La fila para entrar al Teatro Picadero, que se extiende a lo largo de casi todo el Pasaje Santos Discépolo, ocupa más de media cuadra. La imagen no llamaría la atención si no fueran las diez de la mañana de este sábado soleado, si el público no fuera considerablemente más joven que el que suele verse en esta sala, si la gente no estuviera armada con equipos de mate y un mismo libro: Cometierra, de Dolores Reyes. Pero es evidente que algo fuera de lo común está por ocurrir en este lugar; el mismo en el que, hace 43 años, se inició Teatro Abierto.

Quien, vencido por la curiosidad, logre escabullirse entre la gente y consiga entrar a pesar de no haberse anotado previamente por mail, podrá comprobarlo con sus propios ojos. Sobre el escenario, casi un centenar de escritores, artistas y periodistas (desde Claudia Piñeiro hasta Martín Kohan, pasando por Alejandra Kamiya, Tamara Tenenbaum, María O’Donnell y Cristian Alarcón, entre muchos otros) esperan junto a una pianista, Guillermina Etkin, para dar inicio a una lectura musicalizada de la primera novela de Reyes, publicada en 2019.

¿Performance, encuentro de lectura colectiva? Más que el género en el que se inscribe, lo relevante de esta actividad es su propósito: responder, con una lectura coral, a la ola de desinformación que se propagó en medios y redes sociales sobre este y otros libros del programa Identidades bonaerenses, que busca enriquecer las bibliotecas de las escuelas públicas de la provincia de Buenos Aires. Los señalamientos de “pornografía” y las acusaciones de incluir contenido sexual explícito no apto para menores –a las que incluso se sumó la vicepresidenta de la Nación, Victoria Villarruel– tuvieron su origen en una denuncia de la Fundación Natalio Morelli, que llevó el caso a la justicia y acusó al director general de Cultura y Educación provincial, Alberto Sileoni, de “abuso de autoridad y corrupción de menores”.

La idea surgió de Claudia Piñeiro: si tantas personas se estaban mostrando escandalizadas por un libro que a las claras no habían leído, había que responder con lectura. Cuando la idea terminó de tomar forma en su cabeza, Piñeiro llamó a su amiga, la gestora, docente y escritora Cynthia Edul, quien desde hace tiempo organiza junto a Romina Paula una lectura colectiva de La tempestad, de William Shakespeare, en la que distintos escritores interpretan a los personajes. Piñeiro propuso hacer algo similar con Cometierra, parte de la “lista negra” junto a Las primas, de Aurora Venturini, Las aventuras de la China Iron, de Gabriela Cabezón Cámara y Si no fueras tan niña, de Sol Fantín, libros de los que también se leyeron fragmentos. 

“Fue muy rápido: organizamos todo en 15 días. Claudia, Dolores, Julián López y Silvia Hopenhayn comenzaron a convocar a otros escritores, y enseguida pensamos en preguntar al Teatro Picadero si podíamos realizar la actividad ahí”, cuenta Edul. “Sebastián Blutrach (empresario teatral y dueño de la sala en cuestión) aceptó de inmediato y puso a disposición toda la técnica y el increíble piano de cola del Picadero. Cuando empezamos a comunicar, más de mil personas se anotaron en un día. Lamentablemente, tuvimos que dejar a la mitad afuera”. 

“¿Cómo iba a decir que no a una lectura abierta con escritores y escritoras, a un acto en defensa del acceso de los chicos a los libros ante la agresión sistemática que este gobierno dirige hacia gran parte del sector cultural?”, se pliega Blutrach.

El entusiasmo que generó la propuesta también se replicó en otros lugares de la provincia y el país: en Ameghino, Mar del Plata, Rosario y otras diez ciudades se organizaron ayer lecturas simultáneas.

Después de casi tres horas de lectura ininterrumpida –hecha de voces femeninas y masculinas, graves y agudas, dicciones espontáneas y de escuela de locución, acentos argentinos y latinoamericanos–, la propia Dolores Reyes cerró la jornada, visiblemente emocionada por los aplausos de la sala repleta. Fue una ovación larga, que recordó lo irremplazable que puede resultar el encuentro presencial: difícil imaginar el mismo impacto con una serie de lecturas virtuales. “¡En un momento pensé que me iba a desmayar!”, dijo Reyes a elDiarioAR. “Esto fue muy emocionante, pero no me lo tomo como un homenaje personal: es una defensa a los libros, a la lectura y de la escuela, que es la institución que forma lectores en este país. Ante tanto ataque, hicimos lo que ellos no hacen: nos pusimos a leer”.

NL/DTC

María Fux, bailarina, coreógrafa, terapeuta, pionera de la danza moderna y creadora de la “danzaterapia”, murió hoy a los 101 años, según confirmaron desde su entorno. “Se fue en paz sin sufrir”, aseguraron al dar cuenta de la triste noticia sobre el fallecimiento de la artista reconocida a nivel internacional.

“Lamentamos profundamente despedir a la maestra María Fux. Es muy reciente y estamos conmovidos. Ella, que dejó una huella imborrable en nuestras vidas y en la vida de tantas personas en Argentina y el mundo. Ella nos enseñó que la danza es vida, y así la recordaremos siempre”, se publicó en la cuenta de Instagram @estudiomariafux.

En el mensaje, se señaló: “Enviamos nuestras más sinceras condolencias a sus familiares y seres queridos. Honramos su legado eterno. Descanse en paz querida maestra. Te amamos y te vamos a extrañar siempre”.

También se indicó que “el domingo 6 de agosto a las 11:30 nos encontramos para dar el último adiós danzando en la pérgola del Rosedal”.

Otra danza pública, libre y abierta –entonces en una calle del barrio porteño de Congreso donde funciona su estudio–, había sido la modalidad elegida por Fux para celebrar el centenario de su nacimiento, el 2 de enero del año pasado.

María Ana Fux nació en el Hospital Rivadavia de Buenos Aires el 2 de enero de 1922. Fue hija de inmigrantes judíos de Rusia, y es madre del músico y compositor Sergio Aschero, abuela de la cantante Irene Aschero y prima del compositor Mario Litwin. Entre 1962 y 1963 fue maestra de danza de Jorge Donn, antes del viaje consagratorio del bailarín argentino a Europa.

Pionera de la danza moderna y creadora de la danzaterapia en la Argentina y con una amplia actividad en Latinoamérica, Estados Unidos, la ex Unión Soviética, Israel y varios países de Europa, recorrió el país con la originalidad de su estilo. Bailó tanto en los escenarios del Teatro de Pueblo, el Colón, el San Martín, el Nacional Cervantes, como en lugares a los que nunca había llegado una bailarina, como en las minas de Zapla (Jujuy), Quitilipi y Charata (Chaco).

