Campeonato de Baile de tango

Arrancó el certamen que reúne a milongueros de todo el país y del mundo en el territorio porteño para seleccionar a los mejores bailarines de tango. La competencia tiene cinco categorías con rondas clasificatorias que se harán en distintos espacios de la Ciudad. En la Usina del Arte (Caffarena 1), mañana se presentará la Orquesta del Tango, con reserva previa. La Usina será la sede de las semifinales, el sábado 10 de mayo, y la Gran Final, al día siguiente. Toda la programación se puede consultar en tangoba.org

La Feria de las Regiones celebra Cuyo

Vinos, chocolates, alfajores, aceites de oliva y mermeladas caseras serán algunos de los sabores que se podrán probar en una nueva edición de la Feria de las Regiones, el evento que celebra las tradiciones de todo el país con lo mejor de su gastronomía, música y danzas folklóricas. Esta vez, las provincias de Mendoza, San Juan y San Luis serán las homenajeadas. Se hará este sábado, de 11 a 17, en la Plaza Ciudad de Udine (Camarones y Chivilcoy). 

Banda Sinfónica

Este sábado a las 20, la Banda Sinfónica de la Ciudad ofrecerá un concierto gratuito en el Auditorio de la Usina del Arte (Caffarena 1). Bajo la dirección del maestro Nicolás Kapustiansky, brindará un homenaje a Martín Darré que fusionará lo sinfónico con el tango. Reserva previa en https://www.formulariosgcba.gob.ar/e2ZQ0od7ypMJ1G6naJzw/canal/web.

MaraTANA

Este domingo se disputará la tercera edición de MaraTANA 2025, la carrera solidaria de la comunidad italiana que recorre las calles de Palermo, con distancias de 3, 10 y 15 kilómetros. Parte de lo recaudado se destinará a la “Casa de Amistad”. La largada será en el cruce de las avenidas Dorrego y Figueroa Alcorta a las 8. Es con inscripción previa en https://www.clubdecorredores.com/carreras/177/Maratana/

Atardeceres en la Ciudad

Una iniciativa gratuita para ver la puesta de sol al aire libre en Parque Carrasco (Av. Costanera Rafael Obligado y Jerónimo Salguero) con DJ sets en vivo, zona de juegos retro, metegol y foodtrucks para acompañar la jornada. Se hará el domingo de 12.30 a 18. El estacionamiento, como el acceso, es gratis y por orden de llegada.

Feria del Libro

Continúa la 49° edición de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, el evento literario más importante de Argentina. Hasta el 12 de mayo habrá actividades en el predio de la Rural (Av. Santa Fe y Av. Sarmiento), que cuenta también con un stand de la Ciudad donde se desarrollan actividades para grandes y chicos.

Jazz en el Anfiteatro

El cuarteto integrado por Ricardo Nolé, Lio Biondelli, Julián Montauti y Martín Vicente presenta su primer disco, Nai´s Groove, en el Anfiteatro del Parque Centenario (Av. Lillo y Leopoldo Marechal) este domingo a las 16. La entrada es gratis y por orden de llegada. Y se suspende por lluvia.

Festival del Asado y la Empanada

El sábado y el domingo se celebrarán dos de las comidas típicas más representativas de Argentina. Habrá más de treinta puestos que ofrecerán cortes de diferentes carnes y todas las variedades de empanadas según la provincia. Se hará en el Hipódromo de Palermo (Av. Del Libertador 4100), de 12 a 23.

Orquesta Filarmónica en el Colón

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires brindará su segundo concierto de abono del año en el Teatro Colón con la dirección de la maestra Zoe Zeniodi. El programa estará compuesto por obras de Haydn y Bruckner. Será este sábado a partir de las 20. Las entradas se pueden comprar en la boletería del Teatro (Tucumán 1171) o a través de https://entradasba.buenosaires.gob.ar/.

La Calle de los Títeres

El Espacio Cultural del Sur (Av. Caseros 1750) será anfitrión de la celebración del aniversario de La Calle de los Títeres, un grupo que cuenta historias a través de los títeres hace más de 35 años.

Habrá talleres creativos y funciones para toda la familia. Se hará el domingo desde las 15.30. Gratis.

Para que vuelva la música

La Orquesta Académica del Colón ofrecerá un concierto solidario a beneficio de su par de Bahía Blanca e Ingeniero White para reunir fondos y reponer los instrumentos perdidos por la inundación que azotó al municipio bonaerense en marzo. Se presentará el martes a las 20 en el Colón (Tucumán 1171) y las entradas se pueden comprar a través de https://entradasba.buenosaires.gob.ar/.

MU

Que el estado de salud de Val Kilmer era precario era vox populi desde que en 2017, a través de la película documental VAL, confesara que desde 2014 padecía un cáncer de garganta que le envejeció prematuramente y le dejó secuelas físicas, especialmente en la voz debido a la traqueotomía que le fue practicada.

A pesar de ello, una vez vencido el cáncer, participo en el remake del clásico de los 80 Top Gun, que protagonizara junto a Tom Cruise, bautizado como Top Gun Maverick, donde ambos actores se reencontraron. Pero tras esa experiencia, que dejaba claro su deterioro, su salud no se recuperó y Val Kilmer, uno de los hombres más atractivos de Hollywood en los 80 y los 90, falleció la madrugada del lunes a causa de una neumonía, según ha comunicado su hija, Mercedes Kilmer, al New York Times. 

Hay cinco papeles en especial que definieron la carrera de Kilmer y dejaron claro no solo que la cámara amaba su belleza sino también su talento para encarnar los personajes más variados, desde el aviador bello y descerebrado a un cómico cantante de cabaret; desde una estrella de rock atormentada al alter ego del superhéroe Batman o bien a un guerrero medieval en una película de fantasía.

Nick Rivers en 'Top Secret!'

En esta comedia de espías, firmada en 1984 por el trío ZAZ (David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker), situada en la Alemania dividida de posguerra, Kilmer demostró su capacidad de comediante interpretando a Nick Rivers, un cantante de variedades que actúa en un cabaré de Berlín mientras desconoce que está involucrado en un complot de la República Democratica Alemana que tiene como objetivo la reunificación de las dos Alemanias bajo el comunismo.

Fue acaso la primera cinta que le dio a conocer en el cine y le permitió dar el salto desde el teatro. Abrahams acudió a Broadway a ver la obra teatral Slab Boys con Kilmer, Sean Penn y Kevin Bacon y le propuso una prueba para el papel. Al parecer triunfó en la prueba al presentarse vestido como Elvis Presley.

Iceman en 'Top Gun'

Dos años más tarde llegaría el éxito de masas con Top Gun, la cinta que le convirtió, junto a Tom Cruise, en una estrella global y también alternativa al agraciado y formal Tom. Mientras Cruise era el yerno que toda suegra desea, Kilmer venía a ser el hijo rebelde y contestatario de esa misma suegra.

La película se trataba de aviadores militares tan bellos como valientes y magnéticos en sus arriesgadas misiones en una escuela de vuelo. Kilmer interpretaba a Tom “Iceman” Kazansky, considerado el mejor piloto de su promoción. El principal morbo de la película eran los cruces entre Cruise (Maverick) y Kilmer, y por supuesto terminaba con los dos guapos reconciliados.

