Este jueves 23 de octubre llega a algunas salas de cine seleccionadas el que es uno de los estrenos más esperados del año, el Frankenstein de Guillermo del Toro, con Jacob Elordi en la piel del monstruo que creó Mary Shelley, y con un reparto que completan Mia Goth, Oscar Isaac o Christoph Waltz.

El 7 de noviembre será su estreno mundial a través de la plataforma Netflix, pero antes de eso ya se va a poder disfrutar en algunas salas la que es la última adaptación de uno de los relatos de terror que más veces se pudo ver en la pequeña y gran pantalla, con diferentes géneros y en distintas épocas.

‘Frankenstein de Mary Shelley’ (1994)

En su día se promocionó como la adaptación cinematográfica más fiel a la novela de Mary Shelley, siguiendo lo que había hecho años antes Francis Ford Coppola con ‘Drácula de Bram Stoker’. De hecho, el cineasta fue productor de la cinta que dirigió Kenneth Branagh y que también la protagonizó junto a Robert De Niro, Tom Hulce y Helena Bonham Carter. En crítica no tuvo una recepción muy positiva y su recaudación también fue decepcionante, y aunque difiere de la trama, mantiene la esencia de la novela original.

‘Frankenweenie’ (2012)

Es una versión animada de la historia de ‘Frankenstein’ de la mano de Tim Burton, junto a Walt Disney Pictures, y que es un propio remake del cortometraje del mismo nombre, en este caso usando la técnica del stop motion que utilizó en otra de sus películas más famosas como es ‘La novia cadáver’. En ella hace una especie de parodia y homenaje a la adaptación de 1931, y por ello también pudo escoger el blanco y negro, siendo un éxito de crítica y público con nominación a Premio Oscar, Globos de Oro, BAFTA y Annie.

‘La novia de Frankenstein’ (1935)

La adaptación de ‘Frankenstein’ de la Universal de 1931 es uno de los clásicos de esta historia, pero es su secuela, ‘La novia de Frankenstein’, seguramente la que haya recibido mayor fama también por ser una de esas segundas partes nombradas que pueden ser mejor que su antecesora, y en la que Boris Karloff volvió a dar vida al monstruo, y Elsa Lanchester tanto como la novia como la autora Mary Shelley, que se vuelve en la narradora del relato siguiendo el final de la novela. Forma parte de las películas conservadas en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos por ser “cultural, histórica o estéticamente significativa”.

‘El joven Frankenstein’ (1974)

En la película de Universal de 1931 se basa también ‘El joven Frankenstein’, una parodia al cine clásico de terror de Mel Brooks de 1974 que se centra en Frederick, nieto del doctor Frankenstein, que hereda el castillo familiar en Transilvania, donde decide seguir los pasos de su abuelo, y que optó por blanco y negro para crear la atmosfera similar a la que creaban esos largometrajes. De un presupuesto de 2,8 millones de dólares recaudó más de 86 millones, y en 2003 fue elegida para su conservación en el National Film Registry en la biblioteca del Congreso de Estados Unidos.

‘Victor Frankenstein’ (2015)

Por último, una de las últimas adaptaciones en el cine de la historia de ‘Frankenstein’ es la película de 2015 ‘Victor Frankenstein’, protagonizada por Daniel Radcliffe y James McAvoy, y es una adaptación libre que se basa en relatos contemporáneos que se basan a su vez en la de Mary Shelley, con lo que es una de las que cuenta un relato más distinto.

El cine de Guillermo del Toro es un cine poblado de monstruos. Uno donde ellos, además, no son los malos, sino que el cineasta les escucha, les comprende y hace que el espectador se emocione. El cineasta siempre ha hecho una defensa de los bichos raros manifestando que él es uno de ellos. Quizás por ello siempre, desde pequeño, ha estado obsesionado con Frankenstein, la novela de Mary Shelley que reinventa el mito de Prometeo y muestra a un doctor que, jugando a ser Dios, crea un monstruo inmortal.

El cine, de la mano de James Whale, creó además un imaginario eterno para el personaje. Aquel bicho con la cara verde —algo que sabemos por las fotografías y por las declaraciones del equipo, ya que el película es en blanco y negro—, dos tornillos en el cuello y una cabeza alargada quedó clavado en las retinas de todo el mundo. No hay quien piense en Frankenstein y no tenga en la cabeza la imagen generada por el cine.

