Cuando se estrenó la primera película de Toy Story en 1995, los teléfonos fijos eran el centro de la comunicación en la mayoría de hogares e incluso todavía existían los de disco, aquellos en los que había que girar la rueda número a número para marcar. Las cabinas formaban parte del paisaje urbano y empezaban a llegar los primeros ordenadores de sobremesa. Era un mundo repleto de cables y aparatos grandes que, si bien alcanzaba a dar un indicio de hacia dónde nos dirigía la tecnología, dista mucho del mundo de hoy: 31 años más tarde, los smartphones y las tablets han alterado de forma radical la manera en la que nos relacionamos con los demás.

Hay cosas que nunca cambian y, a pesar del paso de las décadas, hay niños que esta semana acudirán a las salas de cine a ver una película de Toy Story, cuya quinta entrega irrumpe este jueves en cartelera. Sin embargo, la realidad de estos niños poco se asemeja a la de quienes acudieron al estreno de la que se acabaría convirtiendo en la franquicia estrella de Disney y Pixar. Mientras que en los 90 la única forma de demostrar fervor por Woody, Buzz y el resto de juguetes de la saga era comprándolos y jugando con ellos, hoy muchos jóvenes transmiten su pasión hacia estos personajes convirtiéndolos en su fondo de pantalla del celular o usándolos como avatar en el juego online del momento.

Tomando conciencia de la realidad de las nuevas generaciones, la película de animación más esperada del año apuesta por mirar de frente al auge de las nuevas tecnologías en la infancia e invita a una reflexión conjunta que no solo alude a los niños, también a los adultos. Pete Docter, director creativo de Pixar y productor ejecutivo de Toy Story 5, explica a elDiario.es que “aunque hay más formas que nunca de estar en contacto unos con otros y estamos constantemente conectados, la ironía es que nos sentimos muy aislados”. Se trata de una situación que afecta tanto a los más jóvenes como a sus padres, cuya relación con las pantallas puede llegar a ser “intimidante y complicada”.

El filme explora cómo ha cambiado la realidad de los niños desde que estos dispositivos se han vuelto esenciales en cualquier casa, y la trama arranca con la pequeña Bonnie recibiendo como regalo a Lilypad, una tablet educativa con forma de rana. Lindsey Collins, productora de Toy Story 5, indica que en la época de Andy, el personaje principal de la primera película de la saga, “la infancia era más sencilla y tenía menos amenazas entrando en la habitación”. “No sé si era más fácil, pero sin duda me parece más sencilla, sobre todo desde el punto de vista de los juguetes. La tecnología ha introducido un nivel extra de complicación y de matices en el mundo. Eso es complicado de manejar”, comenta la cineasta a este periódico.

El foco, en los jóvenes... y en los adultos

Sin embargo, estos problemas ocasionados por cómo gestionamos las pantallas no solo recaen sobre los niños, a los que se les tiende a culpar con frecuencia cuando algo se escapa de control. De hecho, Pete Docter indica que es una “queja” que “viene de lejos”: “Encontré una cita que decía que los niños de hoy en día están malcriados, que no respetan a sus mayores y se escapan al bosque todo el tiempo... ¡Y es de la antigua Grecia!”. Por ello, Lindsey Collins considera que es fundamental reconducir la manera en que se encara este tema. “Los niños no conocen otra cosa, esta es una generación que ha crecido con tecnología. Así que se trata más bien de preguntarse: '¿Qué hacemos nosotros? ¿Cómo nos adaptamos a ello y qué significa de cara al futuro?'”, declara.

Aun así, la cineasta incide en que con esta cinta no pretende “emitir un juicio en un sentido u otro” o valorar a qué edad deberían permitirse o no las tecnologías, sino simplemente “abordar la realidad”. “Miramos a nuestro alrededor e intentamos representar lo que realmente está pasando, que es que la tecnología está llegando a manos de niños cada vez más jóvenes. La historia trata de reflejar eso y de decir algo así como: 'Vale, si es así, ¿qué significaría eso para los juguetes? ¿Cómo lo afrontarían?'. A los niños y a los mayores nos cuesta definir cuál es nuestra relación con eso”, confiesa Collins, que agrega que “no hay ningún padre que no esté alerta sobre este tema”, pues está “muy presente” en sus vidas. “Ninguno de nosotros está aquí sentado en Pixar pensando: 'Lo tenemos resuelto'”, reconoce.

La película, que en esta ocasión sigue de cerca a la juguete vaquera Jessie, muestra el intento de estos personajes por conectar a Bonnie con otros niños de la forma correcta, ya sea online o en persona. “Puede darse una situación híbrida, que obviamente es hacia donde nos dirigimos”, dice Docter. Toy Story 5, además, pone en el foco la repercusión que pueden tener los comentarios dañinos en redes sociales. Collins asevera que “el acoso, por desgracia, ha existido en todas sus formas desde siempre”: “La tecnología representa otra oportunidad más fácil y rápida para que los niños se hagan daño unos a otros, y esperemos que sin intención, sin comprender las consecuencias. Abordarlo era importante porque es un efecto secundario muy, muy real de pasar tiempo frente a la pantalla sin supervisión”.

Las consecuencias de la IA

Esta quinta entrega de Toy Story pone sobre la mesa el peligro de las nuevas tecnologías, por lo que es imposible no poner la vista en el futuro y pensar sobre las consecuencias que dejará —y que ya está dejando— la inteligencia artificial o plataformas como ChatGPT en las jóvenes generaciones. Lindsey Collins cuenta cómo la gestionan desde Pixar: “Aún no ha llegado a ese punto que nos haga decir: 'Vaya, esto es increíble'. Así que lo que estamos haciendo es intentar tener una visión más amplia al respecto, que sea totalmente coherente con la forma en que siempre hemos concebido la tecnología en Pixar, que es una empresa tecnológica. Se basa en preguntarnos: '¿Qué podemos hacer con ella?'”.

Aunque Collins indica que han reflexionado sobre si la IA “va a ayudar a hacer mejores películas y que los artistas puedan subir su material más rápido, o si el artista puede realmente hacer algo más con ella”, apunta que “nada de esto pasa por alto al artista”. “Lo que más nos gusta de Pixar es el hecho de que somos el único estudio que sigue siendo un lugar donde todos trabajamos juntos cada día, y por eso creamos con artistas. No hay ningún cambio en esa filosofía y es muy coherente con la forma en que siempre lo hemos abordado”, detalla. Pete Docter, por su lado, declara que “hay algo inherente al acto de crear”: “Cuando creas algo, buscas en tu interior y piensas: 'Vaya, no sabía que tenía eso que decir'. Pero, si simplemente te limitas a hacer una película, no consigues eso. Si usas [la IA] de esa manera, te estás robando a ti mismo y al público”.

“Queremos conectar con la gente y estas películas las hacemos para conectar con otras personas. Aunque se hagan con ordenadores, están hechas a mano, y así ha sido desde la primera de Toy Story”, señala Docter. Asimismo, Collins cuenta que “hay una parte genial en lanzar una película al mundo”, pero no es lo que más les motiva. “Lo que ves son cuatro o cinco años en los que hemos estado creando algo juntos en el mismo edificio, día tras día, intentando dar con la idea. Es como un astronauta que dice que solo lo hace para estar en el espacio... Tienes que amar todo el proceso, todo lo que conlleva, porque solo estás en el espacio durante una pequeña porción de tiempo, si tienes suerte. Para nosotros es más o menos lo mismo”, argumenta.

El estreno de Toy Story 5 se dirige a alcanzar cifras de récord. Las estimaciones de recaudación para el primer fin de semana de la película codirigida por Andrew Stanton y Kenna Harris ascienden hasta los 150 millones de dólares en EEUU, lo que, de mantenerse, supondría el mejor estreno para la franquicia, superando los 120,9 millones de dólares que hizo Toy Story 4 en 2019, y el más grande de lo que va de 2026. Asimismo, la película también cuenta con el impulso que conlleva tener una canción de Taylor Swift durante los créditos finales. La preciosa I Knew It, I Knew You apunta ya a los Oscar y ha alcanzado el número 1 en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en la séptima canción de la historia vinculada a una cinta de animación que logra dicha hazaña.

Steven Spielberg lo volvió a hacer. Aunque la crítica tuvo opiniones divinidades sobre su nueva película, El día de la revelación arrasó en taquilla. Solo en su primer fin de semana en cartelera, el largometraje de ciencia ficción recaudó 44 millones de dólares en Estados Unidos y entre 56 y 57 millones en el mercado internacional. 

El éxito que tuvo el filme en cines no solo es una buena noticia para el cineasta, que llevaba sin estrenar nada en la gran pantalla desde Los Fabelman (2022), sino también para Hollywood. Es una especie de mensaje que deja entrever que todavía se puede apostar por el cine de ideas originales, sin recurrir a superhéroes, franquicias y secuelas.

Para Spielberg, es casi una obligación que los creadores de esta industria deberían imponerse a sí mismos. “Si solo creamos propiedades intelectuales conocidas y de marcas reconocidas, nos quedaremos sin ideas”, dijo el cineasta durante la presentación de su nueva película en en CinemaCon. 

Una propuesta única

El director y guionista estadounidense insistió en la necesidad de que los estudios de cine como Universal inviertan en ideas nuevas en lugar de los spin-offs que están copando las carteleras. “No hay nada más importante que ofrecer al público historias visuales, y estas pueden presentarse en cualquier formato, pero necesitamos contar historias más originales”. 

Algunas de las películas más taquilleras en lo que va de año incluyen Super Mario Galaxy: la película (basada en el popular videojuego), Michael (basada en la vida del cantante) o El diablo viste de prada 2 (la segunda parte de la icónica comedia romántica), tres títulos que confirman esa tendencia hacia la creación de productos derivados de otras obras anteriores.

Lejos de esto ha nacido El día de la salvación, que ahora se suma a otros dos fenómenos recientes, el de Obsession y Backrooms, dos películas de terror con tramas también originales que, en las últimas semanas, también permitieron a la audiencia reencontrarse en la butacas del cine con propuestas más arriesgadas, más únicas. 

Otro consejo

Además de la apuesta por las ideas originales, Spielberg también lanzó otro consejo a la industria que lo vio nacer. En este caso, la petición tenía que ver con la necesidad de que las películas permanezcan más tiempo en cartelera antes de su lanzamiento en plataformas. “El público encontrará lo que quiere ver, sean películas grandes o pequeñas, pero los estudios deben ayudarnos ampliando considerablemente los períodos de exclusividad”, señaló el cineasta.

Al menos una vez a la semana, Hannah Murray tiene un pensamiento abrumador: “¡Gracias a Dios que ya no actúo!”. Puede estar subiendo las escaleras con una taza en la mano, o sentada en su escritorio abriendo la notebook, sacando una cazuela del horno o paseando por la calle principal del pueblo del este de Inglaterra, donde vive ahora. El pensamiento llega acompañado de lo que ella describe como una especie de alivio físico total. Intenta aferrarse a esta sensación de “ya no soy actriz” porque, según dice, al mismo tiempo siente “una verdadera oleada de alegría”.

No es solo porque ya no tenga que desnudarse ante la cámara, aunque hubo muchas de esas escenas, empezando por Cassie, a quien interpretó a los 17 años en la exitosa serie Skins del canal E4, casi siempre en ropa interior. Tampoco es porque no tenga que lidiar con la atención constante sobre su peso, porque también hubo mucho de eso, acompañado siempre de preguntas de periodistas: ¿era anoréxica en la vida real? ¿A sus padres les preocupaba su peso? Y no es porque no la reconozcan en todas partes, como le ocurrió después de interpretar a Gilly en Game of Thrones, con hombres adultos montando en cólera si no les firmaba autógrafos o se hacía un selfie con ellos. Tampoco se trata de tener que negociar qué partes de su cuerpo aceptará mostrar por contrato. Ni de lidiar con la euforia de conseguir un gran papel seguida inmediatamente de la decepción de terminar el rodaje solo para volver a la rutina de las audiciones y que le digan: “Por favor, andá bien arreglada. Tienen que creerse que Benedict Cumberbatch podría sentirse atraído por ti”.

Es una mezcla de todas estas cosas. Además del estilo de vida, el alcohol, las drogas, el sexo imprudente (una vez se llevó a un doble de Kurt Cobain a un baño en un club nocturno de Detroit simplemente porque, sí, se parecía al cantante de Nirvana, fallecido hace mucho tiempo). Sabe que todo era desesperación, un intento de sentirse especial. “Ese era un factor importante de ser actriz: ser elegida para un papel te hace sentir increíblemente especial. Pero solo dura lo que dura ese proyecto. Estaba en este bucle en el que me preguntaba incesablemente, '¿Dónde está eso que me hará sentir especial para siempre?'” Intentó leer obras de la sección de crecimiento personal de la librería, —la droga de iniciación, como llama irónicamente a esos libros ahora—. Probó la meditación, diarios de gratitud y hasta tuvo dos psicoanalistas.

‘The Make-Believe’, una exploración franca y a menudo bañada de humor negro sobre la convergencia del hedonismo con la industria de la autoayuda que la llevó de cabeza al “lado oscuro del mundo del bienestar y la espiritualidad"

En vista de todo esto, quizás no sorprenda que, a los 27 años, Murray se viera envuelta en una secta del bienestar. Una secta tan absurda, en retrospectiva, que su líder posaba con un collar de símbolos místicos y un enorme vaso de Starbucks. Prometía sabiduría y algo especial, pero le costó miles de dólares. Sin embargo, mucho peor fue el daño que causó a su salud mental. Murray sufrió un episodio psicótico tan grave que tuvo que ser ingresada en una unidad psiquiátrica especializada. Posteriormente, un psiquiatra le diagnosticó trastorno bipolar.

