La muerte de Luis Brandoni, ocurrida este lunes, puede recorrerse siempre desde el trabajo pero desde diversas ópticas: la del cine, la del teatro, la de la política partidaria y, también, la del sindicalismo. Antes de consolidarse como uno de los actores más reconocidos de nuestro país, Brandoni fue parte de una generación que —como pocos— entendió la actividad artística como un espacio de organización colectiva.

Se afilió a la Asociación Argentina de Actores en 1962, en sus primeros años profesionales, cuando el oficio estaba atravesado por la inestabilidad, la intermitencia laboral y la dependencia de circuitos de contratación poco regulados. El sindicato funcionaba entonces como una herramienta para ordenar un mercado fragmentado, fijar condiciones mínimas y construir identidad profesional en un sector donde el trabajo no siempre tenía continuidad. Desde ese lugar, el sindicato negociaba convenios, fijaba condiciones de contratación y funcionaba como respaldo frente a la inestabilidad del sector.

Una militancia temprana y sostenida en el tiempo

Con el paso de los años, Luis Brandoni se convirtió en uno de los principales dirigentes del gremio: fue secretario general entre noviembre de 1972 y diciembre de 1983, en una etapa marcada por una creciente conflictividad política y social.

Las listas negras, las presiones y las amenazas formaban parte del clima de época. El sindicalismo de actores no se ceñía a la discusión de sueldos sino que implicaba todo un posicionamiento frente a un proceso político que avanzaba sobre libertades básicas, tanto en la democracia, con el peronismo, como posteriormente en la dictadura, con los militares y sus colaboradores civiles. Brandoni, siempre lúcido, lo advirtió y se involucró de inmediato.

Por eso se convirtió en blanco de la Triple A, la organización paramilitar del gobierno peronista. En septiembre de 1974 se exilió en México tras recibir amenazas. Regresó al país en julio de 1975. Un año después, ya bajo la dictadura iniciada en 1976, fue secuestrado y sometido a torturas tras salir de una función teatral. En esos años, además, la Asociación Argentina de Actores fue intervenida por la dictadura, lo que desarticuló la organización sindical del sector.

La militancia sindical tuvo consecuencias directas sobre su vida personal y profesional. Pero la defensa del trabajo actoral permaneció ocupando el centro de su recorrido gremial. En un sector donde la discontinuidad era y aún es regla —rodajes que terminan, temporadas que se interrumpen, contratos breves—, la organización colectiva buscaba generar previsibilidad y protección. Salarios, condiciones de contratación y cobertura social eran parte de esa agenda.

Brandoni formó parte de ese proceso. También proyectó esa experiencia a nivel internacional: fue vicepresidente de la Federación Internacional de Actores.

Con el paso de los años, combinó su trayectoria gremial con la política institucional. Volvió a ocupar la secretaría general de Actores en 1996 y renunció en 1997 para asumir como diputado nacional por la Unión Cívica Radical, cargo que desempeñó hasta 2001. El pasaje del sindicato al Congreso prolongó una lógica de representación que había construido en el ámbito laboral.

Sin embargo, esa trayectoria no terminó de forma lineal. Con el tiempo, su vínculo con la Asociación Argentina de Actores se deterioró. En 2017 formalizó su alejamiento del sindicato, del que había sido uno de sus principales referentes, en medio de fuertes diferencias con su conducción, identificada con el kirchnerismo. Brandoni cuestionaba ese posicionamiento político y sostenía que ya no representaba al conjunto del colectivo actoral, en un escenario de conflictos internos y posicionamientos políticos cada vez más marcados dentro del gremio.

La partida de Brandoni es la de un actor que no sólo se destacó por una carrera profesional exitosa, premiada y aplaudida de pie por el público argentino y del mundo (trabajó en cine, teatro y televisión; participó en películas reconocidas y ovacionadas como La tregua, La Patagonia rebelde y Esperando la carroza; El hombre de tu vida, en Telefé, y más recientemente La odisea de los giles o la serie Nada), sino que participó activamente en la organización de su sector, en un momento en que hacerlo implicaba asumir costos concretos, como la persecución, los tormentos y la vida misma.

JJD

La identidad sexual y la identidad nacional en relación a la historia fueron temas recurrentes en las obras que participaron este año de una nueva Fiesta Provincial de Teatro de La Rioja, un escenario común para artistas y trabajadores de la cultura de una de las provincias cuya pobreza material es inversamente proporcional a la riqueza cultural que cultivan gran  parte de sus habitantes. 

Exponer la orientación sexual propia en una obra de teatro puede ser un dilema o un objetivo. Qué les sucede a actores, bailarines y directoras de teatro que protagonizan sus propios textos identitarios o deciden encarnar papeles ajenos a su sentir. 

Mudar de piel

Gurka, Tenemos algo que contar y Sudor Seco, las tres obras seleccionadas en la fiesta que se hizo en La Rioja durante el mes de octubre se hacen eco de la identidad y la resistencia y ponen en evidencia el cruce generacional que enriquece estas producciones. La primera de ellas participará en 2025 en la Fiesta Nacional del Teatro, donde cada año converge el teatro independiente de todo el país. 

El unipersonal Sudor seco del grupo Abisma tiene a Franco Cesarini como protagonista, donde un cuerpo anfibio intenta adaptarse a una nueva atmósfera. Muda su piel en un constante salir, se hace de noche para sobrevivir. Blanco, casi transparente, lánguido y delicado, Franco recuerda ser observado desde la infancia. “Me miraba todo el mundo en todos lados, me daba vergüenza, lloraba un montón de niño. Me daban vergüenza mis brazos y los escondía. Sentía esa mirada dura y me sentía triste.  Después empecé a conocer gente más piola y empecé a sentir que como era no estaba mal”.  

