetón, el dembow y el trap, “todos géneros que vienen del hip hop y que son de origen improvisatorio, propicios a utilizar ciertas estrategias de improvisación cometiendo desviaciones léxicas en pro de la rima y la métrica”, explica en una entrevista la musicóloga Laura González Martínez, especializada en el indie en España que también investigó las músicas urbanas. Pero para entender cómo estos recursos de composición pasan de ser algo propio de los géneros urbanos a expandirse, utilizarse en todos los estilos y poder identificarlos hasta en la canción de pop comercial de Aitana que dice: “Quiero bailar perreando toda la noché”, la musicóloga señala una razón clara: la globalización.

El auge de la cultura hispana en el mercado anglosajón explica que nos estemos habituando al 'spanglish' o a la jerga latina

Laura González Martínez — Musicóloga

“Se ha producido un acceso a culturas que muchas veces nos resultan ajenas y que tienen sus propios códigos. Principalmente el auge de la cultura hispana en el mercado anglosajón explica que nos estemos habituando al spanglish o a una jerga latina de la que no teníamos ni idea”, afirma González Martínez. Por otro lado, Clara Isabel Martínez Cantón también recalca que “la experimentación viene sobre todo de Latinoamérica”, sostiene, “y en este ámbito del lenguaje seguramente tenga mucho que ver la cercanía y el contacto que mantienen con el inglés, de manera que les ha sido más fácil trasladarlo”. De esta manera, como una especie de cadena, la musicóloga asegura que la entrada de los géneros urbanos en la industria musical y el mainstream es lo que explica que Rosalía ponga el golpe en la última sílaba en muchas de sus canciones, “como lo hacían originalmente en el trap y el dembow de República Dominicana”, recuerda.

Por eso la musicóloga cree que el recurso de manipular la acentuación de las palabras a favor de la rima, más allá de las razones compositivas de eficacia “por las que se ha hecho siempre”, mantiene un punto en común con otras estrategias musicales: los ajustes rítmicos que simulan los del dembow como hace Lola Índigo en su tema Las Solteras “con ese 'down diki diki down'”, pone de ejemplo Laura, la repetición melódica de sílabas o la imitación de acentos también tienen que ver con un proceso cultural y político. 

El cambio en la métrica se debe al auge de la cultura hispana, al intercambio cultural entre países y a la apropiación

Laura González Martínez — Musicóloga

“Son géneros de origen afrodescendiente que normalmente se ponen en valor cuando un blanco mete mano, como ha ocurrido con el reguetón”, justifica Laura. “Así que podríamos decir que este cambio en la métrica se debe a una mezcla de factores: el auge de la cultura hispana, el intercambio cultural entre países y la apropiación. El boom de todas estas músicas es lo que ha traído nuevos recursos lingüísticos y sonoros”. 

También cuestión de creatividad

Aun así, recuerda la musicóloga, no hay que olvidar un componente clave en las transformaciones de la métrica musical que tiene mucho que ver con el objetivo creativo, de experimentación, de libertad e intencionalidad. “El swing es uno de los rasgos más importantes y característicos del jazz, y consiste en mantener la dislocación del ritmo todo el tiempo con fines expresivos”, explica González Martínez poniendo de ejemplo el estilo de la mítica Amy Winhouse. Cantar saliéndose del ritmo, “jugar con las dinámicas, alargar corcheas”, detalla. “Pues en el rap se utiliza el swing, aunque lo llaman flow. Uno de los principales desafíos de un cantante de rap es tener flow, un elemento que no tiene una estructura clara: son los cantantes los que lo hacen como quieren”, concluye la teórica.

Y esto respalda la idea que exponía Slappy Av sobre cómo la métrica de su música tiene que ver también con el propio estilo: “Nos gusta que nuestra música suene así”, repite el joven músico. “Nos basamos mucho en la espontaneidad, lo tengo muy automatizado, supongo que por haber escuchado música americana pero también por haber escuchado a los que la trajeron a España y demostrar que queda bien, ver que funciona”. Sin embargo, desde el canon de la Academia, al profundo fenómeno cultural y social que se esconde en el vínculo entre métrica y música “no lo consideran literatura”, confiesa Clara Isabel Martínez Cantón.

A veces voy en el bus y en el paso de cebra se me ocurre una frase, así que me la apunto y luego en mi casa hago que se convierta en una canción sin importarme, ni mucho menos, cómo se acentúan sus palabras

Slappy Av — Músico

“A pesar de que la poesía y la música han ido ligadas desde sus orígenes a través de distintos rituales construidos con elementos que producían un ritmo sistemático en la palabra”, defiende la doctora, “el tema no suele ser objeto de estudio en este ámbito”. La docente universitaria, que está trabajando en un proyecto junto a Guillermo Laín Corona para investigar “distintas musicalizaciones desde distintos géneros de poemas, empezando a estudiar letras de canciones”, incide en “lo interesante y lo importante” que es en realidad para la lingüística, la literatura y la música la experimentación del lenguaje que han traído los géneros urbanos y que hacen entender la nueva tendencia no solo como una forma de jugar con el habla sino también, a fin de cuentas, como una forma particular de relacionarse con el mundo. “A veces voy en el bus y en el paso de cebra se me ocurre una frase, así que me la apunto y luego en mi casa hago que se convierta en una canción”, termina por decir Slappy Av, “sin importarme, ni mucho menos, cómo se acentúan sus palabras”. 

La Cámara de Apelaciones y Garantías de Mercedes revocó este jueves el fallo que benefició con la libertad de Elián Ángel Valenzuela, el músico más conocido como L-Gante, Se trata de la causa en la que está imputado por amenazas y privación ilegal de la libertad, entre otros delitos. Reprendió también al juez lo excarceló por no haber escuchado el pedido de la víctima del hecho para que no se lo libere, informaron fuentes judiciales.

Los camaristas Oscar Reggi y Jorge Risuleo hicieron lugar al recurso de queja presentado por el particular damnificado y la fiscalía contra la resolución del juez Gabriel Castro, quien el 8 de septiembre pasado dictó el cese de la medida de coerción que pesaba sobre el cantante. Ese mismo día, Valenzuela había recuperó la libertad tras pasar más de tres meses preso.

Días tras la liberación, el fiscal Raúl Villalba y los abogados Leonardo Sigal y Pablo Becerra, quienes representan a uno de los denunciantes de L-Gante, apelaron la medida ante el propio magistrado y solicitaron que el acusado volviera a ser detenido.

Sin embargo, el juez Castro no hizo lugar a esos recursos, por lo que las partes acusadoras se presentaron en queja ante la Cámara de Apelaciones. La misma se expidió esta tarde en un fallo de 13 páginas.

Para los camaristas, “no varió la apariencia de responsabilidad del encausado, como así tampoco el peligro cierto de frustración de los fines del proceso” si no se adopta la medida de coerción, y que no se incorporó “elemento alguno que amerite la reconsideración del medio coercitivo” decretado en su momento.

Además, en uno de los puntos resolutivos, la Cámara reprendió al juez Castro. Le “hicieron notar” que “en lo sucesivo deberá dar estricto cumplimiento” a la Ley 15.232 que indica en su artículo 12 que la víctima tiene derecho a ser informada o a ser oída antes de otorgarle la excarcelación al acusado.

