Una madrugada en el barrio de Arroyito, llega a mis manos un ejemplar de Un crimen argentino de Reynaldo Sietecase. De manera inesperada, en una fiesta de cumpleaños, el periodista Roberto Caferra me relata el argumento, me recuerda el caso y promete que, al final de la fiesta, va a regalarme una copia. Pasadas las 2 de la mañana, bajamos veinte pisos por el ascensor de una torre ubicada en el corazón canalla, llegamos a la calle Luis María Drago, a escasos metros del Gigante de Arroyito y, bañados por la luz del tungsteno, casi a modo de trapicheo, me entrega en ese libro la posta de un tesoro. La noche es un cobijo incierto. Cabe en las palmas de mis manos una historia fúnebre y cruel. Tiemblo y me ilusiono por igual. Algunas horas antes me habían contado que Néstor Kirchner lo tenía como libro de cabecera. 

En la novela Un crimen argentino, Reynaldo Sietecase cuenta con genial agudeza narrativa la historia real del secuestro extorsivo, la desaparición y el asesinato de Gabriel Samid, empresario rosarino, miembro de una familia tradicional del sector comercial de la ciudad. Los hechos se suceden durante un bochornoso y húmedo diciembre de 1980, connotados por las fisuras institucionales, las escenas paramilitares y los riesgos de sobrevivir en un momento de violencia, en plena dictadura argentina. Un año antes de lo sucedido con el caso Samid, Jorge Rafael Videla responde al periodista Nacho López, en conferencia de prensa en Casa Rosada aseverando el terror: “Es un desaparecido, no tiene entidad. No está ni muerto ni vivo, está desaparecido... Frente a eso no podemos hacer nada”.

Clima epocal: “No todo se transforma. Hay cosas que desaparecen sin dejar rastros. Cuerpos que se borran para siempre”

Tomás Eloy Martínez contextualiza este libro en “la ya larga tradición de la novela policial argentina, Reynaldo Sietecase crea una variante inexplorada: la unión de la política con el thriller de terror”. La relación entre literatura y realidad en este desarrollo autoral es, en definitiva, la relación entre literatura, dictadura y política. De este modo, Sietecase no ajusta detalles realistas, aunque su don y sustancial trabajo para tal fin son evidentes, pero quiero detenerme en las construcciones ideológicas que organizan sobre los acontecimientos, los hechos históricos, sobre el pasado y la ciudad de Rosario. En sus formulaciones genera imaginarios y repertorios simbólicos inquietantes que a lo largo de las casi 200 páginas no queremos soltar. 

Relata uno de los homicidios más significativos de la historia criminal del país, en una novela de non-fiction donde aparece una ciudad de otro tiempo, con sus bares extintos, dispuestos sobre un tablero. Leemos cómo un cadáver acurrucado dentro de un tanque de fibrocemento se desintegra al ritmo de la acción inevitable del ácido sulfúrico, y se transforma en minerales. En todo el trayecto de lectura vemos una película, el guion concreto del cine negro, mientras el ácido libera “sus demonios sobre el desvalido territorio del cuerpo”. Durante el mes de agosto esta historia se estrenará en formato película, finalmente, como el propio autor anticipa en las primeras páginas, en un circuito premonitorio, diciendo que “sin cuerpo no hay crimen, se decía en Penal, como si se tratara del guion de una película”. 

Esta novela cinematográfica tiene como escenarios la Facultad de Derecho de la UNR, la cárcel de Ricchieri y Zeballos, un departamento de dos ambientes en calle Montevideo al 1500, la plaza Vicente López y Planes ubicada en pleno barrio Fisherton, el bar restaurant de minutas El Chaco, el Club Sirio Libanés, los bares Pico Fino, El Cairo, Paco Tío, Capri, y aquel ubicado en Italia y Córdoba. También delimita zonas urbanas como el Bajo, Fisherton, Tribunales, Boulevard Oroño, el Parque Independencia, la cárcel, sectores mercantiles como el Microcentro o calle San Luis, y también lugares cargados de otro tiempo como el zoológico municipal, el Museo Municipal de Bellas Artes, o largas escenas en el Museo Histórico Julio Marc, donde podemos leer al detalle la descripción preciosa de la biblioteca de Lisandro de La Torre. 

Los consumos y la coctelería connotan ciertos hábitos de los protagonistas: whisky, gin tonic, tabaco Colmena, Particulares etiqueta negra, Rohypnol, cocaína, Trapax y Lexotanil; aparecen como ristras de sabores y rosarios de emociones. Más “vicios”: los burros, las putas y los cabarulos. El relato avanza con una tenebrosidad cargada de incestos, torturas, muerte y violaciones, que rodea al protagonista asesino alquímico. El baño de ácido fijo lleva a la mineralización de los componentes biológicos y orgánicos, y así a la mineralización del producto del digesto. La alquimia para uso criminal: para la digestión de la materia orgánica, en este caso el cuerpo del secuestrado. El protagonista asesino, Mariano Márquez, activa en su memoria un ejercicio retrospectivo de su crianza, con una madre fanática de Evita, una tía bailarina “alternadora”, un padre milico violento, y ciertas andanzas libertinas entre amigos del barrio.

Las novelas al cine 

Es un buen momento en el que grandes novelas y textos viajan al lenguaje audiovisual. Tanto la industria del cine como las plataformas impulsan notables obras nacionales que seguramente tendrán alcance global. Bahía Blanca de Martín Kohan, recientemente estrenada, es la ópera prima del director Rodrigo Caprotti. La película de El salto de papá, adaptación del libro homónimo de Martín Sivak, llegará en 2023 a la plataforma Paramount Plus, y tendrá como protagonista a Rodrigo de la Serna. Mucha expectativa. Me atrevo a recomendar que, ante la adaptación de una novela, siempre es muy rico leer la novela, ver la película y luego volver a la novela. Se puede pensar la novela como el punto de partida de las películas, que siempre transfiguran el original y se vuelven otra cosa, un nuevo estímulo. 

Un crimen argentino llegará al cine el jueves 25 de agosto, luego estará disponible en HBO Max. Cuenta con un elenco de lujo integrado por Nicolás Francella, Matías Mayer, Malena Sánchez, con Luis Luque, Alberto Ajaka, Rita Cortese, César Bordón, y la participación especial de Darío Grandinetti. Basada en la novela homónima de Reynaldo Sietecase, es dirigida por Lucas Combina y producida por Juan Pablo Buscarini. El guion estuvo a cargo de Sebastián Pivotto, Jorge Bechara y Matías Bertilotti. Fue filmada íntegramente en Rosario, en los escenarios descriptos y elegidos para el desarrollo de la novela de Sietecase. Lean este libro glorioso, vean esta película total, en este orden, y vuelvan a leer el libro.

LS

Martín Sastre es un cineasta, performer y artista visual que ha recorrido el planeta con su obra, caracterizada por la sátira y la crítica al sistema del arte. Al mismo tiempo, ha definido una matriz de producción que toma lo íntimo, lo telúrico, lo amoroso, los ánimos latinoamericanos, las tradiciones y los íconos de la cultura pop, con tanta destreza como sensibilidad y refinamiento. 

Reviso su obra y vuelvo a disfrutarla: E-True Hollywood Story; The Martin Sastre Foundation; Nadia Walks with Me (2003)​; La mano en el fuego, videoclip de Fangoria (2004); Diana: The Rose Conspiracy (2005); Kim x Liz; Latins Do It Better, Madonna Meets Sor Kitty (2008); ¿Qué pretende usted de mí? Mensaje de la Argentina al Fondo Monetario Internacional, protagonizado por Isabel Sarli (2009); Miss Tacuarembó (2010); U from Uruguay (2012); Nasha Natasha (2020). Actualmente está en producción su próximo film, El ángel.​ 

Viajo especialmente a Montevideo para conversar con él durante una hora. Me invita a reunirnos en la casa de su abuela Lala, ubicada en el centro histórico de la ciudad. Para no distraer la charla sólo acepto un vaso de agua. No estoy dispuesta a mostrarle mis apuntes que guiarán nuestro diálogo para no apabullarlo, para que no sepa que sé tanto de él, para mantener mi dignidad alejándome del albañal de groupie en el que me siento. Me concentro en sus obras emblemáticas para que la batería de preguntas pueda ofrecer el espesor de su subjetividad y la armazón de sus ideas. En esta charla se hilvana una cosmografía alucinante, en la que emergen, entre otras cosas, su antepasado Marcos Sastre, nuestras amistades en común con la reina Topacio Fresh, los proyectos vigentes que abren un nuevo modo de operar en política, y el futuro. 

Sastre de ilusiones, ficciones y documentos

En 2010, filmó su primer largometraje titulado Miss Tacuarembó, basado en la novela homónima de su compatriota Dani Umpi, editada por Blatt & Ríos. Con Natalia Oreiro como protagonista, tanto en este film, como más tarde en Nasha Natasha, se vislumbra la luz vaporosa que —intuyo— trae de las faldas y ropajes en las pinturas de Figari. Sastre confirma que es referencia en su repertorio infantil, de su primera formación pictórica.

Luego vendría U from Uruguay, obra que incluye un video, un perfume artesanal y un fondo para artistas contemporáneos. Esta obra logró popularizarse como “El perfume del Pepe” ya que la fragancia fue creada con esencias extraídas de flores cultivadas por el otrora presidente de Uruguay, José Mujica. 

La primera fase de la obra fue la creación del video U from Uruguay, estrenado el 22 de noviembre de 2012, en la Primera Bienal de Montevideo. La fragancia fue realizada pocos meses después, utilizando chircas, crisantemos y hierbas silvestres autóctonas de Uruguay que el artista cosechó junto al expresidente y su esposa, la senadora Lucía Topolansky, en su charca del Rincón del Cerro. Lo telúrico abraza el pop político con ironía y charm. La fase final del proyecto consistió en la subasta del perfume, durante la Bienal de Venecia en 2013, para que un 90% fuese destinado a la creación del primer Fondo Nacional de Arte Contemporáneo de Uruguay, a favor de artistas latinoamericanos. 

En 2015, durante la primera Bienal de Performance en Buenos Aires, el día 1 de mayo, Sastre realizó una acción titulada Eva: Volveré y seré performer. Durante un minuto, 300 personas —entre las que se encontraba la artista Marina Abramović— pudieron ocupar el mismo lugar que Eva Perón ocupó en el balcón de Casa Rosada, desde donde dio su último discurso, el 1 de mayo de 1952. 

Nasha Natasha es un documental que registra la gira por Rusia de la actriz y cantante Natalia Oreiro. Se pre-estrenó el 27 de junio de 2016, en la sección “Documental” de la 38.ª edición del Festival Internacional de Cine de Moscú. Su estreno mundial fue el 6 de agosto de 2020, a través de la plataforma Netflix.

En el videoclip “La mano en el fuego” creado para la canción homónima de Fangoria, incluida en el álbum Arquitectura efímera del 2004, hay una escena que funciona como preámbulo: se lo ve a Sastre de espaldas, sollozando como un niño, abrazado a una Rana René impávida. Ante los llantos del Martín purrete, se corporiza la célebre Alaska encarnando a Olvido, un hada preciosa y multipagana, quien ofrece su regazo para cobijarlo. En un intercambio cándido, con un fulgor etéreo y glam propio de la plástica de Sastre, los dos tienen un diálogo que bien podría ser una declaración de principios:

Olvido: —Pero, ¿por qué lloras, pequeño súper-pobre? 

Sastre: —Lloro por esos bajos presupuestos, Olvido. Así nunca podría hacerte un clip como los de Kylie, nunca. 

Olvido: —Cariño, el poder del pop está contigo. Ningún súper-presupuesto podrá detenerte, jamás. 

Sastre: —Pero, ¿cómo puedo luchar contra esas maléficas superproducciones, que van y vienen en mi mente? 

Olvido: —Simplemente pide un deseo y ya verás que aparecerá tu clip interior. 

Se introduce así la canción y el resto del video, que sucede en la Sala Cool y en el Palacio Linares de Madrid, mientras emergen referencias a Kitty, los Muppets, V Invasión Extraterrestre, Michael Jackson, Madonna y U2.

Las tradiciones pop en las fantasías rioplatenses

A lo largo de su trayectoria, mediante ese corpus enorme y singular que es su obra, Martín Sastre define un misticismo pop, en el que traduce ciertos ejes declamatorios a favor de los derechos de los artistas, desde un lugar amoroso y tierno, pero no por eso menos alejado de la justicia social. Sus producciones están ancladas en su deseo como artista pero, al mismo tiempo, abren a la colectivización de sus ideas. Le pregunto si a lo largo de su historia como artista, con 25 años de trayectoria, se propuso como eje la práctica colectiva, a lo que Martín responde: 

Sí, sí, ¡wow! ¡Qué loco, 25 años! Supongo que el tema de la conciencia colectiva tiene que ver con el momento donde yo crecí, en los 80 en Uruguay. A principio de los 80, se volvía a la democracia, era un momento de soluciones colectivas, pensar en lo colectivo era fundamental. No existían las soluciones o las salidas individuales. Fui a escuela pública, nos nucleábamos gente de todos los entornos posibles, de todos los que te puedas imaginar, viniendo de historias totalmente distintas, y todos éramos amigos y amigas. De hecho, ahora cuando empecé a recuperar la casa de mi abuela, la primera reunión que hice fue con mis compañeros de escuela, que seguimos siendo amigos. Y todos tienen trabajos y vidas totalmente distintos, y seguimos siendo amigos. Creo que es algo que siempre sentí de esa forma: como pensando en lo colectivo, o como aportando desde mi experiencia a los demás. En mi trabajo, esa entropía la vuelco como un camino de ida y vuelta. Lo que yo recibo, lo devuelvo.

Otro color que aparece, tanto en su obra como en su manera de estar, es el cambio de escala de sus problemáticas. Se mueve sin saltos abruptos ni contrastes altisonantes. Se da naturalmente en su modo de estar ante los fenómenos que produce, y en cómo los pone a circular: bailar tango con Obama, o hacer creer esta ficción de que Lady Di está entre nosotros, acá rioplatense, y que se pone de novia con Washington, que vendría a ser el mismo artista, ya que tiene un look muy Martín Sastre. Va de la experiencia más íntima, personal y nimia, a los registros del mainstream, sin distancia. Conexos mecanismos que achican distancias y promueven la cercanía con el otro. En sus propias palabras, “la entropía”. Pienso en el vaivén propio de la banda oriental, en los ejercicios de “aproximación y distancia”.  Martín reflexiona al respecto: 

Tanto los videos como las películas tratan sobre eso, sobre romper las barreras con el otro y generar un vínculo de polos o personas que parecen estar en lugares totalmente opuestos, o personas que están en lugares que parece imposible tratar de hacer algo, ¿y por qué no? Y por qué es imposible, porque estoy en Tacuarembó, por ejemplo. Entonces sí, hay como una búsqueda hacia demostrar que lo imposible es posible. También creo que tiene que ver con mi propia experiencia vital, porque yo viví cosas delirantes que todo el mundo me decía que eran imposibles… y que después de que las vivís, se normalizan.

El repertorio visual que emerge en su trabajo tiene que ver, por un lado, con lo territorial, como “El Hongo” de Tacuarembó, ese objeto de hormigón que no se sabe cómo resistió erguido en la sequía de la Corriente del Niño, en 1997. Por otro lado, se vincula al universo más hegemónico de las imágenes de la cultura pop. Sastre comenta: 

Creo que también todo pasa por un filtro, que tiene que ver con mi propia formación. Tengo una formación muy ecléctica, en el sentido que… me crie en esta casa, que es como si fuese, no sé, como una casa europea, con estos muebles y con estas  las porcelanas. Al mismo tiempo, vivía una realidad latinoamericana, salía a la calle y de repente había gente en la calle, una dictadura, cuando yo era chico. 

Soy muy uruguayo porque un poco bebemos de todas esas culturas, y no es que nuestra cultura no esté marcada, al contrario, el Río de la Plata tiene una cultura muy fuerte, pero tiene que ver justamente con el tema de estar abiertos a otras culturas… Somos una cultura que se enriqueció con las corrientes migratorias de principio de siglo XX, entonces estamos acostumbrados… Como ahora: está llegando un montón de gente de otros lados y estamos abiertos.

Sastre asevera que ese lugar de la sátira refinada, de aquellos humoristas, ha incidido en su modo de producir y de estar en el arte. Ese cariz aparece en su trabajo con ternura, es corrosivo y a la vez acogedor

En cuanto a sus referencias pop, y específicamente en Uruguay con autores, colegas y amigos como Natalia Oreiro, Dani Umpi o el Pepe, ¿cuál es su tradición en relación con el arte, el cine y la cultura uruguaya? 

Empecé a fijar mucho en la cultura uruguaya cuando tenía 13, 14 años y a descubrir todos los movimientos artísticos de principio de siglo XX, a los escritores, sobre todo Roberto de las Carreras, que fue el primero que descubrí. A partir de él, empecé a descubrir a Delmira Agustini, Juana de Ibarbourou, a los poetas y a los filósofos… Vaz Ferreira, Horacio Quiroga, Florencio Sánchez. A partir de ahí, empecé a ponerme en contacto con esa gente y a entender que de alguna forma yo estaba vinculado con ellos… Había como algo medio finisecular que me hacía sentir conectado con ellos.

Me acuerdo de pasear por la ciudad vieja e ir a los lugares donde ellos vivían, e imaginarme cómo sería… Hacía mucho eso, me escapaba de repente de clase, del liceo, y me iba a caminar por la ciudad vieja, a ver museos, y me imaginaba la vida de estos personajes, esa vida como de cafés… Además, una ciudad llena de inmigrantes de distintas partes del mundo, el zapatero era polaco, el almacenero era español, confluían un montón de culturas, y generaron cosas como el tango, que son de un peso brutal a nivel mundial. Por eso, siempre conecté mucho con esa parte. 

Después, a nivel cinematográfico, si bien Uruguay siempre fue un país muy cinéfilo, no producía cine. Te diría que soy una de las primeras generaciones que empezamos a hacer cine en forma de pregunta ¿cómo que se puede hacer cine? Entonces, no te sabría decir un referente cinematográfico nacional, pero sí me marcaron mucho los programas de humor de la televisión… Te acordás, por ejemplo, de Enrique Almada, Ricardo Espalter, Eduardo D’Angelo, Andrés Redondo, Berugo Carámbula y Julio Frade.

Sastre asevera que ese lugar de la sátira refinada, de aquellos humoristas, ha incidido en su modo de producir y de estar en el arte. Ese cariz aparece en su trabajo con ternura, es corrosivo y a la vez acogedor. 

El poder político del pop

En el presente, Sastre continúa recibiendo las oleadas que deja Nasha Natasha, ya que le fue muy bien en Netflix y tiene notable repercusión a nivel masivo:

Les gustó a los hombres, a las mujeres, a los chicos, a los grandes, a todo el mundo, entonces me ofrecieron hacer muchas cosas. Por primera vez no tengo que estar yo gestionando todos los proyectos. Es un nuevo camino, estoy trabajando en una película, en una serie. 

Está concentrado en una obra nueva, que excede al sistema del arte y que tiene como base de operaciones la casa de su abuela, lugar en el que nos encontramos. Me atrevo a contarle los antecedentes cercanos que tenemos, a propósito de trabajar con la casa de nuestras abuelas: el caso de Gabriel Baggio, con su proyecto Nieto ejecutado en el 2002; el mío del 2003 llamado Domínguez Dentrecasa; el de Verónica Gómez llamado Casa Museo realizado entre 2003 y 2005. En el caso de Baggio, quien en sus proyectos sostiene dinámicas que se detienen en los oficios extintos, aborda en detalle los mosaicos que funcionan como epidermis o velo, recreando nuestra memoria y alimentando las superficies de biografías populares. Todos proyectos en los que la arquitectura afectiva y social define un nuevo modo de comprender las prácticas artísticas contemporáneas ante las emergencias institucionales.

Sastre propone una batería de soluciones estatales e instrumentos legales para preservar lugares de la vida doméstica en Montevideo. Sitios que van rumbo a desaparecer, fruto del boom inmobiliario. Las demoliciones de casas unifamiliares, para construir edificios horrorosos, están destrozando gran parte del casco histórico de esa ciudad, como de tantas otras. Así sucede con una propiedad lindera a la casa de su abuela, ubicada en la calle Carlos Quijano. En esta casa vivían muchos miembros de su familia, y su abuela, médica generalista, tenía su consultorio de atención clínica, lo que ocasionaba que muchos vecinos la visitaran a diario. El artista se pone las botas de la militancia cultural, se propone encontrar un anclaje en el presente de la tradición que viene con toda esta casa, tanto a nivel familiar y afectivo como cultural, por lo que reflexiona y me cuenta:

¿Cómo hacemos para mantener este tipo de construcciones, que no las tiren y hagan unos edificios horribles? Se está plagando el centro de Montevideo con esos edificios, como también pasa en Rosario, en Buenos Aires. Parece que es algo del Río de la Plata. Tenemos que encontrar una solución, porque nosotros somos esa cultura. Realmente el Río de la Plata somos países distintos, ciudades distintas, pero el Río de la Plata es una nación cultural. Lo que te define como nación es la cultura, y el Río de la Plata, Buenos Aires, Montevideo, es una nación cultural. De repente, hay otras provincias en Argentina que tienen una realidad totalmente distinta a la nuestra, pero la nuestra no es tan diferente y estas construcciones son el legado de quienes estuvieron antes que nosotros, y que nos dejaron este legado, que nos formaron. 

Ahora a mí me toca ver cómo hacer, primero salvar la casa de mi abuela y a partir de salvar la casa de mi abuela, salvar otras. Entonces estoy gestionando una ley para que se le dé beneficios a la gente, la Ley Lala, que como Lala, mi abuela, mantiene las casas con todo original, que no las tira, no hace un edificio... sino que les lleva mucho dinero mantener una casa como esta, entonces, cada cosa que hacés es una inversión. Ahora estoy en eso, hablando con las autoridades.

Con esa tradición amorosa, trabaja pensando el futuro. Antes de despedirme de Martín, con un abrazo, porque no sé cuándo volveré a verlo (la última vez que lo vi fue en 2006, en el Museo MACRO en Rosario, cuando Nancy Rojas y Eva Grinstein lo entrevistaron), le pregunto por el porvenir de su trabajo: 

En realidad, es bastante cómico que todas las obras que hice sobre el futuro, como la Trilogía Iberoamericana, hablaban de Montevideo como el centro cultural donde se cocían cosas… Y cuando empezó todo esto de la pandemia, que por suerte acá no fue tan virulenta como en otras partes del mundo, empezó a venir a vivir mucha gente acá. Todos los días me levanto y tengo reuniones por zoom, entonces, es interesante… el mundo que viene, cómo va a ser. Vamos a vivir un poco en esa inestabilidad típica de los años 20, tanto los años 20 de 1800, de 1900, siempre los años 20 es donde hay las turbulencias que van a marcar el resto del siglo. Hay que pensar que, de acá al 2030, hay que estar cuanto más agarrados a nuestras raíces, a las cosas que son de verdad, mejor. 

Hoy nos animamos a abrazarnos cortito y rodeo su buzo amarillo de Snoopy que lleva elegantísimo, para bañarme un poco de su polvo de estrellas.

LS

Al cobijo de los volúmenes introvertidos del arquitecto Samuel Flores Flores, me detengo en la antesala del temporal: una vez que nuestra vida quede arrasada por el agua, podré suspirar las primeras resolanas para que sequen las superficies húmedas en el país oriental. Resistimos las olas de calor al reparo de una araucaria excelsa. Ciertas temperaturas funcionan como incubadora con potencial de futuro y van llegando las buenas noticias de un año que recién empieza. 