En cuarto año de bioquímica empezó a estudiar arte escénico. Como no podía pagar clases particulares, Franco se inscribió en la Universidad Nacional de La Rioja (UNLAR) para tomar clases de danzas gratis. Cree que el teatro tiene que hacernos cuestionar: “Todo tiene que ver con la identidad: las metáforas, las imágenes, lo que pasa por el cuerpo, tiene que ver con lo colectivo. Todo lo que tiene que ver con la identidad tiene que ver con la sexualidad”. 

La obra Tenemos algo que contar del grupo “Los paisajes de lo propio” es resultado de un taller de actuación y escritura que tomó la dinámica de la autoficción y estuvo orientado a personas que no tuvieran experiencia. La obra habla de diversas violencias contra las mujeres vinculadas a la política, el cuerpo, la familia. 

Valeria Castillo, su directora, piensa a las actrices “como sujetos que tienen su impronta, que tienen sus deseos, que construyen sentido en la escena. Son cocreadoras del hecho escénico”: “Yo venía trabajando sobre esa línea, como parte de las teorías feministas que abordan lo comunitario y desarrollan la autonomía”. Explica que es una propuesta teórica, política, ideológica y cosmogónica que surge de las mujeres indígenas de América latina, y que ella incorpora en el teatro comprometiendo el cuerpo y la voz como un acto emancipatorio. 

Valeria también es actriz y licenciada en Arte Escénico: “Me parece que la identidad es algo muy complejo, que se va construyendo, no es algo fijo. Más allá de como la conocemos y si la relacionamos al contexto de dictadura, la identidad creo que hoy tiene que ver con un montón de cosas”. 

Gurka, de El Pasillo Teatro, escrita por Vicente Zito Lema, aborda la historia de un sobreviviente de Malvinas, Miguelito, un chico de la calle que después de la guerra es internado en un neuropsiquiátrico. El protagonista, “Leo” Paredes, a punto de recibirse de licenciado en artes escénicas y su director, Pano Navazo, coinciden en las razones identitarias que los llevaron a elegir la pieza: “Somos dos putos los que hacemos Gurka. Podríamos haber elegido una obra que hable más de nosotros, sin embargo, elegimos una cosa que es lacerante. Porque también es lacerante ser homosexual en este país, como ser un sobreviviente de la dictadura y los campos de concentración. De la gente que volvió de Malvinas hoy son el doble de suicidados que quienes murieron en combate”. 

En Casa Güemes, una vivienda que también es sala de teatro y centro cultural,  Nazarena “Nachi” Rojo, ceba unos mates mientras piensa en esto de la identidad en el teatro. Es bailarina, también graduada de la UNLAR en arte escénico, responsable de la iluminación en la obra Sudor Seco y una pieza fundamental en entusiasmar a Franco Cesarini más con la actuación que con las matemáticas y los tubos de ensayo. Considera que su orientación sexual la atraviesa completamente: “Yo hago más danza y dirijo un montón y todo lo que dirijo en general es bastante gay. Si querés negarlo, podés negarlo toda la vida. Pero si lo aceptas, lo ves y es parte tuya, va a estar en todas las cosas”.

Del centro al interior profundo

A veces, quienes llegan al norte del país desde ciudades más grandes, perciben mayo accesibilidad para producir. Es el caso del bailarín, actor y director, Lucas Scott, de Berazategui, que estudió actuación en la Universidad Nacional de las Artes. Hace unos años se afincó en La Rioja y es protagonista del unipersonal Mimí, the lesbian o´killer del grupo Entremontañas, que también participó de la fiesta provincial. 

En la obra, un mendigo en medio de la ciudad pregona el mito de MiMi: una vieja travesti que denuncia hacia las ánimas presentes de los episodios de lo que fue su historia. Prostíbulos, ratas, guerras, travestis, carne, amores, vestidos, cocaína, bailes, mugre, asesinatos a sangre fría y música. La vida y La muerte bailarán como amantes solo por una noche. Dos años antes Lucas fue con la obra a Belén, en Catamarca. “De repente la mitad del pueblo estaba yendo a ver la obra que trata de una travesti. Gracias a ese contexto teatral la gente pudo reflexionar y hablar de compañeras que se murieron. Cosas que vemos, que existen y que se pueden reflexionar de otra manera”. 

Para Lucas la identidad en el teatro es algo “más existencialista”: “Tiene que ver con quiénes somos, de pensar la identidad de la memoria que trae une a escena o justamente de las esperanzas, las distopías, las utopías. Creo que la identidad cruza todo el teatro desde Shakespeare y su ‘ser o no ser’, y que se pueden poner en escena esas preguntas”. Entiende que en la traducción se pierde algo de la magia de este texto mítico del dramaturgo inglés porque to be es ser y estar al mismo tiempo. “Entonces también involucra dónde estoy yo, qué historia traigo, y ahí se puede involucrar el género, se puede abrir desde ese lado: quién soy hoy y que eso se lleve a escena. Y no por eso se transforma en una autoficción”. 

Si bien con humor también cuenta historias trágicas, el actor de Berazategui se resiste a pensar en una única manera de poner el cuerpo: “Para mí no existe una única fórmula, así como las identidades de género sobre las disidencias sexuales que es una amplia gama de formas y colores, no existe una única manera. Hacer una única fórmula nos vuelve parte del sistema al mismo tiempo”. 

La escena teatral riojana hoy muestra ese cruce generacional de quienes dialogan en esta nota y las autoras y autores con los que se nutren. Sus experiencias de vida, los contextos históricos y el devenir de esas experiencias.