En 1915, sus abuelos maternos migraron a la Argentina junto a 11 hijos, escapando de la persecución a los judíos en Odessa, Ucrania; su madre era la menor de los hermanos. En el camino, por Alemania, sufrió una infección en la rodilla y cuando llegó a Buenos Aires tuvieron que quitarle la rótula de la misma.

La familia se estableció en el barrio porteño de Caballito. Desde los cinco años, María Ana se apasionó por la danza. A los 13 leyó “Mi vida”, la autobiografía sin terminar de la bailarina californiana Isadora Duncan (1877-1927). Comenzó así una búsqueda de una forma de comunicación no verbal mediante su cuerpo y a estudiar con Ekatherina de Galantha, otra exiliada.

Leónidas Barleta, creador y conductor de Teatro del Pueblo, le permitió en 1942 presentarse en ese escenario con “La última hoja”, una experiencia que fue cambiando año a año hasta alcanzar las diez temporadas. En 1953, obtuvo una beca para tomar clases en Nueva York nada menos que con la “étoile” Martha Graham, por lo que estuvo siete años sin ver a su hijo Sergio y viviendo en condiciones materiales muy estrechas. Ella misma lo contó en uno de sus libros:

“Un día, al salir de una clase, por fin quedé a solas con la gigantesca, inalcanzable Martha Graham. Fue en el ascensor. Entonces, en mi entrecortado y mal inglés, le supliqué que viera mis danzas. Accedió. Mirando su reloj, dijo que al día siguiente me concedería media hora. Esa fue una noche infernal, revisé in mente cada una de mis danzas y todas me parecían muy pobres. Por fin llegó el momento. Ella me esperaba y yo, con mis discos rayados, comencé a bailar frente a Martha. Ya no me importaba nada, era mi meta (...) Fue pidiéndome más y más, hasta que, después de una hora, yo ya no tenía más que darle y me senté en el suelo. Entonces me dijo: 'Sos una artista, no busques maestros fuera de vos. No tengas miedo de hacer danzas teatrales, sos actriz. Volvé a la Argentina y no esperes nada de maestros. Tu maestro es la vida”.

Al regresar, las dificultades de la hija sordomuda de una de sus amigas la motivaron a desarrollar la danzaterapia para niños, adultos y personas con discapacidad. Comenzó sus giras artísticas en épocas en que se ignoraba todo lo que no fuera danza clásica, y viajar a otros continentes era una verdadera travesía: fue la primera argentina y la segunda bailarina no clásica después de Isadora Duncan en pisar escenarios de Moscú en 1955.

Sus convicciones y su manera de concebir la danza como camino hacia la plenitud de las potencialidades expresivas que toda persona posee abrieron las fronteras de la disciplina, posibilitando la integración en sus clases y espectáculos a personas con diversidad funcional, etaria, cultural y social.

Hace más de 70 años, comenzó a desarrollar el método original de danzaterapia, la cual lleva su nombre y tiene sus orígenes en la creatividad de su arte con la danza. Realizó innumerables cursos, conferencias y seminarios de formación tanto en la Argentina como en el mundo, invitada por diversas instituciones y organismos dedicados a la salud, la educación, la transformación social, el arte y la cultura. Su escuela de formación en el método María Fux tiene filiales en Europa y Brasil.

Publicó nueve libros –“El color es movimiento”, “Danza, experiencia de vida” y “Danzaterapia, fragmentos de vida”, traducidos a varios idiomas–, fue declarada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, recibió la Mención de Honor Senador Domingo Faustino Sarmiento, el Diploma de la Unesco por su labor docente, el reconocimiento de la Organización de las Naciones Unidas por su trayectoria, la Medalla del Bicentenario y los premios Gratia Artis, Fondo Nacional de las Artes y el Rosa de Plata del Senado de la Nación.

En su estudio y escuela de formación se capacitan fisioterapeutas, terapeutas ocupacionales, fonoaudiólogos, médicos, profesores de danza y de gimnasia, psicoterapeutas, psicólogos, docentes que trabajan con distintas discapacidades, y docentes especiales.

Siempre llamó la atención la energía y la creatividad de la artista a pesar del paso de los años, quien en marzo de 2010 puso fin a sus presentaciones públicas con su unipersonal “Diálogos con imágenes”, que desbordó la sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación, aunque un año exacto después insistió con “¿Y ahora qué?”.

A modo de resumen de su manera de ver la vida y su labor, y en ocasión de recibir una condecoración en 2016, Fux propuso: “No se queden sentados mirando cómo el tiempo pasa. ¡Muévanse!”.

LC con información de agencia Télam

“Me metí veinte minutos antes del momento de la venta de entradas para ver a Taylor Swift en Lyon y ya tenía a 400.000 personas por delante de mí”, asegura Gonzalo, swiftie desde hace aproximadamente una década. La euforia por la gira internacional de Taylor Swift, 'The Eras Tour', evidenció la creciente competitividad en los grandes fandoms del mundo de la música por acercarse a un ídolo que conocen cada vez mejor gracias a internet. Harry Styles, BTS o Beyoncé, entre otros, experimentan (y sacan partido económico) de que el mainstream sea, cada vez más, motor de identidad, pero también de ansiedad. 

Bea Speaks Now está detrás de una cuenta de fans en Twitter sobre Taylor Swift y realiza un podcast semanal con noticias sobre la cantante norteamericana. En su opinión, el proceso de venta de entradas para el próximo show en Madrid fue algo inédito en España y el resto de Europa: “Ha puesto a los fans en un estado de mucho estrés y mucha incertidumbre”. De hecho, Alicia Sánchez, de 22 años, desembolsó 100€ para poder ver el show de Taylor Swift en Londres y asegura: “Si no hubiera conseguido entrada, me habría deprimido”. 

En esta misma línea, Nerea, fan de BTS, relató en su cuenta de TikTok que el día en que la boyband coreana hubiera actuado en España si su concierto no se hubiese cancelado por la situación epidemiológica de entonces, se lo pasó llorando: “Mi familia decidió vestirse con las camisetas de BTS para animarme”. Es un sentimiento común en las comunidades, pero no todos los fans tienen la capacidad económica y el tiempo para poder atravesar la odisea de hacerse con las entradas, superar interminables colas o conseguir conocer a su ídolo en persona: ¿por qué compensa y qué es lo que desconocen los que permanecen al margen del fenómeno?