Por ello, acercarse a un mito tan grabado en piedra era un riesgo enorme que Del Toro ha deseado desde siempre. De hecho, si uno lo piensa, hay en sus películas siempre muchos ecos del relato de Mary Shelley, tanto en su gusto por la estética del relato gótico, como en el acercamiento al monstruo que ha mostrado en títulos como La forma del agua —por la que ganó el Oscar a la Mejor película y Mejor director— e incluso Pinocho, que no es sino una reformulación del mismo mito.

La pasión que siente el mexicano por la criatura se siente en cada fotograma de su ambiciosa y espectacular adaptación que ha producido Netflix —se estrenará en cines el 18 de octubre y en la plataforma el 7 de noviembre—, que le ha dejado cumplir por fin su sueño. Frankenstein es, sin duda, un filme de Guillermo del Toro. Se nota en su gusto por los colores, por una violencia física, que roza el gore, pero sobre todo en el amor que siente por la criatura, a la que humaniza y cuida. Lo hace desde su propia concepción visual, que se aleja del mito creado por Whale y que le aporta incluso belleza, algo acrecentado por la elección de Jacob Elordi como el monstruo. Elordi consigue lo casi imposible, ofrecer una excelente interpretación bajo la máscara que emociona. Uno sufre con él, y le come la tostada a un Oscar Isaac pasado de vueltas.

Como en todo el cine de Del Toro hay gusto por la artesanía, por el efecto práctico en vez de por el CGI, por el vestuario pomposo, los escenarios góticos y por mostrar que la escala de su sueño era así de impresionante. Sus dos horas y media se beben y se disfrutan, y su cambio de punto de vista (a lo Rashomon) mostrando la visión de Víctor Frankenstein y la de su creación es un acierto. Sin embargo, también hay varios de los males de Del Toro, ciertas frases que rozan la dedicatoria adolescente, destellos del imaginario que se repiten de otros títulos (imposible no pensar en La cumbre escarlata) y algún subrayado innecesario (ese “Yo soy el monstruo”) marcado por la omnipresente música de Alexandre Desplat.

Nos venden que somos blanco o negro, y no es así, somos multicromáticos, somos de muchos colores, somos personajes imperfectos y hay q ser imperfectos

Guillermo del Toro — Cineasta

Lo más bonito de esta mirada a Frankenstein es que, algo también habitual en el cine del director, consigue que la historia de Frankenstein sea completamente actual. Su película habla del amor y del perdón, dos valores en declive, pero sobre todo de cómo, algo que ya está en la frase promocional del filme, los monstruos son los que juegan a ser dioses, no sus criaturas. Y eso se puede leer como un ataque directo a líderes ególatras que señalan al diferente y a aquellos que no entienden.

El propio Guillermo del Toro subrayó el aspecto político de su película en la conferencia de prensa cuando subrayó que en la historia “los mayores tiranos se consideran víctimas” y que “vivimos una época de terror e intimidación” en la que es más importante que nunca “el amor y el perdón, y el arte es amor”. “La cuestión central en la novela es qué es lo que nos hace humanos, y para mí no hay nada más importante que seguir siendo humanos. Nos venden que somos blanco o negro, y no es así, somos multicromáticos, somos de muchos colores, somos personajes imperfectos y hay que ser imperfectos para entendernos”, dijo.

A Del Toro la tecnología no le asusta. “No me da miedo la inteligencia artificial, me da miedo la estupidez humana que es mucho más abundante”, dijo a los periodistas y también aseguró que no le preocupaba “el tamaño de las pantallas” donde se fuera a ver su Frankenstein, sino que considera que la discusión en el cine ahora mismo tiene que ver con “el tamaño de las ideas, de la ambición”, y recordó que El callejón de las almas perdidas se vio afectada por la COVID, por lo que uno nunca sabe qué va a pasar con sus creaciones y remarcó la responsabilidad de saber que le van a ver en 300 millones de hogares al ser una producción de Netflix.

