La actriz argentina Camila Plaate se quedó con el premio a la mejor interpretación de reparto en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián por su trabajo en la película Belén, dirigida y protagonizada por Dolores Fonzi. El film, basado en un hecho real –y narrado en un libro de Ana Correa– cuenta la historia de una joven tucumana que motorizó la lucha por la legalización del aborto.

“Esta película viene a traernos memoria, verdad y justicia. Que sí, se puede, se pudo”, destacó la actriz Dedicarle esta Concha de Plata al movimiento de mujeres tucumanas, argentinas y del mundo, que lograron la liberación de Belén y pusieron cuerpo, alma, en cada lucha por los derechos de las mujeres», señaló Plaate quien recibió el galardón de manos de la actriz y cantante Lali Espósito.

La tucumana Plaate, de 27 años, trabajó en cine, teatro y también desarrolla un proyecto musicial. Tal vez su papel más destacado –antes de Belén– sea el de Felipa, en la serie sobre la vida de Fito Páez, en la que intrepretaba a la encargada de cuidar a Fito cuando era un pequeño de diez años.

Belén es la película seleccionada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Argentina para representar al país en la categoría Mejor Película Internacional de los Oscar de Hollywood. Y también representará al país en los Goya españoles, donde competirá en la categoría de Mejor Largometraje Latinoamericano.

En el certamen recibieron también el premio Otra Mirada, galardón que premia el cine con perspectiva de género, la cinta argentina ‘Las corrientes’, de Milagros Mumenth. En esa misma sección se ha otorgado una mención especial a ‘Belén’, de Dolores Fonzi.

Dentro de Horizontes Latinos el jurado ha otorgado dos menciones especiales a ‘Un cabo suelto’, del uruguayo Daniel Hendler, y ‘Hiedra’, de la ecuatoriana Ana Cristina Barragán.

Con información de agencias

El pase de factura para la insólita cruzada del gobierno de Javier Milei contra el cine argentino no se hizo esperar en la edición número 73º del Festival de San Sebastián. En la ceremonia de inauguración llevada a cabo en el imponente Auditorio Kursaal, Santiago Mitre, Daniel Hendler y la productora Agustina Llambí Campbell resaltaron las características de una crisis inédita: los recursos para producir que asegura una ley que costó mucho trabajo crear y aprobar (y que ha sido tomada como modelo en muchos otros países del mundo) existen. Y la articulación entre productores privados y el Estado venía funcionando muy bien. Pero en su afán por generarse enemigos imaginarios, Milei puso al frente del INCAA a un economista sin ningún contacto previo con el mundo del cine solo para paralizarlo y, lo que es más extravagante aún, jactarse de ello. 

José Luis Rebordinos, el director de este festival donde el cine argentino viene ocupando un lugar muy destacado en los últimos años, advirtió más de una vez sobre la insensatez de esa “política”, si es que se la puede definir de ese modo. En ese sentido, la actitud de Rebordinos ha sido ejemplar: apoyar a una cinematografía con mucha tradición que está siendo despreciada, dándole ese espacio significativo, es de verdad una política activa que valoriza su gestión. 

Consciente del alcance que puede darle a su rol, Rebordinos también habló sobre un tema de agenda internacional sobre el que tiene sentido que se haya pronunciado porque, como él mismo remarcó, un festival de cine de esta magnitud “es un altavoz”: el desastre humanitario que está provocando el salvaje asedio militar del gobierno de Benjamin Netanyahu a Gaza. En San Sebastián el tema está muy presente: hay banderas palestinas colgadas en muchos balcones de los edificios de la ciudad y varios puestos callejeros que recaudan fondos para ayudar a los civiles palestinos, víctimas de una agresión brutal.

En la ceremonia inaugural estuvieron también Pedro y Agustín Almodóvar, la productora española Esther García, homenajeada con justicia por su vasta trayectoria, la famosa actriz francesa Juliette Binoche, que presenta en esta edición su primer largo documental como directora, y el brasileño Walter Salles, premiado por Fipresci, asociación que nuclea a críticos de todo el mundo. 

Terminado el acto, se proyectó 27 noches, película argentina dirigida por Daniel Hendler elegida para la apertura de la competencia oficial por la Concha de Oro, el premio más relevante del festival. El film producido por La Unión de los Ríos (la sociedad que encabezan Mitre y Llambí Campbell) es una adaptación de una novela de la escritora y psicoanalista argentina Natalia Zito basada en el caso real de Natalia Kohen, también escritora, artista plástica y mecenas argentina que en 2005, cuando tenía 88 años y estaba indiscutiblemente lúcida, fue internada en un hospital psiquiátrico con el consentimiento de sus hijas. Sara logró romper ese cerco médico y judicial, vivió hasta los 103 años y sentó jurisprudencia porque logró demostrar que era falso aquello que daba por cierto un certificado médico firmado por un neurólogo que hoy es más conocido por su ingreso al mundo de la política, Facundo Manes.

La película de Hendler aborda el caso desde la comedia, el género en el que se mueve con más pericia este gran actor y director uruguayo. La adaptación que llevó adelante Mariano Llinás al frente de un equipo de guionistas que también integraron Martín Mauregui, Agustina Liendo y el propio Hendler está cargada de humor y melancolía. Y puede leerse perfectamente como un justísimo homenaje a su protagonista, Marilú Marini, una de las actrices más extraordinarias que ha dado la Argentina. Marilú se entrega al juego con mucha sabiduría e ilumina cada escena en la que aparece con un derroche de talento y vitalidad. El plano final de 27 noches simboliza muy bien ese espíritu celebratorio y va a llegar al corazón de todos los espectadores sensibles.

El dilema de las plataformas

En la siguiente jornada, la de un sábado húmedo e inusualmente caluroso para la época en San Sebastián, tuvo lugar la primera exhibición de Limpia, otra película que, igual que la de Hendler, está basada en una novela exitosa y fue producida por Netflix. El dato es importante porque la presencia de las plataformas de streaming en el mundo del cine es cada vez más notoria, con todo lo que eso implica. El aporte económico de estas empresas es muy útil, de eso no hay dudas. Pero también es cierto que la lógica con la que se manejan es determinante. Trabajan para audiencias masivas y confían sin reservas en las fórmulas. Dirigir para una plataforma es un desafío que obliga a los directores a adaptarse a sus exigencias. No es novedoso ni problemático, siempre y cuando existan otras vías de financiamiento que permitan que no veamos siempre la misma película, por decirlo gruesamente. Es ahí donde el rol del financiamiento público juega un rol decisivo. El cine es un lenguaje en constante progreso gracias a la prueba, a la experimentación, más que a las recetas prefabricadas. Y la masividad no debería ser su non plus ultra.

En la presentación de la película, ante una sala llena y muy bien predispuesta por sus sólidos antecedentes como directora, la chilena Dominga Sotomayor citó a un prócer del cine de su país, Raúl Ruiz, quien desarrolló casi toda su carrera en Francia tras exiliarse después del sangriento golpe de Estado del dictador Augusto Pinochet: “Más que una adaptación es una adopción”, explicó la cineasta, que eligió ser más elusiva que el libro en cuanto a la tragedia que narra, planteada en la novela como un dato que lector ya conoce desde el inicio. 

El foco de la historia es la relación entre una niña de una familia de clase acomodada de Santiago y su empleada doméstica, interpretada por María Paz Grandjean, una muy buena actriz chilena que sufrió el violento impacto de un proyectil de Carabineros en el rostro durante las agitadas jornadas del estallido social producido en su país en 2019. Aunque ese hecho no tiene relación directa con el relato de la película, no deja de tener una resonancia especial en el marco de un film que trabaja, entre otros temas, sobre los efectos nocivos de la desigualdad social. 

Sotomayor no cede al binarismo de héroes y villanos. Más bien pinta un contexto general que influye en los comportamientos de los personajes. Todos terminan siendo víctimas de un sistema que oprime a unos e insensibiliza a los otros. Y su personalidad como cineasta aparece muchas veces en la película a través de su innegable talento para la puesta en escena, aunque en algunos pasajes se respire la tensión entre sus convicciones y su estilo y las palpables demandas de una producción que impone reglas para responder al rígido programa de “llegar a todos los públicos” que las plataformas tienen como objetivo central.

El proyecto llegó a la directora de la mano de Fábula, la productora audiovisual más importante de Chile, fundada en 2004 por los hermanos Pablo y Juan de Dios Larraín. Y ella estuvo involucrada en el armado del guión, coescrito por la argentina Gabriela Larralde. “Me convocaron para hacer una película que va a llegar a unos 190 países, con la necesidad de tener un ritmo, de llegar a una audiencia lo más amplia posible, de generar una tensión -nos explicó tras la primera proyección de Limpia en San Sebastián, coronada por un cálido y prolongado aplauso de una sala abarrotada-. Sabía que no era como De jueves a domingo, mi primera película. El encargo fue otro. En ese contexto, es una película que me movilizó internamente y que salió muy bien, dentro de lo que yo siento que soy capaz de hacer. Por eso mismo me sentí libre. Porque sabía a lo que tenía que responder. No intenté hacer mi película más radical. Eso también lo quiero seguir haciendo, pero yo sabía muy bien que esta vez no debía hacer algo tan demandante para el espectador”. 

Lo dicho: el mix entre este tipo de producciones y las obras más personales de los directores que quieran desarrollar su propia voz es quizás el escenario ideal. Una industria que se sostenga gracias a los ingresos de productos más comerciales y que también tenga espacio para propuestas con menos prerrogativas y apuestas más riesgosas. Milei y sus trolls dirían que “quieren hacerse los artistas con la nuestra”, pero lo cierto es que el cine no debería depender solamente de un excel, como su riquísima historia nos enseña.

Asegurarse la mayor diversidad posible es lo que justamente permite que exista una obra tan osada y provocadora como la de Albertina Carri, que llegó a San Sebastián con ¡Caigan las rosas blancas!, de la que se pueden decir muchas cosas pero no que responde a algún mandato. El porno lésbico con su variable sadomasoquista como condimento importante y las fantasías visuales más afiebradas caracterizan a una película que la directora argentina define como “mutante”. Y no le falta razón: Carri hace cine político echando mano tanto a los mensajes explícitos como a los más intrincados. Antes de la proyección, Carolina Alamino, guionista y una de las protagonistas de una historia completamente desmelenada, advirtió que aquello que iba a empezar en breves instantes era un viaje al que había que entregarse sin prejuicios como condición irrenunciable para disfrutarlo. Es un gran acierto del Festival de San Sebastián, cuyo perfil general es bastante más convencional que el de esta coproducción entre Argentina, España y Brasil, haberla incluido en su programación. Un gesto de apertura que merece ser celebrado.   