Descubrirse bailando en un boliche

Contrario a lo que suele suceder con los bailarines que comienzan desde muy pequeños, de niño Franco no tuvo actividades con el cuerpo. Como el menor de cuatro hermanos, se recuerda a puro videojuego, nada de deporte. Su descubrimiento de la danza fue bailando en un boliche y fue la puerta de entrada para expresarse en un escenario. “Y soy maricón, soy esta bicha rara, a veces en femenino, a veces en masculino, soy como una cosa fluida y todo eso está en las cosas que creo. Son monólogos. Está todo puesto en escena, el cuerpo, la sexualidad va a aparecer, la historia va a aparecer. Sobre todo en una situación escénica donde estás solo y tu cuerpo puesto ante otros”. 

Sus piernas largas, infinitas, como sus brazos, se acomodan en la silla mientras explica que Sudor seco nace de personajes y paisajes de acá, de La Rioja: “Tiene que ver con mi vida, con lo que yo viví”. Bromea que es una especie de danza karaoke, una obra en la que canta y baila en escena y juega con el sonido.

Ser lo que une quiera ser

Hace más de 10 años Valeria encarnó a la creadora de los jardines de infantes, Rosarito Vera Peñaloza, en una intervención artística para oponerse a que una escuela se convierta en shopping. Ella no cree que sea una obligación ponerle el cuerpo a la identidad sexual en el teatro. “Cada cuerpo es una historia particular. Cuando entrás en las artes en general, uno nunca deja de ser uno y ese cuerpo tiene una historia, un recorrido, una experiencia, una vida, tiene deseos, orientaciones, virtudes, defectos. Ahora, ¿qué cosas representamos en esa ficción? Es como que pareciera que lo único que nos identifica es nuestra sexualidad”. 

Acostumbrado a hablar de la sexualidad aún en los tiempos históricos más oscuros del país y en sociedades pequeñas, el director Pano Navazo que protagonizó el unipersonal “Crónicas sonoras de Pedro Lemebel”, donde hace suyas las historias del escritor, cronista y activista LGBT chileno, coincide en que revelar la identidad propia no puede ser una obligación: “En el teatro isabelino de la época de Shakespeare las mujeres no podían actuar, los varones hacían los personajes femeninos y las mujeres solo podían ser espectadoras. Ahí no había rollos con la identidad. Y en esas obras los personajes de las mujeres eran muy estereotipadas, entonces no había una representación de la identidad sino un remedo de algo”. 

En un país donde ser artista casi siempre es un oficio o profesión que se comparte con otra actividad que ayude a pagar las cuentas, Leo Paredes asegura: “Soy actor, me dedico cien por ciento al teatro, vivo de esto”. Integra un elenco estable municipal y dos grupos independientes. Para él, poner el cuerpo es el grado de exposición que uno asume en escena. “No es exhibir un cuerpo de determinada manera, sino exponer. Y tiene todo un compromiso político. Siempre pienso en cómo eso que llevo a escena no se identifica con un personaje en particular sino que es muy amplio, muy abierto, que muchas personas pueden ver en esa actuación similitudes con lo que ven en la vida diaria.”. 

“Quién podría tolerar tanta opresión, sudando,gimiendo bajo el peso de una vida molesta si no fuese que el temor de que existe alguna cosa más allá de la Muerte (...), se preguntaba Shakespeare en Hamlet. 

¿Hacer o no hacer?

Las brechas de género, la desigualdad y la discriminación a la hora de seleccionar los, las, les personajes de cine y teatro, es parte de la reflexión que necesitan les artistas a la hora de ampliar los espacios de desarrollo. Y es parte de la polémica actual adherir u oponerse a que determinados personajes sean encarnados por quienes transitan lo mismo en su propia vida.

Para Nachi la visión, por ejemplo, de que sólo las personas trans puedan hablar de cuestiones trans, resulta un limitante: “Mientras más personas hablen de este tipo de cosas, es mejor, siempre. Pero sí deben trabajarlo con cuidado, buscar la manera para que eso quede bien reflejado y no se desdibuje y quede como una sátira lo que es una tragedia, de pronto”.  

Leo cree que es un universo a explorar para romper con el estereotipo. “De hecho el arte contemporáneo rompe un poco con esa idea de lo  hegemónico, de lo vinculado al physique du rol, que exige un determinado tipo de físico para interpretar a un personaje en escena.

Valeria Castillo aboga por más espacios donde todes estén representados. Es una de las creadoras del festival Fucsia La Rioja, para visibilizar las problemáticas del colectivo LGBT: “Hay mucha homogeneidad y diferencias dentro de la diversidad, como en cualquier sector o grupo. Tenemos en común la desigualdad, también en el teatro y el cine”. 

Cuando Pano contó que era gay todavía era monaguillo. Más tarde desafío al conservadurismo riojano cuando decidió ser padre. Como director no cree que el género deba definir qué personajes interpretar. “No creo que porque sos puto tenés que hacer de puto o cosas parecidas”, asegura y cita la serie “El secreto del río”, sobre la historia de las muxes en Oaxaca (México): “El personaje que luego pasa a ser trans, en realidad lo hace una actriz, una niña. Es maravilloso. Yo le creí tanto tanto tanto a ese personaje y sí me preguntaba en esos ademanes afeminados que le aparecían al personaje cuando era niño, que son muy de los maricones cuando somos niños. Me creí tanto lo que me contaron de ese niño. Hay algo de la corrección política en oponerse a esto”.

Interpretar lo incómodo

Cuando, además de participar en un grupo independiente donde se crea con mucha libertad, formas parte de una compañía oficial, ciertos roles conflictúan. En la compañia Danza Escénica Riojana, Franco interpreta a un varón heterosexual en una pareja de paisana y gaucho: “Al hombre le toca levantar a la mujer y lo paso mal, tenés que demostrar fuerza. Son cosas que tengo que hacer y que no me gustan para nada. Cosas que tengo que hacer porque soy ‘varón’”.  

Las reacciones de Franco varían. “Se verá hasta donde me sale. Te haré un berrinche, un escándalo, pero hay que intentarlo. Pero hacer un varón machirulo y maltratar, que ponen cierta violencia injustificada a veces, o zamarrear a una chica en escena, o fingir un deseo, eso no haría. Poné a alguien que lo sienta un poco más.”. 

