Las series de septiembre de 2025 tienen un nombre propio en Netflix con su nueva ficción española, El refugio atómico. La nueva historia de los creadores de La casa de papel, Álex Pina y Esther Martínez Lobato, llegará a la plataforma el próximo 19 de septiembre, y quiere calentar la espera con el lanzamiento de su tráiler definitivo y nuevas imágenes.

La serie consta de 8 episodios en los que recupera elementos de la exitosa ficción que nació en Atresmedia: en vez del asalto a la Real Casa de la Moneda, en esta el ambiente cerrado y claustrofóbico lo pone un refugio atómico. Y en vez de los monos rojos de La casa de papel, ahora la separación de sus personajes es con monos de piel de color amarillo anaranjado y azul verdoso (lo que también recuerda a El juego del calamar).

La sinopsis oficial reza: “En un búnker de lujo diseñado para resistir cualquier catástrofe imaginable, un grupo de multimillonarios se ve forzado a convivir tras encerrarse ante la amenaza de un conflicto global sin precedentes. Kimera Underground Park se convertirá así en un escenario claustrofóbico para dos familias marcadas por una herida del pasado. Aislados bajo tierra y sin posibilidad de escapar, dan rienda suelta a unas personalidades cargadas de ácido sulfúrico, destapando sus secretos más inconfesables. Pero también surgen las alianzas más inesperadas. Una radiografía emocional excesiva y sorprendente de unos multimillonarios viviendo en un agujero de oro”.

Los habitantes de este refugio están interpretados por Miren Ibarguren (Todos mienten), Joaquín Furriel (El reino), Natalia Verbeke (Ana Tramel. El juego), Carlos Santos (El hombre de las mil caras), Montse Guallar (Sé quién eres), Pau Simón, Alicia Falcó (Las buenas compañías), Agustina Bisio, y Álex Villazán (Alma), entre otros.

La nueva producción de Vancouver Media para Netflix, para la que también realizaron Sky Rojo y siguen adelante con Berlín, es una creación de Álex Pina y Esther Martínez Lobato. La dirección corre a cargo de Jesús Colmenar, David Barrocal y Jose Manuel Cravioto. El guión está firmado por Álex Pina, Esther Martínez Lobato, David Barrocal, David Oliva, Lorena G. Maldonado y Humberto Ortega. Y del diseño visual se ha encargado Migue Amoedo.

La actriz Verónica Echegui, quien saltó a la fama por su papel en Yo soy la Juani, de Bigas Luna, murió a los 42 años víctima de un cáncer, tal como confirmaron fuentes cercanas a la intérprete. El fallecimiento se produjo el domingo 24 de agosto tras haber estado varios días ingresada. Echegui se convirtió en uno de los rostros más populares del cine español gracias a su refrescante y descarado papel de una joven de barrio que quiere ser actriz y que le valió una nominación al Goya a la Mejor actriz revelación.

Aquel papel la catapultó al primer plano de la industria, y comenzó a encadenar papeles con los cineastas más interesantes. Solo dos años después de su primera nominación al Goya logró la segunda como Mejor actriz protagonista por El patio de mi cárcel, la ópera prima de Belén Macías que compitió por la Concha de Oro del Festival de Cine de San Sebastián. A su presencia magnética se rindieron directores como Cesc Gay, Manuel Martín Cuenca, Eduardo Chapero-Jackson o Icíar Bollaín, que con Katmandú, un espejo en el cielo le daría su tercera nominación al Goya.

La cuarta llegaría como actriz de reparto por La gran familia española, la comedia de Daniel Sánchez Arévalo en 2014, y la quinta en la misma categoría siete años después por Explota, explota, el musical sobre la censura en la televisión durante el franquismo a ritmo de canciones de Raffaela Carrá. Solo un año después ganaría el galardón de la Academia de Cine en la categoría de Mejor corto de ficción por Tótem Loba, su debut en la dirección y en donde abordaba la violencia contra las mujeres.

