Durante horas los fans de Marvel y los superhéroes han estado mirando un largo plano en el que se iban revelando los nombres del reparto de su esperada película Vengadores: Doomsday, la gran apuesta del estudio para demostrar que no existe cansancio con las películas de la franquicia. A algunos ya conocidos, como Robert Downey Jr, que dejará de ser Iron Man para convertirse en el gran villano de esta nueva fase, se sumaron algunas sorpresas y también otras ausencias.

Varios de los actores y actrices que interpretaban a los Vengadores de las fases anteriores no fueron anunciados. Entre ellos sorprendió que no se dijera el de Tom Holland, que sí fichó por un cuarto Spider-Man, pero cuyo nombre no estuvo entre la lista ingente anunciada.

Sí que repetirán otros vengadores como Chris Hemsworth, que regresará en su papel de Thor, mientras que Anthony Mackie interpretará una vez más a Sam Wilson, ahora Capitán América; Sebastian Stan, por su parte, volverá como Bucky Barnes, Soldado de Invierno; y Paul Rudd se adentrará en el papel de Scott Lang, Ant-Man.

Sin embargo, lo más comentado fue la aparición de dos nombres que todos los fans de Marvel conocen: Ian McKellen y Patrick Stewart. Ambos han dado vida a Magneto y el Profesor Xavier en casi todas las películas de X-Men, y parece que aquí repetirán sus personajes. Esto cuadra con lo que recientemente dijo Kevin Feige, el mandamás del universo de Marvel en el cine, cuando aseguró que la época mutante estaba a punto de llegar a las salas de nuevo.

A eso hay que sumar que también apareceron los nombre de Kelsey Grammer, que dio vida a Bestia y que apareció en un cameo en The Marvels; Rebeca Romjin, la primera Mística cinematográfica y James Mardsen, que daba vida a Cíclope. Por tanto la aparición de los primeros X-Men cinematográficos se da por casi asegurada.

También se anunció a varios de los nuevos Cuatro Fantásticos: Ebon Moss-Bachrach, Jpseph Quinn y Vanessa Kirby. Otros nombres que han sido anunciados hasta el momento son los de Tenhoch Huerta, Letitia Wright, Wyatt Russell, Simu Liu, Kelsey Grammer o Florence Pugh.

Una enorme masa de hielo se resquebraja ante una cámara que poco a poco se aleja para retratar su magnitud y deterioro. La distancia permite ampliar aún más el foco y retratar un paisaje cada vez más deshecho. Los bloques se descongelan y se funden con el resto del agua, cada vez más oscura, que los rodea. Es el Ártico el que se descompone. La escena forma parte de END (dos prólogos), la película en la que Dora García advierte sobre el cambio climático, sus consecuencias y la urgencia por evitar una sexta extinción masiva.

El largometraje es la propuesta de la creadora para CNIO Arte, la iniciativa con la que el Centro Nacional de Investigaciones Oncológicas impulsa el diálogo entre artistas y científicos. En su caso, el macroecólogo David Nogués-Bravo, cuyas ideas están recogidas en la cinta. “Hice dibujos, performance, pero aquí lo más honesto era hacer una película”, explica la autora a elDiario.es sobre el formato elegido para este título.

Durante su amplia trayectoria, Dora García (Valladolid, 1965), desarrolló trabajos sobre temas como la policía política de la República Democrática Alemana (RDA), el cómico Lenny Bruce y las asociaciones de la antipsiquiatría. También representó a España en la 54º Bienal de Venecia con su proyecto de performance expandida Lo Inadecuado y en 2021 fue reconocida con el Premio Nacional de Artes Plásticas. En END (dos prólogos) ahonda en la crisis climática. El filme formó parte del V Simposio de Arte y Ciencia celebrado en el Museo Thyssen-Bornemisza la semana pasada y será proyectado en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO) el próximo 8 de marzo.

La artista viajó junto a David Nogués-Bravo en agosto al archipiélago de Svalbard (Noruega), en pleno Ártico. Allí los efectos del cambio climático se manifiestan a un ritmo mayor que en el resto del planeta, ya que el calentamiento global está provocando que los casquetes polares se derritan.

Los polos de la Tierra se están derritiendo a un tiempo récord: la superficie marina congelada es actualmente la más pequeña desde hace 3.000 años. Todas las alarmas suenan en el casquete norte del planeta, ya que el Ártico se recalienta cuatro veces más rápido que el resto de la Tierra. En la zona concreta entre Svalbard y Novaya (Rusia), la temperatura ha subido 1,25 ºC por década. No solo hay una menor extensión de hielo, sino que las mediciones muestran que además hay menos volumen de espesor.

En este lugar donde el deterioro del planeta es tan evidente, el equipo grabó durante cinco días. “Se trataba de aprender, escuchar al científico y ver cómo yo lo digería y reflejaba”, indica la artista.

Se necesita una sociedad de sabios

“Me gustaría que hubiera una sociedad de sabios en la que el conocimiento científico basado en los hechos nos llevara a tomar las decisiones adecuadas. De un pueblo de sabios solo puede salir un gobierno de sabios. De un pueblo de necios, lo más probable es que solo salga un gobierno de necios”, defiende el experto en una de sus intervenciones. Su postura es optimista de cara a evitar una posible sexta extinción masiva, ya que se conoce la manera de hacerlo. “Reducción del cambio climático, protección de especies y hábitats, cambios en las formas en las que nos gobernamos, consideraciones sobre el crecimiento sin límite, educación e investigación”, enumera como soluciones.

