La última entrega de los premios Grammy tuvo el regreso de Trump al Gobierno de Estados Unidos como telón de fondo y las artistas, salvo contadas excepciones como Joy Villa, aprovecharon sus discursos y entrevistas para denunciar sus políticas discriminatorias. Como afirmó Leyre Marinas en su obra Fucked Feminist Fans, tras el estudio de más de cuatro décadas de la industria y la prensa musical, estamos ante una repolitización de las artistas y de la música popular que no se veía desde los años 90.

“No sé si es por mi cámara de eco de Instagram pero sí que creo que en esta ceremonia más allá de comentar los outfits tuvo muchísimo peso el discurso” reflexionaba Amaia Carreira tras ver la ceremonia de los Grammy y las reacciones en redes sociales y prensa.

Esta investigadora sobre estereotipos femeninos en la música pop y el fenómeno fan relataba para este medio una intuición compartida por muchas expertas y usuarias de redes como Antonio Rodríguez Molina, comunicador especializado en música y cultura queer: “Queda mucho por cambiar pero la gala me dejó con la sensación de que este año no solo se ha premiado a las artistas porque han hecho la mejor música, sino que también, ojalá, sus voces empiezan a ser escuchadas de verdad”.

Una ceremonia política

La noche de los Grammy se convirtió en una defensa de la comunidad LGBTIAQ+, especialmente de las personas trans y no binarias que están siendo perseguidas, en declaraciones y políticas, por el nuevo Gobierno. Artistas como Lady Gaga o Chappell Roan no solo visibilizaron y demandaron derechos para el colectivo sino que se preocuparon por reconocer su aporte a la música: “Yo no estaría aquí sin las mujeres trans”, declaró Roan.

La artista, que tras su paso por los Grammys fue coronada como la diva del momento, aprovechó su discurso para exigir mejoras en los derechos de las trabajadoras de la industria musical desde una reclamación transversal que iba más allá de los royalties para exigir la cobertura sanitaria. Así, Trump llega al Gobierno con una diva sentada al trono pop abiertamente queer, trans inclusiva, pro palestina y con un discurso que, parafraseando el debate de Judith Butler y Nancy Fraser, habla de representación pero también de redistribución.

Rodríguez destaca asimismo el discurso de Alicia Keys que, en un contexto de machismo y misoginia gubernamental “reconoce el trabajo de artistas como Linda Perry, Missy Elliot, Solange, Grimes o ella misma como productoras”, y añade: “Un buen tirón de orejas a esta burbuja de hombres premiando a hombres por el simple hecho de dominar [el software] Pro Tools, cuando artistas como ella y tantas otras son multinstrumentalistas y compositoras”.

Otro gran momento de la pasada ceremonia lo protagonizó Doechii quien, al recibir el premio a Mejor álbum de rap, realizó un ejercicio de black herstory al recordar que desde que esta categoría se incluyó en 1995 solo dos mujeres, Cardi B y Lauryn Hill, habían sido galardonadas. La artista dedicó su premio a las mujeres y niñas negras: “No dejen que nadie proyecte en ustedes ningún estereotipo” y añadió “ni demasiado negras ni demasiado dramáticas ni demasiado chillonas”. Denunciaba así las discriminaciones y estereotipos más frecuentes sobre las mujeres negras, siendo consciente del impacto que su voz tenía especialmente para una parte de la audiencia que pudiera verse reflejada en su éxito y palabras especialmente en el actual escenario de racismo y xenofobia exacerbados que trajo el presidente con su regreso a la Casa Blanca.

A pesar de que desde sus primeras horas Trump apoyó el proyecto genocida y colonial de Israel, tal y como se siguió confirmando esta semana, el apoyo al pueblo palestino no se coló en esta edición de los Grammy como sí hizo el pasado año con la actuación de Annie Lennox en homenaje a la desaparecida Sinéad O'Connor que terminó con las palabras “artistas por el alto al fuego. Paz para el mundo” que fueron cortadas por la organización. La iniciativa Artistas por la paz estuvo también presente en la gala de 2024 en forma de pins que se colgaron algunas artistas como Boygenius.

“A mis hermanos y hermanas migrantes”

La cantante colombiana Shakira dedicó su premio a sus “hermanos y hermanas migrantes”: “Son queridos, merecen la pena y siempre lucharé con ustedes” y Alicia Keys, aprovechó su discurso para celebrar “la diversidad de voces”, en referencia a las personas migrantes, criticando que el Gobierno haya desmantelado los programas de Diversidad, Equidad e Inclusión.

La sensación de inseguridad de la comunidad migrante empeoró tras la aprobación de una ley, con apoyos del partido demócrata, para la detención obligatoria de migrantes con antecedentes de delitos menores, medida que fue denunciada por diferentes activistas por los riesgos de ser instrumentalizada para la persecución de migrantes y latinos.

En este clima, las propuestas de artistas latinas, como señala Sofía Conti, conocida como Flaca, analista cultural y musical en redes, tendrán aún más relevancia “simplemente” por su capacidad de reconocer y representar estas comunidades “porque nos estamos enfrentando a un momento en el que se nos niega la existencia, en el que literalmente hay gente diciendo que considera a los migrantes mexicanos como subhumanos” y afirmaba “cuanto más se presiona a las minorías, más respuesta va a haber a esa violencia mediante la creatividad”.

Del escenario a las redes

La ceremonia de los Grammy llegó tras unas semanas de intensas manifestaciones de las divas del pop en sus redes sociales mostrando su rechazo a las declaraciones y políticas del nuevo presidente y su Gobierno.

Las redes sociales por su inmediatez permiten a las artistas reaccionar de forma rápida, posicionarse sobre una cuestión con una mayor independencia y control sobre el mensaje así como dirigirse de forma directa a su fandom como hizo Madonna desde su cuenta de Twitter para sumarse a la preocupación por el desmantelamiento de derechos de la comunidad LGTBIAQ+ pero también para animar a sus miles de fans a “no abandonar la lucha”.