En aquella ceremonia, Echegui protagonizó uno de los momentos más comentados cuando en su discurso se dirigió al presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, que había acudido a la gala. “Me encantaría que la vieras con tus hijas y con tu mujer y luego hablamos. Tómatelo en serio”, le dijo en un vídeo que rápidamente se hizo viral. El propio presidente ha sido uno de los primeros en publicar un mensaje de condolencias a través de sus redes sociales: “Recibo impactado la noticia del fallecimiento de Verónica Echegui, una actriz con un talento y una humildad enormes que se marcha demasiado joven. Mi abrazo sincero en estos momentos tan duros para toda la familia y amigos”.

En los últimos años había alternado sus papeles en cine en títulos como Justicia Artificial o Yo no soy esa con series como la adaptación de la novela de Almudena Grandes, Los pacientes del doctor García; Citas Barcelona o A muerte, el que hasta ahora es su último trabajo, aunque recientemente había rodado la miniserie de Netflix Ciudad de sombras. En una entrevista en la revista Fotogramas por su última serie la actriz abordaba cómo “esta sociedad se ha esforzado mucho en que tengamos miedo a la muerte”. “Yo, más que miedo a la muerte, tengo miedo a la enfermedad y al sufrimiento”, aseguraba.

Aunque debutó en la televisión en series como Paco y Veva, fue aquel papel de la Juani el que le cambió la vida. En una entrevista, Bigas Luna recordaba que ella le dijo que no le iba a decepcionar y que así fue. “Yo siempre trabajo con gente con la que puedo ir a cenar. Es una selección que hago siempre, ya sea un eléctrico o un director de fotografía, y Verónica tiene una actitud ante la vida muy luminosa”, decía entonces el cineasta al periodista Miguel Munárriz sobre lo que le enamoró de Echegui, esa luz y esa predisposición a todo.

La actriz, que recordaba en una entrevista para la revista AISGE que supo que quiso ser actriz desde los nueve años, trabajó en una cadena de restauración para poder pagarse los cursos de teatro de improvisación. Cuando aprobó la selectividad se presentó a la RESAD y allí la cogieron. Comenzaba la formación de una actriz todoterreno para la que el cine fue algo más que una profesión. “Las películas han sido mi manual de autoayuda, mi refugio, mi todo”, decía en la misma publicación.

Netflix inició oficialmente el rodaje de Aquel, la serie biográfica que abordará la vida y carrera de Miguel Rafael Martos Sánchez, más conocido en todo el mundo como Raphael, y lo hará desde una perspectiva íntima y sin filtros. Este miércoles, la plataforma reveló el reparto completo del proyecto, en el que Javier Morgade y Carlos Santos darán vida al icónico cantante en distintas etapas de su vida.

En total serán ocho episodios en los que se narrará la vida del artista nacido en Linares (Jaén), desde sus humildes orígenes en la España de posguerra hasta la conquista de los grandes escenarios internacionales. “Las grabaciones comenzaron por fin en junio y no puedo estar más contento con los primeros resultados. Este 'biopic' no solo cuenta mi historia, también refleja una historia compartida: más de seis décadas de carrera marcadas por momentos inolvidables -unos muy conocidos, otros más íntimos; algunos luminosos, otros más duros-, pero todos profundamente significativos”, destacó el propio Raphael a través del comunicado de la plataforma.

La ficción, producida por Netflix junto a Caracol Televisión y DLO Producciones, contará desde las pasiones más íntimas del cantante hasta sus grandes éxitos, pasando por sus conflictos personales y los fantasmas que lo acompañaron a lo largo de toda su vida. Con escenarios que van de Madrid a Las Vegas, pasando por Moscú, París o Acapulco, Aquel es un viaje emocional a través de cinco décadas llenas de luces y sombras.

En declaraciones recogidas por la plataforma, el artista afirma haber contado su vida “sin filtros”, interpretada luego “con total libertad” por los guionistas para trazar “un retrato honesto, sin adornos, que no rehúye ningún aspecto, por complicado que haya sido”. A los actores protagonistas, los acompañarán nombres como Francesco Carril, Natalia Varela, Pepa Aniorte y el también director Manolo Caro.

