1.Hermeto Secreto

“No sabía lo que pasaba en el resto del Brasil”, me contó hace años Hermeto Pascoal. “Para mí la música era la del lugar donde vivía, entre los árboles y escuchando los pájaros de la laguna”. Había nacido en 1936 en Olho d’Agua y se crio en Lagoa da Canoa, en esa época parte del Município de Arapiraca, en el estado de Alagoas. “Recién cuando estuvo en Recife y, más tarde, en Río de Janeiro y San Pablo supe del tropicalismo. Tampoco sabía nada de la bossa nova”, contaba. Y esa distancia se convirtió en su estilo y en su firma.

 “Mi música no tenía nada que ver con la de ellos y será por eso que ellos desconfiaron de mí y me hicieron a un lado. Yo no quería hacer música comercial ni ninguna clase de concesiones, así que tenía a todos en contra”, decía ese músico de imaginación notable, que murió a los 89 años el 13 de septiembre pasado. Sus comienzos como músico habían sido junto a su hermano mayor, José Neto, en forrós y fiestas de casamiento. Se mudó a Recife en 1950 y se ofreció para trabajar en Rádio Tamandaré, a partir de lo cual, gracias a la ayuda de Sivuca (ya en ese entonces un exitoso intérprete de sanfona, el acordeón típico del nordeste brasileño), fue convocado para integrar la orquesta de Rádio Jornal do Commercio. Acompañó a Geraldo Vandré y grabó con Edú Lobo, integró varios grupos de jazz –o sus satélites–, deslumbró a Miles Davis, que incluyó dos temas suyos en Live-Evil, –“Little Church (Igrejinha)” y “Nem um talvez”–, y colaboró con Opa –el grupo con el que los hermanos Fattoruso grabaron en los Estados Unidos–, con Airto Moreira y Flora Purim y con Stone Alliance –el trío del saxofonista Steve Grossman–.

Fue, no obstante, poco conocido en Brasil. Y, en cambio, una celebridad en Buenos Aires. O, por lo menos en ese círculo que lo descubrió con su primer disco editado en esta ciudad –el segundo como solista, Misa de esclavos– y que, en 1987, salió en procesión detrás del músico, al final de su show en el Teatro Coliseo, para continuar la fiesta en la plaza de enfrente. Su obra menos transitada es, precisamente, la anterior a esa Misa de esclavos en que parte de la percusión estaba provista por la grabación de los gruñidos de unos cerdos: el trío Sambrasa, donde tocaba piano y sanfona, el notable Brazilian Octopus y el Cuarteto Novo, que integró junto a Airto Moreira, el guitarrista Heraldo do Monte y el bajista Théo de Barros. En 1970 publicó su primer disco como solista, A musica livre de Hermeto Pascoal –reeditado como Hermeto– y ese fue el comienzo de su segunda biografía. Las plataformas muestran algunas omisiones importantes en su obra, como la grabación del concierto en Montreux con Elis Regina, en 1979, aunque lo compensa un extraordinario video en YouTube. Y aquí va una selección de parte de esa primera historia y de sus colaboraciones posteriores, incluyendo, claro, aquellos maravillosos cerdos percusivos.

2. Constantino Gaito. El olvidado

Nació en 1878 y en diciembre de este año se cumplirán ochenta de su muerte. Las lamentables –o inexistentes– políticas oficiales en relación con el patrimonio cultural argentino, han sumido a la obra de uno de sus compositores más importantes en la virtual inexistencia y en la niebla del poco valorado nacionalismo musical. Lo cierto es que Constantino Gaito fue mucho más que “un coya franckiano”, como el ensayista y compositor Juan Carlos Paz anatemizó a toda esa corriente, caracterizándola por las mezclas poco felices entre un indigenismo pintoresquista y las influencias de César Franck. De hecho es el compositor de una de las mejores óperas argentinas, Ollantay (estrenada en 1926), que bien podría reponerse alguna vez –la última representación en el Teatro Colón fue hace 49 años–. Y su música de cámara y para piano, de texturas casi transparentes e inspiración considerable, está entre lo más importante compuesta en este país en la primera mitad del siglo XX. Una de las personas que más ha hecho por el rescate de esta obra es Agustina Herrera, pianista notable y bisnieta del compositor, que ha grabado para el sello alemán CPO, junto con el Cuarteto Sarastro, el trío y el quinteto con piano, además de una sonata para cello y piano, y para Virtuoso Records, la totalidad de su obra para piano, en tres volúmenes. El Cuarteto Petrus, conformado por Pablo Saraví y Hernán Briático en violines, Denis Golovin en viola y Cecilia Slamig en cello, acaba de registrar, por su parte, el Cuarteto para cuerdas Nº 1 de Gaito y completa su disco con el Cuarteto de Cuerdas en do menor de Héctor Panizza, el autor de la ópera Aurora.