Cómo abordar los personajes es justamente la gracia de hacer ficción para Lucas. En la obra, La mala hora “hay personajes muy marcados, siluetas muy violentas o muy violentadas. Tuve muchos procesos y discusiones de cómo pensar la obra. De cómo mi identidad teatral se pone en juego y qué me interesa decir con eso. Y a partir de las palabras, del gesto, de la voz, ir componiendo esas siluetas, esos personajes llevándolos a un lugar de caricatura, también permite ablandar la situación y no volverlo tan realista”.

En otros espacios a Lucas le tocó hacer de “macho”. Y le resulta difícil, reconoce. “Es inherente a mí mostrar mi feminidad, mi mariconés, pero por el trabajo, el entrenamiento en la actuación, se puede llegar a esos lugares a partir de cosas técnicas. No todo en escena tiene que ser bonito. Mostrar es parte de nuestras experiencias en la disidencia. Y si encarnamos a esos personajes, es para encarnar al opresor y demostrarlo”.

PC

Durante todos los jueves de noviembre, y bajo el lema “Leemos para saber que no estamos solos”, la Fundación SAGAI anunció que en su sede, ubicada en pleno centro porteño, destacados actores y actrices compartirán un repertorio de lecturas de grandes autores y autoras como Hebe Uhart , Abelardo Castillo, Alejandra Kamiya, Liliana Heker, Roberto Fontanarrosa y Fabio Morábito, entre otros. 

Se trata de una réplica, presencial y gratuita, del ciclo “Leer en casa”, lanzado durante la pandemia, cuando numerosas figuras del espectáculo argentino se conectaron con el público en vivo, a través de Instagram, para leer cuentos y poemas.

“Esta idea original del director Juan Parodi y el periodista y escritor Maxi Legnani, hoy se renueva para desarrollarse en Fundación SAGAI”, informaron en un comunicado desde la institución.

“Cada encuentro será único e irrepetible, y permitirá recorrer Fundación SAGAI y encontrarse con los diversos momentos de lectura”, agregaron.

Durante los encuentros, que tendrán lugar todos lo jueves de noviembre a partir de las 19.30 en la sede de la institución (25 de Mayo 586. CABA), compartirán sus lecturas actores y actrices como María Inés Sancerni, Vanesa Maja, Pablo Kusnetzoff, David Masajnik, Eugenia Alonso, Muriel Santa Ana, Ivan Moschner, Roberto Peloni, Mara Bestelli, Ingrid Pelicori, Jorge Prado, Gabriel Rovito, Ana Garibaldi, Mirta Busnelli, Agustín Rittano y Roberto Carnaghi.

Según informó SAGAI, las entradas son gratuitas y quienes quieran pueden adquirir un bono solidario. Se habilitan el viernes anterior a cada función en este enlace.

AL

El presidente Javier Milei salió este lunes a cruzar al actor Adrián Suar, por la discusión en torno al desfinanciamiento a la cultura, y al dirigente peronista “José ”Pepe“ Albistur, por un chiste que hizo sobre el mandatario.

“No podés mentirle a la gente, él está haciendo la defensa de un privilegio, en eso no están los desnutridos o los pobres”, se quejó MIlei en declaraciones a Rock & Pop al referirse al reclamo de Suar.

“No hay plata, entonces tengo que elegir donde va la plata, o sea financiar películas que no ve nadie y solventar a actores o poner esa plata para la gente”, insistió el jefe de Estado.

El actor y productor había cargado contra la ley ómnibus que el mandatario envió al Congreso y cuestionó en particular la parte referida a la cultura, que propone desfinanciar al Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa).

“Espero que no salga, le falta reflexión a esa ley. Le falta debate. Se meten con la cultura como si la cultura en un país no fuese nada. Solo fuese un valor tangible desde lo económico”, afirmó Suar en el programa de Mirtha Legrand.

Por otro lado, el Presidente fue consultado por un reciente chiste que hizo el dirigente del peronismo porteño Albistur sobre él, cuando dijo que “a Milei le dicen Semana Santa, porque no se sabe si cae en marzo o en abril”.

“Bueno, parece que hay gente que cuando pierde sus privilegios no está dispuesta a respetar la voluntad de las urnas. Me parece un comentario desafortunado”, respondió Milei.

Cómo quedarían los cambios en Cultura según el último borrador de la ley Bases

Se reducen las modificaciones al INCAA. Se eliminan los cambios de los artículos 2, 3, 4, 5, 21, 34. 35 y 37 de la Ley 17.741.

A su vez, se elimina la derogación de los artículos 22, 23, 25, 28, 30 y 41 de dicha Ley. En particular la derogación de la modificación del artículo 21 indica que se mantiene la asignación específica para el Instituto (el Instituto va a seguir recibiendo un monto indeterminado de recursos de manera automática).

Respecto al FNA el problema de base es que gastaba en su propia gestión el 70% de los recursos que recibía de los usuarios de la cultura. En la versión actual no se propicia su cierre, sino que se exploran mecanismos para que su ecuación económica sea más favorable a la comunidad artística. Así se determina que los directores deberán ser ad-honorem y que los gastos no pueden representar más del 20% de sus ingresos.

Respecto del INAMU y CONABIP simplemente se restringen sus gastos a que no sean mayores al 20% de sus ingresos, sin proponer otros cambios de estructura. No se modifican otros artículos de las Ley 26.801 ni de la Ley 23.351.

Finalmente, se clarifica que las funciones del Instituto del Teatro serán absorbidas por la secretaria de Cultura y que los fondos para dicho sector no se verán afectados.

