Al extenso currículum de Javier Bardem se suma desde este viernes 5 de junio la serie Cabo de miedo, una de las grandes series de Apple TV para el año 2026. En ella interpreta al temido criminal Max Cady, personaje que pasó por las manos de Robert Mitchum (1962) y Robert De Niro (1991) en las dos películas que preceden a esta nueva adaptación de la novela de John D. MacDonald.

El productor y guionista Nick Antosca, creador de la serie, tuvo pocas dudas al determinar qué actor sucedería a Robert Mitchum y Robert De Niro, que son “dos de los villanos más icónicos de la historia”. “¿Cómo podés igualar eso? Tiene que ser alguien digno de ese legado, y ¿quién puede aportar el magnetismo, la amenaza y la intensidad? No podía imaginar a nadie más que a Javier interpretando este papel. Tiene que ser algo único y diferente”, reflexiona Antosca en una entrevista con The Hollywood Reporter. “Lo que hizo De Niro fue muy distinto a lo que hizo Mitchum; sabía que Javier no iba a imitarlo, sino que iba a aportar algo nuevo”, añade.

En efecto, el español, que este martes participó en el estreno que tuvo lugar en Los Ángeles, se pudo tomar algunas licencias creativas porque no era una película lo que tenía entre manos (como sus predecesores) sino una serie de 10 capítulos. De lo contrario, dice Bardem, no se “habría atrevido a tocar” el papel que le valió a De Niro una nominación al Oscar. Y no, no habló con el archiconocido actor neoyorquino para preparar el personaje.

Preguntado por sus métodos de trabajo para meterse en la piel del criminal, Bardem, acostumbrado a los villanos, niega que toda esa maldad que impregna sus guiones lo afecte en la vida real. “¿Qué sentido tiene? De otra forma, ni siquiera me parece interesante. No soy ese tipo”, contesta.

Sorprendentemente, Bardem tuvo que abandonar el rodaje de Cabo de miedo para grabar la tercera película de Dune. Eso, añade el actor, supuso una carga de trabajo a la que, por otra parte, está mucho más que acostumbrado. “Para entrar y salir del personaje solo hay que viajar en avión. Es a lo que te dedicas. Estamos en el departamento de actuación”.

El nuevo thriller de terror psicológico de Apple TV está creado y producido por el showrunner Nick Antosca, con la producción ejecutiva de Martin Scorsese y Steven Spielberg.

Javier Bardem, Amy Adams y Patrick Wilson protagonizan esta historia de terror que comienza con la excarcelación de Max Cady, un célebre asesino que utilizará su libertad para atemorizar a los abogados que lo metieron entre rejas.

Javier Bardem tiene algo de su personaje en El ser querido, y es que cuando entra en una habitación una fuerza magnética hace que todos se giren. Es una energía, un carisma… algo que se tiene o no se tiene. Lo demostró una vez más cuando atendió la prensa española en el Festival de Cannes, a pocas horas de que paseara por la alfombra roja del certamen junto a Rodrigo Sorogoyen y su compañera de reparto, una Victoria Luengo que se mide cara a cara con él y que no se achanta a su lado. Tampoco en las entrevistas.

Ambos forman una dupla única en pantalla, donde dan vida a un director y a una actriz que son padre e hija y que hace 13 años que no se ven. También fuera de ella. Ambos se encuentran tranquilos, disfrutando de ese momento histórico del cine español. “Viviéndolo en presente”, dice Luengo, y añade Bardem que esto que está pasando “hay que celebrarlo”. “Por mucho que le pese a una parte de la sociedad, lo que está pasando este año habla mucho de la importancia de apoyar un cine que da tanto trabajo y que da ganancia”, añade. “Marca España”, apostilla su compañera.

El actor llega a Cannes después de su presencia en los Oscar, donde se atrevió a hacer lo que pocos, decir en la noche del cine de Hollywood, “no a la guerra y palestina libre”. El primer día de certamen, Paul Laverty le daba las gracias por decir algo que en el cine de EE.UU. puede colocarlo en listas negras. Bardem asegura que aunque no tiene “pruebas de cosas concretas” en ese sentido, sí que oye y le llegan cosas. “Rumores de cosas que han pasado, pero si supiese a ciencia qué, lo hubiese dicho. Porque eso es lo que está cambiando ahora. Ya hay valor para denunciar cuáles son las empresas, las productoras o los individuos que están haciendo eso”, asevera.

