Más de 80 artistas, entre los que se encuentra Javier Bardem, el guionista Paul Laverty y actrices como Tilda Swinton, firmaron una carta dirigida a la Berlinale ante la posición del festival respecto al genocidio en Palestina, un hecho que el certamen no condena desde hace años y que se fue enquistando en cada edición que ocurre. La carta, que publicó en exclusiva Variety, pide al certamen y a todas las instituciones que “se nieguen a ser cómplices de la terrible violencia que continúa desplegándose contra los palestinos”. 

Además, se manifiestan muy preocupados por “la participación de la Berlinale en la censura de artistas que se oponen al genocidio israelí contra los palestinos en Gaza y al papel clave del Estado alemán en permitirlo”. Hacen referencia a unas declaraciones del Instituto de Cine Palestino, que aseguró que el festival estuvo “vigilando a los cineastas, además de mantener el compromiso de colaborar con la Policía Federal en sus investigaciones”.

“El año pasado, cineastas que se manifestaron a favor de la vida y la libertad palestinas desde el escenario de la Berlinale denunciaron haber sido duramente reprendidos por los principales programadores del festival. Se informó que un cineasta fue investigado por la policía, y la dirección de la Berlinale insinuó falsamente que su conmovedor discurso, basado en el derecho internacional y la solidaridad, era ‘discriminatorio’”, recuerdan en su comunicado. Por ello se solidarizan con sus “colegas en el rechazo a esta represión institucional y al racismo antipalestino”.

También se refieren a las palabras del presidente del jurado, el cineasta alemán Wim Wenders, que el primer día del certamen aseguró que el cine es “lo opuesto a la política”. “No se puede separar una cosa de la otra”, opinan los artistas. “Todo esto en un momento en que conocemos nuevos y aterradores detalles sobre los 2.842 palestinos ‘evaporados’ por las fuerzas israelíes utilizando armas térmicas y termobáricas de fabricación estadounidense, prohibidas internacionalmente. A pesar de la abundante evidencia de la intención genocida de Israel, sus crímenes atroces sistemáticos y su limpieza étnica, Alemania continúa suministrando a Israel armas utilizadas para exterminar a los palestinos en Gaza”, añaden.

Ponen ejemplos de otros festivales que “respaldaron el boicot cultural al apartheid israelí, incluyendo el Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam, el más grande del mundo, así como el Festival de Cine BlackStar de Estados Unidos y el Festival de Cine de Gante, el más grande de Bélgica”. Además, se acuerdan de los “más de 5.000 profesionales del cine, incluyendo importantes figuras de Hollywood e internacionales, que también han anunciado su negativa a trabajar con compañías e instituciones cinematográficas israelíes cómplices”.

Por ello no entienden que “la Berlinale ni siquiera haya cumplido hasta la fecha las demandas de su comunidad de emitir una declaración que afirme el derecho palestino a la vida, la dignidad y la libertad; condene el genocidio israelí en curso contra los palestinos; y se comprometa a defender el derecho de los artistas a expresarse libremente en apoyo de los derechos humanos palestinos”. “Esto es lo mínimo que puede —y debe— hacer”, zanjan.

Recuerdan que, además, Berlinale sí hizo declaraciones en el pasado contra “las atrocidades cometidas contra los pueblos de Irán y Ucrania”. “Pedimos a la Berlinale que cumpla con su deber moral y declare claramente su oposición al genocidio de Israel, los crímenes contra la humanidad y los crímenes de guerra contra los palestinos, y que ponga fin por completo a su participación en proteger a Israel de las críticas y de los pedidos de rendición de cuentas”, concluyen. 

La carta fue firmada por actores y actrices como Bardem, Swinton, Tatiana Maslany o Tobias Menzies, además de cineastas como Nan Goldin o Adam Mckay.

