Las películas que rompen moldes rara vez surgen de la nada. El impulso que transformó el cine independiente en un terreno fértil para nuevas voces tiene nombre y apellido: Robert Redford. Su decisión de crear en 1978 un festival destinado a respaldar a quienes filmaban con presupuestos pequeños cambió la manera en que Hollywood miraba a los debutantes.

El certamen de Sundance, bautizado como su personaje de Butch Cassidy and the Sundance Kid, se convierte en un punto de partida para centenares de directores que hoy llenan las salas. Ese gesto visionario, más que cualquier premio o papel, genera una red de oportunidades que décadas después sigue dando frutos y, en última instancia, origina la historia que Quentin Tarantino contó al recibir un galardón.

Un festival independiente se convirtió en el punto de partida de una generación entera

El director de Pulp Fiction recordó con gratitud el apoyo que encontró en aquel entorno creado por Redford. En el festival internacional de Burbank, cuando aceptó el premio Vanguard, Tarantino subrayó la deuda que él y muchos otros mantienen con el Instituto Sundance. Afirmó que “ninguno de los cineastas independientes estaríamos donde estamos sin el Sundance Film Institute”. La frase resumía su reconocimiento hacia quien le ofreció una primera oportunidad real de rodar Reservoir Dogs, el proyecto que lo situó en el mapa del cine mundial.

Aquella oportunidad nació en 1991, en los laboratorios de dirección de Sundance. Tarantino llegó con la energía de un novato y con la sensación de entrar en un lugar donde los maestros no enseñaban desde un pedestal, sino desde la práctica y cercanía, algo que no esperaba y agradeció.

Allí coincidió con Terry Gilliam, Volker Schlöndorff y Stanley Donen, cineastas consagrados que se sentaron con él frente a la mesa de montaje. “Estaban en mi sala mientras editaba mi primera escena en videocinta”, recordó con asombro. Esa cercanía transformó su visión del oficio y consolidó un estilo que después sería inconfundible.

La experiencia en los talleres de Sundance marcó su forma de entender el oficio

El recuerdo más vívido de aquella estancia no fue técnico, sino humano. Tarantino evocó una recepción inicial en la que comprendió que una gran cantidad de profesionales dedicaban su tiempo y recursos para que jóvenes creadores pudieran experimentar. Contó que les dijeron: “Sois jóvenes, puede que seamos duros con vosotros, pero os vemos”.

Según sus palabras, descubrió un impulso artístico desinteresado que jamás habría imaginado por parte de cineastas de tanto nivel. Por eso cerró su discurso con un agradecimiento para el legendario actor: “Muchas gracias, señor Redford”.

El gesto resumía tres décadas de trayectoria que, en su caso, nacieron de un laboratorio entre montañas y se consolidaron en la gran industria. Esa línea invisible que une a un joven director con el autor consagrado que sube al escenario del festival de Burbank muestra la dimensión del legado de Redford en generaciones enteras de creadores.

De esta manera, en cada discurso de Tarantino hay todavía una sombra luminosa de aquel mentor al que considera decisivo. El agradecimiento, convertido ya en historia, sigue sonando con la misma fuerza con la que comenzó aquel viaje que cambió su vida y, de paso, el rumbo del cine independiente.

Tras un 2024 casi sin rodajes, el cine argentino todavía resiste con películas que siguen concitando el interés de los grandes festivales internacionales. En pocos días más, Albertina Carri presentará “¡Caigan las rosas blancas!” en la sección oficial de Rotterdam y luego Iván Fund competirá nada menos que por el Oso de Oro de Berlín con “El mensaje”. Pero la temporada 2025 comenzará en la noche de este lunes 27 en el Egyptian Theatre de Park City cuando Laura Casabé estrene “La virgen de la tosquera” en la World Cinema Dramatic Competition de Sundance, la muestra más importante con sede en los Estados Unidos.