3. Un lugar fuera de un lugar

Liliana Herrero nunca fue solo una cantante. Su proyecto estético –que es a la vez un proyecto ideológico y una reflexión acerca de la cultura y la tradición, esas cosas distintas que suelen confundirse– estuvo, y sigue estando, en la superficie. Y debajo, en su manera de decir, hay una cierta idea acerca del dolor. Después de una pérdida desmedida, Herrero vuelve con un disco llamado Fuera de lugar. Hay un dato insoslayable, el acompañamiento minimista del piano y la percusión envolvente. Hay un repertorio alejado de la obviedad, que incluye a Charly García y a Luis Alberto Spinetta. Y está la presencia de Lidia Borda (ella y ese contrabajo en “Asilo en tu corazón”). Pero, sobre todo, hay un nuevo lugar. Un lugar que no se sabía que estaba allí. Esperando.

DF/MF

El último concierto de la gira de presentación de su último disco será especial para la española Silvia Pérez Cruz. Buenos Aires es una ciudad con la que tiene vínculos fuertes y donde vivió algunas experiencias musicales intensas en los últimos tiempos. Después de ese último show en el Auditorio Belgrano, la catalana emprenderá una gira con el guitarrista y compositor argentino Juan Falú, con la que recorrerá primero varias ciudades de España y después volverá a cruzar el Atlántico.

Toda la vida, un día, su séptimo trabajo discográfico, supone un viaje de lo acústico a lo clásico, con vientos, percusión, nuevas sonoridades y también la intimidad del dúo de la guitarra de siempre. Es un disco macerado en pandemia que para esta exquisita cantante, nacida en Palafrugell, Girona, en 1983, fue una especie de renacimiento artístico que la consolidó como compositora. Cuenta con invitados especiales como Liliana Herrero, Juan Quintero y Natalia Lafourcade, entre otros.

—Tu relación con Argentina es intensa. Viniste varias veces. Y la última vez que viniste grabaste con Juan Falú, con el que ahora en noviembre te vas de gira. ¿Cómo se dio ese encuentro?

—Fue hace años, antes de la pandemia. Yo estaba en Argentina con Juan Quintero y Luna Monti. Me invitaron a ver un concierto de Juan Falú y después del concierto me lo presentaron y empezamos a cantar y fue una conexión instantánea con ese hombre. Tiene una relación con la música, una libertad, una creatividad, una sensibilidad que me dejó cautivada. Entonces intenté encontrarlo los años siguientes que viajé, pero era difícil ponerse en contacto. Hace dos años, en el 2022, él vino a tocar a Madrid en un sitio que se llama Café Berlín y lo contacté. Le dije: “Juan, soy Silvia, no sé si te acuerdas de mí. Estoy en Madrid”. Justo estaba en Madrid. Yo vivo en Barcelona . Y hablamos y le dije: si quieres, yo canto, que a mí me encanta. Entonces fui a ver el concierto y cuando terminó el concierto, en los bises, dice: “Creo que está una amiga por aquí”. Y salí a cantar un tema y nos gustó tanto que no me dejó bajar. Hicimos como tres canciones. Después estuvimos haciendo un poco de guitarreada en un bar de al lado y estuvimos tocando más canciones de folklore argentino, también de Brasil, y quedó ahí como una conexión preciosa.