Recibo novedades desde la ciudad embole, en la voz de Silvina Tamous, quien me cuenta que nuestra deidad enorme y generosa ha sido galardonada con el Premio Alfaguara. Ya se ha dicho en estas páginas, se ha anticipado que el cuerpo en un metro ochenta bajo la capa lúcida de Cristian Alarcón es un armador logístico de conocimiento erudito, político y pedestre. Él nos hace saber que “no hay triunfo, ni ganador, no hay regocijo del yo: me inunda el agradecimiento y la fe”. ¡Felicitaciones bienamado, te esperamos en las recovas de cada intimidad deseada! 

Ruta del mercado cultural

En pocos días vuelvo al tejido urbano de Montevideo, pero ahora me dejo arrastrar por parajes llenos de ternura y tedio, notablemente atemporales. Loló Bonfanti exhibe “De cómo las bestias podrían dejar de existir, incluso antes de haber existido” en la Galería de Pueblo Garzón y luego se mueve a la localidad de Abra de Perdomo, para exhibir su trabajo en la Cantina Mataojo. Espacios descentrados que, en el ejercicio de la vida rural slow, resuelven microcosmos arty ciertamente novedosos.

Agapantos ruteros como guirnaldas bordean el andar de pelotones coloridos de ciclistas. Desde Abra de Perdomo, bajo por la Ruta 104 rumbo a la costa, divisando un paisaje acuchillado, para detenerme en la Galería Xippas. Este espacio ideado por el galerista nacido en El Cairo, Renos Xippas, define un remanso pastoral, despejado. 

El galerista me recibe con su equipo, junto a Sofía Silva, directora de la sede uruguaya. Recorro las exposiciones de Marcos Maggi, Leandro Erlich y Rita Fischer. Sobre el final de la visita, conversamos al abrigo de una sombra fresca que me protege de la ola de calor bochornosa que padece Uruguay por estos días. Conversamos y Renos me cuenta sobre su amistad con Lucio Fontana, y se detiene especialmente en los tiempos en que se entrenó con Alexander Iolas, célebre galerista de quien recibió el saber, el oficio y el profesionalismo. 

Renos refiere que “las galerías de arte uruguayas se moverán todas a la 104”, en clara referencia a la ruta que evidencia una notable tendencia de circuito cultural, asociado a los desarrollos inmobiliarios de vilas campestres, donde las clases altas del cono sur están invirtiendo, escapándose de capitales como San Pablo, Buenos Aires, Montevideo. En el espacio solariego de su galería, cuenta que apoya la feria de arte “Estearte”. En su profuso y nutritivo anecdotario hay detalles suculentos, propios de quien conoce el mercado y los yeites de cada coleccionista: los argentinos son muy buenos compradores de arte, que lo visitan y que en el fanfarroneo compran artistas internacionales como Vik Muniz, con el clásico “deme dos”, y que en la feria le fue genial gracias a este espíritu bien rioplatense. 

En la misma traza, se está por instalar la Galería Sur y ya se perfila el flamante MACA con una notable programación. Los contrastes entre sus salas son tan evidentes como abruptos, entonces prefiero las tremendas exposiciones “Christo y Jeanne-Claude”, inédita en Sudamérica, y “León Ferrari: heliografías”. Imperdibles. 

En la primera, se vislumbra a un curioso Christo explorando, en sus “Packages and Wrapped Objects”, pequeñas esculturas bañadas de laca, pegamento o pinturas que resultaban objetos envueltos. Así se apropiaba de “cosas” que lo rodeaban: revistas, papeles, material en desuso. Más tarde, Christo empezó a experimentar también con envoltorios y a utilizar polietileno transparente, para que se pueda adivinar el contenido de sus objetos atados. En estos primeros trabajos se ve una instancia inicial de curiosidad que lo llevó, por ejemplo, a intervenir los zapatos de Jeanne-Claude, o el cochecito de su hijo. En los años siguientes, la dupla, envolvería objetos obsesión fetichista: revistas, bicicletas y teléfonos. La exposición presenta estos primeros objetos, así como una veintena de bocetos de las principales intervenciones que el dueto ha realizado en el paisaje extendido del globo.

La exposición “León Ferrari: heliografías” está compuesta por una serie de 27 grabados heliográficos de imágenes y figuras de Letraset (de transferencia en frotado), un medio utilizado ampliamente por diseñadores gráficos desde mediados de los años cincuenta. Estas obras fueron creadas mientras Ferrari se encontraba exiliado en San Pablo. Varían en orientación y tamaño pero todas son lo suficientemente grandes como para parecer planos arquitectónicos. En este corpus, el artista vence los sistemas de representación y, en esa apariencia de planos, organiza proyectos absurdos o imposibles.

Sale el sol

Llego al mar bajo la lluvia: manantial de agua dulce y paisaje brumoso del agua salada. Rodeo El Abrazo, El Chorro y el Balneario Buenos Aires, paso en silencio y temprano por la exposición de Nicola Constantino en Espacio Foto, en los altos Punta Piedras. Pronto el temporal anegará gran parte de la programación cultural de la zona. Recuerdo la apertura del JIIFF 2022 (José Ignacio International Film Festival) en medio de un diluvio, bajo el Vik Pavilion, rodeada de otros 300 curiosos que se deleitaron ante el último film de la dupla Cohn-Duprat, “Competencia oficial”, con la actuación de Antonio Banderas, Penélope Cruz y Oscar Martínez. 

Saco turno para ver el domo de James Turrell, ubicado en la Posada Ayana. El silencio esperado no llegó, no llegó nunca, aunque la obra sea altamente fotogénica. Estoy desorientada y tengo náuseas. 

Llueve y sale el sol ante un monte pequeño y achaparrado, en Casa Neptuna. El contraluz formula la silueta de una preciosa arquitectura de Edgardo Giménez. Dodoneas de escasa altura, espinas de la cruz, tunas, enredaderas y helechos forman el entramado denso que cubre la pendiente y el emplazamiento de un deseo. Se arraiga la duna, del mismo modo en que se erige el proyecto de Amalia Amoedo, quien ha creado y preside la Fundación Ama Amoedo Residencia Artística (FAARA). 

En Casa Neptuna me recibe Violeta Mansilla, quien relata los orígenes de este proyecto, así como la perspectiva de futuro y las miradas estratégicas para la comunidad artística en Latinoamérica. Violeta me cuenta sobre el armado de redes de trabajo y sensibilidad donde confluyen nombres como Federico Cantini, Fer Laguna, Gabriel Baggio, Virginia Negri, Celina Fuster, Maxi Rossini, Adriana Bustos, Dani Umpi y Martín Sastre. 

Un espacio con múltiples alianzas

Innova es un espacio ubicado frente al rugido del mar, en la zona de Manantiales. Su directora, Nuria Kello, cuida cada detalle de la organización, que se dedica a dar a conocer la obra y promover la circulación de artistas uruguayos y de la región. Violeta Mansilla aquí nuevamente es gran maestre y productora en abrazo amplio al territorio oriental. Gracias a estos modos de asociación, Violeta anticipa que entrado febrero presentarán “El chiringuito de Hoco Huoc”, muestra y gracia performática, salón merendero, atardeceres de playa, un armado que cuenta con la idea, el concepto, la atrapante decoración y el show de Hoco Huoc, y también con invitados especiales como Maxi Rossini, Dani Umpi, Pablo Speranza. 

Converso con Maxi Rossini quien me cuenta que a partir de la invitación del artista Hoco Huoc, La Pionona viaja al Uruguay, instalando su cocina-atelier para homenajear a sus autores más admirados de la República Oriental del Uruguay, entablando un diálogo entre artistas de Santa Fe con este país. En silencio de beberán los elixires de Gin La Salvaje del Litoral.

El viernes 28 de enero, en este mismo espacio ha quedado inaugurada la exposición “Perfume promisión” de la artista Inés Beninca, oriunda de Rafaela, provincia de Santa Fe. Esta exposición es su primera muestra individual en Uruguay y está producida por Líquido, un proyecto itinerante de gestión autónoma dirigido por Valentín Benoit, que tiene a Montevideo como base de operaciones. Esta vez, Líquido establece una alianza con Espacio Innova. “Perfume por omisión” propone repensar los tiempos de la pintura, como también los tiempos personales, generando cruces con la pintura histórica y el ámbito doméstico.

LS

La ciudad de Santa Fe recuperó su tradicional Salón Litoral. De esta manera, pone fin a una larga pausa de 41 años desde la última edición de los salones anuales municipales, en los que se conformó buena parte del patrimonio artístico que resguarda el Museo Municipal de Artes Visuales Sor Josefa Díaz y Clucellas. La muestra reúne obras de 30 artistas de todo el país, seleccionados entre 227 que se postularon durante una convocatoria abierta. Se entregaron: el Premio Adquisición a María Paula Massarutti, 5 premios estímulo y 3 menciones honoríficas. Los organizadores se han detenido a pensar e idear un proyecto de gestión cultural pública atento a las demandas del sector de las artes visuales. Por un lado, buscan incrementar y preservar el patrimonio artístico santafesino, y por el otro, fundamentalmente, dar respuesta al estado de emergencia en que se encuentran les artistas visuales autogestivos. 

En cuanto al tradicional Salón Nacional de Rosario, que cumple ya su 74° edición y tiene lugar en el Museo Macro a la vera del río marrón, podemos decir que también atendió al posicionamiento de la comunidad artística, ajustando sus criterios de premiación a la coyuntura. El Salón Nacional de Rosario se formula como una plataforma expositiva cuyo objetivo es hacer visibles producciones, procesos y circuitos propios de las prácticas artísticas contemporáneas. Desde sus orígenes, es la instancia más importante del Museo Castagnino+Macro para enriquecer su patrimonio, a través de dos premios adquisición: Premio Salón Nacional de Rosario y Premio Colección. Recíprocamente, el Salón promueve y apoya a artistas de distintas trayectorias que se encuentran en pleno desarrollo de sus proyectos, así como también es ocasión de reconocimiento para autores de todas las generaciones. 

El Gabinete tiene como objetivo propiciar la construcción de un patrimonio significativo, plural y diverso que aborde problemáticas y debates actuales, que sea sensible a los cambios y transformaciones sociales. Para esta sección, se convocó en esta oportunidad a Maximiliano Masuelli como curador de la exposición de Orlando Belloni. 

Respecto al Premio Colección, a partir de esta edición, el Museo y la Fundación Castagnino propusieron una innovación: la opción de adquisición por el mismo monto de los premios entre las obras seleccionadas. Esta decisión fue tomada para realizar una incorporación a la colección de arte argentino contemporáneo. En esta oportunidad, el Premio Colección fue para la magnánima obra “Muchacho del Paraná” del artista visual, diseñador y agitador de movimientos masivos Manuel Brandazza. La comunidad cultural festeja esta merecida distinción. También hubo una innovación en cuanto a la selección. Los artistas que resultaron seleccionados, al igual que en el Salón Litoral, recibieron un incentivo a la producción de $15.000 como apoyo a los costos que pueda ocasionar la producción y traslado de la obra, y como reconocimiento por formar parte de la selección final.

Museo del encuentro musical

Un lugar de encuentro y ejercicio fraterno es el Museo Histórico Provincial Dr. Julio Marc, en la ciudad de Rosario. Sí, un museo histórico convoca a la comunidad cultural a despedir el año y a poner en circulación contenidos de épocas pasadas y actuales, plagado de una horda enardecida de cuerpos bailantes al son de dos DJs de lujo, cada uno con su ton y su son: Beresi y Laurita Gosh. 

Mientras al aire libre, en la explanada del museo, hay baile, en el interior, en un recorrido de sala a sala, se exhiben dos exposiciones temporales distintas pero abrazadas por el criterio editorial del director Pablo Montini y equipo: Naif brutal, de Alita Olivari, y Qué puede una exposición. Derivas en torno a Hiram Calógero, que recupera algunas de las iniciativas vinculadas al trabajo del fotógrafo. Merece especial atención que, con la llegada de la primavera, el museo realizó el festival Primavera Histórica, también en la explanada, con una feria de editoriales y arte impreso de más de 50 expositores, con música y DJs. Esta cronista se queda pensando que en 2017 tuvo lugar la primera A0 Fiesta Nacional de la Edición Independiente y Experimental. 

Las obras del amor

Visito eSTUDIOG de Gabriela Galassi, una galería de arte ubicada en el centro de Rosario. Quedo prendada con el proyecto instalatorio de la dupla Manasseri-Depetris, arquitectos que trabajan en colaboración desde 2015. Sostienen una dinámica que muerde siempre la frontera con el ejercicio plástico. El proyecto materializado se llama Lectura de baño. Notable manejo del espacio, de la resolución gráfica, de la luz, de ciertas ideas en que se delega la autoría a otras manos, donde podemos deleitarnos con una blague preciosa a la historia del arte, ya que deciden exhibir un lavatorio reluciente en clara referencia al célebre mingitorio de R. Mutt. 

La dupla en sus palabras refiere: “El caño de luz y la cortina de baño son elementos distintivos dentro de nuestra obra en particular, como así también el lavabo que, si bien puesto en una galería tiene una relación lineal con Duchamp, la tiene para nosotros dentro de nuestra obra arquitectónica, porque los consideramos objetos bellos, esculturales, a resaltar, pero con función técnica. En la instalación en sí, nos pareció bien usarlo con un dibujo original, axonometría a cuatro tiempos del plano de la instalación, la cual actúa a manera de espejo o botiquín en un baño tradicional. Los otros dos dibujos son de los baños que hemos diseñado para nuestra casa. Vale mencionar que las tres piezas son parte de una colaboración con Pablo Boffelli, en las que los dibujos son de nuestra autoría, realizados de manera digital, pero traspasados a mano por Pablo”. 

La voz de los artistas autoconvocados

Sofía Torres Kosiba, de Artistas Visuales Autoconvocades / AVAA, nos cuenta a propósito de los logros y desafíos del sector: “Tuvimos muchos logros con relación a los salones, el pago de fletes y pequeñas modificaciones, en lo cual estuvimos insistiendo mucho, haciendo un seguimiento de cerca de todos esos movimientos, y lo vamos a seguir haciendo. Es una de las cosas que ha surgido como un brazo de AVAA, y que realmente vemos que da sus resultados, acompañando a lxs compañerxs en distintas ciudades y zonas con sus salones, y también obviamente insistiendo con el uso del tarifario en todos los proyectos. Se sigue reforzando y afianzando el tarifario, sigue siendo una gran herramienta. Estamos trabajando con el Proyecto de Ley para la creación del Instituto de Artes Visuales, que fue un gran laburazo de este año y se está viendo con diferentes asesores de diputadas y diputados, que nos dijeron que esperemos un poco para el comienzo de año. Estamos con el proyecto de pensar, para el año que viene, alguna especie de diseño de políticas de buenas prácticas, desde artistas y para artistas”. Las políticas, los programas, los equipamientos culturales, los salones están haciendo eco de estas voces. Las condiciones laborales de estos trabajadores cambian a medida que se reconocen derechos.

LS

¿Qué tan importante es la continuidad en cualquier empresa? arteBA renace, se refunda, consolida su historia y amplifica el futuro. Aciertos: la ubicación en Arenas Studios, La Boca, para desarrollar la feria durante cuatro intensas jornadas. Clima de paseo, con días plenos de sol y tardecitas frescas. Atrás quedó el galpón umbrío de La Rural. Ahora nos recibía un patio adoquinado, con ímpetu callejero, al que se podía ingresar con acreditación o pagando entrada. Otro acierto, en el que claramente seguirán trabajando: expandir los contenidos y los referentes del mercado más allá de los límites de la General Paz. En cuanto a los deals: entre sábado y domingo se vivieron dinámicas mercantiles febriles. Imposible incursionar en fruslería ya que la feria contó con notables firmas y precisas exhibiciones en cada una de las galerías. 

“Estamos felices con el resultado de la feria arteba 2021. Va a quedar en la historia como la feria del reencuentro y el fortalecimiento de la escena del arte argentino contemporáneo, de la que todos y todas formamos parte. Fue la feria de celebración de los 30 años de arteba, tuvo una energía muy especial. El escenario diferente le dio otro tono. Fue muy emotiva y nos permitió acercarnos, dialogar, disfrutar. Los y las coleccionistas y los museos apoyaron a galerías y artistas con buenas compras. La calidad de las obras fue algo destacado por muchas personas. Y el público acompañó con mucho entusiasmo nuestra propuesta. Inolvidable”, cuenta Larisa Andreani, presidenta del board de arteBA.

Un abstracto litoraleño al MAMBA

Las primeras compras en la feria se realizaron en el marco del Programa de Adquisición de Museos, mediante el cual la Fundación arteba busca apoyar la escena artística fomentando la adquisición de obras de arte contemporáneo por parte de los principales museos nacionales e internacionales. La galería Diego Obligado vendió al Museo de Arte Contemporáneo de Salta la pintura “La sombra secreta”, de Carolina Antoniadis. La Fundación Klemm adquirió la obra de Fernanda Laguna titulada “Mental” de la galería Nora Fisch. El Museo Sívori incorporó a su colección un tapiz de Guido Yanitto, de la galería Gachi Prieto. Por su parte, Malba adquirió una obra textil de Yente en la galería Roldan Moderno. Caso significativo es la compra del MAMBA, que incorpora a su colección la obra “Serenamente (1967-1971)” de Eduardo Serón, realizada en Alejandro Faggioni – Estudio de Arte. 

Carla Barbero, en su augusto rol de jefa del departamento de curaduría del MAMBA, comenta a propósito de la adquisición de la obra de Eduardo Serón: “La colección del museo, que tiene un núcleo duro de abstracción y de arte concreto, se abre a narrativas más allá de la ciudad de Buenos Aires, con artistas claves como él”. Imaginamos a Eduardo en su taller en la calle Mitre de Rosario, enclavado en el microcentro, iluminando sus planos y líneas aureáticas con fluorescentes fríos, desplegando su conocimiento de la geometría euclidiana, explorando la espiral logarítmica, las volutas, las curvas, las figuras orgánicas y armónicas, con Matila Costiesco Ghyka bajo el brazo o en algún cajón de su taller. 

“El Arte, la Vida, la Geometría” del gran maestre para el gran maestre. En Serón confluyen las tareas de aprendizaje del taller de Grela, el príncipe Matila Costiesco Ghyka, el Colegio Industrial, un racimo de colores subtropicales, bien de este suelo litoral, el mismo que utiliza Federico Cantini para ejecutar sus bajorrelieves de transa. Así Serón evidencia todo el andarivel costero de la humedad y el loess nativo. Un sendero de cuerda que destella magno como mis pestañas enamoradas, cielos abiertos de los azules phthalos y cobaltos. Yo quisiera contemplar durante milenios esas construcciones en el plano pictórico.

Encontrarse y activar

La visita al sector Isla de Ediciones evidencia el fragor por las joyitas. Allí convergen libros enormes y publicaciones livianas. Soy testiga de conversaciones entre Ana Wandzik, Maxi Masuelli (creadores de Ivan Rosado) y Leticia Kabusacki. Se discute con ahínco cierta genealogía del arte argentino, así como el estudio e investigación de la escena nacional pretérita y contemporánea, que tiene cruces culturales, científicos, afectivos y amorosos. La editorial Ivan Rosado acerca sus novedades: Cartas entre Giambiagi y Atalaya con prólogo de Juan Laxagueborde, Vilnius de César Aira con una pintura de María Guerrieri en la portada, y también reluce en sus anaqueles Transparencia y misterio de las lacas de Beatriz Vallejos. 

En la Isla de Ediciones también charlo con Mario Scorzelli, quien me cuenta que está participando con la Revista Jennifer. Este proyecto editorial montó allí mismo una pequeña redacción y realizó diferentes actividades con artistas invitadxs. “Mia Superstar hizo una curaduría de obras y artículos de otrxs artistas, que iban desde un dibujo de Ofelia Fernández hasta un frasco con el perfume que usaba Silvina Ocampo. Ignacio Barsaglini ofreció a lxs galeristas publicar en la revista una nota sobre las obras de su stand a cambio de $2.000 y Fátima Pecci Carou invitó a realizar copias calcadas de dibujos de su autoría. Las copias realizadas por Eduardo Mallea, Lolo y Lauti, Ad Minoliti, Amalia Amoedo y Rodrigo Barcos fueron subastadas al finalizar la feria”.

Voy rumbo a la zona de Factor Studio, espacio de nuevas galerías donde se evidencia el esfuerzo y el compromiso de les emergentes. Galería +Arte (Quito); Atocha y El Mirador (ambas de Buenos Aires); eSTUDIOG (Rosario) con una exhibición individual de Vico Bueno que generó interés entre les coleccionistas más jóvenes; Fulana (Tafí Viejo) con obra escultórica, expandida e innovadora. Mención aparte amerita PM Galería, con un diseño espacial de Gerardo Acevedo, y artistas tremendos como Adriana Pavic, Adriana Miranda, Agustín Wrobel, Andrés Gorzycki, Ángel Gabriel, Bart Network, Damián Crubellati, Daniel Leber, Desiree De Stefano, Enzo Luciano, Felipe Pino, Fernando Santana, Guadalupe Fernández, Guido Orlando Contrafatti, Gustavo Marrone, Juan Montes de Oca, Lola Granillo, Lorena Ventimiglia, Marina Daiez, Miguel Harte, Nicolás Domínguez Nacif, Nushi Muntaabski, Renata Molinari, Roberta Di Paolo, Sandro Pereira, Sasha Minovich y Tomás Fracchia.

Cronista insaciable en el ejercicio de adquisiciones imaginarias

El embote que ocasionaban las visitas a La Rural, tanto por el apiñamiento, la falta de luz natural, o vaya una a saber qué, en esta oportunidad no se vivió del mismo modo. La locación garantizó visitar la feria como un paseo, pero fundamentalmente retomar el pulso de las obras exhibidas. Les artistas y su trabajo han vuelto al centro de la escena. Este recorrido nos permitió imaginar la compra de todo lo deseado. 

Con elegancia innovadora, la galería Benzacar ofreció un repertorio de nombres como Eduardo Basualdo, Flavia Da Rin, Luciana Lamothe, Jorge Macchi, Florencia Rodríguez Giles, Tomás Saraceno y Pablo Siquier. Me hubiera llevado los Macchi y los Da Rin. Esta histórica galería aparece entre las más eficientes a la hora del deal, junto a la súper eficaz Gachi Prieto, la colorida y profesional Herlitzka + Faria, en la que esplendía obra de Minujín, y Diego Obligado con la venerable instalación de Román Vitali. 

Un lugar especial se lleva El Gran Vidrio con obras de preciosas de Alan Martín Segal, Carla Barbero, Roberto Jacoby, Marisol San Jorge, Lucas Di Pascuale, Rocío Moreno, Guillermo Daghero y Romy Castiñeira. Mientras, Verónica Meloni dispone su cuerpo en movimiento en el programa de performance. Calvaresi Contemporáneo, que ha propuesto obra de Germaine Derbecq, Paola Vega y Daniel Basso, al igual que la Galería Sur, han dispuesto el espacio con un diseño expositivo singular y estudiado. La galería oriental, oriunda de Punta del Este, presentó un stand escenográfico y una nómina de artistas históricos, como Antonio Berni, Emilio Pettoruti, Juan Del Prete, Nicolás García Uriburu, Julio Le Parc, Rómulo Macció, Antonio Seguí, Yente y Pablo Suárez. Nos ha permitido un viaje a la tradición. Hubiéramos querido comprarnos el stand completo. 