Las redes sociales ofrecen a su vez la oportunidad a las artistas de desbordar los discursos que pueden recoger los medios tradicionales. En el caso de la artista indie Lucy Dacus tras informar que donaría 10.000 dólares para cirugías de afirmación de género puso en cuestión el papel del estado en relación a la comunidad queer y animó al apoyo mutuo frente a los Gobiernos que “nunca serán la fuente de validación ni protección” afirmó.

Unos meses antes, Dua Lipa se sumó a la campaña “#Alleyesongaza” que precisamente tenía entre uno de sus objetivos romper el bloqueo mediático de parte de la prensa occidental al genocidio sobre el pueblo palestino. Acción por la que la artista inglesa de origen kosovar sufrió una gran presión, como denunciaron artistas como Susan Sarandon o Melissa Cabrera.

Los conciertos y la reclamación política

Los conciertos tanto por sus oportunidades performativas como por la exposición ante el público y los medios suelen ser aprovechados por las divas para trasladar tanto su propuesta artística como su agenda política.

Un ejemplo para Carreira es Beyoncé que convirtió su actuación en los MTV Video Music Awards de 2014 en una reivindicación feminista y que en su performance en la Super Bowl de 2016 incluyó referencias a los Panteras Negras. Es de suponer que en el actual contexto la artista, galardonada con el premio a Mejor álbum en los últimos Grammy, no vaya a abandonar esta línea ya que, en palabras de Rodríguez, “en su último trabajo, una de sus obras más políticas, realiza una revisión de los orígenes del country en la comunidad negra”. Con estas propuestas Beyoncé puede disputar tanto la misoginia y el racismo de Trump como, no sin debates, la hegemonía blanca en el feminismo mainstream.

Madonna, apunta Rodríguez, recuperó su activismo en la lucha contra el VIH en su última gira recordando a las víctimas de esta pandemia, un posicionamiento que conviene tener presente dado que el reelegido presidente amagó con paralizar un programa de ayuda internacional contra el VIH. El comunicador también recuerda como ejemplo la actuación de Ethel Cain en el Primavera Sound de 2024 que convirtió en una representación de apoyo al pueblo palestino.

Tras la retirada de la protección constitucional al aborto en 2022, Olivia Rodrigo estableció puntos de información en sus conciertos que incluían la píldora del día después, acción que tuvo que abandonar tras las presiones conservadoras, e invitó al escenario a Lilly Allen para interpretar con ella su canción F**CK You y dedicarla a los miembros del Tribunal Supremo. Lara Alcázar, jefa de campañas de PIAS Iberoamérica y analista musical, considera que en esta legislatura, con un presidente que afirma “volveremos a defender con orgullo a las familias y los derechos de los no nacidos”, será especialmente relevante el papel de las artistas que como Rodrigo se posicionan a favor de los derechos sexuales y reproductivos.

Un Gobierno que demanda “energía masculina”

“El mainstream o cultura de masas fue históricamente feminizado, es decir, fue percibida y representada como algo asociado con lo femenino y, muchas veces, devaluada en comparación con las formas de cultura consideradas 'elevadas' o 'masculinas'”, afirma Carreira. Para la investigadora esta devaluación explica que las opiniones, creaciones y posicionamientos políticos de personalidades mainstream, sobre todo cuando vienen de mujeres cis o de personas LGBTIAQ+, hayan sido tradicionalmente poco consideradas. Con ello además se consigue otro objetivo porque, según Carreira, “menospreciando las ideas, el gusto y el arte creado por las mujeres, los hombres pueden mantener las estructuras de poder que mantienen su dominio cultural, económico y social”.

“Esto ocurrió siempre”, afirma Alcázar, y pone como ejemplo a Dolly Parton que cantaba sobre el doble rasero con el que se juzgaba la sexualidad femenina o a Loretta Lynn que escribía canciones que eran “desahogo y manual de acción para las mujeres que estaban hartas de maridos borrachos que las maltrataban” pero que no son recordadas como figuras comprometidas políticamente, como recuerda esta experta musical.

Pero las artistas no están solas, también están sus fans. Bajo un Gobierno que convierte en política de Estado los discursos y prácticas de la manosfera las comunidades de fans aportan, como investiga Carreira, “un espacio de pertenencia y desafían el individualismo, elemento central del patriarcado y el capitalismo” especialmente, añade Rodríguez, para quienes están siendo directamente atacas por este Gobierno, como las personas racializadas, migrantes, las mujeres y disidencias sexo-genéricas que encuentran apoyo y referentes.

Así con un Gobierno que demanda “energía masculina” las divas, su música, performance y discursos pueden ser un refugio de comunidad y reconocimiento pero también un oxígeno para las redes de apoyo mutuo y activismo tanto por su capacidad para otorgar visibilidad como por potencialidad para recaudar fondos y disputar los marcos ideológicos del nuevo Gobierno. Dicho de otro modo, las divas pueden contribuir, al menos, a bajar el volumen del altavoz mediático de Trump.

Los Grammy se volvieron a rendir un año más ante la música creada por mujeres. La tendencia, que pone de manifiesto el peso y la influencia de las artistas femeninas en la actualidad, no solo marca un cambio de paradigma cada vez más evidente en una industria tradicionalmente dominada por hombres, sino también el camino reivindicativo al que quiere apuntar la Academia de la Grabación. Beyoncé, que buscaba rescatar y conmemorar las raíces afroamericanas de la música country con su ambicioso Cowboy Carter, fue la gran triunfadora de una noche que por fin le hizo justicia otorgándole su primer Grammy al Álbum del Año.

Las estatuillas logradas por la artista premian una obra que se sumerge en la olvidada herencia del country y que visibiliza a las personas negras que contribuyeron a forjar la música popular de Estados Unidos. La cantante homenajea así a los pioneros negros de un género que siempre ha tendido a ser muy conservador, evidenciando que, detrás de la imagen estereotipada del cowboy, en realidad existieron numerosos artistas afroamericanos que fueron fundamentales en el desarrollo del country pese a haber sido sistemáticamente marginados. “A veces pienso que el género es algo que intenta encasillarnos como artistas”, dijo Beyoncé, animando “a la gente” a hacer “lo que les apasione”.