Poder haber hecho esta película es algo más que un sueño, porque para él Frankenstein es “una religión”. “Fui criado en la religión católica, y cuando vi a Boris Karloff como el monstruo de Frankenstein entendí por fin lo que era un santo”, lanzó con ironía y no tuvo problemas en confesar que todo lo que había dirigido hasta ahora ha sido un camino para poder hacer esta obra: “Lo digo muy en serio, todo lo que he hecho desde Cronos hasta ahora, todo lo que he aprendido, todas las ideas me han traído hasta aquí”. En todo este tiempo vio que aquella novela que le fascinó también podía ser vista como la historia de un padre y un hijo, algo que entendió cuando él mismo fue padre.

Se deshizo en detalles que dejaron claro que tiene en su cabeza cada detalle del filme. Por ejemplo, en este rediseño que justificó como basado en estatuas de mármol y alabastro no quería puntos, sino subrayar su belleza, pero sin dejar de ser fiel al contexto histórico, por lo que el pelo del monstruo es de diferentes colores porque está hecho de diferentes calaveras humanas. Todo un derroche de imaginación que ahora le hacen enfrentarse al vértigo de qué hacer después. De momento solo tienen clara una cosa, que ahora mismo tiene “depresión posparto”.

El director mexicano Guillermo del Toro consiguió su tercer Oscar con Pinocho, bajo producción de Netflix, como Mejor Película de Animación, en la gala de los Premios Oscar que se entregan esta noche en el Teatro Dolby de Los Angeles.

Del Toro ya había sido condecorado con La forma del agua en las categorías Mejor Película y Mejor Dirección, además de haber sido nominado por El laberinto del Fauno y El callejón de las almas perdidas.

La ceremonia comenzó a las 21 puntual, con un raconto sobre los principales nominados por parte del conductor, el humorista Jimmy Kimmel, que rescató las risas de los presentes con varios chistes sobre ellos. Un clásico de los Oscar y del humor estadounidense, donde la burla y el humor corren constantemente sus límites.

En un extensa introducción, Kimmel repartió chistes para James Cameron y Tom Cruise, ausentes en la velada: “Los dos que más insistieron en que volvamos a los cines, hoy no están acá”.

“Si algo violento ocurre, hagan lo que hicieron el año pasado: Nada”, dijo el humorista en referencia a la cacheta de Will Smith a Chris Rock, a la vez que rescató el regreso de las 23 categorías a la gala que se transmite en vivo: “Todas las categorías están aquí porque así la comunidad lo quiso, no así la televisión”.

Se trata de un nuevo intento de la máxima institución cinematográfica de Estados Unidos, cuyos premios quedaron a menudo empañados por la reacción negativa del público y de parte de los miembros de la industria a aspectos que van más allá de las películas.

El movimiento #OscarsSoWhite (“Oscars tan blancos”) de 2015 reclamó mayor y mejor representación racial en los premios; el #MeToo nacido en 2018 denunció los abusos machistas en la industria. El histórico error de Faye Dunaway y Warren Beatty que declararon, por segundos, ganadora como Mejor película a La La Land en vez de a la que sumó más votos, Luz de luna, arruinó el final de la ceremonia de 2017.

Las experimentaciones con el formato mostraron también una pérdida de rumbo: hubo galas sin presentador o presentadora, y hasta con múltiples anfitriones; se probaron cambios en el orden histórico y lógico de la entrega de galardones, de modo que un año la categoría máxima de Mejor película no fue la que cerró la transmisión; también se intentó recortar la duración total de la gala con la supresión de rubros técnicos del “vivo”. Ninguna opción gustó y este domingo los Oscar se apegan al formato clásico.

CRM con información de la agencia Télam

“Te quiero tal y como eres” es seguramente una de las cosas más bonitas que se le pueden decir a una persona, ya que el anhelo de ser aceptados, entendidos y amados es una pulsión que como seres humanos y sociales forma parte inherente de nuestras vidas. También de la de Pinocho, el niño de madera que el escritor Carlo Collodi creó en 1883. Un personaje que cautivó al mismísimo Walt Disney, que le concedió el honor de ser el protagonista del segundo largometraje animado de su estudio tras Blancanieves y los siete enanitos en 1940. También fue el primer filme que lanzaron durante la II Guerra Mundial, aunque la contienda no está reflejada en el metraje.

