Poco queda hoy de la sociedad que llenó los cines de todo el mundo para disfrutar del estreno de Lilo y Stitch en 2002. La película de animación de Chris Sanders y Dean DeBlois congregó en las salas a unos niños que dejaron de serlo hace mucho tiempo y a unos adultos que no han podido evitar cambiar desde entonces. El planeta tampoco es el que era: en 2002 no existían las redes sociales, la mayoría de las llamadas se realizaban desde teléfonos fijos en casa y este periódico ni siquiera se había fundado. Sin embargo, pese a que aquella realidad fuera muy diferente a la actual, este 2025 habrá algo que se mantendrá: Lilo y Stitch congregando a niños y adultos en las salas de cine.

La cinta, que logró conquistar a multitud de personas con la historia de un extraterrestre azul que desemboca en la Tierra y se hace amigo de una niña huérfana, regresa a la gran pantalla con su versión en acción real. De esta forma, Disney sigue apostando por remakes de historias clásicas de la animación y su gran baza para el verano pasa por la franquicia de Lilo y Stitch, cuya primera película a principios de siglo recaudó más de 270 millones de dólares a nivel mundial bajo un presupuesto de 80 millones de dólares. Luego le siguió una secuela, una serie e incluso varios spin-offs (el personaje de Stitch hasta se animó en 2007 a bailar el icónico We're All in This Together de High School Musical).

No obstante, la franquicia todavía no se había atrevido con una película de imagen real, algo que cambia ahora con el que supone un paso arriesgado para Disney, que busca tener en sus manos una nueva gallina de los huevos de oro. Lo hace de la mano de Dean Fleischer-Camp, que se adjudica el proyecto más importante de su trayectoria tras haber dirigido la aclamada película animada Marcel, la concha con zapatos (2021). A él se le suma la actriz de ocho años Maia Kealoha, procedente de Hawái —lugar en el que se ambienta el filme—, que, interpretando a Lilo, debuta en su carrera actoral en Hollywood. Para completar la ecuación, un Stitch casi tan achuchable como el original.

Tras el reciente tropiezo de Blancanieves, un remake que nació maldito por culpa de la obsesión de la derecha contra lo woke —la versión de acción real tenía un presupuesto de entre 240 y 270 millones de dólares, pero su recaudación mundial apenas ha superado los 200 millones—, la película de Lilo y Stitch necesita dar el golpe sobre la mesa en una industria que parece estar cada vez más cansada de los remakes. Dean Fleischer-Camp confiesa que intenta “no pensar mucho en esas cosas”: “Como cineasta, tienes que mantener la conversación con tus colaboradores cercanos y contigo mismo, evadiéndote del resto. Si intentas hacer una película para todo el mundo, no harás una película para nadie”.

Sin embargo, la cinta será el primer remake de gran nivel que se estrena tras Blancanieves, con todo el escepticismo que ello pueda conllevar. Jonathan Eirich, que ha trabajado en la nueva versión de Lilo y Stitch como productor, dice que el gran número de remakes que se están haciendo es el “negocio de Hollywood”. “Estamos en Londres, caminas por el West End y cada musical está basado en una película. Los humanos hemos contado las mismas historias durante miles de años una y otra vez, y no es necesariamente algo malo”, comenta Eirich, que aclara que “es un instinto humano”. “Se trata de encontrar algo nuevo y fresco que contar, y quienes lo han conseguido han tenido mucho éxito. Se trata de ser realmente reflexivo y consciente”, manifiesta.

Asimismo, el director es conocedor de que algunas cintas “han sido un éxito o un fracaso”, pero considera que “lo más importante”, para “Disney o cualquier otro estudio”, es el hecho de que haya “personas diferentes haciendo películas diferentes”, por lo que es “un poco injusto” juzgar el trabajo de otros directores por el desempeño o el resultado de otros proyectos. Dean Fleischer-Camp declara a elDiario.es que se propusieron “hacer una película que pudiera valerse por sí misma”, una intención que el productor Jonathan Eirich achaca al “listón increíblemente alto” que tenían que cumplir tanto con la historia original como con los fans de la misma. “Queríamos hacer una película que estuviera a la altura, y espero que cumpla con el público en todas partes”, añade Eirich.