Una película sin más pretensiones que exhibir el choque entre las que serían dos de las grandes estrellas de la siguiente década. Al parecer también hubo cortoricuitos tras las cámaras, pues en una de las tomas de making off se puede ver a Kilmer declarando: “Más vino, más sexo, más drogas… y menos Tom Cruise”.

Madmartigan en 'Willow'

Willow es una película británico-estadounidense de alta fantasía estrenada en 1988 y dirigida por Ron Howard y producida por George Lucas, lo que supuso una gran apuesta en aquellos días. Kilmer interpreta a Madmartigan, un sólido guerrero y hábil espadachín que cuida y protege a la heroína de la historia. Se trata de una cinta para lucimiento de la lozanía y los músculos de Kilmer, pero que apuntaló su fama de ícono juvenil. La historia fue relanzada como serie por Disney en 2022, pero ya era tarde para Kilmer, muy dañado por el cáncer, y no apareció finalmente en ella.

Jim Morrison en 'The Doors'

Si Top Gun hizo de Val Kilmer un icono adolescente en los 80, en los 90 conquistó los corazones de los veinteañeros y veinteañeras más alternativos con su papel en The Doors, el biopic firmado en 1991 por Oliver Stone sobre la vida del cantante y poeta psicodélico Jim Morrison, cuerpo y alma de la banda californiana The Doors, un grupo oscuro en el que las crípticas composiciones de Morrison se acompañaban de la pericia de excelentes músicos como Ray Manzarek, John Densmore o Robby Krieger.

La banda tuvo una gran notoriedad a finales de los 60 e inicios de los 70 y Morrison devino una gran estrella. Pero el éxito, las drogas y el alcohol pudieron con él y terminó muriendo en una bañera de París en 1971 en extrañas circunstancias, no descartándose el suicidio. La muerte de su cantante llevo el grupo al olvido del gran público, aunque se convirtió en una banda de culto. Hasta que llegó la cinta de Stone.

Gran parte de la responsabilidad de su éxito se debió a la magnética interpretación de Kilmer, al que el papel le iba al pelo, pues también él andaba metido en una suerte de espiral hacia la autodestrucción. Lo convirtió en un mito generacional a pesar de que la película en sí era endeble y adolecía de un cierto sesgo simplificador de la figura de Morrison, sin entrar a fondo en su complejidad psicológica e intelectual.

Bruce Wayne en 'Batman Forever'

Ahora que el cine de superhéroes está tan de moda, conviene recordar que fue Joel Schumacher quien en 1995 tomó el relevo a Tim Burton en la recuperación de este oscuro personaje, un poco alternativo al luminoso Superman. La cinta contó de todos modos con la producción de Burton y para el papel protagonista de Bruce Wayne/Batman se escogió a Val Kilmer.

Otros actores que le dieron cuerpo al proyecto fueron Tommy Lee Jones, Jim Carrey y Nicole Kidman. Para Kilmer fue tal vez el último proyecto en el que tuvo un papel protagonista de entidad. Tal como revelara en el documental VAL, su carácter díscolo e indisciplinado y el abuso del alcohol y ciertas drogas le convirtieron en un compañero de rodaje incómodo. Poco a poco fue cayendo en películas de menor presupuesto o bien en personajes secundarios que diluyeron su fama.

A los 84 años murió el capocómico Antonio Gasalla, quien permanecía internado desde hace un tiempo. El mundo del espectáculo, y en particular la comedia nacional, está de luto por la partida del actor que fue célebre en obras de televisión y teatro.

Quedarán para la memoria popular algunas de sus obras, como “Esperando la Carroza”, o entrañables personajes como “Mamá Cora” o “La abuela”, que popularizó en el programa de Susana Giménez.

“La noticia del fallecimiento de Antonio Gasalla cierra una página del humor en nuestro país. Nuestras condolencias a su hermano Carlos y familia”, le dedicó en sus redes sociales el Multiteatro.

Gasalla cosechó una importante carrera humorística y su llegada al público se vio reflejada en un sinfín de honores que recibió en su vida, como el Konex a la televisión (2001), el Martín Fierro de Otro (1995) y los premios Estrella de Mar de Oro (2010) y mejor actor de Comedio de ACE (2009).

Según trascendió, la semana pasada el actor había recibido el alta médica luego de permanecer casi diez días internado a causa de un cuadro de neumonía severa. Ya en enero pasado había vuelto a ser internado de urgencia en el Sanatorio Otamendi desde el centro de rehabilitación donde residía. Tenía como diagnosticado una enfermedad neurodegenerativa.

Gasalla nació en 1941 en Ramos Mejía y en su juventud quedaba fascinado por la programación en los cines de las comedias musicales de Hollywood de los años cincuenta. Se inició en la carrera de Odontología peor al tiempo dejó por su verdadera pasión en la actuación e ingresó al Conservatorio Nacional de Arte Dramático.

Ya en los sesenta formó parte del grupo precursor del estilo café-concert junto con Carlos Perciavalle y Edda Díaz. Se movió en el under porteño y, luego, en los años setenta, escribió libretos con Enrique Pinti. En 1979 recaló como director, productor y actor de sus propios espectáculos en teatro Maipo.

En 1985 saltó a la fama con su “Mamá Cora” en “Esperando la carroza”. En 1988 lanzó “El mundo de Antonio Gasalla”, en Argentina Televisora Color (ATC), hoy la TV Pública. Le siguió, en 1992, “El palacio de la risa”, por el mismo canal.

En los 2000 con Susana Giménez encarnó a la desopilante “Abuela”, uno de sus personajes más entrañables, junto a “Bárbara Don't Worry”, “Flora, la empleada pública”; “Soledad Dolores Solari” y “Mecha, la millonaria”. En 2009 estrenó, en el Teatro Metropolitan, la obra “Más respeto que soy tu madre”, de Hernán Casciari, y en 2012 formó parte del jurado del Bailando por un sueño, de Marcelo Tinelli.

En septiembre de 2020, en medio del confinamiento por la pandemia de Covid-19, anunció su retiro como artista.

MC

He aquí una película que no apela a los reflejos habituales del público mediante su narrativa, que no encaja en ningún género preestablecido, que se permite giros fulminantes, divagues aparentemente antojadizos, cohabitación de la comedia y la tragedia, formulación de enigmas que nunca tendrán explicación, profanación y también respeto hacia imágenes religiosas, Palito Ortega y Sandro y Nino Bravo en compañía de Mozart, cine dentro del cine, travesuras bizarras que las tomás o te las perdés… Una película tan pero tan ingeniosamente queer que más no se puede pedir. Para ver y apreciar con casi todos los sentidos (salvo que te toque en la butaca de al lado un/ consumidor/a compulsivo/a de pochoclo, en cuyo caso probablemente desearías llamar al inefable trío de sicarios que atraviesa el film).

Si hay algo que se le puede agradecer a un artista que te flechó desde su primera película, es que sea una persona de una sola palabra, fiel a sí mismo más allá de los altibajos o éxitos que pueda tener. Me tocó estar en el jurado de preselección de Mar del Plata 2002, y entre la montaña de videos relativamente aceptables a visualizar, de pronto apareció –sin el menor aviso previo– una gema sobre la que escribí en el catálogo de ese festival: “Luis Ortega ha realizado un film de raro lirismo, lejos de todo relato convencional, que se anima a presentar personajes inhabituales, sin psicologismos, sin dar antecedentes o explicaciones sobre ellos; entre los cuales, un hombre sin techo que come y duerme en el Ejército de Salvación”. Entre otros elogios, subrayaba “el debut de un director tan joven y talentoso, capaz de acercarse a esas vidas pequeñas con mirada atenta y paciente, con esa cámara desprovista de tics, se diría incontaminada que extrae belleza y emoción de un pobre tipo de dificultoso caminar que atraviesa interminablemente la ciudad, o de una mujer muy vieja que le enseña a cantar a una jovencita”.

