Ed Sheeran se quedó sin los tres teloneros que debían acompañarlo en las próximas fechas de su gira y también sin la banda que participaba de sus conciertos, después de que los músicos decidieran retirarse en rechazo a la exclusión de Macklemore, apartado del tour tras sus pronunciamientos en defensa de Palestina.

Finneas O'Connell, Lukas Graham y Aaron Rowe anunciaron que no continuarán como artistas invitados de The Loop Tour, mientras que la banda irlandesa Beoga, que subía al escenario junto a Sheeran para interpretar varias canciones, tomó la misma decisión.

La reacción en cadena comenzó después de que Macklemore quedara fuera de la gira tras sus actuaciones en el MetLife Stadium de Nueva Jersey. Durante los conciertos, el rapero mostró imágenes de una Gaza destruida, gritó “Palestina libre” y reclamó que todos los seres humanos fueran tratados con “dignidad, respeto e igualdad”.

Macklemore desligó a Sheeran de la decisión y responsabilizó a Robert Kraft, propietario de los New England Patriots de la NFL, de haber ejercido presiones para impedir que continuara actuando en distintos estadios.

El propio Sheeran respaldó posteriormente esa versión y aseguró que no había sido responsable de la exclusión. También afirmó estar “horrorizado por el conflicto entre Israel y Palestina”, aunque explicó que había elegido “no hablar públicamente” sobre el tema.

La controversia, sin embargo, llevó a varios de sus compañeros de gira a dar un paso al costado.

Finneas, ganador de dos premios Oscar y que tenía programadas seis presentaciones junto al músico británico en noviembre, fue uno de los que anunció su salida.

“Los artistas no deben ser silenciados cuando alzan la voz en defensa de los oprimidos. He decidido retirarme de las próximas fechas de mi gira con Ed Sheeran. Estoy con Palestina y su pueblo”, escribió en Instagram.

También se bajó Aaron Rowe, quien debía abrir los diez conciertos restantes de la etapa norteamericana. El cantautor irlandés aclaró que su decisión no modificaba el vínculo personal con Sheeran.

“Ed ha sido un amigo para mí y ha cambiado mi vida; nunca podría agradecérselo lo suficiente”, señaló. Pero sostuvo que no podía “quedarse de brazos cruzados” ante lo que consideró un intento de silenciar a quienes denuncian la situación de los palestinos.

Lukas Graham, que tenía previstas diez actuaciones y ya había participado de los conciertos del MetLife Stadium, anunció a su vez que no seguirá en el tour “mientras las cosas sigan así”.

“Deberíamos poder hablar sobre la guerra, sobre civiles que están siendo asesinados, sobre niños que merecen crecer. Independientemente de dónde vivan. Independientemente de qué bandera ondee sobre ellos”, expresó.

El músico danés cuestionó especialmente la posibilidad de que el poder económico determine quién puede expresarse: “El dinero no te da derecho a adueñarte de la conversación. El saldo de la cuenta bancaria de nadie da derecho a decidir quién puede hablar o qué sufrimiento tenemos permitido reconocer”.

Beoga también abandonó la gira

A las bajas de los tres teloneros se sumó Beoga, la banda irlandesa de folk que acompañaba a Sheeran durante una parte de cada show e interpretaba junto a él canciones en las que también había participado como compositora.

El grupo aclaró que mantiene una amistad de más de diez años con el cantante y que ese vínculo continuará, pero consideró incompatible seguir formando parte de la gira.

“Para nosotros, como músicos, tocar ante ese público cada noche es un sueño hecho realidad, pero tocar en lugares que silencian a cualquiera que defienda una Palestina libre simplemente no es una opción”, manifestó Beoga.

La banda recordó además que sus integrantes forman parte del movimiento Artistas Irlandeses por Palestina y reafirmó su compromiso con esa causa.

Macklemore donará un millón de dólares

En medio de la controversia, Macklemore anunció que donará el millón de dólares de ganancias netas obtenidas como telonero de Sheeran a seis organizaciones que trabajan en asistencia a los palestinos: Palestine Children's Relief Fund, Heal Palestine, Gaza Soup Kitchen, Medical Aid for Palestinians, UNRWA USA National Committee y Anera.

“Tras todo lo ocurrido en las últimas 48 horas, quiero reconducir la conversación hacia donde corresponde: al pueblo palestino”, expresó el rapero.

Macklemore desafió además a Kraft a igualar su aporte. El empresario anunció, por su parte, una donación de dos millones de dólares para “ayudar en la región”, aunque no especificó qué organizaciones recibirán el dinero.

Sheeran todavía no se pronunció sobre la decisión de los músicos de abandonar su gira. The Loop Tour tiene previsto continuar en Filadelfia y completar otras fechas en Norteamérica antes de trasladarse a Sudamérica.

Pocas horas antes de que Alejandro Amenábar anunciara que La bola negra era la elegida por la Academia de Cine para representar a España en la lucha por el Oscar a la Mejor película internacional, el equipo de la película, con Javier Calvo y Javier Ambrossi al frente, recibían una de las ovaciones más grandes que se oyeron en el Festival de Toronto. El pase de La bola negra en el certamen confirmaba las buenas sensaciones que se tenían. Se repetía lo ocurrido en Cannes, y demostraba que el público y la crítica ama la película.

La decisión de la Academia este año parecía obvia. El ruido del filme de los Javis desde que se presentara en el certamen francés el pasado mayo no hizo más que crecer. Ya allí se dieron los primeros pasos hacia una carrera al Oscar que, con el apoyo de España como su representante, se solidifica y amplifica.

España se encuentra con una oportunidad única de hacer historia. Hacía mucho tiempo que no se estaba tan cerca de conseguir ese quinto Oscar a la Mejor película internacional (tras los logrados por Garci, Trueba, Almodóvar y Amenábar) y parece que todo está a favor para romper nuestro propio techo y lograr, por primera vez, una nominación al Oscar a la Mejor película y quién sabe si incluso superar a Emilia Pérez como el filme internacional más nominado. Estas son las claves por las que La bola negra tiene mucho a favor para hacer historia para España. 

Netflix

Tras la locura provocada por la película en Cannes se desató una guerra de ofertas para hacerse con los derechos de distribución del filme en EEUU. Esta figura es clave para el éxito de una película no solo comercialmente, sino también en los Oscar. Finalmente, fue Netflix, quien ya dejó claro que La bola negra es su gran apuesta para los premios de la Academia de Hollywood. La campaña comenzó. Hicieron coloquios, el filme estuvo en Telluride, en Toronto… 

La efectividad de las campañas de Netflix está más que comprobada. No van solo a por la nominación de Mejor película internacional, sino que van a por todas. Solo hay que ver lo ocurrido en años anteriores con otras de sus apuestas. Netflix compró Emilia Pérez en Cannes. El resultado fueron 13 nominaciones de las que se llevó dos. Sin novedad en el frente logró nueve candidaturas y cuatro Oscar, y Roma ganó tres de 10.

La apuesta por la película está superando la realizada con títulos anteriores en un aspecto clave: la permanencia en salas. La bola negra logró una presencia histórica en cines: 47 días. Más que películas de estudios tradicionales. El récord anterior pertenecía a Historia de un matrimonio de Noah Baumbach, que estuvo en cines 30 días antes de incorporarse a Netflix en 2019. El gesto es importante. La gran crítica a Netflix, y el motivo por el que muchos creen que todavía no tiene el Oscar a la Mejor película, es que no protege las salas. Ahora lo hará. Esto hizo que muchos gurús de EEUU den a La bola negra como una segura candidata no solo en Mejor película internacional, sino en todo, pudiendo incluso superar las diez nominaciones. 

El premio en Cannes

Cannes se convirtió en el gran festival para que el cine no hablado en inglés entre en los Oscar. El año pasado, Valor sentimental logró el Oscar a la Mejor película internacional y nominaciones en las categorías más importantes después de enamorar en el festival francés. En la categoría de Mejor película también entró El agente secreto, otro filme presentado allí.

Pasó lo mismo con Emilia Pérez o Drive My Car. El recibimiento que se tiene en Cannes es clave. En muy pocas ocasiones una película gana el Oscar a Mejor película internacional y se cuela en más categorías sin haber pasado con éxito (y premio) por un festival de clase A. Especialmente Cannes.

La presencia de La bola negra en Cannes fue única. Los Javis entraron como unos desconocidos en el pase de gala y salieron como dos cineastas con futuro, con una película que enamoraba y una ovación histórica. Los 20 minutos de aplausos que recibió reflejaban que la gente había caído rendida a sus pies. En los corrillos del festival no se habló de otra cosa en los dos días siguientes hasta el palmarés.

Las críticas de EE.UU.

De ese recibimiento bestial en Cannes hubo uno que destacó. El de la crítica de EE.UU. Era normal que la película calara entre la prensa española, al abordar su historia y un mito como Lorca. Sin embargo, los medios claves en la carrera para los Oscar como New York Times, Variety o el periodista Matt Neglia, para la web especialista en los premios Next Best Picture, tuvieron claro que acababan de ver un filme importante y que debería tener un hueco en la carrera por los premios. 

No hay que desdeñar la importancia de los gurús de los Oscar en la carrera. Aunque sean los académicos quienes votan, ellos colocan títulos en el imaginario de la gente. Colocan el foco en películas que podrían pasar desapercibidas y reflejan el momento álgido de algunas de ellas. Con La bola negra lo tuvieron claro desde el primer momento y lo defendieron desde entonces. Ahora mismo, Next Best Picture la coloca incluso por encima de La odisea en sus predicciones.

Lorca

La figura de Lorca es el hilo vertebrador de La bola negra. Sus tres historias están atravesadas por la ausencia del escritor y las heridas que eso deja en una España que tiene “historias de amor enterradas”, como se oye en un momento del filme. Lorca aparece en un momento mágico del filme —interpretado por el poeta y performer Alberto Cortés—, pero sus versos y su obra resuena en todo el metraje.

La obra del escritor es mundialmente conocida, y la película llega en el momento del 90 aniversario del asesinato del escritor. Una efeméride perfecta para reivindicar a Lorca, y para hacer brillar aún más a La bola negra.

Los Javis (y Penélope)

Hollywood descubrió a Javier Calvo y a Javier Ambrossi. Su carisma, naturalidad y personalidad son otra arma perfecta para utilizar en esta campaña. Se van a dejar la piel. Son jóvenes, frescos y representan el futuro. Un futuro que pasa por la visibilidad de las historias queer, y que no pide permiso para entrar en espacios hasta ahora reservados para los hombres heteros. 

En EEUU les encanta la gente que disfruta de cada momento de esta carrera de obstáculos que son los Oscar, y ellos están dispuestos a hacerlo. Ojalá Los Ángeles diciendo frases de Paquita Salas o de Veneno, o descubriendo La Mesías. Nadie duda de que en Hollywood van a caer rendidos a la personalidad y la gracia de los directores, y que ellos son, además de Penélope Cruz, la cara más visible de La bola negra. 

“Soy lo que escribo y escribo lo que soy”, decía Griselda Gambaro. La frase puede funcionar como una síntesis de una vida dedicada a la literatura y al teatro, pero también de una obra que nunca quiso permanecer al margen del tiempo que le tocó vivir. La dramaturga y narradora murió este martes a los 98 años y dejó detrás una producción que modificó profundamente la escena argentina.

Gambaro fue una renovadora desde su irrupción misma en el teatro. En un ámbito dominado entonces por hombres y por las formas del realismo social, apareció con un lenguaje que incorporaba el absurdo, la crueldad, la amenaza y unos vínculos atravesados por mecanismos de sometimiento que podían comenzar en una familia y extenderse hasta abarcar a toda una sociedad.

“Yo creo que no le pedí permiso a nadie”, diría muchos años después al recordar aquellos comienzos. Y tampoco parecía dispuesta a hacerlo. “Siento que aparecí en el momento oportuno con la voz oportuna”, explicó alguna vez sobre el lugar singular que terminó ocupando en la dramaturgia argentina.

Había nacido en 1928 en el barrio porteño de La Boca, en una familia de inmigrantes. Allí hizo la escuela primaria y luego cursó el secundario en Barracas. Desde muy chica fue una lectora voraz y pronto descubrió que quería escribir. Pensó en estudiar Letras, pero finalmente descartó la universidad porque necesitaba tiempo para dedicarse a la escritura.

Trabajó en la biblioteca socialista Sociedad Luz y sus lecturas fueron ampliándose: Rudyard Kipling, Robert Louis Stevenson, Jack London, Anatole France, Horacio Quiroga y, más tarde, Silvina Ocampo. Cuando el teatro comenzó a interesarle, se sumergió en Chéjov, Ibsen, Pirandello, Eugene O’Neill, Armando Discépolo y Florencio Sánchez, entre otros autores. Pero cuando llegó el momento de escribir teatro, Gambaro no se pareció demasiado a nadie.

El escándalo de El desatino

En 1965 estrenó El desatino en el Instituto Di Tella, con dirección de Jorge Petraglia. La obra produjo una conmoción. Los sectores ligados al realismo social la rechazaron, mientras otros críticos vieron en aquel estreno la aparición de un lenguaje nuevo.

La polémica fue intensa. Gambaro recordaría años después que los autores de su generación le tuvieron “mucha inquina” y que nunca supo del todo si el rechazo se debía a que había aparecido “con un lenguaje diferente” o a que era “una mujer en un mundo de hombres”.

A El desatino le siguieron Las paredes (1966), Los siameses (1967), El campo (1968), Nada que ver (1972) y Sólo un aspecto (1974), entre otras piezas. En ellas fue construyendo un territorio propio, poblado por relaciones desiguales, víctimas y victimarios, silencios, amenazas y formas de violencia que muchas veces se instalaban sin necesidad de ser nombradas.

Su teatro podía hablar profundamente de la Argentina sin recurrir al costumbrismo ni a la representación literal de la coyuntura. Esa capacidad se volvería todavía más significativa a medida que el país ingresaba en sus años más oscuros.

La censura y el exilio

Durante la última dictadura cívico-militar, su novela Ganarse la muerte, publicada en 1977, fue prohibida por considerarse contraria a la “institución familiar y al orden social”. Gambaro partió entonces al exilio junto con su marido, el artista plástico Juan Carlos Distéfano, y sus dos hijos. La familia se instaló en Barcelona.

El desarraigo fue difícil y también afectó su escritura. Gambaro contó que durante aquellos años le costaba escribir narrativa y todavía más teatro: desconocía la historia del país en el que estaba viviendo y la relación que podía establecer con ese público.

En 1981 formó parte de Teatro Abierto, el movimiento que reunió a dramaturgos, directores y actores en un desafío cultural a la dictadura. Participó con Decir sí, protagonizada por Jorge Petraglia y Leal Rey.

Un año después llegaría una de las obras que terminarían de convertirla en una referencia insoslayable del teatro argentino.

“Yo me callo, pero el silencio grita”

La malasangre se estrenó el 17 de agosto de 1982 en el Teatro Olimpia, dirigida por Laura Yusem y protagonizada por Soledad Silveyra y Oscar Martínez, junto con Laura Murúa, Susana Lanteri y Patricia Contreras.

Ambientada durante el gobierno de Juan Manuel de Rosas, la pieza construye una casa sometida al poder de Benigno, un padre que impone sobre su familia una lógica de violencia y obediencia. Ese universo doméstico funciona a la vez como resonancia de un territorio dominado por el autoritarismo.