Para ellos, ni siquiera el factor de la nostalgia, que es precisamente lo que hace triunfar a este tipo de filmes, suponía un refugio durante el proceso de creación. “No se trata de simplemente comercializar con la nostalgia”, explica Dean Fleischer-Camp, “hemos encontrado maneras muy inteligentes de profundizar en la historia y cambiarla de formas que creo que los fans disfrutarán viéndola”. Jonathan Eirich señala que es una “película con la que puedes reír y llorar con otras personas en el cine”, ya que el principal reto que se marcaron fue el de que la audiencia no pudiera evitar “llorar junto a desconocidos”.

Las grandes expectativas con respecto al estreno de Lilo y Stitch, que promete ser uno de los blockbusters más potentes del verano si consigue deshacerse del rechazo cada vez mayor hacia los remakes, llega en parte por el cariño y la base de fans que el filme original se ha labrado con el paso del tiempo. El director mantiene optimismo de cara a la presión y, en alusión a quienes se muestran reticentes hacia los cambios que pueda haber en esta película en comparación con la estrenada en 2002, indica que es “obligación de los cineastas adaptarla con cuidado, responsabilidad y amor por la original”: “No creo que [los fans] se refieran a que quieren una réplica exacta y que no se cambie nada, sino que quieren que les haga sentir tan bien como la original”.

De hecho, como recuerda Jonathan Eirich, hay quienes irán a las salas de cine sin conocer la película de animación, lo cual hace “divertido actualizarla para una generación que no la ha visto y, con suerte, seguir ofreciendo la nostalgia a los padres y todas las personas que crecieron con Lilo y Stitch y les encantó”. Estas nuevas generaciones se encontrarán con un personaje bastante diferente, mucho más propio del 2025: el nuevo Stitch se anima con bailes de TikTok, se pasea en coche en el preestreno de la película porque sabe que el vídeo se viralizará en redes sociales y se graba stories posando para Instagram.

Ya sea bajo el Stitch original o el Stitch más modernizado, la historia sigue sin ambientarse en un “reino de hadas”, algo que llamó la atención de Dean Fleischer-Camp cuando analizó la original, diferenciándose así de “tantas películas de Disney” y representando el planeta caótico en el que vivimos hoy: “No se trataba de princesas perfectas, sino de todo lo contrario. Sus personajes eran humanos normales que luchaban por arreglárselas en un mundo que era desordenado y que estaba desbordado”. El director expresa que temas “atemporales” como “la comunidad y la familia que encuentras” son “probablemente más importantes ahora”, lo que la “convierte en una oportunidad única para adaptarla a la acción real”.

El mensaje de la cinta de 2002 es tan realista que, para Jonathan Eirich, “se sentía como si fuera de imagen real”. La obra maestra animada del estudio A24, Marcel, la concha con zapatos (2021), “resume perfectamente el espíritu” que esperaban “para esta película”. “Es adorable, hilarante, inteligente e ingeniosa. Trata sobre la pérdida, sobre el dolor, sobre cómo seguir adelante, sobre las lágrimas inesperadas”, alaba Eirich del trabajo de su compañero, comentando que “todo se reduce a quién es el narrador y quién es el visionario que va a estar detrás para hacer estas cosas de la manera correcta”.

A falta de que el público tenga la última palabra, Lilo y Stitch será la prueba definitiva para unos remakes que han consumado un cansancio generalizado y que Dean Fleischer-Camp defiende que son “más difíciles” de hacer “de lo que la gente piensa”: “Hay una película que ya existe, que es increíble y de la que tienes que estar a la altura, idealmente mejorándola. No es tan sencillo como introducir la película de animación en la máquina 3D y que salga una nueva adaptación, hay un montón de pensamiento y trabajo por los artistas”. Es por ello que, bajo la “dedicación” de “hacerlo bien”, la cinta llega a los cines con la intención de no haber perdido su “encanto y diversión”, pretendiendo que el Stitch de 2025 salga tan triunfante como el de 2002.

Bentkey es algo así como el Disney+ de las familias fachas estadounidenses. Forma parte del servicio de suscripción DailyWire+, que a su vez integra el famoso conglomerado mediático de ultraderecha fundado por Ben Shapiro y Jeremy Boreing. Bentkey nació en octubre de 2023 con el objetivo de proteger a la infancia de la malvada ideología que al parecer promueve el mainstream hollywoodiense, y lo hizo con el anuncio de una producción original para la plataforma que se ajustaría vertebralmente a estos principios. Su título, Snow White and the Evil Queen.

“Aunque Disney siga utilizando el nombre de Walt, hoy ha abandonado ese legado”, declaró Boreing entonces. DailyWire+ programó para 2024 una adaptación de Blancanieves como respuesta al remake de acción real que Disney llevaba tiempo desarrollando y cuyo estreno contemplaba para ese mismo año. Snow White and the Evil Queen sería una adaptación mucho más fiel al espíritu de Disney y los cuentos tradicionales, aseguraban desde los mentideros reaccionarios. Pero su existencia no tenía sentido sin la comparativa directa con la versión de Disney, así que cuando esta se retrasó todo un año, a marzo de 2025, Bentkey hizo otro tanto con su película. 

En todo este tiempo DailyWire+ ha producido Terror on the Prairie con Gina Carano —otro corte de mangas a Disney, pues esta actriz fue despedida de The Mandalorian por sus opiniones en redes sociales—, una comedia donde un equipo de hombres se disfraza de mujeres para medrar en deportes femeninos (Lady Ballers) y varios documentales de pulsión conservadora… mientras que no ha vuelto a saberse nada de Snow White and the Evil Queen. Todo lo que ha trascendido de ella es un tráiler de aspecto sospechoso que presume de tener como actriz de Blancanieves a Brett Cooper, una de las estrellas de Daily Wire gracias a su programa The Comments Section. 

Cooper, por cierto, abandonó Daily Wire en diciembre de 2024. Todavía no ha dicho nada de Snow White, y a estas alturas parece bastante obvio que la película no existe. Ese tráiler hecho a las prisas solo quería promocionar Bentkey y agitar el avispero de la batalla cultural, aprovechando la polémica más grave que Disney haya atravesado hasta ahora con uno de sus remakes en acción real. 

De una película falsa a otra que lucha por existir

Todo empezó de la forma habitual: Disney fichó como protagonista a una actriz racializada y esto incendió las redes sociales. Desde que los remakes de acción real a partir de clásicos de animación de la Casa del Ratón se convirtieron en un valor seguro a finales de la década pasada, Disney ha ido efectuando ligeras actualizaciones sobre las historias de partida. Antes que los aparatosos efectos digitales empleados para readaptar obras animadas o los cambios en la propia trama, lo que sobre  todo ha movido la conversación pública en este tiempo ha sido el perfil de los nuevos intérpretes.

Decisiones como que la protagonista de La sirenita sea negra se han topado con el boicot, según una agitación que le interesaba en especial a la ultraderecha para reforzar la alerta contra “lo woke”: ese muñeco de paja que ha aupado la reacción conservadora y la reelección de Donald Trump y que, en realidad, no es más que el ‘neoliberalismo progresista’ que teorizaba Dylan Riley. Esto es, alivio cosmético de tensiones civiles a través del mercado, reduciendo la justicia social a cuestiones de representación. Por ejemplo Rachel Zegler, actriz de ascendencia colombiana llegada de West Side Story, demostrando que a Disney le preocupa el racismo gracias a ser la nueva Blancanieves.

La nueva versión del que resulta ser el primer film animado de toda la historia de Disney lleva preparándose desde que la compañía divisó el filón: 2016, con El libro de la selva. Los taquillazos de La bella y la bestia, Aladdin o El rey león han validado la apuesta y, sin embargo, con Blancanieves tenemos un caso especial. No tanto porque ahora se divisa cierto agotamiento en la fórmula —La sirenita hizo dinero, pero no tanto como se esperaba— sino por cómo su desarrollo ha evidenciado las contradicciones del neoliberalismo progresista de Disney, coincidiendo además con la nueva legislatura de Trump amenazando el modelo e, incluso, anticipando un desvío conservador.

Es el episodio que podríamos llamar “parábola de los enanos” e ilustra la insensatez de tomar partido por Disney. A finales de 2021 el guion de Blancanieves ya estaba escrito —por Erin Cressida Wilson y nada menos que Greta Gerwig antes de hacer Barbie, aunque al final solo Wilson ha sido acreditada—, y Disney había fichado al Marc Webb de The Amazing Spider-Man como director. Zegler defendía su derecho a interpretar a Blancanieves y entonces Peter Dinklage dijo en un podcast que el hecho de que fuera latina no hacía que esta Blancanieves fuera más progresista. 

¿Por qué? Porque seguíamos hablando de Blancanieves y los siete enanitos. Un relato que históricamente había hecho sufrir al colectivo del actor de Juego de tronos (personas con acondroplasia, el trastorno que suele llevar al enanismo) con su caricatura, algo que Dinklage rechazaba y que movió a una veloz decisión de Disney: recrear con CGI hiperrealista a los enanos de la película original. Esto engendró aún más críticas. Dinklage estaba perjudicando las opciones laborales del colectivo en cuyo nombre hablaba —“desde el privilegio de no tener que aceptar estos papeles”, como señaló Jeff Brooks—, y Disney les acababa de dejar sin trabajo. 

El episodio se hizo aún más rocambolesco cuando se filtraron unas fotos del rodaje de Blancanieves en Londres mostrando a un grupo de intérpretes “diversos”: había una persona con acondroplasia junto a individuos de varias etnias, y medios afines a Daily Wire aseguraron que esta era la “versión woke” de los enanitos. También cultivaron suficiente odio para que DailyWire viera provechoso anunciar su Blancanieves falsa y el hijo del director de la Blancanieves original, David Hand, asegurara que su padre y Walt “se estarían revolviendo en su tumba” por culpa de este remake.

Una vez se estrena Blancanieves hemos descubierto que esos actores no tenían en efecto nada que ver con los enanos: solo eran personajes añadidos a esta reimaginación, alternando con las creaciones digitales que Disney ya había convenido en mostrar en los tráilers.

Disney en pleno colapso

La parábola de los enanos ejemplifica los límites de la marca Disney como estudio interesado honestamente en la diversidad, aunque sus ramificaciones van más allá de los amigos de Blancanieves. Que Zegler haya insistido en que su personaje está más empoderado que el de la versión de 1937 no es tan significativo como las opiniones políticas que ha ido compartiendo en redes sociales y que inevitablemente le enfrentan a quien interpreta a su madrastra, Gal Gadot. 

Al poco de saberse el resultado de las últimas elecciones estadounidenses, Zegler se lamentó escribiendo “fuck Trump”. Poco después tuvo que pedir perdón públicamente, avanzando la genuflexión ante el Partido Republicano a la que 2025 aboca a Disney. Por otro lado, y ocupándonos de la actriz de Wonder Woman, Zegler se ha posicionado en contra del genocidio de Gaza mientras que Gadot, oriunda de Israel, ha fomentado la agenda sionista más abiertamente que nunca desde los atentados del 7 de octubre. Es lo que provocó que, ante la repentina violación del alto el fuego en Gaza, un evento previo al estreno de Blancanieves con Gadot en el centro fuera escenario de un enfrentamiento entre manifestantes pro-Palestina y manifestantes pro-Israel.

Blancanieves es una película maldita. Pero también es otro producto Disney cuyas decisiones chocan entre sí y difuminan cualquier compromiso progresista. Un maltrecho artefacto tan capaz de fichar a una actriz latina y añadirle cierto grosor feminista al personaje de los hermanos Grimm como de recurrir al estrellato de alguien que apoya los crímenes de Israel mientras se deja sin trabajo, por el qué dirán, a varios miembros de una minoría. Nada sorprende en este caso —si acaso que siga habiendo gente, seguramente afincada en X, con ganas de continuar discutiendo con los promotores de la neurosis anti-woke—, como tampoco sorprende que estas contradicciones tengan un efecto en las imágenes, y conduzcan a otra película de hechuras soporíferas y lamentables.

En particular, Blancanieves adolece de lo que le ocurría al remake de Dumbo a cargo de Tim Burton (2019). Esto es, que el argumento de la película de la que parte se reduce a una servilleta, por pertenecer a una fase de Disney (la inicial, la de los años 30-40) en la que importaba más experimentar con la animación que alumbrar narraciones sofisticadas. Mientras que la animación sufre la conversión correspondiente a un CGI saturado e inexpresivo —no mucho peor que el visto en Aladdin o La bella y la bestia, pero lejos de los logros de Jon Favreau con El rey león—, el problema de no tener trama suficiente se intenta solucionar en Blancanieves de dos maneras.

La primera es atiborrar la película de canciones nuevas a cargo de Benj Pasek y Justin Paul (llegados de La La Land). Blancanieves es un musical puro y duro que acumula números por doquier a la vez que amplía los clásicos de la original —el Ay ho de los enanitos convertido en una extenuante presentación de cada personaje— y recorta otros —varias canciones han desaparecido mientras que de la más famosa, Mi príncipe vendrá, solo suena una instrumental—, buscando su propia identidad en este campo. Gracias a canciones como Princess Problems el resultado no es completamente fallido, y aun así dista de sobreponerse al formidable embrollo que depara la segunda estrategia: inyectarle complejidad al argumento de Blancanieves respetando sus elementos clásicos.

Ahí es donde a Blancanieves no le queda otra que descarrilar con impotencia, mientras cualquier ímpetu en la puesta en escena de Webb se diluye dentro de la habitual estética de parque de atracciones del último Disney. Blancanieves quiere ampliar el alcance de la mínima historia del 37 convirtiendo a la protagonista en una heroína del pueblo, liderando junto al príncipe y otros valientes que no son solo enanos —de aquí los falsos “enanos woke”— una revuelta contra una líder autoritaria. La reina de Gadot, a la que no le preocupa tanto esclavizar a esta masa informe de gente como seguir preguntándole al espejo si es la más guapa del reino.

El desarrollo narrativo de Blancanieves se tambalea confundido entre el icono y las necesidades de un blockbuster convencional, pleno en disonancias y anticlímax —esta Blancanieves alérgica a la pasividad ya no puede limitarse a recibir un beso para solucionar la trama, pero tampoco prescindir de ese beso— que al final se traducen en la mediocridad habitual. Lo que queda, en definitiva, es lo que siempre queda de este nocivo modelo de producción, si bien ahora viene acompañado de tanto ruido como para mover un rechazo más furibundo de la cuenta. No tiene sentido tomar partido entre esta Blancanieves y la Blancanieves facha, y no solo porque esta última no exista sino porque ambas solo son síntomas de una industria, un sistema ideológico y económico, que se está viniendo abajo.  

La bruja extendió su mano, y la manzana brilló bajo la tenue luz del bosque. Un mordisco. Un segundo de duda. Luego, el cuerpo de Blancanieves cayó al suelo, inerte. No hubo testigos, solo el eco de la risa de la Reina desapareciendo entre los árboles. Si Disney hubiera contado la historia original, la escena no habría terminado ahí. Habría incluido el festín de la villana, que devoró los órganos que creía de su hijastra, y el espeluznante castigo que la esperaba en la boda de la joven.

Los cuentos de hadas no siempre fueron dulces historias para niños. Cuando los hermanos Grimm recopilaron el folclore europeo en el siglo XIX, su intención no era entretener a los pequeños, sino preservar relatos populares que, con el tiempo, fueron suavizados y reescritos para hacerlos más aceptables. La primera versión publicada de Blancanieves en 1812 presentaba una historia más cruel que la conocida hoy.

Espejito, espejito: ¿por qué el cuento no era tan bonito?

La malvada Reina no era su madrastra, sino su propia madre, quien, consumida por la envidia, ordenó su asesinato sin remordimientos. “Llévala al bosque y mátala”, escribieron Jacob y Wilhelm Grimm en su primera edición. La imagen de una madre buscando la muerte de su hija resultó demasiado perturbadora para la época, así que en ediciones posteriores la villana se convirtió en una madrastra.

El relato evolucionó, pero su esencia siguió siendo siniestra. Blancanieves, con apenas siete años, era considerada “más hermosa que el día”, lo que desataba la furia de la Reina. El cazador enviado a matarla no tuvo el valor de hacerlo y, como en la versión de Disney, la dejó escapar.

Sin embargo, la reina no se conformaba con suposiciones o promesas de terceros. Exigió pruebas, y por eso ordenó que le llevaran los pulmones y el hígado de la niña como prueba. “El cocinero tuvo que hervirlos con sal, y la malvada mujer los comió, creyendo que eran de Blancanieves”, escribieron los Grimm en su revisión de 1857.

La historia continuaba con Blancanieves refugiándose en la casa de siete enanos, quienes no eran los entrañables personajes que Disney presentó décadas después. En varias versiones del cuento, en lugar de mineros, eran ladrones que aceptaban a la niña bajo una condición clara: debía cocinar, limpiar y encargarse de la casa mientras ellos trabajaban. No se trataba de un refugio idílico en el bosque, sino de un pacto de supervivencia con mucho machismo.

Pero la Reina no había terminado. No una, ni dos, sino tres veces intentó matar a Blancanieves con sus propias manos. Primero, disfrazada de mercader, le vendió un corsé y lo ajustó con tanta fuerza que la dejó sin aliento. Los enanos lograron revivirla desatándolo. Luego, con un peine envenenado, intentó su segunda jugada, pero otra vez la niña fue salvada. Finalmente, llegó la manzana. Esta vez, el veneno era definitivo, y Blancanieves acabó en su ataúd de cristal.

Blancanieves sobrevivió por un tropezón

Disney transformó el desenlace con un beso de amor verdadero, pero en la historia original no hubo tal romanticismo. Un príncipe apareció, sí, pero no con intenciones heroicas. Al ver a Blancanieves en su ataúd, quedó tan fascinado por su belleza que insistió en llevarse el cuerpo para venerarlo. “No puedo vivir sin verla. La honraré y respetaré como a mi más preciada”, suplicó a los enanos hasta que cedieron.

Durante el traslado, un tropiezo de los sirvientes hizo que la pieza de manzana envenenada se desprendiera de su garganta, devolviéndole la vida. No hubo magia, solo un accidente.

El final tampoco fue el mismo. La Reina no cayó de un precipicio. En la boda de Blancanieves y el príncipe, la villana recibió su castigo: unas zapatillas de hierro al rojo vivo fueron colocadas en sus pies, y la obligaron a bailar hasta la muerte. Así cerraron los Grimm su versión del cuento, mucho antes de que Disney le diera un toque más amable.

Hoy, la historia de Blancanieves sigue reimaginándose en el cine con una película protagonizada por Rachel Zegler y Gal Gadot, que se estrena en Argentina este 20 de marzo, pero sus orígenes son mucho más oscuros de lo que muchos recuerdan. Quizá por eso, después de más de dos siglos, el cuento sigue fascinando: no por su dulzura, sino por las sombras que se esconden detrás del espejo.