Diego Armando Maradona de espaldas medita frente a una piscina en una quinta del conurbano bonaerense. El diez, como lo prueba su camiseta, parece tomarse un descanso para pensar como arrodillarse ante su propio mito. Charly García toca un piano invisible en una habitación que parece flotar en el aire. O la metáfora de un país que toca a ciegas su propia melodía. Jorge Bergoglio, aún lejos del Vaticano, combina preocupación espiritual y cálculo político, adelantándose al futuro. El sujeto y su tiempo. La máscara y su historia. Las imágenes de Maximiliano Vernazza condensan, en la astucia de su lente, el modo en que la sociedad imagina a sus ídolos. Procesa el inconsciente colectivo que se proyecta en la celebridad retratada, hasta capturar algo que no se ve, pero se siente.

“Mi idea es poder compartir con el personaje el mayor tiempo posible. Que se olviden que estoy ahí y de esa manera fotografiar situaciones de intimidad impensadas”, explica Vernazza sobre esta serie de retratos que forman parte de su nueva muestra, “Argentinos 1995-2025”, la cual puede visitarse desde hoy en la Fotogalería del Centro Cultural Ricardo Rojas. El conjunto representa 30 años de labor (especialmente en la Revista Gente) donde los éxitos, los fracasos, los miedos y los deseos de las figuras públicas se conjugan como excentricidades propias de la fama. Escenas donde el fotógrafo es el director y la psicología del actor queda al descubierto mientras enfrentamos un interrogante. ¿Qué vemos los argentinos de nuestros ídolos? ¿Cuánto de eso es real? Una operación doble donde el personaje, junto al fotógrafo, construyen su identidad en simultaneo. La imagen como emblema, como arma, como rezo o como ruina. El retrato entonces como campo de batalla en un país donde el futbol, la política, la religión y el espectáculo se funden entre sí para ser la gramática de una época.

Vernazza comenzó sus primeros cursos de fotografía en el Sindicato de Empleados de Comercio en 1990. En 1996 realizó un taller en la Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina (ARGRA), dictado por Tony Valdez. Se especializó con reconocidos fotógrafos como Juan Travnik, Eduardo Gil, Alfredo Willimburgh, Adriana Lestido, Daniel Merle, Alberto Goldenstein y Carlos Fadigatti. En el año 1997 ingresó a Editorial Atlántida, donde trabajó para revistas como El Gráfico, Para Ti, Billiken y Gente. Desde diciembre de 2019 hasta agosto de 2022 se desempeñó como Jefe del Departamento de Fotografía de La Honorable Cámara de Diputados de La Nación. En el año 1999 recibió el Premio PLÉYADE a la mejor foto periodística del año (Asociación de Editores de Revistas), por su retrato de Diego Armando Maradona en su intimidad. Realizó innumerables muestras individuales.  

Entre los años 1998 y 2024 participó en todas las muestras anuales de la Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina (ARGRA). En 2011 en el Centro Cultural Recoleta exhibió “El Charly que yo conozco”, un verdadero punto de inflexión en su carrera. “Gracias a eso logré muchas cosas y esa muestra giró por todos lados. Pero siempre supe que la gente iba a ver a Charly. Les importa muy poco quien hizo las fotos”, se sinceraba. Luego vendría la muestra sobre Once, con un recorrido artístico por uno de los barrios más diversos de la ciudad, donde omitía la figura humana y su búsqueda creativa se construía desde esa ausencia, como un contrapeso necesario entre ese ejercicio introspectivo y el vértigo de su labor como reportero gráfico.

En 2022 presentó “Jorge Vernazza es así”, una muestra en homenaje a su padre, que comenzó a gestarse en un departamento en el corazón de Palermo, con un jardín envuelto en plantas, un estanque lleno de peces y la decisión del odontólogo de 87 años de ponerle un punto a su profesión. Y así se llega a esta nueva propuesta. Carlos Menem, Mauricio Macri, Diego Capusotto, Roberto Pappo Napolitano, Mirtha Legrand, Cristina Fernández de Kirchner, Leonardo Fariña, Palito Ortega, Mercedes Sosa y Carlos Bilardo son algunas de las celebridades retratadas, para dejar en evidencia que la Argentina no se puede explicar, pero la escritura del mito, a veces nos da alguna pista. El exceso, el sacrificio, el talento y el milagro se conjugan ante la astucia del fotógrafo y un lente que transforma la anatomía de un instante en la historia de todos los argentinos.

