Para algunos será Madonna, Britney Spears o las Spice Girls. Para otros, U2, Nirvana o los Backstreet Boys. Para los más jóvenes, quizá Olivia Rodrigo, Billie Eilish o Taylor Swift. Todos hemos tenido ídolos musicales en nuestra adolescencia, pero ¿hasta qué punto las canciones que más nos gustaban cuando éramos adolescentes pueden marcarnos emocionalmente? Un estudio científico acaba de dar con la clave.

La investigación dirigida por la Universidad de Jyväskylä (Finlandia) revela que la música que más nos impacta emocionalmente suele ser la que escuchamos durante nuestra adolescencia, alcanzando su punto máximo alrededor de los 17 años. Este fenómeno, conocido como “golpe de reminiscencia” [reminiscence bump], se refiere a la tendencia del cerebro a formar recuerdos musicales especialmente duraderos durante esta etapa.

El estudio señala que este momento vital coincide con la formación de la identidad y un cerebro muy sensible a emociones intensas, lo que podría explicar que las canciones de esos años se nos queden grabadas. No solo recordamos la melodía y la letra, sino que asociamos los temas a momentos, emociones y relaciones que tuvimos entonces.

“Piensa en el cerebro adolescente como una esponja, sobrealimentado por la curiosidad y el ansia de recompensa, pero sin un filtro completamente desarrollado. Es precisamente porque aún está madurando que nuestras experiencias emocionales intensas, como las canciones que amamos, se absorben con mayor profundidad y viveza, dejando una huella imborrable”, explica la doctora Iballa Burunat, autora principal del estudio. 

Otros hallazgos del estudio

El estudio contó con 1.891 participantes de 84 países, a los que se les pidió que identificaran una canción que tuviera un profundo significado personal para ellos. Los resultados identificaron diferencias de género en la memoria musical. En los hombres, los recuerdos musicales más fuertes tienden a consolidarse un poco antes, alrededor de los 16 años, mientras que en las mujeres alcanzan su máximo hacia los 19 años, evolucionando más a lo largo de la vida.

Estas diferencias podrían explicarse por el uso emocional de la música que hace cada grupo. “Los hombres suelen preferir géneros intensos y rebeldes vinculados a la autonomía y la formación de la identidad, que suelen alcanzar su máximo a mediados de la adolescencia. Sin embargo, las mujeres tienden a usar la música para una gama más amplia de propósitos, incluyendo la expresión emocional, la creación de vínculos sociales y la exploración de valores, lo que puede consolidarse más tarde”, señala el estudio.

El estudio también descubrió que los jóvenes menores de 36 años no solo se vinculan emocionalmente con la música de su propia adolescencia, sino que también pueden crear una conexión profunda con canciones que se publicaron décadas antes de su nacimiento. Los investigadores creen que este fenómeno refleja una fuerte influencia intergeneracional, con canciones que se enseñan de padres a hijos. 

Qué bello es vivir (It’s a Wonderful Life), la película que Frank Capra dirigió en 1946, es el cuento de navidad perfecto. Transcurre en el primer diciembre posterior a la Segunda Guerra Mundial. Hay un buen hombre, George Bailey, encarnado por James Stewart, y un malvado banquero, Henry Potter, personificado por Lionel Barrimore. Bailey ha logrado permanecer fuera de las garras de Potter hasta que un préstamo impagable lo pone frente al abismo y lo decide a suicidarse. Su ángel de la guarda, en la víspera navideña, lo disuade al mostrarle –película dentro de la película– lo que hubiera sido la vida –o la muerte– de sus personas queridas y de su comunidad de no haber sido por él. El film está basado en el relato “El regalo más grande”, publicado por Philip Van Doren Stern en 1943 y este a su vez es una adaptación de la novela Una canción navideña, escrita por Charles Dickens cien años antes.