En el centro está Dolores, su hija, y el amor prohibido que establece con Rafael. Frente al sometimiento aparece entonces la posibilidad de resistir. “Quise contar una historia que transitara esa zona donde el poder omnímodo fracasa siempre, si los vencidos lo enfrentan con coraje y dignidad, si se asumen en el orgullo y la elección”, explicó Gambaro. Y hay una frase de Dolores que atravesó las décadas: “¡Yo me callo, pero el silencio grita!”.

El silencio es, precisamente, uno de los grandes materiales de La malasangre. Lo que no se dice, los gestos de sumisión, el miedo, la humillación y las palabras que finalmente consiguen pronunciarse construyen una obra sobre la violencia privada y pública, pero también sobre la posibilidad de enfrentarla.

Las mujeres y el poder

La situación de las mujeres fue otra preocupación persistente en la obra de Gambaro. No solamente porque muchas de ellas ocuparon el centro de sus textos, sino porque la autora interrogó las formas de poder que determinaban sus vidas. “La mujer tiene que meterse sin pedir permiso. Cuando puede, tiene que hacer lo que quiere”, decía.

Gambaro desconfiaba incluso de la idea de que la liberación femenina estuviera definitivamente conquistada. Señalaba la persistencia de la violencia familiar y advertía que la llegada de mujeres a lugares importantes de decisión no implicaba necesariamente una transformación si se continuaban reproduciendo “los modelos masculinos de poder”.

En ese sentido, encontraba una experiencia política diferente en las Madres y las Abuelas de Plaza de Mayo, cuya forma de lucha consideraba capaz de cuestionar el viejo orden patriarcal.

Ese interés atravesó también sus relecturas de los clásicos. En Antígona furiosa dialogó con Sófocles; en La señora Macbeth, con Shakespeare; en Penas sin importancia, con Tío Vania, de Chéjov, y en Querido Ibsen, soy Nora volvió sobre Casa de muñecas para interrogar desde el presente a uno de los grandes personajes femeninos del teatro occidental.

Una escritura llevada a escena

A lo largo de su carrera, los textos de Gambaro encontraron interlocutores decisivos entre los directores argentinos. Laura Yusem fue una de sus grandes socias artísticas y llevó a escena cerca de una docena de sus obras. También trabajaron sobre su escritura Augusto Fernandes, Alicia Zanca, Roberto Villanueva, David Amitín, Rubén Szuchmacher, Pompeyo Audivert y Silvio Lang, entre otros.

Uno de los encuentros más singulares se produjo en 1986, cuando Alberto Ure dirigió Puesta en claro en un sótano del Teatro Payró, con Cristina Banegas como protagonista. Ure alteró el tono que Gambaro había imaginado, modificó modos de decir y llevó la pieza hacia un territorio inesperado. Ella, extremadamente cuidadosa de sus textos, aceptó aquella transformación. “Sentía que la obra estaba dicha como yo quería en algún sentido muy oculto, impredecible, incluso para mí”, explicó después.

Su escritura, decía Laura Yusem, poseía una “perfección insólita” y excedía ampliamente los límites de la dramaturgia. Porque Gambaro nunca fue solamente dramaturga. Escribió novelas, cuentos y literatura infantil. Entre sus obras narrativas sobresale El mar que nos trajo, publicada en 2001, donde recuperó parte de la historia de su propia familia.

Una autora fundamental

Los reconocimientos acompañaron una trayectoria de más de seis décadas. Recibió el Premio Municipal, varios premios Argentores, el Premio Nacional de Teatro, el María Guerrero, distinciones de la Academia Argentina de Letras y numerosos Konex. En 2016, el Instituto Nacional del Teatro le otorgó el Premio a la Trayectoria y en 2023 la Biblioteca Nacional la distinguió con La Rosa de Cobre.

En 2005 se convirtió además en la primera escritora en inaugurar la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. Cinco años después, cuando la Argentina fue país invitado de honor en la Feria del Libro de Frankfurt, estuvo a cargo del discurso inaugural en representación de los escritores argentinos.

Sin embargo, su personalidad parecía estar en las antípodas de cualquier solemnidad. De perfil extremadamente bajo, no disfrutaba de las entrevistas ni de las sesiones de fotos. Seguía escribiendo a mano, después pasaba sus textos a máquina y otra persona los llevaba a la computadora. Vivía en Don Bosco y cuidaba con especial dedicación su jardín.

Tal vez por eso resulte especialmente apropiada una de sus reflexiones sobre la trascendencia. Cuando alguna vez le preguntaron si pensaba en ella, Gambaro eligió una imagen sencilla: el mar. “Cuando estoy frente al mar, pienso: si la Tierra no se destruye, el mar va a estar. Cuando yo no esté, el mar va a estar. Esa es la trascendencia. El mar va a estar”.

Griselda Gambaro ya no está. Quedan El desatino, El campo, Decir sí, La malasangre, Antígona furiosa, Puesta en claro y tantas otras obras. Queda, sobre todo, una manera de entender el teatro: como un territorio en el que aquello que una sociedad intenta callar puede, finalmente, hacerse escuchar.

Patricio Guzman, maestro del cine documental y uno de los directores que mejor y más profundamente retrataron Chile, murió este martes a los 85 años en París, según confirmaron a la agencia EFE fuentes de CinemaChile. La Universidad de Chile lamentó el fallecimiento del director de cine, que en 2023 recibió el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisuales del país americano, y que, dijo en un comunicado, “será recordado como uno de los cineastas más destacados de la historia de Chile”.

Aunque tras un par de cortos Guzmán debutó en la dirección en 1972 con el documental El primer año, fue gracias a su enorme, por tamaño y ambición, La batalla de Chile, cuando el cineasta se puso en el foco del cine mundial. Un trabajo que se estrenaría en forma de trilogía y que rodó en 1973 y en el que retrató los acontecimientos que llevaron de la victoria de Allende al golpe de Estado de Pinochet.

El propio director fue detenido durante quince días en el Estadio Nacional de Chile, y necesitó la ayuda de un tío para poder mantener a salvo la copia de su obra maestra, que quedaría como testimonio del golpe de estado de Pinochet contra Allende y de los prolegómenos sociales y políticos.

Tras ser liberado, recurrió a su amigo, el cineasta Chris Marker (autor de La Jetée o Sans Soleil entre sus obras maestras). El propio Marker le había facilitado los rollos de película para rodar su documental. Ambos buscaron la forma de montar el filme, que llegó desde el Instituto Cubano de Cinematografía (ICAIC). Fue allí donde durante años Guzmán trabajó para dar la forma final a La batalla de Chile.

En un giro irónico del destino, en el mismo estadio donde él estuvo apresado fue donde se votó la Asamblea Constituyente que culminó con la victoria de Gabriel Boric y que retrataría en la que fue su última película, Mi país imaginario, que estrenaría en 2022.

Con motivo del estreno de aquel film, Guzmán habló con elDiario.es sobre su esperanza por el cambio en su país. Una revolución que nunca pensó que viviría. “Pensábamos que la dictadura de Pinochet iba a durar mucho más aún. Digamos que el territorio chileno sigue siendo un campo de batalla entre derecha e izquierda que ha durado eternamente, por ahora”, decía entonces.

Tras su exilio, Patricio Guzmán siguió trabajando en el documental, y nunca apartó la mirada de su país, Chile, ni de América Latina en obras como En nombre de dios, La cruz del sur o Pueblo en vilo. La Memoria Histórica volvió a centrar sus películas en títulos como La memoria obstinada (1997), donde abordó la amnesia política de su país, o El caso Pinochet (2001), sobre el juicio contra el exdictador en Londres.

Su trabajo magistral en el documental le hicieron merecedor de los premios más prestigiosos de todo el mundo, como el Oso de Plata de la Berlinale en 2015 por El botón de nácar, el Premio Goya a la mejor película iberoamericana por Mi país imaginario en 2022 y el Ojo de Oro del Festival de Cannes que reconoce al mejor documental de la edición por La cordillera de los sueños en 2019.

Patricio Guzmán captaba con su cámara la realidad de una forma en donde lo poético y lo político se daban de la mano. Sus películas analizaban la Memoria Histórica, pero daban pistas para poder adivinar por donde podía ir el futuro. Tras el estreno de Mi país imaginario, el propio Guzmán se mostraba pesimista. En su film mostraba a muchos jóvenes que decían que no tenían ideología, algo que él calificó como “peligro latente de esta revuelta”.

Para él, el cine documental tenía una característica que lo hacía fundamental y es que siempre hablaba “de la memoria”. Lo definía como una “especie de caja de resonancia del pasado más reciente para proyectarlo hacia el futuro”. Sus películas nos ofrecían la imagen del pasado para que entendiéramos el presente.

“Nos coloca frente a nuestros problemas grandes que tenemos como país, como personas, como grupo. El documental es una opinión muy personal de cada uno de nosotros y queda guardado para siempre en la memoria chilena. La gente se olvida de las películas de ficción, pero los documentales quedan ahí, machacando siempre”, opinaba Guzmán.

Las figuras más importantes del teatro comercial y grandes actores se reunieron en el Teatro Coliseo para la 16.ª edición de los Premios Hugo al Teatro Musical, en una velada que estuvo a cargo del director teatral Ricky Pashkus y de su colega Pablo Gorlero.

Las producciones que supieron destacarse sobre el resto fueron “Billy Elliot”, del director Rubén Szuchmacher, y “Hairspray” y “Company”, del director Fer Dente. El jurado evaluó los montajes que se estrenaron entre el 1 de agosto de 2025 y julio pasado. 

En la velada, que premió a lo mejor de la comedia musical, hubo dos reconocimientos a la trayectoria: uno al actor y dramaturgo Gustavo “Tweety” Monje y otro para la profesora y directora de danza Elizabeth de Chapeaurouge.

Los Premios Hugo fueron fundados en 2010 por los artistas y productores Ricky Pashkus y Pablo Gorlero. Llevan el nombre de Hugo Midón, un gran autor y director de comedias musicales argentino. Su propósito es estimular, premiar y difundir el talento de las producciones de comedia musical en el país.

La lista completa de ganadores

MEJOR MUSICAL

Billy Elliot

MEJOR ACTUACIÓN PROTAGÓNICA FEMENINA

Alejandra Perlusky (Billy Elliot)

MEJOR MUSICAL OFF

La culpa es de la tierra

MEJOR DIRECCIÓN GENERAL

Fernando Dente (Company)

MEJOR MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL

El mago de Oz

MEJOR INTÉRPRETE MASCULINO EN MUSICAL OFF

Agustín Iannone (¡Hostias, Isabel!)

MEJOR MUSIC HALL, CAFÉ CONCERT Y/O VARIETÉ MUSICAL

The ópera locos

MEJOR ACTUACIÓN PROTAGÓNICA MASCULINA

Fernando Dente (Company)

MEJOR LIBRO DE MUSICAL ARGENTINO

Ricardo Hornos (Invasiones I: No bombardeen Buenos Aires)

ESPECTÁCULO MUSICAL PARA UN SOLO INTÉRPRETE

Memento mori, la forma del recuerdo (Fede Fedele)

MEJOR DIRECCIÓN EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL

Francisco Ruiz Barlett (Migue y Lucy, una historia de rock)

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Martín Bergman y Delfina Pallardó (Kilómetros)

REVELACIÓN FEMENINA

Belén Bilbao (Hairspray)

MEJOR ACTUACIÓN MASCULINA EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL

Emiliano Larea (El mago de Oz)

MEJOR ACTUACIÓN FEMENINA EN MUSIC HALL, CAFÉ CONCERT y/o VARIETÉ MUSICAL

Constanza Díaz Falú (The ópera locos)

MEJOR DISEÑO DE SONIDO

Gastón Briski (Billy Elliot)

MEJOR COREOGRAFÍA EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL

Marina Svartzman (Remigio Verdiales, un carpincho)

MEJOR CARACTERIZACIÓN

Fabián Sigona (Pelucas de Hairspray)

MEJOR ACTUACIÓN DE REPARTO FEMENINA

Vanesa Butera (Company)

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA EN ENSAMBLE

Belén Cabrera (Hairspray)

MEJOR DISEÑO DE LUCES ORIGINAL

Anteo Del Mastro - Sebastián Viola (Charlie y la fábrica de chocolate)

MEJOR DIRECCIÓN EN MUSICAL OFF

Gustavo Manzanal - Luis Alberto Rivera López (La culpa es de la tierra)

REVELACIÓN MASCULINA

Damián Betular (Hairspray)

MEJORES LETRAS EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL

Francisco Ruiz Barlett (Migue y Lucy, una historia de rock)

MEJOR LIBRO EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL

Francisco Ruiz Barlett (Migue y Lucy, una historia de rock)

MEJOR ACTUACIÓN MASCULINA EN MUSIC HALL, CAFÉ CONCERT y/o VARIETÉ MUSICAL

Duilio Smiraglia (The ópera locos)

MEJORES LETRAS DE MUSICAL ARGENTINO

Clara Christensen - Tomás Caia (Espejos marcados)

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO ORIGINAL

Gustavo Alderete para La Polilla (Hairspray)

MEJOR ACTUACIÓN FEMENINA EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL

Julia Morgado (El salpicón)

MEJOR PRODUCCIÓN INTEGRAL

Club Media - Olga (Hairspray)

Diego Romay - Omar Romay (Billy Elliot)

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA EN ENSAMBLE

Mariano Taccagni (Billy Elliot)

Sebastián Holz (Company)

MEJORES ARREGLOS MUSICALES

Murci Bouscayrol - Ricardo Hornos (Invasiones I: No bombardeen Buenos Aires)

MEJOR DIRECCIÓN MUSICAL

Gaby Goldman (Billy Elliot)

MEJOR DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL

Gonzalo Córdoba Estévez (El mago de Oz)

MEJOR MÚSICA ORIGINAL DE MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL

Fernando Nazar (Remigio Verdiales, un carpincho)

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL

Javier Ponzio (Remigio Verdiales, un carpincho)

MEJOR DIRECCIÓN VOCAL

Gaby Goldman - Pilar Noseda (Billy Elliot)

MEJOR ESCENOGRAFÍA Y/O DISEÑO AUDIOVISUAL ORIGINAL

José Ponce Aragón - Maximiliano Vecco (Charlie y la fábrica de chocolate)

MEJOR ADAPTACIÓN Y/O TRADUCCIÓN DE LIBRO Y LETRAS

Rubén Szuchmacher - Lautaro Vilo (libro de Billy Elliot)

MEJOR COREOGRAFÍA

Vanesa García Millán (Hairspray)

MEJOR ACTUACIÓN DE REPARTO MASCULINA

Pichu Straneo (Anastasia)

MEJOR PRODUCCIÓN EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL

Teatro Nacional Cervantes (El mago de Oz)

La maldición de Widow's Bay arrasó este lunes en la 78º edición de los Emmy al alzarse con seis premios, que se suman a los ocho logrados en la ceremonia de los galardones creativos. La serie de Apple TV dio la sorpresa con su primera temporada y, con 14 estatuillas en total, supera el hito conseguido en 2025 por The Studio para convertirse en la ficción de comedia más premiada en una misma edición de los emblemáticos galardones. La gala, que honró la memoria de estrellas de Hollywood como Dolly Parton, Rob Reiner y Catherine O’Hara, volvió a reconocer a The Pitt en la categoría de Drama.

La maldición de Widow's Bay, que debutaba en esta edición, logró el premio a mejor proyecto de comedia, superando a Hacks, su mayor contrincante; mientras que su protagonista, Matthew Rhys, obtuvo el Emmy a mejor actor de comedia antes de hacer un histórico doblete. La sátira de terror también venció en los apartados de mejor actor y actriz de reparto, para Kate O'Flynn y Stephen Root, respectivamente, así como en mejor guion y mejor dirección para una serie de comedia.

