Los Emmy 2025 anunciaron este martes 15 de julio su lista de nominados, que reconocen las mejores series estrenadas entre el 1 de junio de 2024 y el 31 de mayo de 2025. Los ganadores de la 77ª edición de los premios de la televisión estadounidense se conocerán el domingo 15 de septiembre.

Entre los nombres que destacan este año figuran los actores Javier Bardem, Harrison Ford y Pedro Pascal, así como los elencos de algunas de las producciones más comentadas de la temporada: The Bear, Hacks, The White Lotus y la revelación Adolescencia. No obstante, dos títulos se han consolidado como los grandes contendientes: Severance, la distópica serie de Apple TV+, lidera con 27 candidaturas, mientras que El Pingüino, producción de HBO Max centrada en uno de los villanos más icónicos del universo Batman, suma 24. Ambas se perfilan como las favoritas de esta edición, aunque no están solas en la carrera. The Studio y The White Lotus empatan con 23 nominaciones cada una, confirmando su poderío tanto en crítica como en industria.

En la categoría de comedia, The Studio iguala el récord de 23 nominaciones que The Bear consiguió el año pasado, aunque ninguna ha logrado aún batir el histórico récord absoluto de Juego de tronos, que en 2019 se alzó con 32 candidaturas.

Primera nominación a un Emmy para Javier Bardem

La ceremonia, que tuvo lugar a las 8:30 horas de la mañana, hora local de Los Ángeles, contó con la participación de los actores Brenda Song y Harvey Guillén, acompañados por el presidente de la Academia de Televisión de Estados Unidos, Cris Abrego.

En el terreno de las miniseries, la aclamada Adolescencia, que partía como favorita y ha confirmado su estatus con varias nominaciones. La acompañan títulos como El Pingüino, Dying for Sex, un nuevo episodio de Black Mirror y Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez.

Precisamente esta última trajo consigo una de las sorpresas más destacadas del año: la nominación de Javier Bardem. El actor español, con seis candidaturas previas al Globo de Oro y cuatro al Oscar, incluida una estatuilla ganada por Sin lugar para los débiles, recibe ahora su primera nominación a un Emmy por su interpretación en esta producción de Netflix. Se trata, además, de su debut absoluto en el formato televisivo.

La irrupción de Bardem en la pequeña pantalla, respaldada por una interpretación que ha despertado elogios tanto dentro como fuera de la crítica estadounidense, añade un peso extra a la contienda. Su presencia no solo eleva el perfil internacional de la categoría, sino que también marca un momento simbólico, una estrella consolidada del cine que decide cruzar la frontera hacia la televisión y es recibida con honores.

Llama especialmente la atención que, a pesar del enorme impacto y la aclamación mundial de El juego del calamar, ni su segunda ni su esperada tercera temporada han conseguido colarse en las nominaciones a los Emmy. La serie surcoreana, que revolucionó el panorama televisivo con su primera entrega, parece haber perdido fuerza ante la crítica, a pesar de mantener una base sólida de seguidores. Un fenómeno global que, esta vez, no ha sido suficiente para conquistar a la Academia.

Lista de nominados a los Emmy 2025

DRAMA

Mejor serie dramática

Mejor actor principal en serie dramática

Mejo actriz principal en serie dramática

Mejor actor de reparto en serie dramática

Mejor actriz de reparto en serie dramática

Mejor actor invitado en serie dramática

Mejor actriz invitada en serie dramática

COMEDIA

Mejor serie de comedia

Mejor actriz de comedia

Mejor actor de comedia

Mejor actriz de reparto en una serie de comedia

Mejor actor secundario en comedia

Mejor actriz invitada en comedia

Mejor actor invitado en comedia

MINISERIE Y TV MOVIE

Mejor miniserie

Mejor tv-movie

Mejor actriz en una miniserie o película para televisión

Mejor actor en una miniserie o película para televisión

Mejor actriz de reparto en una miniserie o película para televisión

Mejor actor de reparto en una miniserie o película para televisión

Programas de televisión

Programas de entrevistas

El Eternauta, clásico de clásicos de la historieta argentina y mundial creado por Héctor G. Oesterheld, ilustrado por Francisco Solano López y publicado por primera vez en 1957, fue durante décadas el sueño (imposible) de decenas de productores, directores y guionistas de la industria cinematográfica. La historia de Juan Salvo y un grupo de sobrevivientes luchando contra una invasión alienígena en medio de una Buenos Aires devastada por tormentas de cenizas tóxicas que parecen nevadas tenía todos los condimentos propios de la más impactante distopía, de lo apocalíptico, del género tanto bélico como de aventuras y hasta derivaciones políticas a partir de un tema como la resistencia (por entonces el peronismo estaba proscripto) y de un eslogan disruptivo en estos tiempos de individualismo: “Nadie se salva solo”.

Más allá de las siempre complicadas –y a veces conflictivas– cuestiones de derechos, El Eternauta estuvo cerca de ser una película (hasta Lucrecia Martel trabajó durante un buen tiempo en ese proyecto), pero finalmente llegó este miércoles 30 de abril en formato de serie (la primera temporada consta de 6 episodios de algo menos de una hora cada uno) gracias a una compañía que viene desarrollando el proyecto desde hace más de una década (K&S Films, responsable de exitosos films como “Relatos salvajes”, “El clan” y “El Ángel”), al financiamiento y distribución por parte del servicio de streaming más popular y poderoso del planeta (Netflix) y el trabajo de un showrunner, realizador y jefe del equipo de guionistas como Bruno Stagnaro.

De larga experiencia en el universo de las series (“Okupas”, “Un gallo para Esculapio”), Stagnaro fue también una pieza clave en el surgimiento del Nuevo Cine Argentino con ese clásico de 1997 codirigido con Israel Adrián Caetano que es “Pizza, birra, faso”, una película que con mínimos recursos se apropió de Buenos Aires (la escena en el Obelisco ya es icónica) de la misma manera en que ahora –con muchísimo más presupuesto y tecnología de vanguardia– lo hace “El Eternauta” con otros barrios de la ciudad.

“Para mí ese arco temporal y artístico tiene todo el sentido y está mucho más próximo de lo que se podría suponer”, dice Stagnaro en diálogo con elDiarioAR. “La resolución de la escena del Obelisco en aquel momento lo hicimos con back projecting, que ya era una técnica totalmente en desuso, con muy pocas probabilidades de éxito. Dijimos: 'Probémoslo igual”, y funcionó“.

Stagnaro agrega: “La verdad es que no hay mucha diferencia entre aquello y esto, ni en lo material, ni en términos de actitud. Y me parece que ese tipo de situación es algo que me mueve, que me importa. Lo que me interesa rescatar de 'Pizza, birra, faso' es que siempre que se pueda estar en el lugar real y con el espacio físico de la ciudad voy a apostar por eso. El otro día encontré una nota que me hicieron por 'Okupas' en el año 2000 y es muy loco porque en ese momento hablaba de 'El Eternauta' como una posibilidad completamente lejana e improbable en mi vida, pero sí lo definía como algo que había tenido una influencia enorme en lo que me interesaba de filmar”.