Con la excepción de potencias audiovisuales como Estados Unidos, Francia o Alemania (que en este caso juega de local), son muy pocas las cinematografías que tienen seis películas en la programación de la Berlinale, cuya 74ª edición continuará hasta el próximo domingo 25 de febrero. Y el cine argentino consigue este respaldo internacional justo en momentos en que enfrenta un duro cuestionamiento en el frente interno, a partir del proyecto del Gobierno nacional de cambiar la legislación del sector y limitar los fondos que recibe el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA).

En medio de múltiples muestras de apoyo (antes y durante esta Berlinale) por parte de una comunidad artística internacional que considera al cine argentino como una referencia de calidad y diversidad, los directores, productores, intérpretes y otros representantes de las seis películas nacionales seleccionadas para el que está considerado como el segundo o tercer festival más importante del mundo (detrás de Cannes y a la par de Venecia) preparan para este martes 20, a las 11 de la mañana de allí, en el hermoso cine Arsenal de la capital alemana, un acto de denuncia y protesta en el que aparecerán con la bandera de “Cine Argentino Unido” y contarán con la participación de colegas de otros países que se acercarán para expresar su solidaridad.

Pero no todo es política en las calles y las sedes del festival para el cine argentino en esta Berlinale, ya que la cosecha 2024 que está mostrando en las distintas pantallas es particularmente rica y estimulante en lo artístico. La presencia es encabezada por dos títulos en Encounters, la segunda competencia oficial que prioriza las expresiones más audaces, radicales y provocadoras del cine de autor contemporáneo y en cuyo jurado participa el director Lisandro Alonso: Dormir con los ojos abiertos y Tú me abrasas.

Dormir con los ojos abiertos es el segundo largometraje en solitario de Nele Wohlatz, una directora alemana que se formó y vivió durante más de una década en la Argentina, donde en 2016 rodó su notable ópera prima El futuro perfecto. La nueva película también tiene como protagonistas a jóvenes de origen chino que han vivido en Buenos Aires, pero la acción transcurre en una ciudad costera de Brasil como Recife. En medio del calor, de un clima de Carnaval que les resulta ajeno, de mercados atestados, pero también en unas inmensas torres con vista al mar, Wohlatz seguirá las misteriosas historias de dos muchachas cuyas vidas se terminarán vinculando de manera azarosa. Nahuel Pérez Biscayart, que se luce hablando a la perfección tanto mandarín como portugués, y Gerardo Naumann, como un traductor argentino radicado en Brasil, son los aportes nacionales a un elenco en su mayoría chino para esta coproducción que en la parte brasileña tiene como socio al prestigioso director Kleber Mendonça Filho (Aquarius, Bacurau).

La otra película que compite en Encounters es Tú me abrasas, el nuevo trabajo del prolífico Matías Piñeiro. El director de Rosalinda, Viola, La princesa de Francia, Hermia & Helena e Isabella abandona las películas inspiradas en las comedias de William Shakespeare, aunque no la literatura como fuente de inspiración (y apropiación), ya que su flamante film combina con una apuesta siempre audaz y por momentos experimental un capítulo de Diálogos con Leucó, del italiano Cesare Pavese, con poemas (en verdad los pocos fragmentos que se conservan) escritos por Safo, una poetisa griega de la época arcaica. Como en trabajos previos, hay un apuesta lúdica y metacinematográfica a la que las actrices (Gabi Saidón, María Villar, María Inês Gonçalves, Agustina Muñoz y Ana Cris Barragán) se prestan con la naturalidad y convicción de siempre.

La producción nacional también tiene presencia este año en la Competencia Oficial de Cortometrajes, ya que entre los 20 títulos que aspiran al Oso de Oro de la categoría está Un movimiento extraño, tragicomedia en la que Francisco Lezama (director de La novia de Frankenstein y Dear Renzo) narra las desventuras de Lucrecia (Laila Maltz), una joven que trabaja como guardia de seguridad en un museo. Sin embargo, cuando unos mensajes eróticos saltan a la luz ella es despedida y con el dinero de la indemnización (estamos en la Buenos Aires de 2019) compra dólares justo antes de una fuerte devaluación. Además, en medio de su afortunada inversión conoce a un joven que trabaja como “arbolito” para una casa cambio (Paco Gorriz) con el que iniciará una particular relación. Una historia agridulce, con algo de ese humor absurdo y asordinado propio del cine de Martín Rejtman, que en sus mutantes e imprevisibles 22 minutos describe el desconcierto de un pasado reciente pero igualmente reconocible.