The Pitt se llevó por segundo año consecutivo el Emmy a mejor proyecto en el apartado de drama, con Noah Wyle, de nuevo, como ganador en la categoría a mejor acto. La serie médica de HBO Max acabó con seis galardones, solo superada por la citada Widow's Bay y DFT St. Louis, también de HBO Max, que se coronó como la mejor miniserie. El Emmy a mejor actriz protagonista en drama fue para Rhea Seehorn, que dio algo de gloria a la revelación Pluribus.

Jean Smart, Sally Field y Matthew Rhys hacen historia

La noche contó con varios hitos como el de Matthew Rhys, quien se convirtió, como avanzábamos, en el primer actor en la historia de los Emmy en ganar en dos categorías a mejor actor principal, tanto por La maldición de Widow's Bay como por la miniserie The Beast in Me.

Por su parte, Jean Smart ganó su quinto Emmy (y el octavo de su carrera) como la diva de la comedia Deborah Vance, convirtiéndose en la primera intérprete femenina en alzarse con un premio a mejor actriz por cada temporada de la serie de comedia Hacks. Además, Sally Field obtuvo el galardón a mejor actriz de una miniserie o película por Criaturas luminosas, consolidándose como la más longeva en obtener este premio en dicha categoría.

La 78º edición de los Emmy también destacó por el homenaje a la partida de grandes estrellas de Hollywood, como Dolly Parton, Catherine O’Hara y Rob Reiner, quienes recibieron tributos en honor a su memoria por parte de varias celebridades, como Sally Field, Macaulay Culkin o Jamie Lee Curtis.

Asimismo, Michael J. Fox protagonizó uno de los momentos más emotivos de la gala tras recibir el premio humanitario Bob Hope, que reconocía su labor altruista en el impulso de la investigación de la enfermedad de Parkinson.

'Euphoria', 'The Bear' y 'Stranger Things' se despiden sin glorias

En la cara amarga de la moneda, algunas de las series que se despedían de la pantalla en esta edición de los Emmy, como Euphoria o Stranger Things, se fueron con las manos vacías. Incluso de The Bear se fue sin pena ni gloria. Su última y quinta temporada solo logró un Emmy de los 8 a los que aspiraba, a mejor actor invitado para el fallecido Reiner.

En el apartado de entretenimiento, quien sí fue reconocido en su despedida fue Stephen Colbert, que cerró el pasado mayo su histórico The Late Show como víctima del aparato censor de la administración Trump. El cómico sacó al escenario a una gran multitud de personas de su equipo, con gran representación de los guionistas que trabajaron a su lado a lo largo de tantos años. El presentador aseguró que al menos era una “buena noticia” que todos esos profesionales estuviesen ahora diponibles.

Los Emmy tampoco reconocieron el talento latino. El actor guatemalteco-estadounidense Oscar Isaac (Bronca), que aspiraba al Emmy a mejor actor de miniserie, fue derrotado por Rhys en The Beast In Me, mientras que el colombiano Carlos Manuel Vesga (Pluribus) perdió en la categoría de mejor actor de serie de drama.

Apenas hubo menciones políticas en esta edición. Quizás la más llamativa fue la de Alan Cummings, quien tras ganar el premio a mejor concurso de telerrealidad por The Traitors, invitó a las audiencias a registrarse a votar para las próximas elecciones de medio mandato estadounidenses de noviembre.

Entre los asistentes a este evento destacó el britanico Tom Holland, acompañando a Zendaya, así como la colombiana Sofía Vergara, quien hizo entrega de uno de los galardones. Y uno de los momentos más sorprendentes fue cuando apareció en pantalla la estrella estadounidense Taylor Swift para hacer una parodia junto a parte del elenco de Law and Order (Ley y orden).

Todos los ganadores de los Premios Emmy 2026

Mejor serie dramática

Mejor actor protagonista en serie dramática

Mejor actriz protagonista en serie dramática

Mejor actor de reparto en serie dramática

Mejor actriz de reparto en serie dramática

Mejor dirección en serie dramática

Mejor guion en serie dramática

Mejor serie de comedia

Mejor actor protagonista en serie de comedia

Mejor actriz protagonista en serie de comedia

Mejor actor de reparto en serie de comedia

Mejor actriz de reparto en serie de comedia

Mejor dirección en serie de comedia

Mejor guion en serie de comedia

Mejor miniserie o serie antológica

Mejor actor protagonista en miniserie, serie antológica o película para televisión

Mejor actriz protagonista en miniserie, serie antológica o película para televisión

Mejor concurso de telerrealidad

Mejor serie de variedades

Mejor telefilm

Mejor documental

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Cuando el director artístico del Festival de Venecia, Alberto Barbera, anunció las películas que competían en esta edición, sonaron muchas alarmas. Entre los 20 títulos anunciados solo uno estaba dirigido por una mujer. Finalmente, y tras la entrada a última hora de Naza, codirigida por Yuval Abraham y Rachel Szor, fueron dos. Aun así, una cifra terrorífica que mostraba la enorme brecha de género y el problema de desigualdad en la industria del cine. Parece que el jurado haya querido tirar de las orejas a Barbera y a la Mostra eligiendo con su León de Oro a Woman Unknown, de May el-Toukhy, la única película dirigida en solitario por una mujer de todas las que conformaban la Sección Oficial. Es la octava mujer en lograrlo.

El jurado, presidido por Maggie Gyllenhaal, sorprendió con su elección. La crítica daba por hecho que el mayor reconocimiento de la Mostra iría para Naza, el demoledor documental sobre el genocidio en Gaza o, en su defecto, a Possible Love, la película más redonda de la competición, un drama sobre la lucha de clases y el cine como vampiro del coreano Lee Chang-Dong. Al final el consenso se decantó por el drama histórico de El-Toukhy, que también estaba entre las favoritas.

Woman Unknown es un retrato incómodo, poderoso y a contracorriente de las mujeres que mantuvieron relaciones sentimentales y sexuales con los nazis en sus países invadidos. Igual que hiciera en Reina de Corazones, su anterior filme, la directora elige una protagonista que se equivoca, que pone en jaque las creencias del espectador y con el que hace repensar la mirada histórica sobre estas mujeres, que fueron vejadas en la vía pública y marcadas de por vida por actos que, en muchas ocasiones, eran de pura supervivencia. 

El-Toukhy no juzga a su personaje. No da coartadas morales al espectador. La protagonista es una de esas mujeres, una que intenta esconder lo que hizo para sobrevivir en la posguerra, cuando Dinamarca ha sido liberada. Con este León de Oro la directora se consagra en el panorama del cine de autor europeo y el jurado intenta reparar ese “problema sistémico”, como lo definió Maggie Gyllenhaal en la rueda de prensa del primer día. Un problema que, aseguró también como cineasta, hace que las mujeres tengan “mucho más difícil conseguir financiación para sus películas”. De hecho, la cineasta danesa le agradeció a Gyllenhaal esas palabras. “Gracias por alzar la voz y visibilizar la falta de igualdad de oportunidades para las cineastas en nuestra industria. Es una posición muy solitaria desde la que hablar, y muchos te aplaudimos por hacerlo”, dijo con el León de Oro en la mano

Su reivindicación del filme danés fue contundente, ya que también premiaron con la Copa Volpi a la Mejor interpretación femenina a su protagonista, Mathilde Arcel, que ofrece una composición sobresaliente. Para que una película logre no solo el León de Oro, sino un premio de interpretación, debe haber un consenso unánime del jurado. Por ello no es normal que ocurra e indica que, sin duda, Woman Unknown ha sido la película favorita. 

Gaza en segundo plano

Irónicamente, Venecia ha vuelto a vivir lo ocurrido el año pasado, cuando La voz de Hind llegó al final como la gran favorita y acabó viendo cómo Jim Jarmusch lograba el premio por Father Mother Sister Brother. Esta vez se trataba de Naza, el demoledor documental sobre el genocidio en Gaza en el que 24 miembros del ejército y la inteligencia israelí reconocen los crímenes cometidos, que dejó desolada a la crítica. Todo indicaba que este año Venecia miraría de frente a Palestina, pero el jurado presidido por Maggie Gyllenhaal pensó diferente que la crítica y acabó entregándole un premio menor, una condescendiente mención especial del jurado que sabe a poco por el trabajo austero sobre la banalidad del mal creado por Yuval Abraham y Rachel Szor, dos de los cineastas que ganaron el Oscar por No other land.

Toda la sala Grande del Lido se puso en pie al escuchar su nombre, dejando claro que Naza es la película que ha marcado este certamen. Abraham recordó que el genocidio sigue en marcha, que los crímenes siguen ocurriendo y dedicó su premio a los periodistas palestinos que han contado desde dentro lo que estaba pasando realmente.

“Sus voces fueron silenciadas y negadas. Negar un crimen es lo que permite que este persista. Por eso es realmente importante para nosotros que los israelíes vean esta película. Es nuestro país el que está cometiendo estos crímenes. Que la vean los europeos, especialmente aquí en Italia, porque su gobierno y el gobierno alemán están bloqueando la presión sobre Israel que podría poner fin a esto; y que la vean los estadounidenses, porque ese país está financiando gran parte de la matanza.

La otra gran favorita, Possible Love, que llegaba junto a Naza como las dos grandes películas del certamen, se quedó con el Gran Premio del Jurado (el León de Plata). Una finísima radiografía de la lucha de clases y la vampirización del cine que supone el primer trabajo de su director, Lee Chang-Dong, en ocho años. El otro León de Plata, el que reconoce la mejor dirección fue para Ilya Khrzhanovsky, por la descomunal, por tamaño y ambición, Dau. El cineasta ruso revienta las convenciones del biopic para contar, en un trabajo realizado durante años, el trabajo del científico Lev Landáu para terminar ofreciendo un retrato del totalitarismo que resuena en nuestros días.

El cineasta francés Stephan Brizé se hizo con el galardón al Mejor guion (escrito junto a Coralie Amédéo y Olivier Gorce) por Un Bon petit soldad, una divertida mirada a una directora de recursos humanos que tiene que lidiar con una conducta de acoso laboral en un departamento. Brizé, experto en cine político y social, apunta esta vez a la mala leche y la ironía para retratar esos ambientes de una compañía que quiere ser moderna pero sigue perpetuando las mismas conductas de acoso laboral. “La historia nos enseña que la carrera por el beneficio genera sufrimiento y que, cuando la economía produce sufrimiento, el fascismo siempre surge como un buitre, presentándose como la ilusión de una reparación. Las mismas causas siempre producen los mismos efectos; lo que ocurrió ayer se repite hoy, pero hoy ya no se puede decir que no se sabía”, lanzó Brizé desde el escenario en un discurso que entronca con su filme.

En el palmarés (en el que estaban todas las películas que lo merecían) se confirmó, también, que el Festival de Venecia no necesita de Hollywood para lograr una edición más que notable en cuanto a calidad. Los mejores títulos llegaron del cine de autor, y solo uno, Wilde Horse Nine, contaba entre las favoritas al palmarés. La sátira de Martín McDonagh sobre dos de los agentes de la CIA que preparan el golpe de Estado contra Allende en Chile conquistó a todos, pero estaba claro que si había algún premio que merecía era el de mejor actor para un John Malkovich descomunal. Así fue, y Malkovich se llevó una Copa Volpi que solidifica sus opciones de cara a los próximos Oscar, donde suena como uno de los favoritos. El actor, que no pudo volver a Venecia a recogerlo, mandó un vídeo agradeciendo al festival la acogida a la película.

Fue la única mención para el cine de EE.UU., que ha decidido reforzar festivales más amables como Telluride o Toronto en detrimento de Venecia, que aunque vio cómo la cantidad de estrellas disminuía en cantidad, la calidad de sus filmes aumentaba apostando por autores en vez de por rostros famosos.

Parece complicado que en una carrera como la de Penélope Cruz, en la que hubo eventos como aquel Cannes de 2006 en el que ganó junto a sus compañeras el premio a la Mejor interpretación por Volver; o el Oscar por Vicky Cristina Barcelona en 2009, cada año haga ensombrecer al anterior. La filmografía de Penélope Cruz está plagada de buenas elecciones —que no siempre eran las más obvias—, apuestas por cineastas que han sacado lo mejor de ella y una ética del trabajo que han hecho que en 2026, y con 52 años, esté viviendo uno de los mejores años —de momento— de su carrera.

En enero ya se empezó a barruntar lo bien que estaba en La invitación, el remake de Sentimental, de Cesc Gay, que había rodado a las órdenes de Olivia Wilde, pero fue en su estreno en EE.UU. cuando la gente descubrió la energía contagiosa de su personaje y empezó a hablar de posibilidades de una nueva nominación al Oscar. 

A eso se suma el terremoto de La bola negra. Si la película de Javier Calvo y Javier Ambrossi se convirtió en un fenómeno según se vio en el Festival de Cannes, el secreto del papel de Penélope Cruz se rebeló como una de las muchas maravillas que había en su interior. Su cupletera, una artista de revista que anima a las tropas franquistas en la Guerra Civil, es un caramelo que ella exprime hasta su última gota. Dos escenas de baile y cante (una sobre un tanque) y una escena dramática le valen para que todos se acuerden de su Nené Romero. Tras el pase de prensa todos coincidían: La bola negra, y Penélope, apuntaban al Oscar.

Hasta este año, una actriz no podía ser nominada dos veces al Oscar en la misma categoría, pero el cambio de normas para esta edición hace posible soñar con que Penélope Cruz se convierta en la primera actriz de la historia en ser doblemente nominada por La invitación y La bola negra. Aún hay más. Cruz todavía tenía una última bala en la recámara, el estreno de Búnker en Venecia, donde el filme, que protagoniza junto a Javier Bardem, se recibió con una calurosa bienvenida que pone la frutílla perfecta y emocionante a un año mágico. 

Pocas horas después de la ovación, Penélope Cruz atendió a la prensa española y contó lo “bonito y especial” de aquel momento porque es consciente de que “no pasa siempre”. Ella lo vivió este año dos veces, en Cannes y aquí. “Pero eso no quiere decir que puedas acostumbrarte a eso”, añade rápidamente. 

Confiesa que sigue “alucinada” con lo que está pasando este año. “Desde que me convertí en madre bajé mucho el ritmo, porque antes era una locura y trabajaba sin parar. Fue una suerte poder permitirme parar. Desde entonces, he hecho una película al año o a lo mejor dos, si no eran muy largas. Y es verdad que ahora las que he hecho, que tampoco han sido rodajes muy largos para mí, se han juntado y han salido las tres a la vez. Y yo, de verdad, soy la primera sorprendida por todo lo que está pasando. No te engaño. Es que, si estrenas tres en un año, si una sale muy bien y conecta de esa manera con el público, ya es una especie de milagro. Pero que esté pasando con las tres es raro. Es normal y sano que me sorprenda”, dice.

No quiere ni oír hablar de los Oscar. O al menos de momento. Un amigo le mandó hace poco un artículo de Variety donde se hablaba de sus opciones este año. “No te puedo decir lo que le contesté, ¡me puse tan nerviosa que le escribí una cosa que tuve que borrarla!”, comenta entre risas. “Hace ilusión algo así, porque quiere decir que las cosas van bien en tu trabajo, y al final eso se traduce en que te sigan ofreciendo personajes interesantes, en poder seguir viviendo de tu trabajo, haciendo lo que te gusta y con material de calidad que te permita enfrentarte cada vez a algo nuevo, a algo que te dé miedo. Esa es la sensación que crea adicción dentro de nuestra profesión. No es tanto un alimento para el ego, que es verdad que cualquiera en esos momentos puede sentir un subidón y es sano y es humano, pero mi motor, lo que me da felicidad, es saber que cuando tienes un año así añades más papeletas para que puedan seguir surgiendo personajes y guiones interesantes”, aclara.