La labor de García fue entrelazar sus palabras con el retrato del paisaje que, según describe, “es lo verdaderamente terrible”. “Acercarte y alejarte del glaciar es una imagen que mina la confianza porque es una realidad aplastante por su tamaño. Ves cómo se está deshaciendo”, lamenta. “Lo horrible es que si volviera al mismo lugar el año que viene, sería diferente. Nunca podré volver a verlo. Está ahí para marcharse para siempre”, advierte. Dora García explica que este final es tanto “geográfico” como de “una época”, porque la vida será diferente a como se entendió hasta ahora.

“La construcción humana de la civilización está basada en las estaciones, que ya no van a existir”, sostiene. La memoria sobre estas transformaciones dependerá de proyectos como el suyo, que encapsula el presente abriendo la llave a que pueda ser revisitado en cualquier futuro. Eso sí, considera que tanto el cambio climático como el posible final del mundo son realidades tan “enormes” que son “casi imposibles de abarcar”, de ahí a que su propuesta sea en forma de prólogos que pretende continuar.

García, que también está desarrollando el proyecto Amor rojo sobre la feminista marxista Alexandra Kollontai, defiende que “el arte siempre es político porque lo que se calla es tan político como lo que se dice. Cuando decidís no hablar sobre algo, estás tomando posición”. Algo que ella misma explicita en sus trabajos. En el caso de END, visibilizando la grave situación en la que se encuentra el Ártico. La artista lamenta que exista la sensación de que “nadie va a hacer nada” al respecto. “Se están batallando por cosas que son completamente irrelevantes, cuando en realidad las cosas importantes son otras. Se lucha por tonterías políticas, como la unidad de España. ¿A quién le importa la unidad de España?”.

Pensamos que la censura solo viene de los cabestros de la extrema derecha, pero las hay peores que vienen de sitios más peligrosos

Dora García — Artista

A nivel cultural, celebra que se dieron avances como el proceso de descolonización que están llevando a cabo, “alguno más de la boca par afuera”, los museos. A su vez lamenta los casos de censura que comenzaron a darse el verano pasado a raíz de los pactos entre PP y Vox tras las elecciones municipales celebradas en mayo.

¿Temió que alguna obra suya pudiera ser censurada? “No sería la primera vez”, reconoce antes de ampliar el debate: “Pensamos que la censura solo puede venir de los cabestros de la extrema derecha, pero las hay peores que vienen de sitios más peligrosos. No me preocupan tanto las bobadas que hagan los de Vox como la censura que vienen de los sectores más bien pensantes”. Así como la autocensura. “¿Cuántos artistas no se pronunciaron en contra del genocidio?”, plantea.

La artista valora que la coyuntura no es nueva. “No hubo una época sobre la que decir: '¡Qué libres éramos!'. Eso es nostalgia porque nunca hemos sido libres. Siempre hubo un elefante en la habitación del que nadie quería hablar”, matiza y cita como ejemplo la Guerra Civil. García critica que en ocasiones haya sido consecuencia de una necesidad impuesta de ser optimistas, no protestar y mirar hacia el futuro. Cuando, defiende: “Hay que estar quejándose constantemente”.

Precisamente varias obras de arte fueron 'utilizadas' por activistas medioambientales para advertir sobre la crisis climática. Pinturas de Van Gogh en la National Gallery de Londres, de Monet en Alemania y Estocolmo, cuadros de Goya en el Museo del Prado, La joven de la perla de Veermer en La Haya y recientemente La Gioconda en el Louvre, sobre la que se arrojó sopa, son algunos de los lienzos que protagonizaron acciones de la organización Just Stop Oil. “Si me tengo que poner del lado de alguien, será de los que tiran la sopa. No le hacen nada al cuadro ni al patrimonio de la humanidad”, valora, “evidentemente lo hacen porque es la manera de salir en los periódicos”.

Desde que llegó La sociedad de la nieve, primero a cines y desde el 4 de enero a Netflix, su efecto se ha propagado como un tsunami, y el juego de palabras se antoja perfecto para hablar de una película de Juan Antonio Bayona. Hay hasta una extraña unanimidad en torno a ella. La odisea de los supervivientes de la tragedia de los Andes del 72 emociona y conmociona. En su primera semana en la plataforma consiguió 22,9 millones de visionados. Es el segundo mejor registro de una película no hablada en inglés de la historia de la plataforma y no parece que se vaya a quedar ahí.

Entre quienes se han visto interpelados con el filme de Bayona se encuentra Javier Bardem. Hace unas semanas le veíamos de anfitrión de un pase de la película con académicos de Hollywood, y ahora como entrevistador del director y de dos de los actores de su reparto, Enzo Vogrincic y Matías Recalt, nominado al Goya al Mejor actor revelación. Lo hacen en un encuentro que ofrece en exclusiva elDiario.es y producido por Netflix donde se desgranan las claves del filme y donde se habla del oficio de actor.

Bardem, que sabe lo que es ganar un Oscar, actúa casi de maestro de ceremonias y muestra su pasión por una película de la que dicta sentencia con una frase: “Es un trabajo extraordinario, hermoso e importante. También en el sentido humano, porque creo que es una película que nos hace un poquito mejores. Sinceramente, creo que nos cambia la vida”. Para el actor, uno de los grandes valores de La sociedad de la nieve está en un momento en el que quizás pocos se fijan, en esos 13 minutos de créditos, donde sale toda la gente que trabajó en ella de Uruguay, Argentina y España.