La experiencia de esos fans de antaño era 'offline': resultaba más difícil interaccionar entre seguidores y no había tanta información sobre la vida personal del ídolo

El momento en el que Taylor Swift anunció la fecha de concierto en Buenos Aires, el mundo de Nina Cuello se paralizó. Primera fecha en Argentina. Parada de la poderosa gira 'The Eras Tour'. No es la única argentina que siente que le falta el aliento. Es lógico: Taylor nunca pisó Latinoamérica. Hay que conseguir entrada. Pero no basta con eso, hay que estar en primera fila. Demostrar a todo el mundo que los tuits no iban en broma, que sos fan hasta la médula. Con esa idea en mente, un grupo de 200 jóvenes, la mayoría chicas de entre 20 y 30 años, decidió “asegurarse la valla” y plantar sus carpas en la puerta del estadio, aunque queden cinco meses para el show. Y a pesar de que muchas de ellas todavía no tienen entrada y del frío del invierno.

La cercanía de Taylor con los fans, junto al universo que creó en torno a sus canciones, en el que toda su música encaja con sus vivencias personales, consiguió fidelizar a su comunidad, que es capaz de hacer cualquier cosa por ella. Seguidores como Dan, TikToker de contenido sobre el mundo celebrity, la sienten como una amiga: “No creo que le falte bondad dentro de su cuerpo, es una máquina de hacer dinero, pero creo que es cute. Pienso que podríamos llevarnos bien, we could cry together”.

La defienden en las polémicas, compran todo el merchandising que vende y agotan sus entradas en cuestión de minutos. La artista empleó lo que en marketing digital se denomina storytelling: crear un relato cercano en diferentes formatos para enganchar al cliente, en este caso el fan. “No dije que dejé la facultad. Dije que soy capaz de dejarme alguna materia para acampar. Pero no lo hice, tranquilas”, aclara la argentina Nina en un vídeo de TikTok de su cuenta personal, en el que explica su polémica aparición en televisión debido a la acampada en las puertas del estadio. “¿Faltan cinco meses? Sí, pero la esperé toda mi vida”, explica la joven, a lo que añade: “Están preocupados porque puedo dejar la carrera. Mujer, soy capaz de dar la vida por Taylor Swift. Vos no entendés lo que es esto. Son de otra época no entienden”.

La experiencia comunitaria de ser fan online

En realidad, seguidores desbocados existen desde el origen de la cultura de masas y la globalización. Los Beatles, Michael Jackson, Elvis Presley, las Spice Girls… fueron numerosos los artistas que vivieron la euforia de un fervoroso fandom. Pero la experiencia de esos fans de antaño era offline: resultaba más difícil interactuar entre seguidores y no había tanta información sobre la vida personal del ídolo. Así lo explica Amparo Lasén, profesora de Sociología en la Universidad Complutense y miembro de Sociología Ordinaria, que sostiene que las redes sociales aportaron rapidez y capacidad de organización a unos fans que existieron siempre: “Ser fan siempre ha sido colectivo, pero internet ha sido uno de los motores para conectar más entre sí en la cultura fan”.

“Ahora es muchísimo más fácil conectar con un famoso: que te dé me gusta a un comentario, que te conteste a un tuit, que te reconozca por tu ruido en redes sociales…”, opina Dan. Entre mensajes digitales y creaciones del artista nace un sentimiento de identidad que puede suplir muchas carencias de los jóvenes en su entorno más cercano: “Toda mi vida, mi existencia y mis amigas se lo debo a ser fan de One Direction”.

Andrea Compton es creadora de contenido sobre series, música y películas en internet y consiguió dedicarse a nutrir esta conversación entre fans y afianzar una comunidad en torno a su canal y sus gustos. “Ser fan me ha salvado la vida”, afirmó en una conversación con este medio. Para ella, el contenido fan suaviza la soledad y ayuda a “encajar mejor las cosas”. En cuanto a la aparición de internet, pone en valor la importancia de que ahora el artista tiene un mayor control sobre sus publicaciones que el que podían tener en los años 90 sobre la información de revistas como Superpop. Es mucho más fácil para el fan acceder a lo que más le interesa: “La pandemia lo dejó ver con los directos de los artistas en su propia casa, el cambio ha sido para bien”.

A mí [ser fan] me abrió la puerta a un mundo nuevo y la oportunidad de socializar con gente con mis mismas pasiones, esto puede ayudar mucho a gente que no conecta a nivel personal con nadie de su clase

Dan — creador de contenido sobre la cultura 'celebrity'

Capacidad de organización y politización

Si hay una comunidad de fans arraigada a las redes sociales esa es la del K-Pop, un género musical nacido en Corea del Sur y cuyo grupo más seguido es el internacionalmente conocido BTS. Las fans de esta boyband del siglo XXI, autodenominadas 'Army' (ejército), son en su mayoría adolescentes que nacieron con internet y se organizaron jugando con esto a favor. Según cifras oficiales de Twitter, el K-Pop es uno de los temas de conversación más numerosos en la red social, acumulando casi 8 mil millones de tuits solo en 2021.

Aparte de su tamaño, lo que más destaca de esta comunidad de fans es su capacidad de actuación organizada por causas que escapan de la música y de sus ídolos. Los integrantes de BTS se pronunciaron durante el movimiento de Black Lives Matter denunciando el racismo estructural que vivieron en la industria de la música debido a sus rasgos asiáticos. Abanderados de los derechos LGTBI, de las personas racializadas y de las mujeres, la legión de fans que acumulan en todo el mundo se hacen eco a través de las redes sociales de estos valores y se coordinan en el momento en el que ocurre un episodio de discriminación.

El pasado enero, el presentador Pablo Motos fue el protagonista de una de estas polémicas. En una sección de El Hormiguero que consiste en adivinar quién es cada personaje, Pilar Rubio mostró al presentador una fotografía de J-Hope, uno de los integrantes mejor valorados de BTS. Después de que Motos denominase al artista como “flippy japonés”, fans de todo el mundo pensaron que había dicho “friki japonés” y le echaron en cara al presentador su comentario racista condenando lo ocurrido.

Las comunidades de fans k-popers se caracterizan por llevar a cabo el sabotaje digital. Para resistir episodios de injusticia social, las fans de grupos de este género inundan los hashtags creados por políticos contrarios a sus valores con imágenes, vídeos y contenido digital de sus artistas preferidos en señal de protesta, como en el episodio de manifestaciones de Colombia en 2021 contra la reforma tributaria del gobierno de Iván Duque y sobre cuyos manifestantes se ejerció gran violencia policial. 

Otros métodos de boicot fueron los que ejercieron sobre las tendencias xenófobas de Vox en Twitter, con la creación de las etiquetas #abascalprincesa o #fachaqueveofachaquefancameo. También contra un acto electoral de Donald Trump, una k-poper impulsó un boicot digital pidiendo a comunidades de todo el mundo que reservasen todas las entradas gratis online para poder ver el anfiteatro vacío.