Hans Christian Andersen era un admirador de Dickens. Como él estaba preocupado por las condiciones de vida de los más pobres y, como él, fue un estudioso y un defensor del folklore, ese conjunto de costumbres y producciones populares a las que esa nueva palabra –saber del pueblo– acuñada en 1846 por el coleccionista y escritor William John Thoms, había dado entidad propia. Dickens tuvo entre sus preocupaciones la de la recuperar, defender y promocionar la fiesta –y el espíritu– navideño. Andersen lo visitó en dos oportunidades. En la primera, en 1947, todo anduvo bien. En la segunda, diez años después, el danés vivió en la casa del inglés y se instaló allí cinco semanas provocando el odio de toda su familia y del escritor mismo, que lo satirizó en Uriah Heep, uno de los personajes de David Copperfield y el nombre que, en 1969, tomaría para sí una de las bandas precursoras del heavy metal.

Andersen, huérfano de padre y abusado repetidamente por uno de sus maestros “para forjar su carácter”, había llegado a ser famoso como autor teatral y, sobre todo, por sus colecciones de “Cuentos de hadas”. Uno de ellos, publicado en 1845 –y allí no había hadas aunque sí una intervención fantástica, como en Qué bello es vivir–, fue el más perfecto anti cuento de navidad jamás escrito. Una niña pobrísima, vendedora de fósforos, moría de frío en la calle viendo tras las ventanas la fiesta de una familia feliz (y rica). Había, en el final, una suerte de redención feliz. La niña encendía todos los fósforos que tenía y en esa luz veía a su abuela muerta, erguida como nunca, que la llamaba para que fuera con ella y la abrazaba. “Pero en el ángulo de la casa, la fría madrugada descubrió a la chiquilla, rojas las mejillas, y la boca sonriente… Muerta, muerta de frío en la última noche del Año Viejo. La primera mañana del Nuevo Año iluminó el pequeño cadáver, sentado, con sus fósforos, un paquetito de los cuales aparecía consumido casi del todo. «¡Quiso calentarse!», dijo la gente. Pero nadie supo las maravillas que había visto, ni el esplendor con que, en compañía de su anciana abuelita, había subido a la gloria del Año Nuevo”, concluía el cuento pero lo de la gloria divina pasaba bastante desapercibido frente a la miseria mundana.

Hubo una película en 1928, dirigida por Jean Renoir, La petite marchande d'allumettes. Se la puede ver en Youtube pero se recomienda hacerlo sin volumen pues la música que le agregaron es totalmente inadecuada (el Blues de la segunda Sonata para violín y piano de Maurice Ravel, estrenada en 1927 y con la duración casi exacta del film, puede ser una mejor opción).

Y hay dos óperas sobre ese cuento infantil –o de terror, tal vez sea lo mismo–, creadas por dos de los compositores más importantes de la actualidad y desde estéticas poco menos que opuestas –ambas fueron representadas en el Teatro Colón hace unos años, una en el CETC en ese entonces dirigido por Miguel Galperín y la otra en el Ciclo Contemporáneo creado por Martín Bauer–. Helmut Lachenmann compuso en 1997 Das Mädchen mit den Schwefelhölzern una pieza en gran escala, en la que el cuento de Andersen es intervenido por textos de  Leonardo da Vinci y Friedrich Nietzsche entre otros, y donde los personajes son más bien los sonidos. El norteamericano David Lang, parte del colectivo Bang on a Can, creó en 2007 The Little Match Girl Passion, para voces y percusión: una Pasión a la manera bachiana –aunque sin nada de Johann Sebastian Bach– en la que también el texto original es interpelado por otros. Y los dos cuentan la historia como si se tratara de un sueño. O una ensoñación, en todo caso, es la que da cuenta de ese universo de sonidos subdivididos, espejados y proliferados hasta el infinito, en Lachenmann, y de esa suerte de letanía que cuenta sin pasión la Pasión de una niña golpeada por su padre, tratando de vender fósforos en una noche de navidad, viendo la alegría detrás de las ventanas ajenas mientras muere de frío en la calle. Como en sueños, pasado y presente, el propio mundo y el ajeno, el sufrimiento y la esperanza transitan por ese relato sin fronteras, con la misma naturalidad con que, en los sueños, la habitación conocida se transforma en un pasillo sin final, en una caída interminable.

