La cita con Leonardo Sbaraglia es en el lujoso hotel María Cristina de San Sebastián, un hermoso edificio de la belle époque inaugurado en 1912 y por cuyas habitaciones han pasado León Trotski, Mata Hari, Maurice Ravel, Coco Chanel, Bette Davis, Audrey Hepburn, Alfred Hitchcock, Steven Spielberg y Mick Jagger.

Sin embargo, alejado por completo del glamour de semejantes huéspedes, el actor recibe a elDiarioAR con un té de carqueja en la mano (habrá un “debate” entre entrevistador y entrevistado respecto de cuándo y cómo es mejor tomarlo) y una fuente de frutas. Así de descontracturado será el diálogo sobre su interpretación del periodista José de Zer en “El hombre que amaba los platos voladores”, película que compitió en la sección oficial del reciente festival de San Sebastián, que Netflix estrenará el 18 de octubre y que ya se está proyectando en el Atlas Caballito (única sala), pero también sobre su presente artístico y personal, así como su mirada del cine y del país.

A los 54 años, Sbaraglia atraviesa el mejor momento de su carrera con exigentes y potentes actuaciones como las de “Errante corazón” (2021) o “Puan” (2023). Ya sea en papeles secundarios como el de “Blondi”, en comedias como “Hoy se arregla el mundo” y en series españolas como “Todos mienten”, “Élite” o “Las Azules” ha expuesto una variedad de recursos, una ductilidad y un desenfado que no tenía (o escondía) durante su juventud.

Pero hay otra faceta que ha marcado los hiperactivos últimos años de Sbaraglia: la de encarnar en la ficción a personajes reales. Fue Guillermo Coppola en la miniserie “Maradona: sueño bendito”; Álvaro Torres (inspirado en el empresario Marcelo Romeo) en “El gerente”, ahora interpretó a José de Zer, un periodista sensacionalista que batió récords (más de 50 puntos de rating) en el noticiero Nuevediario con sus delirantes informes de, por ejemplo, presencia extraterrestre en el cerro Uritorco, próximo a la ciudad cordobesa de Capilla el Monte; y en breve lo veremos como Carlos Saúl Menem en la serie de Amazon Prime Video dirigida por Ariel Winograd.

—Hay un debate histórico respecto de qué debe priorizar un actor a la hora de interpretar a un personaje real: está la obsesión por la imitación, la mimetización, mientras otros apuestan por crear algo no tan exacto en cuanto a la voz o la gestualidad, pero que tenga vuelo propio ¿Cómo encarás en tu caso la preparación y la construcción de ese tipo de papeles?

—Sobre Menem hay muchísimo más material y además la gente lo tiene más incorporado. En cambio, mucha gente (sobre todo joven) no tiene idea de quién fue José de Zer. Estábamos en la duda respecto de si apostar a algo más realista o no. Nunca busco imitar porque para eso están los imitadores. Las escenas te obligan a una interpretación y en este caso era difícil ir encontrando el tono, el punto justo. En ese sentido, ensayamos un par de meses antes de ir al rodaje, algo que a mi me parece muy importante. En esto también hay varias teorías: hay directores que no creen en el ensayo, prefieren ir de forma directa al la filmación y trabajar ahí. A veces, no hay tiempo ni dinero, pero yo agradezco cuando un realizador me propone ensayar mínimamente un mes para establecer un lenguaje, encontrar una base con el director.

En un principio era víctima de cierto encorsetamiento por la compulsión de transformarme en un actor más serio, en salir del rol de galancito que tuve entre los 20 y los 30

—¿El enfoque es muy diferente respecto de cuando el personaje es puramente ficcional?

—Sí, muy diferente. He visto todos los videos disponibles de José (de Zer). Los escuché mil veces tratando de encontrar el lugar en la garganta, en su energía, en su alma. Era un tipo de un enorme histrionismo, de apariencia fuerte, pero en el fondo también muy frágil. Teníamos que contar cómo era alguien muy ansioso, que tomaba muchos ansiolíticos para bajar, que tenía mucho fuego, que fumaba cualquier cantidad, que casi no comía ni dormía. Son elementos que te ayudan a construir, no solo es verlo a él en un video, hay que entrar en una frecuencia diferente. Yo tengo una personalidad más sosegada. Se trata de conseguir lo que te pide cada escena y luego en el rodaje todo se va enhebrando. La composición va penetrando en todo, te va absorbiendo. Yo me veo en las primeras escenas que rodamos -que como en el cine nada es cronológico la gente no se da cuenta, pero yo sí- que me faltaba algo y que en las últimas escenas toda esa esencia está mucho más incorporada. Hay un proceso de mímesis. Todo se termina cocinando, cuajando. Al principio vas buscando, vas tanteando. Yo lo escuchaba a José con los auriculares hasta un minuto antes de rodar con la obsesión de encontrar la voz y al mismo tiempo de no lastimarme la garganta. Diego (Lerman) me decía: “Ya basta, encontremos a nuestro De Zer”. Es como cuando vas al jardín de la mano de tu mamá, ella te suelta y te dice que tenés que entrar solo.

—Durante mucho tiempo se te veía obsesionado porque se te reconociera como un actor de prestigio, se te notaba demasiado preocupado o pendiente del qué dirán. Ahora, se te percibe con una madurez mucho más liberada, más suelta. En “El hombre que amaba los plastos voladores” das rienda suelta al humor, cantás canciones de Pimpinela y Alberto Cortés ¿Cuándo, cómo y por qué se produjo ese clic?