En el apartado Generation Kplus, reservado a películas sobre adolescentes, se proyecta Los tonos mayores, el único de los seis títulos nacionales que no es un estreno mundial, ya que se exhibió (y fue premiado) en la Competencia Argentina del último Festival de Mar del Plata. La enigmática y excéntrica ópera prima de Ingrid Pokropek sigue a Ana (Sofía Clausen), una joven de 14 años que en uno de sus brazos tiene una prótesis metálica producto de un accidente y a través de ese implante empieza a tener reacciones y a establecer contactos poco normales. Un film de iniciación adolescente con un misterio por resolverse y que se permite jugar tanto con lo fantástico como con la comedia absurda.

La representación argentina se completa con dos largometrajes presentados en prestigiosas secciones paralelas: Reas, segunda película de Lola Arias, en el Forum; y Ciudad Oculta, de  Francisco Bouzas, en la Semana de la Crítica.

Esa multifacética escritora, dramaturga, directora de teatro, curadora, artista plástica y música que es Arias regresó tras seis años al cine con Reas, proyecto que recupera, potencia y amplifica algunas ideas y búsquedas que ya había trabajado en la elogiada Teatro de guerra, aquella mixtura entre documental, ficción y teatro con veteranos argentinos e ingleses de la guerra de Malvinas también estrenada en la edición 2018 del Forum de la Berlinale. En este caso, reúne a un grupo de expresidiarias cis y trans para que se interpreten a sí mismas y revivan sus experiencias, recuerdos y fantasías en un film rodado en su mayor parte en la hoy abandonada cárcel de Caseros y que en varios momentos apela a escenas musicales que convierten las zonas más sórdidas y angustiantes del relato en una propuesta más lúdica y catártica.

Por su parte, Ciudad Oculta es el nuevo y perturbador film de Francisco Bouzas, quien viene trabajando desde hace bastante tiempo con artistas de esa compleja zona de Villa Lugano. Tras el asesinato de un joven futbolista, su amigo Jonás empieza a tener sueños recurrentes con él y trata de encontrar una suerte de portal para adentrarse en la ciudad de los muertos. El director de La cuarta dimensión nos traslada del más puro realismo, que va desde casos de gatillo fácil hasta la esforzada y creativa participación de los jóvenes en un grupo de murga del lugar, a un universo fantástico donde habitan fantasmas y se producen extraños reencuentros.

DB/MG

La influencia y el poder de la Iglesia Católica en Irlanda dejó heridas y traumas. Los abusos por parte de la institución fueron una tónica más habitual de lo que parecía, y el tiempo fue pateando y aireando los secretos escondidos bajo la alfombra durante demasiado tiempo. Tras nueve años de investigación en Irlanda se estimó, en 2018, que más de 400 curas habían abusado de 25.000 menores.

Pero no eran solo los curas los responsables de los presuntos delitos. Los irlandeses pusieron la mirada sobre las Hermanas de la Misericordia cuando se descubrió que sus lavanderías y asilos, donde recibían a madres solteras, prostitutas o mujeres que habían perdido la virginidad antes del matrimonio, eran en realidad una tapadera donde presuntamente explotaron, maltrataron y vejaron durante años a aquellas jóvenes. Un caso que se alargó hasta comienzos de los años 90, cuando se encontraron los restos de 155 cadáveres en los terrenos de uno de sus conventos. Las monjas habían creado una fosa común donde había cuerpos de mujeres y bebés. Hasta 1996 siguieron en activo dichas instituciones. El Gobierno irlandés emitió una disculpa por los abusos en el año 2013.