La ficción está siendo dirigida por Tito López Amado, Javier Pulido y Beatriz Sanchís, y cuenta con José Manuel Lorenzo como productor y con Jacobo Martos como productor asociado. El guion fue escrito por Ignacio del Moral, Paloma Rando y Adrià P. Xancó. Como productores ejecutivos participan Nacho Bolonio, Dago García, Lisette Osorio y José Manuel Lorenzo.

“¿Te estoy hablando de amor y tú me sales con la policía? ¿En qué clase de infamia estamos convirtiendo el mundo?”. Esta frase de Pedro Alonso en una escena de Berlín, esperada precuela de La casa de papel que Netflix estrena este viernes 29 de diciembre, resume a la perfección el espíritu de esta nueva serie. La ficción cambia de tono en su viaje al pasado para descubrir una de las facetas vitales más desconocidas del personaje, uno de los más queridos por los fans de la producción matriz en todos los lugares del planeta.

La plataforma de pago recupera así la que ha sido su gran gallina de los huevos de oro en España, la serie patria más laureada de todos los tiempos que, tras su nacimiento en 2017 en Antena 3, vivió su expansión global gracias al gigante americano. Un hito que ha invitado a Netflix a explorar más historias dentro de su universo y, de paso, seguir estirando su éxito a través de un spin-off obligado a luchar desde antes de su lanzamiento contra las expectativas y comparaciones que se hagan con su predecesora.

Para ello, la compañía y los responsables de Vancouver Media, su productora, apostaron todo a Berlín, uno de los personajes más carismáticos de La casa de papel que, pese a su carácter de villano, logró meterse al público en el bolsillo durante el asalto de la banda de El Profesor a la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre en el que acabó perdiendo la vida. El personaje siguió teniendo recorrido en las tres siguientes temporadas de la ficción por medio de diferentes flashbacks que indagaron en sus orígenes y que dieron la idea a Álex Pina y Esther Martínez Lobato, sus creadores, de que Berlín podía tener su propia serie.

Esta llega como colofón del 2023 para trasladarnos a los “años dorados” de Andrés de Fonollosa -su nombre real-, cuando aún no tenía noción alguna de la enfermedad con la que acabó encerrado “como una rata” en las entrañas de la Real Casa de la Moneda. La ficción arranca años antes de aquel gran golpe junto a su hermano Sergio Marquina, cuando Berlín se encargó de preparar en París uno de sus robos más extraordinarios junto a una de las tres bandas con las que robó a lo largo de su vida. Con ellos, intenta hacer desaparecer 44 millones en joyas de una importante casa de subastas como si de un espectáculo de ilusionismo se tratase.

'Berlín' se pierde en el amor...

Sin embargo, en un intento de diferenciarse de La casa de papel, el plan de Berlín se acaba tambaleando por los delirios amorosos de su protagonista. Y la serie, lamentablemente, también se tambalea con él. Ese conflicto que señalábamos al comienzo del artículo (el del dilema entre el dinero y el amor) acaba tomando demasiado peso, con el personaje principal perdiendo el foco del atraco tras enamorarse –obsesionarse– de una de sus víctimas –Camille (Samantha Siqueiros)–, una joven mexicana que le acaba robando el corazón.

Todo ello, provoca un cambio de tono que Álex Pina y Esther Martínez Lobato han tratado de justificar en palabras a verTele, alegando un propósito de crear un “universo y ADN nuevo” y “romper con todos los parámetros” de la serie primigenia: “La casa de papel tiene una intensidad enorme, muy angustiosa, claustrofóbica y con niveles altos de violencia. Entonces, queríamos pasarnos al otro lado”, empiezan explicando los guionistas. “En un momento dado, cuando estábamos escribiéndola, arrancaba también la guerra de Ucrania y queríamos hacer algo mucho más confortable, fresco, feel good, luminoso... Creíamos que era el momento de hacer algo con mayor capacidad de evasión por parte del espectador”, añaden, en una idea que también quisieron dejar clara meses atrás, durante la presentación del proyecto.