“Una película hablada en español, a ese nivel de excelencia en todos los aspectos… Qué orgullo, qué maravilla y qué apuesta. Es algo de lo que sentirse orgulloso y que a veces se reconoce poco, así que cuando se hace, como es el caso, hay que decirlo y hay que mostrarlo. Hay que pasearlo, porque el nivel de calidad técnica, evidentemente también actoral, pero el nivel técnico es igual de excelente que en cualquier otro país del mundo”, dice el actor.

Para Bayona esto fue uno de los grandes retos, y esa fue “la razón por la que esta película no ha existido antes”. “El mercado está dominado por el inglés y por las grandes producciones. Esta es una gran producción en español y eso no existe. Es una película que está rompiendo, o intentando romper, una barrera, un techo de cristal que está ahí impuesto por el mercado. Yo quiero contar nuestras historias en español, y es un esfuerzo que nos ha costado 10 años y estamos muy orgullosos. Que la gente lo asuma como un éxito de todos, eso para mí es superimportante”, añade.

Un trabajo colectivo

Los actores destacan el formar parte de un trabajo tan “colectivo”, y eso es algo que Bayona intentó desde la elección del punto de vista narrativo, apostando por la coralidad. También en su decisión de confiar en rostros nuevos su película. Como cuenta el director en el encuentro, para él el trabajo actoral consiste en ir “de la mano siempre y con mucha confianza y mucha honestidad”. 

Una historia en la que se ha destacado siempre ese sentimiento de comunidad, tan presente desde el título, pero que como señala Matías Recalt, que interpreta a Roberto Canessa, también muestra los instintos individualistas en la supervivencia. “La nieve también es individualista. Yo he hablado con Canessa y él me decía que también cada uno se quería salvar a sí mismo, porque en algún punto no tienes la energía para pensar en el otro. Obviamente quería que volvieran todos, pero hay algo en esas situaciones que quieres salvarte a ti”, opina sobre la metáfora del filme al mostrar lo que ocurre en “un grupo y en la sociedad”.

Matías Recalt vivió este rodaje también como un duelo personal. Su padre falleció en el proceso de casting, y reconoce que “para poder hacer la película” tuvo que ponerse “una especie de escudo, poner las cosas debajo de la alfombra”. Un escudo que impedía muchas veces que le traspasaran las emociones del personaje. “Sentía que había algo emocional que no me estaba pasando, pero claro, a mí Canessa me dijo que en la montaña nunca se quebró ni lloró, y eso me costó mucho tiempo entenderlo”, recuerda. Bayona ahora entiende la perfección con la que en muchos momentos todo el mundo estaba roto y él aguantaba.

Actores y personas reales

El actor que da vida a Numa, Enzo Vogrinic, desvela el momento en el que conoció a la familia de Numa, su personaje y el narrador del filme. Estuvo en su casa, vio su habitación, le contaron anécdotas. Eso salía sin que él lo esperara en medio del rodaje. “Estaba en una escena y me sorprendía ese recuerdo y venían esas cosas. Todo estaba al servicio de eso. Como si mi cuerpo recordara haber estado ahí”. La importancia que dejó Numa en sus amigos fue la misma que Vogrinic hizo en el rodaje. “Cuando se marchó del rodaje, lo que dejó ahí se notaba en la atmósfera del set y cuando puedes captar eso con la cámara es precioso”, analiza Bayona.

El actor de No es país para viejos o Mar adentro da las que para él son algunas de las claves del éxito del filme, como el narrar “desde la emoción, sin ser solemne ni categórico, sino simplemente desde la debilidad y la humanidad de unos chavales que no sabían absolutamente nada de nada y se encontraron con el todo”. También destaca que Bayona haya sido “honesto” y no haya decidido apostar por “hacer virguerías o virtuosidades”.

Todos los actores se acuerdan del momento en el que conocieron a los supervivientes. Se hizo una comida y se fueron presentando todos. Hubo chistes, pero también respeto. A Enzo Vogrinic le pasó siempre lo mismo. Cuando decía que hacía de Numa la gente se acercaba y le daba un abrazo.

“Yo decía, pero si esta persona no me conoce. No me está abrazando a mí, está abrazando a Numa. Está abrazando a Numa a través de mí, y era muy fuerte. Numa dejaba en otros una huella inexplicable y sienten un agradecimiento extra. Había una cosa ahí muy cargada, que la sentías y te daba ya esa responsabilidad”.

Una excelencia interpretativa que para Bardem llega cuando se acompaña y no se fuerza. “A mí me ha pasado a veces que veo que hay una agresión también, una falta de confianza, un empujar, un obligar desde un lugar que no es sano. Y más que empujar es acompañar”, opina Bardem, que sabe de lo que habla. No podía ser de otra forma. Igual que aquellos supervivientes se acompañaron en vez de empujarse, el reparto ha hecho lo mismo para conseguir que todo esté en su sitio y que la película se haya convertido en un fenómeno de los que pasan pocas veces en el cine español.

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Esta Barbie escribió un texto con spoilers

Me la pasé llorando durante la función de Barbie, la nueva película de Greta Gerwig. O más bien, cada vez que no me estaba riendo estaba llorando. No es que eso diga nada sobre nada, más que sobre mí (yo lloro con las publicidades, lloro en cualquier momento, aunque siempre, absolutamente siempre, es en serio) pero no lo esperaba, y me quedé pensando en por qué, qué fibra me tocó. No termino de tenerlo claro, pero me aparecen algunas intuiciones, y creo que más allá de, otra vez, lo que digan sobre mí, me conducen al que yo pienso que es el corazón de la película, de su verdad y de sus límites.