Estas victorias son especialmente significativas para Beyoncé después de que, en los Premios de la Asociación de Música Country celebrados en noviembre, la intérprete de Texas Hold 'Em no consiguiera ninguna nominación, ni por el disco ni tampoco por la canción, que se convirtió en la semana de su lanzamiento en el primer tema country de una artista negra que logra el número 1 en Estados Unidos. La Academia de la Grabación, sin embargo, sí opta por seguir encumbrando la música femenina. En los 67 años de celebración de estos premios, los dos hitos más grandes de su historia los ostentan las dos mujeres de mayor impacto de este siglo: Taylor Swift, única persona con cuatro premios Grammy al mejor disco del año, el galardón más codiciado por cualquier artista; y Beyoncé, persona con más premios Grammy en general, alcanzando ya la cifra de 35.

Es por eso que, en una gala en la que todos los focos apuntaban hacia las mujeres, el momento más emocionante de la noche fue el saludo protagonizado entre Taylor Swift y Beyoncé, encima del escenario y frente a toda la industria musical. Un gesto que representa la sororidad femenina en tiempos en los que son ellas las protagonistas. Swift, que ya ganó el Grammy al Mejor Álbum Country por su brillante Fearless en 2010, fue la encargada de presentar este año una categoría que terminó ganando Beyoncé, otorgándole así la estatuilla y dejando una impresionante fotografía que queda para la posteridad.

Las categorías de canción, no obstante, fueron controladas en esta edición por Kendrick Lamar. El cantante triunfó con Not Like Us, su respuesta a los raperos de la industria y especialmente a Drake, y se hizo con el Grammy a la Canción del Año y el Grammy a la Grabación del Año. Hasta cinco gramófonos obtuvo la canción a lo largo de la noche.

La ceremonia tuvo muy presentes a los damnificados por la catástrofe forestal en Los Ángeles, de ahí a que se abriera con una alegre versión de I Love LA de Randy Newman, a manos de John Legend, Sheryl Crow, Brad Paisley, Brittany Howard y St. Vincent. Ellos, junto a Stevie Wonder o Chris Martin de Coldplay, fueron algunos de los artistas que se subieron al escenario para una actuación que sirviera de homenaje y ayudara a recaudar fondos.

Lady Gaga y Bruno Mars, que ganaron el Grammy a la Mejor Canción en Dúo por su Die With A Smile, formaron parte del homenaje interpretando California Dreamin. Los fondos recaudados durante la emisión se destinarán a proporcionar ayuda de emergencia, suministros esenciales y apoyo para la recuperación a largo plazo de los afectados por los incendios. Gaga también aprovechó su victoria para lanzar un alegato a favor de las personas trans: “No son invisibles y merecen ser amadas”.

Asimismo, la ceremonia también ha rendido tributo a Quincy Jones, el legendario productor de Thriller fallecido el pasado mes de noviembre. Will Smith, que ha hecho su primera aparición en una importante entrega de premios televisada después de sus fatídicos Oscar de 2022, ha sido el encargado de presentar una actuación que ha destacado por la bonita voz de Cynthia Erivo, acompañada de Herbie Hancock, interpretando Fly Me to the Moon.

Mucho se ha hablado sobre la rivalidad de Chappell Roan y Sabrina Carpenter en la categoría de Mejor Artista Nuevo. Ambas partían como favoritas tras haber liderado durante el 2024 la transformación de la escena pop que están llevando a cabo mujeres jóvenes como Gracie Abrams, Tate McRae o Madison Beer, y ninguna de las dos se ha ido a casa con las manos vacías.

El galardón que honra a la artista revelación finalmente se lo ha adjudicado Chappell Roan, quien viene de tener muchísimo éxito por su álbum debut The Rise and Fall of a Midwest Princess. La princesa de la Generación Z ha llevado a lo más alto canciones como Good Luck, Babe!, Hot To Go! y Pink Pony Club. Con una temática de circo y subida a un caballo rosa, Roan ha interpretado esta última en una de las actuaciones más coloridas de la velada. “Las discográficas tienen que tratar a sus artistas como empleados valiosos, con un salario digno, seguro médico y protección. Sellos discográficos, os tenemos a vosotros pero, ¿nos tenéis a nosotros?”, ha denunciado la cantante al aceptar el Grammy.

Por otro lado, Sabrina Carpenter, que empezó a dar el pelotazo desde que a finales de 2023 se convirtiera en telonera del The Eras Tour de Taylor Swift, y que terminó de explotar con el lanzamiento de Espresso a inicios de 2024, ha acabado la noche con tres Grammys, destacando los de Álbum Pop del Año y Canción Pop del Año. La artista presentó su trabajo con una actuación irónica y divertida interpretando Espresso y Please Please Please.

Otra de las actuaciones más destacadas de la ceremonia ha sido una que precisamente no estaba anunciada. “A lo largo de los años hemos escuchado, actuado y cambiado”, decía Harvey Jay Mason Jr., presidente de la Academia de la Grabación, para anunciar que The Weeknd se ha reconciliado con los Grammy. Tras sus acusaciones de “fraudulencia”, el cantante vuelve a confiar en estos premios y aprovecha para presentar su tema Timeless, perteneciente a su nuevo disco.

Una de las veteranas que se ha subido al escenario ha sido Shakira, quien ha actuado en la ceremonia 18 años después de hacerlo con su clásico Hips Don't Lie junto a Jean Threw. Esta vez ha interpretado su famosa colaboración con Bizarrap. La colombiana, que ha acudido a la gala acompañada de sus hijos, ha celebrado su cumpleaños con la victoria en la categoría de Mejor Álbum Pop Latino por Las mujeres ya no lloran. “Quiero dedicar este premio a mis hermanos y hermanas inmigrantes en este país. Sois amados y siempre lucharé por vosotros”, ha alegado Shakira al aceptar el galardón. Se trata del cuarto gramófono de su trayectoria musical.