Es decir que ya en Caja negra, Ortega dejaba sentada su ética, evidenciaba su corazón bondadoso de artista, su mirada de igual a igual sobre ciertos seres humanos desposeídos. Los “humillados y ofendidos”, diría el director mexicano Arturo Ripstein, con quien el realizador de El Jockey guarda cierta afinidad.

Dos años después –perdón tanta autorreferencia, pero ahora es solo para cederle la palabra a nuestro cineasta– estuve en el último día de rodaje de Monobloc, su segundo largo. Y al atardecer, terminada la jornada de trabajo, LO me dijo cosas de esta guisa: “Siento que la vida es una interrupción de la muerte, como si la muerte fuese el estado anterior y posterior a la vida. Donde estamos ahora sería una escala rara, muy misteriosa (…) Con la película que estoy haciendo, si pienso en la gente que la va a recibir, la idea es descondicionar, palabra que me copié de Burroughs. Que los sentidos se purifiquen y reciban información nueva, que la mirada se vuelva inocente frente a algo que se ve por primera vez, virginizar en lo posible la sensibilidad entumecida. Sin explicitarlo, que en el fondo se vislumbre el anhelo de cómo, de qué modo todo podría estar un poco mejor”.

Pasaron 20 años. Luis Ortega se mantuvo leal a sus principios, sus películas no atrajeron multitudes hasta que llegó el supersuceso de El Ángel, una producción que resultó más accesible y seductora, donde no se traicionaba ni accedía a fórmulas predigeridas y mantenía en alto su característica calidad formal. Afortunadamente, funcionó, vaya si funcionó, como también sucedió con sus incursiones televisivas.

Soñar, soñar

Y hoy está presentando este Jockey que es una especie de culminación decantada de su filmografía con aportes en el guion de Rodolfo Palacios y Fabián Casas. Una pieza maestra que se abre en una zona de transición entre el sueño y la vigilia, con una lógica más cercana a la primera situación. ¿Dónde, si no, podría brotar del asfalto, frente a una señora errante, un desfile de granaderos a caballo en la ciudad nocturna, callada y solitaria, en un barrio cualquiera, con música fúnebre? ¿O esa misma señora con la cabeza vendada durmiendo en un escalón de la escalera mecánica del subte, con gente que sortea su cuerpo como si nada? ¿Y qué me dicen de las gemelas maduras idénticas, vestidas y arregladas del mismo modo, visitadoras de hospitales que le dicen a pacientes intubados: “Igual, la vida es perfecta”? ¿Y de un jockey desventurado que en el encierro de una celda, cuando se pone ansioso, es capaz de caminar por las paredes y el techo, tal como Donald O’Connor de bailar en iguales superficies en Cantando en la lluvia (1952)?

Menos extraño podría considerarse hoy día que el jinete del título sea, alternadamente, varón y mujer, jockey y señora de tapado, cartera y cabeza vendada en forma de sandía; peluquera en la cárcel donde cuenta la historia del caballo sometido por el hombre para usarlo en la guerra y de nuevo jockey corriendo peculiares carreras clandestinas con un perro o con un vehículo manejado por la versión desacostumbrada de un ángel de la guarda con sombrero tipo vaquero. Tampoco debería sorprender que su novia Abril, embarazada, lo acepte cariñosamente cuando él vira a mujer coqueta, sin dejar ella de noviar con otra jocketa. Todo bellamente filmado e iluminado por -ya se sabe porque se difundió mucho- el director de fotografía de Akis Kaurismaki, Timo Salmani, que se relame esculpiendo los rostros curtidos de algunos personajes de cierta edad (caballeros vinculados al negocio hípico recién teñidos), arropados por una banda sonora que brota naturalmente de las imágenes en movimiento, por un diseño de sonido que vibra en el aire de la sala y una inspirada música original.

Algunos hermosos caballos

Decimos imagen en movimiento y cae de maduro recordar que en 1878 hubo un pre-film -antes de la invención del cinematógrafo- realizado por Edward Muybridge descomponiendo en fotos sucesivas el galope de un caballo de carrera ¡en un hipódromo! (imágenes que parecen evocarse en los azulejos del baño donde la señora de marras se maquilla sentada en el inodoro). De paso, ya que estamos en tema, vale mencionar a varios de los mejores films con hermosos caballos (excluyendo los consabidos westerns): dos de John Huston (Reflejos en tus ojos dorados, de 1967 –con la furibunda Liz Taylor castigando a fustazos a su marido Marlon Brando por haber maltratado a su amado Pájaro de fuego–, y Los inadaptados, de 1961 –con  la sublime Marilyn Monroe salvando a caballos salvajes–); uno de Albert Lamorisse (Crin blanca, 1953) y, para no abundar, El caballo de Turín, de Bela Tarr, 2011, inspirado en una anécdota de Nietzsche que cayó en depresión profunda luego de asistir al tremendo castigo de un cochero a su caballo. En el apartado series, una joya que duró, ay, solo una temporada: Luck (2011), creación del gran David Milch, con Dustin Hoffman como mafioso recién liberado que ingresa a un hipódromo con ánimo vengativo. El primer episodio lo dirigió nada menos que Michael Mann, otra mirada provocadora sobre el mundo hípico, aunque sin identidades en tránsito…

Remo Manfredini, alguien con pasado

Mucho se ha nombrado localmente y en el exterior a Buster Keaton para relacionarlo con la suprema actuación de Nahuel Pérez Biscayart como Remo Manfredini, o Dolores, Lola, Lolita… según se va desdoblando en el film. Y realmente en algunas escenas es acertada la comparación.  Pero en otras instancias, por caso cuando muta a una bonita y esmerada peluquera que le hace claritos a un compañero de prisión en un mundo ideal, poco que ver con el genial Keaton: NPB hace una transfiguración prodigiosa.

En plan de asociar libremente con personajes e interpretaciones del cine, desde estas líneas se podría citar –para ciertos momentos donde Nahuel transmite una suerte de ausencia melancólica y su mirada se vuelve remota– al Alain Delon de El Samurai (1967), con su destino ya sellado desde antes de que empiece la película de Jean-Pierre Melville. O en Carlito’s Way (1993), a Al Pacino repasando su vida a punto de morir, viendo bailar en un aviso proyectado en la estación a su amada en el lugar paradisíaco que ya no podrán visitar…

A propósito de bailes –y ya comenzamos a cerrar–, una maravilla de sensualidad y sutiles alusiones tanto al cortejo amoroso de ciertas aves como a los movimientos de un jockey al galopar: las coreos de Manuel Atwell (formado con grandes maestros, con exquisitas realizaciones en su haber en diferentes espectáculos –Lorca, un teatro bajo la arena es uno de los grandes logros recientes–) magníficamente ejecutadas por Biscayart y Ursula Corberó, con segundos planos de jockeys y jocketas, con el correspondiente tema de Virus, generan arrobamiento total. 