Argentinos | 1995-2005 puede visitarse desde el martes 20 de mayo hasta el 21 de junio, en la Fotogalería del Centro Cultural Ricardo Rojas. Av. Corrientes 2038, con entrada libre y gratuita.   

Víctor Bugge colgó la cámara. A sus 68 años, y tras casi cincuenta como fotógrafo de la Casa Rosada, este martes el reportero gráfico se jubiló, según confirmó él mismo a elDiarioAR. Testigo privilegiado de poder, por su lente pasaron desde el dictador Jorge Videla a todos los mandatarios desde el retorno de la democracia hasta hoy: Raúl Alfonsín, Carlos Menem, Fernando de la Rúa, Eduardo Duhalde, Néstor y Cristina Kirchner, Mauricio Macri, Alberto Fernández y Javier Milei durante su primer año en el gobierno.

Videla mirando solo por la ventana y Menem junto a los Rolling Stones. La emblemática caminata Menem-Alfonsín que simbolizó el Pacto de Olivos y Kirchner bajando los cuadros en la ex ESMA. De la Rúa firmando fotos suyas el día después de haber abandonado la Casa Rosada en helicóptero y Milei arriba de un tanque de guerra. “Es el fotógrafo del poder”, le dedicó en una oportunidad Charly García al visitar a Menem.

El propio Bugge compiló parte de su trabajo en un video que publicó por los 40 años democracia y que difundió en sus redes sociales. Por gentileza suya y de la AMIA que hizo la muestra “Balcarce 50”, elDiarioAR muestra aquí una serie de su vasto repertorio fotográfico entre los pasillos de la política argentina.

Las postales de Bugge de la política argentina

Las leyes se aprueban en el Congreso pero se aplican en los territorios. Ahí el acceso a la salud sexual y (no) reproductiva depende de muchos factores. Que existan los recursos, que llegue la información, que se venzan las barreras del prejuicio y el miedo. 

Para hablar de aborto la fotografa Vanesa Schwemmler elige poner el ojo en una médica de un centro de atención primaria de Viedma: Victoria Speroni, una de las primeras profesionales con política clara y definida en relación a la IVE en la capital de Río Negro.

Una imagen reciente de miles de personas levantando sus teléfonos para registrar el año nuevo frente al Arco del Triunfo en París generó comentarios en redes sociales de gente horrorizada sobre cómo estamos viviendo y qué nos puede hacer el hecho de estar siempre con el celular en la mano. ¿Será que estar tan pendiente de capturar el momento afecta cómo uno lo vive? ¿Puede ser que al sacar fotos de todo tercericemos nuestra memoria? ¿Saber que vamos a tener una imagen disponible después para reconstruir el momento hace que recordemos menos? 

Cada nueva tecnología nos hace pensar que nos vamos a perder algo con ella. Hay registros desde Sócrates, que pensaba que la escritura nos iba a llevar a recordar menos, porque íbamos a poder consultar los textos. Lo que es más escaso es la evidencia de que efectivamente nos hayamos vuelto más limitados. Pero eso no quiere decir que la tecnología no tenga ningún impacto sobre cómo pensamos y vemos el mundo. Y las cámaras pueden cambiar nuestra experiencia de varias maneras.

Una forma en que lo pueden hacer es relajándonos: sentimos que no tenemos que recordar el momento, porque está registrado por la cámara y entonces lo olvidamos más fácil. Esta es una línea de estudio en la que se han hecho varias investigaciones. En una de ellas, le pedían a las personas que vean una serie de piezas de arte, pero que sólo le saquen fotos a algunas. Al final, les hacían una prueba de memoria. Y sí, las personas recordaban más las piezas que no fotografiaron.

Pero no siempre es así. En otro estudio similar, le pidieron a las personas que recorran un museo sacando o no sacando fotos, pero agregaron otra opción: en algunos casos tenían que sacarle fotos a ciertos detalles del objeto, haciendo zoom. Al tener que fijarse en los detalles, pensar mejor el encuadre, hacer zoom, las personas parecían registrar mucho más de lo que estaban viendo, que cuando simplemente hacían click sin prestar tanta atención.