El título está tomado de uno de los dos cuentos de Mariana Enriquez incluidos en el libro “Los peligros de fumar en la cama” (2009), que sirvieron de base para la historia (el otro es “El carrito”). El encargado de concebir la transposición fue nada menos que Benjamín Naishtat (reconocido director de films como “Historia del miedo”, “El Movimiento”, “Rojo” y “Puan”), mientras que la dirección estuvo a cargo de Casabé, quien ya había rodado elogiados largometrajes como “La valija de Benavidez” (2016) y “Los que vuelven” (2019), en los que había incursionado en el thriller psicológico y el terror; así como el reciente documental “Album de familia”.

El desafío de Naishtat primero y de Casabé después pasaba no solo por integrar ambos cuentos sino sobre todo por sintonizar y trasladar la imaginería, los matices y las sutilezas de la prosa de Enriquez a un formato audiovisual. En ese sentido, la película conserva la sensibilidad, la tensión y la capacidad de provocación del original literario para luego convertirlo en un relato con vuelo propio y una dimensión puramente cinematográfica.

La película elige como contexto y trasfondo la crisis económica y el estallido social de finales de 2001 y comienzos de 2002, pero se centra sobre todo en las desventuras de Natalia (Dolores Oliverio), Mariela (Candela Flores) y Josefina (Isabel Bracamonte), tres inseparables amigas que viven en un suburbio de casas bajas a-la-Ituzaingó y acaban de terminar el colegio secundario (las experiencias del viaje de egresados las ha marcado bastante). De diferentes maneras, con intensidades distintas, las tres están enamoradas de Diego (Agustin Sosa), un muchacho un poco más grande que ellas, y es especialmente Natalia, una atractiva joven abandonada por sus padres que vive con su abuela Rita (Luisa Merelas) y es la principal protagonista y dueña del punto de vista, quien apelará a todas las estrategias a su alcance para seducirlo.

Sin embargo, la aparición en escena de Silvia (Fernanda Echeverría), una treintañera con mucha más calle, experiencia, viajes, astucia y contactos (vive “en la Capital”), la convierten en su rival por el amor del galán. El duelo está planteado y, como ocurre en la obra de Enriquez, habrá desde una irrupción de violencia más tradicional (la brutal golpiza inicial al cartonero tomada del cuento “El carrito”) hasta macumbas, conjuros propios de aspirantes a brujas “haciendo trabajos”, poderes psíquicos, apelaciones a lo mágico y una dimensión fantasmal.

Brotes de sangre por doquier, cibercafés donde impera el chat ICQ, múltiples referencias musicales (desde Las Pelotas hasta Morphine), universo coming of age con hormonas encendidas en medio de un calor agobiante, angustias existenciales y problemas de autoestima, experiencias sexuales y con drogas, diferencias generacionales y de clase, y una precariedad generalizada que se evidencia, por ejemplo, en permanentes cortes de luz, saqueos, paranoia barrial y crecientes acumulaciones de basura. Así, partiendo de un naturalismo reconocible, “La virgen de la tosquera” se va desmarcando de la impronta casi documentalista inicial para derivar hacia zonas cada vez más misteriosas, desafiantes y perturbadoras. 

En diálogo con elDiarioAR a pocas horas del estreno mundial en Sundance, Casabé contó cómo fue su acercamiento inicial a la literatura de Mariana Enriquez y la posterior gestación del proyecto: “Mi hermano tuvo una muy larga internación en el Hospital Italiano y eso implicaba que tanto mi familia como todos mis amigos y yo pasáramos mucho tiempo con él. Entre charlas y juegos de cartas comenzamos a intercambiar libros y me recomendaron mucho leer ”Los peligros de fumar en la cama“. A partir de entonces, compré de forma compulsiva casi todos sus libros y seguí de cerca su trabajo periodístico. Los cuentos ”El carrito“ y ”La virgen de la tosquera“ me atravesaron y de alguna manera me cambiaron para siempre. 