Un tema aparte son las obras de Federico Lanzi, Sonia Rey y Gabriel Chaile en NVS: todas preciosas. En Smart Gallery hubiéramos abrazado las obras de Salamanco y Romano. En la galería Diego Obligado nos hubiéramos quedado con los Grelas y las obras de sombras arrojadas de Román Vitali. La ansiedad y la alegría a lo largo de la feria no se detuvo ya que, como bien menciona la presidenta de arteBA, el reencuentro fue el festejo en cada guiño, en cada charla. 

En Rolf Art se exhibían las fotografías de “La conquista” disparadas por Marcos López y RES. Cuenta la historia de esta obra que, en diciembre de 1992, se presentó en el Centro Cultural Recoleta, como una muestra multimedia vinculada al 5° Centenario del Descubrimiento de América: “500 años, 40 artistas” (1991-1992). Esta mega exposición, que reunió a artistas de diferentes lenguajes, estaba dedicada a Batato Barea, quien había fallecido el 6 de diciembre. Reza el catálogo que acompaña las fotos de RES y López: “El proyecto original nació a mediados de 1989 en una reunión informal en el bar Bolivia entre Liliana Maresca, Marcia Schvartz y Elba Bairon. Participaban en la exposición Jorge Abecasis, Juan Astica, Elba Bairon, Sergio Bazán, Anahí Cáceres, Omar Estela, Guadalupe Fernández, Roberto Fernández, Luis Freisztav, Diego Fontanet, Daniel García, José Garófalo, José Luis Gestro, Norberto Gómez, Gabriel González Suárez, Mariela Govea, Varinia Grüner, Jorge Gumier Maier, Alberto Heredia, Eduardo Iglesias Brickles, Martín Kovensky, Alejandro Kuropatwa, Juan Manuel Lima, Marcos López, Liliana Maresca, Adriana Miranda, Daniel Ontiveros, Pablo Páez, Duilio Pierri, Jorge Pistocchi, Marcelo Pombo, Alfredo Portillos, Salvador Quintero, Osvaldo Quintero Fraixede, Juan Pablo Renzi, Tulio de Sagastizábal, Omar Schiliro, Marcia Schvartz, Oscar Smoje, Eduardo Stupía y María Inés Tapia Vera”. Ansiedad y más ansiedad por llevarnos alguna de estas obras, mientras Marcos nos cuenta historias de la memorable muestra. 

En la galería Nora Fisch aparece un mapa, un esquema organizado por una obra de Amadeo Azar: recorre diferentes sucesos, interpretaciones, mitos y hechos históricos que definen una mirada crítica acerca de la incidencia del turismo en Mar del Plata. Adentro, palo y a la bolsa, quiero comprar y llevarme esta obra. Pregunto el precio, parece que ya está reservada. 

Sigo mi deriva y me detengo en HACHE, ante la majestuosidad dramática de “La condición humana” (2021), obra de Gabriel Baggio, con el refinamiento propio de un artista universal. Brillo genuino y ritmo formal del desastre en cerámica esmaltada con lustre de oro. Lealtad y trabajo.

Llego a Pasto, el espacio que dirige César Abelenda, le consulto los precios de todo, quedo prendada a ese universo. El plan federal y el desparpajo total de esta galería me generan pulsiones extrañas: los bajorrelieves de Federico Cantini, las foto-perfomances de La Chola, el mural enorme de Agustín González Goytía, las sentencias guevaristas de Gustavo Nieto. Me dejan patitiesa. Sé lo que quiero y lo quiero ya. Entre Luca Prodan y Rubén Darío, me sube la espuma y recuerdo estos versos: “Juventud, divino tesoro, ¡te fuiste para no volver! Cuando quiero llorar, no lloro... y a veces lloro sin querer”. Conversamos con César sobre el modo de vender; concluimos que el objetivo es ir veloces como el viento y no apretar mucho a les compradores. Me atrevo a decir que, con su modo escandalosamente original, se vincula con agudeza con la mercadotecnia. 

¿Qué buchi queremos colmar con esta ansiedad? Seguimos. No nos agotamos. Flotamos en la ilusión de un mundo que nos abrace con arte y artistas. Federico Curutchet, de la galería Barro, nos lleva al borde de la aspiración más difícil de satisfacer: obras de Marcelo Pombo. Piezas preciosas, junto a Alejandra Seeber, nos dejan petrificada. Flemática de tanto arte. El trabajo de les galeristas puede consistir en encantar a la gente para hacerla comprar, de este modo traficar con los deseos y ansiedades de coleccionistas.

Hay una cita de “El amante del volcán” de Susan Sontag que resulta conmovedora para esta cronista, mientras reflexiona sobre el universo del mercado del arte, les coleccionistas y el trabajo de les artistas: “Así pues, el coleccionista es un encubridor, alguien cuyas alegrías nunca están exentas de ansiedad. Porque siempre hay más. O algo mejor. Debes tenerlo porque es un paso para completar idealmente tu colección. Pero esta culminación ideal, que todo coleccionista anhela, es una meta ilusoria”. 

Sontag prosigue, tanática y esperanzada ante el abismo: “... una colección completa es una colección muerta. No tiene posteridad. (...) Las grandes colecciones son vastas, no completas. Incompletas: motivadas por el deseo de que sí sean completas”. Exuberante y barroca, remata: “Es demasiado… y es lo suficiente para mí. Alguien que vacila, que pregunta. ¿Necesito esto? ¿Es realmente necesario?, no es un coleccionista. Una colección es siempre más de lo que sería necesario”.

LS

Según relevamientos a comienzos de año, en el país existen 130 galerías y espacios de comercialización de arte. Estos trabajan para crear estrategias de circulación, distribución, desarrollo y formalización del mercado de arte. En el último tiempo, se han consolidado asociaciones o cámaras de galerías, como MERIDIANO que agrupa 57 de estas ubicadas entre Buenos Aires y Rosario, o FARO que es una asociación profesional sin fines de lucro fundada en 2019, integrada por 25 galerías de la ciudad de Córdoba y la región. También existe JUNTA, la red bonaerense de espacios de arte contemporáneo. Al mismo tiempo, se ha creado GIRO, que congrega galerías de Rosario y Santa Fe. 

Hay un diagnóstico compartido por gran parte de este sector, respecto a la necesidad de transparentar las operaciones y ampliar el número de compradores, no sólo por el valor simbólico relacionado a los repertorios culturales, sino porque afecta la economía directa de un número creciente de artistas que viven de su trabajo. Cabe destacar que, desde los múltiples agenciamientos, agremiaciones y asociaciones, se han fijado ciertas exigencias en cuanto a tarifas y buenas prácticas éticas para regular el mercado. Es así como la comercialización de obras, a través de espacios especializados y profesionalizados, garantiza la consolidación de escenas nacionales diversas. 

Esta cronista se ha propuesto relevar las tres ferias de arte que tendrán lugar a lo largo de los próximos meses: en septiembre la Feria de Arte Córdoba, en octubre la MicroFeria de Arte Contemporáneo Rosario y en noviembre arteba en la ciudad de Buenos Aires.

Paisaje: producción y fantasía

La Feria de Arte Córdoba se ha desarrollado entre el 16 y 21 de septiembre, en modalidad mixta, con propuestas virtuales y presenciales. Han participado 65 espacios expositivos y galerías, consolidados y emergentes, referentes de Santa Fe, La Rioja, La Pampa, Tucumán, Salta, Buenos Aires y Córdoba, ofreciendo un amplio mapa de voces federales, tanto por les artistas exhibides como por los modos de generar escenarios comerciales. 

En esta oportunidad, la Feria no contó con un predio de stands que concentrara la comercialización, sino que cada galería local fue anfitriona de galerías de otras ciudades, a las que alojaron. Una manera novedosa y económica de generar cruces y afianzar alianzas. A la agenda de actividades de los 6 días de feria, se sumaron muestras en espacios autogestivos y cooperativos, así como acciones y performances. Ha sido súper loable que todas las actividades fueran de acceso libre y gratuito; así hubo gran circulación y afluencia de público. “La feria es una fiesta”, nos susurraban con tonada cordobesa, al ritmo de los sucesivos ágapes.

Esta edición de la Feria propuso un sistema abierto, colaborativo y descentralizado de redes entre diferentes actores. En este sentido, la Feria se va perfilando como un espacio para el desarrollo regional de las artes visuales. Con características de funcionamiento “horizontal y rizomática”, esta edición fue organizada junto con la Subsecretaría de Cultura de la Municipalidad de Córdoba, Agencia Córdoba Cultura, Centro Cultural España Córdoba, Fundación Pro Arte Córdoba y FARO, sumado al acompañamiento de Bancor, Universidad Nacional de Córdoba y Universidad Provincial de Córdoba. 

La curaduría estuvo a cargo de Gabriela Barrionuevo, Mariana Robles y Luz Novillo Corvalán. En conversación con este equipo, consultamos sobre el impacto del regreso a la presencialidad. Aseveran: “La vuelta a la presencialidad con anclaje en la plataforma virtual fue todo un desafío que sin la articulación público/privado no hubiera sido posible. En ese sentido, se establecieron diálogos con todos los protagonistas para trabajar sobre las necesidades, los protocolos sanitarios y la posibilidad de generar recorridos presenciales. Esta feria se comprende mucho mejor si se la visualiza como un rizoma, con nodos e identidades que forman parte de un mismo cuerpo. El mayor impacto tiene que ver con esto último: volver a estar presentes, a reactivar diálogos sobre arte, fortalecer el vínculo entre el arte y el coleccionista, y posibles nuevos compradores. Sumó de una manera casi determinante el diseño de los recorridos por las topografías cordobesas de la mano de FARO, impulsado mediante la geolocalización y las visitas a los diferentes espacios. Se generó un gran movimiento de personas interesadas en el arte y nuevas posibilidades de ventas que se concretaron”. 

Destacan que también los curiosos se volvieron compradores y que, en las últimas horas de feria, se cerraron transacciones fuertes. La virtualidad se volvió un instrumento indiscutido de difusión y una realidad que llegó para quedarse, potenciando las instancias presenciales de venta. En muchos casos, lo que funciona como un disparador desde cualquier plataforma, red social o web deriva en el encuentro. Hubo casos en los que la compra fue puramente virtual, sin tener la obra presente físicamente. Se produjo, así, una mixtura. Gabriela Barrionuevo, del equipo curatorial, refuerza: “Con respecto a las operaciones, cada espacio expositivo o galería participante instrumentó sus propios mecanismos, y el número de posibles compradores se incrementó naturalmente al trabajar en conjunto con espacios de otras localidades. Esta es la clave del éxito de esta Feria: el trabajo colectivo que permite incrementar posibilidades de ventas. Las galerías no han estado solas en esta instancia. Lo innovador se basa en el compartir: público, propuestas curatoriales, coleccionistas, etc. Se han generado nuevos lazos y estrategias que tienen que ver con esta conjunción rizomática. Veremos qué nos depara el futuro con estas nuevas construcciones, que son disruptivas con respecto a lo que se venía haciendo en el sector”.

Las actividades, los recorridos y los circuitos superaron los aforos, tanto presenciales como virtuales, y se tuvieron que ampliar las capacidades de espacio o sala. La agenda fue publicada en la semana previa a la inauguración, y dos días antes ya presentaba aforo completo, dato que confirma el deseo de encontrarse y consumir arte por parte del público específico, el cooperante y el curioso. 

Diletantes de los encuentros

Perdone la digresión, lectora o lector, pero teníamos expectativas de comer en El Papagayo del gran Javier Rodríguez, lugar de culto en la ciudad mediterránea, pero por una cosa u otra, no pudimos. Seguramente nos daremos una segunda oportunidad. Mientras tanto, los amigos y amigas del arte y también los coleccionistas viajaron y participaron de manera activa, dejando una estela de turismo cultural y gastronómico por la docta y sus rincones. Lo evidencia el desembarco de la nutrida comitiva liderada por el board de arteba, que ha contado con la anfitrionía del arquitecto José Luis Lorenzo, quien abrió para visitas el Espacio Colón, así como en paralelo a la feria vinculó a coleccionistas fuertes de otras partes del país con artistas, galeristas y coleccionistas de la provincia de Córdoba. 

La exposición de la Colección José Luis Lorenzo tenía como título ¿Qué cuerpos?, ¿qué lenguajes? Otra exposición sobre feminismo y género. Se trataba de un ensayo visual sobre los discursos de los feminismos y la teoría queer. El recorrido exhibía formas de evocar los cuerpos y de revisar los usos del lenguaje. En las primeras salas del Espacio Colón se problematizaba sobre corporalidades. Una multiplicidad de identificaciones, autopercepciones, eróticas, deseos y sexualidades aparecían en retratos, objetos y performances de les artistas que integran su colección particular.

En resumidas cuentas, podemos enumerar acciones programáticas y espontáneas que han generado una escena próspera en un contexto ciertamente incierto para el encuentro y el trabajo de les artistas. La Feria de Arte Córdoba, así como todo lo que se origina en este entorno, en notable ebullición para el mercado, coleccionistas y artistas, define un nuevo horizonte. La directora ejecutiva de arteba, Lucrecia Palacios Hidalgo, en conversación con esta cronista, afirma: “En esta nueva etapa de arteba, nos interesa particularmente la construcción de una mirada nacional, que pueda dar cuenta de la riqueza y diversidad de todo el arte argentino. Experiencias como la Feria de Córdoba, en donde la articulación y trabajo en conjunto entre galerías e instituciones de diferentes territorios cobran forma, son fundamentales para expandir este diálogo. Nos entusiasma desarrollar estas conversaciones, entendemos que son fundamentales para crear estrategias entre ferias, galerías y otros actores que fomenten el crecimiento y desarrollo de un mercado nacional para el arte argentino”. 

Esta comitiva, integrada por su presidenta Larisa Andreani, Leticia Kabusacki y Eduardo Mallea, visitó la Fundación El Gran Vidrio, galería que representa artistas de relevancia internacional, como Alan Martín Segal, Carla Barbero, César López Negrete, Eugenia Puccio, Guillermo Daghero, José Quinteros, Lucas Di Pascuale, Manuel Molina, Marisol San Jorge, Nahuel Vecino, Nina Kovensky, Roberto Jacoby, Rocío Moreno, Romy Castiñeira, Verónica Meloni, entre otros. Catalina Urtubey, fundadora y creadora de este magnánimo espacio, ha alentado nuevas estrategias para comercializar obras. Actualmente se está exhibiendo Amenazas del miedo de la artista Rocío Moreno. En simultáneo, El Gran Vidrio ha producido la muestra de Marisol San Jorge La piedra en el pan en el Museo de las Mujeres. 

Programa oficial en Los Patios

Entre las actividades del programa oficial de la Feria, se destacó el eje “Topografía amigas” que convocó a espacios del país de manera virtual y presencial para discutir sobre el sistema del arte. Por ejemplo, el ciclo de conversatorios virtuales de la Red de Gestión Cultural Pública – Zona RED, “Discordancias: outsiders, nuevas ferias y activismo artístico”, que tuvo de invitades a Ilze Petrone, Patricia Brignole, Celina Hafford, Marcela Rosemberg y Kekena Corvalán, entre otres. Además, se ofreció un ciclo de charlas curado por Emilia Casiva.

El fuerte de la Feria fue la programación de Los Patios, desarrollada en el Cabildo de Córdoba, el Centro Cultural España Córdoba y los museos San Alberto, Tejeda y Marqués de Sobremonte. Con participación de las artistas Rosa Mercedes González, Silvana Montecchiesi, Mariana Guagliano, Cecilia Richard, Leticia Obeid y Sofía Torres Kosiba, se llevaron adelante diversas acciones en distintos patios con intención de vincular expresiones del arte contemporáneo y espacios plenos de historia. Cada artista desarrolló una obra de sitio específico, en torno al bordado, el video, la instalación, el dibujo y la performance.

Nos detenemos a pensar en la obra de Leticia Obeid, a propósito de su intervención en el Museo Marqués de Sobremonte. Obeid sintetiza con agudeza y sensibilidad, abriendo una venta a la reflexión crítica: “A la sombra de un granado en flor es un video de 15 minutos de duración que entrelaza varias líneas de tiempo, cruzando la historia del Museo Sobremonte con la historia de la ciudad de Córdoba, y la experiencia de conocerla y recordarla. Es una obra en la que el sonido de la voz que relata es protagónico, junto a un fabuloso banco de imágenes proveniente del acervo del museo, que tiene una colección de objetos decorativos, domésticos, arte religioso y documentos recolectados y conservados a lo largo de varios siglos. Las imágenes se van sucediendo al ritmo del audio, generando conexiones visuales, chispas, contrastes y nuevos significados a partir de su yuxtaposición, a la manera de un ensayo visual sobre la memoria y la manera en que se forma una colección, y cómo esa selección cuenta una historia propia y se pregunta, por ejemplo: ¿Qué nos dicen los nombres de las calles que en cada ciudad argentina están en un lugar distinto? ¿Qué distingue a una ciudad colonial de otra? ¿Cómo fueron habitados esos territorios trazados en el papel y luego ocupados? ¿Qué de la historia que nos precede recibimos al vivir en una ciudad?”.

La performance Flânerie. Desvío y desvarío de Sofía Torres Kosiba consistió en un recorrido que partió desde el Cabildo, guiando a un grupo de personas por el centro de la ciudad, hasta llegar a los distintos patios de los museos. Cada persona se identificaba con souvenires creados previamente por la artista. Se generaron nuevos caminos en el tejido y el trazado urbano de la ciudad histórica. A la par de su trabajo singular e individual, esta artista ha gestionado junto a otres lo que sucedió en Hotel Inminente.

Temporada Alta en Hotel Inminente

Hotel Inminente está integrado por 25 artistas visuales, diseñadores y productores que viven y trabajan de manera autogestiva en la ciudad de Córdoba, nucleados en un espacio común que favorece los vínculos y el intercambio de experiencias. Las actividades desarrolladas en propuestas colectivas e individuales giran en torno a la creación e investigación en artes visuales, producción audiovisual, arte textil, performance, escritura, pintura, arte sonoro, escultura y prácticas cercanas a la economía popular. 

Temporada Alta en Hotel Inminente definió un “paralugar” que constituyó el espacio de intercambio colaborativo entre artistas y gestores con perspectiva federal, echando luz sobre los modos de hacer en el mercado subalterno del arte. La consigna: “Transacciones border, ranchada y posibles relatos durante 4 días”. Sin parar, todo lo que fue sucediendo en ese lugar habla de Córdoba, de sus coleccionistas, de sus artistas que se alimentan en zonas temporalmente autónomas de producción e intercambio. Sí, a lo Hakim Bey, o bien a lo Robert Smithson, o a lo Embrujo, proyecto de la artista y productora Virginia Negri, que desembarcó como tantos otros en la propuesta de este espacio.

Durante la Temporada Alta, el coleccionista Hugo Albrieu presentó su libro Levantar un muro para poder derribarlo, que contó con la edición de Andrei Fernández de Tucumán. Acompañaron el debate María Rocha del proyecto Mantera de Santiago del Estero y Manuel Coll como voz local. Se ahondó sobre las resignificancias de la palabra ‘interior’, el concepto ‘popular’ y las posibilidades de democratización de una colección privada.

Hotel Inminente cuenta de forma habitual con una trastienda de venta de obras, llamada Boutique Flotante, que en esta oportunidad tan propicia de circulación de gente invitó a participar, a producir y a quedarse a un amplio espectro de proyectos con extensión federal, como NN de La Plata, Castillo de Catamarca, Ramos Generales de La Plata, Un Muro de La Rioja , Nda de La Carlota, Vermú de La Pampa, Mantera de Santiago Del Estero, La Imagen Accesible de Mendoza, Laborde de Misiones, Garra de Chaco, Baldío de San Juan, Ivan Rosado de Rosario, Mommia de Córdoba y Embrujo de Rosario. También diversos proyectos de la ciudad de Buenos Aires, como El Dije, ¡Oh No!, UV Uruguay, Selva Negra, Serigrafistas Queer, Galería Grasa, Proyecto Venus, Fundación Start. En paralelo se exhibían, de manera cuidada y razonada, dos colecciones que llevan la reflexión de Alejandro Londero y Gustavo Bruzzone: la de Sara Goldman de Córdoba y la de Marcos Giampani de Buenos Aires, que con lógicas del mutualismo se acompañan, refuerzan y resignifican. 

Podemos quedarnos con la memoria del mural en acción del artista Manuel Brandazza en barro vívido, las percusiones en los pulmones amorosos de la música Emiliana Arias, o las performances y lecturas de poesía de Virginia Negri, acciones que han proliferado como caldo de cultivo y matriz de conocimiento artístico en este espacio novel y disruptivo, que generó ansiedad en el arte emergente, mediterráneo y nacional. Nos queda seguir pensando el mercado, el coleccionismo y el trabajo de les artistas en esta feria y en las venideras.

LS

Escribo estas líneas desde la humedad del país, esperando que los aromitos den pimpollos, que los lapachos adornen los parques. Quiero creer en la primavera, al son de Bill Evans, pero en Rosario somos dueños de un sopor embolante. En septiembre de 1979, Bill Evans vino a la Argentina y me gusta pensar que, de paso entre San Nicolás y Rosario, visitó pueblos rurales.

Viajo algunos kilómetros, hacia San Lorenzo, es sábado a la noche en la parrilla Puerto de la Gloria, frente al Campo de la Gloria. Todavía suena la potencia del concierto Apiazzollándonos ejecutado por la Banda Municipal Orlando Scalona, cuya directora es Danisa Alesandroni. Se organiza un repertorio enorme, histórico y delirante a lo largo de una hora diez. Los vientos hacen lo suyo en modo jazzero. Con el Amelitango se me abre el corazón. 

Me arrimo al río, a la baranda del Campo de la Gloria, quiero abrazar a la gente que quiero y no está acá. Llueve, los zapatos se hunden en estos andurriales. Más tarde emprenderemos viaje al Río Uruguay, a Chajarí, hacia el norte de Entre Ríos, y después de varios días de recorrida, volveremos a la ciudad embole. Primero cruzamos el puente Rosario-Victoria. Lo que antes era el brillo del agua, ahora, en la noche encapotada, solo es tierra yerma opaca. Está húmedo el ambiente y seco el lecho del río. Sigo buscando la primavera. 

Nos detenemos un ratito en la ciudad de Victoria, para charlar con el colectivo Taller Flotante. Conjugan una serie de actividades con despliegue territorial. Sole Ferrería nos cuenta: “Taller Flotante es una agrupación que tiene sede en Victoria, pero que trabaja en un modo ‘viaje y movimiento’. Es una plataforma de proyectos relacionados al territorio islas y costa de la cuenca sur del Plata-Paraná. Es un espacio de producción, investigación y experimentación extradisciplinar y autogestivo, que busca superar visiones establecidas y divisiones políticas”. 