Los mismos camaristas ya habían confirmado a fines de agosto y principios de septiembre la prisión preventiva dictada para L-Gante. En ese entonces, una fuente judicial con acceso al expediente había explicado que la causa debería volver a esa instancia, más allá de que la defensa apele y lleve el incidente hasta el Tribunal de Casación bonaerense.

De hecho, ese tribunal tiene pendiente resolver el incidente de excarcelación extraordinaria, otorgada en su momento por el juez Castro y rechazada por la Cámara de Apelaciones de Mercedes.

Por su parte, el fiscal Villalba, sostuvo al momento de recurrir el cese de la coerción que la liberación causaba “un gravamen no susceptible de reparación en otra etapa del proceso, puesto que el encartado continúe privado de la libertada parece indispensable para asegurar el desarrollo del procedimiento”.

Según Villalba, luego de analizar la resolución, “no se ha advertido ni mencionado la desaparición de elemento alguno que haga mudar la situación procesal en la que el encartado se encontraba”.

En esa línea, consideró que el fallo “evidencia que el juez garante se ha excedido en sus funciones, pues si se trataba de una reevaluación en el orden de lo expuesto, debería haber corrido traslado a esta parte, lo que a las claras se evidencia que no hizo”. “En síntesis, dispuso un cese de coerción sin petición de parte y extralimitándose en sus facultades”, afirmó, por lo que solicitó que decrete la “nulidad” de la resolución y ordene la “detención” del acusado.

L-Gante fue liberado la noche del 8 de septiembre pasado de los calabozos de la Delegación Departamental de Investigaciones (DDI) en Quilmes, donde estaba alojado desde el 6 de junio.

Al cesar la medida de coerción, el juez Castro tuvo en cuenta la declaración de cuatro nuevos testigos presenciales de la supuesta privación ilegítima de la libertad que el cantante de cumbia 420 protagonizó en mayo pasado en General Rodríguez. Eso motivó una “reevaluación” de la prueba que existía en el expediente y su liberación por el “beneficio de la duda”.

La denuncia que derivó en la detención del cantante fue realizada el 27 de mayo por Gastón Torres, vecino de la familia de Valenzuela en el barrio Bicentenario de la mencionada localidad al oeste del conurbano bonaerense.

LC con información de agencia Télam

Sara Socas es una cantante, compositora y rapera española de 26 años, oriunda de las Islas Canarias, que en 2016 se aventuró en el mundo del freestyle. Tras consagrarse como la primera mujer en participar de la liga FMS España, la artista decidió dar un salto en su carrera y adentrarse de lleno en la industria musical. Hoy presenta por primera vez en Argentina su álbum debut TFN-MAD, que incluye el single “Fockit” que grabó con Marilina Bertoldi. Ahora, en “La Trastienda”, sonarán esta y otras canciones que grabó recientemente, de la mano de una banda integrada exclusivamente por mujeres.

En esta entrevista exclusiva para elDiarioAR, la cantautora repasa sus primeros pasos en el mundo de la música y cómo fue el proceso de elaboración del disco, al que define como “las cartas sobre la mesa” por su diversidad de géneros y estilos que explora.

-¿Cómo decidiste involucrarte en el mundo del freestyle?

-Yo descubrí el freestyle cuando cumplí 19 años, que fue en el verano de 2016. Pues, estaba en el cumple del novio de una vieja amiga y amigos suyos empezaron a hacer freestyle con la guitarra y como a vacilar entre ellos. Me pareció fascinante y lo empecé a hacer un poco de broma, un poco de hobby. Y bueno, ya al año me apunté a mi primera batalla de parque. Ahí ya fue donde, de manera natural, se fue dando todo.

-¿Cómo sentiste ese salto de hacerlo por hobby a dar tu primera batalla?

-Fue fuerte, ¿sabes? La batalla era en un parque en un pueblito de Tenerife, de las Islas Canarias, de donde soy yo, y pues no había mucha gente tampoco, pero igualmente me ponía nerviosa porque no estaba acostumbrada a rapear delante de gente que no fuera conocida.

-Desde esa batalla fuiste ganando muchísima popularidad en el mundo del freestyle, pero recientemente te fuiste alejando de ese ambiente. ¿Por qué?

-De un tiempo para acá, no me sentiría tan cómoda con el hecho de batallar. Aparte de eso, creo que si tu verdadero interés y lo que te mueve es la música, cuanto antes des el salto mejor porque hay mucho que aprender, hay mucho que trabajar. Además, no es lo mismo que la gente te conozca, pero lo haga como batallera o freestyler que el que te conozcan como música o con tu propio proyecto. Hay que hacer una especie de transición ahí y creía que ya estaba ready para realizarla.

-Hablando de tu nuevo proyecto, aunque te alejaste del freestyle, ¿recuperaste elementos de este estilo en tu nuevo álbum?

-Por completo no abandoné el freestyle, creo que eso es algo imposible. Y siento también que es súper beneficioso todo lo que se aprende haciendo freestyle y batallas: de juegos de palabras y juegos métricos, que yo creo que ayudan bastante a hacer una composición más original y más rica. Y sí, por supuesto, en el disco hay canciones más reivindicativas, más parecidas a ese perfil que yo tenía como personaje del mundo de las batallas. Pero también hay acá una Sara más cantante, por así decirlo. Hay canciones donde apenas hay partes que sean rapeadas o habladas, sino que es puro cantar, más musical, R&B, y bueno, pues, un poco esa combinación.

-Una de las canciones de tu nuevo disco es una colaboración con Marilina Bertoldi. ¿Qué te motivó a grabar con ella?

-Yo venía a hacer una exhibición en FMS Argentina con G Sony -que salió genial afortunadamente- y quería aprovechar para hacer algo musical, algún junte nuevo, algo distinto. Justo en mi equipo está lleno de argentinos y me enseñaron videos de ella y de lo que hacía y me encantó un montón. Ahí dije “¿por qué no la contactamos?” y, desde el minuto uno, ella estuvo súper receptiva, encantada. La verdad que, para mí, trabajar con una artista así -tan única, pero que ya ha hecho un montón de cosas como ganar un Gardel y construir una carrera como artista, música y todo- es genial.

-Ahora que ya colaboraste con una artista argentina y estás pisando fuerte en la música urbana, ¿con qué otro cantante te gustaría grabar un tema?

-Muchos. Yo creo que Argentina rebosa de talento y, de unos años para acá, la música urbana la está rompiendo. Al pensar en música urbana en español es imposible no pensar en Argentina. A mí me encanta Nicky Nicole y, también, un artista que me gusta mucho, como a muchísima gente, es Duki. Siempre hace música súper motivante, hable de lo que hable, súper bien escrita. Es piola.

-¿Qué tiene que tener un artista para que te atraiga o quieras hacer una colaboración con ellos?

-Es importante que el artista tenga personalidad y tenga algo suyo propio. Y creo que de los que de los que acabo de nombrar, eso es algo claro. Son dos artistas; no hay otros dos que sean iguales a ellos. Eso está muy bueno.

-Además de cantante, tenés una faceta como activista. ¿Cómo se mezcla esa bandera del feminismo que levantás con la industria musical?

-Soy más nueva en la industria musical; sé más del freestyle, pero lo que te puedo decir es que hay cada vez más productoras mujeres. También está siendo una etapa de oro para las pibas artistas. Las sesiones más pegadas últimamente de Bizarrap son con pibas. De hecho, a mí las que más me gustan son de pibas, como la de Nathy Peluso, la de Shakira y la de tantísima gente. Entonces yo creo que, al igual que en otros espacios de la sociedad, en la música también se está produciendo ese cambio y ojalá que siga así.