La decisión que les forzó a impregnar la ficción de un ambiente de comedia romántica que, en las mencionadas secuencias amorosas, no termina de funcionar. Por varios motivos. Por un lado, porque contamina las tramas –como destacan mis compañeros Pedro Zárate y Laura Pérez en su elaborado ranking anual de las mejores series españolas– de decisiones absurdas e incoherentes y de algún agujero de guion. Por otro, porque se mete en terrenos pantanosos al romantizar la historia de un claro caso de acoso por las artimañas de Berlín para efectuar su conquista. Esto propicia una suerte de paradoja, y es que la oscuridad del ahora 'héroe' empaña la luz que algún día encontramos dentro del villano.

... a pesar de que también tiene su “jarana”

Es una lástima, porque Berlín vuelve a poner toda la carne en el asador con su nuevo atraco. El éxito de La casa de papel parece haber dado un “cheque en blanco” a Vancouver, que logra (una vez más) unos estándares de producción que, como comentaba Tristán Ulloa en su entrevista con verTele, nada tiene que envidiar al que se ve en la puntera industria audiovisual de Estados Unidos. La ficción contó con 146 localizaciones, 287 sets, 65 actores y actrices, más de 1400 figurantes y nueve largos meses para su rodaje.

Un increíble despliegue técnico y artístico que regala a los espectadores una maravillosa 'postal' de un París que se acaba convirtiendo también en protagonista. La serie también viaja a Madrid, Almería, León, Ávila, Segovia y Toledo para ofrecer espectaculares y frenéticas escenas de acción que brindan al producto final sus momentos más memorables y divertidos. Aquello de que “si algo funciona, mejor no lo toques” se evidencia en aquellas secuencias en las que Berlín se parece a La casa de papel. Y no nos referimos a los guiños, referencias y apariciones –Najwa Nimri (Alicia Sierra) y Itziar Ituño (Raquel Murillo)– que se hacen a la ficción original, sino a los puntos en los que se recupera su mejor y brillante esencia.

Esta se consigue gracias a una atractiva banda de ladrones que, aunque no nos harán olvidar a Tokio, Nairobi y compañía, sí que acaba encontrando su propia personalidad. Tristán Ulloa (Damián) destaca y brilla en un género narrativo al que no nos tiene acostumbrados. También lo hace Michelle Jenner (Keila), cuya trama romántica con el novel Joel Sánchez (Bruce) -este es su primer trabajo como actor- sí que resulta interesante y encaja dentro del global de la historia. Algo más manida es la que materializan Begoña Vargas (Cameron) y Julio Peña (Roi), que acaban protagonizando, eso sí, una secuencia de acción y velocidad que dejaría en evidencia al mismísimo Dominic Toretto.

En definitiva, Berlín es la historia de un regreso con luces y sombras que sus responsables deben corregir si quieren reconducir la historia de cara a su más que probable segunda temporada en Netflix. La serie consigue reactivar la pólvora que dinamitó los momentos más épicos de La casa de papel, una pólvora que acaba siendo pólvora mojada en aquellos puntos en los que Berlín -el personaje y la propia ficción- se pierden en sus delirios.

Los actores españoles Michelle Jenner, Tristán Ulloa y Joel Sánchez aseguran haber aceptado “de cabeza” participar en Berlín, precuela de La casa de papel que llega a Netflix el próximo 29 de diciembre. Los actores dan vida a Keila, Damián y Bruce, tres de los miembros del nuevo grupo de ladrones capitaneado ahora por Andrés de Fonollosa, el carismático Berlín en la banda de El Profesor en la exitosa serie matriz.

Este spin-off, que ahondará en el pasado del personaje, supone para Ulloa un cambio de registro que vio con buenos ojos desde que recibió su primer guion: “Vi que los esquejes eran muy buenos: el entramado, los elementos, el equipo, el reparto... Pensé: 'Muy mal se tiene que dar esto para no hacer algo muy potente'”, declara.

