Este domingo se ha celebrado en Los Ángeles la gala de los Oscar 2026, en la que la española Sirat de Oliver Laxe optaba a dos galardones pero no ha logrado hacerse con ninguno. El gran triunfador de la noche ha sido Paul Thomas Anderson, que ha visto cómo su película Una batalla tras otra se hacía con seis galardones, incluyendo la estatuilla a la mejor película.

Ganadores de los Oscars 2026:

Mejor película

Mejor actor protagonista

Mejor actriz protagonista

Mejor dirección

Mejor actor secundario

Mejor actriz secundaria

Mejor película internacional

Mejor película de animación

Mejor película documental

Mejor montaje

Mejor dirección de fotografía

Mejor guion adaptado

Mejor guion

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor canción original

Mejor banda sonora

Mejor diseño de vestuario

Mejor sonido

Mejor diseño de producción

Mejores efectos visuales

Mejor corto de animación

Mejor corto de ficción

Mejor corto documental

Mejor Fotografía

Mejor casting

Parecía una broma de mal gusto que hasta ahora Paul Thomas Anderson no tuviera un Oscar. Ninguno. Ni a mejor guion, ni como director… nada. El genio detrás de varias de las mejores películas de las últimas tres décadas como Magnolia, Pozos de ambición o El hilo invisible tuvo que esperar a su décima película para lograr que la Academia de Hollywood se rinda ante él. Eso sí, lo hizo a lo grande, coronando Una batalla tras otra con seis premios Oscar, entre ellos los más importantes: Mejor película, Mejor dirección, Mejor guion adaptado (por ser una libérrima adaptación del Vineland de Thomas Pynchon), además de Actor de reparto para Sean Penn (que se llevó su tercer Oscar pero no fue a recogerlo), montaje y casting, premio que se entregaba por primera vez este año.

No podía ser de otra forma, Una batalla tras otra es la mejor película del año. O, al menos, la mejor hecha en Hollywood. El Oscar para el filme es, además, una declaración de intenciones en el momento actual de la industria de cine en EE.UU. y del país en general. Primero, por ser un filme arriesgado, caro, que no depende de una franquicia conocida y que produjo un estudio de los de toda la vida (Warner) dando la libertad creativa y financiera a un director tan personal pero, a priori, poco taquillero como Paul Thomas Anderson. Encima, en un momento en el que Warner será comprada dentro de poco por Paramount y el futuro de filmes como este queda pendiendo de un hilo.

Segundo, porque en la América de Trump, Una batalla tras otra era una de las películas que se atrevía a mostrar sus heridas y las formas de confrontarlas. La película de PTA habla de las revoluciones fallidas y de cómo el amor y el cariño es la forma de transmitir el activismo como legado de padres a hijos. A pesar de ser alérgico a los discursos políticos, en esta ocasión asomó algo de colmillo cuando contó que escribió este filme para sus hijos, “para pedirles perdón por el desastre que hemos dejado en este mundo que les estamos entregando, pero también con la esperanza de que ellos sean la generación que, ojalá, nos devuelva el sentido común y la decencia”.

Los pecadores puso emoción hasta el final, ya que fue sumando estatuillas como guion original, Mejor banda sonora para Ludwig Goransson —el tercero tras los logrados por Black Panther y Oppenheimer–, fotografía (premio histórico al ser Autumn Durald Arkapaw la primera mujer en lograrlo en 98 años) y, sobre todo, hizo pensar en que podía dar la sorpresa cuando Michael B. Jordan ganaba al favorito Timothee Chalamet como Mejor actor, un premio que fue recibido en la sala de prensa del Dolby Theatre con un estruendoso aplauso. Un estupendo botín para una de las películas más queridas en EE.UU. este año. Si sorprendente fue el de Mejor actor, cero sorpresas hubo en el de Mejor actriz, que fue para la desgarradora interpretación de Jessie Buckley en Hamnet, la adaptación del libro de Maggie O'Farrell. La película de Chalamet, Marty Supreme, fue de lejos la gran derrotada de la noche. El filme de Josh Safdie no pudo convertir en premio ninguna de sus nueve candidaturas.

La de Mejor película internacional fue para la noruega Valor sentimental, un premio entregado por un Javier Bardem que volvió a demostrar su compromiso político diciendo desde el escenario: “No a la guerra, Palestina libre”.

Oscar para los fenómenos populares

El primer premio de la noche no fue para ninguna de las dos favoritas. Amy Madigan ganó el premio a la Mejor actriz de reparto por el personaje más icónico de la temporada, la Tía Gladys de Weapons, otro éxito de Warner este año. Era una de las categorías más abiertas de la noche, pero tras ver el brillante comienzo de Conan O’Brien parece hasta lógico. El presentador se coló en las películas nominadas caracterizado como Gladys y, poco después, Madigan fue coronada con el Oscar por ese personaje. Madigan, que protagonizó hace décadas un momento emblemático de la historia de los Oscar cuando no aplaudió ni se levantó a aplaudir a Elia Kazan —que delató a sus compañeros comunistas durante el Macartismo—, tiene ahora otro para el recuerdo.

Sin duda, los Oscar este año se rindieron a los fenómenos populares, y así lo acreditan también los dos previsibles Oscar a Las guerreras K-Pop, la película más vista de la historia de Netflix, que ganó el de Mejor película de animación y el de Mejor canción para la hiper cantada y tarareada Golden. Netflix, por cierto, se llevó uno de los mejores dardos de Conan O’Brien, que le dijo que Ted Sarandos, el mandamás de la plataforma allí presente, era la primera vez que pisaba un cine en su vida. Incluso se podría entender así los tres premios técnicos que se llevó el Frankenstein de Guillermo del Toro (vestuario, maquillaje y peluquería y diseño de producción) y todo un éxito en Netflix.

Y, como si fueran los Goya del año pasado, hubo un 'ex aequo', aunque no fue en Mejor película, sino en la de Mejor corto de ficción, pero provocó un momento de sorpresa muy bien resuelto por el presentador, Kumail Nanjiani, que aclaró que no era una broma y que leería primero un nombre, y tras agradecer el premio, el segundo. Así, The Singers y Two People Exchanging Saliva recogieron su Oscar en un momento que no se daba desde 2012, tal como aclararon rápidamente los documentalistas de la Academia de Hollywood en la sala de prensa.

Conan O'Brien triunfa en una gala brillante

Aunque no estuviera nominado a nada, quien salió triunfante de su difícil papel fue Conan O'Brien, que repitió como maestro de ceremonias y lo clavó desde el primer momento, con ese gag vestido de Tía Gladys, hasta su última aparición. Entre medias un primer monólogo cargado de dardos a Netflix y hasta al príncipe Andrés. “No hay británicos nominados en la categoría de mejor actor o mejor actriz. El portavoz de los británicos ha dicho, 'bueno, por lo menos hemos arrasado en el sector de la pedofilia'”, dijo el presentador ante la risa y el asombro del público del Dolby.