Un episodio más reciente de la politización de estas comunidades y su capacidad de agitación colectiva lo dejan las recientes elecciones generales españolas. Tras la visita de Pedro Sánchez al podcast La Pija y la Quinqui, donde se declaró fan de Taylor Swift, habló de sus canciones y del documental de la vida de la artista (Miss Americana), las swifties españolas —entre las que están el copresentador del programa, Carlos Peguer—, se pronunciaron a su favor. “A Pedro Sánchez le gusta Taylor Swift y especialmente la canción Snow on the beach. @sanchezcastejon el presi que queremos”, escribían desde la mayor cuenta fan de la artista en España (61 mil seguidores).

También compartieron en sus cuentas guiños en forma de meme sobre Pedro Sánchez, llamaron a votar desde sus cuentas y Peguer incluso ironizó sobre la frenada al avance de la ultraderecha en pleno recuento electoral con un “gracias swifties”.

La importancia de la cuestión identitaria

“Me planteé acampar cuando vino Harry Styles, cuando la gente acampó cuatro meses. Yo, con 14 años, quería ir pero mi madre no me dejó. Entonces sí habría sido capaz, pero ahora no, porque creo que mi experiencia del concierto se vería nublada”, admite Dan, que asegura que, a pesar de su admiración Taylor Swift, tres horas de concierto no podrían nutrir las expectativas de meses de “vida en pausa”. A raíz de la aparición de las swifties argentinas en internet, Twitter se inundó de críticas hacia las fans. La socióloga Amparo Lasén pone en tela de juicio este ataque: “Lo que es atractivo para ellas no es solo el concierto, sino estar todos esos días compartiendo tiempo con sus amigas y fuera de casa”.

Isa Psico Woman, autora del libro 'Acercarse a la generación zeta', explica cómo las críticas a estas fans argentinas de Swift están impregnadas de lo que denomina 'adultocentrismo' o 'juvenofobia

Gran parte del rechazo que despierta el fenómeno fan se debe a que la mayoría de las fans que se dejan ver en apariciones de televisión o en la comunidad de Twitter son chicas de la generación zeta, apasionadas por su ídolo. Isa Psico Woman (Isa Duque), autora del libro Acercarse a la generación zetaeta, relata a elDiario.es cómo las críticas a estas fans argentinas están impregnadas de lo que denomina “adultocentrismo” o “juvenofobia”: “Más allá de la edad, hay gente a la que le puede mover más o menos el fenómeno fan y no se les puede deslegitimar por el simple hecho de su edad o su género”. También Amparo Lasén señala otros fenómenos que mueven masas, despiertan pasiones y no están denostados socialmente, como el fútbol o la ópera.

Las personas de la generación zeta, que crecieron en una crisis permanente y cuyo futuro se encuentra en gran incertidumbre, acudieron al fenómeno fan por el contenido cultural, pero también para establecer amistades y crear una comunidad coordinada capaz de organizarse. Isa Duque apunta a que, en muchos casos, ser fan supone mucho más que eso: “Te da un lugar, una identidad y te hace sentir parte de tu entorno”, a lo que añade que “suele haber una deriva identitaria en situaciones de precariedad”. 

Además, muchas de las fans que reciben las críticas en internet por comportamientos como los de las argentinas son adolescentes, una etapa conflictiva en la que las relaciones sociales juegan un papel clave. “A mí me abrió la puerta a un mundo nuevo y la oportunidad de socializar con gente con mis mismas pasiones, y esto puede ayudar mucho a gente que no conecta a nivel personal con nadie de su clase”, recuerda Dan.

La socióloga Amparo Lasén señala otros fenómenos que mueven masas, despiertan pasiones y no están denostados socialmente, como el fútbol o la ópera

Relaciones parasociales, un fenómeno de ADN internetero

Andrea Compton reflexiona también acerca de la parte negativa del fenómeno fan en internet: “Puede que no opinase igual si fuese el artista, sobre todo por la toxicidad”. Selena Gómez tiene 426 millones de seguidores en Instagram. Por detrás de ella, Ariana Grande acumula 377 millones. La gran cantidad de interacciones que provocan sus publicaciones generan conversaciones no siempre productivas entre fans, pero también entre haters o usuarios que alimentan un ambiente tóxico por el odio o por el acoso a una persona que no conocen en la realidad. 

Muchos de los fans, además, sienten una cercanía con el artista que no se recibe de la misma manera desde el punto de vista del ídolo. A este tipo de interacción por redes sociales con nuestros artistas favoritos se denomina parasocial relationship o relación parasocial. Tal y como matiza la socióloga Amparo Lasén, no se trata de una relación falsa o asocial, sino de una relación asimétrica: no es la misma la cantidad de información que recibimos acerca de la vida personal del ídolo que la que recibirá de nosotros, que somos un usuario en un mar de millones y nuestro comentario será uno más de los incontables de su publicación. Dan asegura que le ocurre con muchas de las personas famosas que sigue en redes sociales: “Lo noto cuando hablo. Por ejemplo, Olivia Rodrigo. Siento que he quedado con ella la semana que viene y que simplemente llevamos un tiempo sin vernos. Sin embargo, no la he visto en mi vida, pero creo que nos llevamos bien”.

Este fenómeno digital nos lleva a sentir una cercanía que no existe exactamente así y, en ocasiones, a sobrepasar límites como la intimidad del famoso o comentarios nocivos. Tanto Andrea como Dan coinciden en la importancia de recordar que el famoso antes que artista es persona. “Hay una línea muy fina entre fan y persona que está acosando a alguien que no le conoce de nada”, afirma Dan, quien asegura que la responsabilidad de evitar estos comportamientos tóxicos recae sobre el fan. “No deberíamos nunca culpar al famoso por exponerse en redes sociales”, concluye Andrea.

Hiperplanificación y precios al alcance de pocos fans

Los fans también pueden experimentar el lado nocivo de la masificación del fenómeno. La ansiedad por hiperplanificación está presente en todas las formas de ocio y también en la cultura. Con esta proliferación de lo mainstream, necesitamos cada vez más antelación para planificar un evento, más tiempo para esperar en largas colas o posponer algunas obligaciones porque tienes una fecha marcada en la agenda desde hace muchos meses en cuyo reembolso no siempre puedes confiar. De hecho, es muy frecuente el colapso de los protocolos de seguridad y organización de los eventos, lo que provoca un aumento en el tiempo de acceso y evacuación de un recinto.