Hubo temporadas, sobre todo en los primeros años, donde yo podía haber ido por otro camino, diciendo que sí a proyectos que a lo mejor me hubiesen encasillado mucho más

Penélope Cruz — Actriz

Papeles diferentes, dirigida por mujeres, por cineastas jóvenes. De aquí y de allá. Una elección de proyectos “que es una combinación de suerte y de haber sido capaz de decir que no a cosas que eran muy tentadoras, pero que no eran las adecuadas para ese momento”. No siempre fue así: “Hubo temporadas, sobre todo en los primeros años, donde yo podía haber ido por otro camino, diciendo que sí a proyectos que a lo mejor me hubiesen encasillado mucho más. Yo no entendía que siendo tan joven, pocos años después de empezar, tuviera que ser yo la que dijera que no a algo, pero aun así me forzaba a hacerlo y luego siempre me alegraba”.

Pero “las carreras no se construyen solo en los síes, sino en las veces que tu corazón te dice que no”. “No depende solo de mí, sino de la confianza que depositan en mí los que me dan ese material, y en eso han tenido mucho que ver Pedro [Almodóvar], Fernando [Trueba], Castellitto y directores que han puesto en mis manos personajes que no se parecían para nada ni a mí ni a ningún otro personaje que hubiera interpretado antes”, subraya acordándose de varios de los cineastas que cambiaron su carrera.

En Búnker, su personaje y el de Bardem se enfrentan a la tentación de aceptar un proyecto que choca contra sus principios éticos. Una decisión que ellos, como actores, también han tenido que tomar. De hecho, “el 30% de las veces” que Penélope Cruz ha dicho que no, es por motivos parecidos. El resto, simplemente porque intuía que no eran para ella. “Si te está yendo bien en esta carrera es mejor decir que no a un proyecto y esperar a que aparezca el siguiente. Y yo soy muy consciente de que eso es un gran privilegio, porque estoy rodeada de compañeros y compañeras que lo pasan mal y que pasan mucho tiempo sin trabajar”, asevera.

Tras su apuesta por los Javis quiere seguir explorando nuevas voces: “Ahora mismo hay un montón de mujeres directoras a las que admiro muchísimo y con algunas tengo planes de trabajar de aquí a dos o tres años. Hay tanta gente con tanto talento y mucha gente joven”. Ese fue uno de los motivos para crear su productora, Moonlyon, que se encuentra “dentro del paraguas de Mediapro” y con quien lleva tres años desarrollando filmes que “verán la luz dentro de poco”. Proyectos para que un año como este no sea una ilusión, sino una realidad que se repita.

Ella entró en el set especialmente diseñado para dar idea de intimidad –en el centro de un espacio amplio y despojado, un estrado circular, dos sillones– con el andar vacilante de una persona de 92, apoyada en su bastón. Pero, ya desde sus primeras frases, puso en evidencia que su lucidez y su sentido del humor funcionaban a pleno. Gloria Steinem, la imparable activista feminista, periodista, conferencista, creadora de múltiples organizaciones para defender los derechos de las mujeres, cofundadora de la revista Ms. –es decir, ni mrs. ni miss; no señalando el estado civil– se avino a la entrevista para la serie Last Famous Words, que arrancara en la plataforma Netflix el año pasado, con la conducción del también productor Brad Falchuk.

Directamente inspirado –pagando los correspondientes derechos– en el ciclo de danés La última palabra, de la Cadena TV2 que se inauguró en 2020, la producción de Netflix comenzó a emitirse en 2025. La primera entrevistada fue Jane Goodall, la conocida y admirada zoóloga británica, de 91, grabada en marzo de ese año, y fallecida en octubre. El programa fue emitido dos días después. El segundo protagonista, Eric Dane, enfermo de ELA, reporteado en noviembre de 2025, murió en febrero de 2026 y sus declaraciones fueron difundidas con similar rapidez. Por cierto, debido a sus características, Últimas palabras célebres no es un programa de consumo instantáneo, pero ha ido ganado público en el tiempo, además de los debates que ha suscitado en los medios.

Las entrevistas duran alrededor de 45 minutos y se realizan secretamente: muy pocas personas conocen la identidad de las figuras hasta el momento en que son emitidos esos diálogos. Y al cierre del intercambio, el entrevistador deja a solas al personaje famoso de turno para que pronuncie sus últimas palabras dirigidas a una audiencia futura.

Entre un tanto meloso en el tono, expresión compungida para las preguntas implicando un contenido dramático, e intentando vanamente inducir a Gloria Steinem según el cuestionario que –se notaba– minuciosamente preparado, Falchuk no logró opacar ni la lucidez ni la franqueza ni el sentido de la ironía de su entrevistada. Presentada como “el rostro del feminismo durante más de 50 años”, Steinem reaccionó: “Espero no haberlo sido. No es correcto, se trata de un movimiento diverso, incluso debo decir que las mujeres negras apoyan más algunos temas que las blancas”. Durante el transcurso del programa, la gran luchadora por el derecho al aborto se manifestó decepcionada, enojada con la situación actual bajo el gobierno de Trump. En particular, con las limitaciones al derecho al aborto en algunos estados, después de la caída de Roe versus Wade.

Incentivada por Falchuk, Gloria hizo un repaso de su infancia en un hogar itinerante durante el invierno, donde su padre Leo Steinem, encantador pero irresponsable, debió ser sostenido por su esposa Ruth Nuneviller, una talentosa periodista vocacional que no tuvo otra alternativa abandonar su promisoria carrera. Renuncia que le costó una depresión profunda durante años, que la condujo a más de una internación en psiquiátricos. Como su hermana 9 años mayor ya cursaba en el Smith College, frente a la separación de sus padres, Gloria, desde los 11, se vio obligada cuidar a su madre. Así fue que tuvo una asistencia irregular a la escuela primaria. 

Y, de algún modo, la gran frustración de su madre, plantó en ella una semilla de rebeldía: “La sensación de insatisfacción, de no haber podido desarrollar su talento que percibimos en nuestras madres, fue determinante para mí. Me di cuenta tiempo después de que yo perseguía el sueño de ella, a quien consideraban en esa época la loca del vecindario. También advertí que las personas que se han dedicado muy jóvenes a cierto tipo de tareas de cuidado, no suelen tener hijos”. Ella, Gloria Steinem, no se lamenta de no haber sido madre, se manifiesta contenta con sus decisiones de vida. Pero, más adelante, cuando habla de su único casamiento a los 66 con el hombre que amaba en ese momento, David Bale –padre del actor Christian, que enfermó y murió 3 años después de la boda– ríe pícara: “Por parte de los hijos de mi marido, tengo unos nietos maravillosos que no me los merezco”.

Sé bonita y no te calles

Entre los hitos de su vida más significativos que repasa, después de haber cursado Ciencias Políticas en el Smith College, figura un romance que protagonizó muy joven, y que cortó cuando comprendió que se esperaba de ella: el rol de esposa, madre y ama de casa. A los 22, partió, beca mediante, hacia la India, pero en el camino supo que estaba embarazada. Y estando en Europa en los años 50, cuando la interrupción del embarazo era ilegal por doquier, encontró en Londres a un médico que la ayudó y le regaló un lema: “Hacé de tu vida lo que desees”. Ya en la India, se vistió de sari y se lanzó a seguir los pasos de Mahatma Gandhi, trabó buenas relaciones con sus discípulas, ahondó en la cultura de ese país donde permaneció dos años.

Antes de comprometerse hasta el caracú con el movimiento feminista, GS tuvo experiencias que –sumadas a la marca que dejaron en ella los tremendos efectos de la frustración sufrida por su madre– la fueron acercando a las ideas feministas. Por ejemplo, cuando alguien la recomendó a un editor de la revista Life y fue a verlo a su oficina, él, sin moverse de su asiento detrás del escritorio, le zampó: “No queremos una chica linda, queremos una escritora”. Por ejemplo, y ya en otro orden de cosas, cuando la revista Show le pidió una sobre las conejitas del Playboy Club y ella se hizo pasar por aspirante a camarera. Con su natural belleza y su capacidad para adaptarse, no le costó conseguir ese lamentable trabajo en el que aguantó 11 días. “Me involucré con la vida de esas mujeres, algunas trabajando para darle de comer a sus hijos, humilladas, mal pagadas. Una chica negra tenía que soportar que la llamaran conejita chocolate. Ellas se sorprendieron de que escribiera en forma crítica sobre las condiciones laborales. La nota llamó la atención, sirvió como denuncia. Y yo seguí manteniendo relaciones con algunas de estas mujeres”.

Cuando la Revista Vogue la llamó “la cara más bella del feminismo”, la incordió el prejuicio subyacente que sostenía que las feministas eran todas feas, dentro del concepto convencional de belleza. “Mucha gente pensaba: si tuvieras un hombre no serías activista. Me molestó que me eligieran por mi apariencia, no por mi trabajo”.

Naturalmente, en esta edición de Ultimas palabras célebres se dedicó un espacio a la creación, en los tempranos ’70, de la revista Ms. Que tuvo como cofundadora a Steinem, ya reconocida periodista y ensayista, asimismo convertida en carismática oradora, bien lejos de la anticuada máxima francesa: “Sois belle et tais toi” o del dicho español “Calladita estás más guapa”.

Pasando de largo por la solemnidad impostada de Falchuk, Gloria se divierte contando que, más allá de los problemas que tenía con la ciudadanía su novio Bale, en realidad la razón por la que aceptó pasar por ese trámite, fue que su muy amiga Wilma Mankiller, primera jefa de la nación cheroki, les ofreció una ceremonia de su tribu: “¿Quién habría podido resistirse? De modo que esa noche, en su jardín, caminamos cinco veces alrededor del fuego”. Y luego, cerca del final de la entrevista, bajando bien a tierra, le responde a su entrevistador que para entretenerse mira Dance Moms, desfiles de moda en la televisión.

Se pone más seria cuando le toca decir las palabras de cierre, esas que podemos escuchar ahora que Gloria ha muerto: en resumen, pide por una auténtica democracia global y expresa el anhelo de ser recordada como alguien que intentó que el mundo fuera un poco más equitativo, más compasivo, más alegre.

Robin Morgan, siempre fuiste compañera

La poeta feminista Robin Morgan murió a los 85, el 5 de septiembre pasado, tres días después de su socia y amiga Gloria Steinem. Profundamente involucrada con los movimientos por los derechos civiles, contra la guerra de Vietnam y a favor el feminismo desde fines de los ’60, RM había sido de muy niña una estrellita de la radio y la TV.

Feminista a carta cabal, en 1968 participó en la organización de la primera manifestación con el concurso de belleza Miss América. Años más tarde dirigió la publicación de la antología Sisterhood is Powerful (La hermandad es poderosa). Creo el término herstory (modificando history -la historia contada por los hombres, según su acertado pensar- para darle un primer plano a la historia de las mujeres, contada por las mujeres. Escribió una veintena de libros, entre poesía, ensayos, memorias. Jefa de redacción de la revista Ms., fundó –con GC y Jane Fonda– el Women Media Center, consagrado al lugar de las mujeres en los medios, su capacitación, su representación. Enfermó de Parkinson en 2010, detalle que no le impidió seguir escribiendo, dando entrevistas y discursos.

Amiga de Simone de Beauvoir, entra tantas amigas: las diosas las crían y ellas… En los ’80 fundó el think tank Sisterhood Global Institute. De ella dijo Gloria S: “Su arte nutrió mi compromiso político; su feminismo me educó. Ella me enseñó que lo personal es político”. Robin Morgan escribió un largo poema que -en muchos de sus versos- se convirtió en un himno feminista recitado a coro en las manifestaciones de aquellas fechas: Quiero una revolución que sea como una amante, la anhelo. Poema hermoso y radical hasta la médula, que dice así en sus tramos finales: “Que enloquezcamos todas juntas, hermanas mías,/que nuestra agonía al dar a luz esta revolución/ signifique la muerte de todo dolor./ Que comprendamos que no podemos ser reprimidas./ Que yo aprenda a sobrevivir hasta que mi parte esté terminada./ Que me dé cuenta de que/ soy un/ monstruo./ Soy un monstruo./ Soy un monstruo./ Y estoy orgullosa”.

MS/MG

En 1963, la filósofa Hannah Arendt creó el concepto de 'banalidad del mal'. Lo hizo tras acudir al juicio del nazi Adolf Eichmann por crímenes contra la Humanidad. Arendt intentaba entender cómo tantas personas habían participado en el Holocausto. ¿Por qué nadie dijo que no? Había miles de personas trabajando en esa maquinaria que masacraba a los judíos sin decir nada. Guardianes de los campos de concentración, limpiadores, funcionarios… ¿Nadie se negó? Lo que pretendía explicar es que las barbaridades no eran solo cometidas por monstruos, sino que se asentaban en la connivencia de muchas personas de a pie que simplemente, y como explicaron en los juicios, obedecían órdenes.

Es imposible no pensar en la banalidad del mal cuando uno ve Naza, el estremecedor documental de Yuval Abraham y Rachel Szor, cineastas israelíes y parte del cuarteto ganador del Oscar por otro trabajo imprescindible, No Other Land. El film se presentó a competición por el León de Oro en el Festival de Venecia, donde dejó muda a la sala con una propuesta que desde la austeridad y el periodismo aporta hasta 24 testimonios de soldados y miembros de la inteligencia israelí que narran con frialdad y completa normalidad sus trabajos. Algunos diseñaron inteligencia, otros espiaron, otros dieron el ok a atentados y otros dispararon. Todos sabían lo que hacían. Todos eran parte de un genocidio planificado que incluso llegan a reconocer. “Sí, absolutamente, lo es”, dice una de las personas entrevistadas.

Sus rostros están en penumbra y sus voces, alteradas para que no se los reconozca, pero sus testimonios ponen los pelos de punta. Ellos mismos reconocen que trabajan como si fuera “una factoría” donde lo que pretenden es “borrar Gaza en una escala masiva”. Algunos responsabilizan a toda Palestina del atentado del 7 de octubre, el punto de inflexión en algo que, sin embargo, lleva décadas. Aciertan los directores en ofrecer contexto y remontarse a los años 70, cuando fueron los israelíes los que pusieron las primeras antenas telefónicas en Gaza. Los palestinos no podían construirlas ellos solos, estaba prohibido. ¿El resultado? Un sistema de espionaje y vigilancia mejorado, ahora con modernos software e inteligencia artificial.

Es así como mapean cada barrio y como señalan sus objetivos. Una inteligencia artificial localizó a más de 70.000 objetivos. Una de las personas que trabajó en ella reconoce que hay un riesgo de más del 15% de que ese software se equivoque al localizar posibles terroristas. Son muchas posibles víctimas erróneas. No les importa. De hecho, reconocen que buscan un “asesinato masivo” y que el ataque se produce cuando estos están en sus casas. Da igual que haya un bebé, un niño o toda la familia de celebración. Es cuando se encuentra en su domicilio cuando actúan. De hecho, hay una máxima, “cuantos más mejor”.

El título, Naza, hace referencia al número de civiles que se asesinan en cada ataque. Lo que se suele llamar ‘daños colaterales’. Una operación es un 12 Naza, si mueren 12 personas que no eran el objetivo en ella. Los testimonios hablan de las operaciones en las que trabajaron y muestran hasta qué punto han deshumanizado a los palestinos. Para ellos son solo un número. Yuval Abraham, quien realiza las entrevistas, pregunta a varios cuál es el Naza más alto que vivieron. Uno de ellos dice un número terrorífico: 500.