-En la música urbana, a veces las canciones sexualizan a las mujeres. ¿Creés que hay una presión en el medio para adoptar ese tipo de letras?

-En mi caso, como no estoy firmada con ninguna discográfica, no tengo esa presión de “tienes que hacer esto” o “esto sería mejor para tu carrera”. Yo estoy siendo fiel a mi proyecto y probando cosas y tengo gente que me apoya al lado que cree en ello. Me siento bastante libre, pero supongo que depende del tipo de música que hagas, el tipo de arreglo al que hayas llegado y la gente que te acompañe. Sí creo que existe, sobre todo en las pibas, mucha más presión con la estética, con la imagen y con los discursos también.

-Se nota que te sentís cómoda en el camino que estás transitando, así que sólo me queda preguntarte, ¿cómo te estás preparando y qué esperas del concierto de este jueves?

-Yo creo que esto es otro salto de mi carrera y de lo que soy yo, porque una cosa es el freestyle y otra es hacer un show, además, como lo hechos armado. Voy con banda, que todas son minas que ya me parece un mensaje en sí mismo, independientemente de su hay canciones más feministas o hablando más de otros temas que pueden ser más banales. Son unas músicas increíbles, estamos ensayando súper duro. Yo me siento cómoda, empoderada y segura sonando así. Creo, ya te digo, que van a ver la nueva etapa de Sara y espero notar esa energía en el escenario porque yo lo voy a dar todo.

ACM

El rapero Trueno encabeza las nominaciones a los Premios Gardel 2023, con participación en nueve categorías entre las que destacan a Álbum del Año, que consagra al ganador del Gardel de Oro; a Canción del Año, a Grabación del Año y con presencia en todos los rubros dedicados a la música urbana. Las ternas se dieron a conocer este martes y la ceremonia será el próximo 16 de mayo, aunque aún no se confirmó el escenario.

Su gran rival pareciera ser Dante Spinetta, que con su disco “Mesa dulce”, obtuvo siete nominaciones, entre ellas a Álbum del Año y a Mejor Álbum de Rock. En tanto, Babasónicos se anotó en seis categorías, también a Álbum del Año y a Mejor Álbum de Grupo de Rock.

Además de Trueno por “Bien o mal”, Spinetta y Babasónicos, los aspirantes al máximo galardón son María Becerra por “La nena de Argentina” y Ciro y Los Persas junto a la Orquesta Filarmónica de Mendoza por “Sueños (Un viaje en el tiempo)”.

Tanto María Becerra como Tini aparecen en cinco categorías; Los Auténticos Decadentes, Bizarrap, Fito Páez, Ciro y Luciano Pereyra, en cuatro; y Nathy Peluso, La Konga, Eruca Sativa y Leo Genovese, en tres. Así lo dio a conocer hoy la Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas (CAPIF), la organizadora de estos premios, a través de una serie de videos en sus redes sociales.

Entre las 48 categorías, destaca la de Canción del Año, donde pugnarán por el premio “Quevedo: BZRP Music Sessions, Vol. 52”, de Bizarrap y Quevedo; “Bye Bye”, de Babasónicos; “Bien o mal”, de Trueno, quien también se anota con “Argentina” en colaboración con Nathy Peluso; “Fiesta Time”, de Leo Genovese; “La Triple T”, de Tini; “Una mujer como tú”, de Luciano Pereyra y Los Ángeles Azules; “Mi fiesta”, de Bandalos Chinos; la mundialista “Muchachos, ahora nos volvimos a ilusionar”, de La Mosca; y “Todos nos vamos a morir igual”, de Los Tekis y Los Auténticos Decadentes.

Desde 2020 que estos premios que cumplen 25 años no distinguen ganadores por género e incluyen diversas categorías que contemplan una amplia gama de estilos musicales y distintos momentos de los procesos de producción. La primera edición en 1999 consagró con el Gardel de Oro a Sandro y en la pasada entrega fue Wos el artista que se alzó con el máximo galardón.

“Esta es sin dudas una edición histórica de los Premios Gardel porque cumplen nada menos que 25 años celebrando la música argentina. Llegar hasta acá habiéndose consolidado como el premio más importante de la música en nuestro país es ante todo un privilegio, significa una gran alegría y también representa un enorme compromiso con nuestros artistas”, dijo Diego Zapico, presidente de la CAPIF.

LC con información de agencia Télam

Este fin de semana un argentino llenó el WiZink Center de Madrid dos días seguidos y no fue ni Andrés Calamaro ni Fito Páez. El cartel de “no quedan entradas” fue para Mauro Ezequiel Lombardo, más conocido como Duki. Tiene 26 años y es el máximo exponente del éxito de la nueva ola musical que triunfa en Argentina. Con 23 millones de oyentes mensuales en Spotify y dos nominaciones a los Grammy en 2021, año en el que fue el artista argentino más escuchado, según la misma plataforma, se posiciona como la cara más visible de una escena de música urbana con la que se identifica toda una generación en su país.

‘Empezamos tocando para 30 personas y ahora te llenamos el estadio’, canta Duki a capela delante de más de 34.000 personas entre el viernes y el sábado en Madrid. Este verso corresponde a su sesión con Bizarrap, con la que llevan más de 70 millones de reproducciones en YouTube y otros 90 en Spotify. “Es increíble que me pueda sentir así fuera de casa”, asegura. Lo cierto es que en cuanto anunció la primera fecha en Madrid tardó solo unas horas en vender todas las entradas. Para el concierto de Barcelona en el Palau Sant Jordi ya no quedan. Y pese a que en España no pare de vender tickets, más aún lo hace al otro lado del charco: llenó hasta cuatro veces el estadio de Vélez vendiendo 180.000 entradas.

“Es que Duki es real; rapea viniendo de la calle y por eso nos identificamos con él”, comentan dos jóvenes argentinos a las puertas del antiguo Palacio de los Deportes de Madrid. La de Duki es la historia de un chico del barrio de Almagro con pocos ingresos económicos que dejó sus estudios para ser artista. “Y mi madre pensaba: este pibe está loco”, comenta entre risas sobre el escenario. 

‘No vendo trap’ es el título del primer tema que subió Bizarrap a su canal. Es un remix de la primera canción de Duki, quien creó a su alrededor la escena de trap en el país. El rapero pudo grabar su primera canción en 2016 después de ganar El Quinto Escalón, un concurso de rap freestyle que consiguió enganchar a la juventud argentina. Sin micrófonos, ni promoción, ni grandes recursos. Solo la quedada que luego sería subida al canal de YouTube. Hasta que se hizo viral. De este concurso fundado por el rapero Ysy A, que duró hasta 2017, también salieron artistas como Paulo Londra, Trueno o Neo Pistea. Si bien el país no tuvo demasiados artistas relacionados con el hip-hop, El Quinto Escalón era el lugar donde los chichos podían reunirse a hacer lo que más les gustaba y es una de las claves del éxito de esta ola musical.