Una historia actualizada

Vistos cuatro de los seis episodios de esta primera temporada que Netflix adelantó a la prensa, queda claro que la serie es muy fiel al espíritu de la historieta original (Martín M. Oesterheld, nieto del autor, trabajó como consultor creativo) en cuanto a atmósferas, estéticas, lugares y arcos narrativos (más del primer fascículo que del segundo), pero bastante distinta y distante en otros aspectos. Ya desde los planos iniciales, con tres chicas adolescentes a bordo de un velero en pleno Río de la Plata cuando en el cielo surge una suerte de aurora boreal que mancha de verde la noche seguida de una tormenta y un apagón total de la ciudad, intuimos que estamos en una Buenos Aires contemporánea.

Y eso quedará ratificado en la escena siguiente (un flashback), cuando veamos a Juan Salvo (Ricardo Darín), al Ruso (Claudio Martínez Bel) y a Omar (Ariel Staltari, también coguionista de la serie) varados a bordo de un auto por un piquete y al caos callejero debido a los constantes cortes de luz en medio de una ola de calor. Mientras Juan y el Ruso cantan “No pibe”, de Manal, Omar, que justo ha regresado a Buenos Aires luego de un par de décadas radicado en Michigan, se queja de su (mala) suerte: “Argentina, qué país, me fui con cacerolazos, vuelvo 20 años después y me reciben con cacerolazos”.

Las conexiones entre ese presente y el 2001 no son los únicos cambios de una serie que se toma el tiempo necesario para exponer, desarrollar y profundizar la psicología y la historia de cada uno de los personajes, como por ejemplo la tensa relación entre Juan y su exesposa, Elena (una médica interpretada por Carla Peterson), cuando tienen que salir a buscar a su hija Clara en medio de múltiples amenazas y peligros, las contradicciones del personaje más enigmático, inclasificable, creativo e incómodo del grupo como el de Alfredo “Tano” Favalli (el uruguayo César Troncoso), que está casado con la Ana de Andrea Pietra; o el Lucas de Marcelo Subiotto (“Puan”), un bienintencionado empleado bancario que desde hace 30 años espera un ascenso que nunca se ha concretado.

No conviene adelantar demasiado de la trama (aunque se van adaptando con bastante fidelidad los eventos de la primera parte de la obra de Oesterheld), pero la imponencia de ver Puente Saavedra y la avenida Cabildo completamente “nevadas” o la irrupción de los escarabajos gigantes de los invasores extraterrestres a partir del tercer episodio hacen de “El Eternauta” el espectáculo épico que todo lector de la historieta siempre ha soñado con ver en imágenes en movimiento.

En el excelente soundtrack de los primeros capítulos de la serie se escuchan clásicos como el apuntado “No pibe”, “Salgan al sol”, de Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll; “Cuando pase el temblor”, de Soda Stereo; o “Todo cambia” y “Credo”, ambas en la voz de Mercedes Sosa, pero también canciones más recientes como “El Magnetismo”, de El Mató a un Policía Motorizado (¿Quién te va a cuidar? / En este mundo peligroso tenemos que estar juntos / ¿Quién detendrá a la turba iracunda si no estoy con vos, nena? / Con este magnetismo que sigue bajando, nena). Y precisamente esa convivencia, esa mixtura de épocas, citas, homenajes y referencias, es la que se percibe también en una historia en la que ese grupo de amigos maduros que se reúne todos los viernes por la noche en un sótano a jugar al truco y tomar whisky deberá lidiar con y unirse a otros personajes más jóvenes y con una idiosincrasia muy diferente para enfrentar a un enemigo tan desconocido como poderoso.

Desafíos de una superproducción

elDiarioAR visitó el set principal en los Estudios Ronda en Martínez durante una filmación que se extendió durante 148 jornadas entre junio de 2023 y marzo de 2025 con un equipo fijo de 150 personas que en algunos momentos llegó a 250, mientras que el elenco y los extras alcanzaron a 2.900 personas

Rodada en más de 50 locaciones reales y 30 escenarios creados con la tecnología Virtual Production (misma que se usó, por ejemplo, para la serie “The Mandalorian” del universo “Star Wars” y muchas otras), “El Eternauta” demandó la utilización de 16 cámaras entre las principales, las de segunda unidad, los drones, las de VFX y las de tomas de riesgo; y de hasta 35 vehículos en una sola escena. Para “crear” la nieve tóxica se utilizaron 410 toneladas de sal, cuatro toneladas de celulosa y 600 kilogramos de eco-snow.

Pero, más allá de las imponentes cifras, la clave del éxito artístico fue conservar la tónica local (porteña) de la historia para luego construir una alegoría de alcance universal (desde el 30 de abril estará disponible en los casi 200 países en los que opera Netflix). “Buscamos despegarnos de las fórmulas de la mayoría de las producciones apocalípticas que apelan a grandes elipsis”, apunta Stagnaro. “En El Eternauta, en cambio, la idea del tiempo real formaba parte del ADN, ir viendo todo desde una perspectiva al ras del piso, un evento gigante pero contado desde la hendija de una ventana y cómo estos personajes van adquiriendo la información de lo que pasa, a través de la lucha y el instinto de supervivencia. También buscamos potenciar una idiosincrasia más local porque no solo es una historia de supervivencia sino también una historia de amistad muy argentina. Nunca pensamos específicamente en el impacto internacional. Nos parece que si la historia está bien contada y tiene algo verdadero que transmitir es suficiente como para que repercuta y resuene en todas partes. Buscamos no quedar atrapados solamente en el aspecto físico de la aventura o en la escala de producción, sino tratar de darle un desarrollo humano a lo que sucede y una problemática específica para ese héroe”.

“Las cuestiones políticas –agrega Martín Oesterheld, nieto del autor– van a estar inevitablemente en las conversaciones que desate la serie porque es parte de la historia, no solamente de mi familia sino también de la génesis de El Eternauta, donde el autor mismo está muy imbricado en la historia. De todas maneras, no deja de ser la épica del hombre común –un sobreviviente como siempre le gustaba a mi abuelo–, la historia de una resistencia de un grupo de amigos que tienen como armas la solidaridad, el ingenio, cosas muy locales, muy argentinas. Apostamos a no repetir la misma historia apocalíptica en la tradición anglosajona a partir de los mitos porque ya nos aburren. La estamos contando a nuestra manera, desde un punto austral y respetando la relación ética y honesta que mi abuelo siempre tuvo con la aventura”.