También tuvo su primera proyección Le Cri des Gardes, nuevo film de Claire Denis que forma parte de la competencia oficial. No es la película más elogiada por la crítica de esta muy buena directora francesa que cumplió en abril pasado 79 años porque no está entre las mejores de su carrera, que incluye films muy valorados como Beau Travail (1999), L'Intrus (2004), High Life (2018) y White Material (2009), esta última ambientada en África y dedicada, igual que Le Cri des Gardes, a explorar los persistentes ecos del colonialismo europeo en ese continente.

También es cierto que la película conserva cierta rémora teatral relacionada con su origen (está inspirada en Combat de nègre et de chiens, una exitosa pieza del dramaturgo francés Bernard-Marie Koltès, fallecido en 1989). Pero Denis es una directora muy sólida y consigue crear más de un momento inquietante apoyado en muy buenas performances de un actor fabuloso como Matt Dillon, dos jóvenes talentos ingleses, Tom Blyth (famoso por Los juegos del hambre: la balada de pájaros cantores y serpientes) y Mia McKenna-Bruce (la misma que ha brillado en Cómo tener sexo) y el marfileño Isaach de Bankolé (Black Panther). Le Cri des Gardes es una película con desniveles, sí, pero por momentos hace sentir en la piel su aspereza y nos recuerda la deuda pendiente con un continente al que se le ha prestado atención casi siempre para instrumentar algún tipo de saqueo.  

AL/MG

Las últimas películas del cineasta suizo Edward Berger, director de Cónclave, la francesa Claire Denis, premio Fipresci por High Life, y de la argentina Dolores Fonzi competirán por la Concha de Oro en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, entre el 19 y el 27 de septiembre.

Hace unas semanas se anunció que otra argentina, Milagros Mumenthaler, competirá con Las corrientes.

El certamen español dio a conocer este martes, en un comunicado, siete nuevos títulos que integrarán la Sección Oficial a concurso. Además de los citados cineastas, concurrirán en San Sebastián los últimos trabajos del belga Joachim Lafosse, el esloveno Olmo Omerzu, el chino Xiaoyu Qin y el estadounidense James Vanderblit.

Además, la Sección Oficial contará con las proyecciones especiales, fuera de concurso, del debut como directora de la actriz Juliette Binoche y la última película de Junji Sakamoto.

El drama de “Belén”

A la competición se suma Belén, un drama dirigido por la actriz, guionista y directora argentina Dolores Fonzi que aborda la lucha por la libertad de una joven encarcelada tras un aborto espontáneo en Argentina, inspirada en un caso que conmocionó al país suramericano y provocó un debate sobre los derechos de la mujer y sobre el que escribió un libro Ana Correa (Somos Belén).

El tráiler de la película se presentó este martes poco después de conocerse que competiría en San Sebastián.

Se medirá con Berger, que logró cuatro premios Oscar en 2022 con Sin novedad en el frente, tras la que dirigió la exitosa Cónclave, con la que compitió el año pasado en San Sebastián y que también fue merecedora de un premio de la Academia de Hollywood, en concreto el de mejor guion adaptado.

Vuelve un año después a San Sebastián con su nueva película Ballad of a Small Player, protagonizada por Colin Farrell en el papel de un jugador empedernido y con Fala Chen, Tilda Swinton y Alex Jennings en el reparto.

También competirá por segunda vez por la Concha de Oro la francesa Claire Denis, quien presenta la película Le Cris des Gardes, una adaptación de la obra de Bernand-Marie Koltès Combat de négre et de chiens.

Además de obtener con anteriores trabajos premios como el del Jurado de Cannes o el Oso de Plata en Berlín, Denis presidió el jurado oficial del Festival de San Sebastián en 2023.

Tras debutar en 2015 con La verdad, el estadounidense James Vanderblit concursa en San Sebastián con su segundo filme Nuremberg, en el que Rami Malek encarga al psiquiatra que estudió a 22 nazis en vísperas de los juicios contra los crímenes del nazismo, con Russell Crowe interpretando a Hermann Göring.

Además, el belga Joachim Lafosse, quien obtuvo la Concha de Plata en Donostia por Los caballeros blancos en 2015, presenta Six jour ce printemps-là, mientras que el esloveno Olmo Omerzu se estrena en San Sebastián con Ungrateful Beings.

Por último, el chino Xiaoyu Qin concursará en la Sección Oficial con su primera obra de ficción Jianyu Laide Mama, que recrea la historia verídica de una mujer que se reencuentra con su hijo de diez años después de pasar una década encarcelada por matar a su marido.

Primera película de Binoche

Estas siete películas se suman a los títulos a concurso ya anunciados anteriormente por el festival, firmados por Arnaud Desplechin, José Mari Goenaga y Aitor Arregi, José Luis Guerín, Agnieszka Holland, Milagros Mumenthaler, Alberto Rodríguez, Alauda Ruiz de Azúa, Yutaro Seki y Kentaro Hirase y Alice Winocour.

Además, el Zinemaldia ha anunciado hoy dos películas que integrarán también la Sección Oficial, pero fuera de concurso.

Se trata del primer largometraje de la actriz francesa Juliette Binoche, In-I Motion, una película sobre su experiencia en el espectáculo híbrido de danza y teatro que desarrolló en 2009 junto con el bailarín y coreógrafo Akram Khan.

También fuera de competición de exhibirá Tappen no mukou ni anata ga iru, una película en la que el japonés Junji Sakamoto relata la historia de Junko Tabei, la primera mujer que alcanzó la cima del Everest.

Con información de la agencia EFE

Pocos festivales en el mundo le dedican desde siempre tanto espacio al cine argentino como el de San Sebastián, pero lo de este año ha sido inédito no solo en cantidad de películas seleccionadas en las diversas competencias (16), films en distintas etapas de desarrollo dentro de los apartados de industria (10) e invitaciones (a cargo de o gestionadas por la propia organización) sino también en la visibilización de su crisis. Por eso, le ha dedicado buena parte de la jornada de este martes 24 a difundir la situación y a manifestar de forma institucional su apoyo incondicional a la industria audiovisual nacional.

La elección del día no ha sido casual. Hoy se proyectó en el Kursaal 1, la sala más importante de la imponente sede del festival, “El hombre que amaba los platos voladores”, película de Diego Lerman con Leonardo Sbaraglia como el periodista sensacionalista José de Zer (aquel que rompía récords de rating en el noticiero Nuevediario con sus “investigaciones” sobre presencias extraterrestres en el cerro Uritorco) que compite por la Concha de Oro de la sección oficial; y también hoy se exhibió “Traslados”, el documental de Nicolás Gil Lavedra sobre los denominados Vuelos de la Muerte que el festival eligió como parte de esta movida política.

Lerman y Sbaraglia se presentaron por la mañana en la conferencia de prensa junto al resto del equipo de “El hombre que amaba los platos voladores” y no ahorraron críticas contra la política cinematográfica, cultural y general del gobierno de Javier Milei.

“Tenemos un cine del cual nuestros gobernantes y el presidente Milei deberían sentirse orgullosos, películas diversas elogiadas en todo el mundo, una industria que funciona, que da trabajo a miles de familia, pero la voluntad política esta siendo ciega, no hay apuesta al diálogo. Se ha generado un escenario de conflicto que nosotros no iniciamos. Duele ver cómo destruyen una industria”, opinó Sbaraglia.

Por su parte, Lerman, director de “Tan de repente”, “Mientras tanto”, “La mirada invisible”, “Refugiado”, “Una especie de familia” y “El suplente”, agregó que la situación del cine argentino es de “incertidumbre total, parálisis, tristeza e impotencia. Somos una generación que creció con la Ley del Cine y duele ver este ataque sistemático y violento”.

Luego fue el turno de un acto en las escalinatas de acceso al Kursaal 1 en el que la comunidad cinematográfica internacional acompañó a la delegación argentina, que incluyó a representantes de todas las películas presentes en esta edición, para una foto grupal. José Luis Rebordinos, director de la muestra, leyó una declaración oficial del equipo que lidera y cuya frase final es toda una declaración de principios: “Hoy, el Festival de Cine de San Sebastián como manifestación cultural que es, no puede permanecer al margen del desmantelamiento de una cinematografía que es de las más importantes de América Latina por parte de un gobierno que, además, justifica a una dictadura militar que asesinó a miles de ciudadanos ¡Aguante el cine argentino!”.

Luego de la lectura del texto también en euskera e inglés (aquí se manejan los tres idiomas de manera igualitaria), fue el turno de la directora y dramaturga Lola Arias, la actriz y cineasta María Alché y la intérprete Maricel Alvarez, quienes leyeron un duro comunicado de los artistas argentinos: “En la próxima edición de San Sebastián no habrá 26 películas. Probablemente haya 5, 2, ninguna. Imaginemos lo que eso significa en los cines de la Argentina, sin películas nacionales que proyectar, en las que nuestro público pueda verse, pensarse. Al igual que la ciencia, la universidad pública, los jubilados, el cine es una moneda de cambio más en una guerra cultural que a nadie beneficia y que no aporta nada a la nación. Más bien parece una cortina de humo para distraer a la sociedad en una economía donde día a día se hace más difícil acceder a las cosas más elementales, generando hambre, ignorancia y odio. Esto es parte de la agenda de un gobierno ultraliberal que intenta promocionar como libertad la destrucción de nuestra memoria y nuestra soberanía cultural”.

Luego del acto y de un cóctel para la delegación argentina organizado por el festival, elDiarioAr conversó con Diego Lerman en una entrevista realizada en el histórico hotel María Cristina de esta ciudad minutos antes de la función de gala de su flamante película. “El hombre que amaba los platos voladores no se podría hacer en el actual contexto. En ese sentido, el financiamiento por parte de Netflix fue la clave para un proyecto de esta envergadura con un extenso rodaje en pueblos de San Luis o en desiertos de Mendoza, con una minuciosa reconstrucción de época, mediados de los años '80, o con un soundtrack que incluye temas de Charly García y Sumo. No sé de qué manera, con las plataformas de streaming o de forma totalmente autogestiva e independiente mientras el INCAA siga paralizado, pero seguiremos haciendo cine. Si atravesamos y superamos la crisis de 2001 no tengo dudas de que vamos a resistir esta”, concluyó.

DB/JJD

El director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, se mostró hoy muy crítico con las políticas del presidente Javier Milei, que están “destruyendo la cultura y acabando con el cine argentino”.