Emily Nussbaum, la crítica de cine de The New Yorker, y una de mis autoras favoritas de esta época, tuiteó que le parecía que la decisión más brillante de Barbie era haber dejado el deseo sexual y la reproducción por fuera de su debate sobre el patriarcado y la misoginia. En la realidad, dice Nussbaum, no pueden separarse, pero el ejercicio analítico de quitar esa dimensión le da a la película la posibilidad de explorar el asunto desde un lugar abstracto y fresco. No lo había pensado, y tiene razón, en un sentido. Barbie y Ken, en la película, como en la realidad del plástico, no tienen genitales, y eso hace que las relaciones de poder que mantienen en Barbieland no sean solo una inversión de las relaciones que mantienen varones y mujeres en el heteropatriarcado del mundo real de Barbie. Son radicalmente distintas.

Barbie y Ken, a diferencia de los varones y mujeres de la vida real, no se necesitan para nada, fundamentalmente porque no pueden precisar las gametas del otro para continuar su presencia genética en su mundo, y porque tampoco parecen poder desearse por placer o por amor. Excepto por el hecho de que sí, y no sé si Nussbaum se olvidó de esta parte o sencillamente le pareció poco importante: Barbie no desea a Ken, pero Ken sí desea a Barbie.

La narradora de Helen Mirren lo dice explícitamente: Barbie siempre tiene un gran día. Ken, en cambio, solo tiene un gran día cuando Barbie lo mira. La frase es un comentario bastante explícito sobre eso que la crítica cultural norteamericana llama la male gaze, la mirada masculina, que en cine refiere, para ser breve y rápida, al modo en que aprendemos a mirar a las mujeres como las miran los hombres y sólo como las miran los hombres. Aprendemos a verlas bellas, feas, buenas o malas según los deseos del protagonista cuyos ojos están replicados, a su vez, en la mirada del director.

Pero efectivamente, tal y como ilumina el texto de la película de Gerwig, la cuestión de la male gaze es más que un asunto de narrativa cinematográfica: Ken solo es feliz cuando Barbie lo está mirando. En el mundo desexualizado de Barbieland, esa obsesión tonta solo es una muestra más de la estupidez y la falta de personalidad de Ken. En el mundo real, en cambio, es mucho más difícil distinguir esa disposición a escuchar en silencio a un muchacho haciendo comentarios sobre El padrino mucho más genéricos que los que una misma tiene la sensibilidad y la inteligencia para hacer del deseo real, del amor real, lo que sea que sean esas cosas; me atrevo a afirmar, quizás, que en la primera persona de una chica heterosexual son muy pocos los momentos de la vida en que logramos distinguir entre las ganas de querer y las ganas de que nos miren.

Dicho de otro modo: si entendemos que el comentario sobre qué significa ser una chica está más puesto en la figura de Ken que en la de Barbie, la profundidad de la película queda mucho más evidenciada, y su precisión también. A eso supongo que le debo gran parte de mis lágrimas, las del día de la función y las demás también. Todos los chistes sobre los varones y el modo en que los atendemos para que nos presten atención son graciosísimos, pero son tristísimos también, porque para salir de ahí tendríamos que desenredar lo que no se desenreda. Poder ser como Barbie, y extirparnos el deseo, que -tiene razón la película de Greta- está ligado mucho más a la conciencia de la finitud que a una realidad contingente y en vías de extinción como el patriarcado.

 Me pregunto, ya que hablamos de la muerte y el deseo, cómo se relaciona esta trama casi subterránea sobre el deseo de Ken de que Barbie lo mire con una de las tramas principales de la película, en cambio, el deseo de Barbie de convertirse en humana. ¿Sabe Barbie, justamente, que ser humana es que te importe que otros te miren, que el único ser que puede realizar la fantasía neoliberal de la autonomía absoluta es una muñeca sin terminaciones nerviosas? No me queda del todo claro.

Me gusta cuando Ruth Handler, la versión ficcional de la creadora de Barbie, le dice que los seres humanos inventamos cosas como las Barbies y el patriarcado porque sabemos que nos vamos a morir. Cuando dije que la película de Greta sabía que el deseo estaba más cerca de la muerte que de cualquier otra cosa me refería a ese texto. Supongo que le podría haber agregado, Ruth, algo sobre que ese capricho estúpido de Ken de querer tenerte cerca y que le prestes aunque sea una migaja de atención esta más cerca, también, de las ganas de producir arte, de escribir teoría, de hacer revoluciones o países o casas, de construir y de destruir, de lo que a una le gustaría. 

TT

Christopher Nolan es uno de los pocos directores cuyo apellido es la marca que vende sus películas. Da igual quiénes actúen en ellas, que sea un drama bélico como Dunkerke o un thriller de acción como Tenet. La gente quiere ir a ver ‘la nueva de Nolan’. Es un privilegio que tienen muy pocos realizadores, y también una presión que se vive con cada estreno. A Nolan parece que se le exige que siempre repita lo que se espera de él. La gente quiere un nuevo Origen, una nueva peonza que no se sabe si cae o no. Un nuevo truco de magia temporal que haga pensar y sentir al espectador que ha visto algo tan divertido como diferente. 

Los intereses de Nolan, sin embargo, son mucho más diversos de lo que parecen, aunque siempre se acaben definiendo por su particular obsesión por el tiempo. Es el tiempo lo que tiene en común su nuevo filme, Oppenheimer, con el resto de su carrera. Sin embargo, cuando se anunció que su nueva obra sería un biopic sobre Robert Oppenheimer, el científico que creó la bomba atómica y basado en la obra ganadora del Pulitzer Prometeo americano, muchos creyeron que se trataría de un thriller trepidante sobre la guerra.