Además, los precios en alza de los conciertos y eventos no permiten pasar estos planes por alto. Según un estudio de la BBC, el precio medio de una entrada de concierto en 1999 era de 25€, frente a los más de 50€ de 2018. Se reveló que, teniendo en cuenta la inflación, se produjo un incremento del 27% en el precio de los espectáculos musicales. Además, los bolsillos de fans afectados mayoritariamente son los de las personas más jóvenes, lo que despierta un sentimiento de frustración entre los seguidores con menos recursos. 

Los bolsillos de fans afectados por la subida de los precios de entradas son mayoritariamente los más jóvenes, lo que despierta un sentimiento de frustración entre los seguidores con menos recursos

Una swiftie no es tan diferente

La fiebre swiftie se propaga internacionalmente y no se puede comprender sin tener en cuenta las letras cercanas y sinceras de las canciones así como la relación de Taylor con sus seguidores. “Es una persona que ha salido con alguien tres meses y se ha vuelto loca, y empatizas porque tú también te sientes así”, asegura Alicia Sánchez, swiftie. 

Suzanne Garfinkle-Crowell, psiquiatra y directora fundadora de la Academia de Medicina y Humanidades en la Escuela Icahn en Monte Sinaí ha descrito en The New York Times la clave del carácter terapéutico de seguir a Taylor Swift: “No había nadie que expresara su ira justificada desde el interior de un traje brillante, que sufriera como yo, pero cuyo merodeo desenfadado me hiciera caminar con la frente un poco más en alto. Mis cantantes se sentaban fuera de la fiesta y se quejaban contigo, pero cuando te armabas de valor, no estaban listas para entrar. Taylor no te obliga a elegir, porque ella es tanto esa persona afortunada que quieres ser como también la antiheroína que llevas dentro”.

Una swiftie no es simplemente una fan al que le gusta la música que crea Taylor Swift, sino que también establece conexiones con los diferentes álbumes, piensa por qué escribió cada verso, cómo se pudo sentir en el episodio de su vida conocida que le llevó a escribirlo o en qué se parece a su propia vida. Una especie de “puzle”, como lo denomina Dan. Este rompecabezas con las letras de Taylor engancha a los seguidores y los enzarza con el objetivo de descifrar el significado de cada detalle de las canciones y videoclips. Alicia asegura que, con ella, te engancha ser fan: “Sientes pasión por algo que es divertido”. 

No solo las swifties, sino nuevas comunidades de fans demostraron el valor identitario del fenómeno frente a las denostaciones históricas que sufrieron por la edad, el género o el carácter pop que siempre les ha perseguido como algo negativo. 

Johnny Depp fue encontrado inconsciente en la habitación de un hotel en Budapest y debió ser asistido por un equipo médico. Tras el juicio que le ganó a su ex pareja Amber Heard, el artista había viajado a Europa del Este para realizar una gira con su banda Hollywood Vampires, pero tras su descompensación debió suspender el recital en la capital de Hungría.

“Debido a las circunstancias imprevistas, cancelamos el show de esta noche en Budapest. Todas las entradas se reembolsarán en su totalidad. Amamos y apreciamos a todos los fanáticos que viajaron de cerca y de lejos para vernos crecer, y lo sentimos mucho. Nuestras más sinceras disculpas”, explicó la banda en sus redes sociales, el mismo día del concierto.

A pesar del comunicado, los fanáticos del grupo ya se encontraban en el Papp Laszló Budapest Sport Arena para disfrutar del recital, y algunos de ellos incluso creyeron que se trataba de un chiste. “Todo estaba preparado, el escenario estaba listo. Ni siquiera se nos ocurrió que podía haber un problema, sobre todo porque los miembros de la banda también habían hecho un ajuste de sonido programado por la tarde. Nadie pensó siquiera en el hecho de que Johnny Depp no participaría”, detalló con allegado a la banda.

Según especularon los medios húngaros, la descompensación del artista podría deberse a una sobredosis, especialmente considerando que durante el juicio contra Heard, había admitido consumir sustancias para “insensibilizarse ante los fantasmas”. El hecho de que el protagonista de Piratas del Caribe haya sido visto tomando alcohol el día del recital refuerza dicha hipótesis.

Con información de agencias.

La artista y DJ keniata Emma Nzioka llevaba casi un año esperando impacientemente la llegada del festival Terra Sagrada de Cabo Verde, donde actuaría y podría ver a Boddhi Satva, entre algunos de sus artistas africanos favoritos. Pero Nzioka, más conocida como Coco Em, se quedó sin poder salir del país para acudir al festival el pasado mes de diciembre.

En el mostrador de facturación del aeropuerto, en Kenia, le dijeron que no podía embarcar si no compraba un billete de vuelta con la misma aerolínea (ella tenía un pasaje de regreso con otra compañía) para “demostrar” que volvería a casa. Aunque el destino final de Nzioka era Cabo Verde, el vuelo hacía escala en Ámsterdam.

“El personal de la aerolínea dice que mucha gente ha ido a 'causar problemas' en Europa, que han roto sus documentos, se han negado a salir y han tenido que ser deportados”, tuiteó Nzioka, añadiendo que los responsables de la aerolínea habían expresado abiertamente dudas sobre su “relación” con el país de tránsito.

Su mensaje se hizo viral y generó un torrente de historias parecidas de africanos que viajan al extranjero y se enfrentan a injustas restricciones de viaje y “humillaciones rituales”.

A principios de este año, quedó sin respuesta la solicitud de un visado Schengen de la estrella nigeriana del afropop Yemi Alade. A la artista, con varias giras mundiales a sus espaldas, también le negaron un visado en Canadá para el festival International Africa Nights. Suzanne Rousseau, cofundadora del festival, dijo a la cadena canadiense CTV que se la habían denegado por “razones financieras” y por el temor de que la artista “no quisiera salir de Canadá”.

Para los africanos, viajar a Europa y moverse entre sus países es complicado. Las tres mayores tasas de rechazo son de solicitudes de visados Schengen originadas en países del continente africano: a Guinea-Bissau le rechazaron el 53% de las solicitudes; a Senegal, el 52%; y a Nigeria, el 51%. La mayoría de los países africanos está en la mitad inferior de la clasificación mundial de pasaportes [por su capacidad de viajar a otros países sin necesidad de visado]. Salvo algunas pocas excepciones, los ciudadanos de África necesitan obtener un visado antes de viajar a más de 100 países.

Entre el gran número de documentos que se exigen para obtener un visado Schengen figuran extractos bancarios, un billete de ida y uno de vuelta, una dirección durante la estancia en el extranjero y un seguro de viaje. “El umbral es cada vez más alto y cambia de forma muy radical”, dice Nanjala Nyabola, autora del libro Travelling While Black [Viajar siendo negra].