Hubo gags muy divertidos sobre ver cine en el móvil, clásicos reactualizados, y una aparición de Jimmy Kimmel, que subió al escenario tras un año en el que su programa fue cancelado por sus críticas a Trump y finalmente recuperado por las críticas del sector y el público. Kimmel no se domesticó en su discurso: “Como saben, hay países cuyos líderes no aceptan la libertad de expresion, pero no nos permiten decir cuáles. Llamémosles Corea del Norte y CBS”. Minutos después, cuando presentó el premio al mejor documental dijo, refiriéndose al presidente de EEUU, que se iba a enfadar cuando viera que el documental de su esposa no estaba ni siquiera nominado.

No todo fue tan brillante. Se esperaba más de la reunión de las protagonistas de La boda de mi mejor amiga, y la actuación de Golden dejó mucho que desear. No así la actuación de la canción nominada de Los pecadores, puro riesgo en el escenario. Pero, sobre todo, emocionó la forma en la que afrontaron el 'in memoriam' en un año donde las muertes han sacudido Hollywood. Los homenajes a Rob Reiner (por parte de Billy Crystal y junto a actrices como Meg Ryan y otras de sus películas), Diane Keaton y, sobre todo, el que hizo Barbra Streisand a Robert Redford cantando The way we were sacaron las lágrimas a más de uno. Eso sí, las alusiones políticas volvieron a ser escasas. Más allá de Bardem, los ganadores del Oscar al Mejor documental por Mr. Nobody against Putin y algún dardo de los presentadores, Hollywood volvió a demostrar que el miedo sigue reinando a la hora de dar discursos.

Eso de que “hablen de vos, aunque sea mal” se cumple más que nunca en la víspera de los Premios Oscars en Hollywood. Hablamos de los Razzies, unos galardones que nacieron en la década de los 80 y que regalaron algunos momentos icónicos en los que las estrellas del cine supieron reirse de sí mismas, entre ellas el mismísimo Francis Ford Coppola, que aceptó su galardón por “Megalópolis”.

Esta ceremonia de premios se celebra anualmente el día antes de los Oscars, lo que hizo que sea considerado una oposición, y que son votados por los miembros de la fundación Golden Rasperry Award, abierta a quien quiera pagar su inscripción, lo que ya da derecho a voto.

Los Razzies, cuyo nombre oficial es Golden Raspberry Awards, entregan un trofeo que vale menos de 5 dólares, compuesto por una frambuesa de plástico del tamaño de una pelota de golf, que se pega encima de un carrete de celuloide, todo ello pintado con aerosol en color dorado. El nombre y el icono proceden de la expresión en inglés blowing a raspberry, que hace referencia al sonido que se hace al soplar con la lengua entre los labios para que suene similar a una flatulencia, lo que lleva a pensar en la mueca que realizamos cuando vemos algo de poca calidad.

La historia de los premios Razzies, los anti-Oscar

En la noche de los premios Oscars 1981, el crítico de cine John J.B Wilson estaba viendo la gala con un grupo de amigos y cuando esta terminó, decidió alargar la velada y construyó un podio de cartel en su salón, para luego improvisar un micrófono para ir presentando galardones al azar de las peores películas del año.

Una idea que había nacido en John Wilson en el verano de 1980 cuando vio “Can’t Stop the Music” y “Xanadu” en sesión doble, y le parecieron ambas tan malas que exigió un reemboslo de la entrada que había pagado, un enojo que no pasó y que lo llevó a decir en su propia casa lo de: “¡Estas dos películas deberían recibir premios por ser tan malas!”.

Precisamente, estos dos títulos fueron las ganadoras de los primeros premios Razzies, que se celebraron en la casa de su creador, algo que se dio también en la segunda edición. Sin embargo, más tarde, se comenzarían a celebrar en la sede de la fundación que se encarga de celebrar estos galardones, que fueron creciendo en notoriedad tanto en medios como en la industria de Hollywood.

Sandra Bullock recibió un Razzie y un Oscar en tan solo 24 horas

Un hecho que demuestra el crecimiento de los Premios Razzies, que corona a los mayores fracasos del cine cada año con humor, es que algunas estrellas aceptaron sus galardones e incluso han acudido a la ceremonia, como es el caso de Tom Selleck en 1993, Jamie Dornan en 2016, pero también hay otros como Ben Affleck, que en 2004 rompió el trofeo en televisión y cuyos pedazos fueron vendidos por eBay con una recaudación que luego sirvió para alquilar el local para la gala del próximo año.

Algunos hechos a lo largo de la historia de los Razzies fueron reseñables. En 1998, el guionista Brian Helgeland fue la primera persona en ganar este premio y el Oscar el mismo año, por “The Postman” y “L.A Confidential” respectivamente, y por su deseo de recibir ese “deshonor” llego incluso a recibir su trofeo en sus oficinas. Destacable son también hasta los nueve premios Razzie para Sylvester Stallone, el que más, y que es también el que más nominaciones acumula.

Una de las curiosidades más recordadas, sin embargo, es la de Sandra Bullock, que en 2010 obtuvo un Razzie como peor actriz por “Loca Obsesión” (All About Steve) y un Oscar a mejor actriz por “Un sueño posible” (The Blind Side) en menos de 24 horas. De hecho, acudió a la ceremonia con un DVD de la película por la que fue nominada para animar a que la vieran y que le dijeran si realmente lo merecía. “El año que viene regresaré para devolverlo”, aseguró.

Cómo se le nota al director Ryan Coogler el placer apasionado –por no decir alocado– con que filma esta película tan zarpada y compleja. Tan empapada de negritud, de amor y apego hacia su comunidad que –en las dos horas y cuarto que emplea para contar el transcurrir de un día en Clarkdale, Mississippi, 1932– logra concretar meritoriamente sus ambiciones: dar la vivencia del dolor de la experiencia histórica negra en Norteamérica, evocar las raíces africanas que dejaron su marca indeleble en la música y el baile, en el sincretismo de las creencias religiosas. Además, afirmar el orgullo y la resiliencia de su gente… Y aunque el director escribió el guion dos años antes de que Trump retomara el poder, Sinners, estrenada en 2025, aparece en tiempos en que, deplorablemente, arrecia en los Estados Unidos la discriminación hacia las minorías de casi cualquier origen que no el blanco caucásico.

Es verdad que en Una batalla tras otra hay dos personajes de negras bravías, estupendamente interpretadas, pero su color de piel no remite a sus ancestros, tampoco a la esclavitud como institución legal que perduró dos siglos y medio, a partir de 1619, explotando y maltratando a trabajadores negros del tabaco y el algodón (base de la próspera economía sureña) hasta finalizada la Guerra de Secesión. Luego de la abolición, persistió larguísimas décadas la segregación y la restricción de derechos elementales.