Rebordinos presentó un avance de la programación de la 72 edición del festival de cine que se celebra en San Sebastián, en el norte de España, que tendrá lugar del 20 al 28 de septiembre y en el que habrá una fuerte presencia el cine latinoamericano.

Este viernes anunció tres películas latinoamericanas coproducidas con España -una de Chile y dos de Argentina- y pronto se conocerán todos los filmes que participan en Horizontes Latinos, la sección del festival dedicada al cine de esa región.

Este año seguirá habiendo una fuerte presencia del cine argentino en el festival, tónica habitual cada edición, pero Rebordinos está convencido de que no será así el año próximo.

“El año pasado, en esta época, había un montón de producciones argentinas en marcha. Este año no hay casi ninguna y el poco cine argentino que puede sobrevivir es el que pagan las plataformas”, lamentó el responsable del certamen.

“Sinceramente, la política del Gobierno no puede ser más nefasta para la cultura en general y para el cine en particular. Este año todavía, insisto, habrá una gran presencia de cine argentino porque son las películas que se han acabado a finales del año pasado o a principios”, pero eso no será así en 2025.

Porque, “obviamente, la política del Gobierno Milei es una política de ir destruyendo la cultura y al cine argentino, está realmente acabando con él”.

En el avance de la programación presentada hoy están incluidas La llegada del hijo, de las argentinas Cecilia Atán y Valeria Pivato, que se presentará en New Directors.

Dos realizadoras que ya compitieron en Horizontes Latinos con La novia del desierto en 2017 y que ahora llegan con un filme sobre el reencuentro de una madre con su hijo tras su salida de prisión, protagonizada por Maricel Álvarez, Angelo Mutti Spinetta, Cristina Banegas y Greta Fernández.

En Horizontes Latinos competirá Los domingos mueren más personas, del argentino Iair Said, que también protagoniza esta película sobre la peripecia vital de un joven judío de clase media que vuelve de Europa a Buenos Aires por el fallecimiento de su tío.

Así como Quizás es cierto lo que dicen de nosotras, de los chilenos Sofía Paloma Gómez y Camilo Becerra, que cuenta la historia de una exitosa psiquiatra que recibe la visita de su hija mayor, quien estuvo aislada en una secta por mucho tiempo.

Y en El llanto, filme de la competición oficial dirigido por Pilar Palomero, también hay presencia latina, en la coproducción con Argentina y en el elenco, formado por la española Ester Expósito, la francesa Mathilde Ollivier y la argentina Malena Villa.

Un documental de toros, el debut de C.Tangana y coproducciones latinas

Dos documentales españoles, uno de Albert Serra sobre toros, Tardes de soledad, y el debut de C.Tangana en la dirección, La guitarra flamenca de Yerai Cortés, junto con varias coproducciones latinoamericanas, son algunas de las cintas anunciadas como avance de la programación del Festival de San Sebastián.

Tardes de soledad es el título del trabajo de Serra, centrado en la liturgia taurina a través de las figuras del peruano Andrés Roca Rey y el español Pablo Aguado, que competirá en la sección oficial, mientras que la ópera prima del cantante C.Tangana se proyectará en la sección New Directors.

Junto al documental de Serra estarán en la competición oficial Los destellos, de Pilar Palomero, con Antonio de la Torre y Patricia López Arnáiz; Soy Nevenka, de Iciar Bollain, la historia real de Nevenka Fernández, una concejala de un ayuntamiento español que denunció el acoso del alcalde, y El llanto, ópera prima de Pedro Martín Calero.

En New Directors, además del filme de Tangana, que abrirá la sección, se proyectará el nuevo trabajo del español David Pérez Sañudo Los últimos románticos y Por donde pasa el silencio, de la también española Sandra Romero.

Y en sección oficial, pero sin competir, se podrá ver La virgen roja, de la española Paula Ortiz, con Nawja Nimri y Alba Planas, que cuenta la historia real de Hildegart Rodríguez, una de las primeras feministas de España en los años 30.

También las series Yo, adicto, adaptación de la novela homónima de Javier Giner, y Querer, de Alauda Ruiz de Azúa. Asimismo, se proyectará Celeste, con Carmen Machi como una inspectora de la Agencia Tributaria que tiene que demostrar el fraude de una estrella de la música, una historia similar al caso real que afectó a la cantante colombiana Shakira en España.

CRM con información de la agencia EFE

El Festival de San Sebastián anunció, antes que en ocasiones anteriores, la primera película de su Sección Oficial. Se trata, además, de una de las más esperadas del año, la revisión del clásico erótico Emmanuelle, que dirige Audrey Diwan. Se esperaba que el filme estuviera en la selección de un Cannes que comienza la semana que viene, pero ha sido el Zinemaldia quien se ha anotado el tanto de esta nueva mirada que cuenta con el guión de Diwan y Rebecca Zlotowski.

La película sigue los pasos de una mujer que busca un placer perdido y que en un viaje de negocios a Hong Kong tiene numerosos encuentros, incluido uno con Kei, un hombre que la elude constantemente. La película se inspira en el personaje y el mundo creados por la escritora Emmanuelle Arsan y ha sido concebida por Audrey Diwan como una exploración del placer en la era post Me Too.

La actriz y directora Noémie Merlant (Retrato de una mujer en llamas, Un año, una noche) interpreta al personaje principal del filme acompañada de Naomi Watts (Mulholland Drive, 21 gramos, Lo imposible…), Will Sharpe (The White Lotus), Jamie Campbell Bower (Stranger Things), Chacha Huang y Anthony Wong.

El debut de Audrey Diwan, Losing It (2019), fue protagonizado por Pio Marmaï y Cécile Sallette, pero fue con su segunda película, El acontecimiento, con la que alcanzó la cima del cine europeo al ganar el León de Oro en Venecia con esta adaptación del libro de Annie Ernaux sobre su aborto ilegal en los años 60. En 2021, Diwan formó parte del Jurado de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.

Los largometrajes argentinos Puan, El castillo y El auge del humano 3 ganaron los premios a mejor guion, Horizontes y Zabaltegi-Tabakalera, respectivamente, en la 71ª edición del Festival Internacional de Cine San Sebastián, que tuvo como ganador de la Concha de Oro al filme O Corno, de Jaione Camborda, la primera española en conquistar esa mención.

La película ganadora gira en torno a un filme sobre una abortera obligada a huir en la Galicia rural del tardofranquismo y está hablada en gallego, otra novedad en el palmarés.

El galardón al mejor guion se lo llevaron María Alché y Benjamín Naishtat por Puan, cinta dirigida por ambos que le valió también una estatuilla al mejor protagónico a Marcelo Subiotto.

Los directores y guionistas dedicaron su trabajo a la educación pública de la que habla en tono de humor su película, que fue una de las favoritas de la crítica.

El Premio Horizontes fue para el documental El castillo, primer largometraje en solitario de Martín Benchimol, y el Zabaltegi-Tabakalera a El auge del humano 3, de Eduardo Williams, mientras que El juicio, de Ulises de la Orden, tuvo una mención especial.

Además, el jurado oficial decidió otorgar la Concha de Plata a la mejor dirección a Tzu-Hui Peng y a Ping-Wen Wang por A Journey in Spring (Taiwán). La estrella azul (España-Argentina), de Javier Macipe, se llevó el Premio TCM de la Juventud.

Por cuarto año consecutivo, la Concha de Oro fue conquistada por una mujer, en este caso la española Camborda, que consigue el máximo galardón de la Sección Oficial.

El jurado oficial estuvo presidido por la cineasta Claire Denis y completado por la actriz Fan Bingbing, la productora Cristina Gallego, la fotógrafa Brigitte Lacombe, el productor Robert Lantos, la actriz Vicky Luengo y el director Christian Petzold.

El Premio del Público a la Mejor película europea tuvo como ganador a Yo, capitán, con la que Matteo Garrone ganó en Venecia el León de Plata al mejor director.

CRM con información de agencias

A quien C. Tangana no le caiga bien, el Festival de San Sebastián le dio un puñado nuevo de motivos para odiarlo más. Quien adore ese toque altanero con el que viste su genio también se reafirmará en su opinión. Ese es el resultado del documental sobre el artista que proyectó el Festival de San Sebastián. Esta ambición desmedida no quiere desmontar el mito distante y polarizador, tampoco agrandarlo. Tangana, o Pucho, como lo llaman sus amigos, es una persona contradictoria, poliédrica y compleja, y como tal se lo presenta en el trabajo que dirigió parte de su equipo más cercano, Cris Trenas, Santos Bacana y Rogelio González. 

La frase promocional del filme deja muy claro el foco en el que decidieron centrarse los creadores. “Esto no es un documental, es una tragedia”, reza el eslogan.

Esa tragedia es la gira Sin cantar ni afinar, que desde afuera se vio como un éxito indiscutible, pero desde adentro se vivió con el agua al cuello, como una máquina de quemar muchos euros e ingresar pocos. Que la palabra ambición esté en el título del filme no es ninguna casualidad. Esa tragedia viene provocada por la ambición de C. Tangana, siempre pensando en crear algo nuevo, algo que cambie todo. La gira debía hacer historia, y la hizo, aunque por el camino estuvo a punto de dejarlos a todos en bancarrota y sin amigos. De hecho, el propio documental nace como forma de recaudar dinero ante la eminente tragedia.

C. Tangana termina, sin quererlo, desnudándose ante la pantalla. Desnudando su proceso creativo para llegar a El madrileño, desnudando sus contradicciones (un creador inconformista hasta lo enfermizo pero que luego se despendola con su troupe) y hasta desnudando su cuerpo en la intimidad de tantas y tantas habitaciones de hotel. No hay hagiografía porque no lo necesita, porque sabe que parte de su encanto es esa altivez, ese decir lo que piensa… o que al menos lo parezca, porque como deja claro este trabajo, él y su equipo no dan puntada sin hilo. Controlan cada decisión y cada paso. Quizás quien mejor le defina sea su madre, sin tapujos y uno de los mejores testimonios del filme. 

Creatividad vs producción

Para sus directores lo que muestra este trabajo es “el conflicto entre la creatividad y la producción”. “Tú siempre vas a querer ir más y más allá, y un personaje como Pucho lo acentúa muchísimo”, dice Santos Bacana, parte del trío detrás del filme y de la productora Little Spain. Su compañera Cris Tenas usa una frase para describir a Tangana: “Es una persona que consigue que los noes se conviertan en síes. Y es verdad que él empuja tanto que todo lo que a priori no se puede hacer o no es factible o no va a ser rentable, hace que se consiga. Está siempre esa fricción entre dinero y creatividad”.