La producción de 'Berlín', “a la altura” de EEUU

Tanto él, como Jenner y Sánchez -para el que Berlín es su primer gran trabajo como actor-, coinciden en la sorpresa que les causó la espectacular producción que rodea a la ficción, que, aseguran, está “a la altura” de lo que se hace en Estados Unidos.

“A nivel técnico, estamos en primera división. He trabajado en producciones americanas y no tenemos nada que envidiar”, atestigua Tristán Ulloa.

Algo que se plasma de manera clara en sus escenas de acción: “Es el trabajo de muchos meses que lo ves así y dices: '¡Pero si eso fueron no sé cuántos días de rodaje y son solo tres segundos!”, comenta sorprendida Jenner.

La actriz Itziar Castro falleció en la madrugada de este viernes 8 de diciembre a la edad de 46 años. La noticia fue anunciada por el director de cine Frankie De Leonardis en la red social X. Según la directora de su agencia de representación, Gabriela Defty, la causa de la muerte no se pudo determinar todavía, pero “todo indica a un fallo cardíaco”, informa RTVE.

Castro se encontraba en una piscina de Lloret de Mar en la madrugada del viernes. Según El País, estaba ensayando un espectáculo de sincronizada organizado por el club de natación Kallipolis. Sobre la una y media de la noche, la actriz se empezó a sentir mal y se requirió la asistencia del servicio médico, que trató de reanimarla hasta que no se pudo certificar más que su muerte, cuya causa será determinada por la autopsia que se le practique.

“Incansable luchadora por sus ideales y creencias”

En un comunicado difundido este viernes, su familia y amigos destacan “su notable actuación y carisma”.“No solo fue una actriz y artista talentosa, sino una incansable luchadora por sus ideales y creencias”, indica el escrito, que ensalza “su contribución al mundo del arte y su incansable trabajo por la igualdad y la justicia social”.

“Enfrentó cada desafío con una determinación y un coraje que inspiraron a muchos”, añade la familia, que pide respeto a su privacidad durante el periodo de duelo.

De 'Vis a vis' a 'Operación Triunfo': una vida entre el cine, las series y la TV

Estuvo muy ligada al mundo de la televisión, en el que trabajó para series como Vis a vis (2018), donde dio vida a Goya, uno de sus personajes más recordados. También fue profesora de interpretación de la Academia de Operación Triunfo 2018.

Nacida en Barcelona en 1977, hizo sus primeros trabajos como intérprete en la película Noche de fiesta (2002) y en las series El cor de la ciutat y Algo que celebrar.

Tras participar en otras producciones como Blancanieves y La sexta alumna, en 2017 protagonizó Pieles, el largometraje de Eduardo Casanova por el que fue nominada al Goya en la categoría de Mejor actriz revelación.

En 2018 llevó a cabo uno de sus papeles más recordados en la exitosa serie de Antena 3 Vis a vis, donde dio vida a Goya Fernández. Después tuvo papeles más o menos destacados en Benidorm, Por H o por B, Érase una vez... pero ya no y La que se avecina.

Su paso por la televisión estuvo marcado por Operación Triunfo. Se incorporó al programa en 2018 como profesora de interpretación de la Academia, tarea que hasta entonces venían desempeñando Javier Ambrossi y Javier Calvo. Un mes después dejó el talent show por decisión de Gestmusic, productora de OT.

Netflix estrena este viernes 13 de enero la tercera y última temporada de Sky Rojo. La serie creada por Álex Pina y Esther Martínez Lobato llega a su desenlace con “una traca final mucho más potente a nivel emocional y de acción”, asegura Asier Etxeandia durante su entrevista con verTele.

El actor vasco vuelve a interpretar a Romeo, el proxeneta que va detrás del trío formado por Coral (Verónica Sánchez), Gina (Yani Prado) y Wendy (Lali Espósito), aunque ellas tampoco se lo pondrán fácil.