Para Bardem “la narrativa está cambiando, ya no la controlan ellos”. “Ahora las nuevas generaciones se echan a la calle y dicen que esto no es posible. Esto antes no sucedía. Dentro de eso, evidentemente hay riesgo. Soy consciente de ello, yo lo tomo porque tengo una posición privilegiada. Tengo un panorama laboral delante de mí que no se está viendo afectado, sino todo lo contrario, me están llamando aún más, incluido en EE.UU., porque saben que ahora si hacen lo contrario, apoyar el silencio, apoyar la neutralidad, apoyar la cancelación, la agresividad que han estado a veces haciendo gala algunas personas o algunas empresas, quedan muy expuestos. Y eso es ya una gran victoria. Evidentemente hay riesgos, pero yo prefiero tomarlos porque puedo tomarlos”, añade.

Pero también anima a que el resto lo haga: “Aquellos que no quieran tomarlos aunque puedan tomarlos, me parece que son cobardes. Aquellos que no puedan tomarlos porque no tienen la capacidad de poder trabajar porque están empezando, yo lo entiendo. Pero hay cosas en donde la neutralidad ya no es posible. No creo que sea una opción en el momento en el que estamos. Donde estamos viviendo muchísimas atrocidades. Creo que lo que sucede en Gaza y en Palestina nos representa mucho a nivel humano, porque es de una mezquindad, de hipocresía institucional, política, económica, y al mismo tiempo de un nivel de inhumanidad que representa a todos los grandes conflictos que suceden en este mundo. Además lleva muchísimas décadas sucediendo. Es importante si puedes alzar la voz, y yo desde aquí animo a los que no lo hacen, que sepan que que hay muchísima gente que están apoyando laboralmente a aquellos que toman la decisión de hablar públicamente”, remata.

Masculinidad y relato

El ser querido es una película que enmarca esa posibilidad de reencuentro en medio de un rodaje. Y es ahí, en medio de esas tensiones, donde salen dos de los temas que atraviesan la película: la masculinidad y el relato. La masculinidad de un director que Rodrigo Sorogoyen e Isa Peña definen como “un animal enjaulado”. Alguien que está intentando hacerlo bien, que se dice “que ya no es la persona que era, que se va a esforzar por cambiar”. “Ese es su relato”, explica Isabel Peña al lado de Sorogoyen.

El director deja claro que, aunque se nutren de sus experiencias, él no es como Esteban. No tiene ese animal que estalla cuando alguien no toma la sopa en una escena cómo a él le gustaría que la tomaran. Peña añade que hay mucha memoria de sus experiencias en rodaje. “Y también muchas historias que hemos escuchado de otros personajes que se parecen más a Esteban y que pueblan nuestra industria”, apunta.

Un rodaje es piramidal. Un señor que da órdenes y los demás las siguen. Eso puede dar pie a muchas equivocaciones y mucho abuso de poder

Javier Bardem — Actor

Bardem cree que los rodajes son “lugares muy poco democráticos”. “Un rodaje es piramidal. Un señor que da órdenes y los demás las siguen. Eso puede dar pie a muchas equivocaciones y mucho abuso de poder. Es verdad que en mis 30 y tantos años en esta profesión algunas cosas he visto, no hasta el nivel que se cuenta en la película, pero sí situaciones desagradables de directores y actores o productores que crean un ambiente difícil. También me incluyo yo. Yo también he tenido momentos donde me he puesto muy cabrón. Porque me he puesto nervioso, porque he estado enfadado, porque tengo un mal día y de pronto, el hecho de ser el actor principal de ese día, me da un teórico poder que a no ser que seas consciente de ello, puede ser peligroso. Yo creo que fui consciente y pedí perdón después, pero se dan las situaciones idóneas para que se crea una situación de abuso. Dicho esto, en un set de cine y en cualquier ambiente laboral donde haya”, subraya.

Luengo añade que hay algo que cambió en estos años, y que la clave es que todos los periodistas mencionan un término “el de masculinidad tóxica”. “La peli pone el foco también en que estamos evolucionando, en que estamos mejor y en que ahora, por ejemplo, hay muchas mujeres en esta película que ponen un límite al director. También es bonito poner el foco en que estamos mejorando. Pensaba antes que si esta película la hubiéramos visto hace diez años, no sé si hubiéramos hablado tanto de masculinidad tóxica, y el hecho de que ahora habléis de ello, creo que es una buena señal. Porque nosotros no hemos hecho una película sobre la masculinidad tóxica, hemos hecho una película sobre un padre y una hija que se relacionan de una manera que es consecuencia de años de educación patriarcal y evidentemente machista que hemos recibido. Me gusta mucho que hablemos de masculinidad tóxica porque significa que las cosas han cambiado y que el punto de vista sobre una relación paterno filial se puede leer como tóxico, cuando antes simplemente se hubiera leído como una relación que no va bien”, completa.