En el concierto, teloneado primero por Munic y por Leïti Sene después, el rapero argentino hizo un repaso a su carrera musical. Su primera etapa artística, cuando explotó, es la de ‘Modo Diablo’, se caracteriza por explotar en el trap y las rimas más cuidadas, pero mezclándolo con diferentes estilos más experimentales como el rock. Y es que pese a ser referente de un nuevo género en su país, se declaró fan del clásico Charly García o de Linkin Park. De hecho, sobre el escenario lo acompañaban un guitarrista, un bajista y un baterista e incluso un teclado por momentos. La banda, acompañada de los juegos de luces, las grandes pantallas e incluso el fuego que salía del escenario, aportó a su directo nuevos sonidos en las canciones. El argentino rapea sobre el amor propio, el desamor, el éxito repentino e inesperado o de crecer en un barrio con pocos recursos.

Para rematar esta primera parte del show salió Dano, artista argentino emigrado a España hace años, y tocaron su última canción; ‘Santo Grial’. “Es de los primeros raperos que conocí. Luego nos enteramos que éramos del mismo barrio y fue un maestro para muchos. En España tienen una calidad musical increíble”, afirmó Duki sobre el escenario. El argentino cuenta con colaboraciones con C. Tangana, Quevedo, Rels B, Sticky M.A o Recycled J. “Este tío toca en Australia, EE UU, por toda Latinoamérica… Os pido que se vaya de Madrid y le parezca que ha sido el mejor show de su vida”, agitaba por su parte Dano al público. 

Duki siempre quiso que su música llegase al mainstream. Reivindicando el reggaeton, su esencia argentina y la esencia latinoamericana frente a EE UU, compuso Temporada de reggaeton en 2021 con su segunda parte un año después. “Quiero dejar de hablar de Mauro para hacer letras que lleguen a la gente y con las que se sientan también identificados”, argumentaba en su lanzamiento. 

Estamos pasando tiempos malos y la música puede servirnos para distraernos o hacernos más fuertes

Duki

Siempre existirá el debate de mantenerse “puro” y fiel a un estilo o hacer música más comercial. Pero salió Quevedo al escenario ‘a frontear’ y parecía que el WiZink se caía. La gente saltaba, hacía pogos y, cómo no, también perreaba. “Es un referente para todos, aprécienlo”, aseguraba el artista canario sobre el argentino cuando se marchaba. Es lógico que siendo sus canciones más conocidas fuesen las que más retumbaban en el estadio, pero Duki supo darle un toque único a la noche acompañando el reggaeton con su banda. El de Buenos Aires mezclaba sus canciones más conocidas con algunas más lentas. En Como si no importara, con la ayuda de los flashes de los móviles, se generó una atmósfera de cielo estrellado durante el concierto. 

Con Givenchy, donde aseguró que volvería su ‘Modo Diablo’, hizo el amago de terminar el concierto. Ante el esperado coreo del público de “otra”, salió a cantar She don’t give a fo, canción con la que se hizo famoso a un nivel internacional. “Veo gente de todas las edades. Hago música para todo el mundo. Gracias a los que vienen trabajando mañana. Les agradezco de corazón. Estamos pasando tiempos malos y la música puede servirnos para distraernos o hacernos más fuertes”, clausuró el artista mientras se iba haciendo el símbolo del corazón juntando los dedos de sus manos.

Duki como referente de una revolución musical en Argentina

El Duko es ejemplo en Argentina de cómo los artistas se apoyaron los unos en los otros para hacer vibrar una escena que a día de hoy es referente mundial. Y su legado vale el doble cuando su país tiene un gran arraigo a otros estilos. Si bien en otros países, entre los que se incluye España, la nueva ola de música urbana de EEUU de 2012 llegaba en 2014, en Argentina no llegaría hasta 2016 con Duki como referente. 

Igual que hiciera Bad Bunny con Duki y Pablo Chill-E llevándolos a una escena más internacional al incluirlos en uno de sus álbumes más famosos, YHLQMDLG, el propio Duki hizo lo mismo con gran parte de la escena de música argentina. Cuenta con colaboraciones con una gran cantidad de artistas del país. Desde el joven Tobi Dolezor hasta los más clásicos como Paulo Londra, Niki Nicole, L-Gante, Emilia Mernes o Khea.

Duki es de los artistas que creció de manera independiente. Primero con su propio sello, Super Sangre Joven Records, y luego uniéndose al sello de Dale Play Records cuando aún era emergente, que ahora triunfa internacionalmente al integrar también a artistas como Bizarrap. ‘Ellos saben que ahora estamo’ en la mira’, resume Duki cantando en su canción Vampiros.

El éxito de esta explosión de nueva música en Argentina es por la necesidad y vacíos que había, según opinan los propios creadores de Dale Play. Además, esta propuesta no reniega de lo anterior, siendo habitual que los artistas incorporen elementos del funk, la cumbia o el rock. Incluso los actualizan, como L-Gante y la cumbia. Por ahora, copan cabezas de festivales, llenan estadios y son referencia para todo el género.

RN

A días del estreno de “Black Panther: Wakanda Forever”, la nueva película de Marvel Studios que tendrá su preestreno en la Argentina el 9 de noviembre, Rihanna presentó “Lift Me Up”, una canción que forma parte de la banda de sonido del film, pero que también sella su regreso a la música, luego un hiato de seis años.

La artista oriunda de Barbados estuvo presente en la avant premier que se realizó en Los Ángeles, Estados Unidos. Más allá de la anticipación de los fanáticos de Rihanna por el lanzamiento, la letra de la canción logró conmover al público en general, ya que se trata de una balada en homenaje a Chadwick Boseman, el actor que protagonizó la primera entrega de la saga y que falleció en 2020 a raíz de un cáncer de colon.

A pesar de su ausencia, Boseman -quien le dio vida al rey T'Challa- estará muy presente en esta nueva entrega. Las grandes candidatas para ponerse el traje de la Pantera Negra y sucederlo en el poder son mujeres: Shuri (Letitia Wright), Nakia (Lupita Nyong'o) y Okoye (Danai Gurira).

“Tenía que encontrar una manera en la que sintiera que podía seguir adelante y una manera en que nuestra familia Black Panther pudiera seguir adelante”, explicó el director de la entrega Ryan Coogler, que comenzó a escribirla en 2018, a partir del éxito que tuvo la primera. “Empecé a idear una película que tuviera elementos de la película que acabábamos de terminar de escribir, pero también apliqué los temas que las personas que estaban sufriendo tanto como yo podían interpretar y ejecutar y salir del otro lado”, agregó.

El nuevo antagonista será Namor El Sub-Marinero, interpretado por Tenoch Huerta, pero a diferencia de los cómics, no gobernará Atlantis, sino que proviene del reino Talocan, inspirado en la cultura maya. “Tiene características realmente únicas y cosas que no necesariamente van juntas. Puede respirar bajo el agua, obviamente, pero tiene estas pequeñas alas en los tobillos. Tiene orejas puntiagudas y camina en ropa interior. Todo es divertido”, adelantó Coogler.

LC con información de agencia NA

Por Javier Berro, agencia Télam

“Este año fue un año muy especial para todos nosotros porque de la nada el público aumentó como diez veces. Estamos muy contentos; cuando estábamos haciendo este disco nunca pensamos que iba a pasar esto. No se nos cruzaba por la cabeza, era apenas un sueño muy lejano que no sabíamos que se iba a materializar. Es una puta locura, hermano. No se me ocurre otro ejemplo de otro disco que haya generado todo esto”, reflexionó el protagonista en su monólogo final.