Por su parte, Matías Mosteirín, uno de los máximos responsables de la productora K&S, aseguró que “Bruno dijo que la verdadera escala de este proyecto se va a definir por la dimensión afectiva que hayamos construido entre los personajes. Y eso es algo que fuimos redescubriendo todo el tiempo. Hablamos de sobrevivientes y de resiliencia, también de lealtad en este cuento. Es una historia muy llena de esperanza, pero al mismo tiempo muy desgarradora. Es una tragedia, pero al mismo tiempo es una épica y una aventura que conecta con nuestra idiosincrasia. Siempre tuvimos en claro que, como estrategia, hubiese sido un error que un paquete tecnológico de efectos visuales fuese el vehículo o el medio para hacer posible una historia. Al contrario, lo que siempre intentamos fue plantearnos desafíos sobre la forma de contar esta historia e ir buscando soluciones, apelar a la confianza y a la intuición. No hay solamente recursos y tecnología, que es fantástico, un medio maravilloso, sino la belleza de ir redescubriendo la obra original a partir de lo que va sucediendo y se va poniendo en juego en el proceso creativo. Y eso tiene que ver con lo dramático y no con los efectos. Adaptar 'El Eternauta' fue desde siempre un sueño de nuestra comunidad artística y cinematográfica, nosotros asumimos en 2005 el desafío de intentarlo y después de muchos años de búsquedas y frustraciones recién cuando en 2018 Netflix nos propone convertirlo en una serie vemos la oportunidad de resolver uno de los grandes desafíos creativos que habíamos tenido hasta ese momento. Es una obra con una gran premisa y una consigna muy profunda y muy impactante, pero muy difícil de adaptar a una estructura de tres actos justamente por su naturaleza episódica. Y de pronto la posibilidad de volver a un formato episódico, ofrecían muchas respuestas que hasta ese momento no habíamos encontrado. Por otro lado, podría hablar de la capacidad económica, tecnológica, de ambición, de masividad, una cantidad de cosas que evidentemente ofrecía Netflix. 'El Eternauta' deja una capacidad instalada muy importante luego de este proyecto. Cuando nosotros comenzamos a hacer esta serie sabíamos que lo íbamos a lograr, pero no sabíamos cómo. Con Bruno y con todo el equipo desplegamos un abanico de recursos y de herramientas, como Virtual Production o construcción de decorados. Tuvimos que probar y comprobar, afianzar aquello que funcionaba y descartar lo que no convencía. Fuimos repensando entonces de qué manera usar las cosas que mejor resultado ofrecían. La creación de escenarios virtuales que se utilizan no solamente en el set, sino que son recursos visuales que se van a usar después en postproducción, fue el fruto de un equipo que lleva trabajando varios años. El escaneo de la ciudad, por ejemplo, se hizo durante la pandemia. La virtualidad digital está muy bien, pero siempre preferimos lo material porque nos conecta con otras personas. Nos ha pasado con la gente de ferrocarriles, con el Ejército, con los vecinos de cada lugar en lugar que filmamos, que se conectan con nuestra historia y emociones”.

DB/DTC

En el comienzo de El largo adiós, una novela de Raymond Chandler, el personaje principal y quien la narra –el detective Philip Marlowe– tiene un gesto extraordinario de humanidad: se hace cargo de un borracho que es abandonado por su mujer a la salida de un bar y lo lleva a su casa y le hace el desayuno y le da de comer, para después regresarlo a la casa. Todo esto por pura solidaridad, sin ningún motivo. En este tipo de detective de la novela negra anida algo así como cierta compasión por el género humano, sobre todo si se trata de los descarriados, los que salen en los costados de las fotos y nunca en el centro, aún cuando esa empatía pueda poner al borde de la muerte al mismísimo Philip Marlowe. A Marlowe lo único que le importa es la verdad. 

En Barrio Chino, la película de 1974 de Roman Polanski, el detective que encarna Jack Nicholson –Jack Gittes– tiene mucho de este amor por buscar la verdad oculta en todas las cosas. “Quiero la verdad” le dice en un momento a la femme fatale que lo está enloqueciendo encarnada en Faye Dunaway. Barrio Chino se filmó dos años después que El Padrino, los colores del ocaso ocres, anaranjados, e interiores oscuros son heredados de ese film. Como se sabe, el guión escrito por Robert Towne es uno de los más leídos en las escuelas de cine porque se lo considera una obra maestra. Pero no hubiera sido tan bueno si Polanski no hubiese cambiado ciertas cosas. En principio sacó la voz en off del detective, pero decidió filmar a Gittes en todas las tomas de la película y puso las cámaras a veces detrás de su espalda para que podamos fisgonear la acción. 

¿Para qué sirve el género? En principio el género sirve para pensar que la vida tiene sentido. Paradójicamente, cuando hay muchas películas de género, la repetición de ciertas estrategias hacen que la vida vuelva a no tener sentido. Sólamente a la gente controladora le puede gustar el género como repetición. Barrio Chino tenía un final feliz, que Roman Polanski modificó discutiendo con el guionista. “Mi madre murió en un gueto asesinada por los nazis, a mi mujer la mató el Clan Mason, en mi vida no hay finales felices”. Barrio Chino trata de muchas cosas, pero hay una que me interesa sobremanera, esa en la que uno necesita volver a vivir su trauma para sanar o enfermar definitivamente. Jack Gittes fue policía en el barrio Chino de Los Angeles. Ahí le sucedió algo de lo que apenas habla, pero todos saben. Por esos motivos que lo atormentan, murió una mujer que él quería. Gittes dejó la policía después de eso, descreído de que se pueda meter preso a los poderosos. 

La película Barrio Chino, que sucede toda en las calles de Los Angeles y sólo el final en el barrio Chino, es de alguna manera la repetición del trauma de Gittes. Y también era la repetición del trauma de mi papá y sin saberlo aún cuando la filmaba, del trauma de Jack Nicholson. 

Barrio chico se estrenó en cines en 1974. Yo la vi en televisión con mi padre al lado. Como era el mayor de los hermanos, y la película tenía una temática adulta, yo era el único que la estaba viendo con él. Me impactó una escena que parece sacada de un film de Fellini, cuando un nenito se le cruza en el desierto a un hombre que Gittes está observando con largavistas. El nenito es moreno, está vestido de blanco y monta un caballo del mismo color. Es como un sueño. Habla con el hombre pero no podemos escuchar qué le dice. Más adelante en la película, va a volver a aparecer pero para hablar con Gittes. El nenito es portador de un secreto, del misterio. El misterio de mi papá, me lo contó mucho después, era que él se había ido a vivir a los treinta años con una novia de la juventud. Que puso una verdulería en Mar del Plata con ella. Y que ahí ella lo abandonó, él cayó enfermo y lo curó durante su convalecencia la hermana, que también había viajado con ellos. Pero, me dijo mi viejo después, la hermana le contó que era en realidad la madre de la chica. Por eso a mi papá le gustaba tanto Barrio Chino. 