Prosigue: “En el acto de recorrer, viajar, propiciar el encuentro y el relato, activamos representaciones de un espacio emocional colectivo y volvemos a dotar a las representaciones territoriales de su vocación. En su modo de contar las prácticas tratamos de re-dotar al agua (marrón) de su aspecto simbólico, que pierde en su construcción moderna como H2O (agua universal incolora, inodora, insípida). El agua marrón del Paraná, que arma y desarma lugares, por donde entran y salen migrantes de todo tipo y especie. Quizás allí resida una clave de identidades mestizas; un territorio inestable, que construye identidades en tránsito permanente. Trabajamos desde la circulación de los territorios como forma de conocimiento, de lectura y escritura simultánea, a través de expedicionarios, investigadores, escritores, comunicadores, docentes, baqueanos, etc. Nuestra modalidad es de talleres o laboratorios. Cada proyecto desenlaza datos, relatos, informes, imágenes, objetos, formas que desocultan la escala íntima del territorio y lo exponen empoderado en las escalas regional y global que lo atraviesan: la Hidrovía Paraná-Paraguay, corredor bi-oceánico. Desde allí constituimos lo colectivo y construimos lo público”.

En la actualidad, les integrantes del Taller Flotante están participando en la Red de Turismo Comunitario del Litoral, que llevan adelante junto al Movimiento Cuidadores de la Casa Común. También están impulsando la Red Río Feminista, anticapitalista y decolonialista, con eje en lo territorial mestizo fluvial. En paralelo, están desarrollando proyectos productivos relacionados con la alimentación. Asimismo, crearon una escuela popular de género y activan talleres de gráfica en infancias. “Hilamos narrativas que hablan de los territorios mestizos que habitamos”. Así apuestan a construir conocimiento desde las periferias, generando nuevas categorías descentradas. 

Sigo rumbo al norte, bancando el letargo del ambiente y creyendo en la llegada de la primavera, mientras algunos de mis seres queridos duermen en el asiento de atrás. Recorro parte de la provincia de Entre Ríos en una concatenación de sugerencias, gracias a las recomendaciones de Eliana Zanini y Virginia Negri. Precisamente entre 2017 y 2018, Virginia creó El Rancho Cósmico junto a Tony Marquez, “un club cultural a cielo abierto, en el corazón de la selva montielera”. Ubicado en el paraje rural Las Delicias, de unos 400 habitantes, en esa hectárea se sucedieron miles de cosas: El Rancho Cósmico funcionó sin parar organizando encuentros, talleres, recitales, cebando arte, militancia y respiración vital. 

Avanzamos hasta Chajarí, nos detenemos antes del Río Mocoretá. Conversamos con Alejandro Fangi, artista, docente y gestor oriundo de esta ciudad, quien nos cuenta en detalle cómo su vida, su hábitat y su obra se cruzan en el trabajo autogestivo. Ejecuta un programa de residencias para artistas y escritores. Ha creado una biblioteca llamada La Lechuza en la que confluyen objetivos de producción, creación e intercambio de conocimiento, junto a un legado familiar en acción. Sostiene una perspectiva regional y la expectativa de avanzar por sobre las fronteras nacionales, tejiendo puentes con distintos países. 

Seguimos camino y nos detenemos un rato en Liebig, el pueblo industrial fantasma, que seguramente será tema de otra crónica díscola. Más tarde llegamos a San José y tenemos una larga conversación con Eliana Zanini, quien se desempeña como coordinadora de Cultura en esa localidad. Actualmente está llevando adelante el proyecto La Tribu y el Territorio, con amplio impacto en distintos puntos de la provincia. Constituye la primera residencia artística impulsada por el Gobierno de Entre Ríos, planificada en tres etapas. Se llevarán a cabo residencias de arte entrerriano, que se ejecutarán durante 2021. En cada una habrá unx artista, que será quien facilite conceptos del arte visual contemporáneo, visitas e indagaciones del territorio, junto a cuatro tutores que mediarán entre las personas, los conceptos y el territorio. El objetivo que se establece es la producción de obras que permitan problematizar el territorio de trabajo, construyendo masa crítica de artistas contemporánexs de Entre Ríos. Eliana explica que la intención es otorgarles visibilidad a los artistas contemporáneos de esta provincia. En su mapa traza genealogías con tradiciones y también con prácticas actuales, problematizando sobre las escenas, lxs artistas emergentes, el coleccionismo y el rol del Estado. 

En un pequeño comentario al margen, Eliana me cuenta sobre Celia Vernaz, historiadora legendaria de San José, Colón, Caseros, El Palmar, y me permite recuperar un testimonio de ella: “Una imagen, que no se me borra desde la niñez, es una plantación de lino. Yo venía desde la escuela a pie, me volvía a la siesta. Con ese sol radiante de noviembre se producía allá a lo lejos como un espejismo, en el horizonte donde vivíamos nosotros. Se iba reproduciendo a medida que uno avanzaba. Eran las flores celestes del lino, que se acercaban hasta que al final nos metíamos adentro del lino, habíamos llegado a casa. Esa imagen ondulaba con el viento, yo lo vivía con transparencia, con ilusión, con amor, me encantaba ese panorama. Y eso me ayudó mucho con mi expresión literaria”. Recobramos otras sentencias. “No todos creen, pero ahí está la libertad”. “Íbamos descalzas, trabajábamos la tierra”. “Los árboles te traen recuerdos”. “Yo identifico el espíritu con el amor. Me dieron tanto amor que lo incorporé. Y cuando muera quedará lo que me dieron en los que me quieren. Es una forma de entender el pasar”. 

La Tribu y el Territorio pareciera ser un modo para que lxs artistas entrerrianxs puedan reconocerse y seguir caminando descalzos por las zonas fluviales. Yo sigo esperando la primavera. Así descubro Wake-Up, que se define en la voz de Germán Díaz como un encuentro esporádico de amigos, una tertulia artística, que gravita entre Concepción del Uruguay, Colón, Villa Elisa. Sus dinámicas promueven el intercambio entre autores y artistas. Están batallando para conformar una escena cultural emergente y poner en conversación sus problemáticas con otras localidades de la zona.

Federico Peralta, gestor cultural y músico de Gualeguaychú, nos relata el proceso embrionario de La Solapa Club. El origen de este espacio se remonta al 1 de enero de 2012. Se originó como un proyecto familiar, funcionando como una peña. Siempre han trabajado de manera autogestiva, muy en sintonía con el movimiento cooperativo. En la actualidad están por lograr la matrícula y han diversificado sus programaciones y contenidos, ampliando su infraestructura y herramientas. También cuentan con una radio online llamada Minka, pensada para la difusión de la cultura local. La Solapa se encuentra en permanente transformación, expandiendo sus fronteras. También actúan junto con otras instituciones intermedias, vinculadas al ambiente, las prácticas de cuidado, la vivienda y la educación alternativa. 

La columna vertebral, que uno u otro río organiza, define movimientos históricos, sociales, plásticos, políticos y económicos. Ante esta polifonía que relata el trabajo cultural de comunidades fluviales, puedo confiar en que llegará el florecimiento. Sin embargo, mi espera continúa. ¿Necesito ponerle una banda sonora de chamarritas o valses preciosos? ¿O traer desde Paysandú, en la voz de Liliana Herrero, a Ki Chororo? El dulce río caminito de cristal, que nos rodea de ternura. En este cúmulo de digresiones, pronto se disparará la primavera. El tráfico del cuerpo a un paisaje imposible y alucinante. 

LS/CB

Esta columna se sostiene en el rigor díscolo de relaciones que promueven un mapa de subjetividades. Sepa disculpar, lectora o lector, pero esta vez, en lugar de definir una zona, lo que sucederá aquí tendrá más que ver con un barrido richteriano de intensidades. Se inicia hospedándome en un hotel vacío en el barrio de Congreso en Buenos Aires. Sigue en las caminatas al atardecer por calle Rivadavia rumbo al Once. Se detiene en una noche de teatro retrospectivo. Arma un viaje relámpago a San Miguel de Tucumán. Se acelera con la conectividad y se frena ya de vuelta en mi ciudad, para quedarme enhiesta en el lecho de un río seco. Caminar un río se parece bastante al fin del mundo, al igual que hospedarse en un hotel porteño donde circulan los fantasmas del funcionariaje legislativo.

Estoy viendo la obra Ubú Patagónico de Mariana Chaud, quien presenta la retrospectiva de su trayectoria como actriz, autora y directora en el Teatro Sarmiento. Me encuentro sentada en la segunda fila de la platea, plena de pompa y boato. Jamás pensé que podría estar sentada entre notables. Me siento honrada, agradezco el teatro. Me pierdo en el delirio de un Jarry resignificado, reactualizado, reformulado, asistido, encontrado y refuncionalizado desde el absurdo y, al mismo tiempo, desde el lugar imperioso para la expansión del cuerpo patafísico. 

La obra está compuesta por tres partes. La primera es una adaptación de Ubú Rey, momentos actuales y tiempos remotos confluyen al unísono, de a ratos se vuelve dramática, barroca y fútil. La segunda parte abandona a Ubú en su esplendor como gobernante y se dedica a otros textos no teatrales de Jarry, en los que surgen fragmentos de su novela Los días y las noches. En la tercera parte nos situamos en tierras patagónicas. El paisaje escénico es coronado por piezas de arte del escultor y maestro Gabriel Baggio, en convivencia con el vestuario agudo y monocromo creado por Gabriela Fernández, que con el baño de luces de Matías Sendón componen un cuadro suprematista y delirante que no para de moverse geométrico y orgánico en efecto dominó. Notable sensibilidad plástica de formas puras y absolutas con armonías al borde del abismo. Cuerpos, cuerpos, tercera y cuarta dimensión de cuerpos amontonados en el revuelque del amor y la piel. Las pieles y actuaciones son de Mariana Chaud, Marcos Ferrante, Santiago Gobernori, Nico Levin, Laura Paredes, Fernando Tur.

Textos tremendos vociferados en distintas armonías y volúmenes. Tapados de piel prohibidos, rubias, morochas, peladas, rengas, maltrechos, instrumentos musicales, armas, artes marciales, bonetes, un bombo al crepitar de un fogón que alimenta el pulmón de un canto, sonidos del Tirol, acordeones en pecho como escudos, la razón de lo telúrico desterrado y la denuncia, el peligro y la crítica. Una escenografía que se corporiza y cobra robustez en la acción de los protagonistas. 

Ejercicio proscenio y fisiológico: seres humanos y objetos organizan una escena desde las destrezas más extremas. Alfred Jarry, protodadaísta y protosurrealista, quien estrenó en 1896 su drama Ubú Rey en el teatro de L’Oeuvre de París, recibiendo tomatazos por parte de un público burgués. Y aquí, hoy, Mariana Chaud, con un elenco de virtuosos óseos, kinésicos, lo arma de nuevo. La música de los colores planos, el cuero de un bombo legüero, el teclado de un acordeón, la música de Pablo Dacal, se despliegan en el éter. Se festeja ante meses de aislamiento. Se traspasa el espacio y somos puestos en peligro, estupefactos ante payadas marciales que se burlan del ejército, del poder, de las instituciones, del capitalismo, con un drama mórbido, anal y abyecto en fórmula Jarry+Chaud. Se teje el sonido de la legitimidad, se abraza una liana de texturas exactas que constituyen trayectorias. Se velan repertorios culturales desde las políticas del arte. 

Viajo y me muevo al son de mis pensamientos cansinos. Me detengo un minuto en el trajín de ciudades distintas y distantes. Converso con la artista tucumana Rosalba Mirabella. Ella me refresca una imagen, aseverando: “Mi idea es traer a la conciencia esas sospechas de ‘lado B’ del álbum familiar, dando cuenta de aquello que queda por fuera de la fotografía. Recientemente volví sobre el autorretrato ampliando mis fuentes, incorporando imágenes que circulan y utilizando el dibujo detallista en contraste con trazos y tachaduras, como acción sobre el papel”. Se evocan imágenes ocultas que, aún omitidas, definen un territorio. 

Sofía de la Vega, poeta e investigadora, nos acerca su visión del panorama tucumano: “En cuanto a la escena literaria y cultural, debo decir que Tucumán, como en casi todos los aspectos, tiene mucho movimiento. Creo que esto se da en parte por el papel importante que tiene la Universidad Nacional, en tanto que hay carreras de Teatro, Lutería, Danza, Artes Visuales, con el Taller C donde hay grandes exponentes del arte contemporáneo y una carrera de Letras, que por supuesto, no se dedican a enseñar a escribir, pero fueron vanguardia creando la materia Taller Literario y dando un espacio a los escritores. También la Universidad tiene una editorial, la EDUNT, donde, por ejemplo, se ha publicado la poesía completa de Inés Aráoz y Arturo Álvarez Sosa. En cuanto a lo literario específicamente, puedo decir que hace un tiempo abundan revistas-editoriales como La Papa, Elba Lazo, Revista Las Gárgolas”. 

Así, calentando motores, oigo a Natalia Lipovetzky que, en un ejercicio de arqueología del monte tucumano, me acerca su libro Conversaciones con las piedras, recientemente editado. Me comenta: “Es un trabajo de varios meses donde he intentado retratar algunas piedras de mi colección. En ese acto de observación, surge un diálogo con las piedras. Preguntas y observaciones que las piedras me hacían mientras eran retratadas. De esa experiencia surge este libro editado por LUX, de Bahía Blanca”.

Germinan las voces de artistas, de piedras, de muertos, de militantes en Tucumán, aparecen imágenes opacadas por la Historia, resurgen conocimientos ancestrales. Y ahí emerge la voz docente de Carlota Beltrame. Viajo al cuchicheo de las randeras tucumanas. Me cruzo con el testimonio de Margarita Ariza. Me atrevo a espiar la exposición Randa Testigo que tiene lugar en la Casa Histórica-Museo Nacional de la Independencia. Randa Testigo es una exhibición que se despliega en territorio tucumano, en la que se expone el trabajo de las randeras Claudia Aybar, Agustina Sosa, Ana Belén Costilla Ariza, Marcela Sueldo, Ana María Toledo, Anice Ariza, Antonia Ariza, Cristina Costilla, Elva Aybar, Elba Sosa, Gabriela Belmonte, Tatiana Belmonte, Giselle Paz, Johana Elizabeth Pacheco, Johana Patricia Torres, Magui Ariza, Margarita Ariza, María Dolores Nuñez, María Marcelina Nuñez, María Laura González, María Magdalena Nuñez, Mirta Costilla, Silvia Amado, Silvia González, Norma Briseño, Julia Silvia Robles y Maira Alejandra Robles. 

Margarita Ariza, de 69 años, me cuenta que es randera desde los 9 y que aprendió esta técnica de su madre, Juana Nuñi. Asevera: “Es un orgullo para mí estar participando de la muestra Randa Testigo, en la Casa Histórica de Tucumán, y muy agradecida a Alejandra Mizrahi por confiar en mi trabajo. Para mí es muy importante poder mostrar mi randa junto a las demás randeras de El Cercado, en este lugar muy importante en el que miles de personas, de muchas provincias, que visitan la Casa, comentarán de nuestra artesanía. Es una forma de difundir y darle el verdadero valor de la randa que fue transmitida de generación en generación a través de los años”.

Alejandra Mizrahi investiga el movimiento, la cultura y la técnica randa desde hace 10 años. En esta oportunidad ha curado esta exposición Randa Testigo: complexión, gestos, hábitos y maneras de estar en randa. Nos cuenta cómo ha organizado el trabajo: “Corporalidades, Materialidades y Hábitat son los ejes que atraviesan las redes de estos sutiles encajes en una íntima relación con la identidad del trabajo de sus autoras. Estas facetas entretejen personas e instituciones en un vínculo colaborativo que aúna esfuerzos para dar mayor visibilidad a este legado cultural. En la Casa de la Independencia, museo más visitado del país, puede verse el trabajo colectivo de las Maestras Artesanas Randeras de El Cercado en el MUMORA (Museo Móvil de la Randa), así como obra de la artista visual Carlota Beltrame y piezas patrimoniales”. 

Mizrahi se detiene en las tensiones que se originan dentro del sistema del arte y los estándares de legitimidad. Recomienda la lectura de Silvia Rivera Cusicanqui. Lee la voz de cada randera en sus modos de tejer. Dentro de la exposición, se exhibe el MUMORA que han armado las randeras, donde se expone Autobiografías Randeras. Mizrahi detalla: “Ahí cada una ha tejido una randa como si hubiese hecho un autorretrato o hubiese escrito una autobiografía. Han elegido cada una la tipología: cuellos, tapete circular y rectangular, más chiquito, más grande…”. 

En cuanto al trabajo de Carlota Beltrame, que se exhibe en las salas, constituye un repertorio de 6 fotografías que registran la intervención de Montoneros en la Casa de Tucumán en 1971, con randas de gran tamaño que velan la imagen. La autora nos cuenta de primera mano que comenzó a trabajar con la randa exactamente en el año 2000 y que en 2002 realizó una serie de randas a modo de escarapelas bañadas en cal, con la idea de que la cal pudiera ir corroyendo la propia obra. Desde entonces ha profundizado su investigación al respecto. En esta oportunidad, ante la propuesta de Mizrahi de exponer en este museo emblemático que forma parte del imaginario nacional, pensó en detenerse en un “acontecimiento impresionante” que a su modo de ver no permanece en la memoria: la toma de la Casa Histórica por parte de cinco montoneros jóvenes de 20 años en febrero de 1971. 

Beltrame reflexiona: “Es una parte de la historia muy negada que se esconde, que trata de no mostrarse y me parecía interesante sacarla a la luz con una randa muy grande, cuya confección llevó dos meses, haciendo la traducción de las seis fotografías que registran en aquella intervención de Montoneros en la Casa Histórica. La randa es un textil que heredamos, de los holandeses, pero a través de España. Los españoles estuvieron un siglo ahí y llevaron los diferentes tipos de encajes, que son propios de la cultura flamenca y viene a través de los españoles a América Latina. En Europa desaparece este tipo de encaje que es el de malla, que es como una red de pesca, pero muy chiquitita sobre la cual se borda… En Europa persisten otros tipos de encajes entre los cuales predomina el encaje de bolillo, y acá queda en América Latina como una práctica arcaica… De la misma manera que quedan giros lingüísticos que ya no se usan en España y que son arcaísmos que todavía usamos, sobre todo en el Norte de Argentina son más notables”. 

Beltrame prosigue: “Quería agregar una pequeña cosa: el 15 de febrero de 1971, que eran los últimos meses en los que gobernaba Onganía, en la dictadura de Onganía del ‘66, lo iba a suceder Lanusse, que es cuando Montoneros toma la casa y hace esa pintada en la sala de la Jura de la Independencia. Yo la asocio con Camnitzer, ¿con qué parte? Con la que él formula en su libro Didáctica de la liberación donde toma a Tupamaros como un antecedente de acciones que son políticas, pero son estetizadas o están estetizadas. En su libro, él nombra una serie de acciones de Montoneros. Yo digo Montoneros toma la Casa Histórica, la pintan, y que jamás fueron encontrados, los buscaron por todos lados, y fueron solo cinco chicos… A mí me interesa pensar en la misma línea en que Camnitzer piensa las acciones de Tupamaros: acciones que, desde la política, sin embargo, están profundamente estetizadas, porque parecen performances, prácticas participativas”.

El estertor de esta deriva tucumana atiende la instalación Rapsodia, del joven artista Mariano Martínez, curada también por Alejandra Mizrahi. Vemos el registro de su obra, nos detenemos frente a una pantalla en la que se siente el sonido de una bestia desgarrando tejidos, textiles y tramas. Volvemos a organizar un nuevo viaje para poder seguir narrando.

LS

Pienso en el Día del Amigx y no puedo sacarme de la cabeza la confusión entre Poeta Fontanarrosa y Negro Fontanarrosa, que ha circulado en redes sociales por estos días. También pienso en esa figura de buen vago amiguero que promueve el segundo Fontanarrosa, opacando la obra del poeta. Me quedo rumiando: el modo de reconocer a unx amigx, el trabajo de les artistas, o una escena, es nombrándoles. 

Así se discute en los asados de lobby y rosca. Recomiendo los poemas de Domingo Fontanarrosa y reviso las referencias de Osvaldo Aguirre, en su doble rol de periodista cultural y poeta, quien formula: “Podría ser considerado un minimalista avant la lettre, pero el sentimentalismo anula esas dolientes composiciones. La influencia de Evaristo Carriego se aprecia en la circulación de corderitos y jilgueros ciegos, en el lamento por el paso del tiempo y otras efusiones”. Impasse para el poeta solitario. Unos editores, con la voluntad efusiva de encontrar referencias sobre el amigacho rosarigasino como estandarte de la amistad nacional, anulan la existencia y la singularidad del poeta Domingo, quien le da nombre a una calle hermosa que bordea el río en la costanera norte de Rosario. 

Reviso la orfandad de este nuevo mundo y no me siento inspirada para saludar más que con un “te adoro”, “te admiro”, “te quiero”, “te elijo”, “te disfruto”. Impersonal pero preferido. Vuelvo a mis lecturas amigas, me permito sentir tristeza por la omisión de Domingo Fontanarrosa. Entonces así, en actos de justicia y tinta, retorno al anaquel de poesía y abrazo La edad de Eva de la fabulosa poeta Alejandra Benz (Esperanza, 1982; radicada en Rosario) editado en 2016 por Ivan Rosado. Incluye poemas familiares y territoriales extraordinarios que, en la lectura y con el paso del tiempo, se organizan universales. Me late el cuerpo ante un poema titulado “Si Evita bebiera”, me atrevo a un fragmento en el que se larga con todo: Lo que te decía es que si Evita bebiera/ la invito una Schneider bien fría acá en la mesa de plástico/ en la veredita que tiene una sombra ancha de fresno/ y le cuento que más o menos pasaron/ las mismas cosas que antes/ pero a través de una pantalla que es la compu/ que miramos y opinamos/ porque juntarse es más difícil ahora/ que parece que la tierra se agiganta debajo de los pies/ y que después de los treinta va a ser peor.

La poeta nos interpela y nos obliga a las calles. Recorremos. La primera parada se da en la galería Crudo, la exposición que visitamos es El cuerpo con letra entra, curada por Manuel Quaranta. En el trayecto de estos días aciagos, se abre una ventana de ilusión con obras de Daiana Ares, Aylén Bartolino Luna, Marcos Calvari, Hernán Camoletto, Virginia Chouhy, Ariel Costa, Alejandro Fangi, Fepi Farina, Yuyo Gardiol, Federico Gloriani, Gabriel Hoyos, Gastón Miranda, Wladimir Ojeda, Daniela Rodi, Luis Rodríguez, Candela Roselló y Natacha Tellez. Se destacan las magistrales intervenciones espaciales de Gastón Miranda, con una fotografía en campo expandido que ofrece una trampa al ojo, en la que no podemos más que interrumpir, salir y volver, para en la retentiva del cariño, volver. Virginia Chouhy establece una escultura portante en un eje axial de la sala y evidencia su destreza en la materialidad y el uso de la compacidad. Ariel Costa nos cuenta el monte chaqueño con los ojos estrambóticos de unos búhos vigías nocturnos en una pintura total. 

Continuando el recorrido, nos sumergimos en Jamaica ATR Gallery con la exposición Muchacho del Paraná del gran artista Manuel Brandazza. Ha copado todo con murales de barro que reflejan el paisaje yermo del río seco, pero que con majestuosidad exceden los límites de lo pictórico para instalarse en dinámicas sincréticas del color de nuestro suelo, de nuestro limo. Celebra en estas obras la plasticidad de la orografía fluvial del ambiente litoral, con adhesiones de matelasse de alta costura en clave de siluetas fantasmales, acompañado también con un poema fraterno formulado por Virginia Negri: El muchacho del Paraná/ nos atrapó con sus redes/ Acá nos miramos unes a otres/ notamos que podemos ser/ parte perfecta de este bestiario/ Mirá cómo podemos/ vivir todas juntas/ todas estas mostras juntas.