Pero nunca hubo un pedido oficial de perdón desde el gobierno estadounidense, nunca alguna forma de indemnización por haber sufrido cientos de miles secuestro y maltratos despiadados. Ni para las personas perjudicadas todavía con vida en la segunda mitad del siglo XIX, ni para ninguno de sus descendientes a través de las generaciones, justo en el país que ha presumido de ser cuna de la democracia moderna representativa.

La pantalla discriminadora

En el cine estadounidense, se tardó en darles lugar como intérpretes, directores, en otros rubros técnicos. En 1915, David Griffith pintó de negro a actores blancos para caricaturizar negativamente a intérpretes de personajes afrodescendientes, mientras que enaltecía el supuesto heroísmo de integrantes del Ku Klux Klan durante la Guerra Civil, contribuyendo al resurgimiento de la siniestra organización. Ya en el sonoro, el primer Oscar (premio creado en 1929) fue para la actriz negra que hacía de Mammy, la criada maternal, en Lo que el viento se llevó, de 1939. Cinta racista que defiende a los honorables caballeros sureños, casualmente también durante la Guerra de Secesión. Pues bien, en la ceremonia de entrega, la rolliza morena Hattie McDaniel no pudo sentarse junto al elenco del muy taquillero film porque su color de piel desentonaba. Fue segregada a una mesa marginal luego de casi quedarse afuera, porque el Hotel Ambassador no permitía el acceso de personas negras a sus instalaciones. Tampoco se invitó a la actriz al estreno en estados del sur.

Pasaron las décadas, Sidney Poitier se convirtió en el negro (guapo) oficial de Hollywood y su Oscar como protagonista le llegó en 1964; en 2002, le tocó –por fin– a Denzel Washington; en 2007, a Forest Whitaker; y en 2021 –previo escándalo por la famosa cachetada al animador Chris Rock– a Will Smith. Todos en la misma categoría. En cuanto a actores de reparto afro, fue distinguida una quincena de ellos a lo largo de ¡94 años!

Ellas, las actrices negras, obviamente menos favorecidas: solo Halle Berry ha obtenido el Oscar como protagonista, mientras que las que ganaron a mejor actriz de reparto no llegan a la decena, incluyendo a la propia Hattie: Whoopi Golberg, Jennifer Hudson, Lupita Nyong’o y Viola Davis figuran entre las afortunadas. Dorothy Dandridge quedó solo como nominada en 1954 por el musical Carmen Jones, versión contemporánea y estilizada de la ópera de Bizet, con la rebelde heroína devenida obrera de una fábrica de paracaídas durante la Segunda Guerra, el soldado Joe reemplazando a Don José y el torero convertido en boxeador. Con la rareza para la época de proponer un reparto totalmente negro, bajo la dirección del notable cineasta Otto Preminger. Quien también realizó pocos años después, la ópera Porgy and Bess, de Gershwin, con Poitier y Dandridge. Vale poner en valor el coraje y desprejuicio del autor de Laura, que debió luchar con los productores por causa de esos elencos. DD fue la primera mujer negra considerada una estrella en la llamada “fábrica de sueños”, pero su carrera resultó breve: ya estaba en la ruina cuando murió 10 años después de un ACV.

Ya en este XXI, en 2016, Spike Lee y Jada Pinkett Smith boicoteron la entrega de ese año por la falta de personas negras en las candidaturas. Ante la cantidad y calidad de artistas afroestadounidenses ligados a la pantalla cinematográfica durante casi un siglo, espanta la permanencia del racismo.

Un voto para que Pecadores gane el cielo 

Son muchas y muy contundentes las razones por las que la cercana entrega de los Oscars puede resultar atractiva y emocionante para gente cinéfila. Casi que se le podría adjudicar algo de fe y esperanza a la Academia al fijarse en algunas candidaturas. Entre las cuales, las referidas a largos y cortos documentales ponen de manifiesto un auspicioso cambio en las ideas conservadoras hasta el presente de la mayoría de los miles de votantes, y una elevación de las exigencias artísticas. Como sería el caso del doc de origen iraní de 2025, Cutting Through Rocks, crónica de trabajo en pro de la emancipación de mujeres jóvenes en un pueblito por parte de una consejera de la comunidad. Otras producciones de este género en la lista exhiben una visión crítica de la sociedad norteamericana: la tensión racial, las masacres en centros de estudio, la alarmante situación con respecto al derecho al aborto, el estado actual del sistema carcelario en films decididamente políticos sobre cuestiones urgentes.

Ryan Coogler viene trabajando con el talentoso actor Michael B. Jordan (por añadidura, gran defensor de la causa feminista desde su Instagram) desde su primera realización en largos, Fruit Station (2013), Gran Premio del Jurado y asimismo del público en Sundance. En este film toma un hecho real, el asesinato en 2009, a manos de la policía del tránsito, de Oscar Grant, negro de 22 años, en un procedimiento semejante al que sufriría George Floyd en 2017, pero sumándole un disparo por la espalda, boca abajo. Luego de una investigación prolija, RC reconstruye las últimas 24 horas de Grant.

Posteriormente, Coogler dirigió, con muy positivos resultados artísticos y de taquilla: Creed (desprendimiento de la saga Rocky, pero con personaje principal negro), de 2015; Black Panther 1 y 2 (2018, y 2022), films que le dieron suficientes alas para encarar el rodaje de Sinners con su productora Proximity Media, fundada en 2021 junto a su esposa Zinzi Coogler y a Sev Ohanian, escritor y productor. Aunque el -dicho sea a favor- alocado guion no convencía del todo ni a sus socios ni a la Warner Bros -que luego se haría cargo de la distribución, sin cederle los derechos de propiedad-, RC fue para adelante con el mismo brío con que dirigiría la cinta. Se rodeó de colaboradores que estimaba ideales en la faz técnica -como el músico sueco Ludwig Goranssön y la directora de fotografía filipina Autumn Durald Arkapaw que no se achic-o frente a la diversidad y tamaño de los formatos requeridos- y dio el visto bueno a un numeroso elenco soñado, encabezando Michael B. Jordan y el increíble debutante -como actor- Miles Caton, un músico de apenas 20 años en ese entonces.

En palabras de varios de los participantes de esta maravillosa aventura, fuera de todo lo previsible, Coogler supo crear y sostener una mística infrecuente durante todo el proceso de filmación y posproducción de Sinners. Una cinta que desconoce límites de géneros, de recursos técnicos, de convenciones y tabúes al contar la historia de dos gemelos Smoke y Stack que regresan al pueblo que los vio nacer luego de andanzas gangsteriles en Chicago, con la idea de instalar un lugar de encuentro, comida, bebida y música para la gente negra de Claksdale, en el local de un viejo aserradero que compran a un blanco que transpira supremacismo, reanudando relaciones y contratando a dos músicos afro.