Jack Nicholson después de estrenar Barrio Chino se enteró que la que él consideraba su hermana era en realidad su madre y que la que pensaba que era su madre era en realidad su abuela. Todo fruto de un embarazo no deseado. Por eso Jack Nicholson ama Barrio Chino, tanto que dirigió una remake años después. Si tuviera a mi papá y a Jack juntos y me contaran estas peripecias, les respondería con esa frase con la que termina la película de Polanski y que sirve para todo: forget it, is Chinatown.

FC/DTC

Si hay algo que es notable con el frío es la precisión que toma la luz del alumbrado nocturno de la ciudad. Hasta ahora más de cinco días polares que me hacen acordar a ciertos momentos de mi infancia y adolescencia, cuando salía a la mañana para ir al colegio y estaban los autos escarchados y llevaba mi pijama debajo del uniforme escolar. La bolsa de agua caliente. La estufa a gas o la que tenía mi padrino en su taller que era a querosene. Y en la casa vieja y familiar los baños grandes y abiertos en los que te morías de frío. La familia en invierno. Pienso en eso porque estoy viendo a una familia transpirando bajo las altas temperaturas de los cayos de la Florida. Los Rayburn, una familia prestigiosa de la zona costera que administra desde hace años un complejo de cabañas, una celebridad local cuyos integrantes nos hacen pensar que tal vez, la vida social con la estructura familiar como grupo sanguíneo, sea un error letal. Por lo menos en la primera temporada.  

 Bloodline es una serie del 2015. La empecé a ver ahora porque nunca nadie me la mencionó ni leí nada al respecto. Como trabaja uno de mis actores favoritos –Ben Mendelsohn– le di play con muchas expectativas. Y me cautivó rápidamente. Lo primero que me llamó la atención es que cuando empecé a contarle a mis amigas y amigos que la estaba viendo y que era muy buena, casi todos ya la habían visto hace mucho y les había gustado. ¿Y por qué nunca hablamos de ella? ¿Y por qué no me la recomendaste? Me puse a pensar qué tenía la serie que ideó Todd Kessler, uno de los guionistas de los Soprano, y cuál era su particularidad que hacía que la gente la olvidara a medida que la veía.  

En el comienzo tiene un flashback que uno desaconsejaría. Nunca están buenos los flashbacks tanto en las películas como en la vida real. Pero este flashback mostraba que los hermanos menores de Danny –Mendelsohn– le habían hecho algo muy malo. Con lo cual algo del final de la serie ya estaba resuelto. Y hacer que la veas de todas formas es una proeza porque en definitiva te muestra que no importa que sepas cómo termina una historia, si es potente, lo que te impacta es ver el presente de la acción. La capacidad fenomenológica de las escenas, el armado y desarmado de las tramas y subtramas. En el comienzo de El Túnel, de Ernesto Sábato, el narrador dice: “Soy Juan Pablo Castel, el pintor que mató a María Iribarne” y a pesar de que ya sabemos quién es el asesino, el libro nos mantienen en un vilo existencial hasta el final.  

Bloodline tiene cosas de muchas series y quizá esto haga que se la olvide un poco. Tiene algo de Six feet under, no sólo porque son una familia que administran un lugar, sino porque aparecen fantasmas o personajes del pasado actuando en el presente de los personajes. También tiene algo de Succession o es mejor decir que Succession tiene algo de Bloodline, una familia que se disputa la atención fálica del padre –San Shepard– un padre golpeador e inestable pero que infunde un respeto reverencial y cierto odio en su progenitores. Como sucede en un resort, también hay ecos de White lotus. Y como es una familia, tiene cosas de Los Puccio, la familia de secuestradores argentina, con la diferencia que los Rayburn se secuestran a sí mismo todo el tiempo, cada miembro de la familia Rayburn hace un secuestro de su estado de ánimo manteniendo las apariencias mientras la línea sanguínea está coagulada por la culpa y el rencor. Es una familia infeliz y no sirve para nada. Pero creo que las familias felices casi no existen o van en vías de extinción. Yo no conozco ninguna.  

Y todos transpiran sin parar. Sam Shepard transpira como el progenitor, mientras se mueve de una manera indolente, como si el pasado le marcara el paso y ya todo le importara poco. Kevin, el hermano inestable que se parece a Maguila Puccio, no puede controlar la ira y se la pasa pegando trompadas en el techo de sus camionetas mientras vive en un astillero destartalado, y transpira, también, por el clima tórrido de la Florida. Meg –Linda Cardellini– es la abogada de la familia, la que maneja la legalidad del negocio y sale con un policía que la aburre profundamente mientras transpiran. Sissy Spacek es la madre, bastante estable como personaje en la primera temporada, gana un poco más de peso en la segunda.   

Y después están Caín y Abel. Danny, el hijo descarriado, que fuma sin parar, el extranjero que vuelve para pudrirla mal y John, el alguacil que hace todo lo posible por salvaguardar a su familia. De hecho repite eso más que Don Corleone: “No quiero que le pase nada a mi familia”. Creo que una escucha lacaniana debería entender: “Quiero que mi familia vuele en pedazos”. John está interpretado por Kyle Chandler en una gran actuación en dueto con Mendelsohn. Chandler se parece a Gabriel Corrado. Y me gustaría tener su voz. Mendelsohn simplemente es genial. Un actor con recursos infinitos, moviendo un personaje inestable, estas de su lado un rato y al segundo querés cruzar de vereda. Danny es el punto de almohadillado que está mal cocido, esas personas que como pinches tiranos y carismáticos, activan la acción hasta en un velatorio. Incluso si son el muerto. 

FC/DTC

l Duro es ahora mismo el mayor estreno mundial de la historia de Amazon MGM Studios. Todo un logro para este film de acción que se articula como inesperado remake de un clásico ochentero con Patrick Swayze, y un logro que aun así no eclipsa la cantidad de polémicas que han rodeado la producción. Salida del productor Joel Silver por comportamiento violento, negativa del director Doug Liman a promocionarla como rechazo a su lanzamiento directo a streaming… y luego una recepción algo desdeñosa. El motivo: las peleas. Se antojan falsas. Liman ha recurrido al CGI para ejecutarlas, y aunque lo haya hecho de una forma bastante original, se nota.