Puede que tenga algo de ello, pero seguramente los que esperen al Nolan de los giros y las sorpresas se vean algo desconcertados; porque, aunque están todos sus sellos estilísticos, aquí apuesta por una película que bebe más del JFK de Oliver Stone que de cualquier otra película. Un thriller de pasillos. Una película donde se habla mucho, pero donde Nolan logra meterte en la cabeza de Oppenheimer gracias a su apuesta visual e inmersiva.

Es curioso que una película que muestra las contradicciones de Oppenheimer y cómo llegó a creer que la bomba atómica podía provocar que las guerras terminaran, se estrene en medio de otra guerra, la de Ucrania, que sigue teniendo en vilo a todo el mundo. Aquella frase de “ahora me he convertido en la Muerte, el destructor de mundos”, que se escucha en el filme tiene más sentido que nunca, y hace que el visionado de Oppenheimer se convierta también en un análisis de la geopolítica del último siglo y sus consecuencias en el presente.

Cuando Nolan comenzó a escribir el guion, tuvo una conversación con su hijo y le contó la historia en la que estaba trabajando. “Me dijo que pensaba que las armas nucleares no le importaban a nadie”, recuerda en un encuentro internacional con periodistas en el que se participó elDiario.es. “Mi respuesta fue que quizás esa podría ser una razón para hacer esta película, pero la triste ironía, lo terrible, es que dos años después ya no hace esa pregunta y nadie la hace. Creo que eso es sintomático de nuestra relación con las armas nucleares y el miedo al armagedón nuclear. Yo crecí siendo un adolescente en los años 80 en el Reino Unido, y fue una época de gran controversia y miedo en torno a las armas nucleares. Era el momento del apogeo y de la Campaña por el Desarme Nuclear”, explica.

Nuestro miedo como sociedad y nuestra preocupación por este tema tiende a ir y venir. Parece como si no pudiéramos preocuparnos demasiado por solo una cosa en particular

Christopher Nolan — Director de cine

Fue una de las muchas generaciones que sufrieron las consecuencias de la bomba creada por Oppenheimer. “Cuando tenía 12 o 13 años, mis amigos y yo estábamos convencidos de que en algún momento todos íbamos a morir en un holocausto nuclear. He tenido conversaciones con, por ejemplo, Steven Spielberg, que es de una generación anterior a la mía, que creció a la sombra de la crisis de los misiles en Cuba y tenía exactamente la misma sensación de pérdida. Así que nuestro miedo como sociedad y nuestra preocupación por este tema tiende a ir y venir. Parece como si no pudiéramos preocuparnos demasiado por solo una cosa en particular y tuviéramos que tomarnos un descanso y preocuparnos por una forma diferente de armagedón, como el cambio climático. Pero la verdad subyacente, y esto pesa mucho sobre la película, es que la amenaza de las armas nucleares nunca desaparece, decidamos preocuparnos por ello o no. Eso es algo me atormenta a mí y creo que a muchas otras personas”, añade.

Una película que, en sus idas y venidas temporales y narrativas, aborda mucho más que la simple construcción (y explosión) de la bomba nuclear. Oppenheimer es una película que señala de forma clara a EEUU, un país que usa a sus héroes y los tira a la basura. Un país donde se teme más al socialismo que al fascismo y donde el propio científico fue cuestionado por sus vínculos con el comunismo, viviendo una especie de juicio sumario para retirarle su credencial como investigador. “¿Es que nadie va a decir la verdad?”, se pregunta el protagonista con los rasgos de Cillian Murphy.

Para Nolan, su contribución al legado de Oppenheimer ya es mayor que la de aquellos que le auparon y hundieron. “Creo que lo estoy haciendo mejor que el gobierno de EEUU, que este año anuló la decisión que se tomó contra Oppenheimer. Les ha costado 76 años hacerlo, aunque afortunadamente finalmente lo hayan hecho y el Departamento de Energía anulara la decisión que se tomó en 1954”, dice de forma crítica el director de El caballero oscuro, que lleva años obsesionado con hablar del personaje, pero que cree que hasta ahora no había “desarrollado las habilidades necesarias para contar esa historia en particular”. 

Con cada película intenta aplicar lo que aprende con sus otras cintas, y solo ahora se sintió “listo para asumir esta historia”. Ya en Tenet había una referencia muy concreta al Proyecto Manhattan, pero no fue hasta que leyó la obra de Kai Bird y Martin Sherwin que ha adaptado cuando sintió que había llegado el momento: “El material original me dio confianza para abordar un tema histórico tan complicado. Les llevó 25 años de investigación escribirlo y es muy completo. La adaptación era muy complicada porque es un libro enorme con mucha información, pero fue el trampolín que me dio confianza. Esta fuente autorizada fue la que me liberó para comenzar a usar mi imaginación para tratar de producir algo que no fuera un documental, sino mi interpretación de su vida”.

Se trataba de estar en su cabeza y experimentar lo que él experimentó y, por lo tanto, llegar a comprenderlo en lugar de juzgarlo

Christopher Nolan — Director de cine

Una película “basada en el principio de subjetividad”. “Se trataba de estar en su cabeza y experimentar lo que él experimentó y, por lo tanto, llegar a comprenderlo en lugar de juzgarlo. Es una persona que se enfrentó a dilemas éticos reales de una magnitud que pocos de nosotros podemos imaginar. Situaciones muy paradójicas. Cuando comienzas a investigar la historia, queda claro que estos científicos no tuvieron más remedio que desarrollar esta arma. Se había establecido la división del átomo y los nazis estaban tratando de desarrollar una bomba. Todos lo sabían, por eso no me interesaba contar una historia sobre científicos que eran tan estúpidos que no podían prever el impacto negativo de traer algo así al mundo”, subraya Nolan.