En la navidad se canta, por lo menos en la Europa protestante –y en el mejor heredero de su cultura, los Estados Unidos de América– y existe una larga tradición de canciones navideñas. Las clásicas son las que cantan específicamente temas relacionados con el nacimiento de Jesús. Están las que simplemente se refieren al espíritu festivo, las que apenas mencionan la navidad como telón de fondo y, créase o no, largas listas –y varias en Spotify que dan cuenta de ellas– de canciones tristes de navidad. Historias de soldados que no pueden llegar a sus casas, de personas ausentes, de pérdidas irreparables y amores abandonados. En ninguna de esas listas falta “River”, de Joni Mitchell y muchos aseguran que es la más triste de todas. No sé si es así pero, con certeza, se trata de una de las mejores. Mitchell la incluyó, acompañada sólo por su piano, en el álbum Blue, de 1971 –existe una versión con cornos en el final, incluida entre los demos de la edición conmemorativa del 50 aniversario del disco–. El acompañamiento cita “Jingle Bells” –algo que la versión del musical High School, cantada por Olivia Rodrigo, pone en primer plano– y la voz de Mitchell cuenta que “está llegando la  Navidad/ están talando árboles/ están poniendo renos” y se lamenta: “Oh, desearía tener un río/ podría patinar/ pero aquí no nieva”. Ella hizo llorar a su “chico”. Él se ha ido (y él es Graham Nash, nosotros lo sabemos). Y ella canta “ojalá tuviera un río tan largo/ enseñaría a mis pies a volar./ Oh, desearía tener un río/ podría patinar./ Hice que mi chico dijera adiós./ Está llegando la navidad/ están talando árboles/ están poniendo renos/ cantando canciones de alegría y paz./ Ojalá tuviera un río/ podría patinar”. Entre las versiones más bellas de esta canción extraordinaria, no deberían faltar la de James Taylor, que aparentemente fue el primero en escucharla, en su casa, en la fiesta de navidad de 1970, la de Linda Ronstadt con un arreglo de cuerdas à la Eleanor Rigby, la de Madelaine Peyroux en dúo con K. D. Lang y las dos de Herbie Hancock, una de 2007 con la cantante Corinne Bailey Rae, Lionel Loueke en guitarra, Dave Holland en contrabajo, Wayne Shorter en tenues pinceladas de saxo soprano y Vinnie Colaiuta en batería y la otra con la propia Mitchell, en vivo en el Festival Yahoo, nuevamente con Shorter, Holland y Colaiuta.

Casi al mismo tiempo, en 1970, se editó Navidad con Mercedes Sosa. Ella, con la voz cristalina, casi aérea, está en su mejor momento y el repertorio no incluye los previsibles villancicos sino canciones nuevas, como “Navidad en verano” de la dupla Ariel Ramírez-Félix Luna, “La cruz del niño”, de Oscar Alem y Hamlet Lima Quintana, “Negrita Martina” de Daniel Viglietti, “Navidad 2000” de Hilda Herrera y Antonio Nella Castro o la hermosa “Navidad de Juanito Laguna”, del Cuchi Leguizamón y Manuel Castilla. La guitarra de Kelo Palacios es impecable, como siempre, y los arreglos de Oscar Cardozo Ocampo a veces, solo a veces, conceden a una ampulosidad indeseable y eclipsan en algo la claridad de Mercedes Sosa.

Un clásico, en todos los sentidos posibles, es el Oratorio de Navidad de Bach. Se incluye aquí la versión completa, dirigida por Sir John Eliot Gardiner, con una orquesta que reproduce lo que se sabe de la conformación instrumental y de las prácticas interpretativas de la época en que fue compuesta (1734). Pero quienes no tengan ganas –o tiempo– de escucharla completa pueden empezar con la magníifica explosión del comienzo y pasar a la pista 8, con el aria para bajo y trompeta obligada, la siciliana con oboes solistas (pista 10) y una de las arias más perfectas y hermosas de la producción bachiana, “Duerman mis más amados” (pista 19). Menos conocidos –pero no menos valiosos– los oratorios navideños de Georg Philipp Telemann complementan el panorama de la navidad luterana y los Noëls de la corte francesa, en una magnífica producción del sello del Festival de Versailles, así como la Cantata de navidad de Alessandro Scarlatti y el Concerto Grosso para la noche de Navidad de Arcangelo Corelli permiten ampliar la visión al barroco del resto de Europa. Y, ya en el Siglo XX, “In The Bleak Mid-Winter, de Gustav Holst, y Ceremony of Carols, de Benjamin Britten son ejemplos de bellísima música inspirada en la fecha. Y, como final, una cita, la que el Modern Jazz Quartet hace de un carol anónimo, con John Lewis en clave y con el agregado de un grupo de bronces, en ”Variations on a Christmas Theme“.