“[Esta temporada aprendimos] cosas tipo buceo o jiu-jitsu... Ahora soy increíble. No se metan conmigo”, avanza entre risas Lali Espósito sobre una temporada en la que ella y sus compañeras tendrán como oponente a Darwin, el nuevo sicario de Romeo, al que da vida Tiago Correa. “Es un sádico, un asesino que ama matar (...) Un gozador de la muerte”, explica el chileno.

Junto a él, la otra novedad es la del cantante Rauw Alejandro, que debuta aquí como actor. “Le hemos cuidado”, presume Etxeandia, para el que el buen trato humano es esencial en rodaje. “La gente que más trabaja y más dura en el tiempo al final es la que mejor trata a los compañeros y da gusto trabajar con ella”, afirma al respecto.

Además, también defiende la idoneidad de no hacer dos proyectos iguales. Algo en lo que coincide Lali Espósito. “Por más que esté guay, si siento que me estoy repitiendo en algún punto hay algo incómodo para mí”, dice la artista argentina.

PZ/NO

Smiley es la nueva serie española LGTBIQ+ de Netflix. Protagonizada por Carlos Cuevas y Miki Esparbé, la ficción adapta la obra homónima teatral de Guillem Clua, y se estrena en la plataforma de streaming este miércoles 7 de diciembre.

La serie cuenta la historia de Álex y Bruno. Álex (Carlos Cuevas) sufre de desamor después de haber tenido una cita con un chico que le gustaba de verdad. Sin embargo, este parece haber desaparecido del panorama terrenal, y no contesta a ninguno de sus mensajes. Por ello, Álex decide llamarle para desahogarse y expresar todo lo que sentía por él.

Sin embargo, marca el número incorrecto, y por cosas del destino, el mensaje acaba en el buzón de voz de Bruno (Miki Esparbé), quien lo escucha y decide devolverle la llamada. Siendo este gesto el inicio de encuentros y desencuentros amorosos entre ambos personajes que tendrán que hacer frente a problemas personales y de comunicación para poder darse una primera oportunidad para estar juntos.

La liberación de las cadenas

Dirigida por David Martín Porras y Marta Pahissa, la serie parece prometer inicialmente mucho más de lo que acaba ofreciendo. Su estructura amorosa arquetípica de desencuentros y encuentros termina difuminando cualquier buena intención de diferenciarse de otras series en lo que a calidad de guion se refiere. Su duración de 8 episodios termina siendo un “estirar el chicle” con dificultades repetidas hasta la saciedad que podrían solucionarse con una palabra: Comunicándose. Y es que los problemas de comunicación entre los personajes de la ficción es la principal traba a la que tienen que hacer frente en sus distintos niveles y tramas.

Sin embargo, si hay algo que la serie trata de conseguir y sí parece que lo hace, es la ruptura de estereotipos que rodean a la comunidad LGTBIQ+. Lo consigue principalmente con su trama protagonista, la de Álex y Bruno, mientras que las secundarias tratan de poner su granito de arena.

Es por ello que su trabajo principal parece centrarse en la ruptura de cadenas y clichés dentro de la comunidad, alejándose de estereotipos para tratar de contar una historia de amor que represente la realidad, y que se aleje de prejuicios y de la toxicidad de las apps de citas que catalogan a sus usuarios con etiquetas. Así es como Álex y Bruno se presentan a sí mismos como clichés, cada uno muy distinto al otro. Y es la progresiva eliminación de las capas superiores las que les permiten acercarse mutuamente, destruyendo toda esa coraza de prejuicios que se parecía observar al inicio.

Este es un objetivo más que conseguido por la serie, que respira naturalidad y frescura en sus historias que se van elaborando de manera orgánica. Y pese a ello, aunque la destrucción de clichés dentro de la comunidad es una tarea más que lograda, las relaciones de amor acaban cayendo en los estereotipos cotidianos de las historias románticas.