Las cicatrices de los abusos de la Iglesia siguen abiertas y eso se demostró en la inauguración de la Berlinale, que abrió una edición de marcado carácter político con Small Things Like These, filme que adapta la novela de Claire Keegan que fue finalista del premio Booker y que cuenta esta terrible historia desde el punto de vista de un repartidor de carbón al que pone su rostro anguloso Cillian Murphy, sin duda uno de los actores del momento y que con esta puesta de largo en Berlinale sigue construyendo su momento en la lucha por el Oscar al que opta por Oppenheimer. Un premio que está entre él y Paul Giamatti y donde cada acto cuenta. Por eso, esta apertura del Festival de Berlín se antoja más que apropiada para poder afianzar la que sería su primera estatuilla.

Le dirige Tim Mielant, que ya lo hizo en la serie Peaky Blinders, y que coloca a Murphy en el centro de una película que aborda el tema de forma sobria y elegante. Sin estridencias. El actor regresa a su país natal para ahondar en uno de sus traumas recientes, igual que lo hiciera con la guerra de la independencia irlandesa en El viento que agita la cebada, la película de Ken Loach. Su mirada perdida, su capacidad de expresar sin palabras que tan bien explotó Nolan en su último filme, vuelven a funcionar en esta historia que abre de forma más que correcta una Berlinale marcada por la política como se notó también en las conferencias de prensa del primer día.

Murphy calificó este suceso real como “un trauma colectivo, particularmente para personas de cierta edad”, y cree que todavía lo están procesando en la sociedad irlandesa, pero apuntó a la importancia del cine para afrontar la memoria histórica y estas realidades. “Creo también que el arte puede ser un bálsamo realmente útil para cerrar esa herida. El libro lo leyó todo el mundo en Irlanda, y hay algo irónico en el libro, porque trata de un hombre cristiano que intenta realizar un acto cristiano en una sociedad cristiana disfuncional, y a la vez plantea muchas preguntas sobre la complicidad, el silencio, y la vergüenza”, apuntó el actor.

No creo que unos artistas puedan hablar sobre Gaza, sobre Ucrania y sobre cinco tipos de la AfD en una rueda de prensa. Estamos aquí para ver películas

Christian Petzold — Cineasta

A su lado se encontraba Matt Damon, que produjo junto a Ben Affleck este filme con su nueva compañía con la que intentarán oponer resistencia a una industria llena de superhéroes y franquicias. “Nuestra sensación, y permanecerá hasta que nos quedemos en quiebra, es que hacer una buena película es el antídoto ante estas cosas”, dijo Damon. Eso sí, para Murphy el arte, y ellos mismos, no deben “responder esas preguntas, sino provocarlas”.

De esa opinión son también los miembros del jurado, que en una tensa conferencia de prensa fueron preguntados por todos los temas de la agenda política del momento. Por supuesto se habló de la ausencia de la extrema derecha, donde el alemán Christian Petzold se cuestionó si quizás no invitar a los cinco miembros de AfD había sido un error, pero también se habló sobre si el festival debía dar un paso más y pedir el alto el fuego en Gaza. En el jurado, de hecho, había dos artistas que ya lo habían pedido, como el propio Petzold y la presidenta, Lupita Nyong’o, pero ninguno quiso arriesgar más sobre el asunto. “No creo que unos artistas puedan hablar sobre Gaza, sobre Ucrania y sobre cinco tipos de la AfD en una rueda de prensa. Estamos aquí para ver películas”, dijo el cineasta alemán que se manifestó “a favor de la paz y a favor del diálogo”.

Dio la puntilla el director catalán Albert Serra. “No soy Jesucristo, no tengo soluciones”, dijo el autor de Pacifiction que vivió uno de los momentos más comentados cuando se le recordó una declaración de una entrevista de 2018 donde el cineasta manifestaba su “fascinación” por Putin y que quería ser espía ruso. Le preguntaron si se retractaba sobre aquello. “También dije que quería ser el Papa en Roma”, dijo para mostrar que aquello no era más que una de sus provocaciones y que “la realidad es más compleja que decir que hay buenos y malos”. “Creo que la política real es mucho más compleja e interesante que decir aquí si considero si alguien es bueno o malo”, puntualizó. 