Más de 20.000 firmas en defensa de la cultura

Charly García, Fito Páez, León Gieco, Cecilia Roth, Graciela Borges y Leonardo Sbaraglia son algunas de las más de 20.000 figuras que firmaron una solicitada publicada este domingo por el Frente de Soberanía Cultural “en defensa de nuestra identidad”.

La carta se titula “Carta al Congreso Nacional. La cultura está en peligro” y está dirigida a los diputados y senadores.

En rechazo al DNU y la Ley Ómnibus del presidente Javier Milei, la solicitada cuenta con un apoyo masivo de referentes de la cultura nacional de todos los sectores.

“El Gobierno Nacional pretende, a través de la Ley Ómnibus, derogar leyes vitales para la supervivencia de las industrias culturales, las artes y las ciencias, y el patrimonio cultural de nuestro país”, dice uno de los fragmentos del texto.

Otros de los referentes de la quienes dejaron su firma son Palito Ortega, Luis Felipe “Yuyo” Noé, Juana Molina, Tute, Mercedes Morán, Dolores Fonzi, Santiago Mitre, Paula De Luque, Lucía Puenzo, Juan Leyrado, Inés Estévez, Daniel Fanego, Juan Minujín, Julieta Ortega, Darío Grandinetti, Tomás Fonzi, Kevin Johanssen, Claudia Piñeiro y Humberto Tortonese.

Con información de agencias.

IG

Los grandes estudios de Hollywood volverán a ajustar su propuesta sobre la inteligencia artificial (AI) con la intención de alcanzar un acuerdo con el Sindicato de Actores de EEUU (SAG-AFTRA), en huelga desde hace 117 días. La inteligencia artificial se convirtió en el último obstáculo para terminar con un parón que provocó el retraso de muchos rodajes y pérdidas en las grandes compañías y plataformas. Todos dan por hecho que será pronto cuando el acuerdo se firme, pero quedan los últimos flecos, que por las filtraciones que llegan desde los medios de Hollywood tendrían que ver con la regulación de la IA.

Según información del medio especializado Variety, las empresas de entretenimiento representadas por la Alianza de Productores de Cine y Televisión (AMPTP) se reunieron el lunes por la noche con el SAG-AFTRA para solucionar sus diferencias en torno a temas como la IA, luego de que el gremio anunciara que aún discrepaban en varios “puntos esenciales” sobre lo que los estudios llamaron su “última, mejor y definitiva” propuesta. El medio estadounidense también reportó que ambas partes volverían a reunirse esta tarde con la esperanza de lograr un acuerdo en dicho punto.

El tema de la IA para crear dobles digitales de los actores fue uno de los más sonados y de mayor conflicto a lo largo de la huelga que mantuvo paralizada a la industria de Hollywood por meses. Los actores exigen a los estudios un modelo regulado con cláusulas específicas que los protejan ante esta tecnología, pero las empresas no se comprometieron a dejar de entrenar sus sistemas de IA. Medios especializados reportaron que en la última propuesta, la AMPTP ofrecía un aumento de los salarios a los profesionales que permitieran ser replicados virtualmente.

Otro de los temas que podría seguir obstaculizando el acuerdo del convenio colectivo, que regirá los próximos tres años, son las remuneraciones económicas que los actores perciben a la hora de la retransmisión en servicios de “streaming” de los contenidos en los que participaron.

La primera huelga conjunta en seis décadas que protagonizaron SAG-AFTRA y el gremio de guionistas de EE.UU.(WGA), que llegó a un acuerdo con AMPTP a finales de septiembre, supuso unas pérdidas por 6.500 millones de dólares para la economía californiana y el despido de 45.000 trabajadores, según la Oficina de Estadísticas Laborales (Departamento de Trabajo de EE.UU.).

Familiares, amigos y seguidores de Silvina Luna despidieron hoy al mediodía a la modelo y actriz en el Panteón de Actores del Cementerio de la Chacarita en la Ciudad de Buenos Aires. La artista falleció el pasado jueves a los 43 años en el Hospital Italiano luego de varios días de internación por una cirugía estética previa que le provocó hipercalcemia e insuficiencia renal.

Luego de una despedida privada que se realizó en una sala velatoria de Belgrano, llegaron a Chacarita el hermano de Silvina Luna, Ezequiel, y otros familiares de la víctima ─algunos de ellos viajaron desde Rosario para poder estar presentes─ y el abogado Fernando Burlando que la representa en una causa por lesiones contra Aníbal Lotocki. Allí, se encontraron con compañeros de trabajo de la artista que decidieron asistir al responso a cargo del párroco Rodolfo Sánchez Rubio.

“Caprarola era mi hermano, y con Silvina hemos trabajado tanto juntas, era una chica llena de luz, de vida, de una inocencia divina. Ella resistía con la esperanza, porque creía que la fuerza y el trabajo espiritual que hizo la iban a salvar, pero no alcanzó”, expresó Iliana Calabró en referencia a las dos más recientes víctimas fatales de Lotocki.

Mariano Caprarola, panelista y asesor de moda, murió el pasado 17 de agosto a los 49 años mientras estaba internado en el Instituto Argentino de Diagnóstico y Tratamiento. Tras realizarse una intervención estética en 2010 con el doctor ahora investigado, comenzó a sufrir distintos trastornos de salud que condujeron a este trágico desenlace.

Además de Iliana Calabró, en las inmediaciones del panteón se encontraban reunidos Gustavo Conti ─uno de sus amigos más cercanos desde su paso conjunto por Gran Hermano 2001─, Rocío Marengo, Cinthia Fernández, Stefi Xipolitakis y Ángel de Brito. También estuvieron presentes Majo Martino y “Locho” Loccisano, ex compañeros de Silvina Luna en el reality show “El hotel de los famosos”.

Mientras se llevaba adelante la despedida a la artista, en redes sociales circulaba una campaña de recolección de firmas para exigir el encarcelamiento de Aníbal Lotocki. La causa, compartida a través del sitio Change.org, ya lleva reunidas más de 35.00 adhesiones.