Diego Fischerman es autor del blog “El sonido de los sueños”: https://xn--sonidodesueos-skb.com/

En un bar de la ciudad de Córdoba, un centenar de personas cantan los nombres de las especies vegetales autóctonas del bosque provincial al ritmo de música ska. La gente baila al ritmo de la música, aunque ésta describe algo bastante desolador: la pérdida de más de 10 millones de hectáreas de bosque.

El bosque autóctono de Córdoba ―la segunda provincia más poblada del país― cubría 12 millones de hectáreas a principios del siglo XX, pero en la actualidad se calcula que ocupa menos de 550.000 hectáreas. Sólo menos del 5% del bosque está bien conservado, y las causas de su drástica desaparición van desde el avance de la frontera agropecuaria, el crecimiento urbano, los incendios y la invasión de especies exóticas.

Desde 2009 la Ley de Bosques de Argentina ―creada en 2007― obliga a las provincias a generar planes de ordenamiento territorial de bosques nativos cada cinco años, para establecer los usos que se le pueden dar a los bosques y el valor de conservación de las distintas áreas. Pero la provincia de Córdoba ―cuya propia ley provincial de bosques data de 2010― aún está esperando su primera actualización.

A través del acceso a imágenes satelitales en tiempo real, académicos han realizado monitoreos para conocer el estado actual de los bosques nativos de Córdoba. Sin embargo, esta información no ha sido suficiente para promover su protección, afirma Sara Boccolini, investigadora del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (CONICET).

Boccolini afirma que este grupo de imágenes satelitales está a disposición “de cualquiera que sepa utilizarlas”. Para que este trabajo sirva de base a la toma de decisiones, añade que es necesario un ordenamiento territorial actualizado, además de conocer los criterios que utiliza la provincia para determinar las categorías de conservación.

No sólo los expertos reclaman una mayor protección. El concierto en la ciudad, una experiencia inmersiva de luces y sonidos, la creación de un bosque urbano en un paisaje degradado y una unión vecinal que reforesta los caminos se posicionan como acciones ciudadanas que mantienen al bosque nativo en agenda. Lo nombran, lo comparten y también evidencian su emergencia.

Cantar por los árboles

En un patio que confluye con el bosque nativo de Agua de Oro, un pueblo al pie de las Sierras Chicas, a 44 kilómetros al norte de Córdoba, Juan Pablo “Juanpaio” Toch y sus compañeros de banda se sentaron a improvisar letras a partir de lo que veían: diversidad de plantas.

El resultado fue “Plantas”, la canción que Toch, el grupo cordobés formado por Juanpaio, Andrés Toch y Martín Ellena, interpreta desde 2022. La canción emociona al público, que baila y canta reconociendo y repitiendo los nombres de las distintas especies que la componen.

“Nosotros nos seguimos sorprendiendo, el tema no dice más que los nombres de las plantas”, dice Juanpaio, bajista y vocalista del grupo. Para él se da una conjunción las palabras y las plantas. Por eso, cuando la canción nombra las diferentes especies, lo que surge, dice, es el poder que tienen las plantas y eso el público lo siente.

Como la mayoría de las canciones de Toch, “Plantas” describe un paisaje. Enumera 43 especies que habitan las Sierras Chicas, 32 de las cuales son nativas de la ecorregión de bosque serrano, típica del monte cordobés. Entre las que se nombran están: el chañar, un pequeño árbol caducifolio; el algarrobo y el mistol. También destaca la flor de Santa Lucía, cuyos pétalos azules salpican la sierra de septiembre a marzo de cada año.

Así, este tema que comienza con un huaino, ritmo central andino popular del noroeste argentino, corta abruptamente la música y da entrada un shock de ska creado por un bandoneón. Acto seguido comienzan los instrumentos de viento y la banda entera comienza a sonar.