Sabido es que una obra maestra puede tener acotadas flaquezas o imperfecciones. A esta cronista se le ocurre que el nombre Mishima para el caballo japonés es quizás un tanto ostentoso, y que la transformación que sufre el bebé de Rubén Sirena podría prestarse a equivocadas lecturas. Minucias, claro, si se las compara, por poner dos ejemplos de óptimos hallazgos, con el afiche en el subte de la tapa de una revista donde hay foto de Sirena con niñito y la leyenda “Fortuna y sensibilidad”, o con la tocante situación de la niña con síndrome de Down explicándole cosas de la vida a la conflictuada Abril.

De Nahuel Pérez B. y Úrsula Corberó hasta los actores y actrices que aparecen brevemente, todo el elenco merece alabanzas. Pero si hubiese que destacar dos nombres, vayan los de la chilena Mariana Di Girolamo (diestra protagonista de telenovelas, del film Ema, de Pablo Larraín) y del inmenso Daniel Fanego en su última interpretación como durísimo sicario vocacional –“cuando mato duermo como un bebé”– a punto de retirarse. Emoción muy honda para quienes lo hemos celebrado en el teatro, el cine, la televisión.

Y por si faltaba un bonus track, después de los créditos finales, Carlitos nos canta el tango Soy una fiera, desde el rol de burrero empedernido, cuya última frase (casualmente) es igual a la que se dice en Tío Vania, de Chejov: “Hay que vivir”.

MS/MG

Pocos festivales en el mundo le dedican desde siempre tanto espacio al cine argentino como el de San Sebastián, pero lo de este año ha sido inédito no solo en cantidad de películas seleccionadas en las diversas competencias (16), films en distintas etapas de desarrollo dentro de los apartados de industria (10) e invitaciones (a cargo de o gestionadas por la propia organización) sino también en la visibilización de su crisis. Por eso, le ha dedicado buena parte de la jornada de este martes 24 a difundir la situación y a manifestar de forma institucional su apoyo incondicional a la industria audiovisual nacional.

La elección del día no ha sido casual. Hoy se proyectó en el Kursaal 1, la sala más importante de la imponente sede del festival, “El hombre que amaba los platos voladores”, película de Diego Lerman con Leonardo Sbaraglia como el periodista sensacionalista José de Zer (aquel que rompía récords de rating en el noticiero Nuevediario con sus “investigaciones” sobre presencias extraterrestres en el cerro Uritorco) que compite por la Concha de Oro de la sección oficial; y también hoy se exhibió “Traslados”, el documental de Nicolás Gil Lavedra sobre los denominados Vuelos de la Muerte que el festival eligió como parte de esta movida política.

Lerman y Sbaraglia se presentaron por la mañana en la conferencia de prensa junto al resto del equipo de “El hombre que amaba los platos voladores” y no ahorraron críticas contra la política cinematográfica, cultural y general del gobierno de Javier Milei.

“Tenemos un cine del cual nuestros gobernantes y el presidente Milei deberían sentirse orgullosos, películas diversas elogiadas en todo el mundo, una industria que funciona, que da trabajo a miles de familia, pero la voluntad política esta siendo ciega, no hay apuesta al diálogo. Se ha generado un escenario de conflicto que nosotros no iniciamos. Duele ver cómo destruyen una industria”, opinó Sbaraglia.

Por su parte, Lerman, director de “Tan de repente”, “Mientras tanto”, “La mirada invisible”, “Refugiado”, “Una especie de familia” y “El suplente”, agregó que la situación del cine argentino es de “incertidumbre total, parálisis, tristeza e impotencia. Somos una generación que creció con la Ley del Cine y duele ver este ataque sistemático y violento”.

Luego fue el turno de un acto en las escalinatas de acceso al Kursaal 1 en el que la comunidad cinematográfica internacional acompañó a la delegación argentina, que incluyó a representantes de todas las películas presentes en esta edición, para una foto grupal. José Luis Rebordinos, director de la muestra, leyó una declaración oficial del equipo que lidera y cuya frase final es toda una declaración de principios: “Hoy, el Festival de Cine de San Sebastián como manifestación cultural que es, no puede permanecer al margen del desmantelamiento de una cinematografía que es de las más importantes de América Latina por parte de un gobierno que, además, justifica a una dictadura militar que asesinó a miles de ciudadanos ¡Aguante el cine argentino!”.

Luego de la lectura del texto también en euskera e inglés (aquí se manejan los tres idiomas de manera igualitaria), fue el turno de la directora y dramaturga Lola Arias, la actriz y cineasta María Alché y la intérprete Maricel Alvarez, quienes leyeron un duro comunicado de los artistas argentinos: “En la próxima edición de San Sebastián no habrá 26 películas. Probablemente haya 5, 2, ninguna. Imaginemos lo que eso significa en los cines de la Argentina, sin películas nacionales que proyectar, en las que nuestro público pueda verse, pensarse. Al igual que la ciencia, la universidad pública, los jubilados, el cine es una moneda de cambio más en una guerra cultural que a nadie beneficia y que no aporta nada a la nación. Más bien parece una cortina de humo para distraer a la sociedad en una economía donde día a día se hace más difícil acceder a las cosas más elementales, generando hambre, ignorancia y odio. Esto es parte de la agenda de un gobierno ultraliberal que intenta promocionar como libertad la destrucción de nuestra memoria y nuestra soberanía cultural”.

Luego del acto y de un cóctel para la delegación argentina organizado por el festival, elDiarioAr conversó con Diego Lerman en una entrevista realizada en el histórico hotel María Cristina de esta ciudad minutos antes de la función de gala de su flamante película. “El hombre que amaba los platos voladores no se podría hacer en el actual contexto. En ese sentido, el financiamiento por parte de Netflix fue la clave para un proyecto de esta envergadura con un extenso rodaje en pueblos de San Luis o en desiertos de Mendoza, con una minuciosa reconstrucción de época, mediados de los años '80, o con un soundtrack que incluye temas de Charly García y Sumo. No sé de qué manera, con las plataformas de streaming o de forma totalmente autogestiva e independiente mientras el INCAA siga paralizado, pero seguiremos haciendo cine. Si atravesamos y superamos la crisis de 2001 no tengo dudas de que vamos a resistir esta”, concluyó.

DB/JJD

La actriz estadounidense Shannen Doherty, especialmente conocida por sus trabajos en series como Beverly Hills 90210 y Hechiceras falleció este sábado 13 de julio a los 53 años de edad. En 2015 le diagnosticaron un cáncer de mama que finalmente ha terminado con su vida, según ha informado su representante a la revista People.

“Con gran pesar confirmo el fallecimiento de la actriz Shannen Doherty. El sábado 13 de julio perdió la batalla contra el cáncer después de muchos años luchando contra la enfermedad”, dice el comunicado de Leslie Sloane.

Doherty se hizo famosa en la década de 1990 interpretando a Brenda Walsh en Beverly Hills 90210. Al final de la cuarta temporada dejó la serie envuelta en una sonada polémica por su supuesta fricción con algunos miembros del elenco.

Después puso rumbo a Hechiceras (1998-2001) para dar vida a Prue Halliwell a lo largo de 66 episodios. Tras este llegaron otros trabajos en la pequeña pantalla, aunque ninguno de tanta importancia como los anteriores.