Una película que comienza con una voz en off que, ilustrada por dibujos con una estética de la década de 1930, dice: “Existen leyendas acerca de personas con el don de crear una música tan pura que atraviesa el velo entre la vida y la muerte, conjurando espíritus del pasado y del futuro. En la antigua Irlanda se los llamaba filidh. En tierras choctaw, guardianes del fuego y en África Occidental, griots. Tienen el don de sanar comunidades, pero también de atraer el mal”.

Entre esas leyendas se nombra en el film a Charley Patton (1891-1934), mestizo negro y choctaw (una importante tribu que llegó a ser reconocida como nación en Oklahoma), guitarrista del Delta Blues que tocaba en plantaciones y tabernas. Patton habría sido el dueño de la guitarra que tiene el personaje de Sammie Moore, hijo de un pastor severo y sermoneador que trata de alejarlo del blues y atraerlo a los cánticos y epístolas de Pablo en su modesta iglesia en medio de la nada. Otra leyenda aludida, cuyos discos envió Coogler al compositor Göransson, es la de Robert Johnson (1911-1938), un guitarrista del que se dice que habría vendido su alma al Diablo en un cruce de caminos cerca de Clarkdale, a cambio de una pericia absoluta para tocar blues (hay doc en Netflix, Devil at the Crossroads).

Por otro lado, el hoodoo que emplea Annie, ex mujer del gemelo Smoke, es un sistema de magia y adivinación con uso de hierbas al que recurrían los afro esclavizados. Las leyes Jim Crow impusieron la segregación en espacios públicos y la exclusión en la vida política de la gente negra, de 1877 hasta la Ley de los Derechos Civiles, en los años 60. La Nación Choctaw existe en la actualidad, es la tercera tribu originaria con más de 200 mil ciudadanos. En 1847, los choktaw se enteraron de la gran hambruna que sufrían los irlandeses en su país, y ellos -que había pasado por el mismo trance 15 años antes- juntaron con gran esfuerzo 175 dólares (de aquella época) para enviarlos vía los inmigrantes de ese origen que había llegado a los Estados Unidos.

Es decir, la alusión a los choctaw por parte del vampiro irlandés no es azarosa en Sinners donde, por otra parte, a través del proyecto del personaje de Sammie de irse a Chicago, se alude a la gran cantidad de negros que migraron hacia el norte, cerca de 2 millones en tres décadas, para encontrarse -como comenta uno de los gemelos que vienen de esa ciudad- con que el racismo estaba arraigado en otras zonas del país.

Para cerrar, una Academia de Hollywood que nunca le dio un Oscar a un Spike Lee pero si a directores mediocres como Paul Haggis (Crash, 2004), lo mejor que podría hace el15 de marzo es aggiornarse y darle casi todos los premios posibles a este thriller-comedia musical, con vampiros plebeyos, parientes pobres del conde Drácula. Dejándose arrebatar por estos pecadores, por su música, su baile, su coraje, su capacidad de disfrute y de amor. Es hora de hacerle justicia al gran aporte de los afroestadounidenses al cine y, más vale tarde, al enorme sacrificio con que contribuyeron -forzados- a la riqueza económica del país.

MS/MG

La Academia de Hollywood ha anunciado este jueves la lista completa de nominaciones a los Premios Oscar 2026. Sinners fue la película que ha roto el récord de la cinta con más nominaciones en la historia de los Oscar, optando hasta 16 galardones. Por su parte, tras su contundente victoria en los Globos de Oro, Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson, que partía como principal favorita, se ha hecho con 13 nominaciones.

Nominaciones a los Oscars 2026: listado completo

Mejor película

Mejor actor protagonista

Mejor actriz protagonista

Mejor dirección

Mejor actor secundario

Mejor actriz secundaria

Mejor película internacional

Mejor película de animación

Mejor película documental

Mejor montaje

Mejor dirección de fotografía

Mejor guion adaptado

Mejor guion

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor canción original

Mejor banda sonora

Mejor diseño de vestuario

Mejor sonido

Mejor diseño de producción

Mejores efectos visuales

Mejor corto de animación

Mejor corto de ficción

Mejor corto documental

Mejor Cinematografía

Mejor casting

Aún no se ha celebrado la gala de los Oscar 2026, pero una película ya ha hecho historia: Sinners (Los pecadores de Ryan Coogler ha roto el récord de la película con más nominaciones en la historia de la Academia de Hollywood. La cinta optará a un total de 16 estatuillas en la ceremonia que se celebrará el domingo 15 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles, incluyendo trofeos codiciados como el que se entrega a la Mejor Película, al Mejor Actor o a la Mejor Dirección.

El largometraje rompe el récord que hasta ahora ostentaba Eva al desnudo (1950) de Joseph L. Mankiewicz, Titanic (1997) de James Cameron y La La Land (2016) de Damien Chazelle, que lograron hasta 14 nominaciones. Además, Los pecadores se ha convertido en la séptima película que consigue ser nominada en todas las categorías técnicas, sin incluir el Oscar a la Mejor Canción Original. Se une así a Dune (2021), Mad Max: Furia en la carretera (2015), El renacido (2015), Hugo (2011), Master and Commander: Al otro lado del mundo (2003) y Titanic. De ellas, también Titanic fue nominada a Mejor Canción Original.

Aunque Una batalla tras otra de Paul Thomas Anderson (13 nominaciones) y Hamnet de Chloé Zhao (8 nominaciones) parten como favoritas en los Oscar 2026 según su desempeño en la carrera de premios, solo la cinta de Paul Thomas Anderson y la de Coogler optarán a romper el récord a la película con más victorias. Actualmente, Ben-Hur (1959), Titanic y El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey (2003) son los títulos con más triunfos, cosechando hasta 11 premios Oscar.

Por otro lado, este récord de candidaturas alza a Ryan Coogler como el segundo director negro que obtiene en un mismo año nominaciones en las categorías de Mejor Dirección, Mejor Guion Original y Mejor Diseño de Producción. Anteriormente lo consiguió ¡Huye! (2017) de Jordan Peele. Si se tiene en cuenta cualquier director, a ellos se uniría también Spike Lee, que logró esta combinación por Infiltrado del KKKlan (2018).

Además, Coogler es el séptimo director negro que recibe una nominación en Mejor Dirección, apareciendo así en una lista que ya incluía a John Singleton por Los chicos del barrio (1991), Lee Daniels por Precious (2009), Steve McQueen por 12 Years a Slave (2013), Barry Jenkins por Moonlight (2016), Jordan Peele y Spike Lee. Aunque todos ellos optaron al galardón por esta categoría, ninguno de ellos ganó, a la espera de conocer qué sucederá con Los pecadores y si será capaz de frenar la racha.