“Son sólo nombres [de plantas], pero despiertan algo en cada uno: un recuerdo… una abuela, o algún saber del monte y del uso de las plantas”, dice Juanpaio. “También hay algo visual: la imagen del verde, del amarillo. Los colores están ahí”.

El arte conecta a las personas con la naturaleza

De vuelta en Córdoba, cerca del bar donde se baila y canta por la noche, Jimena Nores espera en el Museo Botánico de la ciudad a la primera tanda de alumnos de primaria que se adentrarán en Biodiversa, una experiencia inmersiva que recrea un paseo por el monte mediante luces y sonidos. Es otra actividad que promueve las plantas autóctonas y permite a los habitantes de la ciudad conocer el ecosistema de su región.

“Desde el museo y con el equipo, teníamos que hablar del bosque nativo y mostrarlo, mostrar la problemática, la diversidad y todos sus componentes”, dice Nores, investigadora del Instituto Multidisciplinario de Biología Vegetal (IMBIV) y productora general de la muestra. “Como institución científica que produce conocimiento también tenemos la responsabilidad de llevar esta temática al público”.

A través de una experiencia inmersiva multisensorial, el equipo de Nores, formado por artistas y científicos de distintas instituciones, recreó los ríos, la vegetación y la fauna del bosque. Utilizando voces e imágenes también aportan un sentido de presencia humana a la experiencia, no sólo para reconocer a las personas que habitan estos lugares, sino también para reflexionar sobre acciones humanas como la deforestación y el desarrollo inmobiliario, a menudo responsables de la pérdida de biodiversidad en este paisaje.

“Hablamos del monte porque [su destrucción] es una problemática ambiental en nuestra región que es importante cubrir y sensibiliza”, explica Silvana Montecchiesi, ilustradora del museo y parte del grupo de producción y curaduría de la propuesta. Añade que uno de los objetivos de la experiencia era “buscar la acción ciudadana” para mitigar la pérdida del monte.

El equipo afirma que la idea era mostrar la diversidad del bosque que se ha perseverado a pesar de los profundos problemas que lo atraviesan, para transmitir el mensaje de que aún se puede hacer mucho para proteger este lugar.

“No queríamos encarar el tema desde una visión fuerte y dura y salir desmoralizados, sino salir con ganas de hacer algo por todo eso, mostrando la biodiversidad y no solo de plantas sino de microorganismos, flora, fauna, paisajes”, dice Nores.

La exposición, que estuvo abierta al público entre el 6 y el 29 de junio de 2023 en el Museo Botánico, atrajo a más de 5.000 personas de todas las edades. Muchos de los que se la perdieron se quedaron con ganas de verla, dicen los organizadores, y por eso están trabajando para repetir la experiencia en 2024. También esperan llevarla a distintos puntos de la ciudad en el futuro, y sueñan con una exposición itinerante que recorra Argentina.

Restauración y aprendizaje

Mientras Biodiversa era una exposición temporal, otras iniciativas centradas en los bosques de Córdoba funcionan todo el año. Algunas llevan ya mucho tiempo presentes, como Ramona, un aula al aire libre en la Universidad Nacional de Córdoba. Un espacio entre árboles, arbustos, gramilla e insectos, es un ecosistema de bosque nativo en un paisaje urbano dentro del recinto universitario.

El espacio fue rebautizado este año en honor a Ramona Bustamante, una activista cordobesa que se enfrentó a las empresas privadas que habían desmontado sus tierras para la expansión de la agricultura. Fallecida a los 95 años en 2021, pasó gran parte de su vida defendiendo el bosque que, aunque desaparecido, sigue vivo en la memoria de los cordobeses.

Ramona forma parte de un proyecto creado en 2009 por investigadores, becarios y estudiantes de su Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales que pretende restaurar bosques autóctonos en un paisaje degradado de la ciudad. “Antes de que hubiera ciudad había bosque, entonces la ciudad per se transforma el espacio y eso es lo que se llama cambio de uso de suelo”, afirma Pablo Goldner, doctorando y miembro del grupo de trabajo del proyecto. Explica que los edificios de la ciudad se construyeron sobre el paisaje natural del bosque, por lo que el proceso de restauración que proponen trata de simular un espacio similar al bosque original, como refleja el nombre del proyecto, “El bosque nativo vuelve”.