El documental hace mucho hincapié en ese equilibrio imposible entre el arte y la industria, con esa gira caótica que era una máquina de perder dinero sin saber cómo parar la sangría. Prometen que aunque no se hubiera reconfigurado la situación hubieran lanzado el documental. “Cuanta más ruina, mejor”, dice en broma el tercero en discordia, Rogelio González.

Él te hace sentirte capaz de hacer cosas que a priori no hubieras pensado que podrías hacer. Te empuja a un límite que es muy gratificante

Cris Trenas — Directora de 'Esta ambición desmedida'

Hubo un momento en el que vieron que todo iba bien y se quedaron tranquilos. Fue cuando se vendieron todas las entradas para Latinoamérica. “Creo que se tranquilizaron cuando vieron que iban a hacer una segunda gira en Latinoamérica más”, opina Trenas. Los tres son socios de Tangana y amigos, y ahí viene otra fricción, la de separar lo personal de lo laboral. Para llevarlo lo mejor posible hace falta “mucha gestión emocional”. “Al final siempre hay una parte de ego, una parte de lo que a ti te apetecería creativamente... pero también está el fondo de que somos muy amigos y que no queremos perder eso, y que sabemos que es antagónico una relación de amistad con una relación empresarial. Por eso mucha parte de nuestro curro se trata de gestionar, intentar mejorar nuestra comunicación y entendernos, y con Pucho igual. Además súmale a eso la variable de que él es un rockstar”, dice Cris Trenas.

¿Pucho o Tangana?

Lo de la ambición es ya casi un lema de todo lo que hace C. Tangana y de lo que hace Little Spain. “Al haber entrado Pucho como parte de nuestro equipo también nos ha empapado un poco con ese motor que es suyo. Con un lema que es que nada se te queda grande”, explican. Son conscientes de que esa ambición puede ser peligrosa. “A veces lo pienso, yo por lo menos. Yo me conformaría con ser un pequeño indie”, apunta Bacana.

Cris Trenas cree que la ambición “es contagiosa”. “Yo antes era una persona bastante tranquila, pero estar tan cerca de él te hace decir, 'ostras, pero si esto es posible, esto se puede conseguir'. Y luego también se ve en la gente que trabaja con él. Él te hace sentir capaz de hacer cosas que a priori no hubieras pensado que podrías hacer. Te empuja a un límite que es muy gratificante en el sentido de que haces cosas que no pensabas que harías y por otro lado tiene un componente de saber que estás abandonando una vida plácida”, añade.

Esta ambición desmedida quiere mostrar qué hay detrás de la máscara de C. Tangana. Mostrar a Pucho, o a Antón Álvarez, como realmente se llama. Pero uno nunca sabe si esa transparencia, ese mostrarse yendo con un amigo a buscar unos chorizos, es verdad o una capa más de su creación artística.

Para Santos Bacana el documental “sí que arroja luz, porque Pucho siempre ha sido muy celoso de su imagen y de su vida personal y aquí sí que se muestran muy de cerca momentos que la gente, sobre todo los fans, no se esperan”. “No saben que él es así, pero entiendo que también pueda arrojar misterio, porque sigue siendo alguien enigmático”. Esa pregunta, si el personaje y la persona se han fusionado, se la hicieron al propio C. Tangana. ¿Su respuesta? Que la cuestión “ya no tiene sentido, porque no hay tal distinción entre personaje y persona, porque todo es lo mismo al final”. Antón, Pucho o Tangana. Sea quien sea el que apareció en San Sebastián volvió a demostrar su capacidad para convertirse en un agujero negro que se comió toda la atención de San Sebastián.

El cine y el periodismo cinematográfico están lleno de lugares comunes. Películas necesarias, obras maestras cada semana, la comedia francesa del año… en ese vicio del lenguaje las palabras terminaron vaciándose de significado, y eso provocó que cuando hay que usarlas parece que se queden cortas. Como ocurre con el término ‘maestro’ .

Y en esas llega el Festival de San Sebastián y programa como película de inauguración El chico y la garza, la nueva obra de Hayao Miyazaki, y referirse al director japonés y no usar la palabra 'maestro' resulta casi imposible. Porque lo es. Porque pocos directores tan influyentes, tan únicos e irrepetibles. Pocos con un sello tan característico, con un universo propio tan rico y amplio y con tantas películas grabadas para siempre en el imaginario cinéfilo.

La princesa Mononoke, Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro… eso por citar unas cuantas, porque la lista es interminable. A Miyazaki (y su Studio Ghibli), cuyo nombre está al lado del de Walt Disney en importancia en la animación, el festival le debía un homenaje como es debido y, aunque sea de cuerpo ausente (su avanzada edad le impide viajar), el Premio Donostia hace justicia a una filmografía impecable de las que se estudiarán en las escuelas.

La que se vendió como su última película, aunque ahora él mismo reconoce que trabaja en una nueva, es un precioso compendio de sus obsesiones y de sus señas de identidad. Una historia en donde el realismo y la magia se funden para producir una fábula humanista de una belleza aplastante. El chico y la garza sitúa su acción en la sombra de la Segunda Guerra Mundial, cuando un adolescente se traslada al campo con su padre tras perder a su madre en un incendio en Tokio. Allí descubre una misteriosa torre que dicen que construyó su tío abuelo y que es la puerta a, cómo no, un mundo mágico.

Hay en El chico y la garza mucho del propio Miyazaki, nacido en 1941 y heredero de las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial en Japón. El padre del director, como el del niño de la película, trabajó en una fábrica de aviones durante la Segunda Guerra Mundial. También vuelve a estar la madre ausente, una pérdida que se convierte en motor de una película que funciona como cuento sobre el duelo.

La parte realista de la película pronto deja paso al mundo fantástico que siempre despliega Miyazaki. Lo hace cuando una misteriosa garza tiente al niño con adentrarse en la misteriosa torre de su tío abuelo. Una vez lo haga, acompañada de una de las criadas de la casa de campo donde vive tras abandonar la ciudad ―personaje que funciona como el clásico sidekick o secundario que aporta dosis de humor a la trama en las películas de animación―, entrará en una realidad paralela donde las líneas temporales se funden.

De alguna forma, El chico y la garza hace un buen díptico con Petite Maman, la maravillosa película de Céline Sciamma, en cuanto a personal y original filme de viajes en el tiempo con la figura materna como centro gravitacional; y por supuesto entronca con todo el cine de Miyazaki. A sus 82 años, sigue demostrando una imaginación desbordante que consigue sorprender en cada plano. Lo hace desde la aparición de ese misterioso señor garza, pasando por momentos desternillantes como el ejército de periquitos asesinos; y llegando a cimas como la aparición de Himi y su fuego salvador.

El chico y la garza es una película de aventuras ―incluso de piratas―, un cuento fantástico y una emotiva historia sobre la pérdida que hará llorar. Pero la moraleja final de esta fábula es una mirada optimista hacia el ser humano. Miyazaki compuso una película humanista y un canto antibelicista. El protagonista tendrá que elegir entre la eternidad o regresar a un mundo que se destroza a sí mismo y donde la pérdida es parte intrínseca de la vida. Ahí vuelve a entrar en juego el contexto histórico, tan importante para esta historia que se siente tan personal del propio director. Miyazaki nació con una guerra y estrena la que puede ser su última película en medio de otra, y le dice al mundo gracias a su animación que hay que tener fe en el ser humano aunque muchas veces no se lo merezca. 

Es una película más críptica y simbólica que algunos de los éxitos más populares de Ghibli, pero es imposible no caer rendido ante la capacidad de este maestro de seguir emocionando, interpelándonos y regalándonos mundos nuevos donde le vemos a él y donde nos reflejamos el resto. La paleta de colores de Miyazaki vuelve a lucir en una prodigiosa animación que, en un momento donde se debate sobre la Inteligencia Artificial y su capacidad para suplantar la obra humana, demuestra que ningún robot podría nunca imaginar y pintar una película como El chico y la garza.

Los protagonistas de Los reyes del mundo nunca habían visto el mar. No sólo es que no hubieran tomado un avión en su vida, es que ni siquiera habían salido de Medellín. Su llegada al Festival de San Sebastián fue un torbellino. Llegaron para presentar la película en una aventura que terminó con una merecida Concha de Oro. Gana una de las grandes obras de una sección oficial más que notable y lo hace la tercera mujer consecutiva, Laura Mora. Para seguir con los datos, es la primera vez que una película colombiana lo logra.

La joven Renata Lerman, hija del realizador Diego Lerman, ganó el galardón a la mejor actriz de reparto por su pequeño papel en El suplente, dirigida por su padre. Un premio que deja clara la intención del jurado de apostar por las nuevas generaciones.

En tanto, La película “Argentina, 1985”, dirigida por Santiago Mitre con Ricardo Darín como el fiscal Julio César Strassera y Peter Lanzani en el papel de Luis Moreno Ocampo, ganó el Premio del Público en el Festival de San Sebastián que este sábado concluyó su 70° edición.

Tiene sentido que San Sebastián premie a una directora que ellos mismos descubrieron hace años con Matar a Jesús y que se consagró con este filme donde narra, de nuevo, la violencia de su país. Lo hace saliéndose de convencionalismos y tópicos y aportando una mirada poética que alterna lo bello y lo rabioso. Los reyes del mundo es casi un estado mental. Mora retrata la vida de estos niños perdidos en una visión salvaje de Peter Pan en la que unos pandilleros de Medellín viajan a la selva para pedir unas tierras heredadas por uno de ellos al morir su abuela, víctima de los desplazamientos forzosos por la guerrilla. Es una película atravesada por la historia de Colombia, por su violencia, su brutalidad, pero en la que la mirada de Mora se eleva para lograr escenas que ponen la piel de gallina. 

La directora confesaba a los medios que, cuando llegaron los chicos hace unos días, le dijeron que se iban a llorar a ese mar que no habían visto nunca, pero que no lo lograron. Quién sabe si este premio hace que esas lágrimas de emoción por fin se derramen. Su presencia en el escenario, recogiendo el premio más importante del certamen, es una imagen contundente, importante como referente y como muestra de otras vidas donde el cine no suele mirar. La película no sólo ganó la Concha de Oro, sino que también se llevó el Feroz Zinemaldia que entregó la Asociación de Informadores Cinematográficos y el premio Signis.