En el 2022 volví a Buenos Aires y grabé un tema con Liliana Herrero y Pedro Rossi para el disco que vengo a presentar ahora, que tiene el nombre del disco “Toda la vida, un día”. Y entonces vi a Juan y quedamos en grabar en el estudio. Entonces me fui a su casa. Miramos tonos sin ensayar mucho. Nos fuimos a un estudio y había un buen vino y estuvimos todo el día cantando canciones del folklore argentino y alguna brasilera y también una nueva de él y una mía. Y entonces grabamos ese disco en el 2022 y le digo: bueno, cuando yo termine mi disco me encantaría sacar este. Entonces ahora en noviembre va a salir el disco y va a venir a hacer unos conciertos en España, en muchas ciudades. Y luego estamos intentando ir a Argentina. Vamos a tocar seguro en Montevideo y Tilcara. Y después me gustaría hacer Buenos Aires, Rosario, Córdoba, Mendoza. A ver qué sale. Me apetece mucho porque el disco que vengo a presentar ahora, el que he estado girando, es de todo el imaginario, de mucha composición, como ir tejiendo, como muy pensado luego en el escenario. Es sentido, pero hay mucho pensamiento. Y me apetece mucho después de esto, poder hacer un concierto que es una conversación entre dos personas, y una de ellas es Juan Falú, que me enamora su manera de tocar. Es una preciosidad.

—Y en este disco está Liliana Herrero que es otra de nuestras grandes de la música de raíz. ¿Cómo conociste a Liliana? ¿Cómo se te ocurrió incluirla en tu disco?

—Fue en el febrero de 2022. Me invitan al Festival Medio y Medio en Punta Ballena, en Uruguay, para encontrarme con Liliana y María Gadú y Pedro Rossi, que no nos conocíamos, para crear un repertorio y hacer un concierto. Entonces yo llegué allí y me encontré con estas personas increíbles. Estuvimos un día comiendo, bebiendo, llorando, riendo y cantando. A mí me gusta mucho el folklore argentino y la música de Brasil. Entonces me era muy natural poder cantar con las dos. Y se creó un vínculo muy fuerte. Y no solo eso, sino que me marcaron mucho personalmente. Esas mujeres tienen un discurso muy potente. Aprendí muchísimo y en ese momento también Liliana como que la vida y la muerte la entendía muy bien. Y creo que me puso en mi lugar. Yo estaba un poco frágil en ese momento y me ayudó a reencontrarme. Y cuando llegué ahí yo les había hecho una canción de regalo a cada una y después de conocerlas, las terminé. Y la canción de Liliana es la que da título al disco, “Toda la vida, un día”. Entonces volví a España y entendí el concepto del disco. Seguí componiendo y dije: Yo quiero cantar esta canción contigo, si tú quieres. Me vengo a Buenos Aires. Para grabar con ella, con Juan Falú, con Juan Quintero. Entonces es una canción que le compuse a ella y que me ayudó a entender el disco que estaba construyendo. Y tuvimos la suerte de este concierto hacerlo en Buenos Aires, en Montevideo, en Barcelona, en Madrid. Y ahora en agosto nos encontramos en Río de Janeiro, que fue muy lindo. Es una mujer increíble de la que aprendo muchísimo.

—Y también grabaste con Juan Quintero.

—Sí, también en este disco que vengo a presentar. Como el disco habla de toda una vida y pasa por todas las edades, está ordenado en movimientos y cada movimiento es una edad: infancia, juventud, madurez, vejez y renacimiento. Pues en la madurez entendí que hay que saber pedir ayuda. Entonces escuché por primera vez una canción de Edgardo Cardozo cantada por Juan Quintero, que es una adaptación del Martín Fierro, y le pedí permiso también al maestro Edgardo si le importaba que cantáramos esa canción. Es la única que no es mía. Incluso le pregunté si podía poner el título “Ayuda”, porque él la llama “Martín”. Era muy importante para mí poner esa palabra. Entonces, en el tercer movimiento, canto esta canción con Juan Quintero también en intimidad. Porque el tercer movimiento habla de la intimidad, de la amistad, de los pequeños detalles. Y canté con Juan Quintero y luego me fui a México y canté con Natalia Lafourcade otra canción a dúo.

—Y tengo entendido que este disco nació en pandemia, que estábamos todos solos en nuestras casas. ¿Cómo fue?

—En pandemia yo creo que todos hicimos una revisión de nuestras vidas, pero me di cuenta que la composición es algo natural en mí, que lo necesito para transformar y filtrar emociones que a veces no puedo expresar. Y sin saber que estaba haciendo un disco, empecé componiendo canciones para los cumpleaños de mis amigos que no podía ver en pandemia, que son las canciones del primer movimiento, de la infancia de la gente. Son canciones que hablan de la esencia de esas personas. Y empecé sin saber pero desde esa soledad. Y esa soledad me hizo entender que si finalmente eso se convirtió en un disco, creía muy importante que hubiera un coro para unir las soledades, porque era algo que estábamos viviendo todos. Entonces en el disco, aparece un coro también de 30 personas, que es como todos. El todos en contraposición a esa soledad tan profunda que vivimos y que ya tiene la composición en sí.