“Este monte en la ciudad es diferente a otros espacios verdes urbanos como una plaza o un parque donde hay un espacio visual abierto”, explica Goldner, que investiga los procesos ambientales en espacios públicos para mejorar la planificación urbana. “Ahí podés atravesar toda la plaza o todo el parque con tu campo visual y ver de una punta a la otra, pero acá no tenés esa sensación”.

El proyecto ha reforestado entre 800 y 1.000 especies de árboles, arbustos, plantas herbáceas, enredaderas y suculentas, y ha formado a más de 100 estudiantes en ecología de la conservación, participación ciudadana y cuidado del medioambiente a través del programa Compromiso Social Estudiantil de la Universidad. Éste busca involucrar a los estudiantes en proyectos que vinculen a la universidad con los problemas de la sociedad, como la preservación de cuerpos de agua o la concientización sobre el tráfico de fauna silvestre, entre otros temas.

“Parte del trabajo es ofrecerles a las personas con las cuales interactuamos otra mirada, una no tan romántica del bosque”, afirma Goldner. “No vemos [este espacio] como algo intocable sino como algo que está lleno de personas. De alguna manera el bosque necesita de personas que entiendan que se puede vivir en el bosque, con el bosque y que en realidad somos dependientes de eso”.

Más allá de la ciudad

En el noroeste de Córdoba existe una antigua carretera, un camino de tierra que durante la época colonial se abría paso entre una densa vegetación para conectar la capital del Virreinato del Perú, hoy la ciudad de Lima, con el Río de La Plata, en Argentina. En algunos de estos tramos aún se conservan las postas, construcciones de adobe situadas cada 10 o 15 kilómetros que servían de lugar de descanso a mensajeros, funcionarios reales, comerciantes y viajeros. Aquí también se cambiaban los caballos para continuar el viaje.

También ha sobrevivido parte de la vegetación original, y en los caminos que atraviesan la provincia de Córdoba, por ejemplo, aún quedan algarrobos en pie. Es lo que ocurre en la localidad de Sinsacate, en el centro-norte de la provincia, donde un grupo de vecinos ha colocado los nombres de distintas especies autóctonas identificadas a la vera del camino colonial. El objetivo es fomentar su cuidado y conservación.

Tras constatar que se trata de una ruta de senderismo muy frecuentada, “hicimos un estudio de las especies [vegetales] autóctonas y colocamos carteles con sus nombres para identificarlas”, explica Ana Carolina García, miembro de Forestando Sinsacate, un grupo que se ocupa de los problemas ambientales locales. “Luego vimos que la gente se paraba a leer los carteles”.

García trabaja en ganadería e identifica que su cercanía con el monte ha sido clave para conocer las especies. Aunque es ingeniera agrónoma, señala que no necesariamente fue la facultad donde adquirió herramientas para trabajar con el monte sino su propio andar por ese paisaje. “Por mi trabajo en la ganadería caminé mucho por el monte y ahí empecé por mis propios medios a indagar a través de libros para conocer más de especies nativas”, explica.

La principal labor de Forestando Sinsacate es la identificación de especies y la realización de actividades educativas sobre el cuidado del bosque. Colaboran con las escuelas y trabajan tanto en el aula como en el bosque. “Con los niños vamos a la posta y les gusta porque ahí hay muchas especies vegetales”, explica García. “Una de las actividades es contarles de un árbol, mostrarles por ejemplo cómo es la hojita para que puedan conocerla y después dibujarla para que tengan el registro”.

Todas estas acciones hacen visible un ecosistema que está en emergencia y conviven con la falta de información oficial sobre el actual manejo del monte, según sus creadores. Son propuestas en espacios artísticos, académicos, educativos y en las calles de la ciudad motivadas por la organización colectiva. Hay un rasgo de compromiso en cada una de las acciones, quizá porque coinciden en que sólo es posible cuidar aquello que se conoce.

Este artículo fue publicado originalmente en Diálogo Chino.