En los nueve años que pasaron desde entonces, Murray intentó comprender qué ocurrió. Principalmente, anotando todo lo que recordaba de aquella década intensa, revisando mensajes de texto, notas, películas y hablando con amigos. El resultado es su memoria autobiográfica ‘The Make-Believe’, una exploración franca y a menudo bañada de humor negro sobre la convergencia del hedonismo con la industria de la autoayuda que la llevó de cabeza al “lado oscuro del mundo del bienestar y la espiritualidad”.

Aunque Murray es más conocida por Skins (tres temporadas) y Game of Thrones (cinco temporadas), también trabajó en una gran cantidad de papeles en cine, televisión y teatro que explotaban su vulnerabilidad, su crudeza innata y algo inefable que la hacía fascinante de ver. Entre ellos, destacan la película sobre el suicidio adolescente Bridgend (2015), por la que ganó tres premios a la mejor actriz; el largometraje estadounidense sobre los disturbios raciales Detroit (2017); y la obra sobre la Familia Manson Charlie Says (2018). Además, se graduó con una licenciatura en Literatura Inglesa en la Universidad de Cambridge.

Hoy, sentada frente a mí en una cafetería del Teatro Barbican, en Londres, luce radiante, con el pelo castaño peinado con raya al medio y la camisa abierta sobre un top de rayas brillantes. Las dos latas de agua con gas que pidió están sobre la mesa cuando me siento. Casi siempre tiene las manos escondidas en el regazo, pero de vez en cuando, al recordar algún dato o anécdota, se enrosca mechones de pelo entre los dedos. La ciudad de provincias, la cocina, la escritura: todo eso forma parte de la Murray de 36 años que no bebe ni fuma, que ya no actúa ni forma parte de la élite.

Buscaba algo que me arreglara por completo, una varita mágica o una solución milagrosa

Ahora se mantiene alejada del mundo del bienestar. “Incluso las cosas más suaves pueden resultar bastante angustiantes. Ya no medito. No entraría en una tienda de piedras preciosas. No hago yoga, porque no sé qué podría surgir que me parezca demasiado esotérico para lo que puedo tolerar. Pero ahora me doy cuenta de lo extendido que está. De la frecuencia con la que desconocidos te lo ofrecen como remedio. Decís: ”No duermo bien“, y te preguntan: ”¿Probaste la meditación?“. Está en todas partes, vista como una solución intrínsecamente positiva. Y existen versiones inofensivas o positivas. Pero como yo buscaba algo que me curara por completo, una varita mágica o una solución milagrosa, la promesa me resultaba seductora y adictiva”.

En general, “no se reflexiona lo suficiente sobre el bienestar”, afirma Murray, “sobre todo en lo que respecta a su transformación en una industria”. La actriz cuenta que era una joven vulnerable y que vio cómo otros jóvenes en su misma situación apostaban su felicidad a lo que resultó ser una secta perniciosa y explotadora.

Hablemos entonces de la secta. Ella prefiere no nombrarla, simplemente se refiere a ella como la organización. En el libro describe lo fácil que fue caer en la trampa —poco a poco, a lo largo de varios meses— y pide a quienes se creen inmunes que recuerden todas las veces que se sintieron tentados por una solución rápida. 

“Es fácil pensar 'eso nunca me pasaría a mí’, pero no nos hacemos ningún un favor al decirlo, porque no lo sabemos. No tenía ni idea de que iba a pasar por nada de lo que describo en el libro. Habría dado por hecho que no me pasaría, que estaba a salvo. Tenía buena educación, provenía de una familia de clase media; todo debería haber estado bien. Pensaba: ‘Soy inteligente. Tomo buenas decisiones’. Pues bien, tomé decisiones terribles. Pero es importante entender por qué la gente hace estas cosas, en lugar de pensar: ‘Deben ser idiotas’ o ‘¿Cómo se puede ser tan estúpido?’”.

Su primer contacto con la organización fue a través de una “sanadora energética” llamada Grace*. Su entrenador personal se la había presentado en el set de ‘Detroit’, donde actuó junto a John Boyega, Will Poulter y Kaitlyn Dever. La película fue dirigida por la ganadora del Oscar Kathryn Bigelow, a quien Murray admiraba profundamente. Aun así, el tema era “violento y oscuro”, la historia real de tres hombres negros asesinados por la policía durante las protestas de 1967. Murray interpreta a Julie, una joven de 18 años de Ohio, golpeada con una pistola, interrogada y agredida sexualmente por policías blancos.

La actriz se mantuvo delgada durante el rodaje, haciendo flexiones para aumentar su ritmo cardíaco antes de cada escena intensa. Un profesor de actuación la había animado a “abrirse” de una manera “casi chamánica”. Luego llegó la escena en la que se rasgaba el vestido. “Mis pechos quedaron expuestos a la cámara. Los cubrí inmediatamente con los brazos. Luego lo repetimos todo... Tantas veces que perdí la cuenta”. Según narra, cada vez “el corazón me latía con fuerza. Sentía dolor en el estómago y el pecho. Los nervios me ardían. Temblaba de adrenalina”. Sabía que no era real. Pero al mismo tiempo, le resultaba traumático. La atormentaban las pesadillas. Cuando despertaba por la noche, corría al baño a vomitar. Así se sentía cuando conoció a Grace, una “sanadora energética”.

Grace le preguntó a Murray si podían hablar. Y Murray tenía mucho que decir. Era, de todos modos, una persona que siempre se desahogaba —la típica chica que en las fiestas contaba la historia de su vida para conectar con la gente— y le gustaban las conversaciones íntimas. Le habló a Grace sobre ‘Detroit’, sobre la actuación, sobre la presión de sentirse feliz y afortunada —dada su vida de glamour y éxito—, la tensión de no quejarse nunca, especialmente en el ámbito profesional, incluso si le pedían que filmara semidesnuda en Nueva York a -9 °C, o en una playa galesa con vientos de 72 km/h y fiebre. También le habló de los compañeros de reparto arrogantes que no se habían aprendido sus diálogos, los directores crueles, los agentes de casting entrometidos. Se desahogó sobre su vida, su familia, sus mayores tristezas. Y Grace le escuchó.

Grace también le recomendó entonces que probase sesiones de reiki con ella y llegó a ofrecerle algo más, algo “para quienes quieren abordar sus problemas y resolverlos”. Y eso sonaba justo a lo que buscaba Murray. La “sanadora” le presentó a una lectora de cartas y, tras pagar 150 dólares, Murray recibió una sesión de “sanación”. Después, Grace le habló a Murray de un curso que podía tomar para aprender las herramientas necesarias para ayudarse a sí misma. Como alguien del rodaje se la había presentado, Murray pensó que Grace era de fiar.

Siendo sincera, Grace reconoce que hubo momentos en que ni ella misma se entendía. Hablaba de traer “luz” a su cuerpo y de cómo podía activar su “ADN espiritual” usando herramientas “poderosas y ancestrales”. Atrapada por el entusiasmo de Grace, Murray optó por dejar de lado esos momentos, como “decidiría dejar de lado, pasar por alto o ignorar tantas pequeñas cosas” en los meses siguientes.

Grace le dio un pequeño frasco de gotas. Murray no tiene ni idea de qué eran. “Probablemente nada más que agua, en un bonito envase, inofensivamente inútil, engañosamente cara”

Por alguna razón —probablemente agotamiento, posiblemente los primeros síntomas de un episodio bipolar— la sesión de sanación de Grace le pareció mágica y Murray experimentó una liberación total. Antes de irse, Grace le dio un pequeño frasco de gotas, recalcando lo importantes que eran, cómo la ayudarían con el “proceso (…) para limpiar las cosas”. Murray no tiene ni idea de qué eran. “Probablemente nada más que agua, en un bonito envase, inofensivamente inútil, engañosamente cara”. Esa noche durmió 14 horas.

Grace también le había dado a Murray los datos de contacto de una mujer en Londres. Cuando regresó de Estados Unidos —vía Los Ángeles, donde asistió a un concierto de Beyoncé, hizo una audición para interpretar a Janis Joplin y a los premios Emmy, y luego fue a Belfast para dos días de rodaje de Game of Thrones— estaba destrozada. La recibió Siobhan, una mujer extraña, algo aturdida y distante, que también llevaba el collar místico. Siobhan le explicó lo que aprendería en clase: los rituales, las rutinas, las maneras de protegerse de la energía de otras personas, y Murray le entregó 700 libras —unos 810 euros—, el primero de muchos pagos. Mirando hacia atrás, no describe a Siobhan como una estafadora, sino más bien como una “creyente sincera e ingenua”.

La clase, a la que también asistió un conductor de Uber al que Siobhan había contratado para un traslado al aeropuerto, requería imaginación. En un momento dado, le pidieron a Murray que resumiera la sensación de “aferrarse a pilares de luz”. Se sorprendió al sentir algo casi sólido en sus manos, pero hoy recuerda que su trabajo en aquel entonces implicaba “la capacidad de sumergirse en cosas fantásticas, como el trabajo de efectos especiales CGI en ‘Game of Thrones’, donde miraba una pelota de tenis e imaginaba que era un lobo gigante”.

Siobhan describe rituales chamánicos y cabalísticos, santuarios y chakras, baños de sal y círculos mágicos, yoes superiores y guías espirituales. Habla de una verdadera alma gemela, algo que Murray, bisexual y abierta al poliamor, encontró un poco incómodo y anticuado, pero que, una vez más, pasó por alto. Cada clase abría un camino de progresión hacia otra clase o curso, que prometía más respuestas, más formas de autosanación y autoprotección, pero a un precio. Murray quedó enganchada; quería seguir ese camino. Quería ser una “Guerrera”, lo cual era posible si tomaba los cursos llamados Maestra Ritual Novata, Maestra Ritual Aprendiz y Maestra Ritual Magus Hermeticus. “Quería ir cada vez más lejos, tan lejos como se pudiera llegar”, afirma.

Murray era tan ingenua y confiada que no buscó información sobre la organización en internet. De haberlo hecho, habría leído relatos escalofriantes de estafas financieras y espirituales

Murray era tan ingenua y confiada que no buscó información sobre la organización en internet. De haberlo hecho, habría leído testimonios delirantes de sus seguidores, así como relatos escalofriantes de estafas financieras y espirituales. Habría descubierto que funcionaba como una pirámide y que escalarla la despojaría de su libertad personal e individualidad. “La pirámide estaba estructurada para explotar a cualquiera que intentara escalarla”, escribe en su libro ‘The Make-Believe’. “Excepto a una persona, un hombre, que se sentaba en la cima”. No lo conoció hasta que completó varios cursos, que además eran costosos.

Pero antes de pasar a hablar del hombre al que llama “Steve” en el libro, hay algo que Murray considera muy relevante para su historia: ella pertenece a la generación de Harry Potter. “Eso es fundamental”, afirma. “Este libro fue tan popular entre tanta gente de mi edad, y lo más atractivo era la idea de que podías descubrir todo un mundo mágico, justo debajo de la superficie del nuestro. De niña, deseaba con todas mis fuerzas que fuera cierto”. 

De forma similar, explica, la literatura juvenil que consumía su generación ofrecía historias donde el chico raro resultaba no ser raro, sino especial, con dones increíbles. “Cuando sufría psicosis, mi mente era un cóctel de esas historias, la idea de que había descubierto la verdad, que era que tenía un destino increíble. Iba a salvar el mundo. Podía volar. No quiero decir que esas historias sean malas ni nada por el estilo. Simplemente creo que nos alimentan con una dieta que nos hace desear esto”, explica.

Y resulta que Steve, como era de esperar, era fan de ‘Game of Thrones’. La primera impresión de Murray fue la de un hombre blanco de mediana edad, con cabello y barba plateados, que vestía una chaqueta amarilla que desentonaba con su camisa roja. Le dio un abrazo “de corazón a corazón” característico de la organización. Le resultó un poco inapropiado, pero también emocionante y quizás más íntimo de lo que debería. Llevaba el collar que todos usaban, y cuando ella le miró a la cara, “parecía tan seguro de sí mismo. Irradiaba un poder que nunca había visto en nadie. Un poder mágico... Supe que estaba en presencia de un mago... Entonces, Steve habló: 'Hola, estoy aquí en Londres para iniciar a algunos Maestros Rituales como Chamanes Celtas'”.

Cuando sufría psicosis, mi mente era un cóctel de esas historias, la idea de que había descubierto la verdad, que era que tenía un destino increíble. Iba a salvar el mundo. Podía volar.

La mayoría de los instructores de la organización eran mujeres y, en su mayoría, llevaban falda, algo que Murray no notó del todo hasta que se les indicó a las devotas que también las usaran. Murray lo recibió con recelo. Ella era más de chándal. Pero se fijó en otras cosas. Cuando Steve se dirigió a los presentes, empezó con un chiste subido de tono. “Dijo que suponía que debíamos hacer 45 minutos de cardio al día y que él prefería tener sexo como ejercicio cardiovascular que cualquier otra cosa”.

¿Vio indicios de explotación sexual? “Mi experiencia fue muy erotizada, sin que ocurriera nada explícitamente físico”, dice. “Había una energía muy palpable en el ambiente. Creo que suele haberla en estas organizaciones espirituales jerárquicas. Me pareció interesante que fuera un espacio predominantemente femenino —las maestras, la sanadora— y de repente entra este hombre, increíblemente seguro de sí mismo y magnético. Lo primero que cuenta es un chiste sobre sexo. De esa energía tan etérea, suave e indecisa, de repente es como: ”Hola, estoy aquí“ y ‘Vamos a coger’. Creo que lo hacía a propósito”.

