En medio del cielo estrellado una nave alcanza a otra para intentar un abordaje. Son vehículos voladores levemente parecidos a las aeronaves de nuestra época pero acaso salidos de una indeterminación temporal, a medio camino del pasado y el futuro. Tras la refriega algo (o alguien) cae a un planeta cercano y entonces un joven de extracción humilde recibe la llamada de la aventura: un reconocible viaje del héroe que lo llevará a volar lejos de casa y descubrir otro cuerpo celeste con un terrorífico poder destructivo. Podría ser Luke Skywalker, podría ser la Estrella de la Muerte a la que se dirigen sus pasos. Sin embargo, su nombre es Pazu, y busca una isla flotante llamada Laputa.

Podríamos estar hablando de La guerra de las galaxias, estrenada en 1977. Pero nos referimos a una obra casi diez años posterior: El castillo en el cielo, la primera película de Studio Ghibli. Cada uno a su modo son títulos absolutamente fundacionales, históricos. En el último cuarto del siglo XX, ambos empezaron a guiar la imaginación colectiva desde dos ejes distintos. Dos polos, dos modelos de producción: el blockbuster de Hollywood frente al anime de autor, una de tantas vías por las que ambos países, EE.UU. y Japón, iban a ir medrando en el tablero geopolítico. Esta dialéctica hoy está ciertamente superada —cabe echarle la culpa en ambos casos al dominio de la propiedad intelectual, que degradó tanto el espectáculo estadounidense como la industria anime—, y aun así ampara gestos como el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades a Studio Ghibli.

Coincidiendo con el 40 aniversario de El castillo en el cielo —así como con su oportuno reestreno en salas españolas a cargo de Vértigo Films—, la factoría fundada en 1985 por Hayao Miyazaki, Isao Takahata y Toshio Suzuki recibió tal insigne galardón español. Un reconocimiento que parece que o bien llegar tarde o bien obedecer a pura nostalgia, por cuanto la situación del estudio japonés lleva siendo bastante incierta desde por lo menos 2013. Ante los problemas de sucesión de un régimen fuertemente personalista —y en consonancia al citado agotamiento del anime autoral, que vino a sentenciar el reciente aniversario de Your Name, de Makoto Shinkai—, Ghibli solo puede resignarse a eventos como la última despedida de Miyazaki, con El chico y la garza de 2023.

Más allá de eso, la historia de Studio Ghibli parece expirar. Así que este tipo de honores deberían ser oportunos, como oportuno es volver a asomarse a la película que lo empezó todo —con permiso de Nausicäa del Valle del Viento, desarrollada por Miyazaki en 1984 sin todavía un estudio propio detrás— y así emocionarse como el primer día. O incluso más.

Un Miyazaki entre dos mundos

El inequívoco reflejo de Star Wars en El castillo en el cielo no implica una influencia directa de George Lucas en Miyazaki. Buena parte del germen de su historia, de hecho, se encuentra en la primera serie anime que dirigió nunca este artista japonés, recogiendo de Conan, el niño del futuro (1978) parte del planteamiento y del diseño de personajes. Es un reflejo, igualmente, que demuestra que no hablamos de compartimentos estancos, ya que los trasvases entre una y otra cinematografía fueron siempre fértiles. La guerra de las galaxias recuperaba el esquema de La fortaleza escondida de Akira Kurosawa, a fin de cuentas. Y Kurosawa había sido un enamorado de John Ford.

El castillo en el cielo llevaba este diálogo a la década de los 80 topándose con nuevas y sorprendentes rimas. ¿No remitía la Tía Dola, la carismática líder de los piratas que terminaba ayudando a los protagonistas, a una mezcla de Han Solo y Mamá Fratelli, la villana de Los Goonies que contemporáneamente buscaba su propio tesoro en compañía de otros hijos patanes? Se trata, al mismo tiempo, de ecos más bien coyunturales, sobre todo en comparación a lo claro que había sido Miyazaki con sus verdaderos referentes. Que sí, volvían a anclarse en Occidente. Pero en cosas más serias que en el blockbuster recién inaugurado por Spielberg y Lucas.