–¿Cuándo entraste como directora al proyecto? ¿Tuviste alguna participación en el guion de Benjamin Naishtat? Muchos podrían pensar que se trata de un “encargo”, pero imagino que como realizadora habrás tratado de apropiarte en el mejor de los sentidos de la película...

–En realidad no fue tanto un encargo hacia mí sino que nosotros le encargamos el guion a Benjamín. En 2019 yo estaba presentando “Los que vuelven” en el Festival de Mar del Plata y ya pensaba en mi siguiente proyecto. Ya por entonces tenía muchas ganas de hacer una transposición del universo de Enriquez porque lo considero muy atractivo y muy visual. Además, yo me imaginaba a esas chicas, esa cuadra, es como que conocía de alguna forma ese mundo que también fue el mío (yo tenía 19 años en el 2001, aunque Mariana luego nos contó que en realidad hacía más referencia a la crisis de la hiperinflación de 1989). La idea original era trabajar con tres cuentos de forma independiente, como una película antológica, pero luego derivó en integrar estos dos. Lo primero que hice fue contactar a Mariana y juntamos a tomar un café. Recuerdo que gran parte de la charla fue sobre películas favoritas. Y luego sí conversé mucho con Naishtat sobre el guion, sobre los cuentos, sobre música, en especial el disco “¿Para qué?”, de Las Pelotas, y sobre nuestras experiencias bastante similares como jóvenes a los que nos gustaba mucho la calle en plena explosión de 2001. Benjamín escribió una primera versión y, a partir de ahí, seguimos trabajando juntos, así que realmente fue muy hermoso e intenso el proceso de apropiarme de la historia. De hecho, terminé escribiendo algunas cosas yo luego del trabajo con las actrices y actores.

–La película va mutando todo el tiempo: empieza como un coming of age y termina abordando elementos del cine de terror y en el medio tiene aspectos del orden de lo sobrenatural a partir de ciertos poderes psíquicos de la protagonista ¿Cuáles eran los desafíos más complicados que sentías tenía este proyecto?

–Sí, es una película que está siempre en plena metamorfosis, inclasificable, que escapa de los cánones del cine de género clásico. Los mayores desafíos, de todas formas, fueron de producción porque es una película complicada en muchos sentidos: hay animales (yo quería trabajar con perros reales), niños, fuego, escenas acuáticas en la tosquera, trajimos gente de México y de España por motivos de la coproducción... En cambio, el tono de la película no me costó tanto encontrarlo, aunque sí defenderlo en cada decisión artística.

Es angustiante que no se estén rodando películas, ser víctimas de una campaña de desprestigio hacia la cultura, de persecución ideológica que está escalando a un nivel de violencia que yo nunca había experimentado en mi vida.

Laura Casabé — Directora de La virgen de la tosquera

–Otra de las claves de la película es el casting: ¿cómo fue ese trabajo de selección y cómo encontraron a la protagonista Dolores Oliverio?

–Trabajamos mucho con el equipo de casting. Yo no quería buscar solamente en escuelas de teatro de CABA, quería chicas que hayan experimentado lo que es tomarse un tren en el conurbano. Hicimos un largo proceso de tres meses para encontrar a Mariela, Diego y Natalia. Descubrimos un montón de actrices buenísimas. Dolores creo fue la última que vino a las pruebas. De hecho, ella es más bailarina que actriz (estudió en la escuela de Flavio Mendoza) y profesora de inglés, pero me encantó. Me gustaba su voz gruesa, esa carita tan inocente como de lolita, pero también su magnetismo, sus gestos adultos en una chica y la precisión en el manejo de su cuerpo. Y, pese a que tenía menos experiencia que otras, apostamos por ella. Ensayamos mucho con todo el elenco, porque pasan por una suerte de montaña rusa de emociones, y entonces, cuando llegamos a Mendoza para filmar, ellos ya se conocían bastante. Fue un placer trabajar con esos chicos.