Le interesaba ese dilema ético, el sentir que no tenían otra opción. Ahí ve el “verdadero drama” de esta historia. “Creo que no hay respuestas fáciles a las preguntas inquietantes y creo que el cine es mejor cuando no pretende responder a estas preguntas, cuando acepta las ambigüedades y las contradicciones de las personas. Nuestro viaje con Oppenheimer en esta película es de comprensión más que de juicio”, concluye.

En marzo de 2022, a 20 años del último capítulo emitido por Telefe, se anunció que Los simuladores tendría su película, a estrenarse en 2024. Diego Peretti (Emilio Ravenna) Federico D'Elía (Mario Santos), Martín Seefeld y (Gabriel Medina) y Alejandro Fiore (Pablo Lamponne) regresan, pero a la pantalla grande, dirigidos por Damián Szifron. ¿Cómo va la escritura del guión? ¿Cuándo arranca el rodaje? ¿Hay fecha de estreno confirmada? ¿Por qué vuelven a reunirse Los simuladores?

“Era para hacerla ahora. Nos miramos y, con total sinceridad, el tema es que el tiempo pasa muy rápido. ¿Cómo puede ser? ¿Cómo puede ser que mi hija ahora sea una mujer? Hay una canción de El violinista en el tejado, que se llama Sunrise, Sunset, (Amanecer, atardecer), que la letra, yo cada vez que la escucho, se me caen las lágrimas. Lo que te puedo decir es que desde que terminó el último capítulo, en 2003, yo ahí mismo ya sabía que algún día íbamos a hacer la película de Los simuladores. Era deseado. Entonces fui tomando notas y acumulándolas dentro de un archivo dentro de los múltiples archivos de múltiples proyectos que viene evolucionando. Y tengo 200 páginas de notas de la película de Los simuladores. Nos miramos en algún momento y dijimos ”Es ahora, es ahora“. El chiste obvio es: si no es ahora, va a ser una película de geriátrico. Estamos todos más grandes”, comentó Szifron en una entrevista con Clarín sobre este proyecto que produce Paramount+.

El director, que está por estrenar Misántropo, que rodó en Montreal y marca su regreso a la realización desde Relatos salvajes (2014), se refirió a la relación que sigue en pie con los actores de Los Simuladores: “Siempre tuvimos buena relación, tuvimos algunas discusiones, algunos conflictos en aquella época, que tenían que ver con continuar o parar. Pero básicamente el único problema, si alguna vez existió un problema, fue ¿se prolonga la serie y se la industrializa, se le quita lo artesanal? Yo tenía claro que no quería hacer diez temporadas de Los simuladores. Yo deseaba hacer otros proyectos, en su momento, Tiempo de valientes, Hermanos y detectives, Relatos salvajes. Y no me veía escribiendo y dirigiendo todos los capítulos de Los simuladores. En un momento, la forma de continuarlo era abrirlo a un procedimiento más industrial, convocar guionistas, directores, yo lo produciría. La sensación era que en una temporada íbamos a convertir algo que ya tenía un espíritu de clásico en una serie, que hubo dos temporadas buenas, la tercera fue mala y, después, la gente se la olvida. O sea, es lo que pasa cuando se prolonga algo más allá de lo deseable. Entonces, con algunas discusiones, lo que se decidió fue parar, pero la idea de volver siempre estuvo”.

¿Por qué vuelven Los Simuladores?

“Si no es ahora no va a ser, y es ahora porque hoy en día siento que hay una situación global, pero puntual en la Argentina, que amerita el regreso de Los simuladores. Siento que mucha de la temática que Los simuladores visitó y procesó a lo largo de los veintipico de capítulos que se hicieron… Bueno, después pasaron otras cosas. Vino el kirchnerismo, mucha de esa temática después se procesó, se habló y se discutió a nivel político y a nivel mediático. En algunos momentos pareció haber un rumbo, en otro pareció haber un rumbo que se perdió completamente. Vino el macrismo, se fue el macrismo, volvió el… Qué sé yo. Hoy siento que hay una coyuntura, hay un descreimiento o una desazón que parecía… No, no diría que es situación de 2001, pero hay un nivel de incertidumbre que creo que amerita el regreso de este grupo”, dijo el director.

Szifron está en la etapa de estructura, tratando de llegar a un documento que le permita arrancar con la escritura propiamente del guión. Pero hay un primer acto que está escribiendo ya con diálogos. Lo está haciendo con Patricio Vega, colaborador en la serie original. Y todavía no interactuó mucho con Diego Peretti, quien también era colaborador en los guiones de la serie y lo va a sumar.

¿Cuándo se estrenará la película de Los Simuladores?

“Yo diría como mejor escenario posible, vacaciones de invierno 2024, pero sino, fin de año de 2024 podría ser. La idea es rodar en octubre, noviembre y diciembre de este año. Y bueno, sería un caso atípico para mí en estos últimos 20 años, al menos, que me he tomado tanto tiempo entre un proyecto y otro. De nuevo, involuntario e indeseado y producto de la coyuntura. Pero bueno, así fue. Ahora estreno Misántropo y ya me estoy metiendo en una próxima, así que veremos en qué resulta”, confirmó.

“Hay un motivo muy específico por el que regresan. Hay un motivo muy específico por el que se reencuentran”, la dejó picando Szifron y los fanáticos ya se comen las uñas.