“Esta es una película sobre dos personas que no se miran a los ojos”. Lo dijo Javier Bardem en el comienzo de El ser querido, en una escena tensísima de casi 20 minutos que precede al título de la película y que marca el tono de la misma. Su personaje, Esteban, un director de cine ganador del Oscar y endiosado por todos, le cuenta a su hija, a la que hace 13 años que no ve, la película que tiene en mente y que quiere que ella protagonice. Un proyecto ambicioso, sobre la memoria de España, sobre quién la construye.

En esa conversación, inteligente, vibrante y excelentemente escrita, Rodrigo Sorogoyen avanza también al espectador los que serán los temas que desarrolla en El ser querido, su última película con la que compite por primera vez por la Palma de Oro en el Festival de Cannes. El ser querido es, digámoslo ya, su película más madura y la mejor. Parece que, alejado del corsé del género que había en sus anteriores películas como As bestas, el cineasta consiguió abordar temáticas que siempre le interesaron de una forma más abierta, sin los peajes del thriller. 

El ser querido habla de un reencuentro. O un intento de. El de ese director que quiere redimir sus pecados reencontrándose con la hija a la que abandonó. Eso convierte El ser querido en un filme sobre la culpa, pero sobre todo sobre cómo se construye la memoria y el relato. Los recuerdos de ese padre y su hija, a la que interpreta Victoria Luengo, son radicalmente diferentes. Y ninguno dará su brazo a torcer. Los dos lo vivieron y los filtraron y aceptaron de forma diferente. O se lo contaron a sí mismos de una forma que les ayudó a avanzar.

Sorogoyen articula ese reencuentro en torno a un rodaje que se ve atravesado por el pasado. Por el pasado que cuenta esa película dentro de El ser querido, llamada Desierto y que aborda el pasado colonial de España en el Sáhara, pero también por el pasado de sus personajes. Los temas de ambas se entrelazan en un juego vibrante de realidad y ficción. 

Ese rodaje lo cuenta Sorogoyen con un músculo y pulso envidiables. Nunca se había visto un rodaje de una película así. Uno tiene la sensación de estar de lleno dentro, entendiendo las labores de los miembros del equipo, y viendo cómo todo depende de la personalidad de ese director endiosado, algo que se solidifica en una escena para el recuerdo (y por suerte El ser querido tiene unas cuantas de ellas). Una escena de una comida y donde los actores del filme que ruedan —maravillosos Raúl Arévalo, Raúl Prieto y Melina Matthews— les da un ataque de risa mientras a Bardem le da un ataque de ira donde saca su auténtico yo. Una escena en donde la risa da paso al auténtico pavor a los dictadores que se esconden detrás de una cámara y que el cine ha permitido todo.

Dentro de ese rodaje los dos protagonistas irán encontrando el valor para empezar a decirse todo lo que no se dijeron en 13 años. Lo que no se atreven a decirse en esa comida inicial. Las escenas íntimas de ellos dos se van intercalando sin que se pierda ritmo, y consiguiendo, como una pequeña gota china, que vaya emocionando sin grandes subrayados ni discursos. Ambos construyen una historia que, de una forma divertida, acaba teniendo hasta una estructura circular, ya que el último reencuentro de ambos personajes también tendrá lugar en una comida, pero muy diferente, en torno a un sándwich en una carpa de rodaje. Qué decisión tan inteligente para explicar el punto de inicio y final de ambos personajes.

Es el mejor guion que escribieron Sorogoyen e Isabel Peña, uno en donde una mano en la espalda dice mucho más que muchas frases de diálogo. Hay varias de esas escenas donde los silencios dicen mucho más que las palabras, como ese desayuno donde una pieza de música en unos auriculares mientras Bardem observa a Luengo se convierte en clímax emocional; o la mirada de un padre que mira tras la columna a una hija que desconoce y que ella reconoce como de validación a su forma de actuar. 

Por eso desconcierta que Sorogoyen haya optado en su puesta en escena por una mezcla de formatos que a ratos resulta confusa. Está claro el uso del grano y el formato para lo que se ve rodado en la película, pero no se entiende del todo la presencia del blanco y negro o el formato cuadrado en un par de escenas (que podría ser una cuestión de punto de vista y que el cineasta defiende como una forma de incidir en el tema del relato y cómo no hay una sola visión de la misma historia). Son recursos llamativos, pero que tampoco añaden demasiado dramáticamente a un conjunto que ya de por sí raya a un nivel altísimo. 