–¿Cómo te sentís frente al estreno mundial en la competencia de un festival tan prestigioso como Sundance? Imagino cierta contradicción o sensaciones encontradas en este tiempo tan complejo para el cine argentino...

–Sí, claro. Más que contradicción, diría que tengo emociones encontradas. Por un lado, estoy feliz porque trabajamos mucho para esta película. La filmamos durante 2023 y por la inflación el presupuesto se disparó y estuvimos a punto de no hacerla varias veces. Sumamos aportes de México y España, el Cash Rebate de Mendoza (que nos obligó a trasladar el rodaje cuando ya teníamos las locaciones en Buenos Aires) y así la sacamos adelante. Fue todo tan intenso y estresante que ahora derivó en alivio y felicidad. Lo del Sundance fue una sorpresa y lo siento como otra validación para el cine argentino de autor que ha sido tan atacado en el último año. También tengo una sensación de vacío, de “y ahora qué”. Es angustiante que no se estén rodando películas, ser víctimas de una campaña de desprestigio hacia la cultura, de persecución ideológica que está escalando a un nivel de violencia que yo nunca había experimentado en mi vida. Desde el poder se habilita eso y nos pasó que nos gritaban en la calle cuando estábamos filmando en Mendoza: “Vayan a laburar, están filmando con la nuestra”. Y la verdad es que somos trabajadores y vemos cómo se ha desmantelado nuestra industria. Frente a la destrucción del INCAA se está dando un interesante proceso de fortalecimiento de las industrias audiovisuales provinciales: Mendoza, Córdoba, Misiones, Entre Ríos... Ese proceso de federalización es interesante en medio de la crisis general. Creo que vamos a seguir organizándonos, buscando nuevos caminos para producir películas. Yo no estudié cine, pero me la pasé en el cine Lorca, alquilando películas en Liberarte y en Mondo Macabro. Ahi descubrí al cine independiente estadounidense que de alguna manera me formó, que me encanta y que es referencia también para mí. La estética de “La virgen de la tosquera” se conecta con eso y por eso me gusta mucho la idea de estrenar en el festival más importante para el indie estadounidense como Sundance. Que nos seleccionaran fue una hermosa e inesperada sorpresa.

DB/MG

La pandemia golpeó con fuerza a los festivales de cine, eventos multitudinarios que con el Covid debían analizar su supervivencia. Mientras que algunos como Cannes, Venecia o San Sebastián siempre tuvieron claro que la presencialidad era un factor esencial de un certamen, otros como Berlín y Sundance apostaron por internet como salida a una situación que nunca se imaginaron. Mientras que la Berlinale lo mantuvo de forma temporal, Sundance decidió convertirse en el primer gran evento que siga con un modelo mixto. Mientras que los pases presenciales volvieron a Park City, (sede del festival creado por Robert Redford), y serán la apuesta fundamental de Sundance este año, también los espectadores que vivan en Estados Unidos y la prensa de todo el mundo podrán seguir el certamen desde internet para descubrir las joyas indies que marcarán los próximos meses.

Un festival que se convirtió en un sitio clave para que las plataformas vayan a comprar películas de corte independiente que luego triunfarán incluso en los premios. Sundance fue donde se presentó CODA, que terminaría ganando el Oscar a la Mejor película el año pasado, pero también fue donde se vio nacer la carrera de directores como Quentin Tarantino o Steven Soderbergh. Esta edición mantendrá la tónica dominante de las últimas citas con una apuesta por la diversidad racial, el cine LGTB, y el cine político que no descuidará apuestas por géneros como el terror o el fantástico.

Los documentales son parte esencial del festival de Sundance. Desde ellos ofrecen retratos políticos y comprometidos de realidades de todo el mundo, y de personalidades conocidas. El año pasado fue allí donde se vio la serie de no ficción sobre Bill Cosby. En esta ocasión hay tres trabajos documentales que prometen dar que hablar. Little Richard: I Am Everything, que se centra en los orígenes queer del rock and roll a través del músico. Still: A Michael J. Fox Movie, en el que el actor de Regreso al futuro contará su historia y cómo convive con el párkinson; y Pretty Baby: Brooke Shields, en el que la estrella reflexionará sobre cómo fue una adolescente sexualizada por la industria del entretenimiento.