A esa altura de la noche, el efecto de su propuesta ya había calado hondo entre los presentes, y restaba la emotiva despedida con “220”: “Esto va más allá de la música. Que vengan acá todos con la remera pintada, nos hagan el aguante en todos lados, que haya trapos y se genere como una hermandad entre todos, es algo que está buenísimo”, señaló.

Dillom, quien desde sus primeros pasos en la escena urbana viene radicalizando su propuesta para ubicarse en la periferia, se ubica dentro de la “contracultura de la contracultura”, como resumió días atrás en una charla radial con Gillespi sobre su pertenencia o no al movimiento del trap que emergió en los últimos cinco años.

Para elevar al máximo los sentidos que despierta su elogiado y disruptivo primer material de larga duración, el músico aprovechó todo lo que pudo la inmensidad del Luna Park para recrear una nueva pesadilla en escena, con el antecedente de haber recreado su propio velatorio en las presentaciones de abril y mayo en el Teatro Vórterix.

Junto al público que aportó glitter rojo sangre y remeras manchadas y los fantasmas ahorcados que colgaban de una soga en lo alto delas plateas, las enormes pantallas sirvieron para darle potencia al relato y la teatralidad desde el comienzo, con la llegada del protagonista al escenario después durante la introducción de “Amigos Nuevos”, con la que decretaba el comienzo de la velada antes de la aparición de la voz ronca y distinguible de Mario Pergolini como narrador en “Demian”, con el que el rapero rompió otro molde de lo previsible.

El cuento de terror terminó de completarse con los primeros versos de “Post Mortem” y el festejado “mis amigos están muertos, sin querer los maté” que antecedió a la festejada “Pelotuda” y al homenaje al Pity Álvarez con “Una Vela” que enganchó con “Rili Rili”.

A partir de ahí, la propuesta terminó de hacerse más explícita con las distorsiones bien afiladas que ubicaron el plan sonoro, a veces dentro del metal alternativo de artistas como Marilyn Manson o Slipknot, y en otras más cercanas al horror punk de Misfits, referencias artísticas que también conectan la música con el universo de las películas de terror de John Carpenter o las obras escritas de Stephen King y H.P. Lovecraft.

El show continuó con “Dúo”, “Piso 13” y “Side”, esta última junto a un misterioso invitado que proyectó su voz cual cantante de death metal: luciendo una máscara de espantapájaros, similar a la del personaje que interpreta Cillian Murphy en las películas de Batman de Christopher Nolan, el realizador audiovisual Andrés Capasso (alias NoDuermo) hizo de las suyas desde el anonimato del disfraz como uno de los primeros invitados de la noche.

Dillom aprovechó el imponente Luna Park para interpretar por primera vez “Latas” junto a K4, estrenada días atrás en las plataformas, y compartir también junto a Muerejoven, miembro y aliado de la RipGang, las barras de “1312”, “Coach” y “A$AP”, estas últimas dos más relacionadas con el sonido del trap en el que a veces se lo trata de encasillar.

Junto a Broke Carrey, realizó una encendida versión de “Organiko” con la que puso a muchos a bailar y que, oportunamente, enganchó con “Hegemónica”, su colaboración con L-Gante, ausente en el escenario pero con su voz presente desde las pistas.

Con el piano jugando sobre la armonía y la trompeta de Gillespie dibujando una melodía improvisada, el joven Dylan León Masa desapareció del centro de la escena para irrumpir sorpresivamente cerca de la primera fila de las plateas.

Subido a una tarima que emulaba un muelle en estado de abandono, cantó una emotiva versión de “La Primera” con la que bajó algunos decibeles y que cantó hasta al final al unísono con el público que, además, colaboró para su regreso al escenario principal desde un bote inflable con el que navegó por encima de la marea humana.

“Dudade” y “Bicicleta” llegaron antes de “Dos”, la colaboración con Miranda!, que tuvo a Ale Sergi y Juliana Gattas como invitados para recrear otra historia de acecho y final trágico ensangrentado, aunque con el contraste de las melodías y la impronta pop reconocible en las producciones del dúo que, como él, saben conectar en un mismo combo el humor, la música y las referencias nostálgicas cinematográficas.

Luego del aviso parroquial e irónico de Bohemian Groove -el sello discográfico y autogestivo que reúne a los talentos de la Rip Gang-, selló una versión “fake” de su BZRP Session, siempre denostada por la fanaticada del productor musical, y continuó con “Opa”, “Reality” y la versión extendida de “Amigos Nuevos”.

“Rocketpowers” junto a Saramalacara, “Sauce” y “220” fueron la tríada que dejaría para el final definitivo antes de tirar unas selfies con el público como registro de su noche ante casi diez mil personas que, durante una hora y media, se sumergieron en su recorrida virtual por cementerios y bosques encantados.

“Me encanta que se haya generado esto. Creo que 'Post Mortem' es más que un disco porque ya trascendió a más que eso. Ahora es un movimiento”, cerró, al reflexionar en voz alta sobre su ascendente actualidad y sobre el impacto de una obra que lo define como un artista íntegro y conceptual en tiempos de canciones efímeras.

LC

Con el apagón de las luces del estadio como señal de largada, el público respondió, primero coreando su nombre y luego encendiendo los flashes de sus celulares para recibir a la anfitriona, quien se ubicó en las alturas de una tarima con un vestido de novia blanco y rodeada de bailarines que portaban cascos y ametralladoras de utilería que apuntaban hacia el público.

La cantante jujeña, nacida con el nombre de Julieta Cazzuchelli, interpretó las tres primeras de la noche, “Jefa”, “Nena Trampa” e “Isla Velde”, para luego desprender la cola de su vestido y obsequiar unas primeras y escuetas palabras: “Buenas noches”, saludó Cazzu.

Antes de enganchar “Maldades”, “Visto a las 00:00” y “Mucha Data”, las últimas dos de su disco “Error 93”, el que le valió su primera nominación a los Grammy Latinos, hizo un primer llamado de atención, que volvería a retomar a lo largo del show para cuidar a su público: “Primero que nada, pórtense bien y no se hagan daño”, señaló.

Acompañada por una banda, que sumó tracción a sangre a las pistas y tiñó de sonidos pesados, góticos y rockeros algunas de ellas, apeló también al malianteo de “Fulete” y siguió con un repertorio más calmo con “Miedo”, “Romance de la Venganza” y “Mentiste” en un bloque donde predominó la balada pop en canciones como “C14TORCE II” y “C14TORCE III”.

“Son un montón pero esto es así. Nos quedamos en silencio, que está hablando ‘La Jefa’. Se callan”, apuró la artista para, desde el mutis cómplice de la audiencia, poder desplegar el caudal de su voz y brindarse con algunas estrofas a capela y al natural, mientras era secundada en las pantallas por un dibujo animado oriental y arañas animadas que subían y bajaban.

Lista para dar cátedra sobre trap con algunas de los “viejos tiempos”, recogió un cartel que decía “Cazzu Presidenta” y continuó su entrega con “BZRP Music Sessions #32” “Chapiadora” y “Bounce”.

Luego de un nuevo aviso para “que no salten más porque ya hay veinticinco desmayados”, propuso “mejor perrear” de la mano de “Peliculeo”, “Gatita Gangster” y “La Trampa”, pidió un aplauso para sus bailarinas y siguió con la reflexión.

“Vinimos a pasarla bien y para que todos podamos pasarla bien, vamos a ir un poquito más para atrás los del campo. Porque los veo pasar desmayados. ¿Ahora sí, respiran mejor? Abramos un poco más porque hay niños, embarazadas y gente de todo tipo”, sostuvo a la hora de advertir la llegada del momento “hardcore” de la noche que se avecinaba con “Turra” y “Nada”.