En 2015 le diagnosticaron cáncer de mama, enfermedad contra la que ha luchado en los últimos nueve años. En junio de 2023 anunció que padecía metástasis en el cerebro (el cáncer se reactivó en 2017), y el pasado mes de abril dijo que estaba preparada para morir.

“He empezado a empacar, por si acaso pasase algo”, declaró la actriz. Se estaba deshaciendo de algunos objetos personales para facilitar así el futuro trabajo de sus seres queridos. “Sientes que estás soltando algo que fue muy especial e importante para ti. Pero sabes que es lo que debes hacer y, al final, va a darte cierta sensación de paz y de calma. Porque estás ayudando a la gente que se va a quedar a tener una transición más limpia y más sencilla”.

El actor canadiense Donald Sutherland a los 88 años, según confirmó su hijo, el también actor Kiefer Sutherland, con un mensaje en redes sociales. Según la revista Variety, falleció este jueves en Miami tras “una larga enfermedad”.

“Con gran pesar les digo que mi padre, Donald Sutherland, ha fallecido. Personalmente me parece uno de los actores más importantes de la historia del cine. Nunca se intimidó por un papel, bueno, malo o feo. Amaba lo que hacía e hizo lo que amaba, y nunca se puede pedir más que eso. Una vida bien vivida”, escribió Kiefer Sutherland.

Un gran talento tanto para personajes protagonistas como secundarios, tanto héroes como villanos, Sutherland interpretó papeles memorables en películas como Los doce del patíbulo (Robert Aldrich) o MASH y recibió el Oscar honorífico en 2017 por su trayectoria profesional. Además, recibió un premio Emmy como actor de reparto por la serie de televisión Ciudadano X de HBO en 1995, y un Globo de Oro. El Festival de Cine de San Sebastián le concedió un premio Donostia en 2019 por medio siglo de excelencia interpretativa, allí dio gracias varias veces en euskera (“mila esker, Euskal Herria”), un gesto que sería recordado con cariño por el público del Zinemaldia.

Con una trayectoria de más de 150 películas, también se recuerda su interpretación en Como plaga de langosta (John Schlesinger), Gente corriente (Robert Redford), Novecento (Bernardo Bertolucci), La invasión de los ultracuerpos (Philip Kaufman), el Casanova de Federico Fellini o Los violentos de Kelly. Más recientemente, interpretó el papel del villano, el presidente Snow, en Los juegos del hambre, lo que le hizo conectar con una nueva generación gracias a uno de los personajes más importantes en una saga que reventó las taquillas de todo el mundo.

Estados Unidos ha denunciado este jueves a Live Nation, la empresa dueña del portal de compra de entradas Ticketmaster, por prácticas monopolísticas que han derivado en la subida de los precios de las entradas para los consumidores.

Así lo ha anunciado el Fiscal General estadounidense, Merrick B. Garland, en una rueda de prensa en la que afirmó que “las tarifas exorbitantes y las fallas tecnológicas” de la compañía “han sido criticadas tanto por fans como por artistas” y además son “anticompetitivas e ilegales”.

“Live Nation ha monopolizado ilegalmente los mercados de la industria de los conciertos en vivo en los Estados Unidos durante demasiado tiempo y es hora de romperlo”, ha afirmado Garland, quien ha asegurado que la compañía “bloquea la competencia y la venta de entradas mediante el uso de contratos exclusivos” de venta que pueden durar más de una década y con la adquisición de lugares propios.

Además, Ticketmaster impone una lista “interminable” de tarifas al comprador: de emisión de tickets, tarifas de servicio, tarifas de conveniencia, tarifas Platinum, tarifas maestras de precios por orden, tarifas de gestión y tarifas de procesamiento de pagos, entre otras.

El 80% de la venta de entradas y 400 artistas

Según datos ofrecidos por Garland, la compañía controla al menos el 80% de la venta de entradas en las principales salas de conciertos; gestiona directamente a más de 400 artistas; controla más del 60 % de las promociones de conciertos en todo el país y posee o controla más del 60 % de los grandes anfiteatros de Estados Unidos.

Esta situación, añade, deriva en que “los fanes pagan más” y “los artistas tienen menos oportunidades de tocar en conciertos”, mientras que “los promotores más pequeños quedan excluidos y los lugares tienen menos opciones reales para los servicios de venta de entradas”. La demanda fue presentada en Nueva York por el Departamento de Justicia y por 30 Fiscales generales estatales y de distrito.

El colapso de Ticketmaster con Taylor Swift

Live Nation lleva meses siendo escrutada de cerca, incluso por el Congreso de Estados Unidos, especialmente tras el colapso que experimentó Ticketmaster durante la venta de entradas para la gira de la cantante Taylor Swift.

Ticketmaster canceló la venta pública el 17 de noviembre del 2022, solo un día antes de que salieran a la venta oficialmente, y se excusó en que había demasiada demanda, de manera que el inventario restante era insuficiente para satisfacerla.

En junio pasado, Live Nation se comprometió a ser más transparente con los precios que cobra a sus clientes, una aparente respuesta a la presión ejercida por la Administración Biden.

La demanda contra la compañía se convertirá en uno de los casos de competencia más importantes presentados durante la presidencia del demócrata. En los últimos tres años, los reguladores federales han presentado cargos antimonopolio contra gigantes tecnológicos como Apple, Amazon y Google. 

Si el año pasado la película más esperada en el Festival de Cannes fue “Los asesinos de la luna”, de Martin Scorsese, en esta 77ª edición que comenzó el martes último el film sobre el que todos especulaban y comentaban de antemano era “Megalopolis”, de Francis Ford Coppola. Tiene su lógica: ambos son autores insoslayables y auténticos mitos vivientes. Y, se sabe, la cinefilia en general y los franceses en particular tienen una admiración profunda, casi reverencial, por estos maestros (de 81 y 85 años, respectivamente) que junto con Brian De Palma, George Lucas, Steven Spielberg y varios otros tomaron por asalto a Hollywood durante la gloriosa década de 1970.

“Megalopolis” es la película que Coppola viene maquinando desde hace más de cuatro décadas, un gran sueño para el que apostó —como tantas veces en su carrera— a lo grande. De hecho, financió los US$120 millones que costó de su propio bolsillo, vendiendo para ello parte de los famosos viñedos que han sido su sustento y lo han salvado varias veces de la bancarrota.

La película llegó a Cannes en medio de polémicas, trascendidos, chimentos y denuncias: que Coppola echó de mala manera al equipo de arte en medio del rodaje, que el director tuvo comportamientos inapropiados hacia algunas mujeres (lo publicó hace pocos días el prestigioso diario inglés The Guardian), que ninguno de los estudios de Hollywood ni las principales plataformas de streaming se animó a desembolsar US$100 millones (y otro tanto en publicidad) por un film al que consideran muy poco comercial. Por eso, las notas de las últimas horas en medios del ambiente como Variety tenían títulos contundentes como este: “¿Podrá Cannes salvar a 'Megalopolis'?”.

Y esta épica de 138 minutos finalmente tuvo esta tarde su première mundial en la mítica Sala Lumière con la presencia de Coppola y de buena parte del elenco: Adam Driver, Nathalie Emmanuel, Aubrey Plaza, Shia LaBeouf, Giancarlo Esposito, Chloe Fineman, D.B Sweeney, Laurence Fishburne y John Voight, entre otros. La proyección terminó con la platea de pie ofreciéndole una ovación que duró siete minutos, pero críticas más bien divididas.