Alrededor de la producción de El castillo en el cielo, Miyazaki viajó en dos ocasiones a Gales, a Reino Unido, en plena huelga de los mineros contra el gobierno de Margaret Thatcher. Para los diseños del hogar de Pazu se basó en los asentamientos de estos trabajadores, pero, sobre todo, quedó encandilado por el coraje que mostraban a la hora de enfrentarse a la ofensiva neoliberal de la líder conservadora. “Admiraba a esos hombres, admiraba cómo luchaban para salvar su forma de vida. Mucha gente de mi generación ve a los mineros británicos como un símbolo, una especie en peligro de extinción”, explicaría Miyazaki años después. La descripción de la comunidad de los mineros de El castillo en el cielo, así como la generosidad y eficacia con la que socorren a Pazu y su nueva amiga Sheeta frente a la persecución del ejército en el primer acto de la película, salen de aquí.

Hay todavía otro vínculo clave de El castillo en el cielo con la cultura anglosajona. Se trata de Laputa, la isla flotante a la que se dirige la aventura de los protagonistas (el lugar cuyo nombre siempre trajo de cabeza a los traductores hispanohablantes, también). Laputa sale de Los viajes de Gulliver, famosa obra satírica de Jonathan Swift publicada a principios del siglo XVIII. De Gulliver, Miyazaki no solo tomó prestada la iconografía de El castillo en el cielo, sino que también revisó algunos de sus planteamientos. Lo que Swift había pretendido entonces, con esas aventuras fantásticas y absurdas, era ridiculizar a la Royal Society: una prestigiosa comunidad científica cuyas investigaciones, no obstante y según Swift, poseían una motivación ensimismada y frívola.

Miyazaki partió de aquí para encauzar sus propias preocupaciones autorales, que ya había podido mostrar a lo grande en Nausicäa del Valle del Viento. Preocupado por la ecología, y por las distintas relaciones y estructuras que podía cobijar la naturaleza en oposición a la experiencia humana, Miyazaki se marcó con El castillo en el cielo un alegato que resuena inevitablemente en la actualidad, por cuanto añadió a la ecuación el componente tecnológico. Representado en la película no solo por los aviones a los que era tan aficionado —y que, como exploraría en Porco Rosso o El viento se levanta, tanta problemática bélica pueden cobijar—, sino por unos robots que pueden indistintamente sembrar la destrucción… o ser unos excelentes jardineros.

La importancia de la tierra

Deteniéndonos en estos robots —acaso el diseño más memorable de El castillo en el cielo, en paralelo a esos ornitópteros (helicópteros-libélula) que antes había ideado Da Vinci y luego recogería Denis Villeneuve para su Dune— atisbamos los apuntes más estimulantes de la película de Miyazaki. Los robots ejemplifican el carácter bipolar de la tecnología, tan capaces de ser utilizados para el mal —el primero que aparece en el film y que, al ser activado, desata una orgía de destrucción— como para el bien. Los robots que, en la Laputa abandonada que descubren Pazu y Sheeta, siguen cuidando el arraigo de la vida.

El castillo del cielo es una obra maestra de la animación por su capacidad irreductible para el asombro —ya sea destilada en secuencias de acción prodigiosas como la persecución en el pueblo minero y la llegada a Laputa en medio de un mar de nubes tormentosas, o en los pasajes más contemplativos—, pero también por cómo cada elemento que la constituye refrenda un determinado discurso estético. Es algo que justificaba recientemente el jurado del Premio Princesa de Asturias y que trasluce una verdad categórica: el afán artesanal de Ghibli. El cuidado depositado en cada plano, cada secuencia, cada giro de esa trama con visos de eterna. Es el motivo por el que El castillo del cielo apabulla tanto hoy como hace 40 años, pero también la razón de una grandeza más íntima.

En un momento de la película conocemos a un personaje aparentemente anecdótico: es el tío Pom, un viejo minero que no tiene relevancia en la trama más allá de hablarles a los protagonistas de la volicita. Es el mineral del que sale la energía que hace flotar a Laputa e impulsó su tecnología: esa que el villano de El castillo en el cielo —Muska, descendiente al igual que Sheeta de los gobernantes de la isla— quiere dominar. El impulso tecnológico se tradujo en esos robots, así como en el hecho de que Laputa pueda ser toda una Estrella de la Muerte llegado el caso. Es un impulso salido de las profundidades de la tierra, que se elevó en el cielo alejándose de las manos que trabajaron el material necesario para ello. Las manos, claro, de los mineros.

“No importa el poder de las armas o todos los robots que tengas: no podés vivir sin la tierra”, le grita Sheeta a Muska durante el clímax de El castillo en el cielo. La vida humana en Laputa sucumbió por la utilización deshumanizada de la tecnología, dejando unos escombros y unas ruinas —que a día de hoy recuerdan mucho, también, al mundo post-humano que describía la última obra maestra animada de nuestros días, Flow— entre los que siguen pudiendo crecer las flores gracias a los robots. Porque la tecnología en sí misma no es ni buena ni mala. Simplemente hay que procurar que su avance y utilización respete la dignidad humana. Que no se olvide de la vida.

Por eso El castillo ambulante nos brinda una imagen de belleza estremecedora, hacia el final del metraje y enmarcada por el clásico tema musical Carrying You de Joe Hisaishi (convertido al instante en el compositor oficial de Ghibli). Es la imagen de Laputa prácticamente destruida durante el enfrentamiento de Pazu y Sheeta contra Muska, pero habiendo dejado al descubierto unas raíces gigantescas que hurgan en el aire, buscando la tierra donde fue originada. Una tecnología, entonces, que está sedienta de vida, que quiere reintegrarse a la naturaleza y volver a nuestras manos.

No hay imagen mejor para sintetizar el gozo artesanal de Ghibli. No hay mejor posicionamiento desde el que, sí, renegar de la IA o de la tecnología de muerte que toque, y observar con desprecio cada tentativa de sepultar la creatividad humana en pos de la automatización y la barbarie.

Studio Ghibli es un prestigioso estudio de animación japonés fue fundado en 1985 por los directores Hayao Miyazaki e Isao Takahata y el productor Toshio Suzuki. Estos días dio que hablar por las incontables imágenes de Inteligencia Artificial que se generaron en redes con su estilo.

Es conocido por sus películas de animación altamente detalladas y visualmente impresionantes, que combinan historias profundamente emotivas con una estética única. Se caracterizan por poseer un grado de ternura alto y, al mismo tiempo, ser inteligentes, sensibles y, muchas de ellas, dolorosas. Son perfectas para ver entre grandes y chicos.

Ghibli ganó reconocimiento mundial por su capacidad para contar historias complejas, con temas que van desde la ecología y la guerra hasta la amistad, el amor y el paso del tiempo.

El estudio creó algunas de las películas más aclamadas y queridas por el público, tanto en Japón como a nivel internacional. Algunos de sus grandes éxitos, que en Argentina se pueden ver en las plataformas Netflix y Apple TV, son:

Naúsicaä del Valle del Viento (1984)

Aunque técnicamente se considera una película pre-Ghibli, ya que fue realizada antes de la fundación oficial del estudio, Naúsicaä es una obra fundamental de Hayao Miyazaki y sentó las bases del estilo y los temas que luego definirían a Studio Ghibli.

Mi vecino Totoro (1988)

Esta película de Miyazaki se estrenó en 1988 y es una de las más conocidas del Estudio Ghibli. Como en muchas de las películas de Miyazaki hay una mudanza como consecuencia de una enfermedad: la madre de dos niñas está internada por tuberculosis y el padre se muda con sus hijas para estar más cerca.

De la enfermedad emergen las aventuras para las niñas, que tienen que descubrir los recovecos de su nuevo hogar y el pueblo que las recibió. Desde el comienzo perciben criaturas extrañas, por ejemplo unos diminutos bichitos creados por hollín que viven en las casas abandonadas.

Un día, Mei, una de las niñas, observa una criatura blanca y la persigue como si fuera un conejo. Esta persecución la lleva a un árbol en donde descansa una criatura enorme y extraña, a quien nombra “Totoro”, un espíritu del bosque, quien se convierte en un gran amigo de las niñas.

Kiki: Entregas a domicilio (1989)

Esta película cuenta la historia de una joven bruja llamada Kiki que se muda a una ciudad costera para comenzar su negocio de entregas en su escoba voladora. Es una historia de crecimiento personal y superación.

La princesa Mononoke (1997)

Un drama épico que aborda el conflicto entre el hombre y la naturaleza. Esta película presenta un tono más oscuro y maduro, explorando temas de destrucción ambiental, guerra y la lucha por el equilibrio en el mundo.

El viaje de Chihiro (2001)

Considerada una de las obras más importantes de la animación mundial, fue dirigida por Hayao Miyazaki. La película cuenta la historia de una niña que se encuentra atrapada en un mundo espiritual y debe encontrar una manera de salvar a sus padres y regresar al mundo real. Fue galardonada con el Oscar a la Mejor Película de Animación en 2003.

Chihiro y su familia se mudan a otra ciudad, lo que trae descontento en la niña debido a que le gustaba su anterior casa.

En el primer recorrido en su nueva ciudad, la familia llega a un pueblo misterioso y abandonado. Hay puestos de comida, pero no hay quien se encargue de vender la comida. Los padres deciden instalarse a comer y la pequeña Chihiro sigue investigando sola. Sin embargo, al regresar en busca de su familia, sus padres se habían convertido en cerdos.

La película trata sobre la soledad de Chihiro y los personajes que conoce y la ayudan a recuperar a su familia.

El increíble castillo vagabundo (2004)

Basada en la novela homónima de Diana Wynne Jones, esta película sigue a Sophie, una joven que es transformada en anciana por una maldición y se embarca en una aventura con un misterioso castillo ambulante. Es una mezcla de fantasía, romance y guerra.

Esta es la octava producción dirigida por Hayao Miyazaki dentro de Estudio Ghibli y la decimoquinta del estudio.

Buscando romper el hechizo y volver a tener su cuerpo joven, Sophie se va de su hogar y recorre distintos lugares hasta llegar al castillo que le da nombre a la película. Allí conoce distintos personajes, con quienes atraviesa la guerra que transita su país con el país vecino.

Hay distintas transformaciones en pos de sobrevivir, un anillo con superpoderes y mientras tanto, una historia de amor.

Ponyo en el acantilado (2008)

Una película que se inspira en el cuento de La sirenita, pero con un enfoque único. Es una historia mágica y colorida sobre una niña-pez que desea convertirse en humana, ambientada en un mundo submarino muy visualmente atractivo.

Además de estas, hay otras películas y cortometrajes que también fueron muy importantes para el estudio y la animación en general. El Estudio Ghibli mantuvo una reputación de alta calidad y una fuerte conexión emocional con sus audiencias a lo largo de los años.

“Ahora buscás Ghibli en Google y tenés que hacer scroll para encontrar un fotograma de verdad”. El motivo: la actualización del generador de imágenes que ChatGPT puso en marcha la semana pasada, permitiendo a sus usuarios transformar sus fotografías imitando la estética del estudio de animación japonés fundado por Hayao Miyazaki. Tal fue la proliferación de instantáneas recreando los fotogramas de obras como El viaje de Chihiro, Mi vecino Totoro y El castillo ambulante, que Sam Altman director de OpenAI, tuvo que salir a dar explicaciones en X sobre los errores que había comenzado a dar la herramienta.

“Vamos a introducir temporalmente algunos límites de tarifas mientras lo solucionamos”, anunció el domingo. “¿Pueden relajarse generando imágenes? Esto es una locura. Nuestro equipo necesita dormir”, añadió después. Pero dio igual, las redes ya estaban –y siguen– inundadas de pseudofotogramas de Ghibli. Hasta la cuenta de la Casa Blanca se había sumado a la ola. “Se está normalizando el fast food [comida que se prepara en muy poco tiempo] de las imágenes”, lamenta el dibujante español David Rubín.

“Más allá de la vulneración de los derechos de autor, el uso de la IA está llevando a la banalización de la creatividad. Se está acostumbrando a la gente a no darle valor a la imagen”, señala, “porque de repente hay una cosa que en segundos crea una, mejor o peor. No hay un trabajo, una idea o intención detrás artística o colectiva”. También utiliza el concepto fast food la autora de cómic y gestora cultural Mireia Pérez, que compara a quien genera dibujos con IA como el que “pasa por una experiencia de comida rápida. No tiene en cuenta lo que hay detrás porque no le interesa. Lo usa porque lo tiene a mano”.

Nacho Subirats, ilustrador y animador, que trabajó como asistente de dirección en Robot Dreams de Pablo Berger, comenta que ver a “miles de influencers pasando sus fotos al estilo Ghibli” es “solo una muestra más de lo que es la sociedad actual: un engranaje enorme dispuesto a consumir cantidades ingentes de lo que sea para ser el primero, el más guay, el más 'innovador', en el menor tiempo posible”.

Iñigo Jiménez, que participó igualmente en la producción de la cinta animada española, considera lo sucedido como “un insulto” a las películas de su infancia que le llevaron a dedicarse a este sector: “Ghibli siempre ha sido un estudio de referencia que se caracteriza sobre todo por el trabajo y esfuerzo que ponen en cada fotograma, trabajados a mano, de forma tradicional, y prestando una atención máxima hasta el más mínimo detalle. Que ahora con un simple comando puedas realizar imitaciones de dicho trabajo tan minucioso, me parece una falta de respeto”.

Mireia Pérez lamenta que, independientemente de las implicaciones “estéticas y ecológicas”, se esté “generando una especie de lugar visual común”. Para la artista, estas imágenes, “que son como raras y al mismo tiempo realistas, está generando sus propios códigos estéticos”. Algo que afecta directamente a sus trabajos: “No queremos parecernos a la IA. Aunque algunos lo están aprovechando y usando como herramienta, están consiguiendo que su propio estilo se diluya”. Una herramienta que describe como “fagocitadora de creatividad”. “Parece que hoy en día todo se basa en producir lo máximo en el mínimo tiempo posible, dejando de lado todo lo demás, para sacar todo el beneficio posible”, rechaza el ilustrador Iñigo Jiménez.

Nacho Subirats expone su propio ejemplo para enmarcarse en la misma tesis: “Yo personalmente estoy lleno de imperfecciones, como lo que dibujo, y cada una de estas pequeñas imperfecciones son lo que creo que dan razón de ser al arte y a quienes somos como artistas. A mí no me interesa ver cómo alguien (o una máquina) copia perfectamente el estilo de otro artista”, valora. Por el contrario, opta por interesarse por “su interpretación, cómo es el mundo a través de sus ojos y lo que ha aprendido (o no) a lo largo de su vida”.

“Atacar” precisamente a Ghibli

Esta no es la primera polémica que surge en torno a la IA. Ilustradores, traductores y actores de figuración, por citar solo unos ejemplos de los sectores artísticos que emitieron sus quejas y preocupaciones, llevan tiempo reclamando la regularización del uso de la IA para proteger sus derechos de autoría y laborales.

Esta vez es el sector del cine de animación el afectado, a través de uno de los estudios de animación más importantes del mundo. “Todo robo cometido por OpenAI debería molestarnos por igual, pero el caso de Hayao Miyazaki es especialmente odioso, la obra que se ha comido su vida es un acto contra los atajos tecnológicos, es artesanía militante”, escribió en Bluesky el cineasta Nacho Vigalondo. “No es otra baratija para que hagáis carteles de carnaval, FUERA”, añadió mostrando su rechazo el director de Daniela Forever y Colossal.

“Que durante estos dÍas las redes se hayan inundado de imágenes generadas con IA con el aspecto de la obra de Miyazaki hace que se normalice la utilización de una tecnología que está destruyendo la industria creativa a escala global y que es un desastre medioambiental en sí misma”, escribió en la misma línea el dibujante y animador Iñigo Maestro, que recuerda: “Lo que ha sucedido con Miyazaki lleva pasando más de dos años con diferentes artistas. A pesar de las quejas generalizadas de quienes nos dedicamos al mundo del arte, este asunto no ha tenido apenas difusión mediática fuera de los entornos creativos, hasta ahora”.

Después de haber afectado a otros tantos nombres, este ilustrador y diseñador gráfico comenta que “han afinado la tecnología para intentar imitar al estilo de un artista muy concreto, que además de ser muy querido y respetado por una audiencia mucho más amplia, su filosofía de vida y obra, profundamente activista con los derechos humanos y la naturaleza, chocan frontalmente con las nocivas prácticas de estas empresas”.

La ilustradora Medusa Dollmaker fue otra de las voces críticas con lo sucedido, a lo que se refirió como “triturar” el trabajo de Ghibli: “Hacerlo para vomitar memes es una traición precisamente a lo que representa el estudio y el que siempre ha sido su mensaje: valorar los recursos, la naturaleza, las pequeñas cosas y las actividades creativas”. La artista afirma que quienes usaron los filmes de la institución liderada por Miyazaki “para esta mierda no han entendido su mensaje y les importa un pito. Solo quiere medrar para normalizar la IA, de forma que puedan monetizar un producto que nadie ha pedido. De tratar de generar una necesidad que ya estaba cubierta y solo está consiguiendo llenar internet de ruido vacío”.

La gente que ha usado los trabajos del estudio de Miyazaki para esta mierda no ha entendido su mensaje y no le importa un pito. Solo quiere medrar para normalizar la IA

Medusa Dollmaker — Ilustradora, artesana y joyera

El propio Hayao Miyazaki fue crítico con la IA hace años, en unas declaraciones emitidas en 2016. “Estoy muy disgustado. Si de verdad querés hacer cosas espeluznantes, adelante. Yo nunca incorporaré esta tecnología en mi trabajo. Para mí esto es un insulto a la vida misma”, expuso el director japonés.

“La gente lo ve como un juguete, una oportunidad incluso para quien de repente se cree artista”, critica David Rubín, que incide en recordar que, al hacerlo, “se eliminan las preguntas que se hacen a la hora de crear”. “No nos estamos dando cuenta de lo que se pierde. Lo que nos hace humanos es nuestra capacidad de crear y emocionar”, recuerda, además de advertir sobre las implicaciones económicas: “La IA es el sueño húmedo del turbocapitalismo. Un robot que no se queja, que puede estar trabajando 24 horas los siete días de la semana”.

La IA es el sueño húmedo del turbocapitalismo. Un robot que no se queja, que puede estar trabajando 24 horas los siete días de la semana

David Rubín — Ilustrador

Aun así, recuerda que, pese a la falsa apariencia, “tampoco sale barato, a nadie. Cada imagen consume litros de agua y electricidad. Es un ataque tremendo a la ecología y a los recursos para hacer cosas que no valen nada”. “Se está denigrando la profesión de una manera muy alegre, con una, no me gusta llamar herramienta, que usa el trabajo de autores profesionales, y encima el resultado es una horterada”, critica Mieria Pérez.

David Rubín comenta que “están fomentando todavía más su uso y el perjuicio que está causando, y poniéndose al nivel de gente como Donald Trump que usa la cuenta oficial de la Casa Blanca para lanzar mensajes racistas usando imágenes hechas con IA”. Iñigo Jiménez valora que cuando entidades con mayor poder de comunicación hacen uso de estas herramientas “muchas veces no son conscientes de lo que pueden provocar”. “En vez de animar a que la gente consuma, contrate o apoye el trabajo de los artistas, está ayudando al hecho de que perdamos ese aspecto fundamental del ser humano a favor de que lo haga una máquina”, expone.

Qué hacemos con la IA

La solución a este debate en torno a qué hacer con una tecnología que, desde hace ya tiempo, parece haber llegado para implantarse, aunque todavía no se haya decidido bien cómo regularla, no tiene por qué pasar por condenarla, rechazarla por completo ni cerrar los ojos como si no estuviera ya instaurada como una realidad.

El animador Nacho Subirats opina que el uso de la IA puede ser “interesante” si se “genera de un modo responsable” y para llevar a cabo labores “más mecánicas”, como “rellenar de color cada uno de los 24 fotogramas del que se compone un segundo de animación”. Tareas que define como “más aburridas, menos complejas, por las que todos hemos empezado y que beneficiaría en cuanto a rapidez, pero que en realidad como artista no suponen una amenaza”.

Basándose en su propio ejemplo con la laureada Robot Dreams, por la que optaron al Oscar a Mejor película de animación, indica que de haber sucedido algo parecido a la tecnología usada para imitar a Studio Ghibli aplicada a su película, “no significa que pueda hacer una obra” como la suya, “que involucra no solo un guion excepcional como el de Pablo Berger, sino un montón de artistas uniendo fuerzas para sacar adelante algo que luego se transmite más allá de la propia obra”. “Como lo que hace el gran maestro Mizayaki, que no solo es una imagen bonita, sino una profunda necesidad humana de contar una historia desde un lenguaje artístico propio”, argumenta.

Sustituir (o no) las mentes creativas

Más allá de la exigencia de una regulación del uso de la IA, y de la “pena” por comprobar que posibilitar el uso masivo de una herramienta como la que ha plagado las redes de imágenes imitando a Ghibli, Mireia Pérez defiende que, independientemente de su popularidad, tienen un límite. “Se puede ocultar, denigrar, empeorar o minusvalorar, pero no sustituir. Una IA nunca va a sustituir el trabajo de una mente creativa, pero atenta contra los derechos de los profesionales. Porque la gente no lo tiene en cuenta, al contrario, se suben en la ola de la IA como si esto fuera a revolucionar el mundo. Y no lo va a revolucionar, esto es un cutrerío”, sentencia.

Sobre la 'convivencia' con la IA, el animador Nacho Subirats se muestra “optimista”, ya que confía en que “la industria se acabará ajustando a esta 'técnica' sin dejar de lado a creadores y artistas que añadan ese valor humano que tanta falta hace hoy en día”.