Rumbeamos para la exposición El mundo de la fantasía, patrimonio de la humanidad de Sol Quirincich, con curaduría de Georgina Ricci, que se exhibe en la galería Estudio G. En el principal plano de exhibición de la sala, se ubican escudos repujados en cobre, laudatorios de lo pequeño, lo íntimo, al borde del souvenir. El texto que acompaña la exposición, escrito por la curadora, fija posición al ejercicio de las genealogías ajustadas en la memorabilia de lo modesto: La artista le arrebata a la Historia el derecho a instituir heroínas y héroes, a declamar himnos y consignas. El díscolo panteón se inscribe en cobre, que es más frágil y amable que el bronce. 

Hay un mapa mental que se corporiza en los abrazos de la amistad.

Hay un mapa mental que se corporiza en los abrazos de la amistad. Entro al Teatro La Liebre de Marzo, en Gualeguay. Investigo su dinámica. Gastón Díaz, director, gestor y productor del equipamiento, en una suculenta charla, me cuenta: “Liebre de Marzo es un centro cultural de Gualeguay, Entre Ríos. Es el único teatro independiente de la ciudad, y la palabra independiente no designa solamente un aspecto institucional. Su origen tiene que ver con la necesidad de un grupo de teatro de encarar sus proyectos respondiendo a una voluntad de creación sin ataduras y al deseo de experimentar para poner en movimiento —transformar en acción— las preguntas que como gestores y trabajadores de la cultura nos hacemos. Hablo en plural porque me refiero a un equipo que viene trabajando desde antes que este espacio exista y que, a partir de su inauguración en 2015, tiene su propio hogar. El grupo se llama ‘Salida de emergencia’ y existe desde el año 2006. Hoy en día Liebre de Marzo también es el búnker de creación de ‘Agua Viva’, un grupo que se gestó con la experiencia de la sala. Además de ser un espacio de formación artística, Liebre también es la plataforma de creación de estos grupos. En contra de un sentido de profesionalización entendida como cargar de normas institucionales y formales el trabajo, confiamos en generar un espacio convexo, abierto a recibir lo que viene desde fuera, a dejar entrar y ser influenciado y modificado por lo todo lo que lo rodea. Como anfitriones recibimos y alojamos a grupos de teatro que llegan a hacer sus funciones cuando están en gira, también a grupos musicales. Eso permitió la conexión con experiencias de otras latitudes, abrió nuestro campo de acción y facilitó que surgieran coproducciones y trabajos en conjunto con colegas de otras ciudades”.

Rumbeando noroeste hacia Victoria, me detengo a conversar con Gervasio Barbagelata, quien se define como artista plástico y bioconstructor litoraleño, nacido en Paraná. Lleva adelante Siete Paraísos, que funciona como residencia de artistas. Nos cuenta que la situación actual del arte en Victoria se ha visto fuertemente contraída. Debido al contexto de las medidas de aislamiento, se ha reducido considerablemente la producción artístico-cultural. Ante este panorama de incertidumbre se le suma “la desaparición del río frente a nuestras costas”. Ir a hidratarse al río, mojarse las patas en sus costas, bañarse en sus esteros, trabajar en él. Suena “Pinandí” (pynandí), el tema pulcro recientemente estrenado por Teresa Parodi, que inunda con su trino preciso nuestros salones de la soledad yerma, y alimenta así la felicidad. 

Ileana Dell'Unti es cineasta y escritore del norte de Argentina. Trabaja en torno a lo real, “aunque nunca pueda acabar de definir qué es eso”. Nos cuenta: “Decidí volver a Formosa, mi tierra natal, en un intento de reencontrarme con mis raíces. Pero la realidad tenía otros planes para mí —esto es lo mejor que puede pasarle a une documentalista— y al llegar me sentí completamente extrañe, casi extranjere, así que empecé a tirar de ese hilo emocional, buscando desafiar desde el arte aquella premisa de que nadie se baña en el mismo río dos veces. Quizás porque visitar el río Paraguay fue lo primero que hice al llegar —mi actividad favorita de la infancia—, apunté la cámara al paisaje que me rodeaba y comencé a leer autorxs y ver documentales que filmaban paisajes, en su mayoría urbanos, registrando su presente y sus transformaciones a lo largo del tiempo, marcadas en general por la gentrificación, investigando la relación entre la memoria y el territorio. Habitando esos espacios extranjeros comprendí la magia del paisaje. Si se mira atentamente, si nos tomamos, o nos prestan, el tiempo para perdernos en los espacios que habitamos, para volverlos extraños y estudiarlos como arqueólogues, es posible descubrir nuestra memoria impresa en ellos, podemos incluso viajar en el tiempo. En el paisaje habitan el pasado y el presente en simultáneo, puesto que la forma que tienen los paisajes que nos rodean es el resultado de la historia que se imprime en ellos, transformándolos y dejando marcas en cada mutación, como huellas por las que es posible desandar una y mil historias de quienes caminaron por allí antes que nosotres”. Por estos días se lanza “Bajo Río”, un trabajo documental sobre la bajante extrema del Paraná con la producción de Jorgelina Hiba, Belén Bertero y Rocio Luna, las cámaras de Mario Armas y Camilo Postiglione y Ramiro Ortega, la edición de Mario Armas y Dana Tameron. Es un producción audiovisual impulsada por la UNR que abre un mojón para retratar, desde lo periodístico, un momento que atraviesa la región por la bajante más pronunciada del Paraná.

Sigue sonando “Pinandí” de Teresa Parodi mientras conversamos con otros artistas. Besamos la costa del río en esqueleto. Nacido en Paraná, radicado en Rosario con su base de operaciones, pero andariego y recorredor de otras geografías, el artista Federico Leites, cantor y autor, entre tantas otras producciones, del disco-libro escénico multilenguajes Montaraz, me cuenta que actualmente está dirigiendo “un primer experimento cinematográfico sobre el nacimiento de un sonido, filmado entre Rosario y Tucumán; METADATA es un híbrido entre documental y ficción que de manera muy artística retrata el cambio de era”.

Promovido desde la autogestión, El Quiosquito es un espacio y galería de tránsito de arte en Resistencia, Chaco, que tiene el firme propósito de evidenciar las lógicas emergentes del arte contemporáneo desde el nordeste argentino hacia el mundo, aunándose los circuitos habituales con los escenarios no convencionales. La galería funciona en una playa de estacionamiento de vehículos, con acceso inmediato a la vía pública, y en un pequeño kiosco ubicado en el microcentro de la ciudad. Lo gestionan y sostienen lxs artistas Natalia Giménez y Blas Aparecido, quienes aseveran que “se generó un sitio de experimentación a través de una serie de encuentros, convocatorias de alcance nacional, conversatorios, talleres y muestras”.

Casa Kaos es una casa queer de la ciudad de Rosario, donde se desarrollan talleres, seminarios, producciones artístico-culturales. Ejecutan proyectos interpelados por la cultura queer y disidente. Nos cuentan, en una agitada conversación por videollamada que se va plagando de colores y palabras de cariño: “Paralelamente a Casa Kaos, conformamos House of Kaos, mother Ayelén Beker. Actualmente estamos trabajando para sostener el lugar y encontrando dinámicas alternativas para no desaparecer”. Militan el día a día en permanente resistencia, generando para la ciudad un ámbito de acción alucinante y necesario.

Otro proyecto autogestivo que dinamiza la región y que presenta una enorme trayectoria es Curadora Residencia. En el año 2012 lxs artistas Maximiliano Peralta Rodríguez y Cintia Clara Romero decidieron ampliar su casa de San José del Rincón para recibir a colegas que tengan el deseo de desarrollar proyectos productivos o reflexivos en un ámbito ideal, en pleno monte litoral. Así es como gestaron Curadora, proyecto que definen como “una residencia de trabajo para artistas, gestores y curadores, nacionales y extranjeros, desarrollada con el fin de brindar un sitio propicio para el intercambio, investigación y producción en vínculo con las problemáticas del arte actual”. Excelente noticia es que actualmente tiene abierta su convocatoria para las temporadas septiembre y noviembre. Hay tiempo hasta el 30 de julio para presentarse; podrán participar artistas visuales, gestorxs culturales y curadorxs, sin límite de edad. La casa está ubicada en un paraje semi-rural, rodeada de arboledas, ríos y lagunas, y cuenta con tres habitaciones, un taller, una carpintería y un gran jardín para que les residentes desarrollen sus proyectos. Durante los días que dura cada temporada, se comparten la casa, las comidas y los procesos de trabajo, proponiendo una comunión entre la práctica artística, las tareas cotidianas del hogar y el entorno natural.

La convocatoria que resuena y se mueve al ritmo de una población ansiosa por bailar es “Taller-laboratorio de danza Fantástico Bailable” con dirección general de Paula Manaker, junto a Juani Favre y Federico Tomé. Son encuentros que se orientan en la danza, en las personas mayores de edad, el erotismo maduro, su relación con el cuerpo cuando bailan con otres, el espacio público y el baile popular. Casi como calentando motores para la nueva normalidad de los cuerpos, es un proyecto promovido desde el Centro Cultural Parque de España de Rosario, también a la vera de un río que parece secarse y aislarse de su propia fluvialidad. Los encuentros serán virtuales y presenciales (dependiendo de las condiciones sanitarias) y serán por la mañana, desde agosto a noviembre de 2021; la inscripción también cierra el 30 de julio. 

Para agudizar el trabajo territorial, con alcance nacional y ajustada dinámica sectorial, me interesa detenerme en la asamblea que ha sucedido el miércoles 21 de julio, convocada por el colectivo Artistas Visuales Autoconvocades Argentina (AVAA). En dicha asamblea, que ha superado el aforo que las plataformas virtuales permiten, se ha promovido la discusión mancomunada del Proyecto de Ley para la Creación del Instituto Nacional de Artes Visuales (INAV). Este colectivo, que ha estado trabajando con rigor, ofreciendo soluciones concretas, fijando agendas, manifiesta: “En el campo laboral de las artes visuales, la precarización y la informalidad son situaciones históricas. Por ello, desde distintos colectivos y organizaciones que abarcan todo el territorio nacional, abordamos diferentes demandas relacionadas a nuestros derechos laborales básicos, entre ellas: el Tarifario de Artes Visuales (TAV), la Ley de Jubilación y de Monotributo, así como también subsidios específicos vinculados a las conocidas restricciones por el aislamiento social”. Acciones que sostienen con investigación y militancia permanente. 

Proponen gestionar, instrumentar, reglamentar e implementar la creación del INAV, aseverando: “Es fundamental para regular las condiciones laborales de les artistas y toda persona afín a las prácticas dentro del campo de las artes visuales. Además, será un organismo rector de la promoción, fomento, estímulo y apoyo de la actividad específica, beneficiando directamente a sus actores en términos amplios, y por ende también a la sociedad toda. Creemos que siendo capaces de dar vida al INAV, nuestro obrar como trabajadores de las artes visuales será reconocido, y nuestro rol en relación con la comunidad en general será más profundo, fructífero y, principalmente, justo”. Como en otros casos convocados a lo largo de este recorrido, destacan: “El impacto multidimensional de la pandemia evidenció aún más la precarización del sector y nos puso en estado de Emergencia Cultural. Una amplia mayoría de artistas y trabajadores de la cultura quedaron prácticamente sin ingresos y sin posibilidad de acceder a trabajar o desarrollar sus actividades. Condiciones que vuelven la creación del Instituto Nacional de Artes Visuales no solamente necesaria, sino absolutamente urgente”.

LS

Leo un poema que reduce de manera eficiente el estado vegetativo de nuestras vidas y de los proyectos. Versos de Rafael Bielsa, bajo el título “Las vísperas y la culminación”:

más inminente la guerra mientras el Viejo trabaja/ más cercana su muerte/ trabaja cercado por cráneos con un agujero/ en la frente/ están todos muertos ¿tiene derecho/ a pedir que no se vayan?/ trabaja en la fosa del mundo en un recodo/ del tiempo del que creyó haberse/ despedido para siempre/ hay metralla y fusiles sobre su cabeza blanca/ el cuerpo frágil protegido apenas por el fluido/ del pigmento de sus ojos/ un aguacero de infamias y mentiras impresas/ trabaja/ cuánto cansancio cuánta distancia quién estará/ del otro lado del estampido

Mueren nuestros cerebros, nuestras bibliotecas. Periodistas especializadas, súper rigurosas, deben resguardase de la violencia en manada. Se derrumba una barranca en la isla frente a mi ciudad: cuatro vagos prenden un fuego para comerse un asado puro de carne y bajo la lumbre del rescoldo, se agrieta el suelo y la fuerza de una tierra viva se lleva el limo y nuestros aguaribayes añosos. Con esa noticia en la cabeza, camino por las calles del centro copando el espacio público como una infiltrada. No hay gente en la city. Golpeo los escritorios institucionales por necesidades concretas que exigen la instrumentación de un deseo. Trabajamos con los deseos y no llegan a resolverse porque las escenas tectónicas están en el momento exacto del volcán en dormancia. 

Sontag, en su novela El amante del volcán, me entusiasma en momentos de depresión: “La dulce condena del coleccionista… es ir por delante y, cuando otros le dan alcance, verse fuera de la competición por aquello de lo cual ha sido pionero. (Que puede llegar a considerar menos deseable, puesto que ahora tantos se interesan por lo mismo)”. El Cavaliere, personaje coleccionista de esta célebre novela, ya agotado de las piezas de arte, se larga a cierto coleccionismo plein air y se zambulle para apropiarse, para extraer piezas del bioma que lo rodea en el Golfo de Nápoles. Coleccionar lava de un volcán, piezas de arte, o cualquier objeto que despierte un programa pulsional, define un circuito, en el que hay un mercado que requiere de las instituciones legitimantes, de les galeristas, de los ritmos financieros, de les compradores, de los termómetros de ventas, del mercado secundario, de les investigadores, críticxs, curadores, pero fundamentalmente del trabajo de les artistas. Mercado Inexistente del Arte (M.I.d.A. fanzine, Rosario, 2005, Cultura Pasajera, con prólogo de Flor Balestra y Mauro Guzmán), escrito por Pablo Montini, formula y se pregunta la incidencia de las políticas de Estado necesarias para saldar la falta de un mercado del arte a partir de sus colecciones públicas, activando de este modo fuentes de ingresos para artistas. De refilón me atrevo a una genealogía. 

Me entrego a la lectura de la serie Constructoras publicada por el equipo editorial del Castagnino+macro, una publicación digital que reivindica el rol de las mujeres en la conformación del acervo del museo: Rosa Tiscornia, María Laura Schiavoni, Celia y María Antonia Astengo. Desde hace algunos años, dicho museo está revisando sus políticas de colección con perspectiva de género, por lo que su coordinadora, Georgina Ricci, encomendó al equipo conformado por Mariel Heiz, Florencia Bello y Paloma Ferrero la investigación sobre las mujeres que hicieron fuertes donaciones. Podemos también detenernos en las políticas públicas del gobierno nacional lideradas por Valeria González a propósito de los premios nacionales para destacar la primera edición del Premio 8M destinado a artistas mujeres, lesbianas, trans y travestis de todas las disciplinas de las artes visuales, sin límite de edad ni requerimientos de trayectoria, que ha tenido lugar en el Palais de Glace dirigido por Feda Baeza.

Urdimbre transfeminista, transfederal y despatriarcal, teje maestro entre papisas de las escenas. Las ideas son esenciales para entendernos, para ser mejores, para ser solidarias y solidarios, y las ideas en nuestras sociedades cobran diferentes formas que se viabilizan a través de distintos lenguajes.

Urdimbre transfeminista, transfederal y despatriarcal, teje maestro entre papisas de las escenas. Las ideas son esenciales para entendernos, para ser mejores, para ser solidarias y solidarios, y las ideas en nuestras sociedades cobran diferentes formas

Así es como podemos volvernos sujetos amorosos. Hablo de artistas, hablo del trabajo de artistas, de las celebraciones vitales para que existan les artistas, hablo de pensamientos, de investigaciones, de procesos necesarios para que la cabeza y el cuerpo se expandan. Me llegan fotos de infancias corriendo en paisajes de nieve donde nunca hay nieve, por un instante el mundo es mejor en algunas localidades cordobesas. La nieve que ensordece los paisajes me despierta ternura, me alienta a pensar que la tensión impuesta en las realidades y en las pantallas bien puede esfumarse por un ratito. Le debo pedir paciencia a mi editora. Ella me estimula y, creo, encarrila esta deriva que pretende contar el estado del arte, del trabajo de les artistas y sostener un hilván en el que estoy cada vez más débil. Leo en sus palabras la bonhomía para estar en sintonía con las mías, y la virtud salvaje de la curiosidad.

Llamo a Catalina Urtubey, creadora de El Gran Vidrio Córdoba, quien con su notable tonada me cuenta al teléfono: “Nunca alcanza con el mercado tradicional del arte, así como con sus maneras, sobre todo por fuera del centro de Buenos Aires”. Le parece que el mercado subalterno existe gracias a las personas, a los vínculos interpersonales y a la creatividad. También desde esta provincia mediterránea llegan mensajes de Lucía Von Sprecher, quien en conjunto con Ral De Haro y Amparo Molar crearon Boutique Flotante. Lucía me cuenta “sin señal” desde el monte cordobés: “Boutique Flotante surge a partir del encuentro diario y espontáneo de quienes habitamos Hotel Inminente. Vinculadxs a la necesidad de experimentar un camino propio y autogestivo nace una tienda que reúne piezas de habitantes de la escuelita. Escenas de montajes donde la carencia se presenta como una oportunidad”.

Desde La Rioja, el coleccionista y bioquímico Hugo Albrieu relata que el mercado del arte en esa ciudad presenta un panorama experimental con el que tiene proyectos en común, pero no podría decir que existe un mercado del arte. Define su colección como “territorial” ya que colecciona según sus recorridos por el NOA y Cuyo. Adquiere según los espacios por donde se mueve, destaca que hubo mucha oferta virtual, confía en lo que ve en pantallas en Tucumán, Mendoza, Salta y La Rioja, por supuesto. Otro caso que estira las relaciones y salta el cerco de los límites de la presencialidad es la pintora de Viedma Jorgela Argañaras, quien tiene una obra enorme y ofreció para el pasado Día del padre una promo en sus redes que ha dado sus frutos, acortando el sistema, otorgando inmediatez y ritmo a la mano loca del click collector.

La artista y productora Virginia Negri, entrerriana radicada en Rosario, donde fundó espacios como Triple X junto a Manuel Brandazza o la galería-gualichería Embrujo, ofrece el lema “militando el cualquierismo” y le pido que me comente un poco más de qué se trata: “Militar el cualquierismo es mi nuevo leitmotiv, es animarte a la contradicción, al ridículo, a la micropolítica. Al arte porque sí, pero por placer, placer de hacer sin importar mucho cómo se hace, economía de los recursos, que sea con lo que tengamos a mano. Basa sus preceptos en no tenerlos, pero toma inspiración de los Mandamientos de la Religión Gánica de Federico Peralta Ramos y el ”Manifiesto para un arte en el marco de nada“ de Ana Wandzik. Militar el cualquierismo es también una mirada retrospectiva, de todas las cosas que hicimos entre amigues, obras multiautorales, poemas-perfos, fiestas en la calle, bailar cumbia en patas en una fiesta en la calle, donde todo es perfecto, bizarro y fantástico”. 

“Trabajar entre pares cuando la discusión es fáctica” me susurran las sabias. Silvana Lacarra refuerza: “La salida es colectiva”. Llamo entonces a Adriana Bustos, artista cordobesa con amplio recorrido internacional, y le consulto sobre Fondo Fluido. Me cuenta que es un proyecto entre artistas, galerías y coleccionistas. Las referencias iniciales del proyecto tienen su origen en una idea de Marina De Caro: que funcione como un fondo común económico, como ayuda para les artistas en situación de emergencia. Así fue como en 2020 surgió Coleccionables de Emergencia, una iniciativa de las artistas Adriana Bustos, Cecilia Garavaglia, Mariela Scafati y Marina De Caro. Ambos son proyectos hermanos. Adriana comenta: “Es una manera de incentivar por un lado el mercado, se organiza así un tejido entre coleccionistas, artistas y galeristas, a lo que se suma un eje más llamado ‘Aliados del Fondo Fluido’ sean galeristas, coleccionistas y artistas con aportes mensuales o anuales, cuyas donaciones sostienen el fondo y su funcionamiento”.

Estos proyectos emparentados configuran una subred suculenta con Desesperadas por el Ritmo. Su vocera Marcela Astorga sintetiza los modos de trabajo formalizados en una cooperativa con la idea de diseñar y producir objetos de uso cotidiano: “Es un proyecto cooperativo para apoyarnos mutuamente y activar otra posible manera de ser artistas. Tenemos como referencia el proyecto que tuvieron Tracey Emin y Sarah Lucas en 1993, The Shop. Las Desesperadas Coop somos Elba Bairon, Silvana Lacarra, Marina De Caro, Cristina Schiavi, Mónica Millán, Adriana Bustos, Ana Gallardo y yo”.

Por su parte, el artista Federico Cantini lleva adelante Jamaica ATR Gallery con base en Rosario, una propuesta alucinante en la que se destaca el Primer Salón Nacional Jamaica Posible, celebrado en diciembre de 2020. A partir de una convocatoria nacional sub-30 con notable perspectiva federal, se recibieron 140 proyectos, entre los cuales se seleccionaron 16 de distintas localidades. La selección estuvo a cargo de un jurado de lujo: Mariana Telleria, Feda Baeza y Maximiliano Masuelli. Según comenta Federico: “Les premiades fueron Clara Miño, Carrie Bencardino y Gaspar Núñez. Ofrecimos tres premios de 15.000 pesos, no adquisición”. Destaca que para él está muy bueno poder acompañar la producción desde lugares horizontales. Este viernes pasado, siguiendo con su frondosa programación, se ha inaugurado la muestra Muchacho del Paraná del talentosísimo Manuel Brandazza.

Retomando el Mercado Inexistente del Arte de Montini, nos detenemos en la casuística citada en el documento, que ha subvertido ciertamente el mercado del arte y ha abierto estela para pensar nuevas maneras de comprar, pero sobre todo de vender: Mi primera venta de la artista Luján Castellani. En un contexto de crisis institucional en las zonas del 2001, el historiador reflexiona: “Luján creó su propio proyecto y salió a vender su creación. Así, junto a un compañero, llevó su obra hasta un desguazadero y vendiéndola por peso realizó su primera venta”. Así, la artista documenta la acción y establece una línea crítica y reconcentrada sobre la precarización laboral de les artistas y las casi ausentes escenas de circulación y mercantilización.

Aparecen otras economías que podríamos llamar ¿subalternas? Sí, economías subalternas en la cultura y en el arte. Aquello que aún no está reconocido en las escenas locales, que tiene pulso desparejo en las nociones regionales, y que presenta una clara decisión en los ámbitos de la Secretaría de Patrimonio en la voz de Valeria González, puede ser llamado como agenciamientos subalternos.

LS

Surge una nueva categoría en la semántica de nuestra jerga: “cultura viral”, mientras escucho al cronista de nuestro tiempo, experto sin escalas entre el polvo de cristales de un potrero y la erudición más excelsa. El cronista (la deidad desde ahora) y yo, su aprendiz, nos detenemos en una osamenta preciosa, tersa y aceitunosa que nos explica a Manuel Gálvez en chicano. Tanto la deidad como yo nos derretimos, pero sabemos que ese candor no pasa de esta mesa, que con los días se volverá espeso y ambicioso.