Presentada como una “fábula” (ese es el término que figura como subtítulo debajo de “Megalópolis”), esta película de estética retrofuturista está ambientada en Nueva Roma (una Manhattan con una impronta más propia de imperio romano) y tiene como protagonista a César Catalina (Adam Driver), un arquitecto, científico, filósofo y genio ególatra no siempre comprendido (claro alter ego de Coppola) cuya obsesión es construir una ciudad y una sociedad utópica (aunque lo que aparece en pantalla es más bien distópico).

El film aborda cuestiones recurrentes en el cine de Coppola como las luchas dentro de y entre familias, la cuestión del tiempo (en la primera escena César logra detenerlo), la violencia propia de la ambición desmedida y de una dinámica a todas luces disfuncional. Fiestas dionisíacas, duelos propios de un coliseo romano, manifestaciones callejeras y desfiles, explosiones e implosiones (edificios que son derrumbados), caos financiero y satélites que están por caer a la Tierra nos presentan un colapso que parece inminente y que César intentará detener y remediar con sus teorías y proyectos.

Los rivales (némesis) del protagonista son el alcalde de la ciudad Frank Cicero / Cicerón (Giancarlo Esposito) y el rey de las finanzas Hamilton Crassus III (Jon Voight), mientras que su amante es Wow Platinum (Aubrey Plaza), aunque la gran historia de amor de César será con Julia Cicero (Nathalie Emmanuel), quien no es otra que la hija del alcalde.

Si “Megalopolis” planteaba en principio un claro un espíritu satírico, hay que indicar que el film nunca resulta demasiado gracioso ni punzante en ese sentido, sino más bien todo lo contrario: dominado por constantes citas a grandes pensadores, por diálogos altisonantes y subrayados, y por una tendencia a la sobreactuación, se aleja por completo de cualquier atisbo de realismo o naturalismo para abrazar con fuerza aquella idea de fábula. De todas maneras, las alegorías, simbolismos y paralelismos con la realidad son más que evidentes: en el ascenso de Clodio Pulcher (Shia LaBeouf), un líder populista que incentiva y se beneficia del creciente descontento, puede verse algo del fenómeno Donald Trump y otros similares de estos tiempos en diferentes latitudes.

La experiencia de ver y analizar “Megalopolis” (que incluyó la sorpresiva aparición en vivo sobre el escenario y en plena proyección de un locutor que “interactúa” con el personaje de Driver) deja sensaciones encontradas, profundas contradicciones porque tiene unas cuantas escenas deslumbrantes y momentos de indudable inspiración visual e intelectual, pero ese entusiasmo se desvanece casi de inmediato y por completo en otros pasajes que resultan banales, torpes y burdos en su estética, sus diálogos y sus reflexiones. Así de desconcertante es este regreso del director de la saga de “El Padrino”, “Apocalipsis Now”, “La conversación” y “La ley de la calle”. Lejos de las cimas de aquellas obras maestras, “Megalópolis” sí queda, de todas maneras, como su película más personal, la que siempre soñó, la que se apreciará como su testamento fílmico, su legado no solo cinematográfico sino como una reflexión sobre los grandes problemas de este mundo que siempre le han preocupado y ahora, con todos sus hallazgos y sus traspiés, finalmente pudo abordar y compartir.

DB/JJD

El actor y cantante David Soul, quien diera vida al detective Ken 'Hutch' Hutchinson en Starsky y Hutch, falleció este jueves 4 de enero a los 80 años. La encargada de anunciarlo fue su mujer, Helen Snell, que comunicó que el fallecimiento se produjo “tras una valiente batalla por la vida en la amorosa compañía de su familia”.

“Compartió muchos extraordinarios regalos con el mundo como actor, cantante, narrador, creativo y amigo”, añade el comunicado, que recoge BBC. “Su sonrisa, su risa y su pasión por la vida será recordada por todos aquellos a aquellos en cuyas vidas impactó”.

Fue Hutch durante casi 100 episodios en los setenta

Durante cuatro temporadas y cerca de un centenar de episodios, entre 1975 y 1979, Soul se alzó como una de las grandes estrellas de la televisión internacional, gracias a su rol de Starsky y Hutch, donde compartía planos con Paul Michael Glaser, este último como Starsky. Ambos volvieron a retomar sus papeles brevemente en la adaptación cinematográfica de 2004, donde Owen Wilson tomó su papel de Hutch.

Asimismo, su carrera en la música también gozó de importantes éxitos con temas como Silver Lady y Don't Give Up on Us Baby.

Más allá de Starsky y Hutch, también destacó en Harry, el fuerte, ante Clint Eastwood, en la miniserie El misterio de Salem's Lot (originalmente estrenada en España como Phantasma II) y en la aplaudida tv-movie Asesinatos en el FBI. Su último crédito corresponde al largometraje Filth, en 2013.

Soul se casó en cinco ocasiones. En 1980 fue arrestado por agredir a su entonces mujer, Patti Carnel Sherman, embarazada de siete meses. Soul luego hablaría sin pudor de su remordimiento por este hecho y se dedicó a visitar prisiones para concienciar contra la violencia machista.

Un profundo pesar generó en el mundo del espectáculo la muerte del titiritero José Luis Telecher, creador de personajes entrañables como Carozo, Narizota y Pepe Pompín y que falleció este domingo a los 64 años.

Los títeres de Telecher acompañaron a varias generaciones de argentinos y numerosas personalidades de la cultura y el entretenimiento le rindieron homenaje en redes sociales, no bien se conoció la noticia de su muerte.

El artista y productor, nacido en 1959, era oriundo de Caseros y trabajaba detrás de cámaras en televisión desde los 13 años. En su carrera profesional se mostró como una persona de bajo perfil, ya que su rostro no era muy conocido ante los ojos de la sociedad, pero sí sus personajes, que fueron un éxito.

Carozo y Narizota tuvieron su primera aparición en TV en 1977. Entonces, un productor se comunicó con Telecher para consultarle si todavía tenía su muñeco “bocón, simpático y gracioso” para que se sumara a las Trillizas de Oro y a Pipo Pescador. A raíz del furor que generaron los títeres, tres años después tuvieron su propio programa.

Más tarde, con restos de tela, creó a Pepe Pompín, otro muñeco que se sumó a Desayuno, de Víctor Hugo Morales, y a AM, ciclo conducido por Verónica Lozano y Leo Montero.

“José querido, qué tristeza inmensa. Gracias por tu amor, talento y humor. Siempre estarás en mi corazón. Cuidaremos de Pepe, Carozo y Narizota. ¡Amor para tu familia!”, publicó Lozano en su cuenta de la red social X, antes Twitter.

Por su parte, la Asociación Argentina de Actores expresó en la misma plataforma: “Despedimos al titiritero José Luis Telecher. Fue el creador de inolvidables personajes que acompañaron a varias generaciones, como Carozo y Narizota y Pepe Pompín. Nuestras sentidas condolencias a su hermana Patricia, familiares y seres queridos”.

Las creaciones de Telecher, cuyo deceso fue dado a conocer en la cuenta de sus títeres en redes sociales, formaron parte de exitosos programas televisivos y acompañaron a nombres históricos de la pantalla chica como Gerardo Sofovich, Victor Hugo Morales, las Trillizas de Oro, entre otros. “Hasta siempre José Luis Telecher”, publicaron en las últimas horas justamente las Trillizas de Oro en X.