Hubo que esperar más de treinta años para que llegara su siguiente adaptación, obra de Luigi Comencini en 1972. Otras figuras como Alejandro Malowicki en 1986 y Matteo Garrone en 2019 aportaron sus versiones y, alcanzado 2022, han sido otros dos directores —con apenas mes y medio de diferencia— los que suman sus propias adaptaciones, ambas tituladas Pinocho: Robert Zemeckis y Guillermo del Toro. El remake de acción real del artífice de Forrest Gump (1994) protagonizado por Tom Hanks, desembarcó en cines el pasado 25 de septiembre. El realizador de El laberinto del Fauno (2006) y La forma del agua (2017), por su parte, estrena este viernes 25 de noviembre en salas de España—9 de diciembre en Netflix— su propia adaptación en un preciosista y comprometido stop motion.

Al comparar ambas obras con la de Disney, quedan patentes sus diferentes contextos de producción así como la personalidad y prioridades que han tenido sus creadores sobre qué discursos trasladar a través de la pantalla. En este sentido, el largometraje de 1940 es el más conservador, el de Zemeckis el más buenista y el de Del Toro el más comprometido a nivel político. Los tres comparten a la marioneta como personaje principal. Un niño de madera fabricado por el carpintero Gepetto al que un hada (varía de nombre según la adaptación) concede el deseo de que este cobre vida.

Una vez otorgado, es responsabilidad del muñeco ganarse la transformación definitiva en 'niño de verdad'. Para ello debe ser bueno, valiente, honrado y desinteresado. Nadie nace sabiendo, por lo que la maga —blanca y rubia en la versión de Disney, negra en la piel de Cynthia Erivo en la de Zemeckis y azul con voz de Tilda Swinton en la de Del Toro— nombra a Pepito Grillo/Sebastian como conciencia temporal. Un planteamiento algo perverso, ya que Pinocho actúa como lo haría cualquier niño desde que se le permite moverse, hablar, pensar y sentir. Sin embargo, ser de madera y no de carne y hueso pesa como una losa que en los filmes se materializa en forma de rechazo, bullying, frustración y aislamiento. Pero no ha sido cosecha de los filmes: ya se cuenta en la novela original.

El villano gitano que nunca más se menciona

La versión de Disney y la de Zemeckis cuentan como villanos principales con Stromboli, el director del espectáculo de marionetas que secuestra a Pinocho; Honrado Juan y Gedeón, quienes convencen al protagonista para que se dedique a ser actor y vaya al colegio; y el Cochero, que le conduce junto a otros chicos a la Isla del Placer para convertirles en burros y venderles a las minas de sal. “Cuanta más libertad se les da, más se comportan como asnos”, llega a declarar sobre los críos. Este último es un hombre gordo, patrón en el que se han enmarcado otros antagonistas de la Factoría del Ratón como la Reina Roja de Alicia en el País de las Maravillas (1951), Úrsula de La Sirenita (1989) y el Gobernador John Ratcliffe de Pocahontas (1995), evidenciando que ni el cine de animación se escapa de la preocupante e imperante gordofobia presente en la ficción.

Otro malvado de la cinta de 1940 es utilizado para verter xenofobia. En una de las escenas, Honrado Juan y Gedeón pasean por la calle del poblado italiano en el que tiene lugar la acción cuando el primero repara en un cartel que hay pegado en una fachada. “¿Qué es esto, Stromboli? El viejo gitano ha vuelto”, espeta el primero, “¿recuerdas cuando te puse hilos y te hice pasar por títere? Por poco engañamos al gitano esa vez”.

Así, en apenas diez segundos repite hasta dos veces el término 'gitano' para calificar de forma peyorativa a un hombre al que le puede la avaricia y la codicia; y que además, plantean como si fuera estúpido y se le pudiera engañar fácilmente para robarle dinero. Acto que, a su vez, él mismo perpetra cuando Pinocho triunfa en su debut en el teatro y le niega toda recompensa económica. En las dos siguientes versiones analizadas, y pese a que la de acción real fue producida igualmente por Disney, no mencionan la etnia del citado antagonista. Ni se utiliza para caricaturizarle ni humillarle.