En El Rey, comedor peruano del Abasto, experto en garnish en rosetas sobre ceviches alucinantes, el plato con rulemanes giraba ante una grey de inapetentes que rumbeaba al toilette generando el mojón de toda una generación de intelectualoides a los que la deidad le ha dado trabajo desde entonces (esta cronista incluida). La deidad sabe que hablamos de él. Mi editor y mi editora, y mi colega rosarina talento poético precoz, también. Leemos sus fantasmas. Me dice, una noche en vela, mientras discutimos las escenas políticas en registros plásticos y documentales, “el loco Dorrego, veamos a Dorrego”, y el chicano explicando Gálvez, presten atención, Gálvez en El gaucho de los cerrillos: “Al saberlo, la gente se derramó por las calles. Llenándose las pulperías, y las canciones y los cielos que lloraban la muerte de Manuel Dorrego, hicieron estremecer los corazones de la plebe. Toda la tarde y la noche, gauchos a caballo vitoreando a Rosas. En las casas de los unitarios rezaban las mujeres, y los hombres tendían sus oídos hacia la calle”. 

¿De qué escribo cuando trato de escribir todo en esta columna mensual? Y evito escribir sobre malestar. Evito escribir sobre los fantasmas, evito escribir combativa en Facundo, en Civilización y Barbarie. Evito desnudar el dolor del virus y la hemoglobina del torrente. La deidad despierta en la nostalgia por las alfombras rojas, del tiempo inocuo del intercambio de fluidos, la fisiología de la festividad, dice: “Extraño las alfombras rojas, las avant-première, los cocktails antes y después de las inauguraciones, las vernissage, la joda, las giras, la jauja”, lo que denota, en esa progresión léxica sincrética y altisonante, un in crescendo amoroso de extranjerismos y de festividad extinto. Avanza, así, la temperatura del terciopelo del algodón, de la elegancia de un cuello, de los compuestos volátiles del café y los vinos, de los abrazos tibios. Del apilamiento veloz de los glóbulos rojos en la expectativa del amor entre los cuerpos. ¿Qué pasa ahí? Ante que se aceleran nuestro pulso y nuestros caudales. Cómo se sostiene nuestro esternón enhiesto sin locura. Veo correr a otra velocidad nuestros fuegos. Cuáles son las nuevas velocidades de nuestros canales sanguíneos en las avenidas de nuestros deseos. Los chocolates. Los aromas de los viajes rumbo a otra ciudad en poco tiempo, visitar casas de al lado que se volvieron lejanas en los bulevares cercanos. ¿Cómo emergen las pantallas en la conversación? ¿Podríamos pensar en un nuevo índice industrial y capitalista que se llame “horas pantalla”? Les consulto a los expertos periodistas culturales de distintos lugares del país que están atentos y atentas a la subjetividad de este tiempo. 

Cabría preguntarse junto al cerebro sensible y brillante de Beatriz Vignoli, histórica y célebre poeta y cronista cultural, ¿cómo reseñar las pantallas? O bien preguntarle a Martín Pérez hacia dónde rumbea la edición impresa de Radar. ¡Qué precioso suplemento! Ya piedra angular y acervo transgeneracional de consulta. Fernando García con sus suculentas investigaciones periodísticas. Aparece una lista enorme de profesionales que, con oficio y maestría, cuentan las escenas culturales resistiendo la miopía de la realidad, sorteando el blur de las pantallas: Marina Mariasch desde LATFEM en formato newsletter; María Paula Zacharías apretando un acelerador y recorriendo las artes visuales con perspectiva federal; Daniel Gigena con agudeza y detalle lector a ultranza deteniéndose en pequeños versos estratégicos; Juan Fernando García, distinguido poeta, magisterio docente que cada tanto nos deleita con sus textos críticos agudos; María Moreno siempre, siempre, recomendándome volver a los bares o bien imaginando unirnos ante la boiserie de la Richmond; Juan Pollak remando la fluvialidad litoral; Lorena Misetich entre valles y alturas, desde Mendoza, y la orga de AReCIA moviendo el abispero.

¿Qué contar cuando sólo podemos contar las pantallas en las pantallas?

Esta vez conversamos con Osvaldo Aguirre, poeta, investigador, periodista, quien publica en diferentes suplementos culturales de crítica en el contexto latinoamericano. Nos cuenta: “Para mí la cuestión sigue siendo cómo y no tanto qué contar. Historias hay siempre, y como dijo André Gide, ‘todas las cosas ya fueron dichas, pero como nadie escucha hace falta recomenzar’. No me refiero a las formas, a los procedimientos narrativos, sobre lo que existe una bibliografía sobreabundante, sino al punto de vista con que uno percibe lo que ocurre y a la posición que adopta frente a las convenciones sociales, a problemas de la época como el seudo progresismo y la corrección política, a las expresiones del sentido común; en fin, como se decía en otra época, frente a la ideología dominante. Me parece que uno tiene que trabajar en contra de los consensos”.

Carlos Lezcano es periodista gráfico y radial de Corrientes. Tiene una columna de entrevistas y opinión en el diario El Litoral de Corrientes y conduce un programa sobre temas culturales en la Radio de la Universidad Nacional del Nordeste. Nos cuenta en relación a los cuerpos y las pantallas: “Los cuerpos no compartieron el convivio de la presencialidad, pero a la vez, exploraron otros espacios y otros modos no tradicionales para desarrollar las actividades. Al retirarse la presencialidad de los cuerpos de los espacios públicos, las actividades buscaron en el streaming canales nuevos de comunicación. Los periodistas, en este contexto, tampoco pudimos ‘cubrir’ los hechos ya que nos sumamos a la legión de espectadores sin rostro. Esto significó que la búsqueda de los detalles, procesos y climas que generan la presencialidad tengan que ser vistos y analizados desde otro lugar, para mí todavía indefinido, donde la pregunta periodística volvió con más agudeza a nuestro trabajo diario. Es importante señalar que Corrientes no tiene buena conexión de internet y por lo tanto no todos pueden acceder a los hechos culturales”.

Por su parte, Hinde Pomeraniec, escritora y editora de cultura en Infobae, con amplia trayectoria en ámbitos académicos y literarios en Buenos Aires, refiere lo siguiente: “Me da la idea de que se puede contar sabiendo que hay públicos nuevos y revitalizados a partir de la cercanía de las pantallas. Hoy cualquier escritor puede asistir a cualquier festival y todos lo seguimos. Hoy los que no pueden venir a los teatros de Buenos Aires pueden ver las obras a través de las pantallas. El caso de las hermanas Marull, por ejemplo, que hicieron ese documental maravilloso en el Modos Híbridos, a partir de la obra que no pudieron representar todavía en el San Martín, es un caso donde una ve cosas que habitualmente no vería, como es la preproducción y la producción, los ensayos… Me da la impresión de que estamos todos releyendo nuevos modos de comunicarnos, nuevos modos de hacer ver lo que producimos, nuevos modos de hacer leer, la explosión de los podcast y de las newsletter también forma parte de lo mismo. ¿Cómo acercarse en un mundo atravesado por el aislamiento? ¿Cómo acercarse en un momento del planeta donde el terror nos aísla y nos encierra? ¿Cómo acercar lo que uno produce en un momento donde no se pueden acercar los cuerpos? Bueno, se están encontrando modos, no creo que no deje huella. Me parece que la falta de cercanía física va a dejar huella, no solo en el modo de hacer las cosas sino en nosotros como seres humanos. Me imagino que los actores que no están pudiendo mostrar —sobre todo en ellos es donde más lo veo—, los actores de teatro que no están pudiendo acercarse al público, olfatear con la mirada lo que pasa con su trabajo, me parece que eso necesariamente va a dejar una huella”.

Desde Córdoba, Eugenia Almeida, escritora y periodista cultural especializada en literatura, refiere: “Las pantallas en las pantallas... Yo me hago preguntas en relación a toda la población que no llega a conectarse a las pantallas, más que las problemáticas que tenemos aquellos que hemos visto transformado nuestro trabajo, nuestro acceso a la información y a la cultura, y ya no lo podemos hacer de cuerpo presente, sino a través de un dispositivo. Tengo preocupaciones en torno a eso, pero lo que más me preocupa es la enorme proporción de la población que no tiene ningún acceso a un dispositivo o a una conexión de wifi, eso sí me preocupa, porque me parece que hay mucho trabajo por hacer en relación a garantizar y a promover el acceso, no solo a poder disfrutar de bienes culturales sino a poder producirlos. Pienso en los talleres, en los espacios de producción, que en este momento no pueden llevarse a cabo para cuidarnos, y en toda la gente que no puede sustituir eso por una pantalla, por su situación económica, porque el sistema lo expulsa… Creo que esa es mi mayor preocupación en este momento”.

Se suma a la reflexión Virginia Giacosa, periodista y editora de la Revista REA de Rosario: “En un tiempo en que las pantallas, la virtualidad y lo digital lo ocuparon todo, desde REA reponemos cierta idea de origen y reconfirmamos una cosa: ni el macrismo ni el coronavirus nos obligaron a caer en la web, siempre quisimos ser ‘digitales’. Aunque hijxs del ‘papel’ y de las redacciones, somos una revista digital y no renegamos de eso. En todo caso tratamos de optimizar esa factura y darle un toque diferencial. Como dice Pablo Makovsky, coeditor de REA, sería realmente una mezquindad negarle esos hipervínculos a quien lee. Por eso, mientras hay medios que quieren retener a su público dentro de una nota, a nosotros nos importan los desvíos —la palabra ‘rea’ indica eso, ir por los márgenes, por el descarrío—, que quien lea pueda irse, volver, ampliar, seguir, renovar el contrato de lectura”.

Ana Paula D’Atri es de Santa Rosa, La Pampa; trabaja de periodista cultural en el diario La Arena desde hace 9 años. Actualmente edita el suplemento cultural Caldenia. Ante la pregunta ¿qué contar cuando solo podemos contar las pantallas en las pantallas?, responde: “Todo se puede contar. Las personas siguen viviendo, y los y las artistas —que también son personas jaja— siguen trabajando. Creo que hoy se pueden explotar las historias, en el buen sentido del concepto. Las personas están conectadas 24/7 a las pantallas y una buena historia puede cambiarle el día. Detrás de cada artista hay una historia para contar, y eso creo que es súper lindo y atrayente para el público que nos lee o escucha”.

Desde Tucumán, formalizando una red sorora a través de la artista Alejandra Mizrahi, contacto a la periodista y activista Milagro Mariona, también editora del diario La Nota, quien me cuenta: “Hay historias en las pantallas, pero también exploramos las que están detrás. Cómo impacta la pandemia en la cultura y en quienes la producen, la afectación económica a la industria cultural, el rol de los Estados ante este nuevo escenario.  Visibilizar las estrategias de supervivencia y sostenibilidad de los proyectos creativos, el cruce de fronteras que permite la virtualidad. Mantenernos como un ojo crítico capaz de relatar las transformaciones de un sector cultural golpeado y removido hasta su esencia. Abordar las nuevas expresiones que emergieron durante la pandemia, vinculadas a la denuncia de vulneración de derechos, pero también aquellas que son testimonios de la ‘nueva normalidad’ a la que nos vimos confinados de un momento a otro”.

Florencia Coll es periodista y directora de un periódico feminista transoceánico: femiñetas. Su proyecto editorial es un lugar de resistencia porque define una urdimbre de relaciones tanto en los contenidos como en el soporte, y existe gracias al mano en mano, al papel, a los viajes entre América Latina y España. Le preguntamos: ¿Podríamos decir que es un proyecto analógico con contenidos multimediales? ¿Cómo ves el futuro del periodismo cultural rumbo a la virtualización de las relaciones? ¿Cómo gestionás desde la incertidumbre? Nos responde: “Pienso mucho en cómo y qué nos depararán estos segundos años 20 a la hora de encontrar formas de contarnos. Si siempre van a estar las imágenes, las ilustraciones en nuestro caso, las palabras, los retazos, el collage. En definitiva, me pregunto si continuarán nuestros interrogantes y algunas certezas sobre lo que deseamos contar, cómo hacerlo y qué necesitamos leer o escuchar”.

Vuelvo al roce de mis sábanas, descanso pocas horas de la pantalla, de sus mezclas aditivas lumínicas incandescentes, para poner en letargo las retinas del fulgor. Vuelvo al papel opaco de otros tiempos, y espero que mi editora dignifique el abismo del trabajo.

LS

Miguel Lifschitz se formó en la Universidad Nacional de Rosario, cursando la escuela secundaria en el Instituto Politécnico Superior y la carrera de Ingeniería Civil en la Facultad de Ciencias Exactas, Ingeniería y Agrimensura. Comenzó su militancia en 1973, atraído por la figura de Guillermo Estévez Boero, en el Movimiento Nacional Reformista y en el Partido Socialista Popular. En sus años universitarios, se despertó su vocación política la cual supo transferir con un notable ímpetu y compromiso, volviéndose motor de proyectos de impacto nacional. Tenía tres hijas, Yasmín, Ana Luz y María Esperanza, y un hijo, Federico. Estaba casado con la diputada provincial Clara García. Falleció ayer, en Rosario, víctima de Covid-19.

Conocía la ciudad de Rosario, así como a sus referentes al detalle, y recorrió toda la provincia de Santa Fe comprometiéndose con cada santafesino y santafesina, llevando soluciones de manera estratégica. Sus colaboradores y colaboradoras más cercanos no podían creer la resistencia que tenía: dormía poco, vivía atento, trabaja más que nadie a su alrededor. Jamás se quejaba. Fue un hombre de acuerdos.

Sus programas, sus proyectos y todos sus instrumentos de gestión denotaban el rigor que le imprimía a los procesos, del mismo modo que exigía a sus equipos de trabajo un compromiso para sostener su ritmo y responsabilidades. Los que lo conocieron trabajando cerca, destacan el pensamiento racional de Miguel, lo que lo distinguía por sobre todos los demás políticos y dirigentes. Su manera de entender la realidad era analítica.  Sus formas discursivas, también así lo evidencian, disponían de una progresión propia de la formulación de los teoremas. Cómo planteaba las hipótesis de sus ideas, cómo disponía el desarrollo de estas, hasta abordar las conclusiones para, así, ejecutar. Esa era su forma de encarar los problemas: con aplomo, con análisis, con pragmatismo, dejando de lado los dogmas y con acción. Escuchaba, escuchaba mucho, registraba todo y tenía una mirada profunda. Tenía una gran capacidad para reconocer, para actuar, para decidir. Un sujeto político, cuya trascendencia se evidencia en ser un hombre público. Un cuerpo público, un pensamiento público.

Fue un gran hombre, que pudo hacerse espacio para el buen humor y los encuentros con amigos, alrededor de un fuego. Con su compañera Clara García, eran imbatibles, era hermoso verlos quererse y trabajar. Supo reunir a sectores de diversos orígenes, de los ámbitos productivos, de las ciencias, de la academia, del mundo del trabajo, del arte y de la cultura, así como a los ámbitos civiles con quienes establecía vínculos originando proyectos. Disfrutaba conversar con todos, le interesaban las críticas y los desafíos que transformaban. Sus gobiernos y modos de gestionar supieron de aperturas y diálogo, de participación ciudadana y progreso sostenido. Su oído estaba atento a las tendencias globales: leía y estudiaba antes que nadie, exigía ser innovadores y disruptivos a su lado.

Una tarde de julio de 2016, hacía un frío bárbaro en Rosario, él era gobernador, yo trabajaba en la secretaría de cultura de la municipalidad de Rosario, me pidió que me acercara a gobernación: “Tenés un ratito, venite para acá”. Salí rumbo a su despacho con algo de nervios, porque sabía que cuando Miguel te mandaba a llamar significaba que había ideas y esas ideas se ejecutaban. Es decir, había ideas, conocíamos los circuitos para que las ideas cobren cuerpo: la compacidad de las ideas. Me preguntó cuál era mi experiencia de vida con la Biblioteca Argentina (la segunda biblioteca pública más importante del país, que está en Rosario). Le conté que pasé mucho tiempo de chica y joven en esa sala de lectura; le relaté que ahí había conocido amigos de Humanidades.  Que cada tanto peinaba archivos en la Hemeroteca, que conocía a los trabajadores. Le importaban esos detalles autobiográficos, porque entendía que en esa nervadura se consolidaba la intensidad del compromiso por el laburo. Entonces, me cuenta que le había quedado pendiente de su gestión como intendente hacer la obra de puesta en valor de la centenaria biblioteca, que si yo podía hacer el seguimiento del proyecto tanto con los equipos de trabajo, como con un nuevo plan de gestión y comunicación. ¡Una biblioteca! A los tres años la estábamos inaugurando. Nos abrazamos ese día. Ayer la ciudad eligió el patio de ingreso de la histórica biblioteca como lugar de despedida entre los que se encuentran sus compañeros de militancia como Mónica Fein, Juan Carlos Zabalza, Antonio Bonfatti, Enrique Estévez, Verónica Irizar y Joaquín Blanco, entre tantos.

Se va el mejor político en acción del país y se va un amigo que supo entender las necesidades de una provincia empujando más allá nuestros propios límites para generar nuevos horizontes con un estándar de trabajo y eficiencia enorme.

En el trabajo con él, me había exigido que los domingos le hiciera llegar un memo con los proyectos por delante, con una recomendación de lecturas sobre política internacional, nuevas tendencias culturales y novedades del ámbito artístico nacional. Cada domingo cerraba el mail diciéndole:

“Gracias, siempre Miguel, siempre gracias”.

El respondía al toque: “Dale, avanzá”

Ayer fue domingo.

Productora cultural

Pasaron ya dos meses, pero en la retentiva hay una imagen que vuelve, tremenda. Una imagen que antecede al desastre, la que quiero guardar en mi retina con la esperanza de la reconstrucción: una foto del 23 de febrero pasado, en la que el presidente Alberto Fernández se deja abrazar por los murales monumentales de Diego Rivera en el Palacio Nacional en Ciudad de México.

AMLO recibe a Alberto, camina por el vestíbulo y hace un parate al pie de la escalera principal del patio central; se lo oye hablar de “Diego”, Diego es Diego Rivera, demasiada confianza (y para mí, “Diego” es mi Diego Armando). Esa intervención pictórica se llevó adelante durante dos largas décadas, a partir de 1929. Constituye parte del testimonio del vínculo entre el célebre artista y el Estado mexicano, que lo contraría para tamaña proeza política y cultural; se evidencia en esta correspondencia que vale la pena estudiar. Rivera se banca la precarización laboral ejercida desde el Estado hacia él, así como expone los vericuetos pacientes a los que debía apelar para sostener su trabajo. En una carta de junio de 1941 dirigida al licenciado Eduardo Suárez, secretario de Hacienda y Crédito Público, detalla cuestiones vinculadas a los presupuestos de las pinturas murales:

“Esto se hizo así porque, naturalmente para poder yo asumir la responsabilidad sobre el resultado del trabajo necesito materiales cuya calidad sea buena a satisfacción mía, lo cual sería muy difícil de obtener por medio del sistema burocrático establecido para la adquisición de materiales. En el nuevo modo, debo yo adelantar el importe de los materiales pagando la Secretaría solo cuando el trabajo esté ejecutado a su satisfacción. Esto, es obvio, es en ventaja de la Secretaría y no mía. (...) En consecuencia he reducido el precio que se considera justo como retribución a mi trabajo, solamente por tratar de complacer los deseos del Señor Presidente y corresponder a su buena voluntad por la pintura mexicana, así como contribuir en mi pequeña esfera de acción haciendo algo por mi país”.

Algunos años más tarde, en enero de 1945, el artista le escribe al ingeniero Jesús Merino Fernández, director del Departamento de Bienes Nacionales, acerca de los imprevistos acaecidos durante la realización de una obra:

“Vengo a solicitar a Ud. atentamente la prolongación de dicho Contrato, por veintiún meses más del plazo estipulado, teniendo como razón de mi petición el haberse interrumpido el trabajo contratado por razones de fuerza mayor, que son primero enfermedad de los ojos, imposibilitándome para el trabajo de la pintura mural al fresco durante dos periodos de tiempo; el primero de cinco meses y el segundo de dos; otro mes de interrupción por causa de una infección pulmonar”.

La escritura epistolar puede evidenciar el trabajo de preproducción, gestión y oficio por parte del artista para realizar una obra magnánima, sorteando la burocracia, amoldándose a los circuitos administrativos y justificando las enfermedades que padece durante el proceso. Ochenta años después, el rastro de esa labor se transforma en abrazo fiel, y también en retrato de un acuerdo entre Argentina y México para discutir la producción de vacunas, seguir atentos a los feminismos y sus luchas, y sellar un futuro progre para la América toda. 

¿Quiénes serán las voces que resuelvan este tiempo? ¿Quiénes serán les artistas que en esta dinámica maquinal pulverizadora resistirán construyendo nuevos andariveles? ¿Cuáles serán las obras que cuenten este tiempo del Estado? ¿Quién dejará registro epistolar de sus vínculos con las administraciones públicas? ¿Hará falta la columna militante que marcha alzando la voz en el tiempo incierto y precario? ¿Los monumentos de Adrián Villar Rojas, los cuerpos de Matar y morir de Gabriel Baggio y las resoluciones brillantes de Mariana Telleria? ¿Los hilvanes metálicos de Carlos Herrera, los tejidos y redes de Alejandra Mizrahi? ¿El trabajo colaborativo de La Liga del Collage con sede en el Litoral y en la Patagonia? ¿Las publicaciones de Malen y Suyai Otaño llevando la autorreferencia al repertorio universal Twin Otter T-87? ¿El oficio silencioso de Carlos ‘Maestro’ Cafiso relatado por María Paula Zacharías? ¿Los ritmos del fuego florido de Daniel García y Gilda Di Crosta en Algunas Flores? 

Hay respuestas: micropolíticas en todas sus escalas, junto a la instrumentación de políticas públicas que escuchen con precisión ideológica, política y plástica a las voces de les artistas de este tiempo. Ante la emergencia, ¿cómo actúa la agremiación y la lucha colectiva de les artistas? ¿Son los feminismos un modo de afrontar el presente que otros colectivos pueden emular? 

El colectivo La Lola Mora, Trabajadoras de las artes de Tucumán, alude a Lola Mora por su lugar como la primera escultora de la escena argentina. Este grupo se fundó el 7 de diciembre de 2018, en el contexto de la inauguración del 46º Salón Nacional de Artes Visuales del Museo Timoteo Navarro, a partir de una acción colectiva que señaló la escasa selección y nula premiación de obras realizadas por mujeres.

Algunas integrantes recuerdan: “Desde esa fecha, las trabajadoras de las artes nos agrupamos para gestionar espacios políticos en nuestros ámbitos de intervención y problematizar las prácticas que promueven y efectivizan las desigualdades de género concebidas en el sistema patriarcal, heteronormado y hegemónico. Además, nos proclamamos a favor de las luchas por los derechos humanos, adherimos a la Campaña Nacional por el Derecho al Aborto Legal, y al movimiento por la separación de la iglesia del Estado. Sobre la escena artística en nuestra provincia, a nivel de políticas culturales, existe un tema muy flagrante: las decisiones políticas en la provincia no incluyen la perspectiva de género, ni la voz de la lucha feminista en sus propuestas y agendas. Esta situación de desigualdad queda en evidencia con la disparidad de representación en espacios jerárquicos, salones y concursos, festivales, en el patrimonio, entre otras. Como trabajadoras de las artes, luchamos y queremos igualdad en nuestros medios, y reconocemos que no podemos hacer arte y evadir nuestro contexto”.