El popular conejo Pepe Pompín también registró apariciones en “Sin Codificar”, “Socios del espectáculo” y varios programas más de televisión. En el caso de Carozo y Narizota, ambos personajes trascendieron las fronteras nacionales al participar en Estados Unidos en distintos ciclos de TV, en Telemundo y Univisión, entre 1989 y 1993.

Eran títeres ampliamente famosos ya por aquellos años, después de haber comenzado con su propio programa de televisión en 1980, llamado “El show de Carozo y Narizota”. En ese ciclo compartían cartel con el Profesor Gabinete.

En 1983 el show vespertino pasó a llamarse “La Granja de Carozo y Narizota”, y cambió a horario matutino. Luego condujeron otros programas como por ejemplo “Carozo, Narizota y sus amigos” hasta 1989 en Canal 9, antes de replicar su éxito en Estados Unidos.

NA/JJD

La mayor agencia de talentos de Japón, Johnny and Associates, reconoció este jueves por primera vez la comisión de abusos sexuales por parte de su fundador, Johnny Kitagawa, a menores de edad durante décadas, y su actual presidenta anunció su renuncia ante las revelaciones.

“Tanto por parte de la empresa como de la mía personal, somos conscientes de que se produjeron abusos sexuales por parte del difunto Johnny Kitagawa, por lo que pido perdón profundamente a las victimas, personas afectadas y a los aficionados”, dijo Julie Keiko Fujishima, sobrina de Kitagawa, en una rueda de prensa.

La dimisión de Fujishima al frente de la agencia, más conocida simplemente como Johnny's, se produce después de que una investigación interna confirmara los abusos sexuales “repetidos y continuados” cometidos durante décadas por el fallecido Kitagawa, de los que se desconoce la cifra exacta de afectados.

Fujishima será sustituida en la presidencia por Noriyuki Higashiyama, exmiembro del grupo musical Shonentai, actor y moderador de televisión representado desde hace tiempo por Johnny's, quien también se disculpó públicamente con las víctimas.

“Durante largo tiempo las víctimas y sus familias sufrieron de forma física y mental. Quiero enfrentarme a esta situación y tengo el firme propósito de tratar este tema de forma sincera y con todo mi esfuerzo”, dijo Higashiyama en dicha rueda de prensa.

Tanto la anterior presidenta como el nuevo no adelantaron en principio cuáles serán los procesos para evitar una situación parecida en el futuro ni si se llevará a cabo una indemnización económica o apoyo psicológico a las víctimas.

En una investigación reciente que duró tres meses, un grupo interno concluyó que los abusos fueron frecuentes desde la fundación de Johnny's en la década de 1960 y hasta mediados de la década pasada y, aunque no dieron una cifra exacta de casos ni de víctimas de Kitagawa, el grupo de expertos habló de “múltiples actos”.

Kitagawa (1931-2019) era un conocido productor y agente venerado en el país asiático por crear una fórmula para el estrellato y que es aún usada en las industrias del K-Pop y J-Pop en Corea del Sur y Japón, captando a jóvenes y formándolos hasta su eventual debut.

Muchas víctimas reconocieron que este tipo de actos estaban normalizados entre los jóvenes de la agencia, ya que sabían que tendrían que renunciar a sus carreras en el mundo del espectáculo si no accedían.

Tras su absolución, Juan Darthés grabó un video en el que habló de la “destrucción” de su trabajo y de su vida y la respuesta de Thelma Fardin no se hizo esperar. “Todo es un mamarracho. Es un tipo que no aceptó responder preguntas en el juicio, porque si salía de su discurso armado, se contradecía, porque él sabe perfectamente lo que me hizo”, expresó en declaraciones a TN Show.

La Justicia de Brasil absolvió en primera instancia al actor de 58 años por la acusación de abuso sexual por presuntos hechos ocurridos el 17 de mayo de 2009 en Nicaragua, durante una gira de “Patito Feo”. En ese entonces, Darthés tenía 45 años y la víctima, 16. De acuerdo con el Tribunal no existen pruebas de acceso carnal y las demás acusaciones de abuso prescribieron por lo que se resolvió en favor del imputado.

Ante esta decisión, la actriz reafirmó que apelará el fallo de la justicia brasileña y aseguró que Darthés continúa faltando a la verdad. “Él seguirá mintiendo. No puede denunciarme porque o hay precedentes judiciales. Lo hace sólo para amedrentar a otras víctimas. Yo digo la verdad y lo voy a probar. Vamos a apelar”, indicó.

El actor, que tras las acusaciones en su contra se radicó en Brasil, publicó en la cuenta de Instagram de Fernando Burlando, este domingo, un video en el que menciona el daño irreparable resultante de las acciones legales de Fardin. “Cinco años, casi cinco años que ya pasaron... Hablarte de la destrucción de la vida, de mi pasado, del trabajo y del daño irreparable, no tiene sentido. Creo que lo sabés y no me voy a quedar en eso. Porque cada uno tiene sus luchas. Pero bueno, la Justicia ya emitió dos fallos y fueron claros y contundentes”, señaló Darthés.

Frente a estas declaraciones, la actriz sostuvo que se trata de una intimidación y alentó a otras víctimas de abuso sexual a alzar la voz y realizar las denuncias pertinentes. “Mi mensaje es para las pibas: estos dinosaurios no nos van a callar porque tengan una Justicia amiga de su lado”, afirmó.

ACM con información de NA - NB

Luego de agotar las entradas para los tres shows previstos en el estadio Movistar Arena en menos de dos horas, Luis Miguel agregó seis nuevas fechas para los días 8, 9 y 12, 15, 17 y 18 de agosto. La preventa se agotó en apenas 30 minutos.

“El sol de México”, quien había confirmado la apertura de su gira mundial en Buenos Aires con funciones las noches del 3, 4 y 6 de ese mes, ahora tiene las entradas para las nuevas fechas a la venta en la página oficial del predio.

Las presentaciones inaugurarán una intensa recorrida con otros 45 shows en 4 meses, cuya gira será entre agosto y diciembre también pasará por escenarios de Estados Unidos, México y Chile. Con estos recitales en Argentina, el artista se reencontrará con el público local después de cuatro años.

Desde el mes de febrero, Luis Miguel mantuvo en suspenso a sus fans sobre su posible gira, hasta que el pasado 19 de abril anunció su nuevo tour. Su anterior visita a la Argentina fue en marzo de 2019, cuando dio recitales dobles en el Orfeo Superdomo de Córdoba y en el Campo Argentino de Polo.

LC

Primera vez de Masters of Rock en Argentina. Primera vez en el Parque de la Ciudad. Último recital de Kiss. Eso dijeron también la vez pasada, en su End of the Road World Tour. En aquella ocasión, tocaron en el Hipódromo de Palermo, el 23 de abril de 2022. Anoche, tocaron en el festival de origen checo, y son el plato principal de un menú que tuvo como entrada a Deep Purple y Scorpions, otras bandas históricas.

El Premetro deja a los fanáticos en una punta del Parque, pero sus portones estaban cerrados, con una persona detrás que cuando ve acercarse a alguien levanta el brazo e indica dar toda la vuelta. Deep Purple arrancó 17:30, un horario complicado, por lo que muchos escucharon las primeras y últimas notas de Smoke on the Water en la caminata a la entrada. Un paso que se convirtió un desfile para los policías de la Ciudad, por poco enemigos naturales de los rockeros, parados con sus remeras bordó frente a una comisaría.