La directora se acordó de su padre, asesinado en Colombia hace 20 años. “Hoy ya llevo la mitad de la vida viviendo sin él y reflexionando acerca de lo aporreados que hemos estado como nación. Espero que esta película sirva para entablar un diálogo y ojalá podamos pensar en un mundo más justo”, dijo Mora. También le agradeció a los jóvenes protagonistas haberle enseñado que “la desobediencia es necesaria en un mundo tan difícil”. Su productora pidió un futuro para los jóvenes como sus propios protagonistas y que el cine visibilice sus historias y agradeció a sus madres, que han criado a esos chicos solas, en una vida dura, y que confiaron en ellas para esta película. “Gracias por abrirnos el corazón a estas historias”, le dijo a su directora en un discurso emocionante.

Un palmarés que dejó a los grandes nombres de esta edición sin premio. Ni Ulrich Seidl, ni Hong Sang Soo, ni Sebastián Lelio, los directores más conocidos de la Sección Oficial, rascaron mención de un jurado que también fue un choque de realidad para el cine español. A pesar del buen recibimiento de la crítica a las propuestas españolas, sólo La maternal, el filme de Pilar Palomero, logró un premio, fue el de Mejor interpretación para la joven Carla Quílez (el FIPRESCI que entrega la crítica internacional fue para Suro). En su segundo año sin distinción de género en los premios actorales, el jurado optó por un ex aequo que hizo que también se llevara el galardón Paul Kircher por Le Lycéen, de Christophe Honoré. A efectos prácticos hubo un premio de mejor actriz y otro de mejor actor. Una pena que una propuesta tan madura, sutil e inteligente como La consagración de la primavera no haya encontrado hueco en el palmarés.

Ese cambio generacional por el que apostó el jurado se notó también en el resto de premios, que fueron para primeras películas. La Concha de Plata a la Mejor dirección fue para el japonés Genki Kawamura, famoso por su labor como productor de clásicos de la animación nipona reciente como Belle, pero que en su primer trabajo tras la cámara ganó el segundo premio en importancia gracias a 100 flowers, un retrato de la demencia con mucha sensibilidad.

También una ópera prima era Runner, trabajo con ecos de Días del cielo de Terrence Malick que logró el Premio Especial del jurado. Una propuesta pequeña que basa toda su fuerza en una puesta en escena casi pictórica de planos fijos que descuida la relación entre sus dos jóvenes protagonistas. Una apuesta por el futuro de Marian Mathias como directora. El mejor guion fue para la película China, A Woman, mientras que sorprendió la mención a la fotografía de Pornomelancolía, trabajo de Manuel Abramovich -que también realiza la labor premiada- que venció a labores mucho más potentes, como la de Ari Wegner en The wonder. El jurado se dejó fuera del palmarés las propuestas más arriesgadas, como el Sparta de Ulrich Seidl, una mirada a la pedofilia que trajo la polémica al certamen, pero también una de las películas más contundentes.

Una 70 edición que culmina con la mejor Concha de Oro posible. Cada edición de festival surge la misma pregunta, para qué sirve ganar un festival. Para Laura Mora significa su consagración en un certamen de clase A con una segunda película, para sus reyes del mundo quizás haya cambiado su vida durante unos días. Más que suficiente. 

Palmarés Oficial

Concha de Oro: Los reyes del mundo

Concha de plata a la mejor dirección: Genki Kawamura, por 100 flowers

Premio especial del jurado: Runner

Mejor interpretación protagonista: Carla Quílez, por La maternal y Paul Kircher, por Le Lycéen

Mejor interpretación de reparto: Renata Lerman, por El suplente

Mejor guion: Dong Yun Zhou y Wang Chao, por A woman

Mejor fotografía: Manuel Abramovich, por Pornomelancolía

JZ

Qué sería del Festival de Cine de San Sebastián sin una buena polémica. El año pasado vino por el Premio Donostia a Johnny Depp, y este por la inclusión en la Sección Oficial de Sparta, la película del provocador Ulrich Seidl que, según Der Spiegel, explotó a los actores infantiles al violar las normas laborales de Rumania, donde se rodó este filme sobre un pedófilo que monta una escuela de judo para rodearse de niños. Según el medio, el director también ocultó a los actores menores y a sus familias el tema que abordaba la película, que compite por la Concha de Oro.

Cuando salió el artículo, Seidl negó tajantemente la acusación. “Si, como asegura Der Spiegel, los padres hubieran tenido objeciones sobre el rodaje o sobre cómo tratamos a sus hijos, o si los niños se hubieran sentido incómodos con nosotros, no habrían seguido colaborando con nosotros tanto tiempo. Ni falta hace decir que nunca obligué a ningún niño (o a cualquiera de los actores) a hacer algo ante la cámara que no quisiera”, dijo y remarcó que siempre los actores infantiles estuvieron “bajo constante supervisión” y que los padres fueron informados. Además, añadió que en verano del 2019, tras finalizar el rodaje, visitó a todos los chicos y a sus padres y “ninguno de ellos se quejó ni mostró incomodidad”. Un escándalo que ya había lanzado antes la prensa rumana, pero que quedó en nada ya que nunca hubo ninguna denuncia ni acusación en firme.

Pese a todo, el Festival de Toronto, donde también había sido seleccionada, retiró el título de su selección, dejando la pelota en el tejado del equipo de José Luis Rebordinos, que mantuvo la película a concurso. En una entrevista en elDiario.es, Rebordinos dejaba clara su postura: “No somos jueces para ponernos a investigar qué ha pasado en un rodaje, ni somos jueces para juzgar si ha habido algún comportamiento delictivo. Nosotros solo podemos juzgar películas. En la película no hay nada que veamos que pueda ser susceptible de ningún problema. Las acusaciones hablan de algunas secuencias y de unas imágenes que no están en la película. Yo siempre digo lo mismo, el único que puede realmente anular ese pase es un juez. Nosotros respetamos la ley”.

Para echar más leña al fuego, Seidl canceló a última hora su visita al festival, donde tenía previsto atender a los medios de comunicación. “Estoy muy agradecido a José Luis Rebordinos por apoyar Sparta desde el principio, a pesar de la presión mediática y de la repentina e inesperada polémica que ha suscitado. Significa mucho para mí. Mi impulso inicial fue ir a San Sebastián y no dejar sola la película en la que mi equipo y yo hemos trabajado durante tantos años. Sin embargo, me he dado cuenta de que mi presencia en la premiere podría ensombrecer la recepción de la película. Ahora es el momento de que la película hable por sí sola”, dijo en un comunicado remitido por Filmin, que distribuirá la película en España. Con todo el lío la proyección de Sparta se convirtió en el evento principal de una Sección Oficial dinamitada de nuevo por una polémica.

¿Y cómo es la película?

Sparta no esconde nunca, ni desde su sinopsis, que es una película sobre un pedófilo. Su protagonista es un hombre al que primero vemos en una relación con una mujer, pero que va a los parques y juega con los niños. No consigue mantener relaciones con su pareja, y en un momento dado abandona su hogar y se va a un pueblo del interior de Rumania a montar un campamento de judo para los niños de la localidad. Vemos al pedófilo entrenar a los niños, hacerles fotos, y hasta ducharse con ellos -en la escena más incómoda de la película-, y aquí viene lo complejo y lo inteligente de la película, nunca lo vemos cometer el delito. Nunca hay un abuso en pantalla, nunca lo vemos traspasar la línea que lleva la pedofilia a la pederastia. Lo vemos tentado, pero nunca cayendo.

Es un viaje a la mente de un enfermo. Muchos querrían haber visto a un monstruo como protagonista, pero Seidl nunca les concede eso. Está claro que él querría satisfacer su deseo sexual, pero nunca lo hace. Para hacer la película más incómoda, el director muestra este espacio como un refugio ante la vida de esos niños, con padres abusivos, que quieren que sus hijos sean violentos.

Me he dado cuenta de que mi presencia en la premiere podría ensombrecer la recepción de la película. Ahora es el momento de que la película hable por sí sola"

Ulrich Seidl — Director de 'Sparta'

Seidl juega con la expectativa del espectador, que sabe que esta es la historia de un pedófilo, y con ello configura su mirada. Los juegos que tienen los niños en ropa interior no serían incómodos en otra película, pero aquí lo son porque se sabe el contexto y que el personaje que está a su lado es un pedófilo. Igual que las referencias homoeróticas a la cultura griega. Pero hay que incidir, no hay ni una escena en la que se muestre ni el abuso ni a un menor desnudo. De hecho, la cámara siempre se mantiene austera y distante con planos generales y grandes angulares. 

El director, que se especializó en mostrar las miserias de la Europa occidental tratando en sus películas temas como el turismo sexual de mujeres burguesas a África, o los sótanos de las familias austriacas, llenas de simbolismos y herencias nazis, vuelve a jugar a la provocación en Sparta. No hay nada nuevo aquí. Es el tema, espinoso, y su forma en abordarlo, sin concesiones al espectador, lo que hace todo más turbio.

Para complicar un poco más todo, Seidl hasta incluye una capa política que vuelve a poner el foco en la historia reciente de Europa. El padre del pedófilo es un nazi que en su demencia canta himnos fascistas, y el hijo no monta su campamento infantil en su país, sino que va a Rumania, colocando un claro enfrentamiento fascismo/comunismo en el fondo de la cuestión. Una película cuya polémica está fuera de la película y a la que hubiera venido bien que su director viniera a defenderla.

JZ

Existen dos Joaquín Sabina. Uno, el que se pone el bombín y sube al escenario. El que despliega su lado más 'canallita' y canta al desamor con la voz rasgada. El otro es el que aparece cuando baja del escenario y se quita el bombín. Es el que nadie conoce, el que vomita antes de cantar, el que tiene ataques de pánico, el que lee las cartas de todos sus fans y el que llevó una vida de excesos imposible de esconder. Sabina es como Chaplin, un actor parapetado en su disfraz, en su sombrero y su caracterización. 

En Sintiéndolo mucho, el documental sobre él que se presentó en el Festival de Cine de San Sebastián y que dirigió su amigo Fernando León de Aranoa durante 13 años, se saca el bombín para ver a la persona detrás del personaje. Al artista detrás de las bambalinas. El director lo acompañó en momentos vitales de esta década y media. La composición de un disco, sus giras por Latinoamérica y…. su caída en el Wizink Center. 

Con esa caída al vacío desde una altura de dos metros comienza el documental. Sabina le dice a Fernando León que espera que no se atreva a abrir “con la hostia”, pero el realizador lo tiene claro. Es el inicio de un filme que hará las delicias de los fans del cantante, que recibirán un regalo en forma de documental crepuscular, que suena a despedida. De hecho, termina con una canción compuesta por Sabina junto a Leiva y que suena a bis. Eso sí, el cantante se encargó de evitar rumores sobre retiros y en la rueda de prensa anunció nuevo disco para navidad y gira en febrero.