El mismo que alcanzan sus dos protagonistas. Victoria Luengo y Javier Bardem están descomunales. Inmensos. Dos trabajos que rayan la perfección. De Bardem ya lo sabíamos, es uno de los mejores actores de todo el mundo, pero Sorogoyen saca lo mejor de él. Su lado más contenido. Qué gusto verle casi al desnudo, sin trucos ni máscaras. Cómo cuenta con los ojos, con su cuerpo, esa masculinidad tóxica de tantos hombres y directores de cine. Su forma de entrar en una sala, de moverse, de expresarse… ese encantador de serpientes capaz de hundir a alguien y encandilarle después con unas palabras al oído. También alguien que sabe que no lo ha hecho bien.

De Luengo ya intuíamos que era una de las mejores intérpretes de su generación. Lo habíamos visto en Antidisturbios y en Suro, pero aquí son palabras mayores. Le planta cara al todopoderoso Bardem. No se deja achantar. Ambos realizan un tour de force donde no se les ve competir, sino acompañarse y acompañar la película para que sea mejor. Será difícil que alguien les tosa en la temporada de premios de este año.

El ser querido llegaba con una espinita a Cannes, el parecido de su sinopsis con la de uno de los éxitos del año pasado, Valor Sentimental. Por suerte solo se parecen en eso. El ser querido, de alguna forma, comienza donde terminaba la película de Joachim Trier. Esta convertía ese reencuentro en forma de película en su clímax final. Sorogoyen construye un largo clímax de dos horas en torno a ese reencuentro y, sobre todo, acierta en un tema fundamental: nunca justificar al monstruo. 

René Pérez Joglar, conocido por su nombre artístico Residente, debutará en el cine como director con la película Porto Rico, un wéstern caribeño épico y drama histórico con un reparto que incluye nombres como Bad Bunny y Javier Bardem. Junto a Benito Pérez Ocasio y Bardem también participarán Viggo Mortensen (Promesas del este, Captain Fantastic, Green Book) y Edward Norton (American History X, Birdman, Un completo desconocido), que protagonizarán una película que aún no anunció a todo su elenco.

Coescrita entre Residente y el guionista ganador del premio Oscar Alexander Dinelaris (Birdman), Porto Rico pretende combinar una narrativa histórica de gran escala con un enfoque visceral y lírico, en una historia que está inspirada en hechos reales. El rapero es una de las voces más influyentes de la cultura puertorriqueña y latinoamericana contemporánea, por lo que este largometraje marca la realización de un sueño de toda la vida para el artista.

“He soñado con hacer una película sobre mi país desde que era niño. La verdadera historia de Puerto Rico siempre ha estado rodeada de controversia”, expresó Residente. “Esta película es una reafirmación de quiénes somos, contada con la intensidad y la honestidad que nuestra historia merece”, agregó el rapero.

Por su parte, Norton explicó por qué decidió producir este proyecto: “Esta película se inscribe en una tradición de filmes que amamos profundamente, desde The Godfather hasta Gangs of New York, que nos impactan con un drama visceral y personajes y épocas icónicas, pero que también nos obligan a confrontar la historia en la sombra que subyace bajo la narrativa estadounidense del idealismo”.

“Todo el mundo conoce a René como un poeta del lenguaje y el ritmo. Ahora también verán al visionario visual que es. Y reunirlo con Bad Bunny para contar la verdadera historia de las raíces de Puerto Rico será como una llama encontrando el cartucho de dinamita que la estaba esperando”, señaló Edward Norton.

Bad Bunny protagonizó la semana pasada la actuación del descanso de la Super Bowl, en la que aprovechó para hacer un homenaje a Puerto Rico y reivindicar a todos los países que conforman América. Siendo consciente de su exposición y del poder de su voz, el artista optó por hacer de nuevo alusión a sus declaraciones en los Grammy para protestar contra el ICE: “El odio se vuelve más poderoso con más odio. Lo único más poderoso que el odio es el amor. Así que, por favor, tenemos que ser diferentes. Si luchamos, tenemos que hacerlo con amor. No los odiamos a ellos, amamos a nuestra gente y amamos a nuestra familia. Y esa es la forma de hacerlo, con amor”.