Ambientada en la América segregada de la década de 1930, Sinners tiene como protagonistas a dos hermanos gemelos que, tratando de dejar atrás su pasado, deciden volver a su pueblo natal para empezar de nuevo. Sin embargo, ninguno de ellos espera el mal que les acabaría acechando. Se trata de un thriller sangriento cuyo reparto encabeza Michael B. Jordan y que mezcla el terror con la crítica social.

En ocasiones, felizmente, vale dejar de quejarse y poder reconocer cuando un premio de la industria del cine, votado por miles de personas de todo tipo y pelaje –que en sus casi cien años de existencia ha cometido injusticias flagrantes– de verdad pega un volantazo y favorece con sus doradas estatuitas a artistas y films que se salen abiertamente de cánones más o menos establecidos. Que es lo que ha pasado en la reciente entrega de los Oscar al distinguir como mejor película a Anora, cuya protagonista es una stripper y prostituta muy profesional, capaz de defenderse con gran dignidad; a su director Sean Baker, un independiente inclinado a rescatar y valorar a marginados/as; a la actriz principal Mikey  Madison, que dedicó su triunfo al gremio de las trabajadoras sexuales; al guion del propio SB, que a su vez agradeció con mucho respeto a las chicas del oficio que le habían confiado sus historias. Pero eso no es todo, amigos/as cinéfilos/as: Anora cosechó también el Oscar al mejor montaje.

Bueno, de lo que quedaba en términos de injerencia estadounidense en la producción, el trofeo a mejor actor fue para Adrian Brody (El brutalista); el guion adaptado para Cónclave (con su radical giro final inclusivo, en contra de la ortodoxia de siempre de la iglesia oficial); Zoe Saldaña ganó en rol secundario, un magro consuelo para el film Emilia Pérez, como se sabe, favorito de discutibles méritos hasta que se desempolvaron viejos tuits racistas de la actriz protagonista, Karla Sofía Gascón; el secundario masculino se lo llevó Kieran Culkin, por Un dolor real, que se mandó una prédica provida que encantó a algunos sectores católicos y a conservadores en general.

Brasil y Letonia celebran con alborozo su primer Oscar

Pero la Academia, pomposamente llamada de Artes y Ciencias Cinematográficas desde 1927, tornó a sorprender doblemente premiando a films de países nunca oscarizados: Aún estoy aquí, del Brasil, enfoque muy crítico sobre el accionar de la dictadura; y –aquí llega corriendo, nadando nuestro gatito del título– como mejor film de animación, Flow, nada menos que de Letonia (no confundir con Lituania, un vecino más conocido). Flow, un título que remite al concepto de flujo, de fluir en sus distintas acepciones, y que –para su difusión internacional– fuera aceptado por el director Gints Zilbalodis, que originariamente llamó a su obra Straume, en letón: arroyo. Una modestísima producción de 3 millones y medio de dólares, contra los 200 de la misma moneda que salió Intensamente 2, una de sus competidoras en los Oscar. Para su segundo largo –el primero, Otra parte, lo hizo solito con su computadora y, aunque premiado, tuvo menos repercusión– este cineasta autodidacta que solo se formó en Bellas Artes, consiguió aportes financieros y técnicos de Francia y Bélgica.

Como Flow lo prueba en su manera de presentar a los animales, sus comportamientos, con sus propias voces, GZ es una persona bichera por excelencia, que ama y respeta a diferentes especies. Y que vio la noticia de su candidatura al Oscar tirado en una cama mordisqueando una manzana y convidando a su perro labrador, con el que se abrazó al saber que estaba nominado. Por otra parte, el gato gris que conduce la acción de Flow fue inspirado por un felino que tuvo en la adolescencia, que ya murió. Dicho animal, cuando Gints terminaba la secundaría, fue su musa para la realización de un corto, Acqua, en azul, celeste y blanco que realizó en su computadora.

Tanto Brasil como Letonia realizaron festejos callejeros por haber logrado por vez primera, respectivamente, el premio internacional más famoso, de mayor peso en la difusión. A la llegada a su ciudad, Riga, Zilbalodis sacó el Oscar de su mochila, lo levantó y fue vivado por gran cantidad de orgullosa gente letona que lo esperaba. Cabe remarcar que el joven (30) director viene recibiendo un diluvio de premios de festivales, de asociaciones de críticos y de otras instituciones. Y hay que ver la calma feliz y la sencillez con que los agradece, la paciencia y buena onda con que responde a incontables entrevistas.

Un artista irreductible en su independencia

Acaso debido a su juventud, el tema del viaje como metáfora del crecimiento, del aprendizaje y la evolución le interesa particularmente a este talentoso e inspirado director que en Otra parte (2019) contó la aventura de un niño que, en la primera imagen aparece colgado de un árbol, con un paracaídas sujeto en la espalda. Un avión se ha estrellado y él se ha salvado: es de suponer porque GZ nunca da muchas explicaciones porque prefiere que el espectador ponga en marcha su imaginación. El chico encuentra un mapa y una moto en una cueva y se las arregla para sortear escollos y llegar a buen puerto, perseguido cada tanto por una gran forma oscura, simiesca, y acompañado por un pajarito amarillo. A los 25, pues, Gints ya mostraba su mirada poética sobre la naturaleza, su tendencia a los planos largos, a ciertos recursos del video juego.

En Flow, actualmente en cartel, el protagonista es este lindo gatito cuyo nombre –puesto por algún humano, quizás escultor en la casa que se ve al comienzo– no conoceremos porque a lo largo de la peripecia de zafar del agua que empieza a subir, solo encontrará animales en manada o en bandada. Y entrará en relaciones más cercanas con un labrador, un lémur, un ave zancuda y un carpincho. Justamente, representantes de especies que provienen de zonas de la tierra alejadas entre sí. Cada bicho con su auténtica voz grabada en distintos tonos según la circunstancia, exceptuando nuestro carpincho que emite un sonido muy chillón. Así que fue “doblado” por la voz de un camello joven.

El animador, el guía de esta odisea es el gato que, superando su proverbial miedo al agua, saliendo del individualismo que caracteriza a estos felinos se va integrando a un grupo donde el perro, al revés, debe dejar atrás su espíritu dependiente de un amo, adquirido en la domesticación; al lémur le toca soltar su afán acumulador; el ave abandona su clan que no acepta que haya defendido al gato. Y el carpincho tendrá que abreviar sus largas siestas.