Fernando León reconoce que vivió aquel momento “con terror”. Se encontraba en el backstage, se despistó un momento y escuchó la caída. La música se paró de golpe, la gente gritó y él bajó corriendo a ver qué había pasado. “Lo que hicimos fue dejar de grabar automáticamente, ahí me pudo el amigo, no quería grabar eso”. Lo que sí queda en su cámara es la reacción de las miles de personas que estaban allí, en las que tras el grito de susto se hizo un silencio que dolía. “No se oía ni un teléfono, eso me pareció impresionante, había miedo y respeto, así que le pedí al operador que grabara eso, que grabara esa imagen de ese lugar. Así hasta que ya supimos que todo más o menos se enderezaba y retomamos la grabación para poder contarlo”, añade.

El director une ese momento con otro captado en estos años, cuando Sabina, taurino declarado, vivió la grave cogida de su amigo José Tomás en México. “Al estar 13 años grabando, van apareciendo unas rimas internas que expresan lo mismo de distintas formas. Vi que el accidente tenía que ver con aquel otro accidente de hacía diez años. Me parece que cuando él habla de aquello que pasó, es como si, casi sin saberlo, estuviera hablando de lo que le iba a pasar a él. Porque hablaba de cuando uno expone su vida pública y todo es estupendo, pero también tienes un accidente en público y es tremendo, todo ocurre delante de miles de personas”.

Él es muy consciente de sus virtudes y de sus defectos, de sus miedos y de su vulnerabilidad. Y todo eso aparece inevitablemente en la película, porque él no lo esconde

Fernando León de Aranoa — Director de cine

El cantante acudió a presentar el filme a San Sebastián, y allí tiró de su carisma socarrón y habló a la prensa del pudor de hacer este filme. “Soy más pudoroso que lo que dice mi caricatura. Mi mujer, que no es dada a echar piropos, me dijo que Fernando me había sacado el alma. Y eso ya me parecía una tremenda grosería a mí que no me gusta ni enseñar el culo”, soltó entre risas. Sabina estaba de fiesta, sin tomarse en serio, sin gravedad, porque no hay nada que odie más que la solemnidad: “El artista debe tomarse muy en serio lo que crea para el público pero nunca a sí mismo. El final de cualquier aventura artística es la solemnidad”.

Sintiéndolo mucho viaja todo el rato por la fina línea de la hagiografía. No va a cuchillo a mostrar las sombras del cantante, estas aparecen solo cuando el propio Sabina las cuenta, especialmente cuando habla de las drogas. Sabina bromea cuando la cámara graba un plato antes de un concierto y dice, “es sal, eh”, y define su carrera como “sexo, drogas y rock and roll”, algo que “duró hasta los 50 años”. “Dejé la cocaína hace 20 años. Y lo dejé sin hospitalización y las cosas que hace la gente. ¿Qué si lo extraño? Sí. ¿Volvería a caer? No”, dice en otro momento del filme.

A Fernando León no le gustan las hagiografías, incluso de la gente que le gusta, le aburren. Es algo que se propuso. No caer en las alabanzas desmesuradas, aunque esta vez fuera fácil caer en ellas, pero cree que tuvieron “la suerte de que él se cuenta con luces y sombras”. “Él es muy consciente de sus virtudes y de sus defectos, de sus miedos y de su vulnerabilidad. Y todo eso aparece inevitablemente en la película, porque él no lo esconde. Yo creo que es alguien que está muy conforme con todo eso, que a estas alturas de la vida se conoce muy bien y eso es un regalo a la hora de hacer un documental”.

Para Sabina el filme es menos condescendiente de lo que imaginó cuando se involucró en este rodaje. “Cuando lo vio me dijo que si no era poco hagiográfico. Porque al final he expuesto ahí unos cuantos momentos complejos, como los de antes de actuar, cuando está muerto de miedo, vomitando”, opina el realizador, que logra un momento de una gran belleza cuando reúne a la banda original de Sabina y les hace tocar en el mismo escenario que tocaron hace años, ahora convertido en un solar donde estos años hubo un centro comercial. Una metáfora del peso del arte y de la transformación de las salas de música y cine en zonas consumistas.

Es un documental que suena a despedida, en el que vemos a un Sabina consciente de su momento vital, de “su madurez y de su edad”. La de alguien que, como bien explica él mismo, pasó “de la adolescencia a la vejez sin rozar la madurez”.

JZ

En Alcobendas, a las afueras de Madrid, a mediados de los años 80, una niña soñaba con ser actriz. Lo hacía desde el living de su casa, espiando a las señoras que acudían a la peluquería de su madre, imaginando que las calles de su barrio eran un decorado en el que imaginaba otras vidas y visitaba otros mundos. Aquella niña recibía, este sábado, el Premio Nacional de Cinematografía de España convertida en la intérprete española más premiada en la historia. Penélope Cruz tiene todos los premios, trabajó con los mejores directores y, sin embargo, como destacaba el ministro Miquel Iceta, hasta ahora no le había tocado a ella la mayor distinción que se otorga desde las instituciones públicas de ese país.

Cruz recibió el galardón emocionada, llorando, y dedicando el premio a su familia y a aquellos directores que le abrieron las puertas. También anunciando que la dotación económica del galardón (30.000 euros), irá destinada a causas sociales. Un tercio irá para la Plataforma de los afectados por la Hipoteca, tema que le toca de cerca y del que habla la película En los márgenes, que produce y protagoniza, otro tercio para la unidad CRIS contra el cáncer de La Paz y el último para el fondo asistencial para actores en precariedad de AISGE, una iniciativa que fue creada por su suegra, Pilar Bardem.

La actriz explicaba a la prensa tras recoger el premio que era importante para ella donar la dotación y elegir bien las causas. Por ello eligió a tres que conoce bien. Destacó la labor de la PAH y cómo después de rodar este filme conoce “con nombres y apellidos” a personas afectadas y lo mucho que este dinero les puede ayudar. Igual pasa con la unidad CRIS, que explicó que trató a personas cercanas a ellas. También conocía de primera mano ese fondo para actores en situaciones difíciles, “especialmente mayores”.

Por supuesto se acordó de sus padres, que “tuvieron la generosidad” de apoyarla en una elección difícil. Entrar en un mundo que no conocían. “No teníamos ni un cine cerca, ni un pariente dedicado a esto, sólo un betamax de 300 kilos”, recordaba con los ojos vidriosos tras la entrega. Hubo una mención a sus maestros, Cristina Rota y Juan Carlos Corazza, y también para Bigas Luna, y Fernando Trueba, pero sobre todo para Pedro Almodóvar, “una de las personas que mejor ha relatado nuestro país, una figura imprescindible para entender el cine”. También a su representante desde que tenía 15 años, Katrina Bayonas, a la que agradeció que no la echara la tercera vez que siendo una adolescente se presentó en su oficina.

Antes que ella hablaron dos de sus grandes amigos, la actriz Goya Toledo y el actor Luis Tosar, que habló de “todas las Penélopes, la madre, a la hermana, a la hija, a la compañera, a la amiga, a la vecina”. “Las conozco a todas y todas sois poderosas, firmes, entusiastas, solidarias, empáticas, simpáticas, revolucionarias, comprometidas, graciosas y todas ellas sois la misma, y la única. Seguramente no eres consciente de lo que supones para nuestra industria y nuestra cultura la influencia para miles de personas aquí y fuera por mucho tiempo. O quizás no pretendas hacerlo, pero tu bondad, compromiso, amor y trabajo hablan por si solos. Esas características no son solo de la Penélope actriz, sino de las otras. Creo sinceramente que para ser una extraordinaria actriz, hay que ser antes una extraordinaria persona. Y a esa la conozco”, dijo el intérprete con el que actúa en En los márgenes.

JZ

Los realizadores argentinos Manuel Abramovich, Sebastián Lelio y Diego Lerman se unen al elenco de directores que pugnará por la Concha de Oro del 70 Festival de Cine de San Sebastián, disputa a la que también se sumarán las últimas películas de Christophe Honoré, Marco Martins, Laura Mora, Frelle Petersen, Hong Sang-soo, Ulrich Seidl y Petr Václav.

La Sección Oficial acogerá además los debuts de Genki Kawamura y de Marian Mathias, nombres todos ellos que se añaden así a los ya conocidos de los españoles Fernando Franco, Mikel Gurrea, Pilar Palomero y Jaime Rosales.

Según informó este martes la organización del certamen donostiarra (SSIFF) en una nota, el festival, que tendrá lugar del 16 al 24 de septiembre, también ofrecerá fuera de concurso la proyección especial de “La (très) grande évasion”, un documental de Yannick Kergoat.

El cineasta argentino Manuel Abramovich, varias de cuyas anteriores obras pasaron por la sección “Zabaltegi-Tabakalera”, concursará en esta ocasión con su cuarto largometraje, “Pornomelancolía/Pornomelancholia”, el retrato de un 'sex-influencer' que estuvo seleccionado el año pasado en WIP Latam.

Por su parte, el también argentino Sebastián Lelio, quien participó en la sección “Perlak” con Gloria (2013) tras pasar por “Cine en Construcción” y “Horizontes Latinos” con “Una mujer fantástica” (2017), estrenará ahora en la Sección Oficial con “The Wonder”, ambientada a mediados del siglo XIX en un pueblo irlandés donde dicen que una niña ha sobrevivido sin comer durante meses.

Su compatriota, Diego Lerman también concursará en San Sebastián con “El suplente”, con Juan Minujín, que recoge las andanzas de un profesor en los suburbios de Buenos Aires.

El director galo Christophe Honoré, que ya mostró “La belle personne” y “Non ma fille, tu n'iras pas danser” en la Sección Oficial, volverá ahora a la disputa de la Concha de Oro con “Le Lycéen”, un filme sobre un adolescente en crisis tras la muerte de su padre en cuyo reparto figuran Paul Kircher, Vincent Lacoste y Juliette Binoche.

El productor de animación japonés Genki Kawamura debutará ahora como director en San Sebastián con una película de imagen real, “Hyakka”, acerca de una mujer con alzhéimer.

Asimismo, la debutante estadounidense Marian Mathias presentará su primer largometraje, “Runner”, que aborda el encuentro de dos jóvenes en el medio oeste americano. Un proyecto con el que fue seleccionada en las residencias Cinéfondation de Cannes, Torino FeatureLab y Production Bridge Program del Festival de Venecia.