Abundan las historias de africanos sometidos a indignidades durante sus viajes, o teniendo que cumplir con requisitos de los que no habían oído hablar. Las personas con costumbre de viajar como Nzioka saben que su capacidad para subirse al avión depende de algo más que de sus documentos. 

Discriminación racial

La artista, que suele viajar por sus giras y actuaciones, ya se había encontrado con barreras similares a las que impidieron el viaje a Cabo Verde. En 2019, cuando viajaba hacia Túnez pasando por Italia para asistir a otro festival, le requisaron el pasaporte. Cuenta que cinco personas diferentes la interrogaron durante tres horas preguntándole por su visado y por los motivos por los que no había tomado una ruta directa.

Nzioka cree que los funcionarios la estereotiparon por ser una mujer de trenzas largas y piel oscura. “Sabemos qué tipo de cosas hacen allí las chicas como tú”, recuerda que le dijeron mientras le hablaban de mujeres que se habían fugado con hombres extranjeros o se habían establecido en Europa sin los permisos necesarios.

“La percepción es que ciertos viajeros con un origen racial diferente son intrínsecamente más peligrosos por ser quienes son”, dice Nyabola.

“¿Tienes bienes en tu país?”

En Reino Unido, la tasa de denegación de visado para los ciudadanos africanos que desean viajar al país por motivos profesionales o de negocios es más del doble que para el resto de nacionalidades. 

Nzioka se ha perdido espectáculos en Reino Unido por los estrictos requisitos de visado, que incluyen demostrar que el solicitante tiene propiedades en su país de origen. “No basta con decir que vivo aquí, que estoy casada aquí, que tengo hijos aquí”, dice Nzioka. “Te preguntan: '¿Tienes bienes en tu país?'”.

Estos requisitos pueden limitar la visibilidad de los artistas africanos, dice. “Se pueden contar con los dedos de una mano las DJ africanas que están de gira por Europa”.

Traducción de Francisco de Zárate

Esta semana reapareció Joni Mitchell. Digo que reapareció porque, en general, Joni Mitchell no aparece; en general, Joni Mitchell no está. Pienso mucho en la presencia de los artistas. Hace unos años, en Berlín, compré un libro de una editorial alemana independiente que publicaba textos en inglés, fundamentalmente ensayos sobre ciencias sociales y teoría del arte. El libro se llamaba Tell Them I Said No (“deciles que dije que no”, ya lo he mencionado alguna vez en estas columnas) y contaba las historias de varios artistas visuales que se habían retirado de la escena: ya no participaban de muestras colectivas y prácticamente tampoco de exhibiciones individuales, no circulaban por eventos, no salían en revistas ni hablaban públicamente de su obra en ningún otro contexto. Sencillamente desaparecían. Martin Herbert, el autor del libro, trataba de iluminar a través de cada ensayo el conflicto evidente que existe entre la necesidad económica de los artistas de mantenerse siempre en el centro de la mirada pública —para ganar premios y subsidios, para vender obra— y la necesidad igualmente de importante de replegarse sobre una misma y tener un cierto silencio para crear. Algunos artistas hablaban del “derecho a irse”: después de años de construir una reputación y pagar ciertas deudas a la opinión pública, un artista ha construido las condiciones que le permiten desaparecer. 

Mirando los videos de Joni Mitchell en Newport Folk, festival en el que había tocado por última vez en 1969 —cuando ninguna de las personas que la acompañaron esta vez en el escenario habían nacido— pensé que, más allá de que Joni Mitchell definitivamente se ganó el derecho a irse, hay artistas que no se encierran para seguir creando: sencillamente se van del todo, deciden que la parte pública de sus vidas artísticas ya ha terminado y que no quieren producir obra nueva, ni sacar discos nuevos ni sacar temas nuevos ni seguir girando para siempre como los Rolling Stones. El paradigma de la vitalidad sería ese, el de los que hace sesenta años están ahí como el primer día. Y en cambio Joni hace décadas que da la sensación de creer que ya dijo lo que tenía que decir, que ya puso en el mundo la música que vino a poner. Incluso desde antes podríamos decir que su camino fue sinuoso; después de Blue, su disco emblemático, Joni se dedicó a seguir haciendo lo que quería. El disco de hits le había salido por casualidad, no en el sentido de que le faltara cuidado sino de que su búsqueda no era la de sonar para siempre ni en la radio ni en la cabeza de nadie, y no parecía tener ningún interés en convertirlo en una fórmula a repetir. Los discos que sacó después la llevaron para un sonido más oscuro y más jazzero, y para una poética más extraña, lejos de la voz asopranada y la dulzura cálida y juvenil que habían enamorado a los fans de su primera etapa, muchos de los cuales probablemente prefirieron quedarse con lo que ya les gustaba y no seguirle la carrera. 

Con los años, Joni se empezó a interesar más en la pintura y en reversionar cada tanto su música de siempre, hasta que directamente fue dejando de hacer hasta eso. En 2015 tuvo un aneurisma y entre todas las cosas que olvidó (cuando tenés un aneurisma no te acordás ni de cómo sentarte en una silla, dijo hace poco en una entrevista) estuvo la habilidad de tocar la guitarra. De aquí a entonces, volvió a autoenseñarse cómo hacerlo mirando videos de YouTube, como lo hacen millones de chicos en todo el mundo en las habitaciones de las casas de sus padres: si estás leyendo esta columna y aprendés arpegios con videos, existe la probabilidad de que, en estos últimos años, Joni Mitchell y vos hayan aprendido con el mismo. De los últimos videos que circularon de su presentación en Newport los más repetidos fueron aquellos en los que canta, pero la sonrisa visible e invisible que la toma cuando toca el solo de guitarra de Just Like This Train es lo que más me conmovió. Da la sensación, mirándola, que no se sentó a estudiar de nuevo para volver a los escenarios: lo hizo como alguien se dispone a hacer una rehabilitación, como alguien aprender a caminar o a hablar, a hacer las cosas que necesita para vivir que no necesariamente son públicas ni nuevas. Hablo sobre todo desde mis prejuicios, quiero decir, contra mis prejuicios: soy yo la que piensa que una vejez vital, que seguir estando viva, es hacer cosas nuevas, seguir creando cosas que antes no existían. Soy yo la que se siente desafiada por la vida contemplativa de Joni Mitchell, por el coraje de su ausencia del candelero.