La soledad de Gepetto como alegato antibelicista

Gepetto aparece en las tres películas como un hombre solitario. En las dos adaptaciones de Disney, tiene un espíritu vitalista y está siempre acompañado de su gato Fígaro y su pez Cleo. Habla con ambos continuamente, baila y comparte todas sus inquietudes. En la versión de 2022 se menciona que tuvo un hijo y esposa, Costanza, pero no se explica por qué ya no está junto a él. Aquí es donde Guillermo del Toro se desmarca, dedicando un bello y dramático prólogo a revelar el porqué del aislamiento del carpintero, que recuerda al descorazonador arranque de Up (2009).

Los primeros minutos de la película que el mexicano ha dirigido junto a Mark Gustafson, sirven para poner en contexto la historia. En las anteriores películas se sabe que se sitúa en Italia, pero apenas se dan más detalles sobre el periodo concreto en el que se insertan. Así, el —de momento— último Pinocho se ambienta en la Italia de los años 30, sumida en el fascismo de Mussolini. El filme muestra a un Gepetto viudo que comparte feliz su día a día con su hijo, hasta que la Gran Guerra se interpone en su camino. Una jornada, en la que el pequeño acompaña a su padre a restaurar la estatua de Jesucristo que preside el altar de la iglesia del pueblo, una bomba acaba con su vida. Y en cierto modo, con la de su progenitor.

El hombre, abatido y consumido por la tristeza, se recluye en su casa, que aquí está en las afueras de la localidad y no en su centro como en las versiones previas. El tiempo solo le lleva a estar más cabreado, más desesperado, más apático y vacío. Una noche, borracho como tantas otras, fabrica enajenado una marioneta de madera a la que la hada presentada como 'La guardiana de lo olvidado' da vida. A partir de aquí, la historia es similar a la del resto de propuestas. Después llegará el espectáculo de marionetas, la gran ballena y los intentos de rescate de Pinocho y Gepetto. La gran diferencia es que Del Toro ha ido un paso más allá imprimiendo de antibelicismo su filme por las profundas y drásticas consecuencias que la guerra y el fascismo tiene en los personajes.

Una de las claves la personifica Conde Volpo al que pone voz Christoph Waltz, estrechamente vinculado con el sacerdote del pueblo que visita en numerosas ocasiones al carpintero para decirle que enderece a su extraño hijo. El cura está implicado en una de las escenas que denotan la sutileza e inteligencia del cineasta, en la que Pinocho se sorprende al comprobar al acudir a misa que todo el mundo venera la estatua de Jesucristo fabricada con su mismo material. “¿Por qué él les cae bien y yo no?”, implora. En un ambiente de totalitarismo, en el que las normas son aún más exigidas, constreñidas y castradoras, la existencia de un muñeco de madera que habla es una rara avis sin lugar que lleva el concepto de otredad hasta lo supuestamente inmaterial. Aunque con reverso.

Este Pinocho tiene la capacidad de volver de entre los muertos, algo que en el cuento original, que muchos han relacionado con la masonería y la cultura alquímica, también sucedía. Esta característica le convierte a ojos del conde en el soldado perfecto ya que, no importa las balas que le alcancen, sobrevivirá siempre. Por ello, le obliga a internarse en un centro de entrenamiento militar para niños, a la que lleva hasta a su propio hijo, dispuesto a sacrificarlo por la patria.

Este episodio forma parte del regalo de viaje emocional al que el cineasta somete al público en su cuidadísimo largometraje. El virtuosismo del stop motion que emplea es una joya. Las texturas de cada personaje les confiere un potencial para emocionar muy poderoso. Hay una secuencia en la que Pinocho llora desconsolado por sentirse una carga para su padre que lleva la conmoción a unas cotas de nivel altísimas. En estas cobra igualmente protagonismo la banda sonora compuesta por Alexandre Desplat, con quien Del Toro ya había trabajado en títulos previos como La forma del agua.

Lo más bello de todas las versiones de la novela de Collodi es cómo subyace el amor entre un padre y un hijo imperfectos. Y el viaje emocional que realizan de aceptación que incluye episodios de reflexiones en voz alta sinceras, útiles y hermosas. Más allá de las oscuridad y lo tenebroso de estampas como los niños convertidos en burros y la aniquiladora ballena —imposibles de olvidar para quienes vieron la película de 1940 en la infancia—; volver a esta historia de la mano de Del Toro es una suerte de reconciliación. Al fin y al cabo, las imperfecciones están para celebrarlas.