La cámara no sólo puede tener efectos sobre nuestra memoria. También puede hacer que nuestras experiencias sean distintas. Cuando vamos por el mundo con una cámara, estamos prestando más atención a los estímulos visuales y eso puede hacer que se nos pasen un montón de otras cosas. Nuestro cerebro es limitado, y si estamos buscando qué fotografiar, nos abstraemos de otros estímulos.

Así lo mostró un estudio en el que a algunas personas les permitían visitar una exposición con su celular para sacar fotos y a otras no, pero esta vez mientras lo hacían escuchaban una audioguía. En este caso encontraron que tener la cámara podía ayudar a mejorar la memoria visual, pero hacía que recordaran menos lo que escuchaban. Enfocarnos en lo visual nos quita capacidad de registrar otras cosas.

Y todo esto no quiere decir que tenemos que dejar de sacar fotos y registrar lo que vemos. De hecho, hay algunos estudios que muestran que sacar fotos incluso puede ayudarnos a disfrutar más de una experiencia, el efecto que puede tener sobre nosotros depende de muchos factores. Y uno muy importante es para qué estamos sacando la foto.

Una cosa es fotografiar porque vimos algo que nos gustó, porque nos divierte o porque queremos recordar el momento. Una muy distinta es sacar fotos para compartir, es decir pensar no sólo en cómo fijar el momento sino en cómo vamos después a mostrar esa foto a otros, lo más probable, en redes sociales. Ahí sí nuestro disfrute del momento puede caer bastante. Al menos así lo vieron en un estudio en el que le hacían encuestas a personas que se estaban sacando una foto junto a un punto turístico, y les preguntaban cuánto les había gustado la experiencia, si la recomendarían y para qué estaban sacando la foto, para sí mismos o para compartirla. Cuando la foto era para compartir después, el nivel de satisfacción era más bajo. Probablemente empezamos a querer buscar el ángulo perfecto, fijarnos más en cómo salimos y la pensamos más como una forma de proyectar nuestra imagen que de vivir la experiencia. Y eso puede afectar cuánto la disfrutamos.

No se trata de volverse un fundamentalista anti-fotos, al contrario, nos pueden ayudar mucho a disfrutar el momento. Siempre y cuando sepamos para qué las sacamos y podamos también soltar la cámara para prestarle atención a otras cosas. 

OS

“Oye papá, ¿y tú cuántos pañales me cambiaste a mí? Ninguno”. Esta “revancha cómica” sucede en un baño mientras la hija está agachada frente a un bidet, esponja en mano, limpiando a su anciano padre. La escena, escrita por Nerea López de las Heras, está incluida en uno de los relatos que componen Culo, el quinto número de la colección de libros Esto es un cuerpo. Un proyecto que mezcla fotografía y literatura para experimentar, reflexionar y querer a las distintas partes del organismo.

Tras ahondar en las Manos, Pelo, Ojos y Orejas, ha llegado el momento de bajar del tronco para abordar las nalgas y, a partir de ellas, hablar sobre sexualidad, cuidados, violencia, lenguaje, juego, vejez y cánones de belleza. Laura C. Vela, Carlota Visier y Ana Jarque son las creadoras de esta iniciativa que tiene como objetivo reconciliarnos con nuestros cuerpos y sus implicaciones emocionales, sociales y políticas.

“Dedicamos este número al culo porque exponernos es también reivindicarnos. La celulitis es para el culo lo que el relleno de algodón para una almohada, lo que la manteca para un pan. Apostamos por unos culos libres, en movimiento, desbordantes, que perrean, en los que florezcan flores, no tabúes. Queremos liberarlos del peso de la supuesta moral femenina y convertirlos en símbolos de la revolución de un cuerpo demasiado castigado, demasiado invisibilizado. Queremos olernos los culos sin sentir vergüenza”, manifiestan las editoras en su introducción.

Las autoras publican Esto es un cuerpo a través de su propia editorial independiente, Comisura, y están financiando la colección mediante una campaña de crowdfunding que todavía no alcanzó su objetivo de 6.000 euros. En el camino de este número se toparon con una dificultad con la que no contaban, la censura de algunas de sus imágenes, por mostrar culos, en redes sociales y YouTube. Obstáculo que se vieron obligadas a tener que solventar tapando algunos de ellos con melocotones.