—¿Para vos es importante que la música sea colectiva y compartida?

—Para mí la música, tiene todas las posibilidades del mundo. Me encanta hacer un concierto sola porque es reencontrarme con el presente. Puedo cambiar los tiempos, puedo hacer silencios larguísimos. Puedo sentir exactamente cómo siento esa canción en ese momento. Y también me encanta el juego de compartir con músicos en el escenario o crear con músicos. Es un lenguaje que también permite eso el juego. Para mí es importante no perder ese verbo de pasárselo bien, compartir y todo lo que pasa en un escenario para mí es como un reflejo de mi sociedad ideal. Un grupo de personas donde cada uno tiene una función y el interés es que cada uno pueda brillar y eso multiplica la belleza de todos. En lo colectivo, se multiplica la belleza, bien entendida, y el dolor supongo que también, pero la belleza si es compartida y todo el mundo se siente realizado tengo demostradísimo ya que se multiplica.

—Y en los conciertos siempre da la impresión que estás como con la sensibilidad muy a flor de piel y eso es muy intenso porque haces muchos conciertos. ¿Cómo haces para llevar eso?

—No lo sé. Este año en concreto he vivido como un renacimiento, también artístico y personal, y he trabajado mucho, he viajado mucho y me han preguntado muchas veces cómo aguantaba y he entendido que tengo mucha energía, tengo mucho aguante. Y con los años he aprendido. Antes hacía un concierto y tenía que descansar mucho más tiempo, porque es verdad que aunque me encanta el humor y presentando me gusta que ríamos todos, porque para sobrevivir es básico y para respirar, a pesar de eso en las canciones es igual la puerta para llegar a la emoción más profunda y más pura que tengo. Entonces ahí hay como una sanación. Y si estás en un buen entorno, normalmente te vuelve mucha energía, te alimenta también. No solo estás dando, sino que también recibes. Y, es más, el concierto también lo percibo como un ritual colectivo con el público. Es como si le cantara a una persona y y también soy yo esa persona. Y en este mundo que vivimos tan solos, me emociona mucho ver un espacio donde la gente se está emocionando con lo mismo, a pesar de sus creencias o sus maneras de vestir o su edad. Y eso cuando funciona, que la verdad es que es casi siempre, porque es el lenguaje que más entiendo y donde entiendo más las emociones, entonces se vuelve circular también. Pero por supuesto, hay que descansar. Cuando tengo muchos conciertos seguidos también me quedo en la cama todo el día. A veces no puedo hacer nada más para guardar la energía. Pero sí que me doy cuenta que vivo mucho el presente y que si estoy cantando, estoy cantando, pero que si llego a mi casa estoy muy en mi casa y me pongo a regar, me pongo a cocinar, como que cambio el chip muy rápido. Creo que esta es mi virtud, la capacidad de concentración. Estoy aquí y y me entrego.

—¿Cómo va a ser este concierto del 26 de septiembre?

—La base somos los cuatro músicos de siempre que está Carlos Monfort al violín, pero también toca la percusión. Vamos cambiando de instrumento. Monfort es mexicano, Bori Albero al contrabajo, Marta Roma al chelo. Y como estamos en Argentina, estoy viendo a ver quién puede estar. Me encantaría que estuvieran Liliana y Pedro, si pueden, Luna Monti también va a venir a cantar y Nadia Larcher va a abrir el concierto. Y también me encantaría que cantáramos juntas, porque nos queremos mucho también.

—Este es el último concierto de la gira. Después, además de este proyecto con Falú, ¿qué se viene?

—De momento estoy muy centrada en lo de Juan Falú. Luego quiero descansar un poquito. Y voy componiendo. Ahora hay algunas canciones que voy sacando solas, porque por ejemplo ahora el viernes salió una canción que compuse con un poema de un indígena colombiano. Luego otras canciones que si puedo ir compartiendo así como besitos, lo iré haciendo. Y hay más proyectos más adelante, pero hasta que no estén confirmados tampoco los quiero decir. Pero te puedo decir que si antes uno de mis miedos era perder la creatividad o la ilusión, me siento cada vez más fértil y con más ganas de compartir y aprender. Está muy vivo. El objetivo es más aprender cuánto tiempo necesito para poderlo disfrutar todo. La vida y el canto, todo. Ir aprendiendo, como todos en la vida, a poner los descansos y el disfrute para poder disfrutar de las cosas que tú amas, que no solo son la música sino las personas queridas, tus amigos, tus paisajes. Pero estamos bien vivos.