Incluso en ese momento, recuerda, miró a esas mujeres y pensó: “¡Secta sexual!”. Pero cuando se lo sugirió a uno de los profesores, le respondieron: “Oh, Dios mío, qué divertido... No, es que es muy bueno destrozando tu ego y por eso pueden surgir muchas cosas sexuales”. Fue durante este curso de cinco días celebrado en un hotel de Londres cuando el comportamiento de Murray comenzó a volverse errático. Vivía con muy pocas horas de sueño al día y descubrió que hablaba a “un millón de kilómetros por segundo”. 

Absorbía las historias contadas por otros participantes como un "rayo", como si contuvieran mensajes secretos, anotándolas en su teléfono. Veía señales y símbolos por todas partes

Su cerebro hacía conexiones aleatorias; por ejemplo, vinculaba una cena que tuvo con otros cinco participantes con los cinco abortos espontáneos que sufrió su madre antes de que ella naciera. Se sentía pura y ascética con agua y comida vegana, y más delirantemente feliz que nunca bajo los efectos de las drogas. Absorbía las historias contadas por otros participantes como un “rayo”, como si contuvieran mensajes secretos, anotándolas en su teléfono. Veía señales y símbolos por todas partes. Una chica llamada Lauren le dijo que había un mensaje en la película ‘La historia interminable’. Entonces Lauren dijo que no estaba segura de Steve, que le recordaba a un “vendedor de coches usados sospechoso”. Murray interpretó esto como una muestra de lo especial que era ella; Lauren no podía ver la verdad.

Esa noche, mientras se bañaba con las sales “contra el mal” que había comprado en la tienda de la organización, empezó a oír la voz de Steve en su cabeza. Creía que la amaba, que se casaría con ella, que controlaba el clima, que ella tenía poderes especiales. A media mañana del día siguiente, empezó a tener alucinaciones: veía diagramas en el cuello de la gente que le mostraban cómo “curarlos”. Pensó: “Steve es mi padre y quiero acostarme con Steve”. (Puede que fuese un eco del hecho de que su personaje en ‘Game of Thrones’ quedó embarazada de su padre).

Si Murray hubiera estado rodeada de personas que no fueran seguidores de la secta, su estado maníaco podría haber sido detectado. En cambio, se hundió aún más, experimentando una especie de colapso mental. Buscó refugio en un baño cerrado con llave, con un dolor de cabeza agonizante que sentía como si estuviera “dando a luz a través del cráneo”. Al otro lado de la puerta cerrada, los maestros se agolpaban a su alrededor, sosteniendo herramientas de bronce y coreando: “¡Fuera, espíritu maligno de Hannah!”. Incluso en su estado de angustia, Murray comprendió, en cierto modo, que aquello era “jodidamente gracioso”.

Nadie sabe cuánto tiempo pasó antes de que alguien pidiera ayuda. Murray, que para entonces corría de un lado a otro buscando a Steve, quien convenientemente había desaparecido, fue inmovilizada en el suelo. Fue trasladada de urgencia al hospital Gordon en Bloomsbury y retenida durante 28 días bajo la Ley de Salud Mental. Como lectora, algunas de las partes más indignantes del libro son los mensajes de texto que Steve le envió a Murray mientras estaba internada. Buscando respuestas sobre lo sucedido, le escribe: “Siento que he estado experimentando algunos efectos secundarios muy malos como resultado de uno de sus tratamientos. Me gustaría saber si esto es normal”. Steve le dice que no, pero añade: “Estás libre y todo estará bien”.

Hannah: “¿Libre de qué, Steve?”

Steve: “Hay cosas buenas y malas en el mundo, y a veces la mala energía puede entrar en nosotros.”

Hannah: “¿De verdad esperas que me conforme con esa explicación?” Steve envió una respuesta divagante sugiriendo que, mientras Murray trabajaba en Detroit, “un tipo malo se metió en ti”, y concluyó: “Es algo grave, pero en términos más sencillos, te poseyeron.”

Murray dice que le costó mucho tiempo enfadarse, pero hay ciertos pasajes del libro, incluidos estos mensajes, que todavía le resultan “difíciles”. “Porque recuerdo lo vulnerable que era cuando recibí esos mensajes. Me da pena por mí misma.” Le pregunto cómo se sintieron sus padres, y dice que no cree que sea justo compartir “todos los detalles de cómo se sintieron. Pero bueno.”

La hija única de “dos padres ancianos”

Murray creció en Bristol. Bromea diciendo que es el típico cliché: “hija única de dos padres ancianos”. Su padre, que tenía 47 años cuando ella nació, es un académico al que le encantaban los trenes de vapor y los horarios, y su madre es técnica de laboratorio (“muy cariñosa, muy positiva, muy dulce”). De niña pasaba muchísimo tiempo sola, dándoles nombres y personalidades a sus peluches. “Me aburría muchísimo”, se ríe. “Recuerdo jugar con las persianas durante horas y horas”. Pero también lee mucho. “Y vivía principalmente en mi cabeza. Era una niña soñadora. Mis recuerdos de la adolescencia son de ser una cabeza gigante, flotando, sin ninguna conexión con mi cuerpo”. Anhelaba tener hermanos y sentía una especie de culpa por haber sobrevivido a los abortos espontáneos de su madre. Se obsesionó con la idea de que tenía que vivir una vida plena por cada uno de ellos.

Tenía una especie de adicción a entrar y leer cosas sobre mí en internet. Era horrible, como la cloaca de internet

A los siete años ya planeaba su futuro como veterinaria, eligiendo cursos y carreras universitarias. A los once, cambió de rumbo tras ver una obra de teatro sobre criaturas del bosque y extraterrestres que se hacían amigos. “No fue un 'Quizás me interese la actuación'... Fue un 'Voy a ser actriz'”. Echando la vista atrás, su salud mental le parecía “extraña” durante su adolescencia temprana. A mediados de la adolescencia, se autolesionaba, pero no se lo contó a nadie. Recuerda haber visto un documental de Stephen Fry sobre el trastorno bipolar y haber sentido que lo que se comentaba “era muy cercano a ella. Pero también, era adolescente, y todos tenemos altibajos”.

Hizo la audición para ‘Skins’ a los 16 años, mientras participaba en un grupo de teatro juvenil, y consiguió el papel el día de su decimoséptimo cumpleaños. La primera temporada se rodó el verano anterior a su último año de bachillerato, y la segunda mientras se preparaba para los exámenes. “Falté mucho a clase ese último año”. Eso no le impidió conseguir una plaza en la universidad, y para cuando llegó la semana de bienvenida a los nuevos estudiantes, la serie “era todo un fenómeno”, famosa por sus impactantes representaciones de los excesos adolescentes. La reconocían prácticamente en todas partes, le resultaba “bastante abrumador” y se relacionaba con gente que no sabía quién era. O a la que no le importaba. 

¿Cómo fue Cambridge? “Intenso. Era mucho más organizada que ahora. Hice tres películas en tres años, y además iba a Londres todas las semanas a hacer audiciones. Simplemente hacía mis ensayos y los entregaba con antelación. De alguna manera, lo conseguí todo. Todo el mundo me tenía perplejo. La primera vez que usé mi título fue cuando solicité un máster en escritura creativa para escribir este libro”.

Aunque no padeció anorexia, la actriz sí describe una “relación desordenada con la comida”. En aquella época, el sitio web de películas IMDb albergaba foros de discusión en las páginas de los actores. “Tenía una especie de adicción a entrar y leer cosas sobre mí en internet. Era horrible, como la cloaca de internet; por cada persona que decía que mi cuerpo era 'inspiración para adelgazar', había otra que decía: 'Es repugnante'”.

Luché durante mucho tiempo con la idea de que no tenía derecho a sentirme tan triste. No había nada malo en mí. Tenía el privilegio de tener una carrera increíble. ¿Por qué no podía ser feliz todo el tiempo?

¿Hubo algún síntoma temprano del trastorno bipolar? “Nadie me lo sugirió. De vez en cuando, había conversaciones donde tal vez era algo implícito. Mis amigos y la terapeuta que me atendía en ese momento hablaban de 'momentos de gran euforia' y 'momentos de profunda tristeza'. Luché durante mucho tiempo con la idea de que no tenía derecho a sentirme tan triste. No había nada malo en mí. Tenía el privilegio de tener una carrera increíble. ¿Por qué no podía ser feliz todo el tiempo?”.

Una vez que recibió el diagnóstico, “todo cobró mucho más sentido. Los diagnósticos pueden ser complicados, pero para mí fue un gran alivio comprender mi mundo emocional desde esa perspectiva”. Dice que todavía existe mucho estigma en torno al trastorno bipolar, por lo que quiso ser “muy sincera” sobre la experiencia en su libro. 

“Escucho mucho que 'necesitamos hablar más sobre salud mental'. Lo que quieren decir es, por ejemplo, ansiedad y depresión. Todos hablamos de eso con gusto. Pero hay un gran tabú en torno a la idea de las personas internadas. Son intocables. Sentí que era muy importante decir: 'Yo pasé por esto'. Mucha gente pasa por esto. Eso no significa que sean malas personas o que estén mal para siempre”.

De alguna manera, el mayor alivio es que ya no tiene que sumergirse en un papel, ni llegar al límite de su propia identidad para encarnar a otra persona. Irónicamente, su último largometraje fue ‘Charlie Says’, sobre las mujeres del culto asesino de Charles Manson en la década de 1960. Mientras Murray leía para el papel de Leslie Van Houten, solo podía pensar: “Podría haber sido yo”. Tras finalizar el rodaje, la directora, Mary Harron, le dijo: “Fue increíble... vimos a tantas chicas para el papel de Leslie, tantas actrices hicieron la audición, y ninguna pudo hacerlo... Tú lo hiciste sin esfuerzo. Dijiste las líneas y sonaron completamente auténticas”.

Hubo un tiempo en que Murray se rebelaba contra la idea de ser aburrida: “Hice mucho por intentar ser interesante. Era una locura, un caos, llevaba una vida nómada, mientras que la de ahora es más estable, sencilla y con los pies en la tierra”. Hace unos diez años, estaba en la alfombra roja de Hollywood para el estreno de la sexta temporada de ‘Game of Thrones’, vestida con un tul naranja tostado, con una mirada inocente y de ojos grandes a pesar de estar luchando contra una resaca monumental tras haber bebido whisky puro y bailado al ritmo de Rihanna hasta las cinco de la mañana. 

Su vida ahora es tranquila. Discreta. Tiene mucha rutina. Vive sola y se acuesta a las ocho o nueve para levantarse a las cinco a escribir. No ha bebido alcohol en tres años. ¿Terapia? “No. Creo que a veces la terapia también se presenta como una especie de panacea. Muchas de las cosas que me resultan útiles no dependen de la guía o la sabiduría de otra persona. Las cosas que me mantienen estable son el ejercicio, salir a caminar, cocinar”. Según ella, la cultura del bienestar “podría estar causando algunos de los problemas que afirma poder curar”.

* Todos los nombres de las personas vinculadas a la organización fueron modificados.

Después de más de dos décadas explorando los cruces posibles entre las músicas de raíz latinoamericanas, la experimentación electrónica y la percusión ritual, Tremor vuelve a abrir una nueva puerta. El sábado 20 de junio, el grupo integrado por Leonardo Martinelli, Camilo Carabajal y Alex Musatov presentará oficialmente Takuy en Galpón B, en una fecha que tendrá como invitadas a Ignacia y Lucy Patané, dos de las artistas que participaron del álbum, además de las visuales de Rosario Murúa y la intervención de Ch Respira como maestro de ceremonias.

Editado por ZZK Records y disponible desde mayo en plataformas digitales, Takuy marca un nuevo capítulo para una banda que desde principios de los años 2000 viene construyendo un lenguaje propio, difícil de encasillar y todavía más difícil de imitar. Folklore, electrónica, psicodelia, texturas acústicas, instrumentos ancestrales, procesamiento digital y ritmos provenientes de distintos territorios conviven en una obra que parece moverse constantemente entre el pasado y el futuro.

El título elegido resume buena parte de ese recorrido. “Takuy” es una palabra quechua que puede traducirse tanto como “mezclar” como “permanecer”. Y para Martinelli, ambas acepciones funcionan como una declaración de principios.

“Siempre fue una palabra que me gustó. La parte de la mezcla caía como anillo al dedo porque la propuesta de Tremor tiene que ver con eso. Si bien siempre está la raíz latinoamericana, el folklore y la electrónica, cuando uno escucha los temas hay referencias de muchas partes del mundo: melodías balcánicas, cosas africanas, árabes, hindúes, elementos del rock y hasta del ruidismo”, explica a elDiarioAR.

Pero hay otra dimensión del término que lo interpela especialmente. “Habla de permanecer, de habitar, de existir. Estos últimos años la banda atravesó transformaciones importantes y para nosotros, que hacemos una música instrumental, con una personalidad bastante particular y alejada de las tendencias, también había algo emotivo en seguir estando. En seguir permaneciendo”.

La referencia apunta a los cambios internos que atravesó el grupo en los últimos años. El proceso de creación del disco comenzó antes de la pandemia con la formación integrada por Martinelli, Carabajal y Gerardo Fares. Con el tiempo, Fares dejó el proyecto y su lugar fue ocupado por el violinista Alex Musatov, cuya llegada terminó modificando profundamente la dinámica de la banda.

“Volvimos a ser un trío, pero otro trío”, resume Martinelli. “Los cambios te aniquilan o te potencian. Por suerte, en nuestro caso potenciaron el proyecto. Acabamos de volver de una gira por Europa y estamos muy felices con lo que está pasando”.

La incorporación de Musatov nació a partir de otro proyecto fundamental en la actualidad de Martinelli: su trabajo junto a la legendaria cantora boliviana Luzmila Carpio, de quien Tremor es actualmente banda estable.