El caso El Duro, donde la acción se despliega con abierto artificio en pantalla, contrasta con lo que ocurre en la saga Misión imposible —Tom Cruise presumiendo de jugarse la vida para sus escenas de riesgo— y en particular con la promoción de Monkey Man. El debut a la dirección de Dev Patel viene marcado por un desarrollo muy difícil, con el coronavirus afectando a los planes de rodaje y Netflix negándose a última hora a hacerse cargo de la película —tuvo que rescatarla Monkeypaw Productions, el sello de Jordan Peele—, pero sobre todo por la entrega de Patel. Además de director y guionista es el actor principal, y al rodar sus escenas de acción se rompió la muñeca para poco después coger una infección en el ojo entre otras desgracias que erigen a Monkey Man como un esfuerzo heroico y kamikaze.

El Duro y Monkey Man se oponen entre sí por su relación con el realismo, aunque esta sea una variable confusa de rastrear en la historia del cine de acción. John Tones, crítico especializado en el género, recuerda que “en el cine mudo ya había una gramática donde se hacía hincapié en el realismo por encima de otros valores”. “Las secuencias eran planificadas para que pensaras que Buster Keaton y Harold Lloyd eran quienes hacían sus escenas de riesgo sin trucajes, aunque por supuesto los había (en materia de juegos con la perspectiva, por ejemplo)”. Y algo similar ocurrió después con el cine de acción procedente de Hong Kong: “Figuras como Jackie Chan se convirtieron en estrellas por esto”, añade.

Aun así El Duro ha debido pulsar alguna tecla incómoda, enfrentándose a un momento cultural donde la apariencia de realismo cotiza al alza. La responsable de esto bien puede ser una película que Monkey Man cita abiertamente, y que incluso ha sido utilizada durante su promoción con el eslogan “John Wick en Bombay”. 

La era de los especialistas

John Wick, en efecto, tendría la culpa de todo. La película donde un Keanu Reeves impecablemente trajeado emprendía una venganza eterna se estrenó hace ya diez años, y su huella en el cine de acción producido en Hollywood es inagotable. Sus peleas exquisitamente coreografiadas, encuadradas por tiros de cámara amplios y diáfanos, transmitían una intensidad muy novedosa, y acaso relacionada con la ilusión de transparencia: lo que veías debía ser lo que había, esos planos tan extensos no podían haber sido falseados. Claro está, lo de John Wick no era exactamente una revolución.

De cara a rastrear cómo surgió el fenómeno John Wick es habitual recurrir a Redada asesina (The Raid), estrenada en 2011. Este film producido en Indonesia tuvo un origen atípico: surgió del interés de Gareth Evans, un director galés, por realizar un documental centrado en artistas marciales nacionales. Gente como Iko Uwais o Yayan Ruhian coreografiaron las mismas peleas que seguidamente protagonizarían como actores, registradas por una cámara fiel y fascinada por sus proezas: el minimalismo del argumento, así como el de la puesta en escena, estaba al servicio del lucimiento de estos artistas. Aún así, Tones recomienda prudencia con respecto a lo influyente que pueda haber sido: “Ahora todo el mundo conoce Redada asesina, pero fue una película que se estrenó de tapadillo y con mucho retraso”.

Lo vital fue que “influyó a los profesionales: especialistas y coreógrafos que vieron lo que se podía hacer”, y esto nos lleva de vuelta a John Wick. “El éxito internacional de John Wick ha venido acompañado de una reivindicación de la profesión de los especialistas y de los trabajos técnicos y artesanos: por eso ha sentado tan mal Road House”, afirma Tones. La figura del especialista es central en John Wick hasta el punto de que la película fuera dirigida por dos veteranos dobles de acción: Chad Stahelski y David Leitch. Ambos han prosperado en Hollywood desde entonces. Stahelski (originalmente doble del mismo Reeves en la saga Matrix) ha dirigido el resto de entregas de John Wick, mientras que Leitch ha encadenado otros proyectos pirotécnicos con bastante éxito en taquilla, de Fast & Furious a Bullet Train.

Sin ir más lejos su próxima película, El especialista con Ryan Gosling (estreno este 26 de abril), ha sido descrita como un homenaje a la profesión. Luego, al margen de los films que Leitch y Stahelski hayan dirigido, está el hecho de que la productora que montaron a finales de los 90, 87eleven, se ha encargado de seguir fortaleciendo su impronta. Películas como Nadie son publicitadas como “de los creadores de John Wick”, mientras títulos abocados al streaming como Tyler Rake o La princesa son igualmente alumnos de esta escuela. Aun sin ser siempre garantía de excelencia ha resultado ser un revulsivo saludable en una década, como recuerda Tones, donde el blockbuster de acción ha estado liderado por Marvel Studios.

Aun con un par de excepciones ubicadas entre 2014 y 2016 —cuando más fresco estaba el impacto de John Wick y las películas del Capitán América mostraban repentinamente cierto criterio con los mamporros—, Tones sostiene que “lo que menos le interesa a Marvel es la acción, paradójicamente en un género cuya esencia es ver a gente muy poderosa pegándose”. “Es una cuestión de edición, de ritmo, de ángulos”, añade, en referencia a un aparato audiovisual demasiado rígido, que dependería en extremo del montaje y del CGI. Son las herramientas de Road House, por otra parte, si bien Tones no considera que sean justos los reproches en este caso: lo que importa no es qué utilizas, sino cómo.

“El CGI de El Duro no se utiliza para ver cosas imposibles, sino para inyectarle más intensidad a los combates realistas que hemos visto antes”. Básicamente, lo que Doug Liman ha hecho es colocar a sus intérpretes golpeando almohadillas para, en posproducción, sustituirlas por otros intérpretes que aparentarían recibir puñetazos devastadores. Una técnica sencilla que, por otra parte, no ha inventado El Duro: nuevamente hay que mirar al cine oriental, a películas como la hongkonesa Raging Fire con Donnie Yen. Porque al final esa siempre ha sido la estrategia de Hollywood de cara a hacer avanzar los golpes de su cine de acción: observar con atención lo que ocurría en las cinematografías asiáticas. Y desde luego es lo que ha hecho Dev Patel con Monkey Man.

Un legado híbrido

Lo primero que sorprende de Monkey Man es lo engañoso de su claim: se parece más bien poco a John Wick. En efecto el personaje de Patel viste traje, busca venganza (aquí por la muerte de su madre) y protagoniza tomas sostenidas donde mata con un amplio abanico de recursos, pero dichas tomas escasean dentro de un montaje fragmentado e impresionista, al compás de la furia vengadora. El tono de Monkey Man poco tiene que ver, en ese sentido, con la contención y sobriedad de las películas de John Wick: hay un desgarro emocional que el protagonista representa ruidosamente, lleno de gritos de dolor, de lamentos por las injusticias que ha de sufrir. El mismo Patel ha reconocido que su principal referencia para tal dramatismo se halla en thrillers surcoreanos como Old Boy o Encontré al diablo.

John Wick ha terminado por erigirse en patrón oro del actual cine de acción con su batidora de referentes orientales, y claro que pervive en Monkey Man desde varios ángulos (la afloración de sangre y mutilaciones es otro elemento distintivo), pero el protagonista de Slumdog Millionaire ha sido algo más ambicioso en el diseño de la propuesta. Porque, ante todo, Monkey Man es un homenaje a la cultura hindú: una religión que Patel profesa como inmigrante indio de Londres, y que ha enhebrado un vínculo explícito de su personaje con Hanuman: héroe de esa epopeya, Ramayana, tan clave en el imaginario del hinduismo.

Patel no ha mencionado el cine de acción indio como tal entre las inspiraciones de Monkey Man, aunque también encajaría: si bien sus peleas carecen de las abundantes cámaras lentas y las físicas descabelladas que mucha gente descubrió con el éxito de RRR —como Road House, el blockbuster indio no le hace ascos al CGI—, no dejamos de reencontrarnos con un espectáculo histérico y apasionado, de colores vivos y ardientes. También con cierta irresponsabilidad política que eventualmente lastra la película de Patel, aunque el historial de la producción insinúe lo contrario: al parecer el motivo de Netflix para desechar Monkey Man fue la incomodidad que sentía por su retrato de la sociedad india.

La venganza de Monkey Man apunta a una clase política corrupta que extermina a los pobres en pos de sus planes de industrialización —tal fue el destino de la madre de la protagonista, y tal es el impulso para que el personaje de Patel acabe liderando una pequeña revuelta—, mientras que como nombres propios identifica a un tal Partido Soberanista y, más tímidamente, a un sector musulmán de la población india que sufre persecución. Monkey Man llega a mostrar imágenes reales de disturbios en India contra el gobierno de Narendra Modi —a punto de ser reelegido este año—, y erige un febril artefacto populista no muy diferente a, por ejemplo, lo que supuso el año pasado un blockbuster indio tan exitoso como Jawan.

El problema de Monkey Man es que, a la hora de asimilar un caudal tan heterogéneo de referencias, no repara en la contradicción de que sea el hinduismo el motor ideológico de la revuelta del protagonista. Fuera de los muros de la película y de sus vaguísimas referencias al sistema de castas, la actual política de Modi pasa por marginar a los indios que profesen el Islam, según un creado nacionalista y opresor llamado Hindutva. Que Monkey Man se presente como Hanuman —como un paladín puramente hindú— contra un opresor tan ambiguo a la vez que identificado caprichosamente con figuras políticas reales, bien puede ejemplificar lo delicado de recoger todo tipo de influencias sin abrazarlas del todo.

Supone, en resumen, el matiz necesariamente problemático —más allá de los trucajes, o de que la toma sostenida pueda llegar a convertirse en un fetiche perezoso— dentro del actual caos de influencias asiáticas que presenta el cine de acción producido por manos anglosajonas (y excoloniales). Las expresiones más afortunadas y estimulantes, por otro lado, están a plena vista, y parece que tenemos muchos años por delante de seguir disfrutándolas.

Las series biográficas y sobre resonantes casos policiales se ubican entre las favoritas a nivel mundial en esta era de oro del streaming y esa tendencia también se extiende a la Argentina, donde en los últimos años casi no hay personalidad o hecho relevante que no haya tenido su documental o su ficción (y a veces, incluso, enfoques desde ambos terrenos).

El estreno esta semana en la plataforma Star+ de Coppola, el representante, punzante y despiadada comedia de seis episodios dirigida por Ariel Winograd (El robo del siglo) con Juan Minujín en el papel de quien fuera durante 18 años manager de Diego Armando Maradona, es solo una de las múltiples novedades dentro de este tan transitado subgénero de las biopics.

De hecho, otro de los lanzamientos más esperados de este año es Menem, serie de Amazon Prime Video también filmada por el prolífico y multifacético Winograd en la que Leonardo Sbaraglia interpreta a quien fuera presidente de la Nación durante dos mandatos (1989-1999), mientras que Griselda Siciliani encarna a Zulema Yoma.

Aquel período de la fiesta menemista, de “pizza con champán”, también tuvo su contracara trágica y es precisamente la que aborda una reciente novedad del servicio Max (antes HBO Max) como Menem Junior, la muerte del hijo del presidente, docudrama (con más de documental que de recreaciones ficcionales) dividido en cuatro partes con Matías Gueilburt como showrunner (venía de hacer Los ladrones: La verdadera historia del robo del siglo y Vilas: Serás lo que debas ser o no serás nada) y con Anahí Berneri y Sergio Wolf como codirectores. Los testimonios de muchos periodistas, investigadores y escritores (Facundo Pastor, Olga Wornat, Román Lejtman, Chiche Gelblung, Christian Balbo, Alejandro Margulis), de protagonistas directos de aquella época (como el exministro de Economía Domingo Cavallo), del principal juez de la causa (Carlos Villafuerte Ruzo), de agentes de la SIDE y de la DEA, de abogados y peritos, y –claro– de Zulema Yoma y su hija Zulemita Menem, quienes llevaron adelante durante años una lucha por demostrar que el del 15 de marzo de 1995 no fue un accidente producto de la imprudencia de Carlos Menem Jr. cuando piloteaba un helicóptero sino de un atentado, ofrecen un amplio panorama sobre las distintas teorías (varias de ellas conspiranoicas) ligadas al caso.

Quien ha tenido más de un acercamiento tanto desde la ficción como desde el documental es Maradona. Más allá de los films que le dedicaron previamente desde Emir Kusturica hasta Asif Kapadia, en el ámbito local primero llegó la serie Maradona: Sueño bendito (Amazon Prime Video), con Alejandro Aimetta como showrunner y cuatro actores encargados de interpretarlo: Juan Cruz Romero (niño), Nicolás Goldschmidt (adolescente), Nazareno Casero (joven) y Juan Palomino (adulto); y luego fue el turno de La hija de Dios: Dalma Maradona (Max), documental dirigido por Lorena Muñoz que en tres entregas ofrece un retrato íntimo y emotivo en el que la hija mayor de Diego recuerda en primera persona la relación con su padre.

Y, siguiendo con figuras ligadas (principalmente) al deporte, merecen destacarse también Bilardo: El doctor del fútbol, docuserie de cuatro partes disponible en Max que expone con inteligencia, profundidad y sin prejuicios la fascinante, contradictoria y polémica historia del técnico campeón del mundo en México 1986; Ringo: Gloria y muerte (Star+), biopic sobre Oscar Bonavena con Jerónimo Giocondo Bosia en el papel del boxeador que llegó a pelear con Muhammad Ali y fue asesinado en 1976, a los 33 años; y Monzón (Netflix), otra apuesta ficcional dirigida por Jesus Braceras con Mauricio Paniagua (de joven) y Jorge Román (de adulto) en la piel del múltiple y popular campeón mundial que también tuvo una historia en principio épica y finalmente trágica.