Más de 80 artistas, entre los que se encuentra Javier Bardem, el guionista Paul Laverty y actrices como Tilda Swinton, firmaron una carta dirigida a la Berlinale ante la posición del festival respecto al genocidio en Palestina, un hecho que el certamen no condena desde hace años y que se fue enquistando en cada edición que ocurre. La carta, que publicó en exclusiva Variety, pide al certamen y a todas las instituciones que “se nieguen a ser cómplices de la terrible violencia que continúa desplegándose contra los palestinos”. 

Además, se manifiestan muy preocupados por “la participación de la Berlinale en la censura de artistas que se oponen al genocidio israelí contra los palestinos en Gaza y al papel clave del Estado alemán en permitirlo”. Hacen referencia a unas declaraciones del Instituto de Cine Palestino, que aseguró que el festival estuvo “vigilando a los cineastas, además de mantener el compromiso de colaborar con la Policía Federal en sus investigaciones”.

“El año pasado, cineastas que se manifestaron a favor de la vida y la libertad palestinas desde el escenario de la Berlinale denunciaron haber sido duramente reprendidos por los principales programadores del festival. Se informó que un cineasta fue investigado por la policía, y la dirección de la Berlinale insinuó falsamente que su conmovedor discurso, basado en el derecho internacional y la solidaridad, era ‘discriminatorio’”, recuerdan en su comunicado. Por ello se solidarizan con sus “colegas en el rechazo a esta represión institucional y al racismo antipalestino”.

También se refieren a las palabras del presidente del jurado, el cineasta alemán Wim Wenders, que el primer día del certamen aseguró que el cine es “lo opuesto a la política”. “No se puede separar una cosa de la otra”, opinan los artistas. “Todo esto en un momento en que conocemos nuevos y aterradores detalles sobre los 2.842 palestinos ‘evaporados’ por las fuerzas israelíes utilizando armas térmicas y termobáricas de fabricación estadounidense, prohibidas internacionalmente. A pesar de la abundante evidencia de la intención genocida de Israel, sus crímenes atroces sistemáticos y su limpieza étnica, Alemania continúa suministrando a Israel armas utilizadas para exterminar a los palestinos en Gaza”, añaden.

Ponen ejemplos de otros festivales que “respaldaron el boicot cultural al apartheid israelí, incluyendo el Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam, el más grande del mundo, así como el Festival de Cine BlackStar de Estados Unidos y el Festival de Cine de Gante, el más grande de Bélgica”. Además, se acuerdan de los “más de 5.000 profesionales del cine, incluyendo importantes figuras de Hollywood e internacionales, que también han anunciado su negativa a trabajar con compañías e instituciones cinematográficas israelíes cómplices”.

Por ello no entienden que “la Berlinale ni siquiera haya cumplido hasta la fecha las demandas de su comunidad de emitir una declaración que afirme el derecho palestino a la vida, la dignidad y la libertad; condene el genocidio israelí en curso contra los palestinos; y se comprometa a defender el derecho de los artistas a expresarse libremente en apoyo de los derechos humanos palestinos”. “Esto es lo mínimo que puede —y debe— hacer”, zanjan.

Recuerdan que, además, Berlinale sí hizo declaraciones en el pasado contra “las atrocidades cometidas contra los pueblos de Irán y Ucrania”. “Pedimos a la Berlinale que cumpla con su deber moral y declare claramente su oposición al genocidio de Israel, los crímenes contra la humanidad y los crímenes de guerra contra los palestinos, y que ponga fin por completo a su participación en proteger a Israel de las críticas y de los pedidos de rendición de cuentas”, concluyen. 

La carta fue firmada por actores y actrices como Bardem, Swinton, Tatiana Maslany o Tobias Menzies, además de cineastas como Nan Goldin o Adam Mckay.

La organización Film Workers for Palestine anunció que más de mil profesionales de la industria cinematográfica, entre los que se encuentran nombres como Javier Bardem, Mark Ruffalo, Emma Stone, Susan Sarandon, Tilda Swinton y Olivia Colman.

En total, 1.200 cineastas, actores y trabajadores del mundo del cine han firmado la carta, entre los que también aparecen los argentinos Cecilia Roth y Nahuel Pérez Biscayart y el mexicano Gael García Bernal.

“Inspirados por Filmmakers United Against Apartheid, que se negaron a proyectar sus películas en la Sudáfrica del apartheid, nos comprometemos a no proyectar películas, aparecer o colaborar de cualquier otra forma con instituciones cinematográficas israelíes —incluidos festivales, cines, emisoras y productoras— que estén implicadas en el genocidio y el apartheid contra el pueblo palestino”, reza la carta que han publicado.