La reunión tiene lugar en un velero abandonado. Es decir, uno de los rastros de que por ahí pasaron seres humanos. Pista a la que se suman las grandes esculturas de gatos que son cubiertas por las aguas en los primeros tramos; las evocadoras ruinas de antiguos edificios alcanzados por la inundación, los objetos que encuentra el “consumista” lémur. Todo con el telón de fondo de un verdor que comienza a perecer, bellísimos paisajes trabajados de modo pictórico, que contrastan con la terminación más cruda de pieles y plumas del quinteto, dando al film esa condición inmersiva buscada por el realizador que siempre sostiene el punto de vista del gato. Que, claro, es el del propio público que se cae al agua con él, toca fondo, resurge, descubre mundos perdidos, tiene la vivencia de momentos dramáticos, de momentos graciosos. Siempre dejándole lugar al misterio, a las posibles lecturas de quien mira. Y de pronto, fugazmente, cerca del final, en un recodo del camino los restos de un anfiteatro griego, de un templo: por allí vivieron seres humanos, allí hubo arte, cultos…

En los reportajes, el cineasta no descarta la alusión a un desastre ecológico provocado, pero tampoco lo afirma. Elige la ambigüedad. Sin embargo, la inquietante pregunta acerca de qué planeta le dejaremos a nuestros descendientes queda flotando en la atmósfera de este film tan único, aunque se le noten influencias muy tamizadas. Por caso, un Hayao Miyazaki sin alardes ni sobrecarga de referencias, con un ideario más transparente.

Con su pequeño bestiario que aprende a convivir, a desarrollar habilidades desde un comportamiento propio de animales, con otras formas de inteligencia y algunas emociones primarias semejantes. Cuando el gatito se acerca a la enorme ballena moribunda que se ha quedado sin agua, hay una forma de compasión en su gesto espontáneo. Algunos críticos han visto en esta escena un rasgo de humanización. Al fin y al cabo, por más independiente que sea, el gato ha sido hasta cierto punto domesticado. Por su lado, Gints Zilbalodis parece resuelto a preservar su libertad como creador a pesar de las ofertas de grandes estudios que está recibiendo. Él declara que opta mantenerse como independiente, por seguir siendo más experimental. En todo caso, seguirá el camino de la coproducción sin imposiciones ahora que, como el gato, aprendió a trabajar en equipo haciendo Flow.

MS/MG

El codirector del documental sobre Palestina ganador del último Oscar Hamdan Ballal ha sido liberado este martes por la mañana tras pasar la noche detenido en una base militar israelí, según ha informado en X el codirector de la cinta Yuval Abraham.

Hamdan, uno de los cuatro directores de la cinta No other land, fue detenido ayer por soldados israelíes, que lo sacaron de la ambulancia donde lo atendían tras haber sufrido un ataque por colonos judíos cerca de su casa, en la aldea palestina Susiya, de Masafer Yatta, al sur de la ciudad de Hebrón.

Abraham dio la voz de alarma sobre el suceso el lunes por la tarde y este mediodía publicó un mensaje en el que informaba de que la abogada de Ballal, la reputada jurista Leah Tsemel, pudo finalmente hablar con él. “Pasó la noche esposado y con los ojos vendados en una base del ejército mientras dos soldados lo golpeaban en el suelo”, trasladó.

Varios testigos de lo ocurrido citados por The Guardian el lunes indicaron que un grupo de unos 15 colonos armados rodearon a Ballal el lunes por la tarde. “Empezaron a tirar piedras a los palestinos y reventaron un depósito de agua cerca de la casa de Hamdan”, relató uno de ellos.

“El grupo de asaltantes llegó con porras, cuchillos y al menos un rifle de asalto; muchos también iban enmascarados. Cinco activistas judíos estadounidenses acudieron al lugar para documentar el ataque y fueron violentamente agredidos por los colonos, quienes también utilizaron piedras para destrozar su vehículo con los activistas dentro”, describió la productora de la película en un comunicado.

La ONG israelí B'Tselem ha denunciado este martes que los colonos atacaron a los residentes y activistas, así como propiedades privadas, y robaron pertenencias, mientras los soldados y policías no hicieron nada. Además de Ballal, otros dos palestinos fueron detenidos. “A los colonos se les permitió marcharse”, según B'TSelem.

Los ataques de colonos a palestinos en Cisjordania son cada vez más frecuentes y agresivos. El pasado domingo, una familia israelí ocupó la casa de una familia palestina también en Hebrón, cuando sus residentes habían salido para ir a una reunión con conocidos a romper el ayuno del Ramadán (el mes sagrado del islam), según denunció este lunes la ONG israelí Peace Now y recogió EFE.

El documental –que antes de los Oscar ya había triunfado en la Berlinale– lo rodó un colectivo palestino-israelí conformado por cuatro periodistas, los citados Ballal y Abraham junto a Basel y Rachel Szor (de origen palestino Ballal y Basel, e israelí los otros dos). En él abordaron cómo el ejército israelí ha destruido sin piedad su aldea en Masafer Yatta con el argumento de que es una zona que necesitaban para entrenamiento militar.

“No other land refleja la realidad tan cruda en la que vivimos, llevamos décadas y persiste. Pedimos acciones para acabar con esta injusticia y la limpieza étnica del pueblo palestino”, dijo en la ceremonia de entrega Basel Adra, quien explicó que el motivo por el que grabaron “entre palestinos e israelíes” es porque, juntos, logran que sus “voces sean más fuertes”.

MC

Me sorprende, entre todo lo que estuve leyendo sobre los Oscar, no haber encontrado ningún artículo que pusiera en relación a Queer de Luca Guadagnino con Anora de Sean Baker. Es verdad que la película de Guadagnino no recibió ninguna nominación, pero ese ninguneo fue noticia en sí mismo y, de todos modos, más allá de la competencia por los premios, es llamativo que dos de las películas más comentadas de los últimos meses tuvieran en el centro de sus narrativas la relación entre el sexo, el dinero y el amor.

El tema es, por supuesto, más explícito en Anora, en la que una prostituta de veintitrés años (que lleva el nombre de la película, pero se hace llamar Ani) se ve envuelta en una relación con un heredero ruso que le pinta todo color de rosa, por un tiempo, hasta que las cosas se complican con sus padres y la pobre Anora es devuelta a la realidad de un golpe seco. Queer, en cambio, es una adaptación de una novela homónima de William S. Burroughs, protagonizada por un gay cincuentón norteamericano en la década del cincuenta que se la pasa girando (se lee yirando, como se pronuncia en la acepción específica del término en la comunidad homosexual) por Ciudad de México hasta que se enamora de un joven soldado. El trabajo sexual no se lee necesariamente de manera tan explícita, pero sí aparece la cuestión del enredo entre cuerpos y recursos: William Lee, este protagonista encarnado de manera magistral por el ex Bond Daniel Craig, es el arquetipo del gay platudo de cierta edad que utiliza el dinero que tiene a disposición (por razones que jamás se explican) para garantizarse la compañía de jovencitos que, de otro modo, parece suponer él mismo, no le regalarían su tiempo, o lo harían de manera mucho menos generosa (hay, para hablar de un arquetipo que va más allá del personaje, un gag recurrente sobre un amigo de Lee al que los bellos efebos con los que se acuesta siempre lo terminan robando).