La historiadora del arte, investigadora y curadora Andrea Giunta, en el último capítulo de su libro Feminismo y Arte, cita a la artista Leticia Obeid en relación con el origen de Nosotras Proponemos, por lo que esta cronista la convoca como fuente. Leticia, de modo ameno, compañero y expeditivo, narra: “El comentario que hice en Facebook en noviembre de 2017, por la muerte de Graciela Sacco y en referencia a la falta de reconocimiento a las artistas mujeres, sirvió de chispa de encendido para Nosotras Proponemos, pero la base que posibilitó que esto resonara fue Ni Una Menos, que ya había transformado el paisaje político nacional irreversiblemente. Ahora la pandemia puso en evidencia la profunda desigualdad que hay en el arte y en la sociedad, y los artistas quedaron más desprotegidos que nunca, al haberse paralizado el mercado y toda fuente de ingreso y circulación, en medio de la emergencia en la que se encuentra el Estado post Macri”. 

Entre las notables conquistas del colectivo Nosotras Proponemos durante el último año, se pueden enumerar la incorporación de la representación igualitaria de artistas al reglamento del Salón Nacional, el trabajo sobre políticas culturales feministas e inclusivas, el mapeo para relevar la presencia de las disidencias en los acervos y las programaciones de equipamientos culturales de CABA en articulación con la Dirección Nacional de Museos, entre otras. 

La creación del colectivo Artistas Visuales Autoconvocades Argentina (AVAA) en abril de 2020 fue una respuesta a la emergencia del sector en el contexto de pandemia, según comentan: “El 1 de mayo del 2020 declaramos junto a todxs lxs trabajadorxs de la cultura la Emergencia Cultural. Nacimos de la necesidad de activar de una manera colaborativa, horizontal y plural con perspectiva de género, por supuesto, con un real alcance federal, con participantes de todas las provincias”.

Les consulto sobre sus proyectos a futuro; detallan que para este 2021 reforzarán las escenas locales con un fuerte trabajo federal: “Insistimos en la horizontalidad entre lxs artistas y las instituciones. Estamos revisando los cupos en cargos institucionales, tanto en la federalidad como en que estos sean ocupados por artistas visuales. También en reabrir el Autocenso y demostrar que somos muchos miles más en situación de precariedad en todo el territorio argentino. Hacer conciencia de la presencia del trabajo de lxs artistas visuales en el cotidiano de todes. Contarles que estamos, insistimos y que el arte es esencial para la vida. Consideramos un logro colectivo la activa participación. Desarrollamos el primer Autocenso de las Artes Visuales, con casi 5000 autocensadxs de todo el país que dan cuenta de nuestra realidad. Pudimos crear el Tarifario de Artes Visuales, junto a otras cuatro agrupaciones (Nosotras Proponemos, La Lola Mora, TAF Córdoba y AA Rosario) y logramos que lxs trabajadorxs de las artes visuales se lo apropien como referencia para cobrar por su trabajo. Diversos salones comenzaron a pagar los fletes dando respuesta a nuestro reclamo. Seguimos tramando hacia un proyecto de Ley para la creación del Instituto Nacional de Artes Visuales, con perspectiva de género y directorio federal”. 

En conversación con el artista Nicolás Levín, integrante de varias compañías de artes escénicas y gran virtuoso de toda la cancha, me anotició de que a comienzos de abril, alrededor de 250 artistas realizaron una movilización frente al Teatro San Martín, consolidando la Asamblea Permanente de Artes Escénicas, en la que se expusieron diversos problemas que viene sufriendo el sector y que durante la pandemia no hicieron más que agudizarse. La propuesta del Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA) dirigido por Jorge Telerman, que nuclea gran parte de los teatros públicos de la ciudad, ofrecía llevar obras independientes a trabajar en sus salas a bordereaux, sin reconocer salarios ni derechos laborales, dejando a la suerte de la boletería garantizar un ingreso genuino. En este contexto incierto, si hay algo que se tiene asegurado es la merma de público. 

Trampa para artistas con necesidad concreta de poner en escena sus obras y con urgencias económicas. ¿De qué se trata la Cláusula Covid-19 impuesta en los contratos de trabajo del CTBA? Según manifiesta la Asamblea: “La Cláusula Covid implica que, ante una eventual suspensión de la actividad, el teatro se adjudica la potestad para rescindir el contrato y pagar solo por lo trabajado, ya sea por cuestiones relacionadas a la pandemia o a cualquier otra cuestión, quedando esto a discreción del teatro. No solo es una aberración que, llegado el caso de tener que suspender las funciones o los ensayos por la pandemia, el teatro deja sin efecto los contratos, o sea, a les artistas sin sus sueldos (y muches de ellos habiendo dicho que no a otros trabajos para poder aceptar el del CTBA) sino que además quieren tener el poder de hacerlo inconsultamente. Por eso decimos que la precarización no es solo un ‘estado de las cosas’ sino ante todo, una lógica de gestión”.

¿Cómo se reformulan los lenguajes de las artes escénicas contemporáneas en un contexto de aislamiento social? “Las estrategias de la comunidad escénica para sobrevivir y seguir generando cultura durante el aislamiento fueron innumerables. Esto, digámoslo, prácticamente sin el apoyo, colaboración o un diálogo con respecto al Estado, que viene muy atrás en esta discusión. La virtualidad nos obliga a pensar sobre nuevas formas de reunión, qué es la imagen y qué el teatro en este momento. También nos conectó con audiencias del resto del país, colaboración y contacto que también el Estado debería fomentar si quiere hacer una verdadera cultura federal. Estas estrategias desde la comunidad son oportunidades de trabajo y creación de riqueza en las que la cosa pública debe participar, no puede quedar al margen. El cine ya está discutiendo qué pasa con las llamadas OTT (servicios de distribución y comunicación a través de internet). El teatro, organizado en asamblea de artistas, también tiene que meterse en esa discusión y exigir, para el sector, parte de esas ganancias millonarias. Para eso también necesitamos que los funcionarios de cultura espabilen”.

LS

Los museos en el mundo, a lo largo de los últimos 12 meses de pandemia, han tenido que alterar sus lógicas de funcionamiento, adaptando sus equipos de trabajo, sus esquemas pedagógicos y sus programaciones. Cuerpos colectivos resilientes: virtualidad, puesta en valor a puertas cerradas, activismo con perspectiva de género, diversas destrezas y dinámicas transversales a esta nueva era de los museos, sin omitir en este detalle los problemas presupuestarios, ante prioridades vitales que exceden las carteras de cultura.

Cabe recordar que, a lo largo de la historia, los museos han atravesado catástrofes, guerras, pandemias y ataques, de los que han salido fortalecidos. Sus colecciones pueden atestiguar de manera documental que su subsistencia es basal para el relato de nuestras historias, nuestras tradiciones y devenires, así como también para la recuperación de los pueblos y la prospectiva de nuestros horizontes comunes. 

¿Qué sucede en estos espacios ante el impasse impuesto por la pandemia? ¿Cuál es el después de los museos? ¿Qué impacto presentarán en las colecciones de hoy? ¿Qué lectura retrospectiva harán del desajuste de este tiempo? 

En una etapa de reconstrucción, cabría la crítica radical, abrir paso a un procedimiento capaz de autocrítica, en la que nuestra idea de patrimonio simbólico, como de territorio nacional, se banque explícitamente estar abierta a su propia transformación, a su reevaluación, a su autointerpretación, con una postura cuestionadora que aliente, en paralelo, un plan de acción en lo inmediato. Que incorpore las reflexiones, tanto de los públicos como de los trabajadores del arte, a las prácticas institucionales.

Las problemáticas que estos equipamientos culturales han presentado a lo largo del último año a nivel global fueron abordadas integralmente por diversos organismos científicos, técnicos, profesionales y políticos, ofreciendo nuevos conocimientos y esquemas de pensamiento, gestión e instrumentación. Atentos a las amenazas vinculadas con la conservación de los bienes patrimoniales, Unesco, ICOM y el Programa Ibermuseos están enfocando sus acciones en generar nuevos proyectos, con planificación a corto y mediano plazo, para la reapertura total de las instituciones. Al mismo tiempo, están atentos a los diversos contextos políticos, sanitarios y socioeconómicos de una amplia geografía. Así como sostienen redes transversales para compartir conocimiento emergente en la urgencia, promueven el intercambio de prácticas innovadoras vinculadas en la comunicación interna y externa, según las nuevas presencialidades y las virtualidades. Ante este esquema, aparece una nueva variante que siempre ha gravitado, pero que nunca se había vuelto tan plausible: la conectividad. Los museos, en tándem con la conectividad, han agudizado los canales de diálogo y la producción de conocimiento no dogmático, alimentando así la sensibilización artística.

Ante este esquema, aparece una nueva variante: la conectividad. Los museos, en tándem con la conectividad, han agudizado los canales de diálogo y la producción de conocimiento no dogmático, alimentando así la sensibilización artística.

Les propongo a los lectores tomarnos un espacio para recorrer distintos museos y exposiciones. Viajamos a Madrid: en el Edificio Sabatini del Museo Nacional de Arte Reina Sofía se exhibe, hasta dentro de pocos días, “La bondadosa crueldad”, exposición de León Ferrari. Dicho museo ha trabajado junto a la Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA, Buenos Aires) con la Embajada de la República Argentina en España. Los curadores de la exposición son Fernanda Carvajal, Javier del Olmo, Andrea Wain y equipo FALFAA. “‘La bondadosa crueldad. León Ferrari, 100 años’ es un proyecto curatorial colectivo y polifónico que propone un recorrido no lineal por la obra de León Ferrari. Intentando disolver la distinción binaria entre una fase abstracta totalmente diferenciada de otra política, que ha llevado a lecturas estatizadas y distantes de la obra de Ferrari, esta exposición pretende, en cambio, interpretar sus modos de accionar, intervenir y crear a partir de los roces y las continuidades entre experimentación formal y politicidad, como dos polos que se resignifican en distintos momentos de su trayectoria”, refiere el texto de presentación de este hito en las artes visuales argentinas en el exterior. Por su parte, el Museo Reina Sofía tiene sus puertas abiertas con acceso a la Colección 1, al Jardín Sabatini donde se exhiben las obras de León Ferrari y a las terrazas del Edificio Nouvel. Por otro lado, las sedes del Parque del Retiro, Palacio de Cristal y Palacio de Velázquez permanecerán cerradas hasta la reapertura del parque, fecha aún no definida por las autoridades pertinentes. 

En nuestras pampas, el sonido de los circuitos vinculados al patrimonio, las colecciones y las políticas públicas se presenta diverso y pleno de acción. Por lo pronto, en lo inminente, Marta Minujín inaugura “Pandemia” en el Museo Nacional de Bellas Artes, en su sede porteña. Una artista al pulso del borde abismal de las emergencias estéticas: desde el inicio de su carrera artística propone obra plenamente contemporánea, que organiza un repertorio visual en escala monocroma y remite tanto al puntillismo más refinado de la luz francesa, como al ruido blanco en señal aleatoria de las viejas TVs con su gráfica plana, “locura maniática, locura total, de negros y grises y blancos”, en la que los días y las escalas de grises resuelven el paso del tiempo. Pintura leída en movimiento. Minujín, siempre Minujín. También en Buenos Aires, el MACBA presenta “Neo Post, 50 años de pintura geométrica en la Argentina 1970-2020” con curaduría de Rodrigo Alonso, en la que se exhiben obras de Juan José Cambre, Silvana Lacarra, Alfredo Londaibere, Jorge Gumier Maier, Magdalena Jitrik y Kazuya Sakai, junto a otros grandes artistas.

Al habla con Carlos Gómez, subsecretario de Cultura de Río Grande, mientras de fondo se oye el paisaje manifestarse hermosamente, nos cuenta que el año pasado lograron que el Museo Virginia Choquintel sea parte del Registro Nacional de Museos Argentinos, lo que garantiza que dicho organismo fortalezca su trabajo tanto en términos políticos y comunitarios. Al mismo tiempo se detiene en rememorar que en diciembre pasado organizaron el 10º Encuentro Binacional de Museos Patagonia Sur, en el que participaron más de 20 museos e instituciones patrimoniales y culturales de Chile, Argentina y España. Refuerza que “en el marco del centenario de la ciudad de Río Grande, el museo es el eje desde donde se irradia la historia de las comunidades, por lo que hemos fortalecido mucho el vínculo con las escuelas y los públicos jóvenes, generando contenidos también para Ushuaia y Tolhuin, es decir otras ciudades, llegando a Rosario y a Buenos Aires. Logramos alcanzar a 1700 jóvenes con nuestras actividades. Y estamos a punto de volver a abrir las puertas con todo”.

En la ciudad de Santa Fe, el Museo de Artes Visuales Sor Josefa Díaz y Clucellas volvió a abrir sus puertas después de varios meses de trabajos de restauración, puesta en valor y actualización de los dispositivos en sus salas. Este museo cuenta con 2.000 piezas en su colección. La figura de la gran artista Josefa Díaz y Clusellas, primera pintora mujer del continente americano, posee una obra singular, costumbrista y legendaria. Gran parte de sus pinturas se han extraviado, alimentando así el mito de que la primera gran pintura fluvial del litoral llevaría su autoría. 

En conversación con Cecilia Quinteros Macció, directora del Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro de San Miguel de Tucumán, nos adelanta: “Ejecutamos varios proyectos en redes sociales durante la pandemia, que mantuvieron la interacción con artistas y comunidad con una buena fluidez. Además, realizamos el Salón de Tucumán en el marco de la primera edición de la Semana de Artes Visuales de Tucumán, en un formato de exposición en una sala 360. En estos momentos los museos de la provincia no están abiertos aún, sin embargo, hicimos un proyecto con las trabajadoras del museo en la fachada del museo por el 8M y estamos trabajando con diversos proyectos en redes para difundir las propuestas ligadas a la mujer, ya realizadas en el museo con curadurías institucionales”.

Por su parte, el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, faro emblema de las barrancas del Paraná, propuso la exposición/ciclo virtual “Todavía insisto”, cuyo título refiere a la obra de Federico Manuel Peralta Ramos “Todavía insisto (Oración-bandera)”. A partir de esta pieza, incluida en la muestra, es posible pensar que los emblemas patrios son constantemente reconfigurados al ser apropiados por artistas, ciudadanos y movimientos sociales para dar cuenta de diferentes sentidos y luchas. La actual situación de pandemia posiciona a este museo —y a sus equipos de trabajo— en un lugar de crisis. En esta nueva realidad, el museo asume como insumo a la coyuntura y se reapropia del sentido inicial de su proyecto. Continúa con un recorrido por las piezas que integran el proyecto “Lejos de todo lejos de ti”, los dibujos de la isla de Pauline Fondevila, artista francesa afincada en Rosario, acompañados por sus producciones escritas y musicales. Asimismo, “Pensar es un hecho revolucionario” de Marie Orensanz puso en foco su manifiesto “Eros”, obra de 1974 compuesta por doce frases, fundante en su carrera. Esta iniciativa cierra con proyectos de las artistas invitadas Claudia del Río y Pauline Fondevila.

Marisa Baldasarre es Directora Nacional de Museos, parte del equipo de la historiadora, investigadora y curadora de arte Valeria González, a cargo de la Secretaría de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación. En conversación con esta cronista, Baldasarre hace un alto en su agenda y desde el Palacio San José responde algunas preguntas que se le formulan teniendo en cuenta su vasta trayectoria en el ámbito de los museos a nivel internacional. Integra la mesa y el comité técnicos de Ibermuseos, entre otras credenciales académicas y profesionales. Conversamos sobre cómo piensa la corporalidad, la experiencia sensible, la nueva presencialidad en los ámbitos museísticos, tanto para sus públicos como para todo el esquema de funciones de los museos nacionales. Además, de qué manera esta experiencia global transformará el conocimiento que se produce y trafica a través de los museos en todo el territorio federal.

En un proceso de reconstrucción nacional inminente, ¿cómo se están planificando los museos y su función comunitaria en tiempo presente, activando la memoria a través de su patrimonio, con ejercicio de futuro? 

Desde la Dirección Nacional de Museos y en este momento de apertura, todavía transcurriendo la pandemia, nos encontramos primero con las demandas de las comunidades por asistir a los museos. Creo que nunca como antes, los museos, al menos en la Argentina, aparecen configurados como sitios de encuentro y cobijo. No son, ni pueden ser, los mismos que eran antes del cierre. Transitamos la emoción de lo que significó reabrir los museos con conciertos de música, performances, lecturas públicas, proyecciones colectivas de películas, encontrando a lxs músicxs enunciando que hace meses que no se reunían a tocar, o cineastas diciendo que era la primera vez que su película se proyectaba con público “presencial”. Me parece que una de las grandes cosas que se perdió con el ASPO no fue la posibilidad del disfrute y el consumo artístico-estético que, de alguna manera y como pudimos, cada unx recreó en el entorno doméstico, sino la posibilidad de compartirlo y experimentarlo juntos a otrxs. Reconozco que los museos permiten esa dimensión colectiva de las experiencias que nos fue vedada durante meses y que se volvieron a habilitar a partir del reencuentro en estos espacios físicos particulares, experiencias que en general estuvieron atravesadas por la emoción, la angustia y la catarsis que significó y significa volver a encontrarnos a disfrutar en la proximidad de nuestros cuerpos.

En referencia a las líneas estratégicas de Alberto Fernández, ¿existe un mapa político cultural federal de nuestro patrimonio y colecciones que se articule con las temáticas del Gabinete de Promoción Federal?

La dimensión federal es un eje central de las políticas de todo el Ministerio de Cultura y de la Secretaría de Patrimonio en particular. El mapa de los museos nacionales es muy desigual en términos territoriales: 18 museos nacionales se encuentran en CABA y solo 8 en el resto del territorio argentino, todos desplegados desde Buenos Aires hacia el norte del país. Esto deja un mapa parcial y con grandes extensiones y comunidades vacantes en términos de museos nacionales. Entonces nuestra idea es trabajar en una doble vertiente. Por un lado, enfocándonos en las regiones y provincias donde existen museos nacionales para que estos puedan funcionar como centros de irradiación de políticas hacia comunidades más vastas, como comunidades originarias o rurales o colectivxs de artistas contemporánexs, que quizás no constituyeron los primeros destinatarios de museos ideados, por ejemplo, como museos históricos. Por otra parte, resta el gran desafío de cómo lograr una proyección federal en regiones donde no hay museos nacionales, y entonces estamos trabajando en el diseño de cursos de formación que apunten al intercambio entre profesionales y trabajadores de la cultura de toda la Argentina, en facilitar por ejemplo el traslado de obras de artistas para participar del Salón Nacional de Artes Visuales desde las diferentes regiones del país, o en clínicas para creadores jóvenes en donde los museos funcionen como nodos de territorios mayores. Del mismo modo, estamos trabajando en iniciativas como encuentros o jornadas, organizadas desde los museos de las provincias en otras ciudades que no tienen museos de nación. Es un desafío que nos atraviesa y una deuda lograr una proyección federal donde los proyectos no sean gestados desde Buenos Aires, sino que esa política precisamente potencie y ponga en el centro las particularidades y diversidades de cada localidad.

El año pasado el lema para el día de los museos fue “Museos por la igualdad: diversidad e inclusión”. Para este próximo día internacional de los museos, ¿cuáles serán las propuestas? 

Estamos todavía trabajando con esta agenda, pero ya te diría que la perspectiva de género atenta a las mujeres, disidencias y diversidades y la perspectiva federal serán las claves.

A vuelo de pájaro, y con la notable experiencia que posee en el estudio de colecciones y organismos vinculados al patrimonio en el contexto internacional, en referencia a ICOM e Ibermuseos, ¿cuáles son los nuevos paradigmas vinculados a los museos que surgen después de un año pandémico? 

Me parece que el gran paradigma que entró en crisis es el museo masivo, con exposiciones ‘blockbusters’ que se nutren del turismo y dependen de la taquilla. Ese no es, ni ha sido, el modelo de acción de los museos nacionales, en general gratuitos y abiertos a todo público. Los museos tuvieron que reinventarse en sus redes y estrategias virtuales, los programas públicos cobraron una relevancia inusitada, pero lo más importante: ante la imposibilidad de los grandes desplazamientos de seres humanos, la mayoría de las instituciones se tuvieron que redefinir como nunca en relación con las demandas y deseos de sus comunidades más próximas, aquellas que fueron sus primeras interlocutoras y que dieron razón de ser a sus patrimonios fundadores.

El testimonio de Baldasarre es un bálsamo esperanzador en un mar que se pulveriza rumbo a monetizar los museos. Las políticas culturales, sean las públicas o las autogestivas, deben dormir con un ojo abierto. Deben prestar atención a sus espacios de conformación comunitaria, a sus historias y a sus lógicas de agenciamiento. Se espera, de las primeras, que esta crisis planetaria se convierta en una oportunidad para evidenciar la contribución fundamental de los museos al abrazo de nuestros pueblos. Recurro al precioso y flamante libro del gran Ticio Escobar, Aura latente: “La llamada ‘Economía naranja’ ocupa un puesto importante en esta cruzada: la creación deviene en ‘creatividad’, así como la fantasía y la imaginación se vuelven factores de ‘innovación productiva’, todas al servicio de las lógicas empresariales corporativas y, por ende, en desmedro de cualquier política pública aplicable en ámbitos culturales”.

LS

La bajante, la sequía y las quemazones organizan el ahogo de la escritura. Arden peces muertos durante meses, los espejos menguantes de las lagunas no llegan a contener ni aves ni bichos. Se reduce el contacto entre los habitantes del río. Se genera un nuevo impasse en el paisaje. Las quemazones repelen toda vida en el territorio, el humo agita nuestros pulmones. Queda varada la existencia en la sequía. Al final del relato, el río Paraná recuperará su altura destrabando el ejercicio de la subjetividad. 

La deshidratación de las ideas tiene que ver con la sequía del ambiente, con las quemas en las islas, con las vacas y los pájaros petrificados de sed en las costas. Las barrancas resecas y los albardones desnudos exponen los datos de una catástrofe. Si la Corriente del Niño deja siempre indicadores de crecidas incontenibles, la de la Niña retacea el agua y configura una extensión yerma que vuelve pardo el paisaje completo. Se desaturan los verdes, se cuela el barro y se solidifica en tierra. 

El descenso continuo se inició hace un año y medio, y llegamos a diciembre de 2020 con mucha impaciencia por la vuelta del agua. Una de las bajantes históricas más importantes en los últimos 30 años. Cerebros entumecidos por la seca y el fuego. Hollín en nuestras ropas que oreamos en las terrazas. Desde las ventanas de la ciudad aparecen columnas de humo que alteran nuestros hábitos, ya transfigurados por la pandemia. 

En agosto pasado, la bajante era tal que caminamos sobre el río. El escozor que despertaba el roce de mi canoa contra el fondo me hacía escribir, así como leer sin parar a la sombra rusiente de un ceibo en flor de octubre. Reviso la novela Llueve sobre los rieles de Alejandro Hugolini para invocar desde la ficción verosímil la conducción política de un fenómeno ansiado: que llueva para que se calme la hoguera de las islas, que llueva para que vuelvan los espejos de agua, para que los coscorobas vuelen a su hábitat. Que llueva en Caucete, Córdoba, San Roque, Ibarluxea o Santiago del Estero, que llueva por la justicia social. Ese es el objetivo del protagonista de tan preciosa novela, el ingeniero Antonio Bruschi. El ingeniero o el Mago, en febrero de 1954, instala su invento, la máquina de hacer llover, en las afueras de Rosario, y lo logra. 