Entre los ejemplos de complicidad, resaltan que “se incluyen el encubrimiento o la justificación del genocidio y el apartheid, y/o la colaboración con el gobierno que los comete”. “Como cineastas, actores, trabajadores de la industria cinematográfica, reconocemos el poder del cine para moldear las percepciones. En este momento urgente de crisis, en el que muchos de nuestros gobiernos están permitiendo la matanza en Gaza, debemos hacer todo lo posible para abordar la complicidad en ese horror implacable”, ha señalado el comunicado.

“El tribunal más alto del mundo, la Corte Internacional de Justicia, ha dictaminado que existe un riesgo plausible de genocidio en Gaza y que la ocupación y el apartheid de Israel contra los palestinos son ilegales. Defender la igualdad, la justicia y la libertad para todas las personas es un profundo deber moral que ninguno de nosotros puede ignorar. Por eso, debemos alzar la voz ahora contra el daño infligido al pueblo palestino”, continúa la carta, que busca responder al “llamamiento de los cineastas palestinos, que han instado a la industria cinematográfica internacional a rechazar el silencio, el racismo y la deshumanización, así como a 'hacer todo lo humanamente posible' para poner fin a la complicidad en su opresión.

Lee la carta completa:

Como cineastas, actores, trabajadores de la industria cinematográfica e instituciones, reconocemos el poder del cine para moldear las percepciones. En este momento urgente de crisis, en el que muchos de nuestros gobiernos están permitiendo la matanza en Gaza, debemos hacer todo lo posible para abordar la complicidad en ese horror implacable.

El tribunal más alto del mundo, la Corte Internacional de Justicia, ha dictaminado que existe un riesgo plausible de genocidio en Gaza y que la ocupación y el apartheid de Israel contra los palestinos son ilegales. Defender la igualdad, la justicia y la libertad para todas las personas es un profundo deber moral que ninguno de nosotros puede ignorar. Por eso, debemos alzar la voz ahora contra el daño infligido al pueblo palestino.

Respondemos al llamamiento de los cineastas palestinos, que han instado a la industria cinematográfica internacional a rechazar el silencio, el racismo y la deshumanización, así como a “hacer todo lo humanamente posible” para poner fin a la complicidad en su opresión.

Inspirados por Filmmakers United Against Apartheid, que se negaron a proyectar sus películas en la Sudáfrica del apartheid, nos comprometemos a no proyectar películas, aparecer o colaborar de cualquier otra forma con instituciones cinematográficas israelíes —incluidos festivales, cines, emisoras y productoras— que estén implicadas* en el genocidio y el apartheid contra el pueblo palestino. * Entre los ejemplos de complicidad se incluyen el encubrimiento o la justificación del genocidio y el apartheid, y/o la colaboración con el gobierno que los comete.

Hay que estar muy seguro de uno mismo para comenzar una película con una voz en off antes incluso del logotipo de la productora. Seguro de uno mismo y seguro de la frase en sí, que quedará como anticipo de lo que está por venir. A Denis Villeneuve le sobra seguridad. Se la ganó. Lleva décadas en esa línea en la que lo autoral y lo comercial se unen. Juega en la liga de Christopher Nolan, la de los blockbusters inteligentes. Lo que pasa es que esa línea es más fina de lo que parece, y caerse de ella es fácil. 

Que Dune: parte dos comience –se estrena este jueves– con una voz en off antes del logo de Warner es una declaración de intenciones. Lo que dicen esas intenciones es que estamos ante una película importante y que es (demasiado) consciente de esa importancia. La voz anuncia la sentencia más evidente del universo Dune: “Aquel que domina la especia, domina el mundo”. Una frase que funciona como presagio de lo que está por venir: Dune: parte dos es una película que se sabe buena, y que se cree que es más importante de lo que realmente es.

Hay en esta secuela mucha voz engolada, mucha autoconsciencia, demasiada ambición desbocada y mucha filosofía del tres al cuarto. Hay tanta que la duración de la película se alarga hasta las casi tres horas cuando realmente la trama en sí podría haberse reducido a una hora. Villeneuve retoma la historia donde dejó la primera parte, y cuenta en esta segunda parte el ascenso de Paul Atreides como el elegido y el dilema entre sus sentimientos hacia Chani y sus deberes como líder, pero realmente la ‘chicha’ ocurre entre medias de muchísimas escenas pretendidamente espectaculares donde uno ve el estilo visual del filme, el gran derroche de producción y lo bueno que es Villeneuve.

Entre tanta pretensión de deslumbrar uno se cansa, y llega agotado al supuesto clímax final. La sensación es que todo se podía haber contado más rápido y mejor. La película sufre de constantes elipsis forzadas que uno no sabe si están buscadas para aparentar cierta complejidad narrativa o simplemente está mal contado. El problema es que los personajes saltan de un lugar a otro y pasan de actuar de una forma a la contraria. Eso sí, con mucha explosión, mucho desierto, mucho Hans Zimmer, mucho Timothée Chalamet con cara de mustio y mucha Zendaya con cara de enfadada.

En Dune: parte dos todo aparenta ser profundo, pero para demostrarlo se tiene que enunciar. Se dice en alto. Hay un momento en el que Paul Atreides mira al anillo que le dejó su padre. Un gesto suficiente para que entendamos lo que piensa en ese momento, pero Villeneuve, al guion junto a Jon Spaihts, cree que es mejor que el personaje lo diga, porque todo el mundo sabe que cuando uno está solo en un desierto perdido en los confines del universo le da por hablar en alto con el fantasma de su padre. 

Hay una escena en la que queda en evidencia esa autoconsciencia de la película y es en la presentación del personaje de Austin Butler, que recurre a un blanco y negro justificado de forma torticera, porque el blanco y negro es más autoral que los ocres del desierto. Butler, por cierto, es el que mejor parado sale del reparto principal junto a Rebecca Ferguson y un Javier Bardem que es el único que parece divertirse de todo el reparto. A Dune le falta humor, le falta ligereza. Precisamente lo que aporta Bardem. 

Los cacareados fichajes, menos el de Butler, se quedan en casi cameos, incluido el de una Florence Pugh a la que se usa para colar una voz en off que aparece y desaparece según el antojo de los guionistas, y el de Lea Seydoux, reducido a una escena a pesar de tener tres horas de metraje para darle algo más de desarrollo. También está la aparición sorpresa (ya no tanto porque se desveló en la primera alfombra roja y se ha contado en todos los medios) de Anya Taylor-Joy en un personaje que aquí aparece como otra voz en off, en esta ocasión la de un feto (sí, un feto que el espectador ve y que habla como si fuera una influencer de Instagram haciendo de poeta) y en persona un flash forward que anuncia una inminente tercera parte.

Sería injusto decir que Dune: parte dos es un descalabro. Ya quisieran para sí la mayoría de blockbusters la mitad de ideas que propone Villeneuve (aunque no todas le salgan), e incluso hay dramáticamente una propuesta interesante, la de la creación del líder y el uso de la fe y los fundamentalismos para convencer a la masa. El problema es que todo ello queda embarrado en una narración deslavazada que acaba haciéndose bola al espectador. Muchas veces lo profundo se confunde con lo oscuro y dramático, y no tiene que ver. La ligereza a veces ayuda, y aquí nadie parece saberlo.

Para terminar habría que recurrir, de nuevo, a Céline Sciamma. Hace unos meses la directora reflexionaba sobre la duración de las películas y aseguraba que aquellos que hacen películas de tres horas están haciendo activismo para si mismos, “no para el cine”. Solo un dato, la película de Villenueve dura 166 minutos. La reciente ganadora del Oso de Oro, la brillante Dahomey, 67 minutos. Hay más intención en la escasa hora del filme de Mati Diop que en este mamotreto espectacular pero sobredimensionado y agotador.

Este martes, día de las nominaciones a los premios Oscar 2022, fue histórico para el cine español, pero en especial para una pareja de actores. Javier Bardem y Penélope Cruz acapararon los micrófonos y los titulares después de ser seleccionados a la vez por la Academia de Hollywood para optar por la estatuilla dorada. Ella por su papel en Madres paralelas, la película de Pedro Almodóvar, y él por Being the Ricardos, una cinta producida por Amazon.

En sus encuentros independientes ante la prensa ambos tuvieron palabras de amor y agradecimiento mutuo, y también hacia el cine español. “Que mi nominación y la de Penélope sucedan a la vez es mágico”, se sinceró Bardem. Pero hubo otra declaración que levantó polvareda en las redes sociales.

“Hablemos de minorías españolas. ¿Cuántos personajes españoles hay en el cine internacional? Ninguno. Hay personajes latinoamericanos. Yo sé de lo que hablo cuando hablo de minorías”, se le oía pronunciar en un vídeo corto de El País que resumía el momento.

Los comentarios no se hicieron esperar y hubo muchos que criticaron al actor por usar el término minorías, reservado normalmente a grupos que sufren discriminación, para referirse a un país europeo y de mayoría caucásica como España. Otros entendieron que reprochaba a Hollywood por no escribir roles para los españoles. “Habría que contar cuántos personajes franceses, coreanos, daneses o argelinos hay en el cine español de España o en las series de televisión”, le contestó Sandro Pozzi, el excorresponsal de La Sexta en EEUU.

¿Pero de qué estaba hablando Javier Bardem? La respuesta se encuentra en el vídeo completo de la rueda de prensa, que duró media hora (minuto 2:00 al 5:30).

Hace unas semanas, los medios estadounidenses recogieron algunas críticas por la selección de Javier Bardem para la película de Aaron Sorkin. En Being the Ricardos representa a Desi Arnaz, una estrella cubana de la televisión de los años 50 y marido de la famosa cómica Lucille Ball, a quien interpreta Nicole Kidman.

“No es cubano y no debería haber desempeñado ese papel. Su inclusión en la película realza el problema actual de la representación latina en Hollywood”, reseñaba la revista Variety en uno de sus artículos. En la rueda de prensa de este martes, hicieron referencia a estas palabras. “Lo zanjé muy rápido diciendo tres cosas que las vuelvo a repetir”, contestó Bardem.

“Por supuesto que apoyo la representación de cualquier minoría, en este caso la latina. En los primeros castings de esta película no contaban conmigo, probaron con otros actores cubanos o de raíces cubanas y no se dio. Y volvieron a mí, porque sabían que yo estaba interesado y me puse a trabajar desde el respeto y el esfuerzo de honrar este papel y esa figura”, dijo el actor en primer lugar.

“Dicho esto”, continuó: “Somos actores y es lo que hacemos: interpretar vidas de personas que no somos”. Bardem defendió que “va más allá de las nacionalidades y de las orientaciones sexuales. No se puede apuntar como si fuese una acción negativa. El arte no se puede enjuiciar más que por la hermosura del acto de crear. Y cuando empezamos a poner marcos, etiquetas y límites a la creación, queda en un lugar muy pobre”.

Somos actores y es lo que hacemos: interpretar vidas de personas que no somos. Y eso va más allá de nacionalidades y de orientaciones sexuales

Los actores que hicieron trabajos extraordinarios en la historia del cine sin ser de los lugares de los personajes que representaban, según él, son innumerables. “Y así debe de ser, como en este caso, en Being the Ricardos, que aun buscando un actor que diera un perfil más geográfico que yo para Desi Arnaz, no se encontró”, añadió en apoyo de la selección y las preferencias de los directores.

Ya en su día, Aaron Sorkin salió también a defender a Bardem: “Javier es distinto, es único. No se puede interpretar la nacionalidad española o cubana, del mismo modo que no hay que ser heterosexual para interpretar la orientación sexual”, reflexionó en The Hollywood Reporter. “Si no, nos estamos volviendo locos y habría que empezar a pedir el carné a todos los que interpreten Hamlet. Si no son de Dinamarca, no lo pueden hacer”, siguió el actor este martes desde España.

“Todo esto desde el respeto y apoyando siempre la representación de las minorías”, apostilló. Sin embargo, lo que causó más polémica fue la última parte de su respuesta: “También una cosa que quiero añadir aquí es que si hablamos de las minorías, hablemos de las minorías españolas. ¿Cuántos personajes españoles hay en el cine internacional? Ninguno. Yo he hecho dos: uno con Woody Allen porque ocurría en España y otro en Piratas del Caribe que se llama Capitán Salazar porque lo hacía yo. No hay fuera de la cinematografía española. Entonces yo sé de lo que hablo cuando hablo de minorías. Y tenemos que respetar las minorías, pero también tenemos que apoyar a aquellos que somos minorías intentando representar a otras minorías”.

Esa confusión entre minoría proporcional y minoría discriminada fue señalada en las redes sociales, aunque la declaración formase parte de una respuesta más amplia sobre las críticas. Sin embargo, no es la primera vez que Javier Bardem interpreta un papel de otra nacionalidad. El último fue en compañía de su colega Fernando León de Aranoa en Loving Pablo, donde ponía rostro al narcotraficante colombiano Escobar. También en Antes de que anochezca (2000) representó a Reinaldo Arenas, un dramaturgo homosexual en la Cuba de Castro.