Lo que me interesó del link entre ambas películas es que pienso que, justamente, las dos se ocupan de las líneas borrosas entre el trabajo sexual y el sexo a secas, o peor, entre el trabajo sexual y el afecto, el reconocimiento o incluso el amor. Tanto en Queer como en Anora lo interesante sucede cuando las interacciones entre las personas se corren de los extremos, de los casos paradigmáticos de relación económica o relación libre de intercambio. No hay conflicto ni drama en las primeras escenas de Anora, en las que la protagonista (la revelación Mikey Madison) ofrece un servicio con una tarifa precisa y términos claros, que el casi adolescente Vanya Zakharov contrata. La cuestión se vuelve compleja una vez que él la contrata por una semana entera, la lleva a fiestas y a viajes y a conocer a sus amigos; y más todavía cuando le propone matrimonio y la relación económica pasa de ser explícita y medida a ser más abstracta, cuando Anora puede ilusionarse con graduarse de prostituta a esposa mantenida. De manera similar, pero en un recorrido inverso, la relación entre Lee y Allerton, el muchacho del que Lee está perdidamente enamorado, se pone rara cuando Lee propone irse juntos a Sudamérica a cambio de pagarle todos los gastos.

Otra vez, la frontera porosa: si esta propuesta fuera tan clara como yo acabo de hacerla parecer no habría película, pero tanto el guion como la actuación de Craig hacen que esa escena sea una cruza indistinguible entre una oferta económica y una demanda de amor. Estos límites borrosos son el centro del atractivo sensual tanto de Anora como de Queer: le dan dimensión a sus tramas, capas a sus personajes y a las relaciones entre ellos, y tiñen la atmósfera de una suerte de sospecha sempiterna, una duda insoportable sobre lo que es cierto y lo que es negocio.

Creo, también, que en ese terreno límite los espectadores nos identificamos con estos protagonistas tan improbables de maneras muy incómodas. Tanto Anora como Queer (aunque la segunda mucho más que la primera) son explícitamente fantasías, cuentos de hadas, con mucha más aspiración de belleza que de realismo; pero eso no les impide (quizás, de hecho, todo lo contrario) acercarse a verdades fundamentales, sobre todo a partir de las grandes actuaciones de sus protagonistas.

La verdad fundamental que construyen Mikey Madison y Daniel Craig es la de la vulnerabilidad: podemos vernos en ellos porque incluso en la más calculadora de nuestras facetas, incluso si nos sentimos capaces de decirle a un heredero ruso que para pasar una semana con él necesitamos quince mil dólares y no diez mil, sabemos que nunca podríamos disociarnos del todo. Eso es lo que, justamente, no pueden hacer estos protagonistas: si pudieran, como los personajes de la serie Severance, volverse robots en ciertas instancias de la vida, todo sería más sencillo: pero todo el punto es que no pueden, que sus sensibilidades están prendidas hasta en los momentos en que menos les conviene.

Pienso que no es raro que en esta época queramos ver estas historias: incluso quienes no tenemos pensado abrirnos un Only Fans podemos sentir que ya es imposible que la conversión de todo en economía y consumo no empape nuestros vínculos; quizás, de hecho, sobre todo quienes no tenemos Only Fans nos sentimos más confundidos con el asunto. Porque es interesante lo que pasa: por un lado, la economización de los vínculos genera la expansión de nuevas modalidades del trabajo sexual que pueden ser mucho menos vinculantes. Una puede vender contenido sexual sin jamás verle la cara a un cliente; una puede, también, armarse listas de regalos en distintas apps, o exigirle a un hombre de maneras más o menos sutiles que le vaya comprando o pagando cada vez más cosas, sin jamás tener que ensuciarte las manos con dinero. Por otro lado, esa misma ampliación genera una incertidumbre tremenda: se va haciendo cada vez más difícil distinguir qué es trabajo sexual y qué no lo es. O quizás siempre fue difícil, y ahora solamente lo estamos empezando a aceptar; al fin y al cabo, Queer es una adaptación de una novela de los años cincuenta, y Anora ilumina con una claridad simple y diáfana esa tesis de Virginie Despentes según la cual una esposa puede no ser mucho más que una prostituta de un solo cliente.

La pregunta que me quedó dando vueltas es por qué Anora me pareció tanto más triste y menos luminosa que Queer. Quizás es tan sencillo como que en Queer seguimos a un tipo rico, y en Anora a una chica pobre. Pero mi sensación es que hay algo más. Queer, en una tradición, efectivamente, queer, parece tener fe en la posibilidad de que en relaciones mediadas por la precariedad, la clandestinidad, el estigma, la violencia y el cálculo aparezca también el amor verdadero; en Anora, en cambio, esa ilusión parece una fantasía infantil. De hecho, en Anora, es una confusión que solo puede aparecer por la belleza del cine; no aparece en los personajes, que nunca se dan un beso demasiado verdadero, nunca se conocen en profundidad ni se miran a los ojos. Más allá de qué película le guste a cada quien, creo que se juega algo importante sobre este tiempo en la pregunta de cuál de ellas tiene más razón sobre el mundo. 

TT/MF

Hay películas inabarcables. Esas a las que según sales de la sala uno desea volver a ver para desentrenar sus secretos, para volver a perderse en sus imágenes y entender cada decisión, cada gesto. En un cine acartonado, marcado por las normas de una industria conservadora que se lo fía todo a la dictadura de los algoritmos, cada vez es más difícil encontrar títulos que encajen en esa definición. O al menos encontrarlo dentro de los parámetros de las grandes productores o del cine anglosajón o de Hollywood.Hay películas inabarcables. Esas a las que según sales de la sala uno desea volver a ver para desentrenar sus secretos, para volver a perderse en sus imágenes y entender cada decisión, cada gesto. En un cine acartonado, marcado por las normas de una industria conservadora que se lo fía todo a la dictadura de los algoritmos, cada vez es más difícil encontrar títulos que encajen en esa definición. O al menos encontrarlo dentro de los parámetros de las grandes productores o del cine anglosajón o de Hollywood.

El Brutalista―con diez nominaciones a los Oscar― es una de ellas. Desde su primer pase en el Festival de Venecia se supo. Llegó rodeada de misterio, y lo primero que se supo de ella es que se había rodado en 70 milímetros, en VistaVisión y que duraba casi cuatro horas con un descanso de 15 minutos incluido. Podían haber sido simples ramalazos pedantes, y sin embargo todo cuadraba. Lo que Brady Corbet había decidido contar en su tercer filme, y la forma en la que había decidido contarlo era tan grande, tan apabullante, que necesitaba ese tiempo y esa escala.