Sus compañeros en el jurado salieron en su defensa. Zanjó el tema la escritora ucraniana Oksana Zabuzhko, que salió al paso con ironía al señalar que el catalán había comprado su último libro sobre la guerra: “Espero que en estos días se eduque al respecto”. Todo en las primeras horas de una Berlinale que sigue marcada por la tensión política.

JZ/CRM

El canal Arte le propuso a Paul B. Preciado realizar un documental sobre él. Una autobiografía filmada. El filósofo español pensó que para qué iba a escribir y hablar sobre una vida que ya se había contado mejor. La vida de Paul B. Preciado y la de tantas mujeres y tantos hombres trans la contó Virginia Woolf en 1928 en Orlando. La autora habló casi un siglo antes de que la Ley Trans se aprobara en España de la transición, de lo queer, de los prejuicios, del juicio de una sociedad, de la presión de unas instituciones para las que todo es binario, para las que no tener un papel que diga si eres hombre o mujer es motivo de marginación y burla.

Orlando es una obra icónica para el colectivo trans y ya tuvo una versión cinematográfica, la que realizó Sally Potter en 1992 con Tilda Swinton como protagonista. Los tiempos cambiaron, y el momento actual de cambio y de activismo del colectivo pedía a gritos una revisión. No tenía sentido una visión académica y protagonizada por una actriz cis. Por eso se antoja importante, necesaria y valiente la nueva mirada de Paul B. Preciado sobre el clásico en Orlando, ma biographie politique, su debut en la dirección que se pudo ver en la sección Encounters del festival de Berlín.

Este Orlando es la biografía del filósofo y ahora director, pero es mucho más, es la biografía de tantas personas que no han tenido dónde contar su historia. Que no han sido escuchadas. Que han sido sometidas a la tortura de unos psicólogos que tenían que dejar por escrito que estaban enfermos para que se les hiciera caso cuando pedían cambiarse de género. Para Preciado el género es un constructo, una ficción, igual que una ficción es su película, e igual que una ficción es el pasaporte o el DNI que dice si somos hombre o mujer, sin que haya nada en medio. Categorías estancas que dejan a mucha gente fuera.

En su película hay muchos Orlandos. Muchas historias reales que miran a cámara, dicen su nombre y dicen que en esta película ellos serán Orlando. Su historia real se intercala con fragmentos del libro de Virginia Woolf, y de su mezcla surgirá un nuevo libro, una nueva ficción que toma los mimbres del clásico y las miradas de los Orlandos reales. “Toda vida individual es una historia colectiva”, se escucha en la película. Y estas vidas individuales se convierten en collage colectivo para representar a todas y todos. 

Trabajadoras sexuales, jóvenes a los que les dijeron que su problema era que no aceptaban su obesidad para no dejarlos ser quienes eran realmente. Todos ellos son Orlando y todos ellos reescriben la obra original con sus testimonios. Preciado los viste de época, muestra el artificio del rodaje, pero nunca deja de innovar y crear. Hay números musicales sobre la hormonación, momentos de una belleza que impresiona y decisiones estéticas (y éticas) originales y brillantes, como esa operación del libro de Virginia Woolf en la que se sustituyen las ilustraciones originales por fotografías de las personas reales. Personas que han decidido operarse, personas que han decidido no operarse. 

En ese instante se produce un momento único, cuando el propio Paul B. Preciado pone una imagen de cuando era una niña en Burgos delante de dos cabezudos, un hombre y una mujer, símbolos del binarismo que él quiere derribar. Símbolos de una España reaccionaria donde ella no encajaba. Como deja claro el título esta es una biografía política, porque toda biografía lo es, pero también es un canto de esperanza. Lo es en forma de final emocionante, con esos niños y niñas que escuchan el discurso de Elsa, la niña trans que en 2019 en la asamblea extremeña pidió leyes que impidieran la marginación y el bullying a su colectivo.