Y así y todo, es evidente que Joni cree en la novedad, en el sentido de que si vamos a hacer música es para hacerla toda de nuevo, para que cada vez que saquemos una guitarra para cantar la canción que sabemos todos sea un acontecimiento único en el mundo. Con la voz que le dejó el cigarrillo, Joni canta en Newport versiones únicas: repiensa letras y melodías con el instrumento que tiene ahora, jamás se pone nerviosa ni parece, al menos musicalmente, extrañar nada que no sea el presente. Produce un momento sagrado cuando versiona con calma parsimoniosa pero tempo infalible, aceptando y agradeciendo la ayuda que le ofrecen los músicos que la acompañan. No es solemne el momento sagrado: Joni les pide a todos los que la saben que canten con ella, no necesita reverencia ni silencio. Y sí, son las canciones de siempre, pero ella tiene plena conciencia de que las está haciendo todas de nuevo, cuando canta esas canciones de chica de treinta años reflexionando sobre la vida que se oían dulces y melancólicas hace casi sesenta años y en la octava de arriba, y que hoy, en el cuerpo usado de quien hizo lo que quiso y pagó todos los precios, dicen algo completamente diferente, algo que antes no hubieran podido decir y que hoy tampoco puede explicarse con palabras.

TT

“La cultura es el lubricante necesario para introducir a la gente en una nueva guerra”, escribe la poeta británica especializada en Rusia, Sasha Dugdale. En la guerra, la cultura es un campo de batalla como la economía o las telecomunicaciones, y nadie está dispuesto a dejarla de lado. En los últimos días la producción rusa se ha descolgado de Europa. Los festivales han vetado películas y espectáculos y las instituciones han forzado a los artistas, directores de orquesta y cantantes rusos a posicionarse en contra de Putin para seguir trabajando.

El director de cine ruso Vitaly Mansky vive en el exilio y es opositor a su gobierno, pero entiende que Europa extienda las sanciones al conjunto de Rusia. “Creo que las actuales no son suficientes. Y no afectan solo a los artistas, sino que el pueblo ruso lo está perdiendo todo”, reconoció en una entrevista con este diario. Aunque la mayor parte de las medidas están dirigidas a los oligarcas, los actores internacionales han aislado a Rusia y con ello a su población. “Pero debemos sufrirlas y sufrirlas todavía más porque somos responsables”, continuaba el cineasta.

Hay opiniones de todo tipo, desde los que creen que es injusto castigar a los artistas por los actos de su presidente, hasta los propios rusos aceptando las sanciones y cancelando sus proyectos en Rusia. “Este tipo de medidas son de escaso impacto sobre los que las sufren, pero entre los grupos que las promueven son muy efectivas a la hora de sentir que están haciendo algo contra la guerra”, expresa Heriberto Cairo, investigador de geopolítica y relaciones internacionales, y profesor de la Universidad Complutense de Madrid.

Son medidas de escaso impacto, pero muy efectivas para 'sentir' que están haciendo algo contra la guerra

Heriberto Cairo — Investigador en geopolítica

“Expulsar de un festival o de una conferencia a alguien por ser ruso es una medida de homogeneización etnicista que dista de responder a los ideales individualistas del liberalismo, que suelen proclamar los que lo asumen”, opina también el autor del ensayo Política y cultura: la tensión de dos lenguajes. Pero así están procediendo muchos países, como Reino Unido o España.

Un ejemplo es el Festival de Mérida, cuya inauguración iba a correr a cargo del Ballet de San Petersburgo hasta que su representante recibió la temida noticia: su compañía ya no participaría en el evento. Tatiana Solovieva desveló al elDiario.es que toda la gira europea que tenía prevista este año ha sido cancelada: “El arte está por encima de cualquier política y todo el que tenga un mínimo de sensibilidad lo sabe”.

La productora afincada en España critica que el director de Mérida además no haya tenido en cuenta que sus bailarines tienen pasaportes “de todo el planeta, no solo el ruso”. Solovieva tiene una visión profundamente prorrusa del conflicto, pero no quiere posicionarse en público. “Que se posicionen los políticos, nosotros trabajamos para el arte y para el bien”, se lamenta.

“Vamos a ver cómo acaba esto, porque se está anulando todo. Los artistas no pueden hacer mucho, entre el COVID, las prohibiciones de viajar y las cancelaciones porque somos rusos. Todo esto nos afecta, pero esperemos que acabe pronto. Tiene que haber una salida diplomática. La guerra nunca soluciona los problemas”, defiende. Y asevera: “Estamos en contra de las guerras y de la pérdida de vidas humanas”.

La moscovita es representante de varias compañías de ballet privadas. “No recibimos ayudas ni del Gobierno de Rusia ni el de España, nos arriesgamos con la taquilla y agradecemos muchísimo que el público venga cada vez más porque saben que lo que hacemos es auténtico”, expresa. Las que dependen del dinero público ruso, como el Ballet Bolshoi, están en una situación aún más delicada.

A la compañía estatal más importante y prestigiosa de Rusia se le están acumulando las cancelaciones en grandes instituciones europeas. El Royal Opera House de Londres anuló hace días una residencia prevista del 26 de julio al 14 de agosto. Reino Unido, Irlanda y Grecia incluso han prohibido que se proyecten los espectáculos grabados de El lago de los cisnes. Mientras sucede esta cascada de cancelaciones, el Teatro Real mantiene sus seis funciones del Ballet Bolshoi para mayo. Aunque la anulación está encima de la mesa.

Que se posicionen los políticos, nosotros trabajamos para el arte y para el bien

Tatiana Solovieva — Representante de compañías de ballet ruso

Otros han decidido poner la línea en aquellas producciones que hayan recibido dinero público del Gobierno ruso, como el festival de cine de Glasgow. “Diferente es la cuestión si se pide un posicionamiento respecto a un hecho (la guerra), pero aún así debe de hacerse con precaución para no generar una política binaria de amigos-enemigos que poco aporta a la resolución del conflicto”, opina Heriberto Cairo.

Ese es el matiz que ha incluido el festival de Cannes: “Siempre estaremos al servicio de los artistas y profesionales de la industria que alzan la voz para denunciar la violencia, la represión y las injusticias”, escribieron en la nota de prensa que anunciaba el fin de su colaboración con las delegaciones rusas y los creadores afines a Putin.

La Academia de Cine Europeo ha tomado una decisión más drástica: ha expulsado a todas las películas rusas de los premios de este año, sea cual sea la ideología de sus creadores. “¿Por qué reprimir voces que logran crear, incluso bajo una dictadura? Silenciar a los artistas significa silenciar voces que por naturaleza cuestionan su entorno”, criticaba en Twitter la cineasta iraní Beri Shalmashi.