NB

Un elenco encabezado por Anthony Hopkins protagonizará la remake de 4x4, la película argentina de 2019 que dirigió Mariano Cohn, con Peter Lanzani como figura estelar. La versión estadounidense llevará el título de Locked, y los primeros reportes llegados desde Hollywood anticipan “un thriller centrado en un ladrón que irrumpe en un vehículo de lujo solo para darse cuenta de que se ha metido en una trampa compleja y mortal tendida por una figura misteriosa” encarnada por Hopkins. En la película argentina ese papel es interpretado por Dady Brieva.

El papel de Lanzani estará en la remake a cargo de Glen Powell, conocido por interpretar al más arrogante piloto de combate del grupo entrenado por Tom Cruise en Top Gun: Maverick. La compañía productora de Sam Raimi (el responsable de varias películas del Hombre Araña y reciente director de Doctor Strange en el Multiverso de la locura) estará a cargo del proyecto y el director será David Yarovesky. Cohn y Gastón Duprat, responsables del guión original de 4x4, serán productores ejecutivos.

“El guión era tan bueno que logramos interesar a Anthony Hopkins, quien para mi generación es el mejor actor de todos los tiempos. Esta película no es tanto una pieza emocional como un relato de acción y de tensión, un viaje emocionante sin parar con personajes en el centro que llevan al espectador a preocuparse por ellos”, dijo Raimi al blog Deadline, la primera publicación de Hollywood en dar a conocer detalles del proyecto.

“En cuanto al personaje de Glen Powell –agregó-, tiene un alma que se revela lentamente a medida que avanza la imagen. Parece que solo es un ladrón, alguien a quien no le importan los demás, pero a medida que se desarrolla la película te das cuenta de que tiene una esposa y un hijo a los que ama, y que ha sido agraviado. Toda esta experiencia le da la oportunidad de reflexionar sobre cómo los ha tratado y ha sido su vida en relación con ellos”.

Estrenada en abril de 2019 en la Argentina, 4x4 es la primera película que Cohn dirigió en solitario luego de varias obras creadas, escritas y producidas junto a Duprat, entre las que se destacan El hombre de al lado y El ciudadano ilustre. La exitosa dupla volvió a compartir el trabajo de guion y director en Competencia oficial, film protagonizado por Penélope Cruz, Antonio Banderas y Oscar Martínez.

4x4 sumó unos 335 mil espectadores en la taquilla argentina y quedó tercera entre las producciones nacionales estrenadas en los cines en 2019, detrás de La odisea de los giles y El cuento de las comadrejas. La película ya tuvo una primera remake realizada en Brasil.

NB

Están las películas de Liam Neeson, que ya son un subgénero. Por lo general unos tipos muy malos le secuestran a la hija y hacen que Liam se caliente, los busque, los muela a palos y la rescate. Como son un género, el momento de catarsis sucede siempre cuando lo esperamos y por eso experimentamos una rara sensación física mientras Liam recupera a su hija y aplica la violencia vengativa. Es como ir al baño meticulosamente al mismo horario a deponer.

Charlotte Wells dirigió una película –Aftersun- que es su opera prima y llama la atención -si bien todos dicen que tenía unos cortos previos muy buenos- por la potencia fílmica y la madurez estilística que la hacen una obra maestra. Como las de Liam Nesson también es de padre e hija, pero en este caso el que parece más perdido es el padre y la hija -sobre adaptada- se encarga de retratar con una filmadora casera unas vacaciones que pasaron cuando ella tenía 11 años y su padre treinta y -según les dicen- parecían hermanos. Tenemos el material fílmico de la cámara que llevaban en las vacaciones -pero por suerte no se abusa de ese recurso- y tenemos la película que crece en torno a lo que se filma en esa cámara. Ahí vemos como Callum (Paul Mescal) y Sofía (Frankie Corio) pasan unas vacaciones en un hotel turco que tiene pileta y karaoke y juegos. Sofía vive con la madre en Edimburgo y su padre en Londres. Así que en este caso se encuentran para vacacionar y ver cómo se relacionan y al principio la pareja tiene algo de esas amistades en cautiverio que surgen en los tours.

La película no tiene muchas peripecias, en realidad parece elíptica, son vacaciones: juegan al pool, nadan en la piscina del resort, cenan a la noche, se ponen crema en el cuerpo para no insolarse, y a veces toman pequeñas excursiones. Detrás de todo esto está el ruido del capital, la poca plata que el padre joven pudo juntar para poder disfrutar de ese lapso con su hija. Una hija que está creciendo, por eso cuando llegan a la habitación del hotel, lo primero que hace Callum es llamar a conserjería ya que pidió dos camas y hay una sola matrimonial. El padre también tiene en su brazo un yeso que -más adelante- va a tratar de sacarse en el baño mojándolo con agua mientras habla con su hija en una de las escenas mas inesperadamente emotivas de la película. Al menos para mí. Ya que hay otra, que llega al climax cuando ambos bailan “Under Pressure” cantada por Bowie y Mercury y se abrazan: es difícil volver a escuchar esa canción sin pensar en Callum y Sofía, oscilando entre los versos de ese tema descomunal. Pero la escena del yeso, por su bajo perfil, es superior. Voy a volver a ver la película sólo para escuchar qué es lo que se dicen en ese momento. No lo recuerdo, pero algo en mí sabe sin que yo sepa que sé. Eso logra la poesía más potente.

Mientras retozan al sol, comen o pasean, van hablando migajas, pero son tanteos potentes sobre la vida en común. La hija le pregunta al padre: ¿Vas a volver a Glasgow? Y el padre le dice que no, porque a veces no es necesario volver al lugar de dónde uno es. Esto me resonó de manera especial mientras veía la película ya que por el puto Mundial se habló de la patria sin parar y pensé en esa frase de Saer que dice que “un adulto es alguien que comprende que la patria no es necesariamente el lugar donde nació”.