Preciado también hace una defensa de esa etiqueta, trans. Las personas a las que da voz la reivindican. No quieren ser solo un hombre o una mujer, sino que quieren ser una ‘mujer trans’, porque en su camino ha habido mucha lucha, mucho sufrimiento, y quitarla sería eliminar todo lo luchado hasta ese momento.

En su biografía política hay espacio para el humor, para la emoción, para la crítica y hasta un recuerdo para Godard. Una destrucción de los géneros cinematográficos por parte de un filósofo que quiere destruir los géneros (masculino y femenino). Su Orlando termina con un cameo a la altura de la propuesta, el de una Virginie Despentes, que ya prologó su libro Un apartamento en Urano, que aparece como jueza que otorga, en la película, ese papel que acredita una identidad que el estado les niega y que los convierte en centro de ataques. “Por los poderes que me han confiado Virginia Wolf y la literatura, otorgo la ciudadanía y la no binaridad”, dice la jueza Despentes en un momento luminoso, feliz y, cómo no, político.

Cine libérrimo, arriesgado y que golpea con la palabra de todos esos Orlandos que, como reza la sinopsis oficial “arriesgan su vida a diario al verse obligado a enfrentarse a las leyes gubernamentales, la historia y la psiquiatría, así como a las nociones tradicionales de la familia y el poder de las compañías farmacéuticas”, porque “el cambio ya no se trata solo de género, sino también de poesía, amor y color de piel”.

JZ

Sean Penn se sintió atraído por la figura de Zelenski desde que ganó de forma aplastante las elecciones en Ucrania. Un actor y showman de la televisión se presentaba como candidato a presidente y arrasaba en el primer intento. ¿Cómo había convencido aquella estrella del entretenimiento a todo un país? Su discurso contra las élites y los oligarcas le apeló de forma directa y junto al codirector Aaron Kaufman decidió realizar un documental centrado en su figura cuya meta era poder entrevistarle.

En la preparación del filme, la tensión entre Rusia y Ucrania y la posibilidad de una invasión comenzó a crecer, y la película giró para intentar explicar lo que estaba ocurriendo, para dar un contexto a ellos mismos, que se habían dado cuenta de que no tenían ni idea de lo que ocurría entre ambos países.

Penn se desplazó con su equipo la semana antes de que comenzara la guerra para realizar la ansiada entrevista y la invasión los encontró en Kiev, esperando a Zelenski. Su documental sobre el fenómeno mediático y político se convirtió en un filme sobre la guerra que lo tiene a él en un excesivo primer plano y que se convirtió en el evento más mediático del Festival de Berlín. En Superpower vemos a Penn como estrella absoluta, bebiendo y fumando mientras espera a Zelenski, que los recibe la noche que Putin anunció la invasión. El actor se rinde ante él, y este filme es su regalo al presidente y a los ucranianos. Superpower muestra la preparación de la entrevista, pero también cómo el actor tuvo que huir por la frontera con Polonia en los primeros compases del conflicto y su posterior compromiso con Ucrania.

El actor hasta le regaló a Zelenski uno de sus Oscar para que lo fundiera, algo sobre lo que fue preguntado en la conferencia de prensa del filme, la más multitudinaria de la Berlinale y en la que Penn apareció con una gorra de su puesto de tacos favorito de Hawai. “El Oscar está en su oficina y que lo funda cuando quiera, eso ya está hecho y fue un gesto simbólico entre dos amigos”, dijo y aprovechó para atacar a la Academia de Hollywood por no permitir al presidente ucraniano aparecer en la ceremonia de los Oscar del año pasado: “Me provocó vergüenza hacia la Academia que eligieran a Will Smith pegando a Chris Rock en vez de tener en la gala al símbolo más grande del cine y de la humanidad en la actualidad. Ellos se lo perdieron”.