Fue el año de Artaud, como titula Sergio Pujol su notable libro sobre el disco que Luis Alberto Spinetta publicó en 1973, a los 23 años. Y fue el año de Traigo un pueblo en mi voz, el disco de Mercedes Sosa que comenzaba con la canción “Cuando tenga la tierra”, de Daniel Toro y Ariel Petrocelli. El chiste fácil sería pensar en nuevas versiones a cargo de un sojero devenido cantante –o lo contrario– incluyendo “Todas las sojas son del viento” y “Cuando tenga más tierra”. Al fin y al cabo ya se sabe que la historia se repite dos veces y la segunda como comedia, como escribe Karl Marx en el comienzo de El Dieciocho Brumario. Y allí está para demostrarlo Emilio del Guercio, ayer autor de “Violencia en el parque”, el tema editado en 1973 por Aquelarre, su grupo post Almendra, y hoy candidato como diputado al Parlasur por el espacio de Patricia Bullrich.

1973, ese ya lejano medio siglo atrás, fue, en todo caso, un año de revoluciones –o de vilsumbres y sueños acerca de su posibilidad– también en el campo de la música. Baste señalar dos discos que fundaron concepciones absolutamente novedosas para los géneros de los que provenían: The Dark Side of the Moon, de Pink Floyd, y Solo Concerts. Bremen. Lausanne de Keith Jarrett. El primero acaba de ser reeditado (de nuevo) en una versión remasterizada (de nuevo) que lleva como leyenda “50th Anniversary”. El segundo es el mismo de siempre. El que inauguró el formato de las grabaciones de largas improvisaciones en vivo, realizadas en teatros dedicados habitualmente a la música clásica y tal vez el mejor de todos ellos. El que nunca necesitó remasterizaciones por la sencilla razón de que no podía sonar mejor. Y el que, entre 1973 y 1974, fue elegido como disco del año por las revistas Time, Down Beat y Stereo Reviewy por el periódico The New York Times, en los Estados Unidos, por Jazz Forum en Polonia y Swing Journalen Japón, además de ganar el Gran Premio del Disco Alemán (Großer Deutsche Schallplattenpreis).

Más allá de la infinidad de reediciones –varias de ellas ligadas a esos objetos hoy desaparecidos, los discos, cuyas presentaciones, plagadas de ilustraciones, desvelaban a los coleccionistas– esta última, y el fasto del aniversario, son un pretexto para recurrir a un intento de extrañamiento –ese viejo truco con que los formalistas rusos explicaban el arte– y tratar de escuchar The Dark Side of the Moon como si fuera la primera vez. Como si no hubiera allí una leyenda. Y, sobre todo, como si no hubiera un recuerdo y fuera necesario (lo es) volver a prestar atención a cada detalle: a las líneas del bajo de Roger Waters, al timbre de la guitarra de David Gilmour (una revolución en sí mismo), a los ritmos intricados –y al formidable trabajo de Nick Mason en la batería–, a las texturas en el teclado de Richard Wright, a la elaborada espacialización del sonido y, por supuesto, a la fomidable erupción de Clare Torry, la cantante invitada en “The Great Gig in theSky”, esa pieza que antes se había llamado “La secuencia de la mortalidad” y para cuya interpretación la intérprete recibió una única consigna: “Pensá en la muerte o en cualquier cosa horrible y cantá”.

Hay una apostilla necesaria a este disco y es la edición, también reciente, del concierto en que lo presentaron el año siguiente, en Wembley. La versión extendida de “Money”, con Gilmour en estado de gracia, las voces de “The Great Gig…”, que esta vez son dos, Carlena Williams y Venetta Fields, escalonándose, imitándose, enmascarándose y recorriendo luminosas su propia escalera al cielo, y el sonido algo más crudo, de una potencia arrasadora, del grupo en vivo –al que se agrega en dos canciones Dick Parry en saxo– valen por sí solos.