ACM con información de agencias.

El joven actor español Gabriel Guevara fue detenido este domingo por la policía italiana en Venecia, en relación “a un antiguo proceso en Francia”, según informó su abogado en un comunicado al que tuvo acceso elDiario.es.

Se trata de un proceso judicial que, en España, “ya salió resuelto a su favor con todas las absoluciones”, tras una denuncia siendo el actor menor de edad, afirma su representante legal, que califica la actuación policial de “error en una retención” que entiende como “irregular”. Según Europa Press, que cita a su abogado, se trata de un presunto delito de violencia sexual y por el que habría sido emitido una orden de detención internacional.

Gabriel Guevara, de 22 años, trabajó en la serie televisiva para adolescentes Skam España (Movistar+), HIT (TVE) y en Señoras del (h)AMPA (Prime Video), entre otras. Recientemente, protagonizó la comedia romántica juvenil Culpa mía (Prime Video, 2023), debut en largo del director de videoclips Domingo González. Además, es hijo de la actriz y modelo Marlène Mourreau y del bailarín Michel Guevara.

La organización de la Mostra de Venecia, que se celebra estos días en el Lido, se desvinculó de la presencia de Guevara en la ciudad. El actor se encontraba allí para la entrega de los premios Filming Italy Best Movie Award que se realizan en el ámbito de la Mostra pero no como parte de ella. En ese evento, Guevara recibió el reconocimiento Filming Italy Best Movie International Award Young Generation por su papel en la película Culpa mía.

El actor Alan Arkin, famoso por su papel en Pequeña Miss Sunshine, por la que ganó el Oscar a la Mejor interpretación masculina de reparto, falleció a los 89 años según confirmó su familia a la revista People. En un pequeño comunicado, sus familiares destacaron a su padre como “una fuerza de la naturaleza con un talento único, tanto como artista como hombre”. “Un esposo, padre, abuelo y bisabuelo, lleno de amor que fue adorado y al que extrañaremos profundamente”, concluía la escueta nota.

Aunque Arkin pasaría al imaginario popular gracias al carismático abuelo del filme de Jonathan Dayton y Valerie Faris y por esas lecciones optimistas que daba a la niña que interpretaba Abigail Breslin, su carrera ya llevaba acumulados unos cuantos papeles míticos y otras dos candidaturas al Oscar, las que logró por Que vienen los rusos en 1967 y El corazón es un cazador solitario en 1969. Por la primera, de hecho, ganaría su primer premio importante, el Globo de Oro al Mejor intérprete de comedia. Posteriormente, lograría una cuarta candidatura al Oscar por Argo, el film de Ben Affleck que finalmente vencería como Mejor película del año en 2013.

Aunque su último papel consistió en doblar al personaje de Wild Knuckles en Gru: el origen de los minions, estrenada en 2022, su despedida de la interpretación fue la exitosa serie de Netflix El método Kominsky junto a Michael Douglas, en la que daban vida a un actor de Hollywood y su agente en una reflexión sobre la vejez y la industria del cine. Un papel por el que fue nominado a los premios Emmy de la televisión en 2019 y 2020, unos galardones a los que optó en cinco ocasiones, sin lograrlo ninguna de ellas.

Arkin nació en 1934 en Brooklyn, Nueva York, pero pertenecía a una familia de inmigrantes judíos que llegaron de Rusia y Alemania. Su padre era artista y escritor, y su madre maestra. Antes de triunfar en el cine y la televisión lo hizo en teatro, donde debutó en el musical de Broadway From the Second City en 1961. Tan solo dos años más tarde obtuvo un premio Tony por protagonizar la comedia de Joseph Stein, Enter Laughing. Hasta 1966 no logró su primer papel acreditado en el cine (aunque ya en 1957 logró una aparición que ni salía en los créditos en Calypso heat wave), lo consiguió en Que vienen los rusos, y ya en su primer papel importante logró su primera candidatura al Oscar.

También trabajó como director. Lo hizo en dos largometrajes, Little murders (1971) y Se venden incendios (1977), además de en episodios y películas para televisión y cortometrajes. De hecho, con el segundo que dirigió, People Soup, logró estar nominado al Oscar al Mejor cortometraje de ficción en 1970.

LC

Eusebio Poncela descuelga el teléfono, nadie habla y se oye un golpe al otro lado. “Perdona, que había entrado a casa una mosca cojonera, sí, dime”. Desde ese momento, la entrevista discurre sin seguir las pautas marcadas en un cuaderno. Esa forma anárquica de hablar y existir es la marca del actor y los periodistas lo saben, lo que convierte cada charla en un barco a la deriva y sin tierra a la vista.

A sus 70 años regresa a las tablas en Avilés de Asturias con El beso de la mujer araña, adaptación del famoso texto de Manuel Puig y dirigido por Carlota Ferrer. Poncela se mete en la piel de Molina, un homosexual encarcelado durante la dictadura militar argentina por “encariñarse de un muchachito”. La obra se estrena el 26 de agosto y luego pasará en septiembre por Euskadi y Madrid.

Aunque a veces fantasea con retirarse a pintar, el vallecano ya tiene cerradas una película y varias obras de teatro para el siguiente curso. No puede ni quiere parar. En cinco décadas solo ha pisado el freno cuando su adicción a la heroína le obligó a refugiarse en Argentina para hacer terapia y desapegarse del Madrid de la movida que tanto ha dado que hablar, como su relación turbulenta con Pedro Almodóvar. La película Dolor y gloria de este último fue un homenaje y una redención. Poncela tampoco tiene ya malas palabras para el director manchego, aunque mantiene la lengua afilada y la dirige hacia otros blancos.

Cuéntenos un poco de la obra y por qué es tan especial para usted.