Penn dejó claro que Superpower “no es una película ambigua, porque esta no es una guerra ambigua”, y definió su filme como “una guía para idiotas sobre por qué hay que apoyar a esta gente”. En el filme, Zelenski critica abiertamente al presidente de Estados Unidos, Joe Biden, por no dar todo el material de guerra necesario para defenderse, y Penn repitió el argumento de su amigo. No se jugó sobre si Ucrania debe entrar ya en la OTAN, pero si repitió que “esté o no esté en la OTAN, deben considerarse todas sus peticiones”. “No están pidiendo tropas, solo piden material para defenderse de una invasión y defender a su gente, que fue invadida”, añadió Penn que se refirió a Putin como “un criminal de guerra”.

Definió a los soldados ucranianos como “héroes que no tuvieron elección para empuñar las armas” y para el pueblo ucraniano dejó la comparación más sorprendente. “Los Beatles fueron unos grandes comunicadores y conectaron con el corazón del mundo, y ahora sentimos el abrazo y el coraje de Ucrania. Ucrania es para el mundo como los Beatles en este momento, y deberíamos seguir tocando este disco hasta que tengan su día de la victoria”, explicó.

Esté Ucrania o no esté en la OTAN deben considerarse todas sus peticiones. No están pidiendo tropas, solo piden material para defenderse de una invasión

Sean Penn — Actor y director de cine

Penn fue preguntado por su posicionamiento claro, y si no creía que al entrar de forma tan frontal en el conflicto se había convertido en parte de la propaganda, y tuvo claro que no le importaba mientras estuviera en el lado bueno de la historia: “La palabra propaganda se puede usar para despreciar, yo quiero mostrar la verdad de lo que ocurre en Ucrania, eso sin lo cual no vale la pena vivir, así que si eso es lo que significa, entonces estoy muy feliz de ser considerado propagandista”, zanjó y negó cualquier posibilidad de que se presentara como político. “No serviría porque solo tengo una cara”, lanzó con sorna.

El actor describió la sensación que lo embargó al conocer a Zelenski, con el que sintió una amistad desde el primer minuto, horas antes de que llegaran los primeros bombardeos. “Fue una forma emocionante de empezar a conocer a alguien. Normalmente el afecto se construye con el tiempo, excepto con mis hijos, que estuvo desde su nacimiento, y ese sentimiento de encontrar un gran corazón lo sentí al momento de conocer a Zelenski”, contó sobre esa primera vez y confesó que tiene miedo de que le ocurra algo al ser “el objetivo número uno junto a su familia”. Una relación que Superpower retrató en directo, y que convirtió a Sean Penn en el mayor embajador de Ucrania durante estos meses, una labor que sigue desarrollando cuando se cumple un año de aquella invasión.

JZ

La actriz estadounidense Kristen Stewart presidirá el jurado internacional de la próxima edición de la Berlinale, que se celebrará entre el 16 y el 26 de febrero, según anunciaron este viernes los responsables del festival internacional de cine de la capital alemana.

“Estamos entusiasmados por que Kristen Stewart asuma esta distinguida tarea. Es una de las actrices con más talento y polifacética de su generación”, señaló la Berlinale en un comunicado.

“Joven, brillante y con una impresionante carrera, Kristen Stewart es el puente perfecto entre Estados Unidos y Europa”, declararon sobre la decisión los codirectores del evento, Mariette Rissenbeek y Carlo Chatrian.

Stewart, conocida mundialmente sobre todo a partir de su interpretación en la serie Crepúsculo (2008-2012), participó en 2010 en el festival berlinés con la producción independiente Welcome to the Rileys, dirigida por Jake Scott.

Ese mismo año la actriz recibió el premio Orange Rising Star como mejor nueva intérprete en los premios británicos BAFTA.

En los últimos días la Berlinale anunció además que la edición número 73 del evento homenajeará con un Oso de Oro honorífico a su carrera al realizador, productor y guionista estadounidense Steven Spielberg.

En el marco de la ceremonia de entrega de premios, se proyectará en el Berlinale Palast su trabajo más reciente, The Fabelmans (“Los Fabelman”), una película con rasgos autobiográficos, en la que Spielberg repasa su infancia de forma muy personal. 

Con información de la agencia EFE