Tropezar con la misma piedra

Smiley tropieza, y lo hace en numerosas ocasiones, con la misma piedra. La historia de ambos protagonistas, en cuanto al amor se refiere, supone una réplica de otras comedias románticas que hemos visto en numerosas ocasiones. No logra diferenciarse de estos productos, y su conocida estructura termina por difuminar la experiencia en lo que a empatizar con los protagonistas se refiere, ya que el tropiezo una y otra vez en clichés amorosos conocidos termina llevando a la desesperación y al agotamiento.

Por ese motivo, no es una ficción realmente innovadora, más bien podría resumirse como un producto ligero y simple, perfecto para aquel espectador que busque comerse el mismo turrón de cada Navidad. Quien disfrute de los encuentros y desencuentros amorosos típicos de las comedias románticas, sin duda disfrutará la serie como al abrir un regalo de Navidad del que ya conoces el contenido. Para quién busque algo más, puede que tras finalizar el producto no acabe realmente saciado.

A pesar de ello, la historia de Álex y Bruno funciona, y juntos tienen varias escenas que lucen con un brillo particular de emoción, como un cálido abrazo al espectador que sonreirá levemente al verlas en pantalla.

Una equilibrada balanza de errores y aciertos

La dirección de David Martín Porras y Marta Pahissa consigue ofrecer una balanza equilibrada entre aciertos y errores. Su labor se luce a la hora de planificar los movimientos de cámara para dar cabida a los distintos relatos entre las multitudes, logrando un gran control del foco y la puesta en escena, y a la vez conseguir narrar sin pausa y de forma ligera sin que el resultado parezca metódico y demasiado artificioso.

En estas escenas tan pobladas de gente se logra transmitir el sentimiento de inmediatez del teatro, logrando que la secuencialidad de las acciones no parezcan planificadas, sino naturales y realizadas en el instante, logrando meter de lleno al espectador en el universo de la escena.

No obstante, no todo es positivo, y es que la ficción peca de recursos artificiales que le restan naturalidad al relato. Este se llena de elementos barrocos, como flashforwards, que no funcionan una vez que ya repites el recurso, y más si encima lo haces al instante. Estos se ejecutan en apoyo a la narrativa interior de los personajes, en lo que acaba siendo una inmensa sobre-explicación de sus sentimientos. En su lugar, haber confiado más en la labor interpretativa de sus protagonistas hubiera sido más útil y remaría más en favor de la historia que estas herramientas que, aunque el lenguaje cinematográfico permita su empleo, en esta ocasión acaba afectando a la naturaleza de la narración.

Por otro lado, el añadir nuevas tramas le permite a la obra teatral alargar su duración lo suficiente para convertirse en una serie de Netflix. Pero el valor reside en la creación de estas para sumar a la historia principal, o para apoyar la crítica social de la serie. En ese aspecto, las tramas se sienten bien incrustadas en la narración, y suman al conjunto.

Un tándem perfecto

Smiley goza de una buena interpretación por parte de todo su elenco, que consigue en numerosas ocasiones provocar algunas que otras carcajadas en el espectador. Sin embargo, la labor de sus dos actores protagonistas, Carlos Cuevas y Miki Esparbé, logra ponerse en el foco por su posición privilegiada.

El dúo de intérpretes funciona a la perfección, y a pesar de su notable diferencia de edad, su relación amorosa resulta convincente y no se siente extraña. Ambos gozan de carisma y cierta conexión que logra traspasar la pantalla, convirtiendo dichas escenas en algo especial y con magia. En conjunto, consiguen comunicar muy bien con la mirada, en particular Carlos Cuevas, quien en numerosas ocasiones traslada una mirada pura, humilde y con cierto brillo al espectador.

El trabajo de ambos se resume en un perfecto tándem para esta serie de Netflix, siendo ellos el principal motor de una serie que, sin mucho que aportar al género romántico, consigue ser entretenida y ligera para aquellos que busquen un producto con el que distraerse esta Navidad, pero sin ser muy trascendental.

Contenido de verTele! para elDiario.es