Lo que sorprende, y lo que hace que uno piense en esa banalidad del mal, es que solo un par de ellos se arrepienten. “Si los nazis eran el mal, ¿entonces qué soy yo?”, dice uno de ellos, el que articula los remordimientos de forma más clara. El resto dice que ellos son solo parte del engranaje. Que ellos no aprietan el gatillo, solo cumplen su trabajo. Un trabajo que, dicen explícitamente, consiste en “echarlos a todos”, en “asfixiarlos”. “Si no tienen condiciones para vivir, se irán todos al sur”, explican. Por eso queman sus casas.

Uno de los testimonios más duros es el que dibuja el esquema de cómo los francotiradores juegan a asesinar a aquellos que se atrevan a ir por comida o a volver a sus casas por restos de sus pertenencias. Más de diez en una hora pueden matar. “Gaza está llena de cuerpos. Hay fosas comunes y los perros se comen los cadáveres”, dicen ante la mirada de Abraham. Lo hacen como si “fuera un videojuego”, ellos solo avanzan en la siguiente pantalla. 

Soy judío israelí, tengo familia que es superviviente del Holocausto, y vivimos en un mundo donde el antisemitismo se usa para justificar acciones que son injustificables, como asesinar civiles en Gaza

Yuval Abraham — Cineasta

Todo se dice desde las azoteas de Tel Aviv, mientras a menos de 60 kilómetros se sigue matando a gente. Sin embargo, en los edificios de la ciudad israelí la gente sigue con sus vidas. Hacen gimnasia, ven la televisión, salen a correr y disfrutan de una cerveza en la calle. Esa cotidianeidad, unida al tono austero del documental, y ese plano en la penumbra de las entrevistas hace que todo duela más. También esa última parte en donde se dice que no solo se persigue a la gente en Gaza, sino que los servicios de inteligencia chantajean y amenazan a aquellos que quieren acudir a la corte internacional para denunciar los crímenes. La persecución no acaba allí, y sigue actualmente. 

Un genocidio desde dentro

Naza está producido por la sección de documentales de The Guardian junto a Jim Wilson, productor de La voz de Hind Rajab. Cuenta, además, con la coproducción de Jonathan Glazer, que acudió a Venecia en apoyo del equipo, atendió a la prensa y recordó que muchas de las cosas que se cuentan en el documental ya se habían publicado en crónicas, pero que “hay cosas que aunque ya se sepan, es diferente oírlas en boca de los que ejecutaban esos sistemas”. “Una película muestra cosas que se pierden con el periodismo. Pudimos mostrar la sociedad en la que esto pasa, ese Tel Aviv donde se encuentran también las oficinas de la inteligencia”, dijo Rachel Szor.

Yuval Abraham cree que con Naza muestran que “los crímenes de Israel son sistémicos”, y lo hacen con testimonios de las personas que comenten ese “asesinato masivo basado en la vigilancia”. “No sé si el cine es la mejor forma de contar la verdad, pero la verdad ya estaba ahí, ya era evidente gracias a la labor de los periodistas, pero como directores israelíes sentimos la responsabilidad de usar nuestra posición para traer esos testimonios que cuentan desde adentro cómo funciona ese sistema de asesinato masivo”, explicó.

Abaraham citó a Primo Levi, que habló entonces de “deshumanización”, la misma que los israelíes ejercieron sobre los palestinos. “Soy judío-israelí, tengo familia que es superviviente del Holocausto, y vivimos en un mundo donde el antisemitismo se usa para justificar acciones que son injustificables, como asesinar civiles en Gaza”, opinó. Por eso cree que escuchar esos testimonios hará “más difícil negar esos crímenes”.

Esta misma semana, una escuela fue bombardeada y una niña asesinada junto a su padre. Por eso creen que Naza es importante, porque no se trata solo de “declaraciones”, sino de “pasar a la acción” con medidas concretas de los países para “presionar a Israel para que paren”. Mientras, los acusarán de ser “antisemitas”. Jim Wilson dejó claro que no lo es, y que sabe que sus colegas (tanto él como ellos son judíos) no lo son, pero que “eso es una estrategia para reprimir que se cuente la verdad”. Una verdad que, como el año pasado con La voz de Hind Rajab, llegó a Venecia para sacudir un certamen a punto de concluir. 

Las Spice Girls anunciaron que lanzarán el próximo 6 de noviembre una edición especial de su música, que incluirá canciones inéditas –sin especificar el número– como “Do You Think About Me”. Ofrecerán dos tipos packs, con versión en vinilo o cedé, cuyos precios oscilan entre las 100 y 280 libras (entre 135 y 380 dólares). Las colecciones las completan libretos, postales y un colgante.

El grupo formado por Mel B, Mel C, Emma Bunton, Geri Halliwell y Victoria Beckham hizo saltar este miércoles las alarmas con un misterioso video en el que anticipaban un anuncio –dejando en el aire si sería un posible regreso a los escenarios o la publicación de nueva música–, que tendría lugar este jueves. Finalmente, no habrá gira, pero sí material que no habían publicado hasta ahora y decidieron rescatar.

El video compartido en sus redes sociales hacía referencia a su mítico Wannabe, que precisamente este 2026 cumplió treinta años, en su puesta en escena. La pieza fue grabada en las escaleras del mismo hotel en el que en su día se grabó el videoclip. Sobre ellas aparecía un periódico planteando varias preguntas: “¿Sos fan de las Spice Girls con capacidad de cantar y bailar? ¿Sos un superfan, un coleccionista, un melómano?”.

Los seguidores del grupo comenzaron a mirar con lupa cada uno de los detalles del mansaje, como que el periódico que referenciaban era The Stage. Este fue el medio que en 1994 publicó el anuncio de la búsqueda de una nueva 'girlband' que terminó dando lugar a las Spice Girls.

Las Spice Girls son una de las bandas femeninas más exitosas de la historia de la música reciente, con nueve números uno en Reino Unido y más de 100 millones de copias vendidas. El grupo se mantuvo entre 1996 y 2001, y posteriormente entre 2007 y 2008, además de una aparición en 2012 durante la clausura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Ya sin Victoria Beckham, las otras cuatro integrantes estuvieron de gira entre 2018 y 2019, el Spice World Tour 2019; pero no habían vuelto a reunirse hasta ahora.

El pasado mes de junio se avivaron los rumores sobre su posible regreso, con la celebración por parte de las cantantes del 30 aniversario de su primer gran éxito, Wannabe. A propósito del mismo, Emma Bunton y Mel C mostraron su optimismo respecto a un posible reencuentro en una entrevista en la radio iHeart, donde afirmaron: “No puedo pensar ahora mismo nada mejor en el mundo que el que haya una reunión de las Spice Girls”. “Sería tan bonito, manifestémoslo, digámoslo en alto”, añadieron.

South Park vuelve a poner el foco en Donald Trump. La serie de animación estadounidense prepara el estreno de su temporada número 29, el próximo 16 de septiembre, con una nueva parodia relacionada con el presidente de Estados Unidos: sus creadores, Trey Parker y Matt Stone, anunciaron que el programa pasará a llamarse, al menos temporalmente, South America.

El cambio de nombre llega acompañado de una referencia directa a la política de Trump y a su particular batalla por modificar la denominación de diferentes enclaves geográficos. “Inspirados por la valentía y el patriotismo de Apple y Google, vamos a cambiar el nombre de South Park a South America”, anunciaron Parker y Stone en X.

La broma coincide con el lanzamiento de la nueva temporada, cuyo primer episodio llegará el próximo miércoles. Los creadores no aclararon si South America será una nueva denominación permanente o si forma parte de la trama y el tono satírico del capítulo de estreno, por lo que todavía queda por descubrir cuánto durará la ocurrencia.

El nuevo chiste de South Park apunta a los mapas de Trump

Para entender la nueva ocurrencia de South Park hay que remontarse a algunas de las decisiones y propuestas de Donald Trump en materia de nombres geográficos. Durante su segundo mandato, el presidente estadounidense impulsó distintos cambios de denominación que provocaron polémica y que rápidamente se convirtieron en material para la sátira.

Uno de los casos más conocidos fue el del Golfo de México, cuya denominación Trump decidió sustituir por la de Golfo de América dentro de los Estados Unidos, dando pie a nuevas bromas por parte de la serie. Más recientemente, Trump firmó a finales de agosto una orden ejecutiva relacionada con el lago Ontario, en la frontera entre Estados Unidos y Canadá, para referirse a él como lago América. El movimiento se produjo además en un momento especialmente tenso en las relaciones entre ambos países, marcadas por la guerra comercial y la imposición de aranceles.

El presidente también publicó el pasado domingo en su red social Truth Social un mapa del estado de Nuevo México en el que aparecía con el nombre de Nueva América. Con este contexto, el cambio de South Park a South America funciona como una nueva vuelta de tuerca al mismo chiste: si Trump puede rebautizar lugares y modificar nombres en los mapas, la propia serie parece dispuesta a aplicarse la misma lógica.

El segundo daro a Trump en apenas unos días

El anuncio del nuevo nombre llega, además, apenas unos días después de que South Park volviera a utilizar al presidente como protagonista de una de sus bromas. El pasado 6 de septiembre, la serie recibió el Emmy al mejor programa de animación. Con motivo de la celebración, sus responsables publicaron una imagen de su particular versión animada de Trump sosteniendo el galardón y acompañada de un mensaje especialmente irónico: “Por fin conseguiste tu Emmy”.

La broma cobra un significado añadido teniendo en cuenta la relación que South Park mantuvo con el presidente durante los últimos años. Trump fue uno de los objetivos recurrentes de la serie, que no dudó en convertir su figura política, sus declaraciones y algunas de sus decisiones en material para su habitual humor absurdo y provocador.

No será la primera vez que Donald Trump aparezca como un personaje más de la serie de humor adulto, los episodios estrenados en 2025 presentaron una versión satírica del presidente como un personaje prácticamente villanesco, llegando incluso a plantear una relación sentimental entre su versión animada y Satanás.La ficción utilizó así el regreso de Trump a la Casa Blanca como combustible para algunas de sus historias más políticas, manteniendo una de las características que acompañaron a South Park desde sus comienzos, la capacidad de convertir la actualidad más inmediata en material para la parodia.

Queda por saber si South Park será realmente South America durante toda la temporada o si el nuevo nombre desaparecerá después del estreno. Lo que sí parece claro es que la 29ª temporada de la serie, que llegará el próximo 16 de septiembre no tiene ninguna intención de dejar descansar a Donald Trump.

Samuel “Chiche” Gelblung, que murió ese miércoles a los 82 años, entendió rápidamente los códigos de la televisión. Obsesionado por interpretar el gusto de la gente, y muchas veces reciclando ideas y formatos, el periodista descubrió cómo escandalizar, sorprender y al mismo tiempo atrapar al televidente.

La trayectoria de “Chiche” tuvo capítulos destacados en revistas, radio y televisión. Sin embargo, fue Memoria, por Canal 9, el programa que terminó de definir su estilo televisivo, especialmente durante la década del 90.

Aquella etapa dejó una colección de escenas que hoy podrían convertirse en virales en cuestión de minutos. Desde una supuesta autopsia extraterrestre hasta entrevistas con personajes excéntricos, estos son diez de sus momentos más recordados.

1. La autopsia del ET

Pocas imágenes quedaron tan asociadas a la televisión de los 90 como la famosa autopsia del ET. La producción de Memoria armó una puesta en escena que simulaba un procedimiento médico sobre un supuesto extraterrestre.

Años después, Gelblung contó que todo había comenzado como una broma. En una entrevista con Fernando Dente, explicó: “Eso fue inolvidable. Pero ¿qué pasa?, eso fue un documento. En realidad, nosotros hicimos una joda. De hecho, yo debo haber hecho cuarenta viajes a Estados Unidos a explicar la historia de esta autopsia… La historia maravillosa fue que el programa de Fernando Bravo y Teté Coustarot compraron los derechos de esa autopsia, que costaba en ese entonces cuarenta mil dólares. Cuarenta mil dólares nosotros no lo teníamos ni en dos meses… Entonces llamo a un tipo que era un desmitificador de las falsas ciencias. Lo llamo y le digo: ‘Enrique, quiero hacer la autopsia del ET’. ‘Sí, es una truchada’, dice. ‘Bueno, vamos, hagámosla’. Hicimos un muñeco, la escenografía era bastante elemental. Y teníamos que determinar cómo le sacábamos las vísceras y terminaron siendo menudo de pollo. Compramos tres kilos de menudo de pollo, se lo metimos dentro del ET y sacábamos los menudos de pollo”.

2. Mirtha Legrand, furiosa con Daniel Tinayre

Una grabación fuera de aire mostró a Mirtha Legrand discutiendo con Daniel Tinayre durante un corte de sus tradicionales almuerzos. El material terminó llegando a manos de Gelblung, quien decidió ponerlo al aire.

Tiempo después, reveló cómo obtuvo el tape. “Me lo trajo Gerardo Rozín. Me dice: ‘¿Te animás a poner esto?’ Por supuesto que me animo, ¡cómo no me voy animar!…” La escena, décadas después, tiene todos los ingredientes de un contenido viral.

3. La pregunta de Chiche a Mariana Nannis

El conductor también se caracterizó por llevar las entrevistas hasta terrenos incómodos. En una conversación con Mariana Nannis, el tema giró alrededor de las mujeres vinculadas al mundo del fútbol.

“Mariana, vos hablaste que alrededor del fútbol hay dos mil prostitutas”, arranca Chiche. La conversación avanzó sobre la vida de Claudio Caniggia y las situaciones que podían surgir alrededor de las figuras del fútbol argentino.

4. La entrevista con Yiya Murano

Entre los reportajes más impactantes de Memoria estuvo el realizado a Yiya Murano, condenada por tres asesinatos y conocida mediáticamente como la envenenadora de Monserrat.

“Si es verdad lo que dice la Justicia y por lo que la condenaron, la señora María de las Mercedes Bola Aponte de Murano sería la primera asesina serial de la historia. Ella está acá hoy con nosotros”.

Durante la charla, la entrevistada sostuvo su inocencia frente a las cámaras: “Soy inocente, señor Gelblung, y lo voy a sostener hasta el día de mi muerte. No he matado, no soy una asesina”.

5. Alejandra Pradón y el detector de mentiras

Otra de las apuestas televisivas del conductor fue someter a Alejandra Pradón a un detector de mentiras. La pregunta que concentró la atención fue directa:

“¿Alguna vez fuiste infiel?”

Consultado por Fernando Dente, Gelblung defendió aquella decisión y explicó su particular mirada sobre ese recurso televisivo: “Contame cómo se te ocurrió eso, porque yo te creí todo; no sé si era verdad o mentira, pero te lo creí todo”. Y agregó: “El detector de mentiras es una máquina muy seria. La clave no es las respuestas, la clave está en las preguntas, en cómo vos le preguntás. Al detector de mentiras vos le podés mentir, le podés decir la verdad, ¿viste?, qué sé yo. Lo que vale únicamente es la pregunta”.

6. Graciela Alfano y Matías Alé, sin filtro

Durante su relación, Graciela Alfano y Matías Alé fueron una de las parejas más expuestas de la televisión argentina. Gelblung aprovechó esa predisposición para llevarlos al límite durante una emisión.

El desafío terminó con ambos quitándose parte de la ropa frente a las cámaras. Tiempo después, el conductor recordó el episodio: “¡Dos dementes!”. Y explicó: “El problema que yo tenía… yo trataba de tapar porque estaba mirando cuándo salía la placa de protección al menor. Si salía la placa listo, estábamos salvados. Al otro día nos querían levantar el programa. ¡Pero eso eran dos dementes!”.