“En verano podes ver a hombres en la calle sin camiseta pero una mujer no puede casi dar el pecho en público porque la gente se escandaliza. Si con Culo nos están censurando, imagínate que sacamos un libro dedicado a las tetas. No podríamos subir nada, tendríamos que tapar todas con cerezas”, lamenta ante este periódico la profesora de Lengua Castellana y Literatura Carlota Visier. Su compañera suma que “no siempre que enseñes las tetas es para sexualizar ni siempre un culo va a ser sexual. No es contenido pornográfico”. “Es esencial que existan espacios para poder ser libres y expresarnos. Si no, sería todo tristísimo y estrecho de miras”, reivindican.

El proyecto nació en 2020. “Veníamos de la pandemia, un contexto muy específico en el que el cuerpo adquirió fuerza y llevó a reflexionar sobre cosas en las que antes no habíamos reparado tanto, como el olfato”, explican. Este fue el germen que les llevó a apostar por desarmarlo en sus distintas partes concediéndoles una publicación a cada una, en las que a través de las imágenes y las palabras se tornaran en protagonistas absolutas. Y en conjunto, lograr una construir “una especie de Frankenstein”.

“Centrarnos en cada parte del cuerpo nos permitía ser más detallistas con ellas. Cuando hablamos del cuerpo en general es más fácil irse a lo de siempre, pero al obligar a pensar en una sola cosa, el juego es mucho más profundo”, afirman.

Un puzle de artistas

“Para la mano es accesible la dignidad de los objetos que toca, el derecho a separarse del cuerpo para ir tras ellos y aún así permanecer vacía y disponible para la próxima vez. En ella sufrimos la soledad del espacio cotidiano y disfrutamos del capricho instintivo de ordenar el mundo”, escribieron y retrataron en De raíz Ana Jarque y Bernardita Morello, dos de las artistas que poblaron el primer ejemplar.

Andrea Abreu, Gata Cattana, Silvia de la Rosa, Elena Medel, Remedios Zafra, Elisa Victoria, Máté Bartha, Graciela Iturbide, Safia El Aaddam, Brigitte Vasallo, Irene Zottola, Olga Iglesias Durán, Las hijas de Felipe, Ana Folguera y Florencia del Campo son otros de los nombres que han habitado las siguientes entregas. La lista de escritoras y fotógrafas van a ampliarla en la quinta entrega figuras como Aida González Rossi, Paula Yubero, Cristina Fallarás, Nagore Legarreta, Aitana Cordero, Okaro, Laura San Segundo y Lucía Antebi.

Entre sus propuestas están un “club de escritura con el culo” con el que se adentran en un universo infantil atravesado por la naturalidad y la diversión, pero también por la diferencia, el bullying, la soledad y la aceptación de los cuerpos. Hay una conversación entre amigas de distintas nacionalidades que conversan sobre la palabra culo, sus usos y acepciones; con las que devuelven al lector la incomodidad de ser mujer y tener culo, siempre cuestionado por la mirada masculina. El ejemplar añade una reflexión en torno al cuidado de los culos envejecidos (los improductivos o deficitarios) frente a los ingrávidos (los infantiles y los femeninos), aquellos donde las revistas de moda y los futuros padres centran la atención.

El culo como centro del amor y como zona de paso y transformación; y el cuerpo como instrumento de resistencia cotidiana son otros dos de los temas que impregnan el volumen que cierra con una sección colaborativa titulada Culopedia: un espacio que incluye fotografías hechas en baños públicos con frases históricas, consejos, quejas, croquis, viñetas y diálogos.

Un ejercicio de reconciliación

La colección obliga a detener el tiempo para poner el foco en cada parte del cuerpo, ese algo que cada día nos sustenta, nos permite estar vivos, respirar, caminar, acariciar, observar, saborear y el larguísimo etcétera que compone el abanico de posibilidades que el organismo, por el mero hecho de existir, nos regala. Imágenes y textos fuerzan a tomar conciencia y actúan como ejercicio de reconciliación.

“La relación con el cuerpo influye en tu relación contigo misma, con los demás y la sociedad. Desde si eres alto o bajito, influye en cómo te comportas. El cuerpo es muy importante en la construcción de la identidad, el cómo somos y cómo nos definimos. Incluso la forma en la que los transformamos, en el caso del pelo por ejemplo, con cada corte o tinte”, apuntan las editoras.

Los cuidados vertebran igualmente el vínculo con el organismo. Y de aquellos a quienes cuidemos a lo largo de nuestras vidas, incluidos nuestros padres. “Nacemos y morimos iguales, hechos pellejo y necesitando al otro para que te cuide. Esto también está latente en el proyecto: tener un cuerpo y ser cuerpo lleva implícito esa vulnerabilidad y necesidad del otro”, defienden las creadoras.