Velando por la integridad de su público, también saludó a una cumpleañera y dedicó su presentación a todos aquellos que se quedaron afuera: “Yo sé que a muchos les cuesta comprar la entrada o resignar un día de trabajo. Sé de todo el esfuerzo que hacen para venir a nuestros conciertos, al de todos nosotros”.

Recordó que incluso ella, cuando “tampoco tenía plata para ir a los conciertos” no pudo darse el gusto de ver a sus artistas favoritos como a los estadounidenses Linkin Park: “Nunca pude ir a verlos porque no me alcanzaba la plata. Así que vamos a mandarle un beso grande a la gente que no pudo venir hoy”, añadió la artista.

Con el estadio colmado y algunas personas del público padeciendo la presión del resto de los asistentes en el campo, Cazzu volvió a levantar la voz para evitar el desmadre que aprovechó para devolver las muestras de amor: “Quiero agradecerles una y mil veces por estar al lado mío hace tanto tiempo y dejarme cumplir mi sueño. Me hacen sentir muy especial, pero yo soy igual que ustedes”.

Antes de despacharse con “Piénsame” “Yo, yo y yo”, dedicó unas sentidas palabras a su abuela María, que fomentó su vocación por la escritura, y comenzó lentamente a emprender su retirada, no sin antes dejar un enganchado con aquellas que significaron un salto internacional y alianzas con algunas de las figuras de la música urbana de la talla de Bad Bunny, Rauw Alejandro, Lenny Tavárez y Lyanno. 

Inflando el pecho por el ascenso mundial de la escena local, Cazzu agradeció a sus seguidores por ayudar “a poner a la música argentina en el mapa de la música” a la hora de presentar “Toda”, “Pa Mi” y “Loca”, esta última grabada en 2018 junto a Bad Bunny, Khea y Duki.

“Yo siempre trato de escribir con mucha belleza para ustedes, con mucho amor, cosas que puedan guardar en su corazón y que los representen. Gracias por escucharme y cuiden las palabras que les dicen a las personas amadas”, subrayó.

“Maléfica” y “Los Hombres No Lloran” fueron las elegidas por “La Jefa del trap” para cerrar la presentación de “Nena Trampa” en el Luna Park con un show dedicado a las mujeres “que ya no están” y a las que honra con su último trabajo discográfico.

Por Javier Berro - Agencia Télam

El rapero Coolio, uno de los músicos más representativos de la escena urbana de Los Ángeles y autor de éxitos de los años 1990 como “Gangsta's Paradise”, ha muerto este miércoles a los 59 años.

El músico falleció por la tarde en la casa de un amigo, quien tras comprobar que no salía ni respondía a sus llamadas fue a buscarlo al baño y lo encontró muerto como consecuencia de un infarto, según su representante, Jarez Posey.

Coolio, cuyo nombre original era Artis Leon Ivey Jr., saltó a la fama en la década de 1990 como uno de los nombres más conocidos del rap californiano. Su pico de éxito llegó en 1995, cuando publicó la canción Gangsta's Paradise como parte de la banda sonora de Dangerous Minds, que se convirtió en una de las canciones de rap más populares hasta esa fecha, lideró la lista Billboard Hot 100 durante 3 semanas y ganó un premió Grammy.

El tema impactó tanto en la cultura pop que llegó a tener una sátira, Amish Paradise de Weird Al Yankovic, cuya letra era totalmente contraria a la original.

El rapero nació en 1963 en el estado de Pensilvania, pero se mudó al sur de Los Ángeles a finales de la década de 1980 para iniciar su carrera musical con la publicación del disco It Takes a Thief del que se desprendieron sencillos como Fantastic Voyage y It Takes a Thief.

Entre los discos que publicó posteriormente destacan My Soul, Coolio.com, El Cool Magnifico -con guiños a la comunidad latina de Los Ángeles-, The Return of the Gangsta, Steal Hear y From the Bottom 2 the Top.

De forma paralela a la música, Coolio también participó en el mundo audiovisual con más de 100 créditos en series y películas, además de publicar el libro de cocina y el programa Cookin' with Coolio.

LC

Tini, Abel Pintos, David Lebón, Zoe Gotusso y Cazzu son algunos de los artistas que ofrecerán sus shows en vivo en la próxima edición de los Premios Gardel 2022, que se llevará a cabo el 23 de agosto en el Movistar Arena y contará con la conducción de la gala a cargo del animador y músico Jey Mammon y la periodista Eleonora Pérez Caressi, y será transmitida por la plataforma Star+.

La lista de artistas que tocarán durante la gala que premia a la música se completa con Airbag, Rusherking, La Konga, Nahuel Pennisi, Alejandro Lerner, Gustavo Santaolalla, Angela Torres, Ahyre, Julieta Laso y Miau Trío.

La transmisión comenzará desde la alfombra roja del Movistar Arena a las 20.30 con Lizardo Ponce y Guillermo Gilabert, informó la organización de los premios que destacan a lo mejor de la música nacional.

Wos, con ocho candidaturas, encabeza las nominaciones a los premios, en los que el listado de populares figuras de la escena urbana local acaparan la mayor cantidad de apariciones en los lauros organizados por la Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas (Capif), que el 30 de junio último publicó sus candidaturas.

Detrás del joven artista, con menciones en los rubros de Álbum Rock Alternativo, Canción de Música Urbana, Canción de Rock y Colaboración de Música Urbana por su segundo disco, Oscuro éxtasis, se ubica Trueno con siete nominaciones.

Entre las 48 secciones también desataca Tiago PZK y Abel Pintos al contarse en seis categorías; Tini, María Becerra, Ca7riel y Trueno figurando en cinco rubros; Conociendo Rusia y La Konga compitiendo en cuatro apartados; y a Nathy Peluso, Dillom, Bizarrap y Nicki Nicole presentes con tres nominaciones.

La hegemonía del género también impera entre las candidaturas al Álbum del año donde aparecen Ca7riel (El disko), Wos (Oscuro éxtasis) y Nicki Nicole (Parte de mí), además de Escalandrum (100), Andrés Calamaro (Dios los cría) y Abel Pintos (El amor en mi vida).

En busca de la Canción del año y entre la decena de piezas, la cosa está más repartida aunque la música urbana aparece en cuatro de ellas: Tini & María Becerra (“Miénteme”), Trueno (“Dance Crip”), Nathy Peluso (“Mafiosa”) y Tiago PZK & Lit Killah (“Entre nosotros”).

También figuran Conociendo Rusia (“Se me hizo tarde”), Palo Pandolfo (“Tu Amor”), Teresa Parodi (“Distinto”), Pedro Aznar (“Reverdece”), Abel Pintos & Camila (“De mí, contigo”) y La Konga & Nahuel Pennisi (“Universo paralelo”).

CRM con información de la agencia Télam

El productor musical argentino Bizarrap lidera este sábado el Top 50 Global de la plataforma musical Spotify, la actualización diaria de las canciones más escuchadas en el día a nivel mundial.

El artista y productor hace historia y se convierte en el primer argentino en llegar al número 1 del ranking Global en Spotify con su nueva colaboración con el rapero español Quevedo.