Y, así como Coppola, el representante nos acerca a la noche, el glamour y el descontrol la farándula de los años '80 y '90, El comandante Fort, serie documental de Star+ a cargo de Patricio Álvarez Casado, aborda desde muy diversas perspectivas y enfoques la figura del excéntrico y mediático millonario fallecido en noviembre de 2013, a los 45 años.

La ficción también nos regaló Diciembre 2001 (Star+), valioso trabajo de seis episodios dirigido por Benjamín Ávila (Infancia clandestina) con guion de Mario Segade a partir de libro El palacio y la calle, de Miguel Bonasso, que reconstruye la caída de Fernando de la Rúa (Jean Pierre Noher) tras la profunda crisis socioeconómica y política y los sangrientos hechos del 19 y 20 de diciembre de 2001; y este año llegará a Amazon Prime Video Cromañón, con historias de vida de jóvenes que estuvieron en el show de Callejeros cuando el 30 de diciembre de 2004 se desató un incendio que que causó 194 muertos y al menos 1432 heridos. Se trata de una producción de Armando Bo con Marialy Rivas y Fabiana Tiscornia como directoras y showrunners, Josefina Licitra, Pablo Plotkin y Martín Vatenberg como guionistas y un elenco que incluye a Olivia Nuss, José Giménez Zapiola, Toto Rovito, Soledad Villamil, Luis Machín, Paola Barrientos, Esteban Lamothe y Muriel Santa Ana.

Y cerramos este recorrido -inevitablemente parcial, caprichoso y arbitrario- con una serie local que incursiona dentro del formato de la true crime story: Netflix lanzó hace pocos días ARA San Juan: El submarino que desapareció, de Mauricio Albornoz Iniesta, rigurosa investigación sobre el caso del submarino que desapareció el 15 de noviembre de 2017 con 44 tripulantes a bordo, que se inscribe en la misma línea que ese servicio de streaming había trabajado en Nisman: el fiscal, la presidenta y el espía; Los ladrones: La verdadera historia del robo del siglo y los largometrajes El fotógrafo y el cartero: El crimen de Cabezas y Carmel: ¿Quién mató a María Marta? Para todos los gustos.

DB/DTC

Algo Prestado es un podcast de elDiarioAR realizado por Tamara Tenenbaum, junto a un invitado cada semana. Está alojado en Spotify, plataforma líder para la publicación de podcast, y también en otras aplicaciones de streaming.

TT

La serie “El agente nocturno”, protagonizada por Peter Sutherland; la segunda temporada de “Ginny & Georgia” y la surcoreana “La gloria” son los tres contenidos más vistos a nivel global de Netflix entre junio y enero de 2023, informó la plataforma en un informe.

El documento, presentado ayer en el blog de la compañía about.netflix.com y titulado “Qué hemos visto”, es el primer informe semestral que detalla los datos de audiencia de todas las series y películas exhibidas en la plataforma de streaming.

“Este es un gran paso para Netflix y nuestra industria -advirtieron-. Creemos que la información, combinada con nuestras listas semanales de los 10 principales y los más populares, brindará a los creadores y a nuestra industria una visión más profunda de nuestras audiencias y de lo que resuena en ellas”.

El informe incluye los 18.000 títulos en todo el mundo, es decir el 99 por ciento de su catálogo, e incluye el número de horas vistas de cada producción entre enero y junio de 2023, con información sobre la fecha de estreno y si está disponible a nivel mundial.

En el documento revelaron que más del 60 por ciento de los títulos lanzados entre enero y junio de 2023 aparecieron en las listas semanales de los 10 principales.

La serie que lidera la lista es “El agente nocturno”, protagonizada por Peter Sutherland y Rose Larkin, con 812 millones de horas de audiencia; seguida de la segunda temporada de “Ginny & Georgia”, con 661 millones de horas. En tanto, la serie surcoreana “La gloria” ocupa el tercer puesto, con 622 millones de horas vistas.

En español, el título más visto fue la tercera temporada de “La reina del sur”, producida por Telemundo, que con 429 millones de horas acumuladas está en el número siete del listado global de Netflix.

Le siguen el drama colombiano “Perfil falso”, con 206 millones de horas y la también colombiana “Pálpito”, con 174 millones de horas vistas por la audiencia a nivel internacional.

Lo que vemos en Netflix: los títulos con más horas de visualización

Con información de agencias.

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Fue en un taller de escritura donde Dolores Reyes (Buenos Aires, 1978) descubrió el germen de su primera novela Cometierra (Sigilo, 2019). Mientras un compañero leía un texto se le apareció una imagen muy potente en la cabeza: una nena sentada en un cementerio que se metía tierra en la boca. Ese disparador la llevó a escribir una historia que se convirtió en un best seller y que ahora el director, guionista y productor argentino Daniel Burman recreará en una serie para Prime Video.

-Los muertos no ranchan donde los vivos. Tenés que entender.

-No me importa. Mamá se guarda acá, en mi casa, en la tierra.

-Aflojá de una vez, todos te esperan.

Si no me escuchan, trago tierra.

Antes tragaba por mí, por la bronca, porque les molestaba y les daba vergüenza. Decían que la tierra es sucia, que se me iba a hinchar la panza como a un sapo.

- Levantate de una vez. Lavate un poco.

Después empecé a comer tierra por otros que querían hablar. Otros, que ya se fueron.

Así arranca la novela de Reyes que ya fue traducida a 14 idiomas y que el New York Times consideró, en 2019,  como uno de los libros del año. En Cometierra, una joven del conurbano bonaerense posee un don: puede ver qué ocurrió con personas que están desaparecidas o muertas. Sólo tiene que tragar un puñado de la última tierra que las víctimas tocaron para ver dónde están, si todavía viven o quién se las llevó. Estas visiones la acompañan desde muy chica: así descubrió que su papá había matado a golpes a su madre. La violencia contra las mujeres es un tema central en la novela. De hecho, el libro está dedicado a dos víctimas de femicidios en Argentina: Araceli Ramos y Melina Romero.

“Cuando terminé de leer Cometierra por primera vez, sentí en mis manos toda la fuerza de su protagonista, y la conmoción que me provocó la obra es la misma que nos contagió a todos los que nos sumamos a esta aventura vibrante y necesaria. Llevar esta historia a todo el mundo de la mano de Prime Video y con todo el apoyo de The Mediapro Studio es un privilegio enorme, el cual estoy disfrutando en cada día de rodaje”, dijo Daniel Burman a Variety. El director argentino, que estrena el próximo viernes  27 de octubre la segunda temporada de Iosi: el espía arrepentido, no sólo es el showrunner de Cometierra sino que también dirige algunos episodios. Cris Gris (Vgly) y Martín Hodara (La señal) complementan el equipo de dirección.

Reyes acaba de llegar de México donde la serie ya se está filmando. Viajó junto a Ashanti, su hija mayor. “Lo que más me llamó la atención del rodaje fue que pensé que me iba a encontrar con unas diez personas y era un equipo impresionante, de unos 50 participantes. Las escenas que estaban rodando me impactaron mucho. Pude ver a Ezequiel, el policía, guiando un operativo. No veía la hora de conocer a Cometierra. Cuando nos vimos, nos abrazamos un buen rato, como si nos conociéramos de toda la vida. Fue increíble la conexión”, recuerda entusiasmada en diálogo con elDiarioAR.

La serie tendrá siete capítulos y está inspirada en el universo de la novela: los jóvenes de barrios marginales, sus lenguajes, sus gustos y las violencias e injusticias en las zonas más precarizadas. Un mundo que Reyes conoce muy bien ya que trabajó muchos años como docente en Fuerte Apache, Ciudadela y Pablo Podestá. También aprendió sobre los modismos e intereses de los adolescentes en el interior de su propia casa: es madre de siete chicos que tienen entre 12 y 27 años.  

Si bien no puede adelantar nada sobre el guión lo cierto es que hubo cambios en el traspaso de formato. Por ejemplo, la historia no se desarrollará en el conurbano bonaerense sino en los suburbios de la Ciudad de México. La protagonista se llamará Aylín y es interpretada por la actriz Lilith Curiel (El elegido).  Reyes quedó impactada con ella. “Pude hablar con Lilith. Nos escribimos casi a diario y me trajo Cometierra y Miseria para que se los firme. Siento que Lilith es la mejor Cometierra del mundo”, subraya y envía una foto abrazada a la protagonista.   En el elenco, también está Yalitza Aparicio, nominada al Oscar por su actuación en Roma, quien toma el rol de la seño Ana (la profesora que desaparece en la novela). 

La escritura del guión estuvo a cargo de Mónica Herrera (La caída), pero también participaron Gabriela Guraieb (Vgly), Camila Brugés (Frontera Verde), Juan Carballo (El amor después del amor), Clara Roquet (Libertad) y la novelista Brenda Navarro (Casas vacías) quien visitó hace muy poquito nuestro país en el marco del FILBA. Reyes tuvo varias reuniones con ellos.

Cometierra le ha cambiado la vida a su autora. No sólo porque la llevó a presentar la novela por todo el mundo, sino porque la puso en contacto con víctimas de femicidios y con una enorme cantidad de lectores que se sienten identificados con sus personajes.  “Trato de contestarle a todxs. Tanto en persona como por redes. Aunque a veces no llego porque me escriben un montón, me mandan fotos con los libros, dibujos, videos que hacen representando escenas...son tremendamente creativos”, describe.

En 2023, tuvo que pedir una licencia sin goce de sueldo en el colegio donde trabajaba en Pablo Podestá porque ya no podía combinar el trabajo con los viajes que surgían por la novela. No obstante, dice que le cuesta soltar definitivamente su rol como maestra. Es que varios de los personajes de sus libros están inspirados en sus alumnas. 

Reyes continúa escribiendo. Su momento ideal es a las cuatro de la mañana cuando en su casa reina el silencio, pero lo cierto es que escribe donde y cuando sea:  “He aprendido a escribir con mis hijos al lado, en aviones u hoteles. No es lo mismo, pero si hubiera esperado la soledad, el silencio y el cuarto propio no hubiera escrito nunca”. Este año publicó Miseria (Alfaguara, 2023) donde retoma el universo y el tono de su primer libro.  El personaje de Miseria (la cuñada de Cometierra) también aparece en la serie de Burman. “Sé que están en tratativas por adquirir los derechos del libro, veremos qué pasa. La idea es seguir con la historia porque hay mucho entusiasmo con esta serie de parte de todos”, adelanta.  

Cometierra es producida por The Mediapro Studio, Oficina Burman (The Mediapro Studio), Exile Content Studio y Cimarrón (The Mediapro Studio) y estará disponible exclusivamente a través de Prime Video en más de 240 países y territorios. No está definida su fecha de estreno.

LB/DTC

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El Sindicato de Guionistas de Hollywood (WGA) y la Alianza de Productores de Cine y Televisión (AMPTP) alcanzaron este domingo un principio de acuerdo para la creación de un nuevo convenio colectivo que abre la puerta a la posibilidad de poner fin a la huelga.

La WGA indicó en un comunicado colgado en las redes que el posible pacto aborda todos los temas clave de la negociación, pero está pendiente de su redacción final.

La resolución permite vislumbrar la luz al final del túnel para Hollywood, que mantiene frenadas la mayoría de sus producciones debido a los paros, pero los estudios aún deben negociar con el gremio de actores (SAG-AFTRA).

Según IndieWire, aunque ningún guionista debe volver al trabajo hasta que el contrato sea ratificado, los piquetes se suspenden.

La WGA apuntó que lo ganado en el nuevo contrato, que no fue especificado, fue fruto de la voluntad de todos sus miembros para ejercer su poder, demostrar su solidaridad y soportar la incertidumbre y el “dolor” de estos últimos 146 días.

El sindicato de guionistas solo afirmó que lo conseguido es “excepcional” y agradeció a sus integrantes que el eco de su huelga y el apoyo de otros gremios consiguió que los estudios volvieran a la mesa de negociación.

El WGA comenzó su huelga el 2 de mayo con la exigencia de mejores condiciones laborales, regulación de la inteligencia artificial y pagos justos cada vez que se vuelva a emitir alguno de sus trabajos, los llamados derechos residuales. El 14 de julio los actores se sumaron por causas similares. En todo este tiempo guionistas y actores se concentraron ante las sedes de los principales estudios.

El hecho de que ni los actores ni los escritores pudieran promocionar los proyectos en los que habían participado retrasó estrenos de esperados títulos como Dune: Part Two, de Denis Villeneuve, o Challengers, de Luca Guadagnino, ambas previstas para el segundo semestre de 2023 y que ahora esperan su estreno en 2024.

Sin embargo, el gremio de actores no tuvo ningún acercamiento con la AMPTP desde el pasado 12 de julio, cuando terminaron las negociaciones para su convenio colectivo de forma abrupta y sin consenso alguno.

Durante más de cuatro meses, los guionistas reclamaron a los estudios una plantilla mínima para las llamadas “mini rooms”, como se conoce a las salas en las que se escriben guiones de las series que aún no fueron aprobadas. También aumentos en la tarifa de los derechos residuales y que ésta estuviera sujeta al número real de reproducciones acumuladas.

Otro punto fundamental recaía en la demanda de los escritores para que los estudios no permitieran a los sistemas de inteligencia artificial entrenarse con los guiones de otros profesionales y que aseguraran la protección de su salario y su crédito como creadores originales.

EFE.

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