La obra de Manuel Puig es un invento fantástico. Una superjoya. La divide en nueve, que es el número perfecto y el más alto. Y efectivamente, la altura del texto es maravillosa. Plantea una especie de viaje entre dos personas que están en la cárcel por motivos distintos y se manipulan: un revolucionario y un homosexual, en un momento que era muy delicado para la homosexualidad. Todavía lo es, entiéndeme. Pero entonces mucho más.

La nota de prensa dice que Molina es “un cuerpo de hombre que encierra a una mujer a su vez encarcelada por seducir a un menor”. ¿Cuáles son los retos de interpretar un personaje así?

Mi personaje tiene una fijación femenina, que es lo que más me ha costado, porque soy un feminista feroz. En la vida se me ha ocurrido ser mujer. Nunca, jamás. Entonces, he tenido problemas para no hacer una caricatura y sentir que de verdad me acercaba a eso. Naturalmente, todos tenemos una parte femenina, yo también, pero no de esa manera.

¿Qué manera es esa?

Este hombre se había criado en un pueblo de la Pampa con un machismo feroz y quería realizar el sueño de la mujer sumisa, porque en ese momento solo había dos roles: el fuerte, del hombre que gritaba, y el débil, de la mujer que se hacía la sorda. Entonces, él, como homosexual, logra realizarse a través de la sumisión. Fuera de ahí, la prepotencia y el abuso que recibe por su sexualidad son feroces. Eso también me ha costado muchísimo, porque soy la persona más insumisa que conozco. Por eso he tenido problemas con tanta gente en este oficio, aunque tuvieran razón. No sé por qué soy actor, si soy la persona más desobediente del mundo. Pero bueno, una contradicción más.

No sé por qué soy actor, si soy la persona más desobediente del mundo

¿Qué le anima a seguir actuando, entonces?

No concibo nada que no sea dedicarme a este oficio. Me interesan mucho sus dificultades porque me abren. Soy una persona ensimismada en sí misma, muy individualista y me cuesta mucho meterme en otra vida. Hay actores a los que les gusta este oficio para vivir otras vidas. Pero yo siempre tengo el pálpito de meter caña en esa otra vida y pensar qué haría yo en esa situación.

Ha dicho alguna vez que eso le ha llevado a mimetizarse en exceso con sus protagonistas, como le ocurrió en Arrebato, de Iván Zulueta, y su problema con las drogas.

Por supuesto. Y me ha creado dificultades para mantener cierto equilibrio. Unas veces ha ganado el personaje, como cuando hago algo de Shakespeare muy potente. No hay color. Ahí, sumisión total. En otras, quizá me he equivocado. Qué sé yo. En ese caso ya ha pasado mucho, mucho tiempo, siglos. Ya entiendo y comprendo las cosas un poquito mejor.

¿Se refiere a Almodóvar?

Sí, pero no solo. He sido muy desobediente, pero he tenido muchísima suerte. Saludemos a Iván Zulueta y saludemos a Pedro. Son dos ejemplos de la cultura que avanzaron pasos gigantes. Naturalmente, hay una mayoría que no tiene parche de ningún tipo. Ahí estarán, pero la cultura da pasos adelante. ¿Lo ves?

Justo esta semana Tarantino contaba que se había hecho director por la primera escena de Matador, donde Nacho Martínez se masturba viendo escenas grotescas. Aunque haya dejado atrás esa etapa, ¿le alegra?

¡Claro! Pedro es un artista enorme y, en esa época, más enorme que casi nadie. Justo en esa época. Que Tarantino diga eso me parece muy auténtico de su parte y, como salgo en Matador, más. Es que además eso fue una casualidad. José Luis Gómez o no sé quién iba a hacer el papel. No sé si tuvieron una discusión, no tengo ni puta idea y me importa un huevo. El caso es que Pedro me llamó, éramos muy amigos. Ya me había ofrecido algunos papeles y por lo que fuera no había hecho ninguno. Acepté y fue como caído del cielo.

Yo siempre he creído que los idiotas son amplia mayoría. Soy muy cabrón y pienso eso

¿Es cierto que no ha visto ninguna de sus películas?

Totalmente. Nunca me he visto en las películas, ni en las buenas ni en las malas, y mucha gente se cabrea conmigo. Pero siempre he creído que no me convenía observarme. O, si las he visto, ha sido un poquito de perfil, un poquito de lado. La gente se enfada conmigo porque no quiero ver Martín Hache. Pero es que no me sale de los huevos ver Martín Hache, y como esa tengo unas cuantas.

En 2008 se levantó del reestreno de Arrebato porque dijo que no soportaba volver a “aquella relación entre cinefilia y drogas” del rodaje. ¿Aún le duele? ¿Qué le impide ver el resto de las películas que hizo después de superar la adicción?

No duele, no. El dolor quizá pueda venir por otro lado. Yo a Iván Zulueta le adoraba, era una joya. Todavía no puedo ver Arrebato, pero no es por dolor, ni por las drogas, ni porque él esté muerto, sino porque... porque no. Porque en este oficio vas evolucionando y lo vas haciendo cada vez mejor. Si encima de que no quiero verme, lo hago con una película de hace 40 años, pues ni de coña.

¿No hay ninguna que le dé un poco de curiosidad?

No digo que no haya algunas que sí. Una que estéticamente es la hostia, otra que logró avanzar en diez años un poquito los prejuicios... es que he hecho muchas cosas que no están en Cine de Barrio, ¿me entiendes? Pero hay algo que me impide verme y observarme. No sé, tengo unos días que soy muy listo y otras que soy gilipollas, y no quiero volverme aún más gilipollas.

Suele hablar abiertamente de su adicción a la heroína. ¿Por qué parece que le cuesta menos afrontar esta etapa que la actoral?