Hacia el final de la velada ha tenido lugar la aceptación de Alicia Keys del Grammy honorífico al Impacto Global, por un “arte sin límites”, un “activismo que inspira cambios significativos” y una “influencia que ha moldeado profundamente la cultura”. “Cuando las fuerzas destructivas intenten tumbarnos, sigamos luchando. La música es un idioma imparable que nos conecta a todos Sigamos viviendo con pasión, con empatía y manteniendo las puertas abiertas”, ha declarado la artista.

La 67ª edición de los premios Grammy tuvo en el Crypto.com Arena de Los Ángeles este 2 de febrero de 2025, encumbrando a Beyoncé con su primera victoria al Álbum del Año por un trabajo que reivindica a los artistas negros dentro del country. Entre los demás ganadores de la noche destacan Sabrina Carpenter, Kendrick Lamar y Chappell Roan.

Ganadores de los Grammys 2025:

Álbum del año

Canción del año

Grabación del año

Mejor Nuevo Artista

Productor del año

Compositor del año

Mejor álbum pop

Mejor canción pop en solitario

Mejor canción pop en dúo o grupo

Mejor álbum pop latino

Mejor álbum de música urbana

Mejor álbum alternativo o rock latino

Mejor grabación dance o electrónica

Mejor grabación dance pop

Mejor álbum dance o electrónico

Mejor grabación de remix

Mejor interpretación rock

Mejor interpretación metal

Mejor canción rock

Mejor álbum rock

Mejor interpretación de música alternativa

Mejor álbum de música alternativa

Mejor interpretación R&B

Mejor interpretación R&B tradicional

Mejor canción R&B

Mejor álbum R&B progresivo

Mejor álbum R&B

Mejor interpretación rap

Mejor interpretación rap melódica

Mejor canción rap

Mejor álbum rap

Mejor interpretación country en solitario

Mejor interpretación country en dúo o grupo

Mejor canción country

Mejor álbum country

Videoclip del año

Mejor banda sonora para medios audiovisuales

Mejor banda sonora para cine y televisión

Mejor banda sonora para videojuegos

Mejor canción escrita para medios audiovisuales

Me pasa algo curioso con las guerras culturales de los gringos; por un lado, hace años que vengo viendo que casi todas ellas, hasta las más absurdas y aparentemente geolocalizadas que tienen, terminan siendo importadas en versión La Saladita al mercado de la juventud neoconservadora patria. Entiendo, entonces, que hablar de lo que está pasando en la tuitósfera norteamericana es siempre, en alguna medida, estar hablando de política, incluso de la política que sucede a la vuelta de mi casa. Pero. por otro lado, como los nombres propios son otros, el idioma también otro y al menos están hablando de cosas que no son la inflación y la pobreza, me funcionan también como una suerte de evasión de la realidad. Me divierte discutir una nota de una chica de Boston o un video viral de Missouri como si yo realmente no tuviera problemas graves. Me da profundo placer analizarlos con pasión: el mismo efecto que produce consumir una ficción escapista, pero con un mundo de verdad. Te indignás pero un poco en chiste, como se odia a la mala de una telenovela.

Esta semana, entonces, me zambullí en dos episodios de esos. El primero fue el debate que se produjo en torno de un artículo de The Cut, en el que la autora defiende desde una perspectiva supuestamente empoderada las ventajas de casarse con hombres mayores. El artículo, además de estar escrito con muy poca gracia, tiene muchos puntos ridículos: quizás el más absurdo de todos sea que, en la mitad del texto, te enterás de que ese hombre mayor que sabe de vinos y de viajes y de manejar dinero tenía treinta años cuando la autora se casó con él, apenas diez más que ella (lo que en una sociedad menos puritana y obsesionada con los números que la norteamericana sería básicamente un noviazgo normal). O también podría ser el hecho de que es bastante evidente, en el relato de esta muchacha, que lo importante de ese marido que consiguió es que tiene mucha plata y no los años que tenga.

En cualquier caso, si un texto promoviendo algo que durante muchísimo tiempo fue una parte bastante anodina del sentido común (los hombres maduran más tarde que las mujeres; es bueno tener al lado un hombre mayor que te protege y te guía; no hay nada particularmente valioso en una pareja igualitaria) es porque estamos viviendo un momento cultural en el que cierta juventud está intentando reivindicar lo que entienden por “valores tradicionales” (que siempre es un recorte un poco arbitrario y sesgado por el lenguaje conceptual de la actualidad: estoy bastante segura de que a mi madre no le hubiera gustado que yo hablara de casarse con un rico en los términos en que lo reivindica esta chica, con una retórica más parecida a la de la reivindicación de la prostitución VIP que a los valores religiosos en los que ella se educó) desde un marco que no tiene nada que ver con la tradición: el del cálculo racional, por un lado, y el del valor absoluto e incuestionable de la decisión individual, por el otro.

Lo importante es mostrar que vos sos la dueña de la narrativa: vos elegís que te vigilen. No elegís, tal vez, que tu marido tenga una amante, pero al menos podés elegir que hacés con eso

Cuando los chicos de la manosphere (esa parte de Internet en la que unos jovencitos hipertrofiados y depilados te dicen cómo llevar adelante todos los aspectos de tu vida, desde tu cartera de inversiones hasta la cantidad de sexo que deberías tener) te hablan de las mujeres de alto valor, o cuando las supuestas nuevas tradwives (“esposas tradicionales”) te enumeran las ventajas de que sus maridos las mantengan y vigilen parecen olvidar que no hay nada menos tradicional que estar midiendo a la gente todo el tiempo: que las cosas se hacían así porque se hacían así, y que cualquier habitante de los años cincuenta se hubiera visto sumamente confundido (si no directamente horrorizado) por una aproximación así de racionalizada y económica hacia el matrimonio, la amistad o la familia.