A la caza del éxito

Sundance demostró en los últimos años que es un buen lugar para que las plataformas vayan a cazar sus próximos éxitos. Escondida en Sundance estaba CODA, y desde entonces todas acuden a ver si consiguen un nuevo fenómeno del cine indie. En esta edición ya hay varios títulos que tienen todos los ojos puestos en ellos. El primero es Cat Person, que tiene en su favor varios elementos. La directora es Susanna Fogel, guionista de una de las mejores comedias recientes, Booksmart. La protagoniza, precisamente, Emilia Jones, la estrella de CODA. Por si fuera poco se basa en la pieza de ficción más exitosa publicada en The New Yorker. La describieron como un thriller con toques de comedia sobre la relación de una adolescente con un treintañero.

Ojo también con Theater Camp, proyecto personal de Ben Platt, actor de musicales muy popular que escribe, produce y protagoniza este filme sobre un aula de teatro que tiene todo a favor para ser el gran crowd pleaser de la edición, ese título que emociona a todos y las distribuidoras y plataformas acaban pegándose por él. Además, tiene a Will Ferrell como productor. Quienes ya tienen distribuidor, y uno potente son You Hurt my Feelings y All the Dirt Roads Taste of Salt. La primera es una comedia de Nicole Holofcener, guionista y autora de Sobran las palabras y que ha participado en varias de las series más importantes de los últimos años. Confía en su actriz fetiche, Julia Louis-Dreyfus para hablar de una pareja en crisis cuando ella escucha a él hacer una crítica destructiva a uno de sus trabajos como escritora.

La segunda es el debut de Raven Jackson en la dirección, pero cuando Barry Jenkins la apadrinó y produjo (como hizo este año con Aftersun, una de las joyas indies de la temporada), es que hay algo en esa ópera prima que habla de la vida de una mujer negra en Mississippi durante décadas. La que también tiene distribución es otra de las más esperadas, Infinity Pool, nueva obra de Brandon Cronenberg, hijo del director de Videodrome que llega con Neon, misma compañía que convirtió a Parásitos en un éxito. Su tráiler, oscuro y perturbador, promete una crítica al turismo hedonista.

Uno de los actores más esperados este año en Sundance será Jonathan Mayers, que se encuentra a un paso de ser una de las estrellas del Hollywood de los próximos años ya que fue fichado como Kang en toda la nueva fase del universo cinematográfico de Marvel. Aquí llega con una propuesta mucho más autoral, Magazine Dreams, donde se convierte en una estrella de culturismo en un filme con el que quiere demostrar su talento más allá de superproducciones.

Despertó curiosidad lo nuevo de William Oldroyd, que desde que debutara con la estupenda Lady Macbeth hace siete años no había vuelto a dirigir y que ahora adapta la novela de Otessa Moshfegh Mi nombre era Eileen con Thomasin McKenzie y Anne Hathaway como protagonistas.

El cine queer también tiene siempre presencia entre la programación de Sundance, y hay dos filmes que están concentrando la atención. El primero es Passages del siempre interesante Ira Sachs. Un filme que cuenta el triángulo amoroso que surge cuando un matrimonio entre dos hombres decide abrir su pareja y uno se acuesta con una mujer. Franz Rogowski, Ben Whishaw y Adèle Exarchopoulos son los vértices de una de las joyas de esta edición. Gael García Bernal, por su parte, interpreta a un personaje real al que se denominó el ‘Liberace’ de la Lucha Libre al desafiar un área dominada por los heterosexuales en Cassandro, título que ya pertenece a Amazon Prime Video. Películas que comenzarán su agenda en enero, pero que desde entonces irán estrenándose en salas y plataformas cuando hagan el ruido necesario en la nevada Park City.

JZ