7. El pedido a Flavia Miller

Durante una entrevista con Jaime Bayly, el programa realizó un móvil con Flavia Miller. En medio de la conversación, Gelblung hizo una particular observación sobre los anteojos de la vedette.

“¿Te podés sacar un minuto los anteojos, por favor, que Bayly quiere verte los ojos?”. La escena se convirtió en otro ejemplo del estilo que el periodista había construido en pantalla.

8. Freddy Villarreal imitó a Chiche

La personalidad televisiva de Gelblung llegó incluso al terreno de la imitación. Freddy Villarreal incorporó al periodista a su repertorio de personajes, y ambos participaron de un sketch en el que los roles se invirtieron.

—¿Uno puede hacer una nota de una pelotudez y que parezca interesante?

La respuesta llegó desde la propia caricatura del conductor:

—Mirá, yo imitando personajes medio pelotudos no me va mal.

9. Nelson, “el hombre más pequeño del mundo”

Entre las figuras particulares que pasaron por sus programas estuvo Nelson de la Rosa, actor y comediante dominicano de unos 71 centímetros de altura.

Conocido popularmente como “el hombre más pequeño del mundo”, había alcanzado notoriedad en la Argentina después de una entrevista con Susana Giménez. Falleció el 22 de octubre de 2006, a los 39 años, como consecuencia de un infarto agudo de miocardio.

10. Silvia Süller y la “operación psíquica”

La lista se completa con otra escena que resume el costado más insólito de aquellos programas. Silvia Süller se sometió en vivo a una supuesta “operación psíquica” realizada por un sanador filipino.

“A esta operación se iba a someter una voluntaria, pero tenemos a la señora Silvia Süller -presenta la nota Chiche-. El doctor Enrique Márquez, sanador filipino…”

Luego, el especialista le indicó: “Te vamos a tener que destapar un poquitín”. Mientras tanto, Gelblung preguntó: “Yo me voy a ubicar acá. ¿Estás nerviosa?”. Ante la respuesta de la invitada, agregó: “No tengas miedo, porque vamos a trabajar sobre tu cuerpo bioplásmico”.

Así se construyó una parte fundamental de la identidad televisiva de Gelblung: entrevistas inesperadas, personajes singulares y situaciones que, mucho antes de las redes sociales, conseguían instalarse en la conversación pública.

Samuel “Chiche” Gelblung murió este miércoles 9 de septiembre de 2026, a los 82 años, tras permanecer internado en el Sanatorio Mater Dei por un cuadro respiratorio que se había agravado en las últimas semanas. Su muerte cierra una de las trayectorias más largas, intensas y discutidas del periodismo argentino, un oficio que él moldeó a su manera durante seis décadas.

Un periodista hecho en la calle y en las redacciones

Nacido en Buenos Aires el 7 de febrero de 1944, criado en Villa Devoto en una familia judía de clase media atravesada por la militancia comunista, Gelblung creció en un hogar donde la política era parte del aire cotidiano. Esa atmósfera, según él mismo relató, lo empujó a irse de su casa a los 14 años, buscando independencia y un mundo propio.

Su entrada al periodismo fue temprana y sin títulos: llegó a la revista Gente en 1966, donde aprendió el oficio en la práctica, bajo la lógica de las grandes redacciones de Editorial Atlántida. Allí empezó a construir un estilo que combinaba olfato, audacia y una cuota de show. En 1967, con apenas 25 años, cubrió la Guerra de los Seis Días como corresponsal, una experiencia que marcaría su carrera y que él mismo evocaba como su “postgrado” profesional.

El hombre que no dejaba que la realidad arruinara una buena nota

Gelblung ascendió rápido: fue jefe de redacción de Gente entre 1976 y 1978, en plena dictadura, etapa en la que protagonizó coberturas polémicas y quedó asociado a una mirada confrontativa frente a organismos de derechos humanos. Luego dirigió La Semana, escribió en Ámbito Financiero y La Nación, y se convirtió en una figura reconocida del periodismo gráfico.

Su estilo directo, mordaz y muchas veces provocador se sintetizaba en una frase que repetía como mantra: “Nunca dejes que la realidad te arruine una buena nota.” La anécdota que solía contar —comprar pescados en un mercado para recrear una escena de una prueba nuclear en Mururoa— se volvió parte de su leyenda profesional.

La explosión televisiva: “Memoria” y el fenómeno Gelblung

Aunque su corazón estaba en la gráfica, fue la televisión la que lo convirtió en un personaje popular. En los años 90, Memoria, por Canal 9, mezcló investigaciones, actualidad, misterio y fenómenos paranormales, y se transformó en un ciclo de culto. El envío alcanzó altos niveles de audiencia y fue pionero en instalar una narrativa televisiva basada en casos policiales, escándalos políticos y debates sociales, con una impronta muy característica en su paso por señales como Canal 9, América TV, Crónica TV y Radio del Plata, entre muchas otras emisoras.

Gelblung llevó a la pantalla su curiosidad voraz y su gusto por lo insólito, en una época donde la TV abierta era el centro de la conversación pública.

Su presencia en radio y TV se mantuvo constante durante décadas, con participaciones en ciclos políticos, magazines y programas de debate. También condujo ciclos como “Hola Chiche”, “70.20.HOY”, “Chiche en vivo” y “Polémica en el bar”. En 2006 fundó Minuto Uno, uno de los primeros portales nativos digitales del país, y luego impulsó DiarioVeloz e InfoVeloz, proyectos que reflejaban su interés por las nuevas plataformas.

Entre los episodios más recordados de su carrera aparece la difusión de imágenes inéditas de la intimidad familiar de Alfredo Yabrán en plena exposición pública del empresario tras el crimen de José Luis Cabezas, material por el que llegó a pagar 40 mil dólares y que finalmente no emitió luego de un pedido de la familia.

A eso se sumaron sus investigaciones televisivas sobre corrupción y narcotráfico durante los años noventa y las reiteradas discusiones al aire con dirigentes políticos y figuras del espectáculo que marcaron su estilo confrontativo, como el cruce con Guillermo Moreno a quien el conductor le gritó en la cara “¡Conmigo no vas a guapear, Moreno!”.

Otras figuras con quienes Chiche se llegó a cruzar fueron Moria Casán con quien acumuló peleas a través de los años, incluso le dedicó un informe titulado “Moria, la movilera: el ocaso de una diva”. La más reciente pelea fue con el presidente Javier Milei, que lo había ido a visitar a una internación y terminaron enemistados por una entrevista.

Durante sus últimos años siguió al frente de programas en Crónica TV y participó de debates políticos en canales de noticias, incluso después de internaciones por neumonía, insuficiencia renal y cuadros cardiovasculares entre 2023 y 2026.

En noviembre de 2023 fue hospitalizado de urgencia en el Sanatorio Mater Dei debido a un cuadro de insuficiencia renal, ocasión en que recibió la mencionada visita de Milei. A los pocos días del alta, ya estaba al aire.

“Esto no es joda”, “A mí me gusta preguntar lo que otros no preguntan”, “No hago periodismo para caer bien”, serán sólo algunas de las frases más recordadas de quien supo bromear con “La máquina de la verdad” y “autopsias de aliens”.

Un personaje sin concesiones

Gelblung fue polémico, contradictorio, incisivo y, para muchos, imprescindible. Su figura atravesó generaciones: desde el periodista gráfico que discutía con escritores y políticos, hasta el conductor televisivo que se animaba a temas incómodos o extravagantes. Su estilo directo generó adhesiones y rechazos, pero nunca indiferencia.

También cultivó una vida personal discreta: estuvo casado desde 1977 con Cristina Seoane y tuvo tres hijos. En los últimos años, pese a problemas de salud —trombosis, internaciones reiteradas y la colocación de stents— siguió trabajando y apareciendo en medios, incluso después de largas estadías en terapia intensiva.

El final de una era

Gelblung había sido internado nuevamente el martes 8 de septiembre por dificultades respiratorias. El comunicador había permanecido internado en terapia intensiva desde el pasado 12 de mayo en el marco de controles posteriores a una intervención cardíaca ya que semanas antes le habían colocado dos stents luego de un infarto en el pie producido por problemas circulatorios. En estos últimos días, su estado se agravó y murió en la mañana de este miércoles. Tenía 82 años.

Con su muerte, el periodismo argentino pierde a un protagonista que supo moverse entre la investigación, el espectáculo y la controversia, y que dejó una marca profunda en la gráfica, la radio, la televisión y el ecosistema digital. Su figura, discutida y fascinante, queda como testimonio de un modo de hacer periodismo que él mismo ayudó a inventar.

Con información de agencias.

Desde que se conocieran en Jamón Jamón, el encuentro que cambiaría sus vidas profesionales y personales, Javier Bardem y Penélope Cruz fueron coincidiendo en pantalla hasta en siete ocasiones. Sin embargo, había ganas de más. La química entre ellos, pareja en la vida real, es tan evidente que ver la suma de sus dos talentos es una experiencia que siempre vale la pena. Por eso Búnker se había convertido en una de las películas más esperadas del Festival de Venecia, porque ver por octava vez a los intérpretes españoles es una delicia que ningún cinéfilo debe perderse.

Y sobre sus hombros se sustenta y se alza Búnker, el nuevo film de Florian Zeller (dramaturgo que debutó en la dirección con la estupenda El padre), que adapta de forma libre El hombre de al lado, la película de los directores argentinos Gastón Duprat y Mariano Cohn. Convierte la mala leche de aquellos en un tenso tour de force entre los intérpretes españoles, que dan vida a un matrimonio en una crisis que no se atreven a explicitar. Lo hacen cuando él, un arquitecto de éxito, recibe un tentador encargo: construir un búnker para un magnate tecnológico. Un trabajo por el que cobrará una millonada a cambio de vender sus principios. Un pacto con el diablo que se convertirá en la gota que colma el vaso del hastío de la rutina del matrimonio.

Ambos, Penélope Cruz y Javier Bardem, recibieron una tremenda ovación de la sala de prensa de Venecia. Nada más empezar, Zeller dejó claro porque los había elegido. Primero “porque están entre los mejores actores del momento”, y después porque para esta pareja en la ficción era interesante que fueran pareja en la vida real para “captar algo especial, darle capas y desdibujar los límites entre realidad y ficción”. Los definió como “sin miedo y ambiciosos”, y se rindió, como todos a su talento.

La prensa les agradeció que, en un festival donde las preguntas políticas asustan a los cineastas y actores, ellos no tengan miedo a hablar. Y esta vez fue Penélope Cruz la que dio la respuesta más contundente diciendo que si hacés una película como Búnker, que habla del miedo al otro, de los principios morales del artista, del poder de los oligarcas y del machismo, no tiene sentido sentarse en ese púlpito y esquivar la bala: “Sería contradictorio estar aquí, con una película como esta, y decir que no quiero hablar de política. De lo que habla esta película nos involucra a nosotros y a las nuevas generaciones”.

Bardem, por su parte, añadió que “seas fontanero (plomero), taxista o actor tienes derecho a decir lo que consideras importante”. “Yo tengo más medios para hacerlo porque tengo este micrófono delante y la responsabilidad es diferente, pero tengo una responsabilidad con el mundo en que vivimos, y no doy nada por asegurado”, dijo a la misma pregunta.

El punto de partida llegó de una noticia real que leyó el director, el de un multimillonario que había hecho una fortuna en conectar a la gente virtualmente que estaba trabajando en un búnker secreto. La información salió a la luz, y esa ironía entre lo que hacía en la vida privada y en su vida profesional le pareció un lugar desde el que tirar del hilo hasta llegar a un guion en el que quiere hablar de algo más anclado a la vida real: “Al final todos vivimos en un búnker de un grado u otro debido al estilo de vida que abrazamos cada vez más y que es el que promocionan esos multimillonarios que nos crean una ilusión de que no necesitamos a los demás”.

Es obvio que a quienes toman las decisiones los podemos contar con los dedos de una mano, y ese grado de manipulación es muy triste y va tan rápido que no da tiempo a reaccionar.

Penélope Cruz — Actriz

A Cruz le da “pena y rabia” sentir que cada día “nos utilizan más como marionetas”. “Creo que es obvio que a quienes toman las decisiones los podemos contar con los dedos de una mano, y ese grado de manipulación es muy triste y va tan rápido que no da tiempo a reaccionar. Lo veo bastante oscuro y preocupante, pero lo que me salva es ver que la gente joven se da más cuenta de lo que pensamos de estas trampas. Hay que darles ese valor, porque la gente joven habla más de política que antes. Yo lo percibo así”, subrayó.

Por eso le enoja ver que esos empresarios hablen de “que la gente va a tener mucho tiempo libre después de cargarse un montón de puestos de trabajo”. “¿Cómo tienen la desfachatez de decir eso?, ¿tiempo libre para hacer qué? Para mí el tiempo libre sin propósito, y más si hablas de gente joven, es una depresión profunda. ¿Qué mundo quieren dejar? Al menos si no es por ellos que lo hagan por sus hijos y nietos. Búnker habla de esto, del riesgo de perder la conexión humana, y la esperanza está en la gente joven. Espero que reaccionen”, reflexionó.

Para su compañero, “la moralidad de aquellos que trabajan para crear diferencias para que no conectemos física y mentalmente con la gente, es una falta de moralidad”. Por eso él trabaja en su moralidad, y subrayó la opinión de Florian Zeller de que el film —que cuenta con la española Mod como una de las productoras— habla de la “necesidad de conectar con los otros”.

Una de las cosas que les hizo decir que sí a este proyecto es que, por fin, sus personajes podían hablar como lo harían en la vida real, en español en la intimidad y en inglés con la gente de afuera. Esto, que ahora puede parecer una obviedad, “hace 15 años era un reto encontrar producciones así”. “Nos hemos peleado mucho en el pasado para convencer a productores y directores de que el público estaba listo, pero había miedo. Ahora los chicos crecen viendo versión original, películas de varios idiomas… hemos hecho de colombianos hablando en inglés, nos preparábamos meses un acento y luego tenías solo una escena en español. Es un alivio que sea así, porque es más real”, apuntó Penélope Cruz.

Hubo hasta tiempo para bromear sobre la presencia de ambos en la terna de películas preseleccionadas para representar a España en los Oscar. Bardem está con El ser querido, y Penélope Cruz con La bola negra. “En una sale ella y en la otra yo, así que no hablamos de esto mucho en casa”, dijo riendo el actor para añadir que es “una maravilla que haya tanta calidad en el cine español”, aunque cree que siempre hubo, solo que ahora “viajan mucho, gustan mucho y las seleccionan en festivales importantes, y eso hay que celebrarlo independientemente de cuál sea finalmente la película elegida”.

Casi 3000 años desde que fue escrita –luego de ser recitada rítmicamente por rapsodas de prodigiosa memoria–, La Odisea, atribuida a Homero, se sigue leyendo, vendiendo, adaptando, citando… En estos días de 2026, acaso más que en ninguna otra época gracias al descomunal suceso del film de Christopher Nolan. Enésima versión para la pantalla que –a partir de aquel episodio que elige Georges Meliès (L’Île de Calypso ou Ulysse et le géant Poliphème, 1905)– demás de atraer a millones de espectadores terrícolas, entre otros efectos, reanimó a editoriales y a librerías gracias al gran incremento de las ventas de este clásico cuya existencia casi todo el mundo, de alguna manera, conocía.

Hasta que llegó en julio la arrolladora versión fílmica todavía en cartel, superproducción de más de tres horas tan elogiada como reprobada por la crítica internacional, y buena parte del público que la vio está queriendo leer el libro en tinta y papel, saber más de mitología griega –anterior a H–, inclusive –los menos– aprender griego. Así, mientras la película en cuestión supera los mil millones en la taquilla global, en Reino Unido y países europeos, la importante cadena Waterstones subió el 1400 por ciento sus ventas del poema homérico. Preferida, la muy celebrada traducción de la especialista Emily Wilson, que vio aumentar a sus compradores en un 1000 por ciento con respecto a 2025.

Y para cerrar este recorrido apretado sobre las bienvenidas secuelas de La Odisea nolanesca, hay que decir que se expone nuevamente en el neoyorquino Museo Metropolitano de Arte una de las copias más antiguas que se conservan: un fragmento del papiro egipcio, época ptolomeica temprana que incorpora tres versos que no aparecen en las ediciones canónicas difundidas. Documento fundamental que prueba que ya, en el siglo III AC, circulaban versiones y variantes antes de que los filólogos unificaran la estructura de La Odisea. Dicho papiro ofrece refinadas inscripciones en agua y carbón realizadas con estilete.

Lo que la Musa habló, e inspiró

“Háblame, Musa, del hombre de múltiples tretas que por muy largo tiempo anduvo errante, tras haber arrasado la sagrada ciudadela de Troya…”, invoca Homero de acuerdo a la traducción del destacado erudito español Carlos García Gual. Y la diosa, hija de Zeus, no se sabe bien en qué momento y a quién escucha, y acude: el resultado fue La Odisea, el poema sobre el viajero errante que dio inicio a la literatura occidental, y que a tantísimos escritores, dramaturgos, poetas, músicos –amén de pintores y escultores– extendió su numen.

Apenas unos pocos nombres, como muestra y por si acaso les sirvan para acercarse mejor a la obra Las traiciones, de Juan Andrés Romanezzi, recién estrenada: “Feliz quien como Ulises/ ha hecho un bello viaje…”, arranca el conocido soneto elegíaco que compuso Joachim du Bellay a mediados del siglo XVI, al que le puso música y voz Georges Brassens en el XX. Previamente, empero, en el XIV, Dante había condenado a Odiseo (Ulises en su forma latina), precisamente por sus tretas y fraudes.

Bastante más adelante, el prolífico Niko Kazantzakis escribe los 33.333 versos de La Odisea. Una secuela moderna (publicada en 1938). “Cuando emprendas tu viaje a Ítaca,/pide que el camino sea largo,/ lleno de aventuras, lleno de experiencia…”, alentó Konstantinos Kavafis en 1911, en el arranque que de su universal poeta Ítaca. Y James Joyce hacia 1922 logra publicar la en extremo radical, discutida y renombrada novela Ulises, donde su protagonista, un burgués pequeño, pequeño llamado Leopold Bloom atraviesa detalladamente, minuciosamente un día de junio de 1904 la ciudad de Dublín; persiguiendo el modelo del relato de gesta homérica, este Ulises fue publicado gracias a la visión y el apoyo de Silvia Beach, la dueña de la librería Shakespeare and Company.

Entre las numerosas alusiones de Borges a La Odisea, el Otro Poema de los dones (1964) en el que se lee: “Gracias quiero dar al divino/ laberinto de los efectos y las causas (…) por el rostro de Helena y la perseverancia de Ulises”. Y en El desterrado (1977), en primera persona: “En el confín del orbe yo, Ulises, /descendí a la casa del Hades/ y vi la sombra del tebano Tiresias,/ que desligó el amor de las serpientes”. Para ponerle final a este breve rincón borgesiano, Nubes (1), 1985): “No habrá una sola cosa que no sea/ una nube (…) Lo es La Odisea/ que cambia con el mar./ Algo hay distinto/ cada vez que la abrimos”.

Una sonrisita provista por Brassens, y de paso no dejar afuera a la habitualmente santificada como prudente y fiel esposa de Ulises que, no sin encantadora malicia es humanizada en la chanson del cantautor francés que se dirige a ella: “Tú, la esposa modelo,/ el grillo del hogar,/ que tienes intachable tu traje de novia./Tú, la inflexible Pénélope,/ ¿no acunas nunca/ bonitos pensamientos incorrectos?/ Detrás de las cortinas,/ inclinada sobre tus telares, esperando el regreso de un Ulises arrabalero,/ en los atardeceres de melancolía,/ ¿nunca soñaste con el cielo de otra cama,/ contando nuevas estrellas?”.

Poniendo la mano sobre el corazón

Con inaudita libertad, con una poesía que refresca el oído, la vista, el entendimiento (que, por momentos se puede quedar en ayunas, pero ya sabemos que no hay que entenderlo todo si algo nos despierta nuevas emociones); con un humor desfasado tanto desde el texto como en las actuaciones, desde la escenografía –en parte dibujada con luces– al vestuario, Las traiciones nos convierte en pasajeros/as del micro del Ulises, que se detiene regularmente en el parador donde reina la señora de los baños, a quien el conductor llama la Pene, Penecita… Finalmente, Penélope. Pero ella se autodenomina La Tora. Es decir, Minotaura, cuerpo de ser humano, cabeza de toro. Ella se ha ganado en su ley el lugar donde limpia y distribuye papel higiénico, disputándoselo a la Lena, previo mordisco en el tobillo. Muñeca brava La Tora, que se siente emprendedora, autónoma. Aunque tiene encuentros íntimos con el Ulises, dice que no quiere comprometerse: “Antes muerta que enamorada”, le retruca al ofrecimiento de trabajar en micro propio de él con baño incluido, atender a los pasajeros.

La Tora no quiere ser inquilina, no le gusta el micro de dos pisos, la hace llorar a chorros. ¿Un caballo de Troya ese nuevo vehículo de gran tamaño? No lo sabemos, a Seguro lo llevaron preso, este texto no propone cosas previsibles en su escritura de verso libre libérrimo donde los personajes se pueden describir a sí mismos en tercera persona mayestática. ¿Por qué no? Sus ancestros muy lejanos, 2800 años y pico ha, fueron el rey y la reina de una islita pedregosa, allá en Grecia.

“Avanzar, qué queda/ sino avanzar,/ atravesar el camino”, declara el viajero que lleva viajeros en su micro. “Y hablar con una voz que ni siquiera reconozco.! Avanzar para sentir que se llega a algo”.

Penélope La Tora se autodefine como una mujer de armas tomar. “Una vida de plantarse y resistir”. Ella enrosca metros y metros de papel higiénico esperando la llegada del mayor proveedor de clientela para esos retretes que ella rige con mucha autoridad, casi manu militari. Y no le gusta que él la llame Penecita. Sin embargo, es capaz de ese llanto como un río cuando él le ofrece compromiso. Pero la Pene se niega y abandona los baños, se da a la fuga. El la espera largamente. Ella tarda en regresar. Y claro, en ese interín reaparece la Lena con su tobillo desencarnado. La madura y redondita Lena que se levanta al Ulises.

Luego de su estadía en el desierto, La Tora, la Pene, la Penecita vuelve. Y aquí habría que decir el más común de los lugares: arde Troya. ¿Qué podría hacer Lena, Helena frente a la decisión de Pene, ahora Penélope, de retomar su lugar, de darle el sí al Ulises? ¿Ir a llorar al santuario, o a otro trabajo con lo que le disgusta el laburo?

A Helena la hace una actriz con harta polenta: Laura Silva, un tornado rubio pero, para no variar, juguete del destino. Al Ulises, la siempre magnifica Paula Fernández Mbarak, una señora actriz que tanto te hace un antihéroe como una antiheroína. Aquí es un mesurado Ulises frente a los desplantes de semidiosa de Penélope, una loca linda a cargo de Iván Moschner, actor más que humano que se juega todo su oficio en una escena final que deja de piedra (pero no la de Ítaca) y sin aire a cada espectador/a. Holá, ¿Tiresias anda por ahí? ¿Cómo era eso de ser un tiempo varón, un tiempo mujer, volver a ser varón y tener el don de la profecía? ¿Qué sería definitivamente lo femenino, lo masculino?

Así rezan los últimos versos del antes citado poema de Kavafis: “Aunque la encuentres pobre, Ítaca no te ha engañado./ Así, sabio como te has vuelto, con tanta experiencia,/ entenderás ya qué significan las Ítacas”.

MS/MG

“Las traiciones”, 70’, los martes a las 20,30 en El Portón de Sánchez, Sánchez de Bustamante 1034, barrio de Almagro, hasta el 29 de septiembre.

En la misma sala, los viernes a las 22,30, otra muy recomendable obra de Juan Andrés Romanazzi, “Los secretos”, también con Paula Fernández Mbarak e Iván Moschner. Hasta el 25 de septiembre

El 28 de agosto de 2009, los asistentes al concierto de Oasis en París fueron avisados por los parlantes de que, tras una discusión entre Noel y Liam Gallagher, el evento se cancelaba. Era la enésima bronca entre los hermanos, la gente estaba acostumbrada a sus idas y venidas, pero aquella vez, parecía la definitiva. Desde entonces, nunca se habían juntado de nuevo. No había ningún síntoma de acercamiento entre ellos, pero en 2023 los rumores empezaron a sonar.

Días antes de la final de la Champions League que enfrentaba al Manchester City —el equipo de los Gallagher— contra el Inter de Milán, Liam dejó un tuit en el que decía lo siguiente: “Si el Manchester City gana la Champions League, voy a llamar a mi hermano y reunir a la maldita banda”. El City ganó la Champions, y nadie sabe si fue ese triple lanzado al aire el que hizo que levantara el teléfono o no, pero un año después, y 15 años tras aquella cancelación, Oasis anunció que se juntaba de nuevo para una gira histórica.

Las bambalinas de aquel tour, que ahora se rumorea con que seguirá el año que viene con más citas en Reino Unido y, supuestamente, en Madrid y Barcelona, también se rodaron para un documental que se presentó en el festival de Venecia, donde además los Gallagher, aunque no atendieron a la prensa, sí posaron en el photocall y la alfombra roja. Oasis: Don’t look back in anger es el título del filme, que además llega a las salas de Argentina el próximo 10 de septiembre para contentar a los fans.

La propuesta del creador y productor Steven Knight —responsable de series como Peaky Blinders y guionista del próximo James Bond— responde al título del filme, que no es más que el de una de las canciones más míticas del grupo. Don’t look back in anger, o 'No mires atrás con ira', es el mensaje que traslada el filme. Los hermanos han superado sus diferencias, y al final ese mensaje se eleva como metáfora de la importancia de la empatía en un mundo dividido y cabreado.

Si Liam y Noel pudieron reconciliarse todos podemos, parece decir un filme que sigue a los hermanos desde los ensayos del tour, cuando Noel todavía duda de que eso vaya a llegar a buen puerto. 15 años sin hablarse son muchos, y Noel sigue siendo Noel, un terremoto volcánico tan carismático como impredecible. Para esos ensayos se usaron 12 cámaras que se escondieron para ver cómo se desarrollaban esos momentos. Los primeros compases son tensos. No se tocan. No se miran.

Todo cambia cuando llega la gira, cuando ven a la gente rendida a sus canciones y a sus himnos. Ahí empieza esa reconciliación. Es Noel quien lleva la voz cantante del documental, quien muestra su sorpresa cuando en el primer concierto, tras no haberse casi dirigido la palabra, su hermano le agarró de la mano y la levantó delante de todos como si fuera el ganador de un combate de boxeo. Confiesa que durante cuarenta minutos no dio pie con bola, pero que, sin embargo, Liam se comió el escenario. Le vio salir con sus maracas, colocarse su mítica pandereta como si fuera el halo de un santo y cantar como si el tiempo no hubiera pasado. Es cierto. Escuchar la voz de Liam es una máquina del tiempo a los mejores momentos de Oasis.

Ahí radica uno de los elementos más bellos del filme, el reconocimiento de ambos al talento del otro. Sí, las canciones las escribía Noel Gallaguer. Sin él no habría Wonderwall ni Don’t look back in anger, y hasta Liam lo reconoce en el documental. Pero sin la personalidad a contracorriente, revolucionaria y provocadora de Liam no se hubieran convertido en aquella banda que golpeó el panorama musical en los 90, a la que compararon por éxito con los Beatles, y que además pusieron el foco en la clase obrera de la que habían salido.

No se olvidan de esa clase obrera, la mencionan varias veces en el filme. A los que no se pueden permitir pagar una entrada en Mánchester y les escuchan desde una colina les dedican una canción, y dejan claro que no saben lo que son, pero sí lo que no son. “No somos de derechas”, dice Noel Gallagher en la entrevista conjunta con la que el documental entra en su último y conmovedor tercio, en el que cuentan que sus hijos apenas se conocían y que ahora salen de fiesta juntos y son amigos porque ellos también se han reencontrado. “Esta gira ha cambiado la narrativa sobre nosotros”. Una narrativa que se centraba en el caos, y que ahora vuelve a la gloria.

Esa reconciliación se va forjando concierto a concierto, donde los directores Dylan Southern y Will Lovelace colocaron 18 cámaras entre bambalinas y público para captar cada gesto, cada detalle. Para dominarlas, cuatro directores de fotografía diferentes que captaran la luz de lugares como Cardiff, Mánchester, Londres, Buenos Aires o São Paulo.

Una polémica superada

Aunque los Gallagher no estuvieron en la rueda de prensa, Steven Knight y los directores explicaron las decisiones creativas y narrativas en torno al filme, como por ejemplo el porqué no se centra en lo que ocurrió en aquella noche del 28 de agosto de 2009. “No miramos a lo que pasó. Algunos lo saben, otros no… pero esta película es sobre lo que pasa ahora. Y la intención es, en esta época de redes sociales y anonimato, hablar de personas que se reconcilian y se perdonan. Es una película sobre el ahora y el futuro”, dijo Knight que además dejó claro que lo que salió al grabarles “es mejor que cualquier ficción posible”. “Además, nadie puede interpretar a Liam Gallagher… excepto Liam Gallagher”, añadió jocoso Dylan Southern.

Para Dylan Southern y Will Lovelace era fundamental desaparecer durante los ensayos. Por eso escondieron esas 12 cámaras. Ahí vieron los primeros compases y dinámicas de ambos hermanos tras tantos años separados. Y apenas hubo relación. Sin embargo, “al ver cómo reaccionaba la gente a sus canciones en el tour, eso les afectó a ellos”. Al final, captaron “cómo se reconcilian en el escenario delante de todo el mundo”.

Una reconciliación que se materializa en esa entrevista conjunta donde hablan de nostalgia, de cómo han cambiado el relato sobre Oasis, sobre los años 90, las fiestas de entonces y las de ahora, sus ansiedades y miedos, y de que ahora se mandan vídeos por WhatsApp y hablan más de la vida y del mundo que cuando estaban en la cresta de la fama. Todo eso entre las 179 veces que entre ambos dicen la palabra ‘cunt’ [concha, en inglés, aunque vulgarmente se utiliza como “imbécil” o “cabrón”], una cifra dada por los directores entre risas y tras la que dan su opinión sobre si hay reunión de los Gallagher para rato o se enfadarán de nuevo: “No parece que vaya a ocurrir, se llevan muy bien”.

John Malkovich es uno de esos actores a los que su rostro, alejado del canon de belleza hollywoodiense, siempre colocó en papeles de ‘raro’. Hacía tiempo que le tocaba ese personaje que lo volviera a colocar en el centro. Uno que despertara a la gente del letargo y viera que es algo más que un intérprete condenado a secundarios excesivos y excéntricos. La varita mágica la tenía Martin McDonagh, experto en tomar a actores como Malkovich y darles el personaje que se merecen.

El director de Tres anuncios por un crimen (que valió el Oscar a Frances McDormand y Sam Rockwell) y Los espíritus de la isla (que granjeó sendas nominaciones para Colin Farrell y Brendan Gleeson) es de esos cineastas que escriben caramelos a los actores. A Malkovich le dio uno de los mejores personajes de su carrera, el de Wild Horse Nine. Malkovich borda ese agente de la CIA destinado en Chile para preparar el golpe de Estado contra Salvador Allende y que pierde la memoria mientras decide escribir, valga la redundancia, sus memorias contando todas las barbaridades cometidas sirviendo a su país, y ahí entra desde el magnicidio a varios golpes de Estado en países como Guatemala o el Congo.

Tras el pase de prensa en el Festival de Venecia la crítica lo tuvo claro, a John Malkovich le van a llover los premios por el film, y ya en la conferencia de prensa se le preguntó por eso. “Tengo una carrera muy larga y tengo películas espectaculares con directores, guionistas y actores increíbles. Nunca siento que compita con nadie, porque amo lo que hacen, para mí es algo muy bonito que digan esas cosas, pero lo más bonito es que haya atención sobre esta película que tiene varias interpretaciones increíbles y está genial escrita y dirigida. Eso es lo más importante”, dijo.

McDonagh llevaba varios proyectos intentando trabajar con él, pero por culpa de compromisos con otras películas no habían podido hasta ahora, y la elección fue “muy fácil”. “Era un guion hermoso y esta vez no había nada que lo impidiera. Me gusta que los dos protagonistas son dos idiotas que son tan ignorantes que dicen en alto que son de la CIA y van a desestabilizar la democracia de Chile y mandar al país al garete. Aunque, a veces, leyendo la historia, parece que algo así está cerca de lo que ocurrió en realidad”, dijo de su elección del papel.

Poco antes, Malkovich, junto a su compañero de reparto, Sam Rockwell, atendía a elDiario.es en un hotel junto a la Plaza de San Marcos de Venecia. Rockwell contó lo más importante y por lo que repiten todos con Martin McDonagh: “Es un guionista realmente bueno, pero no es un cretino, lo cual ayuda. Es un hombre empático, amable, tiene modales y habilidades sociales, lo cual a veces, sorprendentemente, puede ser raro”.

Para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase mucho. No importa de donde vengas, hay mucho olvido

John Malkovich — Actor

En Wild Horse Nine se tiende el hilo para que el espectador una que lo ocurrido en aquellas décadas, desde el asesinato de Kennedy en 1963 a los diferentes golpes de estado contra gobiernos latinoamericanos de izquierda, tiene sus consecuencias en la actualidad. Algo que dejó claro Martin McDonagh en la conferencia de prensa, y que hace pensar a Malkovich si lo que tenemos ahora es, realmente, eso que llamamos democracia.

“No estoy del todo convencido de que vivamos en una democracia, pero si es así… buena suerte con eso porque, ¿qué es una democracia?, ¿de quién es?, ¿cómo se decide? Hoy me pregunté varias veces, ¿en qué país los ciudadanos creen lo que dice su Gobierno? No estoy seguro. Esto se repitió una y otra vez en el tiempo, lo que pasó en noviembre de 1963, en Chile del 73… está sucediendo todo el tiempo”, asegura.

McDonagh establece una metáfora entre la memoria que pierde su protagonista y la memoria perdida de forma colectiva que hace que olvidemos sucesos como el golpe de Estado de Chile y nos condene a repetir los mismos errores. Para Malkovich esa idea es “la esencia de la película” y recuerda que el otro día vio en televisión a jóvenes universitarios que, ya no es que supieran lo que ocurrió en Chile en 1973, es que no sabían “lo que pasó en Nueva York el 11 de septiembre de 2001”. “No sabían nada, ni quién lo hizo, ni cómo se respondió… para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase mucho. No importa de donde vengas, hay mucho olvido”, dice con cierto pesimismo.

Para el actor de Las amistades peligrosas es importante que películas como Wild Horse Nine vengan a festivales internacionales. Lo dice en un año en donde Hollywood frenó su presencia en Cannes o Venecia. Para el actor, “el cine es algo mundial, y hay un público en todas partes que quiere ver algo interesante, algo que los conmueva, los divierta, los emocione”, y pone un ejemplo: “Si alguien ve El agente secreto fuera de Brasil, puede que no les guste, y lo entiendo, pero la película les está diciendo algo, y antes había muchas películas estadounidenses, en los 70, que hacían eso, y cada vez hay menos cine estadounidense que lo haga y eso es desgarrador, pero también es un error increíble. Venir a un lugar como Venecia o San Sebastián o El Cairo o Cannes o donde sea te conecta con un público de todo el mundo. Y es un mundo muy grande”.

“Buena suerte con la democracia y todo eso”. La frase, lapidaria, premonitoria y tan divertida como terrorífica, la dice en un momento de Wild Horse Nine el personaje que interpreta John Malkovich. Él es un agente de la CIA destinado a Chile para preparar el golpe de Estado contra Allende en 1973. Pero la memoria se le desvanece, y pide como último deseo acudir junto a su compañero, Sam Rockwell, a ver las estatuas de Rapa Nui. Allí, para luchar contra esos recuerdos que se pierden, decide también hacer unas memorias irreverentes y sorprendentes.

La frase, llena de mala leche e ironía, se la dice a dos activistas chilenas que están ilusionadas con su nuevo presidente, Salvador Allende. Malkovich sabe lo que va a pasar, y les suelta ese dardo envenenado. El dardo lo lanza al espectador también su director, Martin McDonagh, que logró con Wild Horse Nine su mejor película y logró sonrisas de la crítica en Venecia con una comedia negra que hace reír de pena. Porque lo que se ve es tan hilarante como real. De aquellos polvos, estos lodos. Y de aquellos años de golpes de Estado apoyados o dados por EE.UU. a cualquier Gobierno de izquierda en América Latina, estas consecuencias de líderes populistas, de fascistas aupados al poder que niegan la memoria histórica, que acusan al feminismo y que seguramente digan que ya no se puede hacer chistes de nada.

McDonagh creó una brillantísima sátira sobre la memoria. La memoria que pierde su protagonista, y la memoria colectiva. La memoria histórica que hay que recordar para que no ocurra lo mismo. La metáfora es bella, pero en este caso es también muy divertida ante la incontinencia y las formas de esa dupla de agentes de la CIA con los que el cineasta hace también una parodia del cine de espías de los 70.

A Martin McDonagh ya se sabe que le encanta ese estilo irónico, pero su problema es que normalmente se gusta demasiado. Se sabe el niño más inteligente de la clase, y hace decir a sus personajes frases imposibles y pomposas que epatan al público y la crítica y que suelen revertir en elogios a sus libretos (aquí en Venecia tiene dos premios al Mejor guion). Le pasaba en Tres anuncios por un crimen y en Los espíritus de la isla. Aquí, sin embargo, consigue el equilibrio entre su propio estilo y el que pedía su personaje. Sí, está esa ironía presente en cada plano, pero sus frases no se comen su historia.

Wild Horse Nine es una comedia divertida que habla de Chile, pero también de EE.UU. y de cómo el asesinato de Kennedy termina con muchas esperanzas. Habla de cómo todo aquello remodeló lo que entendemos por democracia, y habla de esos ‘funcionarios’ que siguen órdenes sin importarles nada. Les da igual que gane Nixon, que se asesinen a inocentes en un país a miles de kilómetros de distancia y que se imponga a dictadores a base de golpes de Estado. Ellos cumplen órdenes. La banalidad del mal, abordada desde el humor y la sátira, una propuesta arriesgada pero que de forma milagrosa siempre aterriza bien.

Lo hace porque tiene clarísimo su punto de vista moral. Aunque los agentes de la CIA sean sus protagonistas no les da las coartadas morales que McDonagh suele dar a sus ‘malos’ (como pasaba con el personaje de Sam Rockwell en Tres anuncios por un crimen). Aquí son dos cuatro de copas, y esa memoria en descomposición hace que uno de ellos empiece a plantearse todo lo que hizo, y es ahí, desde el arrepentimiento y la sinceridad cuando llega la empatía hacia él. El bisturí satírico de McDonagh alcanza su cima en un clímax violento, casi de justicia poética y con un monólogo para el recuerdo de Malkovich sobre cómo evitar el próximo golpe de Estado.

Malkovich ofrece una interpretación memorable. Consigue caminar por la finísima línea entre la sobreactuación y el no llegar a un tono endiablado. Está magnético y uno no puede quitar la mirada de su personaje, que pasa de la ternura a lo repugnante en una sola frase y que probablemente le vaya a granjear bastantes premios en los próximos meses. A su lado, un Sam Rockwell que repite con McDonagh y que nunca falla y un volcánico y divertidísimo Steve Buscemi. Todo en su sitio para que Wild Horse Nine sea una de las películas de la temporada.

McDonagh defendió en la conferencia de prensa este paso adelante en su cine donde entró en algo que le interesa desde hace tiempo, “lo que la CIA hizo en las últimas décadas, las cosas horribles que hizo”. En la película hablan de Guatemala, Congo o Bahía de Cochinos como ejemplos de los golpes de Estado donde EE.UU. participó. “Se habló mucho de la KGB y lo que hizo, pero creo que no cuestionamos las actividades de la CIA tanto como debíamos, y ese fue uno de los puntos de inicio para hacer esta película”, señaló sobre un film que “pasó de ser una comedia a algo más profundo, oscuro y triste”.

El cineasta y dramaturgo también respondió cuando el equipo fue preguntado si lo que muestra Wild Horse Nine tiene ecos en la operación de EE.UU. en Venezuela. “No parece que ya hagan las cosas ni de forma encubierta, al menos en los 70 la inteligencia lo intentaba mantener en secreto”, comenzó diciendo para subrayar que, aunque su película “habla del Chile del 73, sus tentáculos y conexiones hacen que se lea como una película que habla del momento actual”.

“Cinco cosas que no sabías sobre Trainspotting, ¡la cuarta te sorprenderá!”. Encontrarse un titular así es, ahora mismo, lo más habitual. También ver en muchos periódicos cómo el sexo, la sangre, lo rocambolesco y los sucesos escabrosos se venden a gran tamaño. El sensacionalismo llegó para quedarse y ahora no está solo instalado en los medios escritos. Ahora hay muchas ventanas nuevas para contar historias que quizá no sean verdad, pero venden. La pregunta es, como diría Mario Vargas Llosa en Conversación en la Catedral, ¿en qué momento se jodió el Perú?, o en este caso, en qué momento el periodismo inició una bajada a los infiernos en pos de vender más ejemplares y, posteriormente, lograr más clics.

Para responder a esa pregunta, el cineasta Danny Boyle, autor de títulos fundamentales del cine moderno como Trainspotting, adapta la obra de teatro Ink, de James Graham, en una película que ha inaugurado el Festival de Venecia y que sitúa el punto de inflexión en 1969, cuando Rupert Murdoch compra el periódico británico The Sun y le da su dirección al ambicioso Larry Lamb. A golpe de talonario fichó un plantel que llegaba de los tabloides de la competencia y que ya bordeaban el temido sensacionalismo. Así construye un periódico (y la primera piedra de un gran imperio) cuya misión, a priori imposible, era convertirse en el medio más vendido del mundo, superando al Daily Mirror.

Para ello deciden que eso de las cinco W está bien, pero que lo más importante es contarle a la gente normal, de la calle, las cosas que les interesan. En una de las mejores escenas de la versión de Boyle, el equipo cuenta qué hacen ellos en su tiempo libre: beber, coger, ver fútbol… pues eso es lo que le darán a los lectores. En vez de hacer que la gente se interese por lo que ellos deciden que es importante (la política internacional, el problema de la vivienda...), invertirán el orden para hacer que los hobbies se conviertan en historias. Escudados en un falso mantra de darle el poder a la gente convirtieron las noticias en un pozo donde cambiaron las reglas para siempre.

Lo hicieron a golpe de sexo —nunca antes se habían mostrado mujeres desnudas en un diario—, horóscopo y mucho suceso. La sangre y la muerte venden. A cambio, también vendieron sus principios: acabaron con la unión sindical que protegía a los trabajadores de la imprenta y apoyaron un Gobierno de los conservadores que acabó con la victoria de Margaret Thatcher. Al final, The Sun fue un caballo de Troya que hizo que la clase obrera terminara respaldando a políticos que legislaban en contra de sus propios intereses.

Ink se había vendido como un biopic de Rupert Murdoch, y sin embargo Murdoch —al que da vida Guy Pearce— acaba siendo un secundario que cede el protagonismo, y hasta la culpa, a Larry Lamb —un excesivo Jack O’Connell—, el periodista con complejo de clase obsesionado con ganar y que cruzó todas las líneas rojas posibles, hasta dar información sensible del secuestro de la mujer de un compañero del periódico o mostrar un desnudo frontal —algo hasta entonces prohibido— y sacar a las esposas de los futbolistas para alentar el chisme.

El problema es que para denunciar el sensacionalismo, para criticar cómo todo se ha convertido en historias de consumo rápido, sin poso y que solo buscan el efecto inmediato, se ha elegido al director más efectista y, llevándolo al límite, sensacionalista posible. Danny Boyle tira de todo su arsenal de recursos: montaje frenético, banda sonora a todo trapo, fundidos, imágenes distorsionadas, cartelas… para contar lo que critica. Ink es una película contradictoria, que abusa de fuegos artificiales para contar algo que merecía más calma y más rigor.

Porque Graham —que escribe el guion adaptando su propia obra— y Boyle aciertan en el diagnóstico, pero fallan en las formas y en dejar escapar con vida a sus protagonistas, a los que otorgan coartadas morales todo el tiempo. Especialmente a ese Murdoch que acabó haciendo lo mismo en Fox, destrozando el panorama mediático mundial, y al que solo se le presenta como un empresario que no ve con buenos ojos lo que hace Lamb, pero que calla ante el aumento de periódicos vendidos.

Solo les sale el colmillo en una última escena en la que tiende un puente con el presente y donde vemos el eco de todo aquello: influencers, redes sociales, Elon Musk, Mark Zuckerberg, Donald Trump y un ecosistema donde la verdad ya no importa nada.

La película que nadie quería hacer

En la rueda de prensa del filme, Danny Boyle contó que nadie quería producir la película, y que fueron Canal + y StudioCanal quienes decidieron apostar por una historia que, “aunque esté ambientada en 1969, la intención era que se sintiera actual y tratara sobre el mundo moderno”. Además, agradecieron a Alberto Barbera que también se arriesgara a inaugurar el certamen con la película de Boyle.

El director subrayó algo que se ve en el filme, y es que no ha querido “convertir en monstruo” a Murdoch, e incluso reconoció que en aquel momento su llegada “representaba un soplo de aire fresco en una sociedad británica muy rígida”. “Todo comienza con algo divertido y diferente, algo que desafía un orden establecido... Por eso para nosotros era importante que el público se sintiera cómplice”, subrayó sobre su estilo visual que entronca con la montaña rusa que suponía leer The Sun. Pese a ello, defendió el periodismo como “uno de los grandes pilares de cualquier civilización”, y a los periodistas que dentro de la profesión “se enfrentan al poder y dicen la verdad, personas realmente importantes para la sociedad”, afirmó.

Por su parte, Jack O'Connell elevó la culpa de su personaje y dejó claro que él era solo una parte más de un engranaje y de una sociedad donde primaba “el consumismo y el capitalismo” y se daban “unas condiciones que Larry explota para su propio beneficio y su propio propósito”.