“Lo conocí grabando el último disco de Luzmila. Yo estaba haciendo los arreglos y quería incorporar cuerdas. Lo invité a grabar y pegamos una onda medio mágica rápidamente”, recuerda. “Después empezamos a trabajar juntos en otras cosas, nos hicimos amigos y sentí que era alguien que podía encajar muy bien en Tremor”.

La llegada del violinista aportó una nueva paleta tímbrica y también una renovación creativa. “Cuando aparece una persona nueva pasan muchas cosas. Está lo humano, pero también está esa comunicación no verbal que ocurre en la música. Todavía hoy siento que seguimos descubriendo cosas. Cada show es mejor que el anterior porque seguimos encontrando lugares donde potenciarnos mutuamente”.

Esa expansión sonora puede escucharse con claridad en Takuy, quizás el disco más melódico y psicodélico de Tremor. Violines, aerófonos, sachaguitarras, quenas, sikus y otros instrumentos acústicos amplían un universo que históricamente se construyó a partir del diálogo entre la tradición y la tecnología.

Para Martinelli, sin embargo, el punto de partida no suele ser un género ni una fórmula determinada.

“No hay una manera de componer. Algunos temas nacen de una melodía, de algo espontáneo. Pero otras veces primero aparece una idea, un escenario. Como pensar qué pasaría si un instrumento africano conviviera con determinada rítmica folklórica. Muchas veces el proceso tiene que ver con explorar territorios que todavía no conocemos”.

Ese impulso exploratorio atraviesa todo el álbum. Las influencias afroperuanas, rioplatenses, colombianas, brasileñas y argentinas dialogan con referencias provenientes de distintos rincones del mundo para construir una geografía imaginaria que, sin embargo, nunca pierde su anclaje latinoamericano.

“Si simplemente hiciera lo que me sale naturalmente, todo sería más aburrido”, admite entre risas. “Uno tiene lugares comunes, una especie de memoria muscular. Entonces intento forzarme a buscar escenarios nuevos para la banda”.

Las colaboraciones presentes en el disco surgieron también desde esa lógica orgánica. Lejos de la dinámica de los featuring pensados para multiplicar reproducciones o visibilidad, las participaciones de Ignacia, Lucy Patané y Santiago Vázquez nacieron de afinidades artísticas y encuentros concretos.

“Es una época donde parece que hay que tener invitados sí o sí, pero nunca me interesó pensar a quién convocar por una cuestión comercial”, afirma.

Con Ignacia, la conexión apareció cuando Martinelli terminó la base instrumental de “Ánima Digital”. “Escuché el tema y sentí que era para su voz. Ella conocía la banda, le gustaba lo que hacíamos y cuando se lo propuse se copó enseguida”.

Algo similar ocurrió con Lucy Patané. “Primero apareció la música instrumental y después su voz empezó a rondarme la cabeza. Nos juntamos en el estudio, charlamos algunas horas sobre la idea de la canción y así terminó naciendo el tema”.

La dificultad para definir la música de Tremor ha acompañado al grupo desde sus comienzos. Folktrónica, folklore digital, electrónica de raíz, electrónica orgánica. Las etiquetas fueron cambiando con los años, aunque ninguna parece alcanzar del todo.

“Al principio me enojaba mucho porque ninguna me gustaba”, reconoce Martinelli. “Después entendí que las etiquetas sirven para que alguien se haga una idea rápida. Pero la verdad es que sigo sin saber qué responder cuando me preguntan qué música hacemos. Veinte años después todavía no lo resolví”.

Quizás porque Tremor nunca buscó construir un estilo reconocible en términos convencionales. Su identidad parece estar justamente en ese movimiento constante, en la mezcla permanente, en la voluntad de evitar la repetición.

“Nos interesa movernos en un territorio donde el género deja de ser una referencia fija”, sostiene.

La presentación de Takuy llegará además después de una reciente gira europea que llevó al grupo por ciudades como Barcelona, Madrid, Berlín, Viena y Copenhague. Una experiencia que confirmó el buen momento creativo que atraviesa la banda y que funcionó como preparación para este reencuentro con el público local.

El concierto en Galpón B será también una edición especial de Caracol, la fiesta que Tremor organiza junto a Villa Diamante como espacio de encuentro para músicas experimentales, cruces inesperados e improvisaciones.

“Queremos que sea una especie de casa propia, un lugar donde pasen cosas que no sabemos exactamente cómo van a terminar sucediendo”, explica Martinelli.

Después de veinte años de trayectoria, Takuy encuentra a Tremor en un punto singular: con una historia consolidada detrás, pero todavía impulsado por la curiosidad. Mezclar y permanecer. Dos verbos que podrían parecer opuestos y que, en el universo del grupo, terminan funcionando como una misma idea. La de seguir explorando sin dejar de ser quienes son.

CRM

El Goya que ganó en 2003 por Rencor vigila desde una estantería de la casa de Lolita Flores. De alguna forma hay un hilo que une aquel personaje con el que la trae de nuevo al cine 23 años después. Entre medias unos cuantos papeles, pero ninguno que nos hubiera devuelto a esa actriz pasional, de puro instinto y fuerza torrencial. Hasta ahora. El responsable fue David Ilundain, que vio en ella todo lo que necesitaba para dar vida a Chusa, la matriarca de Son Canal, un poblado que es el epicentro del narcotráfico de la isla donde ella maneja el negocio en Mallorca Confidencial.

Pero su Chusa es mucho más. Es una mujer que se deja la piel por los suyos, que intenta, a su manera, dar una vida mejor a su familia y amigos, y que hasta se enfrenta a la especulación inmobiliaria que quiere echar al poblado gitano de unos terrenos que empiezan a valer mucho dinero en una época donde el ladrillo empezaba a ser un bien demasiado preciado.

Lolita habla sin tapujos. Deja claro que no hizo más cine porque no le ofrecieron nada que le gustara, y toca madera porque este papel le traiga las mismas alegrías que el de la película que hizo junto a Miguel Albadalejo. Abre las puertas de su casa a elDiario.es para hablar del film, que ya se puede ver en salas de cine en España, pero también de su carrera, de prejuicios, vivienda o su familia.

—Mallorca Confidencial está basada en un personaje real, una matriarca de la droga…

—Es un personaje que puede estar en cualquier poblado de cualquier parte del mundo, no solamente de España. Sí, hay mujeres que por situaciones en la vida, que se quedan viudas o que no tienen otros recursos, tienen que sacar su familia adelante y bueno, tienen que hacer ese oficio que es vender muerte, como yo digo siempre. Pero que sea realmente la vida de alguien en particular… no lo creo. Puede que el guion se haya basado en hechos reales, pero no es precisamente la vida de esa persona.

—Es un personaje que es muchas más cosas que una traficante. Es un retrato más poliédrico.

—Sí. Lógicamente, la quieren echar de su tierra, de su poblado. Eso ya lo hicieron los americanos con los indios hace muchos años. Aquí quieren coger terreno para edificar o para hacer centros comerciales. Igual que nos quitan teatros para hacer oficinas o para hacer otro tipo de cosas. La gente especula un poco con el terreno y en ese caso quieren quitar ese poblado, quieren que los gitanos se vayan de sus casas para poder edificar y lucrarse de alguna manera. Entonces ella lucha por su familia, lucha por su gente y lucha por ella misma también.

—Ese tema de la vivienda trae la película al presente, a ese problema de la especulación. Como si dijera que de aquellos polvos estos lodos. 

—Claro. Date cuenta de que todo es una rueda. Empezó en aquella época, pero ahora los fondos buitres existen y hay mucha gente que no puede pagar un alquiler, que no puede pagarse un piso. Y es todo por eso, porque han subido muchísimos alquileres y porque se especula muchísimo. La gente tiene derecho a una vivienda digna.

—¿Qué pensó cuando leyó el guion?, ¿le dio miedo que se perpetuaran estereotipos hacia los gitanos?

—Yo creo que eso es la mente de cada persona. Los gitanos ya hoy en día estudian, saben idiomas, saben de leyes, son políticos, son arquitectos. Mi raza ya no está excluida, está incluida en la sociedad. En la viña del Señor, hay de todo, pero no solamente son los gitanos los que venden droga. Hay mucha gente que no es gitana, que se dedica a vender drogas, a vender muerte.

—La película comienza con un personaje contando ‘chistes de gitanos’ que muestran esos prejuicios, ¿han cambiado?

—Eso tendrías que preguntárselo a la gente. Yo creo que todo se basa en la educación. Lo he dicho siempre. Depende de que tú críes a tus hijos con la mente abierta, con la libertad de ver gitanos, árabes, chinos, rusos y de cualquier etnia o cualquier raza, y que los trates como a un igual porque son iguales que tú. Con un color diferente a lo mejor, pero son seres humanos igual que tú y que yo. Depende mucho de la educación.

—Habla mallorquín en la película, ¿ha sido el mayor reto?

—Para mí no ha habido ningún reto, es decir, para mí simplemente ha sido hacer un papel dignamente, con todo el respeto del mundo, porque soy de raza gitana. Yo soy una gitana privilegiada, me he criado en otro ambiente, me han dado una educación y no he tenido que dedicarme a otra cosa nada más que cantar y bailar. Y ahora soy actriz. Pero mis padres no venían ninguno de la pata del Cid. Es decir, han tenido que luchar mucho para darnos a sus hijos una educación. Yo soy una gitana que he tenido en el colegio algún racismo que otro cuando era más pequeña, pero hoy en día yo creo que ya está la cosa muy, muy tranquila.

—Me parece curioso lo que ha mencionado, que incluso siendo privilegiada, incluso siendo hija de quien era, de pequeña sí que ha sufrido racismo.

—Claro, era otra época también en el colegio. De hecho, hace poco se vio en la televisión que había padres que no querían llevar a sus niños al colegio porque no sé si eran marroquíes los que estaban o eran gitanos. Es decir, que todavía existe, desgraciadamente. Sigue habiendo esa rueda. Y te vuelvo a decir, creo que es educación, ignorancia. La falta de la ignorancia te puede llegar a muchas cosas, al miedo, a la incertidumbre, al no conocer a la persona que tienes al lado, simplemente porque tengo un apellido diferente al tuyo o porque tenga un color distinto o incluso una religión diferente.

—No se ha prodigado mucho en el cine, ¿ha habido muchos noes o no ha habido tanta oferta como se pudiera pensar?

—El problema es que no me han llamado. No ha habido ofertas, porque si hubiera habido muchas ofertas hubiera hecho mucho cine. Lógicamente, ha habido alguna, pero no me ha cuadrado o por fechas o porque el guion no lo veía para mí. Pero realmente no he tenido tantas ofertas de cine. 

—No fue su primer papel estrictamente, pero sí que de alguna forma entra con ese personaje de Rencor que es arrollador.

—Sí, es un poco arrollador como esta Chusa. Las dos empiezan con 'Ch'. Chelo Zamora, que era la de Rencor y esta que es Chusa, en Mallorca Confidencial. A ver si me trae suerte.

Mis padres no venían ninguno de la pata del Cid. Es decir, han tenido que luchar mucho para darnos a sus hijos una educación

Lolita Flores — Actriz y cantante

—Ese papel le dio un Goya. ¿Cómo recuerda ese momento que además fue en una gala histórica?

—Sí, la del ‘No a la guerra’, cuando estábamos todavía con el PP de Aznar y fue el 'No a la guerra'. Lo recuerdo con mucha emoción. Me lo dio Javier Bardem y fue algo maravilloso. Está ahí, mi Goya —señala con la mirada la estantería donde se encuentra— y bueno, no me importaría tener otro.

—Este año la hemos visto también de alguna forma en el documental de Flores para Antonio. Cuando entrevistamos a Alba Flores le preguntamos si el arte está en los genes, porque toda la familia ha acabado dedicándose a ello.

—Bueno, venimos de una familia de arte. Mi padre, mi madre, mi tía… todos somos artistas. Yo creo que el arte viene en los genes, lo que pasa que luego también tienes que estudiar y tienes que perfeccionarlo. No vale con decir, “venga, ya está, ya sé cantar y bailar o sé hacer cine o teatro”. Tienes que estudiar y hacerlo bien. Entonces no todo el mundo que viene de una familia con arte en las venas son artistas.

—¿Cómo ha vivido la llegada del documental? Siento que es pudorosa, que no le gusta en exceso hablar de su vida privada.

—Bueno, eso lo ha hecho Alba. Yo creo que la familia Flores no somos tan herméticos. Al contrario, yo creo que desde mi madre, que ha expuesto a sus hijos, su familia, sus hermanos… Hemos sido gente muy mediática y gente muy popular. Lo que ha hecho Alba no es extraño. Una cosa es tu vida personal, privada, tus amores, tu vida, que eso sería un reality y yo realities no he hecho ni creo que los vaya a hacer. Pero hacer un documental como el que ha hecho ella… Creo que era necesario, sobre todo para mi sobrina, y si es necesario para mi sobrina, vamos todos de cabeza.

—¿No han sentido que era reabrir la herida de alguna forma?

—Era un documental de sanación y para ella ha servido para eso.

—¿Pesa mucho el apellido Flores?

—Yo creo que le pesará más a la gente. A mí no me pesa nada en absoluto. Yo estoy muy orgullosa de llamarme González Flores, aunque artísticamente soy Flores porque es más corto y porque los Flores somos los Flores, aunque el González también lo tenemos muy arraigado en nuestras venas y orgullosísima de mi padre.

—En cine no ha tenido tantos papeles, pero en teatro sí, ¿siente que allí le han ofrecido papeles más diversos?

—No he parado de hacer teatro. Empecé con Ana en el Trópico en 2005 y estamos en 2026. Llevo 21 años. De ahí pasé a La Plaza del Diamante. Hice un Don Juan Tenorio en Alcalá de Henares en verso, hice Asamblea de mujeres, Fedra, Poncia, Prefiero que seamos amigos, Llévame hasta el cielo… En fin, he hecho ya unas cuantas, sí. Y además temporadas largas.

—¿Y qué le ha ofrecido el teatro, aparte de una continuidad como actriz?

—El directo. Ahí sí que no hay planos. Ahí si te equivocas, amigo mío, te has equivocado y tienes que tirar para delante. Eso es esencial. Yo creo que para cualquier actor eso significa medirse con uno mismo, pisar una tabla y tener a la gente enfrente en directo. 

—Decía hace poco Aitana Sánchez Gijón dice ahora que se habla tanto de inteligencia artificial el cine a lo mejor aguanta, pero el teatro aguanta seguro.

—Yo espero que el cine también aguante. La inteligencia artificial está bien para preguntarle cosas, pero yo creo que el ser humano encima de unas tablas, haciendo teatro, haciendo cine, haciendo televisión… La energía que te da un ser humano no te lo va a dar nunca una inteligencia artificial, por muy bien hecha que esté. Así que yo espero que no nos cambien por inteligencia artificial. La inteligencia está muy bien para aprender, pero nunca para sustituir.

—Me imagino que el teatro también es físicamente muy exigente. 

—Sí, es cansado, pero igual que el cine. El cine, aunque haces diferentes cosas todos los días porque las escenas cambian, te tienes que levantar también muchas veces a las tres de la mañana y estar a lo mejor hasta las seis de la tarde. Es decir, que es cansado. Pero si es tu profesión y es lo que te gusta, pues lo haces con muchas ganas.

—Después de esas giras tan intensas, ¿no se plantea un parón?

—Hombre, sí. Tendré un mes de vacaciones como todo el mundo. Pero más allá de eso yo espero no tener parón. No me gusta estar parada. A mí me gusta trabajar. Me aburro mucho cuando no estoy trabajando.

—La he visto en alguna entrevista haciendo una reflexión sobre envejecer que ha sido muy celebrada. Es llamativo que haya todavía que reivindicar eso.

—Yo no he reivindicado nada. Yo tengo 68 años y esta es la cara y el cuerpo que tengo con 68 años. Lo único que le pido a Dios es salud. Mis arrugas, lo digo siempre, son mis llantos y mis alegrías, mis viajes y mis teatros, mis películas, mis canciones. Me han costado. La arruga es bella porque es vivencia. Es vivir. Y yo, gracias a Dios, he vivido mucho y espero seguir viviendo mucho.

—Hacia la mujer siempre ha habido mucha presión. ¿Lo ha sufrido también?

—Las modas de la sociedad dicen que hay que estar más delgada de lo normal, que hay que tener unos labios más gruesos de lo normal. Que hay que tener la cara superestirada, aunque luego las manos no se pueden operar. Yo creo que todo va en concordancia con la edad y con el físico que tú tengas y como tú te encuentres. Yo creo que la edad está aquí [se señala la cabeza] y aquí, en el corazón. Yo me veo una mujer todavía joven, aunque tenga la edad que tenga. Y lo único que quiero, ya te digo, es seguir estando así para ver crecer a mis nietos y a mis hijos y tener salud y punto. Y una arruga más, una arruga menos… bueno, intentaré usar cremas y buenos masajes. Que sean más bonitas. Que no sea una señora muy mayor, muy arrugada. Pero no soy una esclava de la moda ni de las cirugías ni de nada de eso.

—¿Hay menos presión ahora?

—La sociedad te presiona, internet te presiona, tienes que tener unas tallas, una cara, un pelo, unas uñas, unas manos… Como las Barbies. Y yo no soy la Barbie gitana, te lo aseguro.

—Ha mencionado internet. También ha cambiado mucho el periodismo, las entrevistas, ¿lee lo que se publica sobre usted?

—No. Porque muchas veces sacáis… Bueno te meto a ti porque eres periodista.

—Puede incluirme.

—Sacáis muchas veces cosas de contexto. Cosas que se han dicho dentro de una conversación. Por ejemplo, yo ahora mismo he dicho que no soy una Barbie gitana, pero no me meto con la Barbie, que fue una muñeca que adoré y que quise tener toda mi vida. Y no la tuve porque solamente las había en Estados Unidos. No me meto con nadie que quiera hacerse estética, al contrario, las aplaudo. Yo soy miedosa. Pero muchas veces eso se saca de contexto. Entonces “Yo no soy una Barbie gitana”, sería un titular.

—Hombre es que sería un titular muy bueno, Lolita, no voy a mentir…

—Ya, pero dilo dentro de un contexto, ¿no?

—Entonces le da más miedo enfrentarse a una entrevista ahora que antes.

—A mí sí. Sí me da más miedo. Me da más miedo hablar con el corazón, porque a veces tú hablas con el corazón y luego te sacan las entrañas.

—Va con el freno de mano.

—Yo ya voy con el freno de mano puesto. Pero no todos, te he metido a ti porque eres periodista, pero gracias a Dios todavía se puede hablar tranquilamente con periodistas y hacer entrevistas con gente que sabe preguntar o que sabe que la contestación que te da una persona está dentro de unos límites y de un contexto. Yo sigo hablando con el corazón porque soy así. Yo soy transparente. No podría ser de otra manera.

Vídeo de la entrevista completa

A pocos días de que el país se desayunara con la triste noticia de la muerte de Carlos Alberto “Indio” Solari, su entorno más íntimo “abrazó”, a la distancia, a las miles de personas que los acompañaron en este difícil momento.

A través de la cuenta oficial de X (ex Twitter) e Instagram del exlíder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, su esposa Virginia Inés Mones Ruiz, más conocida como Viru, y su hijo Bruno compartieron un video con un extenso y conmovedor mensaje de agradecimiento.

La publicación, que rápidamente se volvió viral y se llenó de réplicas de amor por parte de los fanáticos, repasa una “lista interminable” de personas, amigos y organismos que se pusieron a disposición de la familia desde aquel fatídico viernes 5 de junio, cuando el músico falleció a los 77 años en su casa de Parque Leloir.

El reconocimiento fue para el círculo cercano, el público ricotero, la organización y el operativo que contuvo el masivo e histórico adiós en Avellaneda.

Un agradecimiento a la logística de un adiós histórico

En el fragmento más político e institucional del mensaje, Virginia destacó el rol de quienes se cargaron al hombro la organización del multitudinario homenaje popular que tuvo lugar el pasado fin de semana en el Parque Domínico de Avellaneda, que congregó a una marea humana incalculable.

La compañera del Indio mencionó especialmente a los encargados de coordinar el encuentro: “Máximo, Facu, Joaco, Wado, a los que les delegué la hermosa despedida que lograron organizar”, detalló, haciendo extensiva la gratitud hacia el mandatario bonaerense: “A nuestro gobernador Axel (Kicillof), que aportó con todo su personal”.

Tampoco faltaron palabras para quienes cuidaron de la seguridad y el despliegue civil en los momentos de mayor tensión emocional, destacando la labor de los cuerpos de bomberos de Avellaneda, Quilmes y Lanús, así como a los vecinos de Parque Leloir por su paciencia y respeto.

“A su amado público que nunca dudó”

El núcleo del emotivo descargo estuvo direccionado, como no podía ser de otra manera, a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado —la banda que custodió su obra solista— y al “pogo más grande del mundo”: sus fieles seguidores.

“Y bueno, a ustedes, a su querido público, a su amado público, que nunca dudó de su respaldo, comportamiento y amor. Que hicieron que su despedida fuera un orgullo y una emoción inconmensurable”, expresó Virginia en el video.

El cierre de la misiva familiar revalida el pacto eterno entre el artista y su gente, una comunión que quedó demostrada en las calles con altares improvisados, banderas y cantos que convirtieron el asfalto en una misa ricotera final. Con este mensaje, Virginia y Bruno Solari sellan el capítulo más doloroso, transformando el luto en una declaración de orgullo colectivo.

Mientras las plataformas aceleran los consumos y los algoritmos nos muestran novedades cada vez más efímeras, la música de raíz continúa construyendo otros tiempos. Buenos Aires tendrá esta semana una agenda atravesada por conciertos íntimos, nuevas canciones, peñas y celebraciones de la memoria colectiva, con artistas que dialogan con la tradición desde perspectivas muy diversas.

Empiezo hoy con Andrés Pilar, porque lo considero uno de los músicos más importantes que tenemos. No solo porque es un brillante compositor y pianista, sino porque recupera, reúne, arregla, produce y forma. Discípulo de Hilda Herrera, fundador y director musical de Don Olimpio, integrante del Trío Patio junto a Juan Quintero y Santiago Segret, y actual director de la Licenciatura en Música Argentina de la Universidad Nacional de San Martín, Pilar construyó una trayectoria impresionante.

Su aporte a la música argentina es múltiple y fundamental. No se podría entender el folklore de los últimos 15 años sin Pilar. Fue también de los primeros que rindió homenaje al Indio Solari tras su partida el viernes pasado. Porque Pilar claramente entiende qué es la música popular y, como el líder de Los Redondos y Atahualpa Yupanqui, va detrás de la máxima que dice que “al pueblo hay que darle lo que se merece, o sea, lo mejor” (cito de memoria). Les dejo por acá su versión de “El pibe de los astilleros”.

Este sábado 13 Pilar ofrecerá uno de esos escasos conciertos de piano solo en el que él definió como “uno de los pianos más lindos de Buenos Aires”. Lo hará en Divo Sound Rec desde las 20. Será un recital sin amplificación ni cables. “El piano, ustedes y yo”. No se lo pierdan.

Acá les dejo su maravilloso disco Danza.

Valen Bonetto: ampliar las fronteras del folklore

Y dentro de las nuevísimas generaciones que están redefiniendo la música de raíz aparece con fuerza la figura del artista travesti (así le gusta que lo definan) Valen Bonetto. El cordobés, que es además uno de los integrantes de Duratierra, presentará hoy su disco Mientras aclara en JJ Circuito Cultural, una obra donde la canción folklórica se cruza con experiencias personales, memorias familiares y una mirada política sobre el presente.

Bonetto forma parte de una camada de músicos que habita el folklore desde identidades y sensibilidades históricamente poco representadas dentro del género. En Mientras aclara, esa búsqueda aparece plasmada en siete canciones de sonoridad austera, donde lo íntimo se vuelve colectivo.

Y, atención, porque la entrada es la gorra. “Entiendo que mi público es uno de los más afectados por las políticas de la derecha”, sostuvo el músico. Para él, generar espacios de encuentro para las disidencias dentro de la música popular constituye también una intervención cultural y política. Lejos de romper con la tradición, su propuesta busca expandirla.

Nadia Larcher y una experiencia ritual

Otra de las citas imperdibles de la semana será la presentación de Trece, la obra conceptual de Nadia Larcher que podrá disfrutarse el sábado 13 en Giuffra 371. La cantante nacida en Andalgalá, Catamarca, como ya lo dijimos en esta columna (y lo repetiremos infinidad de veces) es una de las voces más reconocidas de la renovación del folklore argentino y una artista fundamental para comprender los cruces entre tradición, experimentación y creación contemporánea.

Integrante de proyectos emblemáticos como Don Olimpio (sí, con Andrés Pilar, con el que además grabó el disco Amor y conocimiento), Nadia viene desarrollando desde hace años un trabajo que dialoga con las músicas ancestrales, la oralidad y los territorios culturales del noroeste argentino. En Trece asume además un lugar central como compositora. La obra surge de una reconexión con los ciclos lunares y está construida a partir de trece canciones que representan distintos momentos de un recorrido vital atravesado por la transformación, la muerte y el renacimiento.

Con una puesta minimalista integrada por una guitarra, un círculo de lunas y las canciones como protagonistas, la propuesta invita a una escucha profunda. La propia artista define a Trece como una “obra-ritual”, un trabajo que marca un momento decisivo en su camino creativo y que propone recuperar la conexión con los ciclos naturales en tiempos de aceleración permanente. Y más no se puede contar porque hay que vivir la experiencia en carne propia.

El Indio sigue sonando

La muerte del Indio Solari también dejó su huella en otros músicos del folklore. Me gustó ver cómo iban subiendo temas a sus redes. Micaela Vita cantó una desgarradora versión de “Todo un palo” en el recital de Duratierra en Rosario el mismo viernes 5. Cecilia Zabala grabó junto a su hijo “Juguetes perdidos”; Raly Barrionuevo revisitó “Flight 956”, mientras que Clara Cantore eligió “Bebamos de las copas lindas”. Distintas generaciones y estéticas encontraron en esas canciones un lenguaje común para despedir a una de las figuras más influyentes de la música argentina.

Peñas para encontrarse

Para conjurar tanto dolor, hay que juntarse. Y qué mejor que las peñas, que proliferan cada vez más en esta ciudad y las hay para todos los gustos. El sábado se realizará la Peña La Juana Azurduy en el Espacio Cultural Encuentro San Cristóbal, con las actuaciones de Laura Albarracín, Claudio Sosa y María y Cosecha (¡qué lujo). La propuesta busca recuperar el espíritu de aquellas peñas que marcaron la escena porteña desde comienzos de los años 2000, como La Eulogia, La del Colorado, El Desalmadero o La Paila, lugares donde la música popular encontró ámbitos de creación, intercambio y resistencia cultural.

Ese mismo día, Casa Brandon, el punto de encuentro por excelencia de la cultura queer en Buenos Aires, recibirá la segunda edición de la Rueda de Folklore, una iniciativa que combina danza, canto y participación colectiva. Con una clase inicial a cargo de Alejandra Cernik y una ronda musical coordinada por Pato Molina, Tomi Llancafil y Alina Farah, la propuesta suma como invitados a Yacaré Manso y Tomás Mutio. La consigna es sencilla y potente: volver a reunirse alrededor de las canciones.

La yapa: Tejada Gómez para las nuevas generaciones

La semana dejó una noticia importante para la preservación del patrimonio cultural argentino. El Instituto Nacional de la Música (Inamu) y la Subsecretaría de Cultura de Mendoza presentaron Tonada grande. Obra de Armando Tejada Gómez, un libro que reúne partituras, canciones, testimonios y materiales inéditos dedicados a una de las figuras fundamentales de la poesía y la canción latinoamericana.

La publicación incluye 28 partituras, un cancionero con obras emblemáticas como “Canción con todos”, “Canción de las simples cosas” y “Canción para un niño en la calle”, además de ensayos y textos de artistas e investigadores. Pensado como material de consulta para músicos, docentes y estudiantes, el volumen busca acercar el legado de Tejada Gómez a nuevas generaciones.

Hay textos, testimonios y aportes de Perla Aguirre, Pancho Cabral, Martín Castro, Chacho Echenique, Walter Gazzo, Santiago Giordano, Ramiro González, Ariel Gravano, Víctor Heredia, Julio Lacarra, Silvia Majul, Araceli Matus, Oscar Motta, Teresa Parodi, Gabriel Plaza, Suna Rocha, Damián Sánchez, Daniel Talquenca y Raúl Alberto Vigini, entre otras personas vinculadas a la obra de Tejada Gómez. Se puede descargar gratis acá.

Bueno, hasta aquí llegamos hoy. Gracias por leer. Que disfruten. ¡Hasta dentro de dos semanas!

(*) “Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Un mural de casi 200 metros cuadrados homenajea en una de las esquinas más icónicas de Buenos Aires al músico Charly García, a quien el artista a cargo de la obra, Martín Ron, describe como un “prócer del rock”.

La tradicional disquería y librería Zivals, ubicada en la céntrica esquina de las avenidas Corrientes y Callao de la capital argentina, decidió festejar su 55° aniversario encargando a Ron, reconocido a nivel mundial como muralista y artista de grafiti, una reinterpretación de la tapa del disco 'Clics Modernos', editado por García en 1983 y que incluía una imagen del músico en Nueva York.

Sobre la terraza del local, una enorme pared retrata en pintura de aerosol a García con un notable parecido a la foto original, en blanco y negro, pero incorpora escenas del paisaje de Buenos Aires, en una suerte de traducción del original neoyorquino a un homenaje a la ciudad sudamericana.

“Cuando me acercaron la propuesta fue una alegría enorme porque era una asignatura pendiente pintar a un ídolo del rock que no había pintado, un prócer”, dijo a EFE Ron a los pies de su obra.

El muralista es autor de más de 400 obras en ciudades como Londres, Bristol, Miami, Tenerife y Berlín, además de murales icónicos en Argentina dedicados a Diego Maradona, Lionel Messi y el papa Francisco.

“Yo fui a un grafitero y le dije 'si esto literalmente es una pared de Buenos Aires, necesitamos que esté grafiteada como esa pared de Manhattan, así que hace lo que quieras”, explicó Ron, que incluyó a artistas locales en su obra y que consideró que el mural conecta “al mundo del arte urbano, el mundo musical y el mundo de los libros”.

'Clics Modernos', segundo disco solista de García, ya pertenece al acervo cultural de Argentina por canciones como 'Nos siguen pegando abajo' o 'Los dinosaurios', que decodificaron un estado de ánimo colectivo de la década de 1980, entre el inminente regreso de la democracia tras años de dictadura cívico militar y las cicatrices que aquel período había dejado en la sociedad.

Alfredo Suhring, gerente de Zivals y uno de los impulsores del homenaje, se mostró orgulloso de la obra y comentó a EFE que el mural contó con la aprobación del músico, que asistió en persona: “Charly García estuvo unos días antes (de la inauguración), cuando estaban todavía los andamios, para dar el aval a la obra”.

Fundada en marzo de 1971, Zivals fue una de las primeras tiendas de Argentina en combinar música y libros bajo un mismo techo con la propuesta de ser “especialista en todo”, de acuerdo a sus propietarios, al ofrecer al público un catálogo profundo en rock, tango, folklore, música clásica, jazz y música del mundo.

EFE

Steven Spielberg siempre creyó que no estábamos solos en el universo. Es una obviedad viendo su cine. La primera película que hizo tras reventar la taquilla y cambiar las normas del cine industrial de Hollywood con Tiburón fue Encuentros cercanos del tercer tipo (1977), una obra maestra donde mostraba cómo sería el primer encuentro entre los humanos y los alienígenas. Había en esta primera aproximación una tónica que se repetiría cinco años después con E.T. El extraterrestre (1982): el alienígena no es una amenaza. 

En Encuentros cercanos del tercer tipo la mirada hacia el cielo era casi mesiánica, como si los extraterrestres fueran una deidad que vinieran a explicarnos a nosotros mismos. En E.T. usaba la figura del alienígena para trazar una historia de amistad imposible entre un niño y un alien, alejando la narrativa de la amenaza exterior que llegaba al mundo y lo sometía que había estado habitualmente en películas como El día que la tierra se detuvo o La invasión de los usurpadores de cuerpos. 

Para Spielberg, cuyo cine está siempre atravesado por la emoción, no había que temer lo desconocido. Por eso sorprendió que en 2005 decidiera hacer una versión de La guerra de los mundos, donde por primera vez en su carrera los alienígenas eran el enemigo, el aniquilador. Muchos vieron en esa época en la filmografía del director las consecuencias de los atentados del 11S en su carrera y en acometer proyectos mucho más oscuros. 

Por ello no parece casualidad que el mismo año rodara Múnich, la que es su película más política, la más adulta, la más compleja y en la que por primera vez fue incluso señalado de antisemitismo por la comunidad judía a la que pertenece al, según ellos, equiparar los atentados de los JJOO de Múnich contra los atletas israelíes con los asesinatos en venganza realizados por los agentes secretos de Israel. Parecía que Spielberg había perdido la fe. La fe en Dios. La fe en los alienígenas. La fe en el ser humano. 

Pasaron muchos años. Casi 50 desde Encuentros cercanos del tercer tipo, pero también más de 20 desde La guerra de los mundos. El mundo cambió, Spielberg también, y por ello es tan significativo el lugar que elige para contar su nueva aproximación al universo de los alienígenas en El día de la revelación, su nueva, esperada y maravillosa película. En un mundo al borde de la Tercera Guerra Mundial —en la película por la tensión bélica entre Corea y EE.UU.— Spielberg pide recuperar la fe. La fe en los alienígenas como aliados y no como enemigos, y la fe en el cine como forma de abrir los ojos.

Lo hace convirtiendo su película en una metáfora clara sobre la empatía, sobre acoger al diferente, al extranjero, al refugiado. Si la filmografía de Spielberg suele dividirse entre sus proyectos serios y políticos (La lista de Schindler, Múnich o Lincoln) y los divertimentos que hacen que nos maravillemos como niños ante la pantalla de cine (Parque Jurásico o Indiana Jones), El día de la revelación se sitúa en un punto intermedio, siendo quizás su filme comercial más político hasta la fecha.

Spielberg parte de una historia original suya para contar el intento de unos disidentes de desvelar el secreto que una empresa privada y el Ministerio de Justicia, desde tiempos de Nixon, guardan: no solo la existencia de alienígenas, sino que el ser humano los torturó, utilizó y hasta expolió usando su tecnología y conocimientos. La excusa es que el ser humano no está preparado para aceptar que hay un ser por encima de ellos. Entre otras cosas porque el propio concepto de dios y todas las religiones serían, en ese punto, inservibles. 

El acercamiento de Spielberg a este planteamiento se hace aceptando que el ser humano cambió (las nuevas tecnologías, el cinismo, las redes sociales, las fake news) y que todo ello forma parte del caldo de cultivo donde esta revelación debe llegar. La pregunta es clara, ¿compensa arriesgarse a contar la verdad o es mejor agarrarse a lo conocido para no atreverse a un cambio? En el fondo Spielberg no hace más que plantear un viejo debate entre el progreso y lo conservador, que pretende agarrarse a los valores del pasado para no remover las cosas. 

Lo sorprendente en El día de la revelación es cómo Spielberg se atreve a mezclar el cine de persecuciones con el drama íntimo, los cuentos infantiles (con explícita mención a Hansel y Gretel), el thriller político y hasta el cine de posesiones demoniacas para terminar logrando una película tremendamente humana y emocionante hasta la lágrima gracias a un clímax final perfecto, donde un (falso) material de archivo desvela la capacidad del cine de que empaticemos con el otro. Porque eso es lo que busca el cineasta en un film que concluye pidiendo al espectador un acto que, en estos momentos de gritos, suena hasta revolucionario: escuchar.

Pero ya antes mostró su talento como narrador. Spielberg desvela sus cartas pronto. Comienza El día de la revelación descolocando, poniendo a su personaje principal, un perfecto Josh O’Connor, en lo que en otra película sería su tercer acto: un encuentro para intercambiar el material que sustrajo a cambio de recuperar a su novia. No hay explicaciones previas. Pone al espectador, y a su protagonista, en el disparadero y de ahí para arriba. 

Su historia se intercala con la de una presentadora del tiempo en televisión que un día comienza a hablar de forma fluida ruso y coreano y da un discurso en un idioma desconocido de sonidos guturales en directo delante de miles de espectadores y a la que interpreta una Emily Blunt que ofrece la que es, probablemente, su mejor interpretación hasta la fecha. Tan divertida como magnética.

La unión de sus dos historias llevará a Spielberg a construir set pieces espectaculares (el coche enganchado al tren, el coche que atraviesa paredes o la escena de la invisibilidad), pero también a ir desvelando los temas que subyacen bajo su cáscara de blockbuster: una reflexión sobre la fe, sobre Dios, sobre la ciencia y la empatía, la verdad y, al final, sobre la fe del cineasta en el ser humano en estos momentos. 

También en una defensa del cine de toda la vida, el que él mismo ayudó a construir y Hollywood manoseó hasta pervertirlo. Steven Spielberg nos devuelve la capacidad de maravillarnos en una pantalla grande igual que lo hizo con las películas por las que le colocaron el apodo del rey midas de Hollywood. Cree en un cine grande, espectacular, lleno de imágenes inolvidables pero, sobre todo, con corazón. Ese corazón es el que eleva su film y lo lleva a un lugar que dignifica el cine popular. En una industria llena de IPs y franquicias, él sigue resistiendo. Spielberg es la paradoja andante: el director que dio las herramientas a Hollywood para destrozar el arte, y el mismo que se resiste a que eso ocurra con sus films.

Por ello es hasta coherente que, para lograrlo, recurra a sus colaboradores habituales. Por supuesto a John Williams al frente de una banda sonora que sorprende por su ausencia en las escenas de acción y como gatillo en las íntimas, pero también a Janusz Kaminski a cargo de la fotografía y David Koepp desarrollando una historia del mismo Spielberg. 

Es cierto que el filme se atasca en su parte central en una sucesión de persecuciones que parecen una concesión a la espectacularidad que vende su tráiler (y que se resuelven con algún deus ex machina), pero también es cierto que uno no puede más que sacarse el sombrero ante un cineasta que con casi 80 años sigue encontrando decisiones visuales sorprendentes, como ese primer plano de la película de un pie pisoteando la propia cámara, la transición entre la previsión meteorológica y unos cereales cayendo o un plano para el recuerdo en el que la cara de un ciervo da paso, sin cortes, a la de uno de los extraterrestres.

Spielberg volvió a los alienígenas para, irónicamente, hacernos creer en nosotros mismos y en el poder de contar historias. Y lo hizo con una película frenética, divertida, emotiva y que esconde en su interior una reflexión sobre el mundo actual mucho más adulta que lo que parece a simple vista.

El mundo del espectáculo argentino está de luto ante la reciente muerte de la reconocida actriz argentina María Rosa Fugazot a los 83 años. La noticia fue confirmada en las últimas horas por fuentes policiales.

Su muerte fue constatada durante la noche de este domingo, cuando efectivos de la Comisaría Vecinal 14 A de la Policía de la Ciudad asistieron al edificio ubicado en la calle Güemes al 4700 tras un llamado al 911 por una persona descompensada en el lugar. 

De acuerdo con la información del parte policial, las dos mujeres que acompañaban a la actriz en el departamento franquearon el acceso a los oficiales y a los profesionales de la salud. 

Según el informe de SAME, el deceso de la artista de cine, teatro y televisión fue constatado a las 21:41 del domingo por personal médico que acudió a su domicilio, ubicado en el barrio porteño de Palermo.

En el caso intervienen la Fiscalía Nacional Criminal y Correccional N° 12, a cargo del Dr. Martín Parrando, y la Secretaría del Dr. Leandro Alonso, quienes dispusieron de manera preventiva el inicio de actuaciones bajo la carátula de “averiguación de causales de muerte”.

La trayectoria de la artista que conquistó el cine, la televisión y el teatro

Hija de María Esther Gamas, actriz, cancionista y vedette argentina, y del cantor y actor uruguayo Roberto Fugazot, María Rosa Fugazot nació el 20 de diciembre de 1942 en la provincia de Bs. AS., con el arte corriendo por las venas.

Su debut en el escenario fue a la corta edad de 15 años con una comedia, para luego insertarse en el clásico show de revista. A lo largo de su juventud, se consolidó como una de las grandes vedettes y actrices de la época de oro, compartiendo escenarios en el Teatro Maipo y El Nacional junto a Alberto Olmedo, Jorge Porcel y Juan Carlos Calabró.

Además, fue cantante en la orquesta de Eddie Pequenino, donde acompañó a Frank Sinatra Jr. junto a Tomy Dorsey.

En los años 80 brilló en la TV argentina de la mano de los programas de los hermanos Hugo y Gerardo Sofovich. Con los años, participó en éxitos como “Gerente de familia”, “Durmiendo con mi jefe” junto a Guillermo Francella, “Los Roldán”, “Amas de casa desesperadas”, “Sos mi hombre” y “El Puntero”. 

En 2012 se consagró ganadora del Martín Fierro de Oro, el galardón mayor de la televisión y la radio elegido por APTRA, por su participación en El Puntero. 

En la pantalla grande, participó en películas como “Mi novia el...”, “El rey de los exhortos” y actualmente en “Ningún amor es perfecto”.

De los últimos tiempos, se dio el gusto de acompañar a Luis Brandoni en la serie “Nada”, donde grabó también junto a Robert De Niro. Hasta hace muy poco trabajó en el Teatro Picadilly, en la obra 'Viejas Chorras', comedia que compartía escenario junto a Divina Gloria, Cristina Maresca y Cristina Tejedor. 

A las 6 de la mañana de este lunes, la provincia de Buenos Aires confirmó lo que la lluvia ya había empezado a sugerir horas antes: el velatorio público de Carlos “Indio” Solari había llegado a su fin. La familia tomó la decisión de cerrar una vez que se retiraron los últimos asistentes que quedaban en las inmediaciones del Polideportivo José María Gatica, en el Parque de los Derechos del Trabajador de Villa Domínico, Avellaneda. “Al momento del cierre ya no se registraban personas esperando para ingresar”, informó la provincia. Dieciocho horas después de que se abrieran las puertas —a las 10 de la mañana del domingo, una hora antes de lo previsto por la presión de la multitud— y con las puertas físicamente cerradas desde las 4 de la madrugada, el pogo más largo de la historia ricotera terminó en silencio, bajo la lluvia.

La despedida fue descomunal desde el primer momento. La fila llegó a extenderse casi 8 kilómetros, rozando el límite con la Ciudad de Buenos Aires, con hasta 70 cuadras de cola sobre la avenida Bartolomé Mitre. Fanáticos de todo el país que habían pasado la noche del sábado en la vereda, bajo el frío y el rocío, entraron en orden y en paz al microestadio de 1.300 metros cuadrados donde estaba instalada la capilla ardiente con el cajón cerrado. Banderas de los Redondos, remeras de Oktubre, bombos y canciones acompañaron una vigilia que no tuvo precedentes en la historia del rock argentino.

El cierre lo puso la familia con un comunicado que ya circula como uno de los textos más emotivos que dejará el paso a la inmortalidad del Indio Solari. “Ya está. Todas y todos los que tuvieron la posibilidad de acercarse a despedirlo, lo hicieron. Ahora la lluvia nos manda a todos a casita, a seguir penando por dentro y a recordarlo como era: humano, infinito”, escribieron. Agradecieron a quienes viajaron desde lejos y a quienes lloraron “donde los sorprendió la pena”, y recordaron una frase que el propio Indio había dejado dicha: que las despedidas son “dolores dulces”. “Lo que no nos avisó fue que dolores dulces como estos iban a durar toda nuestra vida”, cerraron.

En el mensaje familiar hay un detalle que condensa todo el universo Solari: antes de morir, el Indio había dejado encendido el equipo Marshall de su guitarra y el equipo de sonido donde escuchaba las canciones en las que trabajaba. La familia lo interpretó como un gesto deliberado, una última instrucción sin palabras. “Pensó en todo antes de irse”, escribieron. “Nos sugirió, así, que la música debía seguir sonando, más allá de lo que ocurriese.” Para alguien que construyó toda su obra sobre la idea de que el arte es más grande que quien lo produce, la imagen del amplificador encendido en el estudio vacío tiene la densidad de una canción de los Redondos. “Que su música no pare nunca más”, cierra el comunicado.

La provincia informó que el municipio quedó trabajando en el predio para restablecer las condiciones de limpieza y normalizar la circulación en la zona. Del otro lado, cientos de miles de ricoteros volvieron a sus casas con lo que se llevan siempre de los shows del Indio: algo difícil de explicar, fácil de sentir. Carlos Alberto Solari murió el viernes 5 de junio a los 77 años, de un ACV, en su casa de Parque Leloir. Dejó encendido algo mucho más que un amplificador.

MC

Miles de seguidores de Carlos 'Indio' Solari llegaron este domingo a Avellaneda para participar de la despedida pública del músico argentino, una ceremonia que congregó filas de más de siete kilómetros y en la que fue definido como “un músico para el pueblo”.

“Fue el único que pudo rebelarse contra todo este sistema y que pudo ser del pueblo. Fue un músico para el pueblo”, afirmó a EFE Nair Farías, una de sus seguidoras, durante la despedida del artista.

Más de siete horas después de la apertura del polideportivo José María Gatica, en la localidad de Buenos Aires, la fila para ingresar superó los siete kilómetros de extensión.

A medida que caía la tarde, miles de personas continuaban concentradas en las calles que rodeaban el predio, donde grupos de amigos y familias enteras compartían canciones, banderas y recuerdos del líder de la banda 'Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota'.

Mientras la fila avanzaba lentamente, bandas tributo interpretaban canciones del repertorio de Los Redonditos y mantenían vivo el clima de la llamada “misa ricotera”, el fenómeno cultural que durante décadas acompañó cada presentación del músico.

La convocatoria reunió además a seguidores llegados desde distintos puntos del país. Entre ellos estaba Karil Alarcón, quien viajó desde la provincia norteña de Salta, a casi 1500 kilómetros de Avellaneda.

“Vinimos porque sabíamos que esta era la última misa de nuestro querido Indio. No podíamos no estar acá. Es inexplicable lo que se siente, el dolor. Me tiembla el cuerpo. No puedo creer. El Indio es infinito”, dijo Alarcón a EFE.

Para Gonzalo Vega, otro de los asistentes, la despedida representaba la continuidad de una comunidad construida alrededor de la obra del cantante.

“Esto es una 'misa ricotera' y siempre va a perdurar. Acá en Argentina no hay otra cosa más grande que esto. Se nos fue el padre del rock, pero nos dejó esta música, la alegría, la unión y la gente. El Indio nunca va a morir”, subrayó Vega.

Martín Faguaga, quien viajó desde la ciudad costera de Mar del Plata -a más de 400 kilómetros -, aseguró a EFE sobre el artista: “Supo abordar un montón de situaciones, le habla al de arriba, le habla al del medio y le habla al de abajo. A los que venimos más de abajo nos enseñó muchas cosas. Vine a decirle gracias”.

Uno de los momentos más emotivos de la jornada fue el ingreso a la capilla ardiente de referentes de organismos de derechos humanos, entre ellos integrantes de H.I.J.O.S., Madres y Abuelas de Plaza de Mayo, que dejaron sobre el féretro tres pañuelos blancos, símbolo de la lucha por la memoria, la verdad y la justicia en Argentina.

La jornada transcurría sin incidentes y bajo un amplio operativo de seguridad y asistencia sanitaria desplegado por las autoridades bonaerenses.

El gobernador de la provincia de Buenos Aires, Axel Kicillof, destacó -en una entrevista con el canal C5N- que la despedida se desarrollaba “en calma” y calificó la convocatoria como “algo muy fuerte”.

La familia del músico había anticipado que la despedida se extendería “hasta que haga falta” para permitir que todos los seguidores pudieran darle el último adiós.

Solari falleció este viernes a los 77 años a causa de un accidente cerebrovascular (ACV) hemorrágico, según determinaron los resultados preliminares de la autopsia.

EFE

El homenaje al Indio Solari, en el Polideportivo Municipal José María Gatica de Villa Domínico, se mantuvo durante todo el domingo hasta la madrugada del lunes, bajo una intensa lluvia. Centenares de milles de fans se hicieron presentes en el predio de Avellaneda para despedir al ídolo.

Las fotos son de Noelia Marcia Guevara.

Un mensaje inédito que el Indio Solari le grabó a Lionel Messi salió a la luz en las últimas horas, tras la muerte del músico, y generó una fuerte conmoción por el pedido final que le dejó al capitán de la Selección argentina antes del Mundial 2026: ir por otra Copa del Mundo.

El audio había sido registrado hace algunas semanas y, según se reveló, nunca llegó a manos de Messi porque el ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota no se animó a mandárselo.

En la grabación, Solari saludó al rosarino con enorme admiración y lo definió como “un tesoro deportivo argentino”, además de destacar la destreza única con la que marcó a varias generaciones de hinchas.

El tramo más emotivo llegó sobre el cierre, cuando el Indio Solari dejó una especie de arenga mundialista para Messi: “¿Qué tal si ganás un campeonato del mundo más?”, una frase que rápidamente se viralizó entre fanáticos del fútbol y seguidores ricoteros.

“Estás para eso, viejo, estás para eso”, agrega. Incluso el audio fue incluido en el homenaje de la Selección argentina al Indio.

La historia del audio fue contada por el periodista Hernán Castillo, quien explicó que el músico lo había grabado entre un mes y un mes y medio antes, pero luego decidió no enviarlo por pudor.

Según relató Castillo, una persona cercana al Indio le había acercado el material con la intención de que llegara al capitán argentino, aunque finalmente el mensaje quedó guardado hasta después de su fallecimiento.

La aparición del audio sumó otro capítulo emotivo al vínculo entre Solari y el fútbol, una relación atravesada por su amor por Boca, su admiración por Juan Román Riquelme y sus elogios públicos a Messi tras la consagración argentina en Qatar 2022.

El mensaje conmovió especialmente por el contexto: Messi se prepara para disputar una nueva Copa del Mundo con la Selección argentina, mientras el país despide a una de las figuras más influyentes de la cultura popular.

Con información de la agencia NA

La muerte del Indio Solari nos afectó a todos. El deporte no fue ajeno a ese dolor y el fútbol en particular realizó y realizará varios homenajes.

Por un lado, la AFA (Asociación del fútbol argentino) despidió con un emotivo mensaje al Indio, quien falleció el viernes a los 77 años: “Una voz que se volvió bandera popular”.

En un comunicado, la AFA subrayó que “la noticia de la muerte del Indio Solari golpea mucho más allá de la música. Su obra acompañó durante décadas a millones de argentinos y encontró en el fútbol uno de sus escenarios más singulares”.

En este contexto, la AFA destacó: “Desde las canchas más humildes hasta los estadios más emblemáticos del país, sus canciones trascendieron recitales y discos para convertirse en parte de la identidad de las tribunas”.

Por otra parte, la AFA reconoció que “pocas veces un artista logró una conexión tan profunda con el universo futbolero. Melodías, frases y estribillos nacidos de su pluma fueron adoptados por hinchadas de todos los colores”.

“Su vínculo con el fútbol nunca dependió de una estrategia ni de una búsqueda deliberada. Fue el resultado natural de una identificación popular construida a lo largo de décadas. Como ocurre con los grandes símbolos culturales argentinos, sus canciones fueron apropiadas por la gente y resignificadas en las tribunas, donde adquirieron una fuerza emocional única”, continuó el comunicado.

Por último, cerró: “El fútbol argentino despide a una figura irrepetible de la cultura nacional. Quedarán sus letras, sus melodías y esa presencia inconfundible que seguirá sonando cada fin de semana en los estadios… El Indio Solari, cuya obra acompañó a tantas generaciones de futboleros, seguirá estando presente cada vez que una tribuna vuelva a cantar”.

Emotivo video de la Selección

Además del comunicado, la cuenta oficial de la Selección compartió en sus redes sociales un video emotivo para despedir al Indio, con un mensaje del propio Solari a Messi que nunca se animó a mandar.

Mientras que Lionel Messi también se expresó con un mensaje en el que escribió: “Siempre en nuestros corazones. QEPD”.

“Estamos dolidos”

El entrenador de la Selección argentina, Lionel Scaloni, también se refirió al fallecimiento del músico y envió sus condolencias a la familia: “Para Argentina es una pérdida importante. Estamos dolidos”, señaló en conferencia de prensa.

Minuto de silencio

Ademàs, la AFA dispuso un minuto de silencio en homenaje a el Indio Solari,, en los partidos del ascenso que se disputen durante este fin de semana.

Al no haber partidos de primera divisiòn, la medida alcanza a los encuentros de la Primera Nacional, la Primera B y la Primera C, según informó la propia AFA a través de un comunicado oficial.

Fanáticos del Indio Solari convocaron a una “misa ricotera” en la Plaza de Mayo para despedir al referente del rock nacional, quien falleció este viernes a los 77 años.

Sin embargo, desde los organismos de seguridad se decidió impedir el ingreso a los Ricoteros y esto generó disturbios. Incluso la policía echó gases a los fans que sólo querían homenajear a su ídolo.

La convocatoria comenzó a difundirse durante la mañana del viernes por medio de grupos de fans y distintas plataformas digitales y cientos de usuarios compartieron una invitación para reunirse en el tradicional espacio público ubicado frente a la Casa Rosada.

Bajo la consigna de homenajear al ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, los organizadores lograron una importante concurrencia de seguidores que comenzaron a acercarse desde horas antes con banderas, remeras y otros símbolos vinculados al universo “ricotero”, y se encontraron con el vallado policial.

Allí comenzaron los incidentes. Luego de un par de horas y ante la masividad de la “misa”, la Policía se replegó.

“Milei perdió la elección”

“Hoy Milei perdió la elección por no abrir el Congreso. Que quede grabado”, afirmó uno de los fans, tras la represión policial, a un canal de televisión.

Palo a la policía: “Pobres tipos”

“No puedo creer lo que vivimos recién en el medio de la despedida del Indio, del dolor... todos esos que estaban con el escudito, crecieron escuchando esto. Pobres tipos”, afirmó otra fan del Indio Solari.

“Vinieron a reprimir”

“Es un duelo, ¿a vos te parece que puedan venir a romper las pelotas y pegarnos? ¿En qué país estamos viviendo? Vinieron en carpa, vinieron a reprimir, tanto miedo le tienen a un duelo nacional, es un duelo. Hay un muchacho con la cabeza rota ahí. Tienen miedo y vienen a reprimir”, disparó otro fan del Indio Solari.

Misa ricotera

Los fans comenzaron a recrear el clima de las históricas “misas ricoteras”, nombre con el que fueron conocidos durante décadas los recitales del artista debido a la masiva convocatoria y al fuerte sentido de pertenencia que caracterizó a sus seguidores.

La muerte de Solari generó una profunda conmoción en el ambiente artístico y entre miles de admiradores que, desde las primeras horas del día, multiplicaron mensajes de despedida y homenajes espontáneos en distintos puntos del país.

Considerado una de las figuras más influyentes de la historia del rock argentino, el músico construyó una relación singular con su público que trascendió generaciones y convirtió a sus conciertos en verdaderos fenómenos culturales de alcance masivo.

Con información de NA

El entorno del Indio Solari confirmó este viernes que la despedida pública del histórico músico finalmente se realizará este domingo 7 de junio. La información fue difundida a través de la cuenta oficial del artista, donde se agradeció el acompañamiento de los fans tras conocerse la noticia de su fallecimiento.

“Finalmente, la despedida al Indio será el domingo 7 de junio, para dar tiempo a la gente que viene de lejos. Mañana sábado confirmaremos el lugar y la hora. Gracias por la paciencia, todo esto es muy difícil”, señalaron desde la cuenta oficial del artista. 

De esta manera, quedó descartada la posibilidad de que el homenaje se realice en la vivienda donde residía el exlíder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Los detalles del velatorio y homenaje público serán comunicados en las próximas horas.

La despedida de Los Fundamentalistas

En tanto, Los Fundamentalistas del Aires Acondicionado, la banda que acompañó al Indio en sus últimos tiempos y que sigue tocando sus temas, anunció: “Estamos en shock. Como todos. No sabemos bien qué hacer. El durísimo golpe nos da en el cuerpo, pero abatidos como estamos, el corazón nos pide juntarnos”.

“Decidimos mantener el concierto de mañana y aunque no estaba en los planes, transmitirlo en vivo para todos. No va a ser fácil, tampoco va a ser el concierto que habíamos pensado, pero juntarnos y estar cerca nos parece lo único medianamente reparador. Te amamos, Indio…” Tocarán en el Predio Ferial de Comodoro Rivadavia, a las 21.

La muerte de Carlos “Indio” Solari generó una inmediata conmoción en el mundo de la música. Apenas conocida la noticia, artistas de distintas generaciones comenzaron a expresar públicamente su dolor y a rendir homenaje a quien fue una de las figuras más trascendentes del rock argentino y uno de los compositores más influyentes de las últimas décadas.

Entre las despedidas más resonantes estuvo la de Fito Páez, quien eligió un extenso texto para reflexionar sobre la dimensión cultural del ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. “Se fue el líder de una de las más importantes tribus argentinas”, escribió el músico rosarino, que comparó la muerte del Indio con la de un cacique cuya partida provoca desconcierto, angustia y un profundo vacío en su comunidad.

Páez recordó además el único encuentro personal que mantuvo con Solari, a fines de 1988 en los camarines de Cemento. Según contó, el Indio se acercó para señalarle, con afecto y precisión, aspectos de una canción que consideraba que había sido interpretada de manera equivocada. “Me aleccionó como un hermano mayor”, escribió. También destacó su magnetismo personal y su enorme carisma antes de concluir: “Se fue uno de nuestro bando: la convulsionada, salvaje y siempre exótica e imprevisible cultura rock”.

Otra de las reacciones que más repercusión generó fue la de Divididos. La banda integrada por Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Catriel Ciavarella eligió una despedida breve pero cargada de simbolismo. A través de una historia publicada en redes sociales compartió una imagen del músico acompañada por una frase que rápidamente se multiplicó entre los seguidores: “Camino al brillo eterno”.

Andrés Ciro Martínez también destacó la importancia de Solari para la historia del rock nacional. “Larga vida al rock, larga vida al Indio”, escribió el cantante, quien además lo definió como “uno de los más grandes poetas que dio el rock nacional”. El ex líder de Los Piojos recordó que fue una de las primeras figuras consagradas en brindar apoyo a su banda cuando daba sus primeros pasos. “Fue el primero de los grandes que a Los Piojos nos tiró una mano”, señaló.

Uno de los textos más personales fue el de Richard Coleman. El músico reconstruyó más de cuatro décadas de admiración y recordó la primera vez que vio actuar al Indio en 1981. “Tu banda era lo que necesitaba ver, tu rock lo que necesitaba escuchar”, escribió en una extensa despedida que repasó discos, recitales y personajes fundamentales de la historia del rock argentino. Hacia el final de su mensaje sintetizó una sensación compartida por muchos seguidores: “No te conocí en persona, no fuiste amigo, no fue necesario. Pero acompañaste mucho tiempo, eso sí”.

El dolor por la muerte del músico también atravesó otros géneros. Teresa Parodi destacó el vínculo único que Solari construyó con su público a lo largo de décadas. “Es triste cuando el pueblo llora, Indio. Pero es tan hermoso cuando el pueblo canta y es lo que seguirá haciendo con vos donde sea que estés. Gracias por la música, buen viaje”, escribió la cantora correntina en una de las despedidas más emotivas de la jornada.

Desde el rock barrial también llegaron homenajes. Los Gardelitos agradecieron “el vuelo” y la profundidad artística del compositor. “Gracias Indio por el vuelo de tu pluma que hoy llegó hasta el cielo para desatar una tormenta perfecta en nuestras almas”, escribieron. La banda destacó además una obra que, según señalaron, supo “penetrar en el hondo bajo fondo de nuestra sociedad y de nuestros locos corazones”.

La cantante Lali Espósito eligió una despedida silenciosa pero significativa. En sus historias de Instagram compartió una fotografía del músico acompañada por la canción “Todo un palo”, uno de los clásicos de Los Redondos. Sin necesidad de agregar palabras, el gesto fue leído como una muestra de admiración hacia una figura que trascendió generaciones y estilos musicales.

También Iván Noble expresó su tristeza por la noticia. “Supongo que algo así fue la muerte de Gardel. Buen viaje, Indio. Muchísimas gracias por las canciones”, escribió el ex líder de Los Caballeros de la Quema.

Las despedidas continuaron multiplicándose a lo largo de toda la jornada. Más allá de las diferencias generacionales, estéticas o musicales, los mensajes coincidieron en un mismo reconocimiento: la magnitud de una obra que transformó para siempre la cultura popular argentina y convirtió al Indio Solari en una de las figuras más influyentes de la historia del rock nacional.

“La noticia más triste, esa que hubiésemos querido no dar nunca, es cierta. Nuestro amado Indio -su cuerpo, su manifestación física- ya no está. No hay forma de expresar nuestro dolor, ni hace falta: es el mismo que sienten ustedes”, comunicó el entorno del Indio al músico en redes sociales, mientras desde temprano en la mañana, la calle Calixto Oyuela al 4300 de Parque Leloir comenzó a llenarse de ricoteros.

Llegaron solos, en pareja, en grupos, con banderas enrolladas bajo el brazo y canciones tarareadas en voz baja. La casa donde el Indio Solari vivió sus últimos años —una propiedad rodeada de jardines y árboles, con su estudio de grabación “Luzbola” en la planta baja— está cercada por efectivos policiales y representantes de la Fiscalía de Ituzaingó desde minutos después de las 9, cuando se confirmó la muerte del artista. Pero eso no detiene a los fanáticos.

El entorno del músico informó que “lo despedirá su familia ahora, en la intimidad que merece” y que por la tarde de este viernes se informará “dónde se realizará la despedida pública”.

“Para que todos y todas los que lo amaron puedan despedirse también. Mientras tanto, lloremos como corresponde, escuchemos sus canciones y, sobre todo, cuidémonos entre nosotros, como él nos enseñó”, cierra el texto.

Entre los que llegaron a acompañar a la familia estuvo Máximo Kirchner. El diputado nacional, que mantenía una relación de amistad cercana con el músico, se acercó a Parque Leloir para estar junto la Negra Poli y el resto del entorno de Solari.

Además de Parque Leloir hay una convocatoria para un homenaje masivo: el llamado a una “misa ricotera” en Plaza de Mayo a partir de las 18. El mensaje es sencillo y directo: “Despedimos al Indio a lo grande. En Plaza de Mayo. 18 hs misa ricotera”. La “misa” es el mismo lenguaje que los ricoteros construyeron durante décadas en los estadios, ahora trasladado a la calle.

La elección de Plaza de Mayo no es casual. El Indio siempre mantuvo una relación tensa y explícita con la política: criticó la condena a Cristina Kirchner en la causa Vialidad, cuestionó el avance del macrismo sobre los derechos sociales, y en 2024 apuntó contra Javier Milei en una entrevista radial, cuestionando su estilo de liderazgo y los intereses detrás de su gobierno. Que sea la plaza donde se gestan las grandes escenas del país para despedirlo dice algo sobre el lugar que ocupó el Indio en el imaginario de varias generaciones.

El Indio Solari, quien murió este viernes a los 77 años, fue una figura pública que nunca evitó la controversia. A lo largo de décadas de entrevistas esporádicas y declaraciones públicas, el ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota construyó un discurso tan admirado como discutido, atravesado por críticas políticas, cuestionamientos al sistema cultural y opiniones tajantes sobre otros músicos.

Una de sus frases más recordadas fue “El lujo es vulgaridad”, parte de la letra de su canción Un poco de amor francés que se convirtió con el tiempo en una consigna generacional contra el consumismo y la ostentación. La sentencia, surgida en los años noventa en pleno auge menemista, terminó sintetizando buena parte del imaginario ricotero.

Sobre el dinero y el éxito, el Indio siempre fue muy claro: “El que le chupa las medias al poder no puede ser un artista. Me jode cuando hablan de que yo tengo dinero. Sí, tengo dinero, porque un artista independiente tiene que poder resistir los embates del poder”.

Si bien mantuvo un perfil bajo a lo largo de su carrera, en los últimos años Solari participó más activamente del debate público y se alineó discursivamente con el kirchnerismo. “Si la pandemia nos tocaba hace dos años moríamos todos. Porque ese es el espíritu de esa gente. Se dicen libertarios y me parece una locura”, manifestó en 2020.

En ese sentido, fue muy crítico de la gestión de Mauricio Macri: “¿Cómo hacés para olvidar que cada vez que vienen a desembarcar afanan todo lo que pueden? Ahora están recorriendo el mundo y nadie les dice que vengan. Espero que pase cuanto antes porque se han robado el país. No es que se llevaron un vueltito. Son fortunas internacionales que no están más acá y dinero que está en el exterior”.

Su admiración por la expresidenta Cristina Fernández de Kirchner nunca fue un secreto. “Tengo un respeto muy grande por Cristina. Como cuadro político es impecable”, afirmó en una entrevista.

Sobre la sociedad y los medios lanzó en una entrevista con Página 12: “Argentina puede ser un lugar que elija el bastión de los blancos, así como lo tienen a Israel en el mundo árabe. Acá también corremos el peligro de ser un bastión del imperio yankee”

La separación de los Redondos, Maradona, Cerati y los Beatles

También generó repercusión cuando descartó cualquier regreso de Los Redondos. “Volver con Los Redondos sería una estafa”, afirmó en una entrevista difundida en redes sociales, apagando una vez más las expectativas de millones de seguidores que soñaban con una reunión histórica de la banda.

El propio Solari también habló públicamente sobre la ruptura de Los Redondos y dejó frases que reavivaron viejas tensiones con Skay Beilinson. “Viví un duelo con el final de la banda”, dijo años después, al recordar el quiebre del grupo más convocante del rock argentino.

En otra entrevista, el Indio también se refirió a otro ídolo popular como Diego Armando Maradona: “Era un tipo que entraba con un Scania al barrio de los cogotudos. Diego era la venganza de los pobres”. 

Otra polémica se produjo por sus opiniones sobre The Beatles y, especialmente, sobre Paul McCartney. En una entrevista comparó el perfil artístico de McCartney con el de John Lennon y calificó parte de la obra del ex beatle como “flan”, una expresión que provocó rechazo entre fanáticos de la banda británica y abrió un intenso debate en medios y redes sociales.

El Indio además echó por tierra esa rivalidad de los Redondos con Soda Stereo, ese River-Boca del rock que fue alimentado por los fans durante décadas, especialmente en los años ochenta. Cuando murió Gustavo Cerati, en 2014, el cantante escribió: “Me has hecho disfrutar de tu dulce voz y de tus espléndidos juegos con las guitarras. Tu etapa solista fue sólida y aventurera y es lo que más me gusta de lo que nos has dejado. Mi aplauso para vos”.

Dueño de una personalidad esquiva y de un discurso cargado de ironía y crítica social, el Indio Solari se mantuvo durante décadas como una de las voces más influyentes y discutidas de la cultura argentina. Sus declaraciones, al igual que sus canciones, quedaron marcadas por la intensidad, la provocación y una permanente desconfianza hacia el poder y la industria.