La “BZRP Music Sessions #52” estrenada la semana pasada que posibilitó el ascenso del argentino alcanza más de 7,2 millones de reproducciones en el día, seguida por los británicos Kate Bush y Harry Styles, con 6,6 y 6,5 millones de escuchas, respectivamente.

El último lanzamiento del productor confirma una vez más su alianza con la escena española, al ser la quinta después de Morad, Don Patricio, Bejo y Ptazeta.

De gira en ese país desde el mes pasado, el argentino sorprendió a todos con un novedoso anuncio en alianza con una famosa cadena de hamburguesas.

Desde uno de sus locales en España, Bizarrap sorprendió a clientes y fanáticos que llegaban desde su auto para retirar su comida.

Bizarrap está arrasando con su gira europea, donde ya dio más de diez conciertos multitudinarios y se preparaba este sábado para su primera presentación en París en el marco del Lollapalooza, siendo el primer argentino en pisar esos escenarios.

Luego, retomará sus fechas en España, donde todavía tiene pendientes escalas en Llanera (Boombastic Asturias), San Javier (Fan Futura Fest), A Coruña (Neox Music Day), Chiclana de la Frontera (Concert Music Festival), Burriana (Arena Sound), Ibiza (Pacha), Fuengirola (Boobastic Festival), Benidorm (Boombastic Festival) y Madrid (CCME).

CRM con información de la agencia Télam

Lucas dice: “El rock ... eh….es de viejos. ¿Soda Stéreo? ¡Qué aburrido!”. Hijo de padres profesionales, tiene 21 años. Cursó la secundaria en un colegio religioso de Caballito. “El trap está bueno”, dice, desviando la mirada hacia abajo. “¡Igual antes había cosas mejores, aunque no era trap, como Damas Gratis y la Champions Liga”, asegura, ante el estupor de sus interlocutores que superan los 40 años y obviamente atravesaban previas y fiestas escuchando a los Redondos, Soda, Charly y demás. Por supuesto que un caso no demuestra tendencia, pero a juzgar por las cantidad de reproducciones en Youtube, las escuchas en Spotify y lo que se pasa en fiestas sub 25, hay un desplazamiento de parte de la clase media de la escena rockera hacia otros géneros. ¿El rock vuelve a ser de minorías? “Te guste o no te guste somos el nuevo rock and roll”, provocan Trueno y Wos desde la canción “Sangría”. ¿Tendrán razón?

Hasta cuándo será este encanto

 “¡Ay qué mambo! ¡Hay todo un cambio!/ahora el rock vendió el stock. Nuestra canción salió al balcón/¿Hasta cuándo será este encanto?”, decía una letra de Virus de 1982, cuando el rock nacional fue utilizado por la dictadura como muleta durante la guerra de Malvinas, para silenciar la música en inglés, nueva enemiga. Ahora hay otro mambo, otro cambio y otro encanto, que coloca al rocanrol en otro lugar. 

Duki, Cazzu, Wos, Nicki Nicole, Neo Pistea,  Khea, L-Gante, Dallilah, Catriel, Trueno. Esos nombres son algunos de los más resonantes dentro de la escena de lo que se denomina “música urbana”, que aloja al trap y parientes cercanos, que van desde el rap y el hip hop hasta la cumbia y el reggaetón. “Wacha”, canción interpretada en conjunto por Duki y Khea tiene ya 93 millones de reproducciones en YouTube. “Turra”, cantada por Cazzu con el respaldo del dj Alan Gómez, tiene 68 millones. “Dance crip”, de Trueno, 90. Los clicks pueden mentir pero no es el caso.

“En sus primeros 30 años de vida, la cultura rock era dominante a escala mundial. En tanto género y actitud, marcaba la agenda del baile y las conciencias. Eso cambió. Quizás por ausencia de renovación, quietud, o por la propia presencia de la Industria Cultural más globalizadora, que ubicó al rock en una zona rutinaria, poco novedosa. En esa trama, el trap aparece con una narrativa propia, y una sonoridad que genera atracción en las juventudes”, dice el doctor en Comunicación Cristian Secul Giusti, cuya tesis versó sobre la construcción discursiva de la libertad presente en las líricas del rock argentino del período 1982-1989.

Por supuesto, siempre existieron diferencias (y también puentes) entre las preferencias musicales de los sectores populares y de la clase media. Sandro en los ’70 y ’80, Los Palmeras, La Mona Giménez y Trulalá tuvieron o tienen convocatorias masivas, superiores a las de muchas bandas de rock. Lo que parece haber cambiado en esta época es que el crecimiento vertiginoso de la música urbana coincide con  cierto declive del rock y con la incorporación al trap y sus parientes de parte de sectores más acomodados que los originales.

A lo mejor un signo de la pérdida de potencia del rock haya sido el uso de “música urbana” para otros géneros, ya que hay pocas músicas más “urbanas” que el rock (Rosario y Buenos Aires han sido las usinas de ese género en Argentina, desde Los Gatos a Bandalos Chinos). Sin embargo, todo ese combo de nuevas propuestas (o que reactualizan anteriores  y que en Argentina tuvieron un gran impulso con las “batallas de gallos” y la competencia de freestyle “El Quinto Escalón” en el porteño Parque Rivadavia), se han quedado con el rótulo. Quizá ese origen callejero (como el rap estadounidense, padre más o menos invisible de estas variantes) sea lo que justifique la etiqueta. 

La guerra de los rankings

De acuerdo a lo que informa la empresa/plataforma Spotify, el artista argentino más escuchado en ese espacio en el país durante 2021 fue Duki, seguido por María Becerra, mientras que en tercer lugar está Bizarrap, luego L-Gante y cierra la estrella teen pop Tini. El fenómeno excede a los intérpretes locales: el portorriqueño Bad Bunny fue el músico con mayor cantidad de escuchas.

El rock aparece recién en la categoría “Disco argentino más escuchado” con Rocanroles sin destino, de Callejeros, placa de…¡2004! Tampoco parece ser una casualidad que encabece en ese ranking: las escuchas actuales son más fragmentarias y el objeto-disco ha perdido peso, al menos masivamente, a pesar del culto vintage por los vinilos. 

A su vez, el quiebre generacional se ilustra con Wos y Trueno. El primero, Valentín Oliva, proviene de una familia de clase media del barrio de Chacarita, y es hijo de Alejandro Oliva, director de La Bomba del Tiempo y baterista y percusionista de amplia trayectoria que tocó, entre otros, con Pedro Aznar. El padre de Trueno es Pedro Peligro, en su momento integrante de Diferentes Actitudes Juveniles (DAJ), activo grupo de la movida hardcore de los ‘90.

“Registro ese cambio. Si uno lo piensa desapasionadamente es lógico. La música cumple una función, sea artística, social, política, de prestigio, y en la zona en la que antes cumplía más funciones cierto rock ahora lo ocupan el trap y otros géneros. En los ‘90 el porteño que no era rockero era raro. En algún momento los géneros dejan de cumplir esa función”. El que alza la voz es Daniel Salerno, comunicólogo especializado en rock y culturas populares.

Duki tiene 25 años, Cazzu, 28, Wos, 24, Khea, 21. ¿Qué edades tienen los rockeros más convocantes? el Indio Solari tiene 73; Skay, 70. Chizzo, 54, al igual que Andrés Ciro. Adrián Dárgelos, 53. Rolo de La Beriso, 49. Pato Fontanet, 42. Estos podrían ser los padres de los primeros. Por no recordar los 59 años de Fito Páez, los 63 de Fabiana Cantilo y los 70 de Charly.