También el austríaco Ulrich Seidl, algunas de cuyas obras anteriores se proyectaron en retrospectivas del Festival y en secciones como “Zabaltegi-Tabakalera”, se estrena en la competición oficial con “Sparta”, película que completa el díptico iniciado con “Rimini” (2022), estrenada en la última Berlinale.

Rodado y ambientado en Gran Bretaña, “Great Yarmouth-Provisional Figures” es el nuevo trabajo del portugués Marco Martins, que aborda el drama de la inmigración a través del personaje de Tânia, una mujer de origen luso que ejerce de enlace entre los trabajadores llegados de su país y las fábricas de la región de Norfolk y que podrá verse ahora en la Sección Oficial.

La colombiana Laura Mora, ganadora entre otras distinciones de una mención especial del Premio Kutxabank-New Directors y del Premio de la Juventud con “Matar a Jesús” (2017), regresará en septiembre al SSIFF con su segundo largometraje, “Los reyes del mundo”, un cuento subversivo y fantástico protagonizado por cinco chicos de la calle de Medellín.

Tras ganar el Gran Premio del Festival Internacional de Tokio con “Onkel”, el danés Frelle Petersen concursará por su parte con “Resten af livet”, un retrato complejo y lleno de vida de una familia en duelo por la pérdida del hijo mayor y hermano.

Igualmente, el surcoreano Hong Sang-soo competirá, en su segunda participación en la Sección Oficial, con “Top/Walk Up”, la historia de los encuentros que un cineasta de mediana edad mantiene con distintas personas.

El checo Petr Václav, que concursó en “New Directors” con “Paralelní svety”, también volverá a San Sebastián para estrenarse en la Sección Oficial con su nuevo largometraje, “Il Boemo”, un drama biográfico centrado en la figura de Josef Myslivecek, uno de los compositores más prolíficos de ópera italiana de la década de 1770.

Estos títulos se suman a las cuatro películas con producción española que también competirán en la Sección Oficial y que fueron anunciadas hace ya unos días: “La consagración de la primavera”, de Fernando Franco; “Suro”, de Mikel Gurrea; “La maternal”, de Pilar Palomero, y “Girasoles silvestres”, de Jaime Rosales.

Fuera de concurso, al margen de la competición, se ofrecerá la proyección especial de “La (très) grande évasion”, una producción francesa en la que Yannick Kergoat rastrea los circuitos de la evasión fiscal y descifra los mecanismos del fraude a gran escala.

Este documental se suma a “El sostre groc”, la no ficción de Isabel Coixet que será otra de las proyecciones especiales de esta edición, y a “Apagón”, serie de Movistar Plus+ programada fuera de concurso y compuesta por cinco capítulos dirigidos por Rodrigo Sorogoyen, Raúl Arévalo, Isa Campo, Alberto Rodríguez e Isaki Lacuesta.

Además, la película “Modelo 77”, de Alberto Rodríguez, inaugurará el Festival fuera de competición.

CRM con información de la agencia EFE

Jessica Chastain se alzó con la Concha de Plata a Mejor Intérprete en el festival de cine de San Sebastián por su papel en Los ojos de Tammy Faye. No fue como mejor actriz ni tuvo una contraparte masculina en el palmarés. El premio es compartido con Flora Ofelia Hofmann, de 16 años, por la película As in Heaven. Fueron dos mujeres esta vez. Pero la decisión de eliminar la distinción de género por primera vez en los 69 años de historia del festival ha despertado opiniones enfrentadas en el sector.

José Luis Rebordinos defiende que “una construcción social y política” como es el género no debe ser un criterio para valorar una actuación y que así abren la puerta a otras “identidades que no se adscriben al género masculino o femenino”. El director de San Sebastián quería seguir los pasos de la Berlinale, el primer festival europeo que apostó por neutralizar la categoría de actuación para “seguir evolucionando y ayudando a construir una sociedad más justa e igualitaria”.

Sobre el papel suena coherente. Después de toda la polémica ¿fue una buena idea apostar por ello? “En condiciones de igualdad entre los roles masculinos y femeninos no tendríamos duda sobre su conveniencia, pero esa igualdad no es real”, exponen las Asociaciones de Mujeres del Audiovisual, que pidió restituir los dos premios en el Zinemaldia. Aunque Chastain y Hoffman hayan ganado la Concha de Plata, les parece “una decisión errónea porque va en contra de la visibilidad de las actrices”, defendieron en un comunicado.

Rebordinos defiende que "una construcción social y política" como es el género no debería ser un criterio para valorar una actuación

“Para mí es una gran decepción que los festivales más importantes de Europa hayan apostado por restar visibilidad al trabajo de las mujeres”, opina Berta Ojea, actriz y secretaria de Igualdad de la Unión de Actores. “Es perjudicial porque nos enfrentamos a desaparecer del relato, como desaparecemos de los guiones”. Los datos así lo avalan dentro y fuera de la ficción. En la industria española los porcentajes están lejos de ser paritarios. En dirección hay un 81% de hombres frente a un 19% de mujeres; ellos firman el 74% de los guiones; componen el 89% de bandas sonoras frente a 11%; y copan el 85% de los puestos en dirección de fotografía.

El caso de los actores y actrices es más difícil de medir en números, aunque las segundas se sitúan alrededor del 30%. Para Ojea “los grandes personajes siguen siendo para hombres y hay pocas mujeres que no sean acompañantes del protagonista de alguna manera”. También entran en juego los “patrones sociales” que determinan la vida laboral de una mujer en función de su edad, de su sexualización o incluso de la brecha salarial que les separa de los intérpretes masculinos.

Aunque la Sección Oficial de este año de San Sebastián no ha sido paritaria en cuanto a dirección (13 hombres y 7 mujeres), presentó potentes historias protagonizadas por actrices. Maixabel, Distancia de Rescate, La abuela o Los ojos de Tammy Faye son algunos ejemplos. ¿Algo está cambiando en la industria? Las profesionales del sector no lo creen así porque “las películas escritas y dirigidas por guionistas y directoras tienen un número elevado de protagonistas femeninas”, de forma que eliminar la categoría de Mejor Actriz “afecta al conjunto de reconocimientos de los films liderados por creadoras”.

Tampoco piensa Ojea que la decisión esté justificada porque Jessica Chastain y la joven actriz danesa se hayan hecho con el galardón. “No creo que haya sido una estrategia del jurado porque confío en su honestidad. Pero da igual que hoy lo gane una mujer o que lo gane durante tres años. Somos muy pocas y nos están dejando sin representación”, afirma la secretaria de Igualdad. “Y si la intención era incluir nuevas identidades, que me parece fantástico, ¿dónde están?”, se plantea.

Antiseparatismo: razones para la unión

La Unión de Actores comprende la relevancia que tienen los premios para los intérpretes, sobre todo para las actrices, que se encuentran en una trinchera continua para demostrar la valía de su trabajo. No obstante, hay quien cree que separarlos en dos perpetúa el mito de que las diferencias entre hombres y mujeres no permiten que sean evaluados con igualdad aunque desempeñen la misma profesión.

De hecho, no ocurre en otras categorías como la dirección o el guion. Claro que en ellas, como en los Nobel, el Cervantes, los Priztker e incluso los Grammy, las mujeres suelen ser el peso ligero de la balanza. El hecho de que la neutralidad acepte a profesionales de ambos sexos no significa que tengan las mismas oportunidades. Pero también es cierto que separar los premios en Mejor actriz y Mejor actor solo maquilla una desigualdad enquistada en la industria del cine.

La Asociación de Mujeres del Audiovisual defiende que es distinto el caso de los intérpretes del de otros profesionales del cine: “Para ser director o directora no tienes un requerimiento de sexo que cubrir. Pero si en los guiones la mayor parte de los personajes son varones caucásicos de 40 años, excluyen directamente a las actrices”. Ojea comparte esta opinión y añade que “los actores y las actrices somos los que representamos el relato. Si nos borran, damos pasos hacia atrás”.

Hay quien cree que separarlos en dos perpetúa el mito de que las diferencias entre hombres y mujeres no les permiten ser evaluados con igualdad aunque desempeñen la misma profesión

El otro motivo que señalan los antiseparatistas es el de la concepción binaria del género per se. En 2017, con la preselección de Kelly Mantle en los Oscar en ambas categorías, Mejor actriz y Mejor actor, el debate alcanzó un nuevo grado de complejidad. También enlazó directamente con los premios Emmy de ese año, donde la protagonista de la serie Billions, Asia Kate Dillon, presentó su candidatura sin identificarse con ningún género. “¿Cómo no vamos a cuestionar esta división binaria del mundo si estamos en plena revolución sobre la concepción del género?”, se preguntaron entonces en la revista Vanity Fair.

Los premios juegan el papel de una suerte de escaparate para lucir el trabajo y facilitar el trabajo a los productores. Por eso, perder un hueco seguro en el palmarés no es plato de buen gusto para los actores ni para las actrices. Ese es es el motivo por el que los precursores Premios Simón recularon en su apuesta de tener una sola categoría: interpretación.

Ni San Sebastián ni Berlín: Zaragoza fue primero

Antes que la Berlinale y antes que San Sebastián, fue Zaragoza. Los galardones que ofrece la Academia de Cine de Aragón, los Simón, apostaron hace 10 años por no diferenciar el premio a la interpretación por sexo. “Alguno puede pensar que fue una decisión económica, porque los trofeos en sí mismos son muy caros y al principio el presupuesto era irrisorio y no teníamos apoyo de las instituciones”, reconoce Manuel Aparicio, miembro de la junta directiva de la Academia.

Pero además del ahorro en figurillas, quisieron diferenciarse del resto de ceremonias y reconocer “que en otras categorías y profesiones técnicas nunca se han distinguido”. “Es una discriminación para los otros grandes trabajadores del sector y me parece negativo que se distinga solo en el caso de los actores y actrices”, justifica Aparicio.

“Las galas serían eternas si empezamos a separar todos los premios entre hombres y mujeres”, reflexionaba en este diario el por entonces vicepresidente de la Academia aragonesa. Según él, había que aplicar la discriminación positiva desde la raíz, no al final del proceso. “No me parecen tan importantes los premios como los puestos de responsabilidad, donde se demuestra que vivimos en un mundo machista”, argumentaba.

Aparicio, en cambio, entiende que “es lo que el público ve”. “De forma masiva la gente no distingue si un técnico de sonido o un guionista es mujer u hombre, pero el público sí pone cara a los actores y actrices”. Pero su convicción sigue siendo que “la interpretación no entiende de género”. En su década de vida, los Premios Simón han galardonado a más actrices que actores.