El punto no menos controvertido de esto es que les obliga a posicionarse políticamente. En estos momentos es la única manera de hilar más fino, aunque algunos no lo ven claro: “No se debe dividir el mundo en buenos (los anti-Putin, pro-occidentales) y malos (todos los demás), porque la realidad no está en blanco y negro, sino en diferentes tonos de grises”, defiende el profesor de la Complutense. Cairo está en contra de cualquier boicot independientemente de la crudeza del conflicto, porque significa que “lo que ha fracasado son las estrategias de paz”.

Silenciar a los artistas significa silenciar voces que por naturaleza cuestionan su entorno

Beri Shalmashi — Directora de cine iraní

Pronunciarse y sus riesgos

Detrás de un silencio puede haber varias razones: connivencia o miedo. En el caso de los cineastas Nikita Mikhalkov y Andrey Konchalovsky, ambos profusamente premiados en Europa, se ha interpretado como lo primero. Siempre se han mostrado cercanos a Vladimir Putin y nadie esperaba que se pronunciasen en su contra ahora. Tampoco Valery Gergiev, uno de los directores de orquesta de la Scala de Milán y titular de la Filarmónica de Múnich que ha sido despedido esta semana. La dirección de la Ópera italiana reclamó a Gergiev, “un distanciamiento de la guerra” que nunca se produjo.

El primer artista cancelado en España fue el pianista ruso Denis Matsuev en el Palau de la Música de Barcelona, donde tenía previsto actuar el 5 de marzo. No hay informaciones de que se le exigiese una postura, pero Matsuev fue condecorado por el presidente Putin en 2018 y en 2014 firmó un documento público de apoyo a la invasión de Crimea por parte del ejército ruso.

El caso contrario es el de Anna Netrebko, a quien la afinidad que ha mostrado a lo largo de su carrera con Putin no ha impedido que se manifieste en contra de la guerra. La misma soprano ha cancelado sus espectáculos previstos porque “no es el momento de actuar”. Aún así la Ópera Metropolitan de Nueva York la ha vetado “temporalmente” y sustituido por una cantante ucraniana.

“Que no nos obliguen a decir lo que no queremos decir”, decía la exbailarina de ballet Tatiana Solovieva. En ocasiones el silencio es un escudo a futuras represalias en Rusia, pero a muchos artistas no les ha importado. Un millar de personalidades rusas han firmado una carta condenando la invasión. Otros han ido a mayores y han cerrado museos, dimitido y cancelado sus proyectos en suelo ruso.

Para Vitaly Mansky es una obligación: “Estoy profundamente convencido de que todos los ciudadanos rusos somos cómplices de los crímenes de Putin porque dejamos que sucedan frente a nuestras narices. Y me incluyo más que a nadie”. En opinión del cineasta opositor, “si en Moscú saliesen un millón de personas a la calle, sería el fin de Putin. Pero solo salen unos cuantos”.

MZM

El evento tendrá lugar entre el lunes 13 y el miércoles 15 de diciembre, en el Cultural Vivo (Nicaragua 4462). Habrá charlas, talleres, recitales en vivo y se proyectarán los 150 videoclips que participan de la competencia oficial, pertenecientes a 19 países.

Buenos Aires Music Video Festival (BAMW) es una iniciativa de músicos, directores, productores y profesionales del videoclip que tiene el objetivo de visibilizar artistas nacionales e internacionales. El festival se lleva a cabo con el apoyo de Mecenazgo Cultural, BA Audiovisual, Directores Argentinos Cinematográficos (DAC) y la Cámara Argentina de Videoclips (CAV).

Se otorgarán premios en 33 categorías distintas, como Video del Año, Mejor Director, Mejor Videoclip de Argentina, Mejor Videoclip Internacional, Video Pop, Video Rock, Impacto Social y más. Las categorías se dividen en 5 secciones: Competencia General, Competencia Favorita, Competencia Técnica, Competencia Especial y Competencia Formatos. Por otro lado, el público puede votar por su video preferido en la página del festival hasta el domingo 12 de diciembre.

La Competencia Oficial incluye videos de WOS, Paco Amoroso, CA7RIEL y Nicki Nicole, además de videos de artistas internacionales como Dua Lipa, Residente, Coldplay y BTS. El jurado está compuesto por Lesly Lynch, Chino Moya, Page Buckner y Simón Brand, entre otros. 

Entre las actividades hay charlas entre profesionales del videoclip, un workshop dictado por Mariano Dawidson, una entrevista con Simón Brand, un show de moda protagonizado por Guido Morán y Real Nini, y, en el cierre, la ceremonia de premiación. La programación completa está disponible acá.

MGF

La jueza María Servini de Cubría le prohibió al Gobierno la implementación del bono de $15 mil destinado a los artistas en el periodo la campaña electoral de cara a las elecciones legislativas. El Ministerio de Cultura de la Nación había anunciado el beneficio el lunes 25 de octubre, a través de la Resolución 1561 del Boletín Oficial.

La magistrada dictó una medida cautelar para impedir la ejecución del subsidio, según publicó TN.com.ar.

Se trata de la quinta cuota del “Apoyo Extraordinario” del programa Cultura Solidaria. El objetivo del mismo consiste en ayudar a los sectores culturales afectados por las medidas de aislamiento y distanciamiento social a raíz del brote de Covid-19.

El texto de la Resolución dice: “Si bien la situación epidemiológica ha mejorado como consecuencia del avance en el plan de vacunación nacional que el Estado argentino está llevando a cabo, aún persisten medidas y disposiciones de distanciamiento social, preventivo y obligatorio ante la aparición de nuevas variante del virus Sars Cov 2 que impactan en las actividades del sector cultural”.

El bono estaba destinado a todos los beneficiarios del programa Cultura Solidaria que mantengan su condición de vulnerabilidad y estén incluidos en la Nómina de Beneficiarios dispuesta por la Resolución 853. Hay alrededor de 50.000 personas inscritas en el programa, y se invirtieron, en total, más de 3.800 millones de pesos. El pago del bono está a cargo del ANSES.

Se trata de la segunda oportunidad en que la jueza impide avanzar con un subsidio. La semana pasada decidió dar lugar a un recurso de amparo y resolvió suspender hasta después de las elecciones del 14 de noviembre el plan “Más Cultura Joven” que consistía en entregar $5000 a jóvenes para gastar en actividades culturales porque, según la magistrada, viola la ley electoral.

“Con el fin de evitar cualquier situación que pudiera atentar contra el derecho a elegir libremente, corresponde disponer, en forma previa a la sustanciación de este proceso, una orden de restricción al Sr. Ministro de Cultura de la Nación, Sr. Tristán Bauer, al sólo efecto de que se abstenga de disponer de los fondos de dicho ministerio, para dar cumplimiento con la Resolución N° 1499/21, hasta pasadas las elecciones generales previstas para el día 14 de noviembre próximo”, remarcó Servini en el fallo.

AB