“En principio, los que inauguran las culturas populares son jóvenes. No hay viejos. Ni gente de mediana edad. A lo largo de casi toda la historia muchas de las acciones musicales son llevadas adelante por jóvenes. Cuando nosotros pensamos que desplazan al rock por el trap, yo en realidad diría que los jóvenes encuentran al trap”, remarca Gustavo Varela, ensayista, escritor, músico, y docente en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires, entre otras casas de altos estudios.

Por supuesto, siguen surgiendo bandas convocantes (aunque con menor arrastre que antes), como Los Espíritus, Eruca Sativa o Él Mató a un Policía Motorizado, aunque están lejos de los registros de los intérpretes de música urbana. Micaela Kordovan, estudiante universitaria de 23 años, que vive en la localidad de Florida, es una de las que se mantiene fiel al rock pero más la onda Los Redondos, Las Pelotas, Callejeros, Don Osvaldo y Las Pastillas del Abuelo. “De trap nada de nada”. Tampoco la juventud es un bloque sin distintos tonos ni nunca lo fue.

Contestatarios y banales tanto en el rock como en el trap

Soda, Los Abuelos de la Nada (en su segunda etapa), Sui Géneris y Virus pasaron, en muy pocos años, de debutar a llenar el Luna Park,  Obras o grandes teatros. Hoy ese arco es mucho más largo para las bandas actuales y, en cambio,  esa velocidad la logran los freestylers o sus compañeros de géneros semejantes. 

“La pregunta por el destino del rock es una pregunta de rockeros que ven que su música va mutando, se va consolidando, y que sus rockeros mueren o son abuelos. Al presidente le gusta Litto Nebbia. Y cuando murió Spinetta, el PRO y el PJ se peleaban por el homenaje”, agrega Salerno. 

Algunas explicaciones de estos cambios indican que la música urbana le daría la voz “a los de abajo” y que es el género que cuenta “lo que realmente pasa”. Difícil saberlo. En el trap hay de todo, desde las canciones contestarias de Wos hasta otras básicamente centradas en la búsqueda de dinero, sexo  y experiencias con drogas…como en el rock… 

En las letras de la música urbana predominan las onomatopeyas, un lunfardo 2021 salpicado con palabras en inglés (“money”, “business”, “fuck”, “holiday”,  y “hello” brotan con frecuencia) y menciones explícitas de marcas (Gucci, Rolex y Christian Dior, entre otras).

Musicalmente, la parte rítmica es esquemática y repetitiva, con un auxilio permanente del autotune para emprolijar las voces. Prácticamente ningún exponente de la música urbana aparece tocando un instrumento. Pero eso también se relaciona con otro elemento significativo: la gestualidad.

Si a nivel musical lo ofrecido es escaso, lo que sobran son palabras. Las canciones de trap usan muchísimas. Y también los gestos, como si ambos lenguajes se usarán para completar una ausencia. Los cantantes recitan mucho y mueven  las manos y con los dedos redundan y subrayan cada parte de la letra, por si no se entiende el mensaje. ¿Cómo harían para tocar una guitarra o un piano?

A nivel visual el trap y el cruce con la cumbia que hace L-Gante l heredan bastante del rap, como la ropa deportiva holgada, aunque en el plano argentino más que alusiones a la NBA hay al fútbol, ya sea indumentaria de Boca o de Argentino de Merlo, como en el video de la canción “Turra”, de Cazzu y Alan Gómez. Anillos, collares, la infaltable gorrita y tatuajes suelen ser parte del código. 

“El trap aparece con una narrativa propia, y una sonoridad que genera atracción en las juventudes. Tal vez, es una perspectiva musical que entiende el clima de época o, en tal caso, interpela mejor a las sociedades fragmentarias. Es un tema que aún me genera preguntas”, dice Secul Giusti.

Vencedores vencidos

Más allá del cambio desde el rock al trap, no necesariamente hay un antagonismo entre ambos mundos. Wos participó de una canción de Andrés Ciro, y es habitual verlo en la grilla de festivales como el Cosquín Rock. Al mismo tiempo, Cazzu ha dicho reiteradamente que una de las artistas que la influyó para dedicarse a la música en su Jujuy natal fue Avril Lavigne. 

Duki, en tanto, quizá el más poderoso trapero argentino y que logró éxito internacional, había señalado en una entrevista: “Siempre digo: mi tema preferido es ‘Sin gamulán’ (nota del r: de Los Abuelos de la Nada). Lo escucho y digo: ‘Fuck that shit, increíble’. Lo mismo me pasa con el Flaco (Spinetta), (Gustavo) Cerati, Virus…”. Y reconocía que le gusta el rock de los ’80 “como a todo el mundo” y que los traperos “tenemos que aprender a escribir” y que “carecemos de letras”.

La tensión, que ilustra la frase de la canción de Trueno y Wos, obedece a quién o quiénes deciden qué es rock y qué no, y, en todo caso, si tiene algún sentido la pregunta. Pareciera que al menos para los dos cantantes reconocerse parte de ese mundo es un acto de justicia. No sucedía así con otros géneros. ¿Quién recuerda a un intérprete de cumbia, género supermasivo en Argentina y claramente surgido desde los sectores populares, queriendo que se lo reconozca como parte del rock? “Por fuera de Pablo Lescano y alguno otro como La Mona Giménez en el Cosquín Rock, los cumbieros no tocan con rockeros”, indica Salerno. A lo mejor el peso del rap y del hip hop en el ADN actual de la música urbana la acerque a la cultura rocker, pero los rastros de reggaetón y cumbia la alejen, y entre esos polos bascule el trap en estos años. 

“¿Son el nuevo rock? La palabra ‘nuevo’ me vuelve loco. Lo que hay es una cosa que está sucediendo. A eso cuando le ponen nuevo rock aparece ahí una desconfianza de los rockeros, o directamente rechazo al trap. ¿Hay desconfianza? Sí, claro. Es como con el tango. Cuando el tango se empieza a diluir en 1956, 1957, hay un montón de gente que patalea, y eso sucede hasta ahora”, dice Varela. 

Al respecto, señala Secul: “Cierta mirada rockera le desconfía al trapo porque tiene una presencia arrolladora y se ubica en zonas que eran propias de la cultura rock. Aun así, creo mucho en las articulaciones que se pueden armar a futuro. E interpreto que hay bandas de sonido comunes entre los grupos de rock y los y las referentes del trap. Intuyo que habrá más cruces favorables para ambos géneros en breve.”

Hay algo de aspiracional en todo esto. Al ser el rock un género consolidado a nivel cultural e industrial, funciona como una referencia, ya sea para oponerse, para ocupar su lugar o para vincularse con él.  Uno de los hits de Duki se titula justamente “Rockstar” y, sin un gramo de ironía, propone: “Fuck your feelings, I'm a rockstar/Ya me siento como un rockstar/cojo putas como un rockstar/Tomo pastillas como un rockstar”.

Tercia Varela: “Lo que hay  que ver y escuchar es a los jóvenes con sus cosas, no a los carcamanes con las suyas. Hay cosas que empiezan y terminan. La pregunta es: ”¡Por qué salimos del rock al trap?“.  El interrogante sigue abierto, aunque para el rock, como género mayoritario de la clase media, pueda recordarle que todo tiene un final, todo termina.

AC/SB