—Sí, fue un proceso que me lo comentó mucha gente y que se potenció en los últimos 10 años de mi vida. En un principio era víctima de cierto encorsetamiento por la compulsión de transformarme en un actor más serio, en salir del rol de galancito que tuve entre los 20 y los 30, allá en la década de 1990. De golpe, estaba trabajando con Alfredo Alcón y tenía que demostrar que estaba a la altura. Luego me vine a España y me ayudó mucho en eso de romper el molde porque acá se ríen mucho más de sí mismos. Y la vuelta a la Argentina me encontró también en cuestiones personales con cierta madurez, pude soltar la mano de aquellos actores que yo creía que me hacían bien y hoy sigo en la búsqueda. El crecimiento personal y el profesional van siempre de la mano, la libertad se manifiesta en ambos terrenos de forma simultánea. Es de ida y vuelta porque a veces cosas del trabajo te ayudan a romper barreras en lo personal.

—¿Cómo fue interpretar a Menem?

—Esa experiencia me permitió ampliar el rango de exploración, iluminar otros lugares expresivos míos en los que no había incursionado, estar más lanzado, asumir más capacidad de riesgo. Mi espectro de búsqueda o de musculación se expandió. Fui al gimnasio de la imaginación. Me habilitó a jugar. Los personajes viajan conmigo durante muchísimo tiempo. Hay que escuchar para aprender, para estimularse, para ilusionarse, para vitalizarse, para desear, para mejorar como actor y como persona. En lo personal voy creciendo y los distintos personajes dialogan con mi propia vida. En un gran porcentaje mi trabajo es mi vida y mi vida es el trabajo.

—¿Y qué te interesó en especial de un personaje con tantas facetas y posibilidades histriónicas como José de Zer?

—En principio, las ganas trabajar con Diego, de quien me había encantado “La mirada invisible”, en un guion que era estupendo y con una historia que habla de cosas originales y personales, que es misteriosa, metafórica y poética porque va más allá de lo que podemos ver o entender. Un personaje que va encontrando nuevos mundos, que debe lidiar con ataques, con la enfermedad y con la muerte, pero que también tiene que ver con lo lúdico, con la luz y la sanación. La experiencia de filmar en un pueblo minero como La Carolina en San Luis, que tiene apenas 150 habitantes, que parece detenido en el tiempo y en el que ocurrieron muchas tragedias, fue increíble, no hay tantas así en la vida y por eso estoy muy agradecido.

—La película daba para la parodia y hasta la sátira, pero ustedes decidieron iluminar otras zonas.

—José a su manera perseguía cosas legítimas, su verdad. Lo catalogaron como un farsante, pero todos nos sentimos alguna vez así, un poco farsantes y al mismo tiempo persiguiendo alguna verdad. Me tuve que creer su discurso, su costado medio mesiánico, cierto esoterismo, entrar en el juego de alguien que estaba todo el tiempo corriendo los límites de la realidad, que pone en cuestión qué es la verdad, la realidad, la locura. Cuántos locos hoy están en lugares muy importantes. En el arte tenemos todos los permisos para llevar esa locura hasta donde dé el verosímil. Conocí a muchas personas que habían trabajado con él en el canal y también a su hija Paula, que me habló con muchísimo cariño y amor de su papá. La gente le tenía mucha admiración. Toda la gente con la que hablamos nos decía “es un capo”, las cosas que hacía, la capacidad inventiva, de imaginación, de resolución, de agilidad que tenía ese hombre. Fue un pionero de muchas cosas en la televisión.

—Desde la pandemia filmaste cerca de 20 proyectos entre películas y series, tanto en España como en la Argentina; una continuidad encomiable que ahora está en riesgo porque la industria audiovisual local está prácticamente parada.

—Hace 40 años que me rompo el alma como actor, que trato de defender mi oficio con la mayor dignidad. Yo voy a seguir trabajando porque hay proyectos con plataformas de streaming (N. de la. R. “Las maldiciones”, serie de Netflix dirigida por Daniel Burman sobre libro de Claudia Piñeiro), pero hoy -como dije en la conferencia de prensa acá en San Sebastián- se trata de salvar al cine y sobre todo, a la Argentina. El cine, la cultura, el arte siempre ha encontrado infinitas maneras de lucha, de resistencia y de expresión. Lamento que no haya voluntad de diálogo por parte de un gobierno que se dedica a combatir a un cine que es maravilloso, reconocido en todo el mundo por su calidad y diversidad, a una industria que da de comer a miles de familias. Claramente no se trata de una cuestión económica sino de una decisión política, generando un escenario de conflicto que no iniciamos los artistas. Es realmente muy triste.

DB/JJD/DTC

44 años después, Pedro Almodóvar volvió al festival de Cine de San Sebastián. Lo hacía de una forma distinta. Si cuando presentó aquí Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón lo hacía como un recién llegado que había debutado con una película fresca e irreverente, ahora regresaba consagrado como uno de los cineastas fundamentales de la historia del cine español. Pocos pensarían en 1980 que aquel joven dicharachero ganaría dos Oscar y premios en todos los festivales de cine del mundo. Sin embargo, en una extraña ironía, le faltaba el premio honorífico del Zinemaldia, ese Premio Donostia que honra a las figuras más importantes del cine español y mundial.

Aunque haya pasado mucho, es cierto que también llega en un momento dulce para el director, con el León de Oro recién logrado y con nada que demostrar. Un momento en el que es capaz de tirar de las orejas a la extrema derecha en cada discurso o incluso piropear a Pedro Sánchez, como hizo en la rueda de prensa por el premio. En su discurso en la gala agradeció a Sánchez su presencia “apoyando la cultura” y reivindicó el cine como un sitio donde que a él, desde pequeño, la parecía “más real” que sus vivencias en un pueblo de la Mancha. 

Recordó como “sin un duro”, se fue a Madrid en 1970 con “un propósito más fuerte” que su voluntad: ser cineasta. El resto es historia.

“El cine me lo ha dado todo. Mucho más de lo que yo podía imaginar. A mi edad, un premio como el Donostia puede indicar el final de un camino y una recompensa por haberlo recorrido. Pero yo no lo vivo así. Para mí el cine es una bendición o una maldición. No intuyo otro tipo de vida que el de escribir y dirigir sin pausa. He pensado, cómo no, en el día que me fallen las ideas, el físico o mi propia mente, cuando todo me falle. En caso de que llegue ese día, que espero que no. Seguiré haciendo películas, malas películas, supongo. Pero incluso a eso estoy dispuesto, porque la alternativa es el vacío”, comenzó diciendo sobre su necesidad de rodar como forma de seguir viviendo.

Una vocación que también definió como “una vampirización gozosa y consentida”, en un guiño que casi recuerda al Arrebato de Zulueta. En su cine hubo siempre una voluntad, la de imponer una “mentalidad desde los márgenes”, y hacerlo sin que nadie le diera “permiso para hacerlo”. “No creo haber cambiado la sociedad en que vivimos, ni la ciudad en la que nadie es forastero. Me refiero a Madrid. Pero cuando me encuentro con alguien que me dice que determinada película mía dio un nuevo rumbo a su vida o le empujó a vivirla de verdad. Cuando alguien me dice que ha empezado a estudiar español por mis películas o que han venido a Madrid también por ellas. Creo que este oficio es el mejor del mundo y que merecía la pena que yo me encargara, me entregara a él sin limitaciones”, añadió. 

Se acordó, cómo no, de su equipo de El Deseo, que también es su familia, y también de sus actrices. De Penélope Cruz, Carmen Maura, Marisa Paredes, Julieta Serrano o Chus Lampreave. La lista es interminable. De ellas ha sacado lo mejor. “He tenido la suerte de trabajar con actores y actrices de enorme talento y les estoy inmensamente agradecido. Y para terminar con la lista de todos los actores y actrices con los que he trabajado, terminando por esta maravillosa Tilda Swinton. Tenía que nombrarla. Que me ha llevado de la mano en mi primera película en inglés”, dijo de su nueva cómplice.

Tuvo tiempo hasta para pedir perdón: “Si a alguien ofendí, le pido perdón. Pero no he podido ser de otro modo del que soy. Reconozco que tampoco lo he intentado. Como guionista y director he tratado que todos mis personajes, aunque vivan historias disparatadas, exageradas, dolorosas y a veces divertidas, a veces muy divertidas. He tratado de dotarlos a todos ellos, sin importar su trabajo ni posición social de una absoluta autonomía moral. Si algo distingue a mis películas es por la libertad que gozan mis personajes, que es el reflejo de mi propia libertad. La vida, tanto en la ficción como en la realidad, es compleja y entraña multitud de peligros. Pero sin libertad la vida no merece la pena ser vivida”.

Y para terminar, una petición, que “las grandes tragedias, el dolor cotidiano, la incomprensión, la mentira, la falta de empatía, la injusticia social, el odio, todo lo negativo imaginable, pertenezca a la ficción y que la vida real transcurra de un modo justo, en paz y muy entretenida por las ficciones que solo existirán en nuestras pantallas”.

Hay pocos directores que hayan conseguido convertirse en adjetivo. Cuyo imaginario sea tan reconocible que ver un fotograma de cualquier película suya valga para adivinar a quién pertenece. Pedro Almodóvar es uno de ellos. Definimos las cosas como Almodovarianas. Descubrimos su influencia en las frases que usamos, y hasta en la forma de decorar nuestras casas. Todos queremos vivir en una película de Almodóvar, porque allí el mundo es mejor. Allí las mujeres construyen redes de sororidad, se ayudan, y transforman el mundo desde sus casas y barrios gracias al poder de la empatía.

Era difícil de entender que alguien que ha logrado lo más difícil, que su obra trascienda hasta convertirse en universal, no tuviera el Premio Donostia. Se lo habían ofrecido en otras ocasiones, incluso el director del Zinemaldia, José Luis Rebordinos, confesaba en una entrevista con elDiario.es que solo era cuestión de encontrar el momento, porque cuando lo quisiera sería suyo. Por fin los planetas se han alineado, y esa deuda pendiente se ha saldado este año. En una cuadratura del círculo perfecta, ha ocurrido el año que también ha ganado el León de Oro por La habitación de al lado, su primera película en inglés.

El reparto del filme le acompañó en la rueda de prensa para celebrar su premio Donostia, entre ellos Tilda Swinton, quien le entregará el galardón y quien se ha convertido en los últimos años en cómplice fundamental del realizador. Lo hará en una ceremonia a la que acudirá Pedro Sánchez, algo que Almodóvar ha agradecido, pero también pedido entenderlo como “un apoyo a la cultura, porque no siempre ocurre”, y aprovechó para desvelar que la exposición sobre su obra que hay en Madrid sigue esperando la visita de Martínez Almeida. “El alcalde de Madrid no ha ido a verla. Son cosas que pasan. Es una exposición que se aprobó en época de Carmena pero que no se pudo hacer entonces y les ha tocado a estos”, contó provocando el aplauso de la sala de prensa.

Bromeó también sobre lo que le diría a Sánchez esta noche: “En EEUU le llaman Mr. Handsome, Mr. Guapo, así que hay muchas cosas que pedirle y decirle a alguien de esas características a nivel político... y físico. A ver si saco mi parte cabaretera de mis inicios o me decido por algo más serio como los problemas que nombra el personaje de John Turturro en la película”.

Almodóvar realizó un ejercicio de memoria en la rueda de prensa más concurrida del festival, y confesó que llevaba “24 horas al borde de las lágrimas”. La primera vez que estuvo en el Zinemaldia fue con Pepi, Luci, Bom, una película que “era tan defectuosa que sus defectos se convirtieron en estilo”. “Cuando llegaba ayer al hotel me daba cuenta de que en estos 44 años las cosas habían cambiado mucho en el mundo y en la vida, pero esta ciudad seguía provocándome emociones muy profundas. Ahora de distinta naturaleza”, comenzó a decir para añadir que hace cuatro décadas probablemente hubiera llegado de empalmada a atender a la prensa.

Hace poco le preguntaban si alguna vez había dudado de su talento, y dijo que el talento nunca fue algo en lo que pensará, pero sí que ser cineasta era lo único que tenía sentido en su vida. “Nunca pensé en mi talento, pensaba que tenía una vocación que era más fuerte que yo mismo, la de hacer cine. Pensaba que si no conseguía hacer cine sería la persona más desgraciada del universo. Pero no estaba en el lugar adecuado, no tenía ni un duro, ni tenía amigos, pero esa era mi vocación. Lo mejor de estos 44 años es que he tenido una trayectoria. Tengo películas mejores que otras, pero todas son mías, todas me pertenecen, y eso es un privilegio que no todos los directores pueden decir”, añadió.

Yo nunca tengo la sensación de que sé hacer una película, sino de que empiezo una nueva aventura. Una película es como adentrarte en un safari, y yo estoy dispuesto a dejarme la vida

Pedro Almodóvar — Cineasta

Los cambios de su vida también han sido “biológicos”, y explicó que en un momento dado tuvo que “decidir entre las emociones fuertes o la disciplina de un trabajo que consiste en estar mucho tiempo solo escribiendo en tu casa, y mucho tiempo rodeado del equipo”. Fue a mediados de los 90, y optó por “ser coherente, y seguir escribiendo y haciendo películas”. No fue una decisión tan sencilla. “Al principio pensaba que renunciar a emociones es antinatural, porque son las que te nutren, pero poco a poco, y eso es la madurez, descubres que las emociones también están en determinadas rutinas, y de esas emociones es de las que empecé a hablar en las últimas películas, aunque sigo siendo la misma persona”, añadió.

A pesar de esos cambios biológicos hay algo que siempre mantiene, y es que intenta “huir del aburrimiento”. “La naturaleza de una película es la aventura y la incertidumbre. Yo nunca tengo la sensación de que sé hacer una película, sino de que empiezo una nueva aventura. No es retórica, una película es como adentrarte en un safari, y yo lo que sé es que estoy dispuesto a dejarme la vida si es necesario en esa aventura, pero nunca puedes prever los peligros que hay que sortear. Cada película es distinta y supone un problema distinto a resolver”.

Hubo una defensa de un valor a la baja, “la espontaneidad, algo que en un mundo que tiende y promueve la corrección política es algo que está en peligro”. “Decir lo que piensas, actuar como piensas... Y si alguien se ofende, alguien se ha ofendido. Yo sabía cuando hacía Pepi, o Entre tinieblas, que no eran las películas que España estaba esperando, pero yo he tratado de ser lo mas espontáneo posible. Es naturalidad era lo que mejor funcionaba en el mercado, así que además no tenía razón para cambiarlo”, apuntó.

Recalcó el mensaje político de su película como hicieran en Venecia, un mensaje de empatía en momentos donde “se encuentran juntas la ultraderecha y el liberalismo más salvaje”. “Cuando pienso en el auge de la ultraderecha, que son ultra católicos, al menos los españoles, yo que soy ateo me sé los mandamientos y sé que hay que dice que hay que ayudar al prójimo, así que me preguntó: ¿esta ultraderecha no piensa en sus hijos, en sus nietos?”, comenzó diciendo para volver a criticar la política de la derecha hacia la migración. Su respuesta, lo contrario: “Abrir los brazos y acompañar a la gente que venga. Esa gente es sangre nueva que rejuvenecerá España”.