Aquellas decisiones estéticas respondían a la lógica de una mente brillante, que demostraba un dominio del lenguaje cinematográfico para lograr una película tan poética como política. La historia de un superviviente del Holocausto que llega a EEUU para encontrarse con las fauces del capitalismo salvaje. Lo primero que ve cuando sale mareado del barco que le lleva a la supuesta libertad es una estatua de la libertad del revés.

Corbet no es, además, un cineasta esquivo en sus entrevistas. No es el típico auteur que deja que los demás interpreten su cine mientras se parapeta sin responder. Al revés. Le gusta hablar. Demuestra un conocimiento exhaustivo de cada plano, de cada decisión. Todo en El Brutalista tiene un motivo poético y político, como esos mármoles de Carrara, que nunca habían lucido tan hermosos como con su VistaVisión, pero que se usan para mostrar la erosión del capitalismo en la propia naturaleza. Antes de dar paso a la metáfora sexual más obvia e impactante posible.

En un giro que parece escrito por un guionista caprichoso, El Brutalista se estrena con Donald Trump recién reelegido, un presidente que en su anterior mandato propuso destruir los edificios brutalistas y reemplazarlos por otros de estilo neoclásico. “Es fascinante que 70 años después, Donald Trump refleje la misma actitud del Tercer Reich hacia el diseño y la arquitectura modernistas. La yuxtaposición de esas dos cosas muestra que entre ambas cosas hay una unión que no es solo estética. Creo que es importante contextualizar eso para los espectadores, que vean que esto también está sucediendo hoy, y no hace más de 70 años”, dice Corbet.

Las tres películas de Corbet son de época, y tampoco es casualidad, porque lo primero que piensa es en qué momento histórico ambientar sus historias. En este caso tenía que ser la década de los 50, que es cuando surgió el brutalismo, y esa unión le pareció “la alegoría visual correcta para explorar temas de la forma en que se vinculan la arquitectura de posguerra y la psicología de posguerra”. Después pensó en el origen de su personaje, y pensó que los miembros de la Bauhaus eran “mayoritariamente judíos de Europa central y oriental que habían huido cuando los nazis la prohibieron a mediados de los años 30”.

Esa época también le vale para reflexionar sobre la masculinidad, ya que para Corbet, el personaje de Adrien Brody “está tratando de encontrar una manera de expresar amor y afecto de nuevo” tras el trauma del Holocausto. “Lo encuentra a través de su trabajo, algo muy típico de los hombres de mediados de siglo. Adrien y yo somos sensibles y empíricos, pero eso no es algo a lo que se nos animara cuando crecimos. En los años 50 debía ser muy difícil ser otro tipo de hombre, y debía ser especialmente complicado para las mujeres. Por eso creo que la agenda conservadora romantiza la década de los años 50 y es a la que parece quieren volver. Esta película es un recordatorio de que no fue una época amable, y que aunque estéticamente fuera un momento rico en la historia de EEUU, también fue extremadamente problemático”, analiza.

No es naif, y sabe que eso de que el cine cambie las cosas es más un deseo que una realidad, pero también es consciente de que cuanta más gente vea su película más fácil será “entablar una conversación y que esta sea importante”. “La historia del cine, las películas, siempre han apoyado a la clase más baja, a los desfavorecidos y, sin embargo, todavía estamos donde estamos. Creo que tenemos la oportunidad de remodelar la forma en que las generaciones más jóvenes perciben los problemas, porque creo que, lamentablemente, si tu sistema de creencias está demasiado arraigado no vas a cambiar la opinión de nadie. Pero sí, espero que mi película provoque muchas conversaciones, y ya ha provocado muchas conversaciones y debates, y esa es la señal de que es una obra de arte significativa”, apunta.

El Brutalista sirve también como reverso de El manantial, la película de King Vidor basada en la novela de la filósofa rusa, madre del objetivismo y contraria al socialismo, Ayn Rand sobre un arquitecto. Pero si en aquella ocasión ―algo que se destilaba de la obra literaria original― el filme era un elogio del individualismo y el neoliberalismo económico, Corbet le da la vuelta para que su filme sea una crítica al capitalismo salvaje. Por eso él mismo define su filme como “su antítesis”, pero no del filme, sino de la novela.

Rápidamente también añade que cree que “la obra de Ayn Rand, al igual que la obra de Karl Marx, ha sido frecuentemente malinterpretada y bastardizada un poco”. “Mi película no va en contra de su obra, pero mi propuesta nace de dónde yo vengo y de cómo me siento, y eso está en contraste con donde ella venía, y también de la época de la que venía, que era muy diferente. Creo que a menudo se la ha difamado injustamente como pensadora. Muchos de mis artistas favoritos eran personas complicadas. Es difícil imaginar a un artista como V.S. Naipaul, que era tan humanista y tan genio, diciendo tantas cosas terriblemente misóginas como las que dijo en los últimos 20 años de su vida. Francamente, debía estar senil, pero eso no desacredita los 60 años de hermosa labor humanitaria que realizó a través de toda su obra literaria”, reflexiona.

En su discurso en los Globos de Oro, Brady Corbet enarboló una defensa por la importancia de que los cineastas tengan la última palabra sobre el montaje final de sus películas. En otras ocasiones también ha manifestado su defensa de las salas de cine frente al mercado de las plataformas. Pero, ¿y si hubiera sido Netflix quien le hubiera ofrecido el cheque en blanco y el montaje final del filme? “Hubiera hecho la película bajo cualquier circunstancia”, aclara.

Pero Corbet siempre mastica cada respuesta. La razona y reflexiona, y por eso se encarga de matizar: “Yo valoro película por película. Caso por caso. Y también depende de con quién estés tratando específicamente en cada empresa. Hay algunos ejecutivos realmente extraordinarios en Netflix que son cinéfilos increíbles, y hay muchas películas que no existirían sin su apoyo. Creo que el tema del streaming es realmente complicado. Mira lo que Spotify le hizo a la industria musical, le ha hecho mucho daño. Los músicos están entre las personas más pobres que conozco, incluso las que trabajan mucho y tienen mucha producción, así que, por supuesto, sigo preocupado por nuestra industria en relación con ese modelo”, aclara.

La respuesta se le queda corta y añade la lista de películas que vio en VHS en una televisión de su casa, como Andréi Rublev, además de otras que fueron creadas directamente para la televisión, como Berlin Alexanderplatz o Fanny y Alexander: “Para mí todo se reduce a dos preguntas, ¿qué historia quieres contar? Y ¿cuál es el mejor formato para ello? Pero sobre todo se trata de tener autonomía creativa. Los jefes de departamento y el elenco han aceptado trabajar conmigo y al hacerlo hay un pacto tácito. Ellos han decidido trabajar conmigo, no con 25 extraños que nunca han conocido”. 

DM