Me cuesta, eh. No te puedo explicar lo que fue el primer año de desengancharse de una cosa tan fuerte. Yo me volví muy loco. O sea, me follé a medio Buenos Aires. A mi edad, se supone que una Estrellita Castro como yo tendría que ser alcohólico o pastillero, pero soy una persona libre de todo tipo de sustancias. Entonces, tengo una visión afortunada. He tenido mucha suerte, he tenido dinero y he tenido la posibilidad de conocer otras cosas. Pero te puedo escribir un libro con toda la gente que tengo muerta por culpa de la heroína. Digo que soy un genio porque tengo una fortaleza especial para cambiar de tercio y no depender de nada. Pero es un caso muy raro.

Puedo escribir un libro con toda la gente que tengo muerta por culpa de la heroína

¿Sintió que los políticos no abordaron bien cómo afectó socialmente la adicción a la heroína?

Mi opinión sobre este tema está condicionada por la suerte absoluta. Eso no significa que no sea consciente de que todo era una cuestión política y de que estábamos manejados como marionetas. Luego, venía la incomprensión. Es decir, eras pobre, drogadicto, homosexual y artista. Y yo pasé por todo eso. Pero bueno, digamos que soy muy individualista y otras veces soy implacable con la gente. Entonces, me puedo defender por ahí. ¿Me entiendes, corazón?

Más o menos. Pero el caso es que, 40 años después, otra vez estamos hablando de una pandemia, la de viruela del mono, desde el punto de vista de la estigmatización y la homofobia. ¿Cómo sienta ver que la historia se repite?

¿Te das cuenta? “Otra vez”. ¿Y sabes a qué suena? A un déjà vu. Es exactamente lo mismo que pasó hace 30 o 40 años. Los prejuicios se mantienen. Una de las veleidades que tengo con este montaje (El beso de la mujer araña) es que se aplaquen, que discurran y que piensen un poquito en que la sexualidad es libre. Hace poco he interpretado en Merlí Sapere Aude al dueño de un cabaret y uno me preguntó: “¿No te vas a encasillar mucho?”. Y le dije: “A ver, maricón, ¿Robert Redford se encasilla por interpretar a tres heterosexuales seguidos?”. Y una lucecita se encendió en ese ser.

¿Le da miedo que esas preguntas y esos prejuicios sean el preludio de un ciclo político más oscuro y retrógrado?

Totalmente. Pienso en ello y me pongo de mala hostia. Cómo es la derecha, ¡qué horror! Tú fíjate el momento tan delicado en el que estamos y todos esos líderes, el coreano, el ruso, el chino. O sea, es que es la hostia. Y aquí estamos rodeados de mamarrachos, como el alcalde [de Madrid]. Es una mentira detrás de otra, es palpable. Yo siempre he creído que los idiotas son amplia mayoría. O sea, soy muy cabrón y pienso eso. Pero no es posible que la gente que vota a Ayuso no se dé cuenta. Ves a montones de tías votando a Vox y dices, “¿pero qué cojones está pasando aquí?”. Te juro por Dios que no leo las noticias. No las puedo leer porque estoy muy enfrascado en la obra y no quiero ponerme tan de mala hostia de buena mañana.

Me decía que esperaba que El beso de la mujer araña aplaque los prejuicios sobre la libertad sexual. ¿Cree en el poder de la cultura para frenar la ola reaccionaria?

Hay mucha gente en la cultura que está muy por encima de esos prejuicios, mucho más avanzada. El ego trip puede servir para las dos cosas, para mal y para bien. Porque estás más curioso. Por cierto, se me ocurre pensar, ¿tú has visto a Pedro Sánchez alguna vez en el teatro? Que a mí me cae bien, “pero oye, macho, aparece por el teatro alguna vez en tu puta vida, ¿no?”. Le hago un llamamiento: “Pedro, querido, vente a vernos a una función, para que se vaya un poquito el odio, porque es un viaje al amor y a la evolución. Es un viaje a dejar de una puta vez que la sexualidad fluya en los cuerpos como les salga del capullo o del coño”.

MZM

Los actores y actrices de doblaje decidieron dar inicio a un paro de actividades por tiempo indeterminado a partir de las 17 de este jueves, luego de que venciera la conciliación obligatoria, informó la Asociación Argentina de Actores (AAA) a través de un comunicado.

“Vencida la conciliación obligatoria, que a pedido de los empresarios decretó el Ministerio de Trabajo, y ante la pertinaz negativa empresarial a recomponer nuestros salarios, a partir de las 17 horas del día de la fecha retomamos el paro por tiempo indeterminado”, reza el comunicado de AAA.

Los trabajadores del sector señalaron que pasaron tres meses de discusiones en el Ministerio de Trabajo y en forma privada sin poder alcanzar “un acuerdo salarial que contemple las necesidades elementales de Actrices y Actores de Doblaje”.

Y señalan que “la enorme pérdida del poder adquisitivo del salario de trabajadoras y trabajadores de la actividad es ignorada por la patronal, poniendo en riesgo la atención de sus necesidades alimentarias más básicas”.

Los trabajadores de doblaje ofrecen en en el país servicios a empresas como Disney, HBO, Discovery, Netflix, entre otras y señalaron que la negativa patronal a recomponer salarios está ligada “a la especulación financiera (abogan por una devaluación), antes que a una realidad económica”.

“Responsabilizamos a la parte empresarial de querer precarizar la actividad. Es lamentable que la actitud empresaria nos haya llevado a esta situación. Hemos actuado de buena fe, simplemente reclamamos poder vivir de nuestro trabajo con dignidad, y se nos responde con indiferencia. Frente a esta realidad inflexible oponemos nuestro reclamo legítimo y organizado. ¡¡Unidad y convicción hasta que nuestras justas demandas sean atendidas!!”, cierra el comunicado firmado por la Secretaría Gremial y el Consejo Integral de la Asociación Argentina de Actores.

Con información de agencias.

IG