Por eso, cuando hace dos años la asamblea de la Academia aragonesa votó que se recuperasen ambas categorías, Aparicio lo percibió como una derrota. “Me entristeció porque habíamos sido pioneros”, dice el portavoz. La propuesta nació del sindicato de actores y actrices de Aragón, que también forman parte de la Academia. “Para ellos es un escaparate. Cuando la portavoz lo expuso dijo claramente que era por tener más posibilidades de ganar premios”, relata.

En cuanto a la decisión de San Sebastián, que ha causado un revuelo que ellos nunca tuvieron que enfrentar, el académico la recibe con “alegría”. “Es un camino que nosotros abrimos y que siempre estamos a tiempo de volver a recuperar. Yo creo que con la suma del Zinemaldia y la Berlinale es un buen momento para usarlo como prueba”, concluye.

Esta semana participé en el foro de coproducción del Festival de San Sebastián para intentar conseguir coproductores y de ese modo fondos para nuestra nueva película. Competimos por algunos premios de dinero también, que no ganamos. En realidad nos invitaron a participar en vivo y en directo pero por distintas razones vinculadas a viajar en pandemia, decidimos quedarnos y participar de modo virtual. Para los que no conocen este tipo de instancias, que era mi caso hasta esta semana, se trata de tener alrededor de doce reuniones de veinte minutos cada una con productores y distribuidores de películas, más que nada españoles y franceses, algún que otro latinoamericano también, exponerles el proyecto; yo hablaba de la película que escribí y quiero hacer y Diego, el productor, hablaba del estado de la producción: con qué fondos contamos ya y cuáles habíamos ido a buscar. La mayoría de la gente del otro lado de la pantalla estaba efectivamente en San Sebastián. Para mi fue la quinta vez San Sebastián, esta vez en modalidad virtual.

La primera fue en 2008. Habíamos estrenado una primera obra con unos amigxs: una actriz, dos actores, el iluminador/ escenógrafo y yo, que la había escrito y dirigido. La obra funcionó, la vio bastante gente en el circuito independiente y en algún momento nos convocó una pareja que tenía alguna suerte de convenio con teatros españoles, para hacer algunas funciones allá. Así llegamos a San Sebastián por primera vez. Era julio o agosto, fue la única vez que estuve en esa ciudad en verano. Recuerdo que estábamos subyugados por lo bonito de esa bahía coronada por cerros sobre el mar, pero sobre todo por la alegría de poder viajar con lo que nos gustaba hacer y que encima nos pagaran por ello. Teníamos vouchers para ir a comer a una cantina que se llamaba Itxaropena en el casco antiguo de la ciudad, y a pesar de ser unos jóvenes teatristas de las colonias, nos daban de comer con dos platos y postre, copa de camarones de inicio, muchos tipos de peces, vegetales, y a veces un vino blanco que se activaba sirviéndolo desde muy arriba, el txakoli. Nos alojábamos en un hotel en  la parte alta de la ciudad y bajábamos caminando hacia el mar,  la civilización y los pintxos. Hicimos una sola función en el teatro, para eso habían construido una escenografía parecida a la nuestra, esa épica de lo efímero que tiene el teatro. Esa gira siguió con Santander y Segovia, a las que viajamos en una combi conducidos por la novia joven de uno de los actores, que era la única que tenía licencia de conducir. En Santander nos alojamos en un convento, en la casa de unos párrocos, a los que nunca vimos. En Segovia tuvimos que suspender la única función en el teatro barroco de la plaza principal porque aparte de habernos contratado, nadie se había ocupado de difundir el evento y entonces nuestras únicas espectadoras eran dos señoras que habían ganado las entradas en la radio. También en Segovia nos mandaron a comer un cochinillo al restaurante más afamado del lugar y entre nosotros y otro elenco de danza con el que compartimos gira, envalentonados por los mozos diligentes, gastamos el equivalente a un subsidio para la realización de una obra de teatro en una sola noche. Pero con plata de nuestros bolsillos.

La segunda vez en San Sebastián es diez años después. Me invitan con mi primera película como autora y directora a la sección Horizontes Latinos. Todo ya del universo de la alegría y el agradecimiento, haber sido invitada a viajar, a compartir la película, a competir también, por qué no. El festival se hace en el otoño español, a finales de septiembre. Suele llover pero el clima es muy templado y cálido y la ciudad tiene unas dimensiones completamente abarcables, con casi todo a distancia de a pie, y, una vez más, ¡el mar! Viajo con el productor y la distribuidora, presento la película en un cine para algo así como mil personas, es el tamaño de la sala Martín Coronado con algo similar a su arquitectura en términos de madera y en que se ve bien de todos lados, con nada similar en todo lo demás. Es un coloso moderno en medio de la ciudad vieja de Donostia, que se erige sobre el mar. Tienen un protocolo para las películas en competencia que es el de encender un seguidor sobre la cabeza del director cuando termina la proyección. Así que aunque una no se quede en la sala a ver toda la película, entra unos minutos antes de que termine para poder recibir el seguidor y los aplausos. Luego baja a ponerse frente al auditorio y responde las preguntas del público. Recuerdo escabullirme por los pasillos después de funciones para 40 personas en el teatro independiente, o hacer mucho tiempo en el camarín para no tener que recibir los comentarios a la salida inmediatamente después de finalizada la función. Y esto de tener que poner la cara frente a la audiencia, a veces sobre los créditos finales de la película, realmente templa en términos de humildad, de poner y ofrecer el cuerpo ahí frente a los públicos más distintos y decir hola qué tal, yo hice esto, qué me quieren preguntar. Es tan descarnado como empoderador en un punto y no tiene nada de tan terrible, es sólo una película más. Y por el contrario, es más que interesante oír cómo se va construyendo la película en toda esa gente que la ve, que se parece a la que uno cree haber hecho pero es también otra cosa más.

De esa experiencia me voy llena y agotada: conocí gente, pasee por la ciudad preciosa, vi otras películas, hablé mucho, probé todas las cosas ricas que pude probar. El día que me corresponde, un taxi del festival me lleva al aeropuerto y tomo el avión de hélice de regreso a Madrid.

Cuando estoy en Barajas esperando mi equipaje frente a la cinta para emprender la conexión, me llama el productor que ya estaba en Buenos Aires y me dice que ganamos el premio de la competencia y que tengo que volver a San Sebastián. Estoy confundida y lo primero que me sale decirle es que no, que ya me fui, que ya estoy en camino y que quiero volver a mi casa, que mi hijo me está esperando allá. E inmediatamente me pongo a llorar. Me dice que lo procese tranquila, que hable con mi novio, que los del festival se ocupan de todo el tema pasajes, que es importante, que sólo vuelvo dos días después. Salgo del sector de la cinta, hablo con mi novio y con mi mamá por teléfono, les cuento la buena noticia entre lágrimas y nervios, me incitan a volver a San Sebastián. Me voy calmando de a poco, el papeleo de cambio de pasajes y todo demora casi toda la tarde y a la nochecita estoy lista para volar en el avión de hélices, de regreso a San Sebastián. Esta vez me espera un auto de alta gama en el pequeño aeropuerto, conducido por un señor muy amable. Parece que entre que me fui hace un par de horas y esta nochecita, subí de categoría en el escalafón del festival. De hecho, en lugar de llevarme al hotel a 20 cuadras en el que me alojaba, me llevan directo a una suite en el María Cristina, el hotel reservado para las estrellas del festival. Se supone que no puedo decir nada del premio pero hay gente de la que me despedí esta misma mañana o ayer a la noche que me mira chueco cuando me ve. Por suerte aún está Paulina la distribuidora en la ciudad y podemos salir juntas por la noche neblinosa a comer algo y brindar. Al día siguiente hay una premiere de The Joker para gente del festival y llenamos el cine para verla. A la tarde me maquillan unas mujeres de alguna marca de cosméticos en una habitación destinada para eso en el mismo hotel de lujo. Hay categorías de todo en estos sitios: de tipo y calidad de maquillaje, de tiempo de espera, de trato preferencial. Como si fuera un tributo al mérito sólo que no está para nada claro a cuál. Por suerte me había quedado un vestido que me prestaron y que no usé para la entrega de premios, y unos zapatos que una amiga me prestó. Me despachan temprano en un micro comunitario en el que vamos ganadores no famosos. Gracias a eso entramos por la puerta trasera y no por la alfombra roja. Ese trayecto y la espera en los entretelones la hago en compañía de Angela Schanelec a la que no conocía hasta entonces y cuyo cine me encanta. A Angela la hicieron venir de Alemania para esto, va de riguroso negro, remera, pantalón, muy casual. El glamour de Angela no necesita de tacos ni de un caro labial. La madrugada siguiente a la entrega de premios vuelvo a abordar el avión de hélices y la azafata que me acomoda me dice que estuvo en la ceremonia y me felicita por el premio. Así me despido de la tercera falsa vez en la que volví a San Sebastián convertida en efímera celebridad.

La cuarta es medio año más tarde, en marzo del 2020, con la pandemia mordiéndonos los talones. Estamos en Madrid haciendo unas funciones con la misma compañía de aquel primer viaje. Pegado a eso me quedo a hacer algunas entrevistas para el estreno de la película en España y voy a pasar una noche a San Sebastián para presentar una proyección en Tabakalera, un centro de arte y escuela de cine gigante en una ex fábrica tabacalera en la ciudad. Esos dos días de final del invierno sí que llueve casi constantemente y el día que llego en el tren hay tanto viento que una casi que se puede apoyar en él. Veo cómo una ráfaga de viento derriba unas cajas llenas de botellas de gaseosa en la ciudad vieja y el ruido que hace eso al caer. Esos dos días todo es melancólico: estoy sola después de muchos días en el teatro con amigxs y público, la ciudad está con su curso normal, sin festival, ya tengo ganas de volver a mi casa y en todos lados se comenta que en Italia, ahí al lado, está muriendo mucha gente por día por un extraño mal que afecta las vías respiratorias. En el tren de regreso, por más hermoso que sea el paisaje que atravesamos, cada vez que alguien tose desde las entrañas, me hago el favor de dejar de respirar. Faltaban pocos días para el desembarco del barbijo, tapabocas o como se quiera llamar. Llego a Buenos Aires días antes de la cuarentena obligatoria para los viajantes, días antes también de la cuarentena total. 

La quinta vez San Sebastián es esta última, en la que nos invitan al foro pero decidimos no viajar, por las consecuencias que dejó todo este universo pandémico entre aquel otoño y esta primavera de acá. La quinta vez en San Sebastián, entonces, no estoy presente y hablo de una película que aún no se hizo, tramitando así mucho del universo de la abstracción, de la posibilidad.

RP