Johnny Depp llevaba 27 años sin dirigir un largometraje. Su primer filme, The brave, se presentó en 1997 en el Festival de Cannes, donde compitió por la Palma de Oro. Sin embargo, aunque posteriormente muchos han reivindicado su película como si fuera casi de culto, el actor nunca repitió experiencia. Mucho se ha especulado si el fracaso comercial de aquella experiencia le complicó despegar como cineasta, pero es evidente que alguien que ha sido la estrella más importante de Hollywood gracias a la saga Piratas del Caribe, podría haber repetido la experiencia sin problema.

Han tenido que pasar casi tres décadas para volver a ver una película dirigida por él, y tras ver su Modi, three days on the Wings of madness, uno se plantea si es que quizás no tuviera nada que contar. Su biopic sobre el artista italiano, presentado fuera de concurso en el festival de San Sebastián, roza en ocasiones lo sonrojante. Un decepcionante filme que quiere romper el academicismo de su narración con algún arrebato supuestamente moderno (la música, partes en blanco y negro o aceleradas), sin lograrlo.

Depp no consigue encontrar el tono de su película, que navega entre la comedia de compadres (bastante machirula), el drama sobre el malditismo del artista y la historia de amor. Todos los tópicos de filmes sobre artistas encorsetados juntos, pero sin decidirse nunca por una idea concreta. Eso podría haber derivado en un filme dispuesto a romper los géneros cinematográficos, pero simplemente es que naufraga en todas sus intentonas, especialmente en la vertiente humorística que quiere homenajear al slapstick sin lograrlo.

Depp le da el protagonismo al actor italiano Riccardo Scamarcio y le guarda un cameo a Al Pacino, amigo y uno de los impulsores del proyecto, pero como en todas las buenas producciones de Hollywood, en el París de comienzos del siglo XX se habla todo en inglés con los acentos propios de cada actor. Scamarcio se entrega al delirio propuesto por Depp, pero poco puede hacer para salvar la debacle. 

El actor, cómo no, llegó a San Sebastián entre aplausos y vítores. Y cómo no, atendió a la prensa tarde. La rueda de prensa la retrasó a la tarde, y a los periodistas les atendió con una hora de demora. En Donostia se siente como en casa. Fue aquí donde le dieron el Premio Donostia en plena polémica por el juicio por difamación (que ganó) contra su exmujer Amber Heard, así que cómo no iba a ser aquí donde presentara este filme. Aquí ha encontrado un refugio creativo, y él mismo lo reconoce. 

“Este Festival adoptó una postura muy valiente en un momento muy confuso para mucha gente, especialmente para mí. Tomaron una posición. Y tuvieron que pensar en las posibles repercusiones en ese momento por decir algo remotamente positivo sobre mí en ese momento. Lo pensaron y tomaron una decisión muy valiente, así que siempre estaré agradecido. Siento un parentesco muy especial con este festival de cine, también porque incentiva el cine y alienta a soñar a las nuevas generaciones en vez de estar pendiente de la lista de celebridades que pueden venir. Este festival no va de eso, y yo tengo un lugar en mi corazón para este sitio y para esta gente”, dijo ante un reducido grupo de periodistas.

El filme muestra el choque entre el arte y la industria. Entre los que ponen el dinero y los que ponen sus ideas para que otros las exploten, y ahí Depp dice que se ha sentido muy unido al personaje. “Sí, he experimentado algo de eso. La presión de la maquinaria de Hollywood. Estoy confundido también, porque ellos ya no me confunden”, dijo entre risas en un confuso juego de palabras sobre su relación con una industria que le ha dado la espalda unas cuantas veces. 

También abordó el motivo por el que ha tardado tanto en volver a dirigir. Su experiencia en The Brave le enseñó algo, y es que no quería dirigir y actuar al mismo tiempo. Por ello fue retrasando ese regreso a la realización. “The Brave fue un proceso complicado en el que me sentí más como un gestor, asumí demasiadas profesiones en un solo filme y tuve que equilibrar demasiadas fuerzas. Demasiadas matemáticas. Por eso nunca pensé mucho en volver a dirigir..., pero Al Pacino me llamó con esta idea, me dijo, ‘creo que deberías dirigir esta película sobre Modigliani’, A priori no tenía sentido, pero cuanto menos sentido tenía, de alguna forma empezaba también a tener más sentido. Si Al vio algo en mí, conociéndolo, es porque pensó que yo sería capaz de captar la esencia de Modigliani. Y si él se sentía así, pensé, bueno, quizás sí estoy a la altura del desafío. Veamos qué pasa”, al final dijo que sí y este biopic se ha convertido en su segundo filme en más de 20 años.

A Johnny Depp le unía otra cosa con Modigliani, y es que él también pinta, aunque no tiene claro si eso le convierte en pintor. Pero lo que más le fascinó de su vida es “la forma en la que creció y el hombre en el que se convirtió”. “Él era judío en una época como la primera guerra mundial, y eso me ha fascinado, porque implica una vida rebelde. Esa sencillez, esa vuelta a sus raíces y su soledad vital, a la búsqueda de su arte, me inspira. Fue alguien que no vendió un cuadro en toda su vida, pero ahora nadie es capaz de ir a un museo y no sentir, al menos, curiosidad por ellos”. Es una pena que esa fascinación no se haya trasladado a las imágenes de su película.