El libro como cuerpo

“Llamamos al proyecto Esto es un cuerpo para reivindicar que todos los cuerpos son cuerpos y que son igual de válidos. Y que el propio libro es un cuerpo, que es algo que se ha perdido un poco. No solo es importante la historia que cuentan, también cómo se edita, para qué se utiliza y cómo te relacionas con él. Esa materialidad del libro es importante y por eso siguen existiendo”, defiende Laura C. Vila. Las autoras encontraron en la campaña de crowdfunding la manera de poder financiarse, sabiendo que querían que los volúmenes fueran baratos y accesibles, para lo que necesitaban poder acceder a la venta directa.

“Al hacer una campaña presionas a la gente a que lo compre en un momento dado y eliminas una parte de riesgo. Hay un punto de comunidad y de sostenibilidad. Si no hay gente que apoye el proyecto y no quiere que salga, no saldrá. ¿Vamos a imprimir mil libros que luego nadie quiere leer? El momento en el que deje de haber mecenas y la gente deje de quererlo, dejará de haber Esto es un cuerpo. O se transformará”, comenta la fotógrafa sobre cómo este modelo se desvincula del que impera en el feroz mercado editorial. Una industria que obliga a las editoriales a renovar sus catálogos constantemente, provocando que muchos de los títulos acaben destruyéndose o saldándose.

Por lo pronto, quedan poco más de diez días de campaña que, una vez terminada, permitirá que quienes hayan aportado al proyecto puedan recibir los ejemplares. Y tras Culo, la idea es seguir ampliando la colección con otras partes del cuerpo como las orejas, el ombligo e incluso el agua. “Escribir solo para que el brillo de este momento nos libere de todo lo que nos dicen que somos. Pues mi culo es identidad, pues no venimos a aprender nada sino a mostrarle al mundo lo que ya sabemos hacer”, escribe Aida González Rossi, autora de la novela Leche condensada, para el volumen.

Con imágenes inquietantes, con el eje en los 40 años de democracia, con recorridos históricos, con lecturas notables sobre distintos fenómenos sociales. Por estos días se inauguraron en la ciudad de Buenos Aires distintas muestras fotográficas que vienen a renovar la oferta de exhibiciones con entrada libre y gratuita y de gran calidad en distintos espacios. Una buena oportunidad, además, para acercarse a miradas de grandes fotógrafas y fotógrafos contemporáneos desde distintos ángulos.

A continuación, un repaso por algunas de ellas y la información que conviene tener en cuenta antes de visitarlas.

1. Sistemas de representación. Fotografía y democracia 1983-2023. Lanzada hace pocos días en el Centro Cultural Kirchner y con el propósito de revisitar el pasado cercano, esta exhibición propone, según sus organizadores, “un viaje por estos cuarenta años a través de obras que giran en torno a diferentes situaciones políticas y sociales que atravesaron el país”.

Entre los ejes elegidos se encuentran “los reclamos por lxs desaparecidos, las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo, la guerra de Malvinas, el retorno a la democracia, el gobierno alfonsinista, lxs desocupadxs, el crecimiento del neoliberalismo y sus consecuencias para el pueblo argentino, la crisis del 2001 el atentado a la AMIA (Asociación Mutual Israelita Argentina), y la pandemia” y la selección comprende imágenes –en muchos casos, icónicas– de fotógrafas y fotógrafos como Alicia D'Amico, Alejandro Kuropatwa, Adriana Lestido, Eduardo Longoni, Marcos López, Liliana Maresca, Daniel Merle, Santiago Porter, Lucila Quieto, Juan Travnik, Inés Ulanovsky y Helen Zout entre otros.

La curaduría está a cargo de Francisco Medail.

Dónde: Sala 607, Sexto piso, Centro Cultural Kirchner, Sarmiento 151, CABA.

Horarios: Todos los días, de 14 a 20.

Más información, en este enlace.

2. El extranjero, fotografías de Harry Grant Olds. Esta exposición propone un viaje en el tiempo a la Argentina de principios del XX, “desde los clásicos conventillos de Buenos Aires a la figura del gaucho, o los retratos de los más variados oficios de aquellos años, como lechero, cigarrero, vendedores ambulantes: de loras, de tortas, de ajos, o de artículos varios”, tal como describen sus organizadores.

Las imágenes de la muestra pertenecen a Harry Grant Olds (Estados Unidos, 1868 - Argentina, 1943), quien se formó dentro del arte fotográfico como fotógrafo de estudio. Con apenas 16 años fue aprendiz en el estudio de Willard A. Bishop en su ciudad natal del estado de Ohio, Estados Unidos. En 1899 partió rumbo a Chile y un año después desembarcó en Buenos Aires, ciudad en la que dejó de ser un técnico para transformarse en un gran retratista de las primeras décadas del siglo pasado.

Como adelantan desde la organización, la tarea de Olds fue crucial en la fotografía argentina. Un dato que lo demuestra: los retratos que se exhiben en la muestra fueron realizados en negativos de vidrio 20 x 25 centímetros y datan de principios del siglo XX, pero el detalle que ofrecen en una digitalización en alta resolución es superior al de la mayoría de las cámaras digitales que existen en la actualidad.

La selección y curaduría está a cargo de Alfredo Srur y Ariel Authier y va acompañada por la proyección del mediometraje Los Viajes de H.G. Olds, documental recientemente terminado que relata la vida y obra del estadounidense y los viajes de muchos de los documentos que conforman el archivo, uno de los más destacados de América Latina.

Dónde: En 1101 Foto Espacio, la renovada sala de exhibiciones de Fundación Centro de Investigación Fotográfico Histórico Argentino, ubicado General Daniel Cerri 1101, La Boca, CABA.

Horarios: Sábados de 15 a 19.

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3. Belleza marrón, de Alejandra López. Con fotografías de la destacada artista visual Alejandra López –una de las más grandes retratistas del país– y el estilismo de Jorge León, la exposición, que abrió sus puertas a comienzos de junio en el Centro Cultural Borges del centro porteño, busca “celebrar la belleza marrón y militar por la deconstrucción de un canon ajeno a una Argentina en la que más de la mitad de la población tiene antepasados indígenas”.

“Este ensayo se propone combatir imágenes con imágenes. Contra el negacionismo, que sostiene que en Argentina no hay racismo. Contra la invisibilización, que sostiene que Argentina es blanca y viene de los barcos. Contra la idea naturalizada de que la única belleza posible y, como tal, representada en los medios, es blanca y europea. Nos preguntamos: ¿qué pasa cuando fotografiamos a las mujeres y diversidades marrones como sujetos de belleza, utilizando los mismos dispositivos que dichos medios poseen? ¿Podemos empezar a mirar por fuera de los estereotipos hegemónicos que consumimos cotidianamente?”, se preguntan sus organizadores.

Dónde: Centro Cultural Borges, Viamonte 525, CABA. Hasta el 2 de julio en la Sala Pabellón.

Horarios: De miércoles a domingos de 14 a 20.

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4. Usted está aquí, de Alberto Goldenstein. El fotógrafo argentino Alberto Goldenstein recorre cuatro décadas de carrera en esta exposición individual, inaugurada recientemente en la Galería Nora Fisch, del barrio porteño de San Telmo.

En la selección de imágenes, la materialidad fotográfica establece un diálogo entre las analógicas de una Buenos Aires de finales de la década de 1980 y las digitales capturadas en pandemia “y esas especiales del último verano en San Juan, pero con esa mirada única e iconoclasta en búsqueda inagotable de la belleza”, según indicó a la agencia Télam el curador de la exposición, Ariel Authier.

Goldenstein nació en Buenos Aires, en 1951 y se formó en los Estados Unidos. Usted está aquí reúne tres series de fotografías, en su mayoría inéditas, que recorren su trayectoria como fotógrafo tras su regreso a la Argentina en 1984, cuando se dedicó de lleno al arte fotográfico y comenzó a trabajar con color, distanciándose del uso del blanco y negro más cercano a su formación en la New England School of Photography de Boston, Estados Unidos.

Dónde: Galería Nora Fisch. Avenida San Juan 701, San Telmo, CABA.

Horarios: Martes a viernes entre las 14 y 19. Hasta el 5 de agosto.

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5. Portfolio, de Hilda Lizarazu y Pompi Gutnisky. La pequeña exhibición con una veintena de imágenes, que desde hace unos días puede visitarse en el barrio porteño de Recoleta, ofrece “una aventura que a través de la fotografía, exhibe la mirada particular de dos artistas, fotógrafas, viajantes de diversos recorridos artísticos por los cuáles son reconocidas pero que, sin embargo, se cruzan en esta oportunidad para dar lugar a la pura contemplación de sus imágenes”.

Las fotografías exponen una mirada mucho más íntima y menos conocida de las artistas: la primera de ellas en el mundo de los escenarios y la segunda, en la fotografía de interiores. De Lizarazu, de hecho, no están en la muestra sus emblemáticas fotos de Charly García sino sus autorretratos (de los 80, 90 y 2000) y la serie de Juana Molina interpretando distintos personajes, en un arco temporal que va de 1988 a 1994. De Gutnisky tampoco están solamente sus imágenes de interiores -especialización de la que lleva transitada una destacada trayectoria– sino que se exhibe otro registro: viajes, retratos, personas en movimiento, detalles. 

“Las fotos de Hilda y Pompi son frescas, precisas y para nada pomposas. Son el resultado de mirar al mundo con amor sabiendo que una formación técnica es importante”, define el curador de la muestra, Bruno Dubner.

Dónde: Smart Gallery, Avenida Alvear 1580 PB, Recoleta.

Horarios: Lunes a viernes de 14 a 19.

Más información, en este enlace

Todas las muestras tienen entrada libre y gratuita.

AL con información de agencias

Una serie de retratos inéditos tomados por el cantante y compositor Paul McCartney a principios de la década del 60 y que registran el proceso que convirtió a Los Beatles en el gran ícono pop de esos años se exhibirán en la renovada National Portrait Gallery de Londres, la cual volverá a abrir su puertas en junio tras tres años de renovación.

La posibilidad de acceder a nuevas imágenes del apogeo de la icónica banda, captadas por la cercanía privilegiada de quien fue uno de sus integrantes, contará con más de 200 fotografías del archivo personal del músico tomadas en diciembre de 1963 y febrero de 1964, cuando Los Beatles dieron conciertos en las principales ciudades e hicieron su primera aparición en el show del conductor estadounidense Ed Sullivan, en una histórica edición del ciclo televisivo que fue vista por 73 millones de espectadores.

La exposición, titulada “Fotografías de Paul McCartney 1963-64: Ojos de la tormenta”, captura el punto de quiebre en que McCartney junto a John Lennon, George Harrison y Ringo Starr pasaron de ser la banda más popular de Gran Bretaña a convertirse en un fenómeno cultural internacional, cuya huella tramó gran parte de la historia musical de las décadas siguientes.

Durante ese lapso, mientras los ojos del mundo se volvían hacia Los Beatles, el cantante enfocó su lente de aficionado y se dedicó a radiografiar informalmente todo el revuelto que se armaba en torno al grupo y “brindará una perspectiva personal única sobre cómo era ser un Beatle al comienzo de la Beatlemanía”, aseguró Nicholas Cullinan, director de la National Portrait Gallery en declaraciones al periódico inglés The Guardian.

El exintegrante del mítico grupo se acercó a la institución en 2020. “Dijo que había encontrado estas fotografías que recuerda haber tomado pero que pensó que se habían perdido. Nos sentamos con él y comenzamos a revisarlos. Fue extraordinario ver estas imágenes, que no se ven, de un momento cultural tan bien documentado, famoso e importante”, recordó Cullinan.

“Están tomadas por alguien que estaba realmente, como alude el título de la exposición, en el ojo de la tormenta mirando lo que estaba pasando”, comentó el director de la galería.

McCartney planea publicar un libro de fotografías para que coincida con su 81 cumpleaños en junio. Las 275 fotografías de la colección fueron tomadas con una cámara de 35mm en Nueva York, Washington D.C., Londres, Liverpool, Miami y París.

La familia del músico incluye tres célebres fotógrafos. Su primera esposa, Linda McCartney, fue la primera mujer en fotografiar una portada de la revista Rolling Stone. La hija de la pareja, Mary McCartney, es una aclamada fotógrafa y cineasta y su hermano Mike ha publicado libros de imágenes de Los Beatles.

La National Portrait Gallery, un edificio del centro de Londres que alberga la colección de retratos más grande del mundo, ha estado cerrado por una remodelación desde marzo de 2020. Durante su cierre, prestó obras a galerías y museos de todo el mundo. La misma reabrirá al público el 22 de junio con una exposición que explora la vida y la carrera de Yevonde, el fotógrafo del siglo XX que fue pionero en el uso de la fotografía en color en la década de 1930.

LC con información de agencia Télam

Desde Reino Unido, hasta Puerto Rico, de España a Estados Unidos, de Ushuaia a La Quiaca, los diarios del mundo reflejaron este miércoles el nivel del seleccionado argentino para llegar a la final del Mundial en Qatar.

Las imágenes del exilio. Cuarenta años después, el fotógrafo argentino Dani Yako publicó un libro con las imágenes de su vida y la de sus amigos y amigas en Madrid, durante la última dictadura militar. “Este es solo un exilio con minúscula. Se supone que el otro, con mayúscula debe tener su épica, su mística, su militancia y su dolor. Entonces este conjunto de imágenes tomadas entre 1976 y 1983 sin ningún espíritu documental adquieren, más de 40 años después, un significado que aún no logro dilucidar”, escribió el fotógrafo en “exilio 1976-1983”, el libro editado por él mismo que se presenta esta semana.

Con fotos en blanco y negro, el autor retrata la vida cotidiana de un grupo de jóvenes, que rondan los 20 años, en España después se salir de Argentina, algunos después de estar detenidos, desaparecidos y torturados. Él mismo junto a su novia de ese momento, Graciela Fainstein, habían sido secuestrados en noviembre de 1976 por un grupo de tareas del Ejército y trasladados a una dependencia policial en la calle Azopardo durante tres días. Fueron golpeados y padecieron un simulacro de fusilamiento. Yako contó que fueron liberados por la intervención de Horacio Tato, director de Noticias Argentinas, la agencia para la que trabajaba. Cuando llegaron a Europa la joven estaba embarazada, pero decidieron abortar porque no sabían si era producto de una violación. 

Después del horror, la vida en pequeños departamentos de la capital española. En las fotos están sus amigos del Nacional Buenos Aires, entre ellos Martín Caparrós, en situaciones domésticas, jugando con sus hijos o festejando un cumpleaños. Además de las imágenes, hay textos de esos protagonistas, que décadas después, repensaron ese momento para este libro.

Así lo describe Caparrós: “¿Exilios? Yo me negaba a llamarme exiliado: no era un nombre que sintiera propio. A mis 18 había tenido que dejar la Argentina en plena represión y no sabía cuándo podría volver, pero siempre me dio pudor, vergüenza considerarme eso. Un exiliado era, para mí, Sarmiento en Chile, Lenín en Zürich, mi abuelo Antonio en Argentina: gente que extrañaba sus países, que añoraba el regreso, que nunca habría elegido dejarlos si hubiera podido. Yo no podía volver pero tampoco, creo, lo habría elegido entonces. Y, sobre todo: yo no era un exiliado porque la estaba pasando pasablemente bien. Y el exilio, sabemos, es para sufrir”.

En las fotos se ve a un niña rubia, se trata de Vera Lennie. Nació en la ESMA durante el secuestro de su mamá Silvia Labayru, que estuvo 18 meses en el lugar. En el libro hay textos de ambas. Labayru habla de varios exilios, uno de ellos en el que nació su hija.  “Luego fue el exilio de la ESMA, el campo de exterminio donde estuve secuestrada 18 meses, donde nació mi hija Vera y de donde logré –logramos, porque su existencia fue providencial– salir con vida a los 21 años. Ese fue el exilio de la muerte, el exilio ”del no-ser“. Éramos muertos vivientes, números, seres que un día estábamos y al siguiente podíamos ser arrojados vivos al mar. Finalmente, tal vez porque la tercera es la vencida (en este caso la vencedora), llegó el exilio que cuentan tan bien estas fotos. Era la libertad”, escribió en el libro.

Todas estas historias reflejadas a través de imágenes y palabras están en “exilio 1976-1983” que se presentará el 3 de noviembre a las 19 en Libros del Pasaje (Thames 1762, CABA). Dani Yako conversará con Graciela Fainstein, Martín Caparrós, Silvia Labayru, Alba Corral y Silvia Luz Fernández. Moderará Leila Guerriero.

CDB/MG

Los Comedy Wildlife Photo, los premios al lado más cómico de la naturaleza, han dado a conocer sus fotografías finalistas para los galardones de 2022. La votación se cerrará el 27 de noviembre y las vencedoras se conocerán el próximo 8 de diciembre. Estas son algunas de las imágenes finalistas: