Durante este año 2025 se cumplen 30 años del estreno de Antes del amanecer (Before Sunrise), una película que, lanzada en 1995, sigue resonando como un hito del cine romántico. Dirigida por Richard Linklater, esta obra no se encuadra como una comedia romántica convencional, sino como una exploración pura y encantadora del romance y un encuentro fugaz que desafía las convenciones. Su impacto y la forma en que cautivó a generaciones de espectadores la consolidaron como una película de culto. Un gran éxito que empujó a sus responsables a acometer el proyecto de dos secuelas más de la primera parte de la trilogía.

La premisa de Antes del amanecer parece a priori muy sencilla pero es profundamente cautivadora. La historia comienza con Céline (Julie Delpy), una estudiante francesa, y Jesse (Ethan Hawke), un joven estadounidense que viaja por Europa tras una ruptura amorosa, quienes se conocen fortuitamente en un tren con destino a París. Al llegar a Viena, donde Jesse debe bajar para regresar a su país al día siguiente, él logra convencer a Céline para que pase la noche con él en la ciudad. Durante esa única noche, la pareja se sumerge en una serie de conversaciones íntimas, explorando temas profundos como la vida, la muerte y el sexo, mientras deambulan por las calles vienesas.

El contexto de 1995 es crucial para entender la dinámica de la película. A diferencia de hoy, los teléfonos celulares eran apenas incipientes, Google no existía en su concepción actual y las redes sociales eran inimaginables. Esta ausencia de distracciones digitales permitió que la interacción entre Jesse y Céline floreciera de manera orgánica, propiciando un “milagro momento a momento” de conexión sin la interrupción constante de pantallas o selfies de Instagram. Aunque Céline no era una estudiante Erasmus, ni Jesse europeo, la película se inserta en una Europa en expansión y el optimismo de los programas de movilidad juvenil, como el programa Erasmus, que ya existía desde 1987.

Viena emerge como un personaje esencial en la narrativa de la película, más allá de ser un mero telón de fondo. Rodada con un estilo directo y realista, la elección de la capital austriaca para la filmación fue inicialmente por motivos económicos, tras la financiación obtenida del Vienna Film Financing Fund. Sin embargo, la ciudad se integra narrativamente a la historia, invocando un pasado nostálgico del Imperio austrohúngaro con localizaciones como el Monumento a María Teresa, el Museo de Historia del Arte y la vuelta al mundo del Prater. Incluso se rinde homenaje a la cinematografía con un paseo por Schreyvogelgasse, la calle donde Harry Lime aparece en El tercer hombre, aunque la Viena de la película de Linklater se desmarca de la Viena de posguerra de aquel filme.

El encanto perdurable de Antes del amanecer radica en su exquisito diálogo y la maestría con la que maneja la tensión romántica no resuelta. Linklater evita las trampas comunes de los dramas románticos, prescindiendo de peleas dramáticas, revelaciones catárticas o mentiras que necesiten perdón. En cambio, la película se deleita en la conversación ininterrumpida y las sutilezas de una atracción floreciente, como se evidencia en la escena de la cabina de la tienda de discos o en la vuelta al mundo, donde un beso sella su conexión, pero la tensión sexual sigue elevándose con elegancia. Es una celebración “encantadora y nostálgica de la juventud, el tiempo y los momentos de conexión”.

Esta película no es solo una historia de amor en una noche, sino la primera piedra de una trilogía cinematográfica única e imprescindible: la “Trilogía Before”. Continuada por Antes del atardecer (2004) y Antes del anochecer (2013), la saga se distingue por su innovador enfoque de seguir a los personajes en tiempo real, con intervalos de nueve y dieciocho años entre cada entrega. Esta progresión permite al espectador crecer y evolucionar junto con Jesse y Céline, presenciando la maduración de su amor y las complejidades de su relación a lo largo de décadas.

El poder de los diálogos

Un análisis más profundo de la trilogía, y en particular de Antes del amanecer, revela una estructura que se alinea con la dialéctica hegeliana de tesis, antítesis y síntesis aplicada a las relaciones. La primera película, con el enamoramiento y la “unidad indiferenciada” de Jesse y Céline, representa la tesis. La separación de nueve años y el posterior reencuentro en Antes del atardecer, donde se explora la “desunión diferenciada”, actúa como la antítesis, reflejando la recuperación de la autonomía individual. La “unidad diferenciada”, alcanzada al final de la segunda película, representa la síntesis, donde la pareja encuentra un equilibrio a través del respeto y el aprendizaje, aunque la dialéctica es un proceso circular y en constante evolución.

Tras tres décadas de su lanzamiento, Antes del amanecer trasciende su momento histórico y cultural. Su legado radica en ser un romance fugaz, una exploración de la libertad y el equilibrio en el amor, y una demostración del poder del diálogo y la actuación. Con Richard Linklater en la dirección y las brillantes interpretaciones de Julie Delpy y Ethan Hawke, la película se ganó un lugar especial en la historia del cine, no solo por su belleza y profundidad, sino por ser el inicio de una trilogía que filma la evolución del amor en tiempo real, manteniendo su fuerza y atractivo a pesar del paso del tiempo y los profundos cambios en el mundo.

Les Barbares, la nueva película de Julie Delpy (la Céline de la trilogía de Antes del amanecer) que se estrenó en Argentina en BAFICI, arranca con una premisa muy simpática: un pueblo francés se postula para recibir refugiados ucranianos, pero los ucranianos están en “alta demanda” en Europa, de modo que Joëlle, la maestra de escuela progresista detrás de todo este trámite (encarnada por la propia Delpy) organiza para que les envíen una familia de sirios. No estoy spoileando nada, todo esto se sabe en los primeros minutos de la película.

El corazón del film, entonces, no es tanto la decepción inicial de los franceses con la familia ni blanca ni europea que les toca recibir, sino las minucias de la dificultad de esa convivencia, para unos y para otros.

En una época en que la palabra empatía está en proceso de rehabilitación, después de los excesivos manoseos sufridos a manos tanto de sus detractores como de sus militantes, Delpy decide hacer una película que se trata exactamente sobre eso.

El caso que arma, además, está bien pensado: la familia siria que llega está compuesta por profesionales de clase media (un padre arquitecto, una hermana médica, un abuelo poeta), cuyas costumbres no colisionan particularmente con los del pueblo que los recibe. Nadie puede argumentar ningún “conflicto de valores” en esa familia perfectamente dispuesta a mandar a sus chicos a la escuela pública y a trabajar en los negocios locales en los términos que les ofrezcan. Sus vidas fueron, obviamente, surcadas por la tragedia, pero no piden que nadie les tenga lástima ni quieren presentarse como protagonistas de nada: de hecho, tantas ganas tienen de parecer “normales” que es Joëlle la que, luego de un par de incidentes entre los refugiados y algunos habitantes del pueblo, decide proponer que hagan una presentación de su historia para mostrarle al pueblo que no son intrusos ni aprovechados, sino gente que viene de una situación desesperada.

La escena en la que esta familia siria tiene que contar su persecución y huida con un powerpoint escolar es quizás mi favorita: es muy sutil, tiene muchos niveles. Los sirios se sienten claramente avergonzados de tener que hacer ese circo de la víctima; sobre todo, quizás, el padre de familia, que quiere ser respetado como arquitecto, como un profesional que puede sostener a su familia, y en cambio tiene que verse reducido a contar lo mal que la pasó para ver si mostrándose así, dañado y vulnerable, logra que dejen de destrozarle las cañerías, acusarlo de ladrón o dejarle pintadas en la casa.

Es algo humillante, entonces, la situación, pero hay que decir que Joëlle logra su cometido; vemos en la escena los rostros emocionados de la misma gente que, hasta hace un instante, miraba a los nuevos habitantes del pueblo con desconfianza. A veces la gente odia, es cierto, parece decir la misma película, pero a veces sencillamente necesita que le cuenten.

Es interesante, también, que la película ponga en el centro un gobierno local. Esta decisión le permite, por un lado, aventurarse hacia una estética y un humor cercanos a los de The Office o Parks and Recreation, reírse de los simulacros y el vacío de las pequeñas burocracias; pero sobre todo permite que las relaciones entre los refugiados y los ciudadanos que los reciben sean tanto institucionales como personales.

En París o en Londres una familia de refugiados es un número; el funcionario que los recibe no se los cruza en el almacén todos los días, como pasa en este pueblo. Pienso que hay algo de esta instancia, la de la pequeña alcaldía, que es muy productivo para pensar en la intimidad y lo político, y también en la relación entre la responsabilidad colectiva y la individual. Un pueblo tan pequeño no permite lavarse las manos, no permite pensar que da igual lo que yo haga como individuo, lo importante es lo que sea que hagan el Estado y el poder; y a la vez, la película tampoco es libertaria, en el sentido de pensar que lo único importante es la acción de los individuos. Les Barbares entiende el tándem necesario entre sociedad civil y Estado; entiende que nada se puede hacer sin papeles y ciudadanías, sin recursos económicos y políticos para solventar la vida de los refugiados, pero que eso no hace que dé igual si a nivel individual los ciudadanos no colaboran.

En el sentido de esto último, Les Barbares es una película algo ingenua. Lo digo, quizás, como un halago. Me resultó esperanzadora la idea de que la esfera de lo individual y la de lo político pudieran remar para el mismo lado; quizás, de nuevo, el contexto de un gobierno local de un pueblo pequeño en el que quienes toman las decisiones se conocen por nombre con quienes sufren sus consecuencias es un contexto demasiado específico. Quizás es, en esa situación, en que la empatía puede desplegar todo su potencial político; puede que justamente el desafío, o la desventaja, sea hacer que las personas empaticen con gente que muchas veces no conocen, que por las vidas segregadas que llevamos hoy sobre todo en las grandes ciudades jamán van a llegar a conocer. Puede que haya sido eso lo que hizo que el concepto de empatía perdiera su poder, el intento de hacerlo funcionar más allá de los límites de un pueblo o un barrio pequeño; quizás es eso lo que hizo que la gente se cansara de la globalización, lo que llevó a tantos politicos y ciudadanos hoy a volver a relatos “antiglobalistas”.

Y tal vez por eso mismo lo que es esperanzador de la película es también devastador: la sensación de que esa empatía política que se ve bella y posible en el pueblito francés que se inventa Julie Delpy es inalcanzable en el mundo globalizado en el que vivimos todos los días.

TT/MF