Pocos festivales en el mundo le dedican desde siempre tanto espacio al cine argentino como el de San Sebastián, pero lo de este año ha sido inédito no solo en cantidad de películas seleccionadas en las diversas competencias (16), films en distintas etapas de desarrollo dentro de los apartados de industria (10) e invitaciones (a cargo de o gestionadas por la propia organización) sino también en la visibilización de su crisis. Por eso, le ha dedicado buena parte de la jornada de este martes 24 a difundir la situación y a manifestar de forma institucional su apoyo incondicional a la industria audiovisual nacional.

La elección del día no ha sido casual. Hoy se proyectó en el Kursaal 1, la sala más importante de la imponente sede del festival, “El hombre que amaba los platos voladores”, película de Diego Lerman con Leonardo Sbaraglia como el periodista sensacionalista José de Zer (aquel que rompía récords de rating en el noticiero Nuevediario con sus “investigaciones” sobre presencias extraterrestres en el cerro Uritorco) que compite por la Concha de Oro de la sección oficial; y también hoy se exhibió “Traslados”, el documental de Nicolás Gil Lavedra sobre los denominados Vuelos de la Muerte que el festival eligió como parte de esta movida política.

Lerman y Sbaraglia se presentaron por la mañana en la conferencia de prensa junto al resto del equipo de “El hombre que amaba los platos voladores” y no ahorraron críticas contra la política cinematográfica, cultural y general del gobierno de Javier Milei.

“Tenemos un cine del cual nuestros gobernantes y el presidente Milei deberían sentirse orgullosos, películas diversas elogiadas en todo el mundo, una industria que funciona, que da trabajo a miles de familia, pero la voluntad política esta siendo ciega, no hay apuesta al diálogo. Se ha generado un escenario de conflicto que nosotros no iniciamos. Duele ver cómo destruyen una industria”, opinó Sbaraglia.

Por su parte, Lerman, director de “Tan de repente”, “Mientras tanto”, “La mirada invisible”, “Refugiado”, “Una especie de familia” y “El suplente”, agregó que la situación del cine argentino es de “incertidumbre total, parálisis, tristeza e impotencia. Somos una generación que creció con la Ley del Cine y duele ver este ataque sistemático y violento”.

Luego fue el turno de un acto en las escalinatas de acceso al Kursaal 1 en el que la comunidad cinematográfica internacional acompañó a la delegación argentina, que incluyó a representantes de todas las películas presentes en esta edición, para una foto grupal. José Luis Rebordinos, director de la muestra, leyó una declaración oficial del equipo que lidera y cuya frase final es toda una declaración de principios: “Hoy, el Festival de Cine de San Sebastián como manifestación cultural que es, no puede permanecer al margen del desmantelamiento de una cinematografía que es de las más importantes de América Latina por parte de un gobierno que, además, justifica a una dictadura militar que asesinó a miles de ciudadanos ¡Aguante el cine argentino!”.

Luego de la lectura del texto también en euskera e inglés (aquí se manejan los tres idiomas de manera igualitaria), fue el turno de la directora y dramaturga Lola Arias, la actriz y cineasta María Alché y la intérprete Maricel Alvarez, quienes leyeron un duro comunicado de los artistas argentinos: “En la próxima edición de San Sebastián no habrá 26 películas. Probablemente haya 5, 2, ninguna. Imaginemos lo que eso significa en los cines de la Argentina, sin películas nacionales que proyectar, en las que nuestro público pueda verse, pensarse. Al igual que la ciencia, la universidad pública, los jubilados, el cine es una moneda de cambio más en una guerra cultural que a nadie beneficia y que no aporta nada a la nación. Más bien parece una cortina de humo para distraer a la sociedad en una economía donde día a día se hace más difícil acceder a las cosas más elementales, generando hambre, ignorancia y odio. Esto es parte de la agenda de un gobierno ultraliberal que intenta promocionar como libertad la destrucción de nuestra memoria y nuestra soberanía cultural”.

Luego del acto y de un cóctel para la delegación argentina organizado por el festival, elDiarioAr conversó con Diego Lerman en una entrevista realizada en el histórico hotel María Cristina de esta ciudad minutos antes de la función de gala de su flamante película. “El hombre que amaba los platos voladores no se podría hacer en el actual contexto. En ese sentido, el financiamiento por parte de Netflix fue la clave para un proyecto de esta envergadura con un extenso rodaje en pueblos de San Luis o en desiertos de Mendoza, con una minuciosa reconstrucción de época, mediados de los años '80, o con un soundtrack que incluye temas de Charly García y Sumo. No sé de qué manera, con las plataformas de streaming o de forma totalmente autogestiva e independiente mientras el INCAA siga paralizado, pero seguiremos haciendo cine. Si atravesamos y superamos la crisis de 2001 no tengo dudas de que vamos a resistir esta”, concluyó.

DB/JJD

El actor argentino Leonardo Sbaraglia, que participó este martes en un acto de apoyo del festival de San Sebastián al cine argentino, lamentó la ausencia de diálogo por parte del Gobierno del ultraliberal Javier Milei con un sector del que “debería sentirse orgulloso”.

“Tenemos un cine del cual nuestros gobernantes y el presidente deberían sentirse orgullosos pero la voluntad política está siendo ciega”, dijo en rueda de prensa en el certamen, donde presentó en competición en sección oficial la película 'El hombre que amaba los platos voladores', junto a su director, el también argentino Diego Lerman.

“Lo último que queremos es hablar de política en una conferencia de prensa sobre nuestra película, pero se ha generado un escenario de conflicto que nosotros no iniciamos”, aseguró el actor.

Sbaraglia recordó que el cine es una industria que funciona: “Yo hace 40 años que me rompo el alma como actor para tratar de hacer mejor las cosas”, subrayó.

Al mismo tiempo, insistió en que no es solo el cine argentino el que está en peligro, sino todo el país. “El cine va a encontrar su manera, vivimos una crisis tremenda en 2001 y la cultura siempre ha encontrado infinitas maneras de resistencia”, manifestó.

Por su parte, Lerman dijo que la situación del cine argentino es de “incertidumbre total”, de “parálisis” y de “tristeza e impotencia”.

“Somos una generación que crecimos con la ley del cine y al ver este ataque sistemático y violento intentamos defendernos con nuestras películas, pero desde la convicción de que vamos a seguir haciendo cine, no sé de qué manera”, agregó.

Desde la llegada de Milei a la Presidencia argentina en diciembre pasado, su Gobierno ha implementado fuertes recortes contra la industria del cine, especialmente contra el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), encargado de las subvenciones.

En esta edición del festival de San Sebastián el cine argentino está representado por 16 películas en las diferentes secciones.

“El riesgo es que el año que viene no haya películas”, advirtió Lerman en declaraciones a EFE, porque las películas que están hoy son las que se empezaron a hacer hace un tiempo atrás, la cadena es bastante larga y hoy está interrumpida“.

“Pasaremos de 26 a cero películas argentinas”

El Festival de San Sebastián celebró este martes un acto de apoyo al cine argentino contra las medidas de desmantelamiento de la industria del Gobierno de Javier Milei, que podría provocar que la presencia de películas argentinas pase de 26 a cero en la próxima edición.

“En esta edición hay 26 películas argentinas, en la próxima probablemente haya cinco, dos o ninguna”, dijo en nombre de los artistas la directora argentina Lola Arias, directora de 'Reas'. “Imaginemos lo que eso significa en los cines de la Argentina, sin películas nacionales que proyectar, en las que nuestro público pueda verse y pensarse”, añadió.

El actor Leonardo Sbaraglia, los directores Diego Lerman ('El hombre que amaba los platos voladores', de la sección oficial) e Iair Said ('Los domingos mueren más personas', de Horizontes Latinos) o el elenco de la película 'Reas' estaba entre el numeroso grupo de cineastas y artistas que se concentraron en las escaleras del cine Kursaal de San Sebastián (norte de España), sujetando una gran bandera argentina mientras entonaban 'La patria no se vende'.

“El Festival de Cine de San Sebastián, como manifestación cultural que es, no puede permanecer al margen del desmantelamiento de una cinematografía nacional por parte de un gobierno que, además, justifica a una dictadura militar que asesinó a miles de ciudadanos”, declaró en nombre de la dirección del Festival su director, José Luis Rebordinos.

Tras recordar que esta situación de precariedad de la industria se vive en otros países, como Venezuela, Rebordinos remarcó que la paralización de proyectos, el vaciado de contenido del INCAA (su instituto de cine) y otras medidas del Ejecutivo del ultraliberal Milei “ponen en peligro el desarrollo, no solo de su cinematografía, sino también de otras manifestaciones de su cultura”.

El festival dejó claro que este apoyo “no significa ninguna intromisión en la política de Argentina” y que durante años colaboró con un INCAA que ha tenido diferentes colores políticos y gobiernos conservadores, liberales o de tipo peronista.

“Con todos ellos la industria argentina ha conseguido desarrollarse con normalidad y ser una de los más importantes de América Latina, mostrando una imagen positiva del país y siendo un motor económico del mismo”, continuó.

Arias lamentó que, en su país, “al igual que la ciencia, la universidad pública, los jubilados, el cine es una moneda de cambio más en una guerra cultural que a nadie beneficia y que no aporta nada a nuestro país. Más bien parece una cortina de humo para distraer a la sociedad en una economía donde día a día se hace más difícil acceder a las cosas más elementales, generando hambre, ignorancia y odio”.

Por su parte, la actriz María Alché ('Cuando las nubes esconden las sombras') criticó la “agenda de un Gobierno ultraliberal que intenta promocionar como libertad la destrucción de nuestra memoria y de nuestra soberanía cultural”.

“Es tarea del Estado proporcionar las condiciones necesarias para la creación y la producción de bienes culturales. Por eso estamos alzando nuestra voz en defensa de nuestra identidad y nuestros derechos. La lucha por el cine argentino es una lucha por nuestro futuro”, concluyó entre aplausos.

EFE.

IG

“Para nosotros el cine argentino es el más importante de América Latina, además de un gran amigo y un aliado incondicional, y por eso queremos demostrar nuestro apoyo de manera concreta, contundente e institucional durante esta edición”, dice José Luis Rebordinos, director del Festival de San Sebastián desde 2011, en diálogo con elDiarioAR, a pocas horas del inicio de la 72ª edición (20 al 28 de septiembre).

Y esa contundencia se percibe no solo en la selección de 20 películas nacionales (16 terminadas y 4 en desarrollo) para las distintas secciones sino tambén en la integración de los distintos jurados (hay un argentino en cada uno de los seis principales) y, sobre todo, en una movida que tendrá su epicentro el próximo martes 24 en ese paradisíaco enclave del País Vasco. “En principio, vamos a emitir una declaración por parte del equipo del festival y ese día, en coincidencia con la proyección en la Competencia Oficial de 'El hombre que amaba los platos voladores', film de Diego Lerman, se realizará una concentración de profesionales del sector para una foto grupal y además se proyectará 'Traslados', documental de Nicolás Gil Lavedra sobre los denominados 'Vuelos de la Muerte'. Hemos hecho todos los esfuerzos para que la participación argentina este año sea récord en las diferentes instancias del festival y de industria”, agrega Rebordinos, uno de los máximos impulsores y difusores del cine nacional en el exterior. “No podemos permitir que el cine argentino desaparezca del planeta y quedarnos de brazos cruzados cuando es un modelo de calidad y diversidad”, concluye.

La presencia nacional estará encabezada por la película de Diego Lerman con Leonardo Sbaraglia en el papel del periodista sensacionalista José de Zer (el mismo que logró récords de rating en los noticieros con sus informes sobre presencias extraterrestres en el Uritorco), pero también con otros estrenos mundiales como “La llegada del hijo” (competencia New Directors), segundo largometraje de Cecilia Atán y Valeria Pivato luego de “La novia del desierto” que narra las desventuras de una madre (Maricel Álvarez) cuando su hijo (Angelo Mutti Spinetta) regresa al hogar después de varios años en prisión; y “Sombra grande” (sección Zabaltegi Tabakalera), de Maximiliano Schonfeld, sobre el resurgimiento de una lengua aparentemente perdida como el Chaná en la misma zona de Entre Ríos donde habitan los descendientes de alemanes del Volga, quienes van perdiendo de forma inexorable su propio dialecto.

La delegación argentina incluye también a films presentados previamente en otros festivales como “Monólogo colectivo”, de Jessica Sarah Rinland (también se proyectará en Zabaltegi-Tabakalera); mientras que en la competencia Horizontes Latinos se exhibirán títulos como “Los domingos mueren más personas”, de y con Iair Said; “Reas”, de Lola Arias; “El aroma del pasto recién cortado”, de Celina Murga; y “El jockey”, de Luis Ortega. Incluso un realizador en pleno ascenso como Federico Luis estará presente por partida doble con el corto “Cómo ser Pehuén Pedre” (en Zabaltegi-Tabakalera) y con el largometraje “Simón de la montaña”, ganador de la sección Semana de la Crítica del último Festival de Cannes, que en ambos casos tienen a Lorenzo “Toto” Ferro y a Pehuén Pedre como protagonistas (en Horizontes Latinos).

Arranque provocador

Pero no solo cine argentino, claro, habrá este año en San Sebastián, que ya desde su película de apertura promete fuertes controversias. El film inaugural -incluido además en la Competencia Oficial y en estreno mundial- es la nueva versión de “Emmanuelle”, clásico erótico surgido de la literatura y que luego tuvo una larga y popular saga cinematográfica, pero ahora con una directora de la talla de Audrey Diwan (viene de ganar el León de Oro en Venecia 2021 con “El acontecimiento”, transposición del libro de Annie Ernaux) y un elenco que incluye a Noémie Merlant, Will Sharpe y Naomi Watts. “Es una revisión muy libre y actual, en clave feminista y con una mirada realmente personal que es al mismo tiempo sensual y decididamente política”, anticipa Rebordinos.

En la disputa por la Concha de Oro, máximo galardón del festival y el resto de los premios oficiales, se presentarán los nuevos trabajos de cineastas consagrados como el alemán Edward Berger (“Cónclave”, con Ralph Fiennes, Stanley Tucci, John Lithgow, Isabella Rossellini y Sergio Castellitto); el francés François Ozon (“Quand vient l'automne”, con Hélène Vincent, Josiane Balasko y Ludivine Sagnier); el inglés Mike Leigh (“Hard Truths”), el japonés Kiyoshi Kurosawa (“Serpent's Path”), el franco-griego Costa-Gavras (“Le dernier souffle”), y los estadounidenses Joshua Oppenheimer (“The End”, con Tilda Swinton, George MacKay y Michael Shannon) y Gia Coppola (“The Last Showgirl”, con Pamela Anderson, Dave Bautista, Jamie Lee Curtis y Jason Schwartzman).

La representación española en la Competencia Oficial incluye cuatro muy diversos estrenos mundiales: un film de terror como “El llanto”, de Pedro Martín-Calero (coproducción con Argentina); “Soy Nevenka”, sobre los abusos a la mujer en la política que dirigió la pionera Icíar Bollaín; “Los destellos”, de la joven y ascendente Pilar Palomero (“Las niñas”); y “Tardes de soledad”, documental sobre la tauromaquia a cargo del siempre provocador Albert Serra.

La presencia de Serra en la sección principal se suma a la de otro cineasta español de amplia repercusión internacional como Pedro Almodóvar, quien no solo presentará su primer largometraje rodado en inglés como “The Room Next Door” (“La habitación de al lado” es el título local), con Julianne Moore y Tilda Swinton, sino que además será uno de los acreedores del premio Donostia a la trayectoria (“Me pone muy feliz porque voy a saldar la deuda que teníamos con el cineasta más importante del país”, asegura Rebordinos) junto a otro ídolo español como Javier Bardem y la talentosa actriz australiana Cate Blanchett. Cinefilia y glamour, la combinación perfecta para cualquier festival de primer nivel como el de San Sebastián.

DB/JJD