En el caso de los relatos orientados a mujeres, lo central es blindarse a cualquier crítica posible apoyándose en una suerte de dogma incuestionable: toda elección individual de una mujer es de por sí feminista, empoderada y emancipadora. Es imposible, parecen creer estas chicas, que las decisiones individuales de las mujeres las conduzcan a estar más oprimidas y no menos, Anuladas quedan, entonces, miles de páginas escritas sobre mujeres que buscan y permanecen en relaciones desiguales o violentas, mujeres que emprenden dietas insalubres o tratamientos de belleza agresivos. Todos los conceptos del psicoanálisis que explican por qué las personas podemos perfectamente elegir situaciones que nos perjudican, todo el aparato conceptual marxista de la falsa conciencia, el concepto sartreano de la mala fe, las mil formas de explicar que perfectamente podemos y debemos criticar los resultados de nuestras decisiones. No hay discusión posible contra algo tan sencillo de entender como la soberanía absoluta de la elección individual. Entiendo que las hipótesis simples, las que no solamente se comprenden fácil sino que son además fáciles de aplicar a cualquier parte de la vida, son muy difíciles de discutir, pero casi cualquier persona con una mínima sensibilidad y una mínima experiencia en el mundo sabe que los mecanismos humanos son más complejos y oscuros que, sencillamente, “hacer lo que uno quiere”.  

Pocos días después del texto sobre los hombres mayores llegó a mis manos cibernéticas la reversión de “Jolene” que hizo Beyoncé. “Jolene” es un clásico de Dolly Parton, en el que el yo poético de la letra es una chica que le canta a otra chica, aparentemente preciosa, que está tratando de robarle el novio. Lo genial de la canción original es el tono: Dolly parece mitad enamorada de la chica (“Tu belleza no se puede comparar / con mechones brillantes de pelo castaño / piel de marfil y ojos verde esmeralda / tu sonrisa es como el aliento de la primavera / tu voz es suave como una lluvia de verano / y no puedo competir con vos, Jolene”) y mitad fascinada con el enamoramiento de su novio por ella, angustiada por la posibilidad de perderlo y, también, resignada a lo inevitable. Le pide a Jolene por favor que no se lo quite, se lo ruega. Lo que hizo Beyoncé con la canción es francamente terrible: lo que antes era un ruego se vuelve una amenaza (“te suplico que no te lleves a mi hombre” se convierte en “te advierto que no te lleves a mi hombre”), lo que era erotismo y ambigüedad se vuelve moralina sobre separar a un hombre de su familia.

Una se pregunta cómo puede ser que la versión 2024 de “Jolene” sea más pacata y binaria que la de 1973, pero yo lo entiendo, lo entiendo igual que puedo entender que la chica del ensayo de The Cut escribe un texto que en los 70 hubiera sido considerado antifeminista por las jóvenes y de pésimo gusto por las mujeres mayores. Lo que Beyoncé no tolera de “Jolene” es que quien habla en la canción sea una loser. Lo importante, en un caso como en el otro, es decir que una lo elige todo, incluso en las situaciones desiguales, incluso cuando tu marido elige todo lo que hay en tu casa, la ropa que usás, el idioma que hablás, incluso cuando te engaña con otra mujer. Lo importante es mostrar que vos sos la dueña de la narrativa: vos elegís que te vigilen. No elegís, tal vez, que tu marido tenga una amante, pero al menos podés elegir que hacés con eso, porque ese es el único dogma inquebrantable de esta época, la época en que lo único tabú es ser un perdedor o dejarse llevar por algo. Y es curioso, porque en esto están igual las empoderadas y las tradwives, en esto son lo mismo, porque en el fondo ambas son masculinistas, ambas responden a la misma moral del presidente que no puede soportar que lo vean petiso y con papada: su único tabú verdadero es la vulnerabilidad. 

TT/MF 

Beyoncé se coronó anoche como la artista con más Grammy de la historia al hacerse con cuatro gramófonos y sumar ya 34, en una edición que ha consagrado al británico Harry Styles, ganador del premio al álbum del año por Harry's House.

Styles sorprendió con el premio más importante de una noche en la que hubo otras sorpresas como la de cantautora de blues y rock Bonnie Raitt, de 73 años, que ha ganado en el apartado de canción del año. También la joven intérprete de jazz Samara Joy, que ha sido elegida como mejor nueva artista por la Academia de la Grabación de Estados Unidos.

La cantante de música urbana Lizzo ha salido victoriosa en la categoría de grabación del año por About Damn Time. Lizzo ha aprovechado para enviarle un cariñoso mensaje a la propia Beyoncé: “Cambiaste mi vida, te quiero y que Dios te Bendiga”.

Beyoncé ha batido el récord que hasta ahora ostentaba el director húngaro Georg Solti, con 31 premios Grammy. La artista estadounidense ha añadido cuatro nuevos galardones a los 28 con los que ya contaba.

La cantante estaba nominada en nueve apartados, pero sus triunfos llegaron en las categorías de mejor canción de R&B; mejor interpretación tradicional de este mismo género; mejor álbum de dance o electrónica por Renaissance; y mejor grabación también de dance o electrónica de la mano de 'Breaky My Soul'.

“Estoy tratando de no emocionarme”, ha asegurado Beyoncé poco después de hacer historia en la música. “Gracias a Dios por cuidarme. A mi tía que ya no está conmigo. A mis padres, por quererme y animarme. A mi bello marido y a mis tres hijos. Por supuesto, también a la comunidad queer por apoyarme tanto”.

La noche de Beyoncé se vio parcialmente empañada por el triunfo de Harry's House, el álbum con el que Harry Styles se ha hecho con los premios más reputados de la industria musical a nivel internacional. Además de ser uno de los discos más reproducidos de 2022 en todas las plataformas.

Beyoncé tampoco pudo hacerse con el gramófono a mejor canción del año. Ha sido el 'Just Like That' de Bonnie Raitt (hija de la estrella de musicales de Broadway John Raitt y de la pianista Marge Gooddard) la que se ha llevado el galardón.

“Estoy totalmente sorprendida”, ha explicado Raitt poco después de recoger el permio. “Es una canción sobre curación y cómo afectó psicológicamente la pandemia a muchas personas”.

Motomami, de Rosalía, se ha alzado con el Grammy a mejor álbum latino alternativo, Rubén Blades ha conseguido con Pasieros el premio al mejor disco de pop latino y Marc Anthony ha coronado a Pa'lla Voy como mejor álbum latino tropical.

La cantante española Rosalía ha conseguido que Motomami superase a su principal competidor, Tinta y Tiempo de Jorge Drexler, y ha sumado su segundo gramófono tras haber triunfado en la misma categoría por El Mal Querer en 2020.

La mayor decepción de esta edición ha sido para Adele. La cantante británica competía por siete candidaturas y solo ha sido galardonada con e gramófono a mejor interpretación en solitario de pop por 'Easy On Me'.

La 65ª entrega de los Grammy también ha hecho historia al ser la primera vez que un disco íntegramente en español, Un verano sin ti de Bad Bunny, se ha colado en la categoría de álbum del año. Y aunque el puertorriqueño no ha logrado ganar este galardón, sí se ha llevado el Grammy al mejor álbum de música urbana.

La ceremonia tuvo otro de sus momentos álgidos cuando se conmemoraron cinco décadas de historia del rap con un premio honorífico al icono Dr. Dre. También con actuaciones muy aplaudidas de exponentes como Lil Wayne, Future o Lil Baby.

Un género en el que Kendrick Lamar ha arrasado con tres premios en las categorías de mejor álbum gracias a Mr. Morale & the Big Steppers; mejor canción de rap con 'The Heart Part 5'; y mejor interpretación melódica de rap por 'Die Hard'.

En esta edición la Academia de la Grabación de EEUU ha reforzado su imagen de defensa de los derechos humanos y de las libertades de las mujeres con un galardón dedicado al cambio social.

La primera dama de Estados Unidos, Jill Biden, ha sido la encargada de anunciar este reconocimiento, que ha sido para el cantante iraní Shervin Hajipour, autor de canciones que sirvieron de banda sonora para las protestas en el país persa después de la muerte de la joven Mahsa Amini.

Beyoncé se coronó este domingo como la artista con más Grammy de la historia al hacerse con cuatro gramófonos y sumar ya 34, en una edición que consagró al británico Harry Styles, ganador del premio al álbum del año por “Harry's House”.

Styles recogía impactado el premio más importante de una noche en la que hubo otras sorpresas como la de cantautora de blues y rock Bonnie Raitt, de 73 años, que ganó en el apartado de canción del año y la joven intérprete de jazz Samara Joy fue elegida como mejor nueva artista por la Academia de la Grabación de Estados Unidos.

La cantante de música urbana Lizzo salió victoriosa en la categoría de grabación del año por “About Damn Time”, tras lo que envió un cariñoso mensaje a la propia Beyoncé: “Cambiaste mi vida, te quiero y que Dios te Bendiga”.

“Queen B” batió el récord que ostentaba el director húngaro Georg Solti, con 31 premios Grammy, tras añadir cuatro galardones a los 28 con los que ya contaba.

La artista estaba nominada en nueve apartados, pero sus triunfos llegaron en las categorías de mejor canción de R&B; mejor interpretación tradicional de este mismo género; mejor álbum de dance o electrónica por “Renaissance”; y mejor grabación también de dance o electrónica de la mano de “Breaky My Soul”.

“Estoy tratando de no emocionarme. Gracias a Dios por cuidarme; a mi tía que ya no está conmigo; a mis padres por quererme y animarme; a mi bello marido y a mis tres hijos. Por supuesto, también a la comunidad queer por apoyarme tanto”, expresó entre lágrimas después de hacer historia.

La noche de Beyoncé se vio parcialmente empañada por el triunfo de “Harry's House” con el que Styles consiguió que uno de los discos más reproducidos de 2022 en todas las plataformas consiguiera ser laureado en los premios más reputados de la industria musical a nivel internacional.

Tampoco pudo la artista continuar agrandando su legado debido a que Raitt -hija de la estrella de musicales de Broadway John Raitt y de la pianista Marge Gooddard- sorprendió embolsándose el gramófono a canción del año por “Just Like That”.

“Estoy totalmente sorprendida, es una canción sobre curación y cómo afectó psicológicamente la pandemia a muchas personas”, explicó Raitt en sala de prensa minutos después.

La mayor decepción de esta edición fue para Adele, que tenía siete candidaturas y solo se alzó con el gramófono a mejor interpretación en solitario de pop por “Easy On Me”.

Por otra parte, la 65ª entrega de los Grammy quedará como la primera vez en la que un disco íntegramente en español, “Un Verano Sin Ti” de Bad Bunny, se colaba en la categoría de álbum del año, aunque el puertorriqueño no logró ganar el premio.

Sí se llevó el Grammy al mejor álbum de música urbana.

Y lo que Bad Bunny logró también fue poner en pie al auditorio del Crypto.com Arena con su actuación de arranque de la gala, mostrando el mostrar el poder y la influencia de los latinos en el panorama musical actual.

La ceremonia tuvo otro de sus momentos álgidos cuando se conmemoraron cinco décadas de historia del rap con un premio honorífico al icono Dr. Dre, y con actuaciones muy aplaudidas de exponentes como Lil Wayne, Future o Lil Baby.

Un género en el que Kendrick Lamar arrasó con tres premios en las categorías de mejor álbum gracias a “Mr. Morale & the Big Steppers”; mejor canción de rap con “The Heart Part 5”; y mejor interpretación melódica de rap por “Die Hard”.

Entre los más reconocidos también sobresalió Brandi Carlile, que se llevó el premio mejor álbum de música tradicional estadounidense; a la mejor interpretación de rock y a la mejor canción de este mismo género con “Brooken Horses”.

Además, esta edición sirvió para que la Academia de la Grabación de EEUU reforzara su imagen de defensa de los derechos humanos y de las libertades de las mujeres con el recién inaugurado galardón al cambio social.

La primera dama de Estados Unidos, Jill Biden, fue la encargada de anunciar este reconocimiento, que fue para el cantante iraní Shervin Hajipour, autor de canciones que sirvieron de banda sonora para las protestas en el país persa después de la muerte de la joven Mahsa Amini.

TODOS LOS GANADORES

ÁLBUM DEL AÑO:

“Harry's House”, de Harry Styles

GRABACIÓN DEL AÑO:

“About Damn Time”, de Lizzo

CANCIÓN DEL AÑO:

“Just Like That”, de Bonnie Raitt

MEJOR NUEVO ARTISTA:

Samara Joy

MEJOR ÁLBUM COUNTRY:

“A Beautiful Time”, de Willie Nelson

MEJOR ACTUACIÓN RAP:

“The Heart Part 5”, de Kendrick Lamar

MEJOR ACTUACIÓN POP INDIVIDUAL:

“Easy On Me”, de Adele

MEJOR ÁLBUM POP VOCAL:

“Harry's House”, de Harry Styles

MEJOR ACTUACIÓN POP GRUPAL O EN DÚO:

“Unholy”, de Sam Smith y Kim Petras

MEJOR ÁLBUM R&B:

“Black Radio III”, de Robert Glasper

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA URBANA:

“Un Verano Sin Ti”, de Bad Bunny

MEJOR ÁLBUM LATINNO DE ROCK O ALTERNATIVO:

“Motomami”, de Rosalía

MEJOR ÁLBUM DE POP LATINO:

“Pasieros”, de Rubén Blades y Boca Livre

MEJOR ÁLBUM TROPICAL LATINO:

“Pa'lla Voy”, de Marc Anthony

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA REGIONAL MEXICANA:

“Un Canto por México - El Musical”, Natalia Lafourcade

MEJOR BANDA SONORA

“Encanto”

MEJOR ÁLBUM DE JAZZ LATINO:

“Fandango At The Wall In New York”, de Arturo O'Farrill y The Afro Latin Jazz Orchestra, interpretado por The Congra Patria Son Jarocho Collective

MEJOR ÁLBUM DE JAZZ INSTRUMENTAL:

“New Standards Vol. 1”, de Terri Lyne Carrington, Kris Davis, Linda May Han Oh, Nicholas Payton y Matthew Stevens

MEJOR ÁLBUM DE JAZZ VOCAL:

“Linger Awhile”, de Samara Joy

MEJOR ACTUACIÓN CORAL:

“Born”, dirigida por Donald Nally e interpretada por Dominic German, Maren Montalbano, Rebecca Myers, James Reese y el grupo coral The Crossing.

Por Guillermo Azábal, para la agencia EFE.

IG

La primera vez que escribí para un diario, Tomás Eloy Martínez, entonces editor del suplemento Primer Plano de Página/12, me dijo: “No usamos la primera persona del plural. Todo en impersonal y, si hay algo realmente personal para decir, la primera del singular”. Uso, entonces, esa temida, impúdica primera voz, para decir que esta lista de los mejores discos publicados en 2022 es mía y no lo es. Se corresponde con mis escuchas pero no necesariamente con mi gusto.

Explico: por más abierto que uno sea –o intente ser–, en la soledad –o en la compañía de los pocos con quienes se comparte la vida– uno escucha siempre más o menos lo mismo.  En mi caso música clásica (o música de tradición europea y académica, si se quiere ser más preciso), jazz, tangos (y no Tango; hay algunos que me gustan mucho y otros que no me gustan nada), músicas tradicionales de diversas partes del mundo y nuevas creaciones que dialogan con ellas, y lo que ahora tiende a llamarse rock clásico y sus eventuales derivaciones actuales.

Eso no me impide entender el valor, y la excepcionalidad, y la creatividad de las publicaciones de Renaissance de Beyoncé, Un verano sin ti de Bad Bunny, Motomani de Rosalía o Mr. Morale & The Big Steppers de Kendrick Lamar. Tal vez no vuelva a escucharlos en mi vida (cosa que sí haré con New Standards Vol 1 de Terry Lyne Carrington, con el Concierto en Bordeaux de Keith Jarrett, con los conciertos para violín de Ludwig van Beethoven, Alban Berg y Béla Bartók por Franz Peter Zimmermann con la Filarmónica de Berlín, con el encuentro del Negro Aguirre y Juan Quintero o con Fossora de Björk). Pero sería injusto empezar a hablar de lo relevante del año sin referirme a ellos y a un impensado aire de familia (un sonido de época, podría decir) que, de manera impensada, comparten con ¡Ay!, de la artista sonora Lucrecia Dalt (nacida en Colombia y radicada en Alemania), The Blue Hour, una obra colaborativa entre varias compositoras, entre ellas Shara Nova y la notable Caroline Shaw (cuya Partita a 8 voces fue parte de la sugerente música de la serie Dark) y la Drone Mass de Jóhann Jóhannsson –un compositor islandés de música para cine, teatro y danza, fallecido hace cuatro años por una sobredosis de cocaína– que editó este año la otrora conservadora Deutsche Grammophon.

En todo caso, esos elementos en común entre estéticas sumamente diferentes entre sí no podrían ser más sincrónicos con su época y con la idea de lo transgenérico. Una suerte de pos-posmodernismo donde el hip hop, las músicas tradicionales, el barroco à la Vivaldi, los paisajes sonoros o la pulsación electrónica, el trap, el reggaetón, lo experimental o el ambient no son más (ni menos) que enciclopedias que ya nadie –o casi nadie– toma literalmente. Una gigantesca mesa poblada de platos en la que cada uno elige –en distintas proporciones– cuánto y de cuál se sirve. Finalmente, en los trabajos de Rosalía, Beyoncé y Bad Bunny hay originalidad y miradas creativas sobre sus respectivos géneros. Y esa suerte de zapping (algo empieza por un lado, sigue por otro y nunca se sabe exactamente cómo terminará) que atraviesa mucho de lo hecho últimamente alrededor del pop.

Varios discos, por su parte, se acercan a tradiciones latinoamericanas de la canción y lo hacen con resultados sumamente interesantes. La mencionada Lucrecia Dalt en ¡Ay!, Natalia Lafourcade en De todas las flores, Silvana Estrada en Marchita y Roxana Amed en Unánime encuentran caminos diferentes pero unidos en el cultivo de la expresividad lacerante, y de la pasión (incluyendo su desborde) como una de las bellas artes.

Abrazo, de Carlos “El Negro” Aguirre y Juan Quintero, rescata una actuación conjunta de hace doce años, en el Teatro Independencia de Mendoza. Podría hablarse de la importancia de ambos artistas en el plano de la música argentina de tradición popular. De sus trayectorias. De discos como Rojo, Caminos o La música del agua, de Aguirre, o del gran trío Aca Seca, del que Quintero fue pieza esencial. Pero no alcanzaría para nombrar ­­–o para describir– esa virtuosa e improbable combinación –que comparten– entre la modernidad de sus miradas, el conocimiento profundo de las tradiciones, el registro en tiempo real de las vibraciones de su época y un swing de naturalidad apabullante. Y, en este caso en particular, una milagrosa confluencia que hace que el total sea aún más que la suma de las partes.

En el caso de Fossora, el nuevo disco de Björk, me remito al extraordinario análisis de Abel Gilbert publicado en Otra Parte. Apenas agrego mi propia fascinación por esta artista de 56 años y con treinta de carrera que se mantiene fiel a algunas de las premisas que –en este caso sí– articulan mi sistema de valores estéticos y mi gusto: la idea de que la complejidad del arte nos ayuda a ser más complejos y de que esa complejidad nos hace mejores.

Todavía por el lado del pop, el neo folk y el rock, dos o tres sorpresas (agradables): la voz y las canciones del artista queer S. G. Goodman en Teeth Marks, la relectura del bolero en Nacarile de iLe, la melancolía en Big Time, de Angel Olsen, la luminosa oscuridad de The Smile –la reencarnación de Radiohead– en A Light for Attracting Attention y los inteligentísimos (nuevamente) cruces entre géneros en The Car de The Arctic Monkeys.

La música contemporánea ya no es lo que era, podrá decir algún recoleto vanguardista prendado de ese pasado que se imaginaba futuro inmutable. Eventualmente, en las fronteras de la modernidad tolerable para las masas (algo así como las empanadas picantes sin demasiado picante o el locro vegano) resaltan tres ediciones: las ya nombradas Drone Mass de Jóhannsson y The Blue Hour, un ciclo de canciones creado por las compositoras Rachel Grimes, Angélica Negrón, Shara Nova, Caroline Shaw y Sarah Kirkland Snider y comisionado e interpretado por A Far Cry, una orquesta de cámara de Boston, y el notable homenaje a Nina Simone (y a la negritud y a la militancia) de la cantante Julia Bullock en Walking in the Dark, donde conviven los spirituals, John Adams, Samuel Barber y Connie Converse.

En su Concierto de Bordeaux, parte de la última gira, en 2016, más que de la cama al living Keith Jarret va, como en sus fundantes presentaciones en Bremen y Lausanne, del atonalismo al rhythm & blues y lo hace en su nivel más alto (lo que significa muy pero muy alto); la baterista Terry Lyne Carrington, en New Standards Vol 1, comienza a trazar un nuevo canon, a partir de la obra de autoras como Alice Coltrane, Mary Lou Williams, Maria Schneider, Cecile McLorin Salvant, Geri Allen, Eliane Elias, Brandee Young, Abbey Lincoln y Esperanza Spalding con un grupo en el que brilla una base de instrumentistas extraordinarias –la propia Carrington, la pianista Kris Davis y la contrabajista Linda May Han Oh– junto con el trompetista Nicholas Payton y el guitarrista Matthew Stevens; el saxofonista Immanuel Wilkins, en The 7th Hand, ofrece un disco fantástico, original y lleno de fuerza y sutileza a la vez, con participaciones excelentes del grupo de percusión Farafina Kan, del contrabajista Daryl Johns y de la flautista Elena Pinderhughes, y dos grandes nombres del saxo tenor, Joe Lovano y Joshua Redman, confirman su estatura, el primero en dúo con el guitarrista Jakob Bro en Once Around The Room y el segundo con un cuarteto de luminarias en estado de gracia (él, Brad Mehldau, Christian McBride y Brian Blade) en Long Gone. John Scofield a solas (en un disco con su nombre como título), un dúo de inquietante poesía con el ya legendario trompetista Enrico Rava y el pianista Fred Hersch (Retrato em branco e preto) y el exquisito Amaryllis de la guitarrista Mary Halvorson (que forma parte de un díptico con Belladona), con Adam O`Farrill en trompeta y Patricia Brennan en vibráfono encabezando un grupo perfecto, muestran un escenario extremadamente rico en el mundo del jazz.

Un libro excelente, el que el investigador Sergio Pujol dedicó al Gato Barbieri (Gato Barbieri. Un sonido para el Tercer Mundo, Planeta) da el pretexto, por su parte, para acercarse a los revolucionarios primeros discos del rosarino que marcaron no solo una revolución en el género sino un camino de lo latino mucho más cercano a la guturalidad de las vidaleras que al Caribe. 

En el campo de la música de tradición académica, unos cuantos álbumes resaltan por la calidad de sus interpretaciones. El violinista Franz Peter Zimmermann, uno de los grandes solistas del momento, logra versiones de referencia de los conciertos de Beethoven, Bartók y, en particular, del inmensamente expresivo Concierto a la memoria de un ángel de Alban Berg. Los registros son en vivo, junto con la Filarmónica de Berlín y con tres directores diferentes, Daniel Harding, Alan Gilbert y Kirill Petrenko. El Ensemble Sésame registra una fantástica integral de la música de cámara de Maurice Ravel. François-Xavier Roth, al frente de su orquesta Les Siecles (con instrumentos de época y cuerdas de tripa) y junto con la soprano Sabine Devieilhe interpreta una Sinfonía Nº 4 de Gustav Mahler de singular transparencia. El pianista Krystian Zimerman encuentra la voz interna del polaco Karol Szymanowski –contemporáneo exacto de Ravel– en un conjunto de notables piezas casi olvidadas. El gran clavecinista Francesco Corti revive (en sentido literal) las 8 Grandes Suites de Georg Friedrich Händel. Y la Orquesta de Filadelfia, con la cómplice dirección de Yannick Nézet-Séguin graba por primera vez las seductoras Sinfonías Nos. 1 y 3 de la compositora afronorteamericana Florence Price, nacida en 1887 y precursora de Gershwin –aunque Gershwin no lo supiera– en más de un aspecto.

DF