Hace poco, zurciendo con mi canoa el lecho del río, llegué a remo hasta la casa de Luciano Ramírez (se llama distinto, pero prefiere mantener su nombre en reserva) quien nació y vive en el canal de Las Lechiguanas. Lo convoco lenguaraz para que me explique cómo vivieron la sequía, la bajante y la pandemia en la isla. Nos sentamos en el pontón, con las patas en el agua, para conversar. De fondo, desde un terreno lindero, el viento sur trae el sonido al palo del Grupo Ráfaga.

“Te puedo hablar de cómo afectó el bajante y la sequía”, me adelanta. “Acá en la isla el bajante este histórico afectó muchísimo por lo laboral y por todo. Imaginate que la isla ahora cambió mucho, porque antes se vivía de otra manera, no era tan poblada la isla, había pocos turistas, y la gente de la isla vivía de otra cosa. Vivía del pescado, de la cacería… y fue cambiando y ahora en este momento la gente labura, hace mantenimiento para la gente de fin de semana que viene de Rosario. Por eso afectó mucho el tema del bajante, igual que la pandemia, cuando la gente de Rosario no podía venir acá, se paró todo, no había trabajo prácticamente”. Luciano ofrece servicios de mantenimiento y limpieza de lotes a la gente que viene a las islas a descansar, que llega los viernes y se vuelve los domingos. Su padre trabajaba de vender cueros de nutrias a una curtiembre de Buenos Aires. 

“Antes venían bajantes que no eran tan prolongadas, y adentro de la isla quedaban lagunas, zanjones llenos de agua, no se evaporaban como ahora... Para atrás, en los campos de atrás, es todo un desierto. Y esa laguna [señala al este] era una fuente de riqueza, de pescados, de aves, de todo, y la sequía destruyó todo. Porque el pescado se criaba ahí, se reproduce en la laguna, en los zanjones de adentro de la isla, y al estar todo seco afecta muchísimo el tema del pescado y nuestro laburo”.

Sobre la cubierta de su rancho flamea una bandera argentina, como en casi todos los ranchos isleños. Su casa queda a cinco casas de la escuela en la que también flamea la bandera argentina, solo que esta es la más grande y mejor cuidada de la zona. Luciano evoca la bandera y evoca a Belgrano. Belgrano el rebelde, contra los españoles, contra los porteños del Triunvirato. Le cae bien el tipo porque llegó a caballo a conocer estas tierras, “las de allá enfrente”, como si la mirada al oeste significara instalarse en un territorio y en una tradición que nos bañará en celeste y blanco nacional. Me despido de Luciano con la distancia propia de no compartir el mate y la necesidad que impone nuestra nueva normalidad. Aun así, necesitamos reconocernos en el espejo del otro. Cuando vadeo el río, volviendo a mi mangrullo, acudo a unos versos del poema “Cuadro III. Bandera prohibida” de Aldo Oliva, del libro Ese General Belgrano y otros poemas:

Yesca, alimento que nutre,

nutrida por el fuego,

este trapo que, en trocitos,

los cuchilleros de ese inquietante

French, agitaron en la Plaza.

Ahora flamea porque el leve

viento lo inflama. Esa brisa

insuflada en la costa de este

conjeturable mar (que aún creemos río),

bordado, exaltado por islas

de innúmera emergencia, de verde

turbio y de inciertos canales

que, amenazantes, tal vez lo miman:

una exótica y fluida esmeralda,

se diría, de fango de esplendor convulsivo,

de apetente y sinuoso misterio.

O estos otros del mismo poema:

Yo, a quien llamaron

General; mi fe; mis pocas lecturas,

todo, dice: ENARBOLAR:

que se alce el trapo:

y se elevó la yesca.

Por este febrero en el que vuelve el agua, visito el Museo de la Democracia en Rosario y en una de sus salas se exhiben los manuscritos originales del Diario de Marcha de Manuel Belgrano a Rosario. El material comprende 14 días de escritura de parado por las noches a la luz del candil. Entre el 24 de enero y el 7 de febrero de 1812, Belgrano realiza un recorrido desde Buenos Aires hasta el Pago de los Arroyos. Las minucias se vuelven gravitantes: registro de consumo de carne, sacrificio de reses, buscar leña, cardos, huesos u osta al llegar a algún paraje del camino para realizar fogones a sotavento, plantíos de duraznos, ritmos marciales de órdenes, “tocó Misa”, “tocó Diana”, “a las 9 se tocó la retreta”, “a las 5 de la mañana se tocó generala”. Modos de avanzar: que el calzado les incomoda y prefieren andar con las patas en el barro, empinándose los pies desnudos. Se deja entrever que “la agua” es una compañera determinante del Regimiento 5 de Infantería para sostener la empresa y lograr el objetivo de tamaña expedición: levantar las baterías que anulen la llegada de las naves españolas a través del río Paraná. 

“La agua” en femenino, como Belgrano la nombra, aparece en distintos volúmenes y extensiones, en “caminos llanos y campos lo mismo”: cantimploras, arroyos, tiempos de agua, pozos, cañadas, manantiales con nutrias, el río Arrecife que estaba “a vado”, ojos de agua, lagunas, hidratar a 800 hombres, la agua es turbia o salobre. Las aguas pésimas, el campo pelado y el ganado muy flaco. “Los campos que hemos corrido se elevan en colinas suaves; están áridos por la falta de lluvia”. Todo el relato deja pensar que podrían ser tiempos de sequía, aquel verano en febrero, aunque por momentos se contradice.

Leo para dejar de mirar desde afuera, para volver a entrar al cobijo de un monte húmedo. Ya no es paisaje de sequía, aquel del ejercicio romántico. Es bioma del lenguaje pobre. La lectura me impulsa, me tensa, mejora el trabajo artesano en la aridez. María Moreno cuenta en su último libro Contramarcha que “la razón de esas extravagancias era la necesidad de hacer estallar ese cuerpo pasivo que permanecía como si la vida aún no hubiera empezado y contara con todo el tiempo del mundo para hacerlo. Era la época de la prórroga feliz que más tarde, cuando me dedicara a escribir, se envenenaría en procrastinación y angustia de estar retrasada en la entrega de un artículo, pero con un fondo de goce vicioso”.

El paisaje ha dejado de ser una veduta de contemplación lírica; se lo ha visto sangrar deshidratado, aturdido, incinerado en el bochorno y la codicia. Pudimos oír las voces de su territorio. Recupero imágenes de la inmersión para saber que en algún momento hubo agua, o que volverá a untarse eficiente en el circuito lubricado: “Pensé en no salir nunca más del mar, pero los otros desde afuera me hacían demasiados gestos” formula Clara Muschietti en Podría llevar cierto tiempo, libro recientemente reeditado.

Mientras leo, en la habitación de al lado mi hijo Rosendo ensaya los arpegios de “Ky Chororo” de Aníbal Sampayo, pudiendo ser esas músicas cristalinas el horizonte promisorio de la vuelta del agua. La Hidrovía Paraguay-Paraná está la espera de un inminente proceso de licitación ¿Cuál será el destino de la Ley de Humedales? El agua debe hacerse cuerpo, en una epifanía. Evoco los versos del poeta Juan Fernando García en el libro Sobre el Carapachay:

Así es el río, así

sus relativas transparencias

pero hay quien enhebra

sonidos y raíces

y tiende a establecer

su próxima morada

entre esos árboles de estirpe vieja

a ritmo cadencioso bordando un surco

mientras el remo insiste en avanzar

radiante

cuando es de agosto la luz

la luz en la mirada.

Ahora que el agua está regresando, ahora que tenemos tierra húmeda superando la anosmia, incontinenti a silencio, florece el lenguaje en una precariedad absoluta. De repente, me encuentro abrazada al aro salvavidas anaranjado, dejándome llevar por los versos nuevos de Beatriz Vignoli, que integran su próximo libro Tálamo. Un collar de palabras húmedas llega a mis manos bajo el título “Agua de sauce”:

Raíces de camalote he pintado hoy con un pincel muy fino.

Ahora pongo en agua los camalotes con sus raíces como pelos

para hacer del agua algo donde lo flotante enraice,

para hacer del agua un lugar.

Estamos en zonas australes, exploramos bosques y turbas. Subimos una montaña con mi hija de 20 años. En el camino, rocoso, empinado, con cambios de temperaturas y pulsos, avanzamos rumbo a un objetivo preciso, nos cruzamos con aves, liebres y castores. Entre las dos, intentamos superar la anosmia de la clandestinidad alojada en nuestra prosapia: cuartos sin ventanas, la soledad del silencio de décadas. La zoología emergente en manadas preciosas define una nueva compañía. El paisaje se ha puesto en marcha.

Andamos por senderos tortuosos, se nos entumecen los pies, se nos humedecen las orejas, pasamos frío, pero de a poco el calor del abrazo va fogueando nuestras ideas. Estamos desviadas de la civilización, alejadas de nuestros lugares habituales. Caminamos rodeadas de desconocidos, nos guían dos mochilas con pañuelos verdes. Nos entregamos a explorar un paisaje en el que mi hija y yo, así como mi madre, abuelas, amigas, estamos empardadas: el placer, el cuerpo, la decisión, el derecho, el futuro. El deseo y lo político, lo íntimo y lo colectivo, lo singular y el Estado.

Luego de esprints agudos y maquinales, llegamos a la Laguna Esmeralda. Ese manto tremendo de verde nos envolverá como la imagen colosal de un movimiento ampuloso. Bajo el agua se concentra, en su lecho lacustre, un sustrato tan poderoso como la ampliación de derechos. Hoy somos mejores, y el mundo es mejor. El reflejo de la laguna cromática ofrece la misma paleta del bosque que atravesamos en silencio; así aparecen las voces compañeras que, en conversación suculenta, nos animan a seguir debatiendo, pensando, discutiendo y ofreciendo conocimientos lozanos: otras, ningunas o nuevas genealogías maternas en las que los mandatos y la clandestinidad son anulados, para dar lugar a la ejecución del deseo. 

Sentadas en el borde de la Laguna Esmeralda, que en este trajín se ha convertido en un oráculo, me comunico con Florencia Basso (integrante de la Campaña por el Derecho al Aborto Legal, Seguro y Gratuito, Regional Tierra del Fuego). Le hago una consulta que no tarda en contestar; comenta respecto a la implementación efectiva de la Ley 27.610: “Estamos expectantes para ver cómo va a ser la aplicación de la norma en nuestra provincia de Tierra del Fuego, que tiene aprobado, sancionado, el protocolo ILE desde el año 2012, pero con la aprobación de esta nueva ley se abre un nuevo escenario en lo que tiene que ver con la interrupción voluntaria, sobre todo en los hospitales de la provincia y los profesionales y las profesionales que son objetores de conciencia. En cuanto al futuro de nuestra militancia, vamos a seguir adelante para lograr la aplicación efectiva de la norma”.

Tranquilas en la orilla de la laguna, habilitamos unos mates. Estamos de vacaciones, pero continuamos produciendo, craneando. Recorremos el espinel de estas redes enormes que configura la militancia feminista, y la conversación telefónica se orienta a Tucumán. Guada Rearte (artista visual, docente, integrante del colectivo La Lola Mora junto a trabajadoras de distintos lenguajes artísticos, la agrupación Acción Respeto Tucumán y la Subcomisión de Mujeres del Club Atlético de Tucumán) envía su voz, dice que la militancia no se detiene: “Desde La Lola Mora somos muy conscientes de cómo los criterios personales y las creencias religiosas acá en Tucumán están lo suficientemente arraigados como para que pensemos que el hecho de que se haya aprobado la ley hoy nos da quizás una herramienta más, pero la vamos a tener que luchar, ya que el sector antiderechos va a utilizar todas sus herramientas y toda su perversidad para dificultar la aplicación de la Ley 27.610”.

Pasamos un par de horas mirando la laguna, nos hidratamos, y aquello que comenzó siendo turismo aventura se vuelve una prueba de resistencia que no teníamos contemplada. Oscurece tarde en la Patagonia argentina, por suerte todavía es de día, tenemos cierto margen para algunos llamados más, ahora a Córdoba. 

En conversación con Ayelén Altamirano (integrante de la Campaña Nacional por el Derecho al Aborto y la Colectiva Córdoba), ella reflexiona: “Ahora comienza una nueva etapa, tal vez como un poco más complicada, asumir un compromiso político en donde iniciemos capacitaciones, charlas con profesionales que se dediquen y asisten a personas que deciden no continuar con el embarazo, y sobre todo que comencemos una disputa cultural para eliminar discursos absolutamente desinformantes, específicamente de las diputadas y diputados antiderechos”. Por su parte, Virginia Digón (periodista de La Voz del Interior, activista del Círculo de Mujeres de Monte Cristo) retoma algunas discusiones vigentes: “Una de las mayores deudas es la violencia de género, que se cobra la vida de una mujer cada 32 horas en Argentina. El femicidio es un delito que tuvimos naturalizado durante muchísimo tiempo y requiere de políticas públicas para su prevención y eliminación, y también de un cambio real en la sociedad, no solo desde el empoderamiento de la mujer y disidencias, sino también desde las vivencias de nuevas masculinidades. Otro de los temas que más fuerte resuena y que no es exclusivo del feminismo es el pedido de separación de la Iglesia del Estado. Tanto en 2018 como en 2020, lo que queda en evidencia es el enorme poder de influencia de las religiones —ya no es solo la católica— sobre las decisiones de los poderes legislativos, ejecutivos y judiciales. Para que no suceda de nuevo con otro derecho a reclamar, los movimientos feministas y un sector del progresismo ya comienza a gestar esa nueva lucha”.

Se hace de noche, pero no está oscuro, nunca está del todo oscuro, y del otro lado del teléfono se oye la voz entrerriana de la Colectiva Feminista Federal, que se define como una agrupación horizontal, independiente, de personas que militan el feminismo entendiéndolo como un posible espacio de pluralidad de voces que históricamente no son tenidas en cuenta. En ese sentido, la escucha es su principal sostén. Las personas que integran la colectiva son o viven en Federal, ubicado en el centro norte entrerriano, zona de monte tupido, gauchos con celular, ruralidad, precarización de todo tipo, lo que da como resultado un lugar de violencia machista extrema, atravesado en absolutamente todos los ámbitos por el discurso religioso. 

Una de sus integrantes, Virginia Negri (artista, poeta y productora cultural), comenta: “En marzo de 2021 llega a juicio oral el primer caso que acompañamos en 2018 por abuso sexual con acceso carnal, o sea violación. Lamentablemente, la mayoría de las mujeres, niñas y disidencias en este pueblo han sufrido algún tipo de vulneración de sus derechos, sus cuerpos y emocionalidades. Aquí las situaciones de abandono por parte de los organismos estatales ejecutivo, legislativo y judicial es abrumadora. Hay leyes, pero a la Argentina profunda no llegan”.

La llamo a Carolina Balderrama (docente y periodista) y mientras se oyen de fondo las chicharras del monte achaparrado de su Santiago del Estero natal, señala: “Hubo un par de cosas en los debates y en las exposiciones que dan cuenta de que el sistema judicial, la corporación médica y también las organizaciones antiderechos sin dudas están intentando continuar una sinergia de obstrucción de la efectiva implementación de la ley. Con lo cual, y eso también pensando en las provincias que no tuvieron ni diputados, ni diputadas, ni senadores, ni senadoras que hayan votado a favor, me parece que es importante ver ese mapa, ver esas regiones, ver esos territorios, porque ahí sí, sin duda, hay que fortalecer aquellos efectores, efectoras de salud, aquellas organizaciones que promueven el cumplimiento efectivo de los derechos, y en este caso, este que garantiza el acceso no sólo a la interrupción voluntaria y legal del embarazo, sino también el acceso pleno a la salud”. 

Ante la misma pregunta, sobre cómo se vive en la ciudad de Santiago del Estero la aprobación y promulgación de la Ley 27.610, Rosa Isaac (militante de Ni Una Menos) realiza de manera rigurosa un pantallazo necesario para dimensionar los distintos latidos en la extensión territorial de nuestro país: “Podemos decir que logramos como movimiento poner en crisis las costumbres, los valores y las morales únicas. En nuestra provincia esta ley viene a saldar una deuda histórica con las niñas y mujeres que murieron en un aborto clandestino o fueron obligadas a parir en contra de sus deseos. También viene a hacer visible con más fuerza la obscena injerencia que las religiones han tenido en los gobiernos en todo nuestro NOA. Por ello, esta ley permite vislumbrar un horizonte emancipatorio para repensar las políticas, y sobre todo el rol de las y los políticos con el pueblo. La aprobación de la ley permitirá en nuestra provincia tener una herramienta potente para la exigibilidad de la aplicación, pero por sí sola no alcanza para cambiar tantos años de conservadurismo, por ello la tarea central como movimiento feminista hacia adelante es, por un lado, monitorear que se aplique la ley en la provincia, pero también que se imparta educación sexual en las escuelas, se capacite a las y los funcionarios en cada centro de salud y en todos los poderes del Estado, que se realicen campañas para informar a todas las niñas y mujeres de nuestra provincia acerca de este derecho. La batalla cultural que hay seguir dando es inmensa”.

La Laguna Esmeralda se ha fijado a nuestra corteza cerebral y afectiva, se ha constituido un momento de debate, libertad y conducción política, y estoy al habla con Leticia Kabusacki (abogada, socia del Equipo Latinoamericano de Justicia y Género) quien destaca la necesidad de sostener las redes colectivas de militancia: “El trabajo de las mujeres de todas las edades, de todas las generaciones, en distintos aspectos, haciendo opiniones jurídicas, amicus curiae, buscando dónde hay casos de mujeres que van a seguir siendo perseguidas por abortos, y tratando de que sean sobreseídas las que hoy están procesadas, tratando de que los médicos y médicas sean protegidas y sobreseídas de las cuestiones penales que tienen pendientes”. 

Por su parte, también desde Buenos Aires, Ingrid Beck (docente y periodista) se detiene en el sistema de salud: “El personal médico y el personal de salud en general, que tenía miedo de ser penalizado por realizar estas prácticas, ahora van a estar mucho más protegidos. Creo que el desafío es monitorear que se cumpla, porque no nos la van a hacer fácil, obviamente”. 

Con ímpetu la llamo a Marina Mariasch (docente y escritora): “La conquista por la Ley de Interrupción Voluntaria del Embarazo es un logro enorme para los feminismos. Es un logro que representa la potestad sobre nuestros cuerpos, sobre nuestras decisiones, en el marco de los derechos humanos. Pero sin dudas no es el único reclamo, el único objetivo de lucha de los feminismos. Hay que trabajar para combatir las violencias contra las mujeres en los distintos ámbitos, y las distintas formas en los diferentes grados que estas adoptan, hasta llegar a su forma extrema que es el femicidio. Y sabemos que van transitando distintos niveles, pero que todas son importantes para construir esa última posibilidad que es el femicidio. Y también sabemos que hay un montón de otras modalidades que nos ocupan y que son las violencias en el ámbito de la política, o la violencia obstétrica, que ya existe la ley, pero sigue ocurriendo. Tenemos que combatir las inequidades siempre de manera transversal, en los territorios de los feminismos populares. Hay también hambre y hay que combatir las inequidades que se atraviesan desde las diferencias de género, pero también de clase y de la mala distribución de la riqueza, de cómo se acumulan las riquezas en los varones”.

Por la noche, con mi hija leemos a coro Rally de Santos de la escritora Ángeles Alemandi. Pensamos en La Pampa. El libro relata la historia de una enfermedad en la vida cotidiana de una madre y su hija. A la mañana siguiente, logro dar con Pilar Galende (médica generalista, trabajadora en un centro de salud público en Santa Rosa, integrante del Foro Pampeano por el Derecho al Aborto Legal y de la Red de Profesionales de la Salud por el Derecho a Decidir) quien asevera: “El desafío de implementación efectiva de la IVE será en nuestra provincia una continuación del trabajo que se viene llevando ya con la ILE, fortaleciendo la difusión de este derecho y articulando entre las redes militantes que integran el Foro y el sistema de salud. El Foro conformó en La Pampa un espacio de ”monitoreo“ de implementación de la ILE —en observación del acceso a Misoprostol, objeción de conciencia, dilaciones innecesarias, recurso humano, estadística, garantía de los dos trimestres, entre otros aspectos— que ha mantenido un diálogo sostenido con la gestión de salud, lo cual creo será fundamental sostener a modo de rendición de cuentas al Estado para que las posibles resistencias a la IVE sean superadas y se garantice su cumplimiento”.

Se terminan las exploraciones, volvemos a nuestra ciudad, al río seco, al humo y al fuego en las islas. A escribir desde la sequía de un escritorio urbano. Decido llamar a Analía Chumpitaz (médica, docente, mujer indígena y feminista) quien desde Rosario relata ciertas referencias de la historia de la salud pública en la ciudad, y algunas alertas en cuanto a la objeción de conciencia: “Tenemos como antecedente las políticas que desde hace tres décadas se llevan adelante en la ciudad de Rosario. Con el acceso al Programa de Salud Sexual y Reproductiva. Con una ordenanza que en el 2007 permitió aplicar un protocolo de ILE y que desde el 2012 garantiza Misoprostol en los centros de salud. Con equipos de salud comprometidos con la ampliación de derechos. Estas políticas han tenido sus resultados: disminución del embarazo adolescente, disminución en las internaciones por abortos con complicaciones, y sólo dos muertes maternas en la última década. Todas las personas con posibilidad de gestar debemos estar atentas al cumplimiento, ya que es preocupante la cláusula de objeción de conciencia, que permite que les profesionales de la salud no realicen abortos por sus creencias personales. Esto, en algunas localidades, puede ser un obstáculo para acceder a nuestro derecho, ya que el tiempo es crucial”.

Se abre una nueva ventana en el paisaje, plena de aplausos; podemos reconocer el subsuelo y la luz prístina que arrojan todos los colores en la sala del Museo del Bicentenario. El jueves pasado, el gobierno nacional promulgó la Ley de Interrupción Voluntaria del Embarazo y también la Ley Nacional de Atención y Cuidado Integral de la Salud durante el Embarazo y la Primera Infancia —conocida como el Plan de los 1000 días— que recibió apoyo unánime en el Senado. La escena presenta altos niveles de eficiencia: back led de fondo que dice “es ley” como una nueva bandera que oscila entre el celeste emblema y el verde campaña. 

Muy emocionada, Vilma Ibarra, Secretaria Legal y Técnica de la Presidencia, toma la palabra: cuidado, salud pública y maternidad son los ejes en los que se detiene. Su notable sensibilidad se expone en el cuerpo, no por eso menos certera. Se vuelve a emocionar: “Hoy el Estado cambia el paradigma; el Estado recibe a las mujeres y a las personas gestantes en sus sistemas de salud tratándolas con dignidad y respeto”. Destaca el enorme trabajo de las distintas fuerzas políticas, de les militantes que han tomado las calles y los territoritos para construir una red de acuerdo y compromiso conjunto. Una voz en off preclara en guion protocolar anuncia la política: “Hicimos historia, es ley”.

Fueron días largos, que bien podrían traducirse en décadas de trabajo, tejido y acción militante. Abrazo a mi hija, rodeo su cuello para olerla y conocer su espíritu de libertad, de juventud, para detectar ahí los aromas de las calles y los paisajes recorridos, y saber que dispone ya de espacios de instrumentación y deseo: la Laguna Esmeralda es nuestra, es de todes.