Los objetos en Aftersun tienen un lugar particular, es como si transportaran la promesa de una felicidad o una tristeza inherente a ellos. Las toallas donde se secan, los tacos de billar, la pulsera que sirve según le dijo una chica a Sofía “para pedir todo lo que necesites en este lugar sin pagar”. Una pulsera que Callum, por sus ingresos, no pudo conseguirle a la hija.

Franz Kafka escribió La madriguera en el último tramo de su vida. Estaba viviendo en las afueras de Berlín y por primera vez convivía con una chica. La madriguera es el relato en primera persona de alguien que puede ser un animal -pero no podemos saber de qué tipo- y que cuenta de manera elíptica y paranoica como va construyendo una madriguera para vivir aislado solo y en paz. Pero nunca logra la paz porque sabe que hay enemigos afuera que lo rondan, puede sentir el hocico enemigo que se refriega detrás de las paredes de su madriguera: “Vivo en lo más profundo de mi casa en paz, y entretanto el adversario, lento y silencioso, se abre paso desde algún sitio hacia mí. No digo que él tenga mejor olfato que yo; quizá sepa tan poco de mí como yo de él. Pero hay ladrones entusiastas que revuelven ciegamente la tierra con la esperanza, dado la inmensa extensión de mi madriguera, de toparse en algún lugar con uno de mis caminos”.

Callum parece haber planeado sus vacaciones como el animal de Kafka su madriguera. Un resort que tenga todo lo suficiente para entretener a su hija a la que ve poco y conoce menos. Una hija que para colmo está convirtiéndose en adolescente y siente surgir la presencia del sexo. “Podés hablar de todo lo que quieras conmigo, siempre”, le dice Callum. Pero las paredes de la madriguera se van resquebrajando por una lenta desesperación que tiene el padre joven y que Paul Mescal interpreta como nadie. No necesitamos verlo de frente cuando llora de espaldas, solo, en el cuarto, mientras su hija está afuera. La espalda desnuda de Mescal es tremendamente más expresiva que la cara de muchos actores célebres.

¿Cuántas veces nuestros seres queridos están despedazados y nosotros ni siquiera lo intuimos?

Aftersun está narrada en pasado desde el presente de una Sofía adulta que mira los videos que filmó en esas vacaciones con su padre ¿Pero en que tiempo sucede, entonces la película? En el presente de la Sofía adulta o en el pasado con su padre en el resort. En un momento, mientras bailan “Under Pressure”, ella aparece adulta y está en una discoteca y ve a su padre en medio de las luces del flash. En realidad, el pasado y el futuro no existen, aunque nos hostiguen constantemente, como el enemigo secreto al animal de Kafka en su madriguera. La película sucede en nuestro presente, mientras la vemos es lo único que tenemos. Por eso es una obra maestra. 

FC

La quinta edición del festival Sharjah Film Platform, pionero del cine independiente de los Emiratos Árabes Unidos, seleccionó más de 30 películas de las más de 3000 que se presentaron provenientes de todo el mundo y realizadas por cineastas emergentes y galardonados. El premio recibido por Portabales es, según la crítica, “una clara muestra de apertura al mundo globalizado y a libertad de expresión artística tanto como un reconocimiento a voces disidentes y temáticas sensibles que deben ser discutidas globalmente”.

La película argentina cuenta una historia que tiene al controversial artista Sergio De Loof como protagonista y creador junto al directo y a Cristin Dios. De Loof pide ayuda a sus pares para crear un nuevo espacio cultural que llamaría La Guillotina, obteniendo una importante suma de dinero mediante una gran subasta. El proyecto fracasa y bajo acusaciones de estafa, De Loof decide gastar lo recaudado en lo que será su última gran obra y legado: vivir varios días en la suite 951 del legendario Copacabana Palace, hotel de las grandes estrellas, la realeza y el jet-set.

El jurado del festival organizado por la Sharjah Art Foundation, destacó el estilo caótico del film, su edición de ritmo rápido y el inmenso archivo de cultura pop, fashion y referencias al cine y a la música, que utiliza para desafiar el concepto de libertad a través del viaje de un artista provocador cuyos medio de autoexpresión consistió en inventar una innovadora vida nocturna en Buenos Aires para una comunidad que desafiaba toda construcción social.

“El proceso de hacer la película fue largo y complejo”, cuenta el director, “a Sergio lo conozco casi en mi adolescencia, con los clubs que había creado o participado, yo sentía que en esos lugares estaba el espíritu de lo que había vivido años antes en Londres donde la discusión sobre identidad sexual ya estaba superadas. Yendo a buscar buena música y DJs circulé y disfruté de esos espacios que él creaba y a través de Facebook lo empecé a conocer y a charlar”.

El documental ya tuvo varias proyecciones, viajó por las provincias y ahora se presenta en el Queer Film Festival de Playa del Carmen y en el festival Contra todas las voces, también en México, dedicado al cine de autor y películas ligadas a los derechos humanos.

“La deliciosa curaduría de la Sharjah Film Platform me hizo sentir el honor y privilegio inmenso que significaba ser parte del line up y de algo más trascendente ligado al trabajo y a la misión de abrir espacios enriquecidos de diálogo respecto a temas urgentes y trascendentes como las libertades individuales, la inmigración masiva, diversidad o identidad sexual, inclusión y la coexistencia pacífica entre credos y tradiciones culturales”, agrega Portabales.