CRM

Antes de empezar y como la próxima edición de Raíces será después de Navidad, en ésta hago de Mamá Noel y les traigo un regalo musical: un par de entradas para disfrutar el próximo lunes la fiesta que arma La Bomba de Tiempo en el CC Konex. Para conseguirlas, tienen que responder a una pregunta en este formulario y dejar su mail. Sorteamos el jueves. Ahora sí, adentrémonos en la música de esta edición:

Cecilia Pahl adelanta lo que será Estampas Argentinas

Cecilia Pahl lanzó el primer sencillo del disco que anunciábamos hace algunas semanas. Se titula El carretero, es de Carlos López Buchardo, con poesía de Gustavo Caraballo, y es “una canción de amor perdido por la distancia”. Fue escrita en 1924. Y es que el disco Estampas argentinas, que Pahl está presentando con Matías Arriazu en la guitarra de ocho cuerdas y Ernesto Snajer en la de seis, es un trabajo que reúne canciones de compositores de la música clásica argentina pero en versiones para voz y dos guitarras. Además de López Buchardo, están Alberto Ginastera y Carlos Guastavino entre otros. 

Nacida en Puerto Rico y criada entre Córdoba y Misiones, Pahl hasta ahora se había dedicado sobre todo a la música litoraleña. Pero este trabajo, que se comenzó a grabar en agosto con los arreglos de Arriazu y Snajer, supone un desafío nuevo. La idea fue releer esas canciones del repertorio académico en clave de música popular. El resultado es esta preciosura en la que la dulce y despojada voz de Pahl navega entre las guitarras de estos dos cracks:

El disco incluirá un texto del especialista en música popular Sergio Pujol que afirma que el canto de Pahl “ilumina estas canciones argentinas que dormían quién sabe en qué rincón perdido de la memoria cultural argentina” y que “han despertado no para reproducir el mundo en el que fueron creadas sino para vivir plenamente en el siglo XXI, al lado de nuevos repertorios y nuevas voces”. Así sea.

Emilia Siede lanza su primer disco solista

Emilia Siede, neuquina residente en Montevideo desde 2018, también presentó single nuevo. Es el primero de su primer disco solista y es otra maravilla de delicadeza y poesía. Se llama Pez de río y es la única canción del álbum compuesta por la misma Siede. Tiene un aire a gualambao -ese género litoraleño creado por Ramón Ayala- y gira en torno al Paraná y sus pescadores. Por eso avanza con cadencia fluvial en esta joven voz que integró grupos como La Maderosa y La Colmena y formó un trío con Pablo Riquero y Lautaro Matute. Este último (sobre cuyo disco hablamos en el Raíces de hace dos semanas) es el productor del disco, que se llamará Es un decir, y también se hizo cargo de las guitarras. El repertorio de este trabajo, que se grabó en julio y agosto en Buenos Aires, abarca creaciones de autores contemporáneos como Papina de Palma, Mocchi, Duratierra, Decidores, Nico Ibarburu, Valbé/Noe Recalde y Niké Rallis, que le sirvieron a Siede para ir construyendo “un relato propio”, según contó a elDiarioAR.

Las influencias musicales de Siede son muy diversas, pero sobre todo latinoamericanas. Grandes cantoras son sus referentes y guías: Mercedes Sosa, Liliana Herrero, Susana Bacca, Marisa Monte, Elis Regina, Totó la Momposina, Petrona Martínez, de las de siempre, y Nadia Larcher, Mery Murua, Sofía Viola y Luciana Jury, de las actuales.

En el disco se nota la influencia de Uruguay en algunos temas, pero sobre todo en el proceso creativo de esta cantora. “Haberme movido del lugar en el que cual viví casi toda mi vida se nota en el crecimiento que significó para mí. Haberme rodeado de nuevas músicas, de tambores que suenan todas las semanas, de paisajes con unos horizontes absolutamente despejados y unos atardeceres alucinantes, de nuevos vínculos, todo eso es parte de este disco”.