Hay otra reedición menos notoria y corresponde, sin embargo, a uno de los grandes discos de 1973, Twice Removed from esterday, el primer álbum solista del guitarrista Robin Trower después de abandonar Procol Harum. Allí, este extraordinario instrumentista, en trío con el bajista y cantante James Dewar y el baterista Reg Isidore y con el agregado en un tema del organista Matthew Fisher –otro ex integrante de Procol Harum que fue, además, el productor de la grabación–, ofrece un magnífico conjunto de canciones, cercanas al rhythm & blues y la balada y traslada a ese campo una sonoridad –y una tridimensionalidad en el timbre y las posibilidades de la guitarra eléctrica– que tenía la patente de invención de Jimi Hendrix. Trower es a Hendrix, eventualmente, lo que la prosa de Faulkner es a James Joyce: no existiría sin ello pero está lejos de ser su repetición o su parodia.

Mientras tanto en Brasil, donde la dictadura aflojaba en parte el tormiquete en materia cultural, y un recién llegado Caetano Veloso publicaba el gran Araçá azul, Chico Buarque, que había actuado el año anterior con Veloso (actuación registrada en el disco Caetano e Chico, juntos e âo vivo) y jugado con el silencio –y la respuesta del público– en las letras censuradas, editaba un disco con la tapa en blanco –salvo su nombre en el ángulo inferior derecho– que luego, en una edición de ese mismo año, incluiría una foto suya y cambiaría su título por Chico Canta. Calabar. O elogio da traiçâo (la publicación en Spotify omite la primera parte del título). Hay allí, por supuesto, varias piezas centrales tanto en la poética de Buarque como en la historia de la canción: “Tatuagem”, “Barbara”, “Fado tropical”, “Fortaleza” y, como testimonio de la barbarie, “Ana de Amsterdam” y “Venzena vida quemdiz sim” en versiones instrumentales, dado que sus letras estaban prohibidas.

El paisaje brasileño no estaría completo sin otros dos discos fundamentales, el debut de Secos e Molhados, con la voz extraterrenal de Ney Matogrosso y canciones como “Sangue latino” y la aterradora y magnética “Rosa de Hiroshima” sobre un poema de Vinicius de Moraes, Elis 1973, de Elis Regina con arreglos de César Camargo Mariano, donde brillan con luz propia “Oriente” de Gilberto Gil, y varios temas de la dupla Joâo Bosco y Aldir Blanc, “O caçador de esmeralda”, “Agnus Sei” y la piazzolliana “Cabaré”.

DF

Faltan pocos días para el comienzo del Mundial de Fútbol en Qatar, y cada vez se escucha con más frecuencia Hayya Hayya, la canción que Trinidad Cardona, Davido y Aisha interpretaron para esta Copa del Mundo. Estas canciones se convierten en himnos y suelen acompañar a los más fanáticos a lo largo de todo el certamen y, depende el resultado, hasta pueden pasar a la posteridad.

Son las cortinas de todos los programas de televisión y están presentes antes de cada partido. Para Qatar 2022, Hayya Hayya es un pegadizo y alegre tema que va a ser una de las canciones de la banda sonora del próximo Mundial. ¿Cuál es tu favorita?

El Rock del Mundial - Chile 1962 - Los Ramblers

La primera vez que se utilizó una canción como banda sonora de un Mundial fue en Chile 1962. El tema fue interpretado por Los Ramblers.

World Cup Willie (Where In This World We Are Going) - Inglaterra 1966 - Lonnie Donegan​

​Fútbol México 70 - México 1970 - Los Hermanos Zavala

Fútbol - Alemania 1974 - Maryla Rodowicz

El Mundial - Argentina 1978 - Ennio Morricone 

Marcha Oficial del Mundial '78 - Banda Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires y coro del Teatro Colón

​El Mundial - España 1982 - Plácido Domingo

​El mundo unido por un balón - México 1986

​Un'estate italiana - Italia 1990 - Gianna Nannini y Edoardo Bennato

​Gloryland - Estados Unidos 1994 - Daryl Hall y Sounds of Blackness

La Copa de la Vida - Francia 1998 - Ricky Martin

​Boom - Corea - Japón 2002 - Anastacia

​The Time of Our Lives - Alemania 2006 - Il Divo y Toni Braxton

​Waka Waka - Sudáfrica 2010 - Shakira

We are one - Brasil 2014 - Pitbull

​Live It Up - Rusia 2018 - Nicky Jam, Will Smith, Era Istrefi y Diplo

​Hayya Hayya - Qatar 2022 - Trinidad Cardona, Davido y Aisha

NB