Mientras el sol se esconde y deja ver un atardecer anaranjado que se tiñe de amarillo y violeta, la Torre Espacial se mantiene omnisciente y ominosa, porque a pesar de estar prácticamente abandonada y cerrada al público por seguridad, sus luces permanecen encendidas. Sobre la avenida Coronel Roca, se venden remeras de Kiss que quedaron de la vez pasada. También cintos, calcomanías, pines, aritos, hasta pipas y cucharitas muy chiquitas. Hay puestos de maquillaje artístico, donde chicos y grandes se pintan de negro y blanco.

Para ingresar, el agente de prevención palpa rápidamente las camperas y los pantalones. Al pedir abrir las riñonera o las carteras, no llega a ver siquiera dentro del cierre cuando dice “esta bien” y deja pasar. Está prohibido entrar con comida y bebida, drogas ni hablar, porque adentro se ofrece una tarjeta recargable, para pagar cashless todos los consumos en el predio. Una medida reciente de los festivales de música.

Termina Deep Purple y una banda en la otra punta del escenario dice “acá, al costadito” y comienza a tocar Black Dog, el primer tema de Led Zeppelin IV, así como otros covers, mientras una pantalla diez veces el tamaño del vocalista pasaba propaganda de la Ciudad y publicidad de papas McCain.

En el campo, llegaban a verlos gente de todas las edades, pero más que nada adultos: los adolescentes tardíos son una primera minoría. Las cabelleras de los más grandes abarcan desde largas melenas rulientas hasta brillantes cueros cabelludos. Algunos traen chicos con las caras pintadas de alguno de sus Kiss favoritos. Uno levanta la cabeza y una brisa fresca trae un olor a tabaco y marihuana.

Luego de unos minutos de oscuridad, sale Scorpions con un escorpión gigante en las pantallas. Son hombres grandes con ropa de rockeros. “Está re duro” dicen en el campo sobre el cantante Klaus Meine. En The Zoo, Matthias Jabs y Pawel Maciwoda se mueven de izquierda a derecha al ritmo del riff. Rudolf Schenker casi se cae con un salto con su guitarra, pero la levanta y la toca con una sola mano. Jabs vocalizó a un tigre eléctrico mientras la cámara hace zoom en sus brazos flácidos y sus dedos arrugados que, con la cara de alegría de un niño, acariciaba las cuerdas como si fuera 1984. Apariencias que, a veces, engañan. 

Tocaron nuevas como Peacemaker, y Rock Believer pero también clásicos como Bad Boys Running Wild, Send Me An Angel, Tease Me Please Me y Winds Of Change, dedicada a Ucrania. El conocido silbido de esta última resonó en toda la audiencia. Como es de costumbre, el baterista Mikkey Dee, primero acompañado por el bajista Maciwoda, dio un solo que hizo retumbar hasta la caja torácica, quizás el momento más ovacionado de su presentación. Saludaron después de Big City Nights, pero volvieron a pedido del público a tocar Still Loving You, el momento de más brillo de Meine. El final fue con Rock You Like A Hurricane, su tema más conocido.

Apenas terminó Scorpions, una multitud de productores invadió el escenario para erigir inflables gigantes de cada uno de los miembros de Kiss, como banderas enormes. “Alright Buenos Aires, you wanted the best, you got the best” dijo su cantante Paul Stanley. Con un estallido, cayeron las telas para revelar el evento más esperado. Bajaron los cuatro de plataformas colgantes al ritmo de Detroit Rock City, pero recién los gritos del público, desesperado, llegaron con Shout It Out Loud: “shari, shari, shari la lá”.

Aunque la pintura blanca y negra no pudo ocultar los cachetes caídos y los pliegues en sus cuellos, estos no impidieron que Kiss diera un show lleno de explosiones, fuego y láseres. Ni hablar del cariño con el público argentino pocas veces visto, incluso en un país famoso por su devoción inaudita a los artistas internacionales. Paul no se cansó de decir que ama Buenos Aires, como de jugar con la hinchada del público y de intentar hablar en castellano. “Yo soy kissero, es un sentimiento, no puedo parar”, vitoreaban.

Tommy Thayer tuvo su momento cuando esas plataformas, transformadas en ovnis, bajaron solo para ser derribadas por el fuego de su guitarra. En su solo, disparó desde sus cuerdas para hacer estallar a los platos voladores, un momento más del despliegue pirotécnico de la banda. El guitarrista le dio el pie a Lick It Up, otra de las más cantadas. Eric Singer se tomó unos minutos para jugar con su batería y arrojar gestos juguetones al público, mientras su plataforma lo levantó por los aires.

Gene Simmons, el preferido, salió con su clásico bajo en forma de hacha. Fue ahí que, con todas las cámaras en un primer plano de su cara, no se sintió bien. En medio de su mejor momento, su cara pálida se tornó verde, su boca se abrió y soltó una catarata de sangre, en la secuencia más terrorífica de la noche. Se elevó hasta casi tocar a los reflectores para cantar God of Thunder y Calling Dr. Love.

Paul, luego de anunciar que esa es su doceava y “última” visita al país, pidió que lo llamaran para cantar Love Gun. Tres veces gritaron por él, y a la tercera se subió a un aro sostenido por arneses que lo hicieron volar sobre el campo vip para aterrizar en una estructura metálica al filo de la popular. Al final, preguntó si podia quedarse para una canción más, y con tararearla resumió todo: I Was Made For Lovin’ You.

Después de una primera despedida, apareció un piano de cola plateado con Eric para lo que parecía ser un cierre emotivo. De todos modos, volvieron Paul, Gene y Tommy con un último tema de Destroyer: Do You Love Me, que vino con la suelta de globos blancos. El gran final, lleno de papelitos blancos y rojos, fue con Rock And Roll All Nite. Aunque fue el mismo espectáculo que el año pasado, los kisseros no presentaron objeciones, sino ganas de seguir. “Kiss loves you, Buenos Aires” concluyeron las pantallas.

Kiss tiene una historia de 40 años con el público argentino. De negociaciones fallidas, de conciertos cancelados por managers que se borraron, de un tal Carlos Spadone y una espera de más de 10 años para su primera presentación en Buenos Aires. Esperemos que la promesa del año pasado vuelva a romperse, y que la icónica banda continúe jugando con los sentimientos de los argentinos.

LC

Luis Miguel confirmó este jueves su regreso a la Argentina, al anunciar en sus redes sociales la gira que iniciará en agosto con tres fechas en Buenos Aires. En el listado de los 43 shows que dará entre agosto y diciembre, aparecen también paradas en Estados Unidos, México y Chile.

El tour, anunciado sobre el cierre de su cumpleaños número 53, tendrá su largada el 3, 4 y 6 de agosto en Buenos Aires, en un estadio que aún no fue confirmado.

La última ocasión del artista en la Argentina fue en 2019, cuando llegó para dar una serie de conciertos en el marco de su gira “México por siempre”. Fue en el marco de una vuelta a los escenarios revitalizada por la salida de la serie que Netflix produjo sobre su vida.

En esa oportunidad, se presentó tanto en el estadio Orfeo de Córdoba y brindó otros dos recitales en el Campo Argentino de Polo de Buenos Aires.

LC con información de agencia Télam