Y agrega: “Son canciones cercanas al folklore si pensamos al folklore como aquella expresión popular que nace de la necesidad de distintos pueblos de decir algo. No es el folklore tradicional que hemos escuchado y que amamos. Siento que soy parte de una generación que está componiendo muchísimo, están brotando muchas canciones nuevas preciosas, y lo entiendo como algo folklórico en sí, como si les cantautores de hoy fueran el nuevo folklore, siempre arraigados al paisaje y las influencias de territorio. Cuando interpreto las canciones busco ir hacia esa raíz, que es la que me conecta con lo más puro y esencial de la voz y de la música”.

Liliana Herrero despide el año en el Café Berlín

Y hablando de voces femeninas del folklore, una de las que más influencia tuvo y tiene en las nuevas generaciones es la de la entrerriana Liliana Herrero, que podrá apreciarse este jueves 16 de diciembre, en la que será su última fecha del año en Buenos Aires, en el Café Berlín, ese espacio nuevo en Devoto llegado desde Madrid que promete convertirse en nuevo templo de la música independiente. Herrero, que este año perdió a su compañero, el sociólogo Horacio González, volvió con fuerza (y con humor, como se ve en la promo de acá abajo) a los escenarios. La acompañarán en este concierto en formato acústico e íntimo, como es habitual, Pedro Rossi en guitarra y Ariel Naón en contrabajo. (Por cierto, el sábado 18, en la explanada de la Biblioteca Nacional, se presentará un libro póstumo de González. Tocará Juan Falú).

Ernesto Snajer inauguró ciclo de recitales gratuitos con invitados

El guitarrista Ernesto Snajer (al que mencionábamos más arriba) inauguró el jueves 9 de diciembre el ciclo de música popular Encuentros en Circe en Circe Fábrica de Arte. Se trata de recitales con entrada libre -sí, leyeron bien- en los que contará con invitados especiales. La primera fue la misionera Flor Bobadilla Oliva. Y el próximo es, este jueves 16, el mágico guitarrista, cantante y compositor Edgardo Cardozo. “Cada velada arrancará con un breve set a cargo de Snajer. A continuación, la figura invitada hará su propio segmento solista. El cierre será a dúo, y lxs artistas compartirán músicas propias y versiones de grandes compositorxs, especialmente preparadas para el show”, prometen desde el espacio. La capacidad es limitada, por lo que les recomiendo reservar con tiempo.

Por cierto, Snajer es el productor y arreglador de los tres temas que integran el nuevo EP del dúo Perotá Chingó llamado Raíces (sí, como esta columna). Contó con este plantel de lujo para hacerlo: Cristian Zárate, Santiago “Tarco” Arias, Matías Méndez y Mariano “Tiki” Cantero. No debe extrañar, por lo tanto, que suene así de bien la versión que hicieron de Como flor de campo, de Raúl Carnota:

Sofía Rei combina tradición y modernidad en Umbral

Hasta dónde pueden crecer los sonidos de raíz lo demuestra Sofía Rei, argentina residente hace 20 años en Nueva York, en su nuevo disco Umbral, ya disponible en las plataformas digitales. La cantante y compositora combina tradición y modernidad en los siete temas de este trabajo, fruto de un viaje por el Valle de Elqui en Chile, que le sirvió como “catalizador de un álbum que explora los confines de la propia creatividad”, según reza el texto de promoción.

La cantante, que lleva editados cinco álbumes de manera independiente, entre ellos El Gavilán (2017), en el que reversiona canciones de Violeta Parra, se fue a Chile de mochilera agobiada por las complejidades de la vida moderna. De ese viaje nacieron estas canciones, que conjugan la tradición folklórica latinoamericana con las nuevas tecnologías digitales y tendencias musicales, dando a luz sonoridades nuevas. Rei, habitué de los festivales de world music en el mundo, también es docente en el NYU Tisch Clive Davis Institute, donde desarrolló la cátedra “Nuevas perspectivas en la música latinoamericana”.  

Yapa

La cantora cordobesa Paola Bernal lleva un tiempo como conductora del programa En qué andamos en Canal U de Córdoba con idea y producción general de Silvia Majul y dirección de Eduardo Fisicaro. Pueden darse una vuelta por el canal de YouTube para ver las otras entrevistas a referentes culturales. A mí me gustó compartirles hoy la que le hizo a Juan Iñaki.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM