1.      “Greensleeves” (anónimo del Siglo XVI)

“La dama de las mangas verdes” es una canción folklórica. Y, como todo folklore, es tanto aquello que viene de la tradición –o de varias tradiciones– como lo que se la ha ido agregando. Lo poco que se sabe de ella es que es inglesa, que las primeras fuentes en las que aparece son de fines del siglo XVI y que está concebida sobre un bajo (es decir una secuencia de acordes) muy común en Italia, pero oriundo de España, el bajo de la romanesca.

Eso ya descarta una de las leyendas e incluso los créditos autorales en varias de las numerosas versiones grabadas en disco: que la canción la compuso Enrique VIII para Anne Boleyn, cuando intentaba seducir a la hija más joven del Conde de Wiltshire, y que la frase «cast me off discourteously“ se refería al rechazo de la futura reina (y, ya se sabe, futura ex reina). El bajo de la romanesca no llegó a Inglaterra hasta bastante después de la muerte de Enrique VIII (en 1548). Y las primeras referencias a la canción son de 1580 –una pieza registrada en la London Stationer's Company (Compañía de Impresores de Londres) con el título ”A New Northern Dittye of the Lady Greene Sleeves“ de la que no se conserva copia alguna– y 1584 (”A New Courtly Sonnet of the Lady Green Sleeves“, incluida en la colección A Handful of Pleasant Delights. Es posible –la palabra ”new“ en ambos títulos así lo sugiere– que hubiera alguna canción más antigua en la que se hubiera hecho referencia a la dama de las mangas verdes pero lo que se sabe con certeza es que la canción hoy conocida como ”Greensleeves“ formó parte del repertorio del palacio de Isabel I y de las compañías de teatro callejeras. De hecho, en Las alegres comadres de Windsor, escrita por William Shakespeare alrededor de 1602, el personaje de Anna Ford menciona dos veces la canción. Y, si se da crédito a los testimonios de la época de que las barberías colgaban en sus paredes laúdes para que quienes esperaban se entretuvieran cantando y tocando baladas, es más que probable que la canción estuviera entre los hits de una época y de una ciudad en la que la cultura circulaba de manera fluida entre la corte y las calles.

La pieza sobrevivió de muchas maneras, entre ellas con otra letra, «Old England Grown New», como emblema de un regimiento de la Guardia Real y, como canción navideña, con otro texto, escrito en 1865 por William Chatterton Dix, y otro título, “What Child is This?”. También hay una letra muy posterior, de Sammy Cahn, “Home in the Meadow” (‘La casa de la pradera’), que cantaba Debbie Reynolds en una película de 1962, How the West Was Won (Cómo se ganó el Oeste). Nada de esto contradice la hipótesis más aceptada, que es que la dama de las mangas verdes era una prostituta y que la mención del verde era una forma elegante de decir que se había estado revolcando sobre la hierba. Ni tampoco alcanza para explicar la extraña supervivencia de la canción y, mucho menos, que llegara a convertirse en un standard de jazz, con 264 versiones registradas por la enciclopedia The Jazz Discography, de Tom Lord.

La afinidad con ese género tal vez haya estado relacionada con uno de los usos más frecuentes de la canción, como base para sucesivas variaciones cada vez más virtuosas, una técnica que consiste en utilizar cada vez notas más breves –y por lo tanto un fraseo cada vez más ágil– que en el Renacimiento llamaban “disminución”– y que fue central en el jazz desde sus orígenes. Esa estructura, una secuencia de acordes repetida –aquella vieja romanesca– fue, en ese sentido, lo que hizo a la canción tan atractiva para los maestros laudistas del 1600, para quienes improvisaban en la flauta de pico –con variaciones que alguien se dedicaba a anotar– y, mucho tiempo después, para una larga lista que incluye al organista Jimmy Smith, al notable (y casi olvidado) trompetista Joe Wilder, al guitarrista Kenny Burrell, y a saxofonistas tan distintos entre sí como solo podían serlo el siempre perfecto Paul Desmond, que la grabó junto al guitarrista Jim Hall y, en vivo, como invitado del Modern Jazz Quartet, y John Coltrane, siempre al borde del abismo.

El compositor inglés Ralph Vaughan Williams, también recopilador de canciones folklóricas, utilizó la canción como parte de una escena del acto 3 de su ópera Sir John in Love, cuyo personaje principal es Falstaff –el mismo que aparece en Las alegres comadres…– , y luego realizó un arreglo para piano a cuatro manos y autorizó la que tal vez sea la versión más conocida de la obra, una transcripción para arpa y orquesta de cuerdas realizada en 1934 por Ralph Greaves. La canción tuvo, por otra parte, nuevas relecturas: “Stay Away” por Elvis Presley, “Leaving Green Sleeves” de Leonard Cohen y “Sixteenth Century Greensleeves”, por Rainbow, el grupo post Deep Purple del guitarrista Ritchie Blackmore. Incidentalmente, la dama de las mangas verdes, ya idealizada y convertida en el mejor símbolo posible de lo antiguo y de lo inglés, fue pintada por Dante Gabriel Rossetti, uno de los fundadores de la hermandad prerrafaelita, en 1863.

2.      “The Shadow of your Smile” (Johnny Mandel-Francis Webster)

La película fue dirigida por Vincent Minelli. Tenía entre sus libretistas a Dalton Trumbo y sus protagonistas eran Elizabeth Taylor y Richard Burton. Fue estrenada en 1965 y, podría pensarse, rápidamente olvidada. Su título original era The sandpiper (en referencia a un pajarito playero) y se lo tradujo –es una forma de decir– como Almas en conflicto (en Latinoamérica) y Castillos en la arena –en España–. Casi nadie recuerda el fogoso romance entre la madre soltera y rebelde y el severo maestro que debe encauzar a su hijo. En cambio, la música que acompañaba los créditos iniciales, y las insípidas imágenes del mar, playas, cielos y acantilados, resultó inolvidable.

En ese comienzo, quien tocaba la melodía principal era el trompetista Jack Sheldon. En el final, el tema reaparecía cantado por un coro y con letra de Paul Francis Webster. La música había sido creada por el gran Johnny Mandel y el título de la canción era “The Shadow of your Smile” (“La sombra de tu sonrisa”). La pieza ganó ese año el Oscar a mejor canción original y el Grammy para la mejor canción de 1965. Y su entrada en el mundo de la música popular no podría haber sido más espectacular. Antes de que terminara ese año ya la habían grabado Barbra Streissand, Wes Montgomery, Gerry Mulligan, Carmen McRae, Chris Connor y June Christy –dos de las mejores cantantes blancas del jazz– y la entonces popularísima Astrud Gilberto –lo que quizá tuvo que ver con que en muchas versiones posteriores se le adosara una rítmica de bossa nova que estaba ausente en el original–. Y en 1966 se sumaron Tonny Bennett, Bobby Darin, Frank Sinatra con Count Basie, en el Salón Copa del Hotel Sands de Las Vegas –el 27 de enero, en que la presentan como “una nueva canción”–, Ella Fitzgerald, Johnny Mathis y Sarah Vaughan. Según la mencionada Jazz Discography, solo entre 1965 y 1966 se registran más de 100 grabaciones en el terreno del jazz. Con un total de 707 interpretaciones en nómina, las grabaciones van raleando a lo largo de los años, se marcan preferencias (fue un tema muy elegido por organistas), se comprueba que Jack Sheldon lo grabó infinidad de veces, que en las últimas décadas se convierte en territorio casi exclusivo de músicos japoneses o viejas estrellas que graban repertorio muy tradicional en ese país y, claro, de relecturas como la de Bill Frisell en 2015, con Tomas Morgan en contrabajo, Eyvind Kang en viola, Rudy Royston en batería y Petra Haden en voz, para el álbum When You Wish Upon a Star, dedicado a pizas ligadas al cine. Entre sus hitos resulta inevitable mencionar dos versiones de Bill Evans, una en dúo consigo mismo, en 1967, y la otra en vivo en el Village Vanguard, el año siguiente, en trío con el contrabajista Eddie Gomez y el baterista John Dentz, la grabación de la orquesta de Henry Mancini en 1967, con Sheldon iluminado en el solo de trompeta, la de un inspiradísimo Dexter Gordon, en 1969 y en Copenhagen, con una base extraordinaria (Kenny Drew en piano, Niels-Henning Orsted Pedersen en contrabajo y Art Taylor en batería, la de Lee Konitz en saxo alto y Art Pepper en clarinete, la del trompetista Art Farmer con Jimmy Heath en saxo tenor y Harold Mabern en piano y, por supuesto, la del saxofonista Archie Shepp en una lección de expresividad junto con John Hicks en piano, el contrabajista George Mraz y, en batería, Idris Muhammad. 

3.      “Cartas de amor que se queman” (Cuchi Leguizamón-Manuel Castilla)

“Los lugares son personas, sólo que viven más”, decía el escritor Héctor Tizón que decía el músico Gustavo Leguizamón. La cita hacía referencia a una de las características más obvias de uno de los creadores más importantes de la música argentina. La relación de sus obras con el paisaje es tan real como indiscutible. Pero reducir su importancia a ese aspecto es como pretender que las canciones de The Beatles son geniales por la manera en que reflejan la vida en Liverpool o en Londres en los 60. Y hay una canción, extraordinaria, desesperada, en que no se habla del paisaje para nada. Parafraseando a Borges, allí el hombre del interior habla de lo que realmente le interesa, la soledad, el amor, la muerte. Y es que Leguizamón, al fin y al cabo, era un músico curioso, moderno e informado; tanto el que componía canciones que estrenaban Los Fronterizos y hacía los arreglos (complejísimos, raros, siempre musicales) para el Dúo Salteño como el que escuchaba –y estudiaba– a Beethoven, Ravel o Satie.

“Ay, niña, no queda nada de todo lo que soñamos”, empieza diciendo la letra de Manuel Castilla. “Nuestro amor son estas llamas que están quemando mis manos”. La angularidad de la melodía, sus saltos del grave al agudo, su crispación y sus disonancias, son el sonido inevitable de las palabras: “Son como un ala de luto/ volando papel quemado/ las cartas donde lloraba/ este pecho enamorado”, Y el estribillo, que se repetirá al final, dice que quien quema cartas de amor no sabe que enluta su corazón. La primera grabación de esta pequeña obra maestra la registró el Dúo Salteño. Después, mucho después, llegó la ejemplar y descarnada lectura –potente en su íntimo recogimiento– de Liliana Herrero con el guitarrista Juan Falú. Roxana Amed con Adrián Iaies, Guillermo Klein y la Bruja Salguero, más alguna versión coral, documentan los viajes que una canción es capaz de emprender.

Diego Fischerman es autor del blog “El sonido de los sueños”: https://xn--sonidodesueos-skb.com/

A veces escuchar música se parece a rezar. Una especie de ritual que nos conecta con lo sagrado, no importa qué entendamos bajo eso. Ocurre con músicos de cualquier género cuando el arte, la técnica y la emoción se fusionan y una no desea nada más que estar ahí, en ese momento, disfrutando de estar viva.

Rudi Flores y Juan Falú juntos

Eso me pasa cuando tocan juntos Rudi Flores y Juan Falú. Pocas miradas más felices he visto que las de estos dos músicos guitarreando de madrugada en algún reducto de la noche porteña. Es cuando mejor tocan. Dos de los guitarristas más talentosos del país, de los que recorren el mundo difundiendo nuestra música, se encuentran, vino de por medio, rodeados de amigos, otros músicos, muchos jóvenes, y ocurre la magia.

Sus manos se mueven solas, cómplices, por esos instrumentos que controlan como un miembro más de su cuerpo. No tienen edad cuando eso ocurre. Y no hay género musical que se les resista. Dominan todos los ritmos argentinos, incluyendo el tango, pero son gloriosos también con los brasileños. “Con Rudi Flores es cuestión de sugerir temas y simplemente tocar y tocar. Un placer”, dice Falú.

Toda esta introducción para contarles que este jueves, Rudi Flores y Juan Falú tocan juntos en Bolívar 852 y que si no se apuran se quedan sin entrada. Habrá invitados especiales, según se anunció. Y habrá, sin dudas, guitarreada posterior.

Acá una grabación casera de hace algunos años da una idea del clima que se arma:

Se viene Guitarras del Mundo

Por cierto, ya se acerca una nueva edición del Festival Guitarras del Mundo, cuya dirección artística, justamente, está a cargo de Juan Falú. La inauguración de este evento único en su tipo será el martes 18 de octubre a las 20:00 en la cúpula del CCK. Tocarán en esa primera fecha Marisa Gallo, Milena Muro, Julio Azcano, Carlos Martínez y Diego Jascalevich.

Luego, hasta el 30 de octubre, se presentarán guitarristas argentinos e internacionales con entrada libre y gratuita en sedes de todo el país, como todos los años. La programación completa estará disponible en los próximos días.

Seguramente, como siempre, habrá un gran cierre con la mayoría de los guitarristas participantes. Acá podemos ver una vez en que los guitarristas de Guitarras del Mundo estuvieron en Morfi, el programa del fallecido Gerardo Rozín, interpretando una bellísima versión de “Viejo Caá Catí” (En primer plano, Flores y Falú, más otros grandes como Roberto Calvo o Pedro Rossi).

Este año el festival ofreció del 14 de junio al 27 de septiembre, de manera virtual, ocho Clases Magistrales con la participación de docentes representantes de los diferentes estilos guitarrísticos del país. Participaron Jorge Jewsbury, María Eugenia Figueroa, Simón Marziali, Juan Manuel Colombo, Mirta Álvarez, Julio Santillán, Sebastián Henríquez y Silvina López. Y las clases se pueden ver aún en el canal de YouTube del Ministerio de Cultura.

El Dúo Palo Blanco presenta en concierto el disco dedicado al Cuchi

Les conté hace un tiempo acerca de un disco muy especial que recopilaba temás inéditos o poco conocidos del compositor salteño Gustavo “Cuchi” Leguizamón. Lo grabó el Dúo Palo Blanco a lo largo de cinco años, de manera independiente, con mucho esfuerzo, en base a la tesis que su guitarrista, Roberto Almeida, elaboró para la Licenciatura en Música Popular de la UNSAM. Ahora, por fin, este trabajo, titulado Cuchi inédito y recóndito, se podrá escuchar en vivo. Será el viernes 21 de octubre a las 22:15 en Dumont 4040.

Este disco del dúo que integran Laura Princic y Guadalupe González Táboas es doble y contiene veinte obras de Leguizamón con deliciosos arreglos del propio dúo. Cuenta con un montón de invitados especiales: Nadia Szachniuk, Emma Palermo, Mariano Agustoni, Sergio Zabala, Nadia Larcher, Manu Navarro, Pablo Fraguela, Federico Rey, Gino Palomino, María Eugenia Gómez, Chacho Echenique, Martín Neri, Hugo Maldonado, Santiago Arias, Seva Castro, Flor Bobadilla Oliva, Mariano “Tiki” Cantero, Marcos Cabezaz, Solana Biderman y Jaques Morelenbaum.

Una joyita que ahora forma parte del catálogo del sello Shagrada Medra y que ojalá obtenga el reconocimiento que merece. La pueden escuchar acá:

Flor Bobadilla adelanta un sencillo de su disco solista

La cantante, compositora, actriz y pianista misionera Flor Bobadilla Oliva (que, por cierto, participa en el disco del Dúo Palo Blanco mencionado más arriba) presentó el primer sencillo de su disco solista, Solita mi alma. Se trata de “Milagreiro”, un tema del brasileño Djavan con claras reminiscencias gallegas, en el que la acompaña Mariano “Tiki” Cantero en voz y percusión. 

“Encontré entre música y letra trozos de historia y mudez, también el halo presente de un cuerpo deseante. Un intento de traducir eso que viene con una y se desconoce, la procedencia que pulsa incesante adentro. Me la recordó una amiga maga. Desperté la madrugada siguiente con los coros y timbres de tambores explotándome en el cuerpo”, contó la artista en sus redes. “Maduramos el arreglo con @yunta.records y el artista invitado que, sin dudas es el hechicero que hace de nuestra versión una manera de espantar males”.

Acá, el mismo tema en vivo junto a los ensambles Trepún Percusión y Cuerdas Patagónicas de la Orquesta Filarmónica de Río Negro, con arreglos de María Suárez.

Solita mi alma es un disco de “músicas folklóricas de selva y puerto”, como lo define la cantante, que lo estuvo presentando este año en varias ciudades del país. Muy pronto estará disponible en todas las plataformas.

Mientras, estas son las posibilidades de escuchar en vivo en los próximos días a esta multifacética misionera: este miércoles 12 abre el concierto de Luna Sujatovich en el Café Berlín; el sábado se presenta junto a Los Núñez, comprovincianos, en el Centro Cultural Borges; el jueves 20 será invitada con el Dúo Bote, que integra junto a Abel Tesoriere, e Ine Cuello de la Orquesta Típica Di Pasquale en Hasta Trilce; y el viernes 21 estará en la presentación del disco Salve, de Noelia Sinkunas, en Galpón B.

El juglar Wilson Saliwonczyk llega a Buenos Aires

Wilson Saliwonczyk o, más simple, Wilson el payador, tocará el 22 de octubre en Buenos Aires, en el Teatro El Popular. Oriundo de la ciudad bonaerense de 9 de julio, este original artista regresa a la capital argentina con un nuevo repertorio de canciones y versos improvisados. El cantautor y trovador, que además es quintero, también cantará varias canciones de El Gaucho Lacaniano, una serie de disparatadas y absurdas irreverencias contra el pensamiento occidental.

Contará con invitados como Cintia Trigo, de la “nueva trova tanguera”, y el Dúo Golondrinas, integrado por Fabián Villalón y Samantha di Paolo. La noche terminará con una payada anti-tradicionalista en la que Wilson trenzará décimas con Nayla Beltrán.

Varias canciones de Wilson fueron grabadas por artistas como León Gieco, Bruno Arias, Mariana Carrizo, Antonio Tarragó Ros y Horacio Fontova, entre otros. Es el autor de la “Milonga Queer”, que podemos escuchar acá en la versión de Wilson y Susy Shock

Yapa: La maestra Blanca Rébori

En la yapa de hoy les dejo el link a los programas emitidos hasta ahora de Cosas Nuestras, el ciclo que la periodista Blanca Rébori, que inspiró esta columna, conduce en Radio Nacional y en el que recibió, entre muchos otros artistas, a Hilda Herrera, Pablo Farhat, Nacha Roldán, Sebastián Macchi y Cecilia Rossetto. ¡Que lo disfruten!

¡Nos vemos en dos semanas!

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Volvemos después de unas semanas de descanso y nos encontramos con un montón de noticias hermosas para compartir. Conciertos, viajes, discos, documentales, homenajes. La música está viva y fluye y hace del mundo un lugar mejor.

Duratierra crece y se renueva

Este grupo maravilloso en torno a Micaela Vita y Juan Saraco anunció su ampliación: pasaron de ser cuatro a ser siete. A Vita, Saraco, Nicolás Arroyo y Tomás Pagano, se sumaron Valen Bonetto, Silvia Aramayo y Martín Beckerman. La banda ya anunció tres fechas en este nuevo formato, en las que presentarán las canciones que nacieron durante todo este tiempo que no tocaron.

Ya se agotaron las entradas para el 20 de agosto en el Teatro Margarita Xirgu de CABA y se espera que agreguen una fecha además. Antes, el 5 de agosto, tocarán en Córdoba en el Studio Theater, y el 6 de agosto en Rosario en Distrito 7.

“Fuimos y vinimos, nos agarró la pandemia a contramano, hicimos terapia y nos descascaramos un poco. Nos corrimos de las sillas y nos volvimos a mirar. Migramos”, explicó el grupo en sus redes. “Aprendimos a trazar deseos y canciones en la distancia, refundamos el amor y nos regeneramos. Dolimos abruptas despedidas y lloramos lo que había que llorar”.

“Nos volvimos a elegir, crecimos, lo celebramos. Un día soñamos con fuego azul y dicen que eso es un buen presagio. Quisimos agrandar la mesa e invitar nuevxs amigxs. Donde comen 4 comen 7. Se agrandó la familia Duratierra”, añadió.

“Pronto habrá fiesta en teatros y baile en los patios. Habrá encuentros arcoíris donde sea que nos convoque la tribu (...) Traemos una intensa ilusión en las manos y adentro del pecho. Tiene forma de música nueva que queremos regalarles. Venimos con nuevas canciones nuevas para encontrarnos en la trinchera que supimos construir con ustedes. La trinchera nuestra es ahora una turba del bien”.

El grupo, fundado hace trece años, toma influencias del rock, el pop, el jazz y el folklore para dar a luz canciones nuevas, frescas. Su tercer disco, Cría, del 2017, fue considerado uno de los mejores de ese año.

Aquí Vita y Saraco en una transmisión en plena pandemia.

Estrenan documental sobre Cafrune

Jorge Cafrune, uno de los referentes más importantes del folklore argentino, es el protagonista del documental Cafrune, de Julián Giulianelli, que se estrena este 7 de julio en el Cine Gaumont donde permanecerá en cartel hasta el 13. “Se trata de una película que aborda al músico no desde el orden biográfico sino a partir de sus mayores paradigmas. El rol del juglar en la cultura, la forma del intérprete, la historia”, señalan sus realizadores.

El documental parte del último viaje del llamado “cantor del pueblo” a caballo a Yapeyú luego de su actuación en Cosquín en 1978, cuando una camioneta lo atropella y muere, aunque las circunstancias del accidente nunca fueron del todo esclarecidas. Cuenta con entrevistados como Yamila Cafrune (su hija y heredera del canto), Sergio Pujol (periodista especializado en música), Luis Nogues (histórico sonidista de Cosquín), Guillermo Byrne (historiador y testigo de las primeras 15 actuaciones de Cafrune en Córdoba), Mario Perrota (Marito, el niño que grabó y giró junto a Cafrune), entre otros. Los testimonios que están acompañados de imágenes, videos, reportajes y recitales inéditos del músico.

La producción ejecutiva está a cargo de Nastassja Bischitz, la producción periodística de Facundo Arroyo y la dirección de fotografía de Alejo Maglio. La idea es que la película recorra luego todo el país.

Cafrune nació el 8 de agosto de 1937 y fue un músico de enorme popularidad.

Pueden ver el trailer aquí:

Esta es una playlist con las canciones del documental y una selección curada por Facundo Arroyo.

Las guitarras de Gardel

El guitarrista Rodrigo Albornoz investigó como nadie a los guitarristas de Gardel, sus técnicas, sus maneras de arreglar, sus trucos, con el fin de revalorizar su labor. Con todo ese material grabó un disco, llamado justamente Las guitarras de Gardel, que reúne once obras, conocidas y menos conocidas, en las que, bajo dirección de Albornoz, tocan las guitarristas Lina Agrima, Andrea Zurita, Elisa Sandá, Laura Zilber y Pablo Suárez. En el papel de Gardel cantan Esteban Riera y Martín Prestía.

La presentación fue el viernes 24 en el Museo Casa Carlos Gardel.

La meta de Albornoz es evidenciar la evolución técnica, interpretativa y arreglística que tuvieron los guitarristas de Gardel, que fueron José Ricardo, Guillermo Desiderio Barbieri, José María Aguilar, Domingo Riverol, Julio Vivas y Horacio Pettorossi. Cada uno de ellos aportó algo al tango canción. Fueron introduciendo en el conjunto de guitarras elementos que en la orquesta típica se venían dando desde hacía tiempo, compositivos y después arreglísticos: el marcato, la síncopa a tierra, la melodía articulada. Pusieron todos esos recursos al servicio de la necesidad expresiva de Gardel. Si quieren leer más sobre los guitarristas de Gardel, los invito a visitar esta nota que escribí sobre el tema en otro medio.

Albornoz también recreó la forma de grabar de los primeros años, el llamado período acústico, que era más o menos así:

Les recomiendo seguir a Rodrigo Albornoz en redes para ver más sobre esta investigación, que aún está en marcha.

Homenaje a Mercedes Sosa en su cumpleaños

Se acerca otro 9 de julio, que no solo es el Día de la Independencia, sino el cumpleaños de la cantora nacional Mercedes Sosa, nacida en 1935 y fallecida en 2009. Este año se celebrará un concierto homenaje llamado Traigo un pueblo en mi voz, con la Orquesta Sinfónica Municipal de Avellaneda en el Teatro Roma de Avellaneda, con la dirección de Popi Spatocco.

Cantarán parte de su repertorio Luna Monti y Bruno Arias, el Coro IMMA y los artistas locales Lorena Leal, Alicia Vignola, Gabriela Novaro y Pablo Olivares.

Yapa: Cuchi Recóndito e Inédito

Ya les hablamos de este disco del dúo Palo Blanco hace poco. Se trata de un trabajo maravilloso llamado Cuchi Inédito y Recóndito en el que las cantoras Laura Princic y Guadalupe González Táboas interpretan acompañadas por el guitarrista Roberto Eduardo Almerida y con invitados especiales obras hasta ahora desconocidas o poco conocidas del gran compositor salteño Gustavo “Cuchi” Leguizamón. Son veinte canciones que muy pronto serán editadas por el sello Shagrada Medra, de Carlos “Negro” Aguirre y Luis Barbiero. Pero, mientras, pueden escuchar los temas subidos a YouTube o a Soundcloud.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Está por salir un disco que no saben lo que es y le voy a dedicar gran parte de esta columna hoy, porque quiero compartir con ustedes toda la información que tengo. Se llama Cuchi Inédito y Recóndito y es del dúo Palo Blanco, que integran las cantoras Laura Princic y Guadalupe González Táboas. Es un disco con obras hasta ahora desconocidas o poco conocidas del gran compositor salteño Gustavo “Cuchi” Leguizamón. Pero no con, pongamos, siete u ocho canciones, como tienen ahora los discos. ¡Son veinte! O sea, es un disco doble con arreglos e invitados exquisitos. 

La historia es así: Roberto Almeida, pareja de Princic y guitarrista de Palo Blanco, hizo una profunda investigación sobre la obra del Cuchi para una tesis con la que se recibió en la Licenciatura en Música Popular de la UNSAM. Se encontró con un montón de temas que nunca nadie tocó, a través de audios, partituras y otros documentos, y elaboró el catálogo más exhaustivo que existe sobre la obra del salteño, empezando por la Zamba del muerto dulce, que fue la primera zamba que compuso a su padre, que había muerto de diabetes.

A pulmón y pagando todo de su propio bolsillo, Princic, González Táboas y Almeida grabaron este material, que se terminó hace muy poquitos días. “Este disco es el producto de un trabajo que llevamos a cabo a lo largo de cinco años, con mucho esfuerzo, porque somos músicos independientes, mucha dedicación, pero con un amor inconmensurable a la obra del Cuchi”, contó Princic a elDiarioAR. 

Vean el lujo que es la lista de invitados: Nadia Szachniuk, Emma Palermo, Mariano Agustoni, Sergio Zabala, Nadia Larcher, Manu Navarro, Pablo Fraguela, Federico Rey, Gino Palomino, María Eugenia Gómez, Chacho Echenique, Martín Neri, Hugo Maldonado, Santiago Arias, Seva Castro, Flor Bobadilla Oliva, Mariano “Tiki” Cantero, Marcos Cabezaz, Solana Biderman y Jaques Morelenbaum.

Hay temas con letras de César F. Perdiguero y Manuel J. Castilla, como muchos de los grandes clásicos del Cuchi, y uno con letra de Jaime Dávalos. Además, muchas de las canciones tienen letra del propio Leguizamón.

Por ahora, según nos dijo Princic, no hay fecha de lanzamiento ni de presentación de este trabajo. ¿Quizá para el cumpleaños del Cuchi el 29 de septiembre? Ya les iremos contando. Pero si quieren escuchar más o menos cómo suena, acá algunos adelantos que fueron publicados en redes.

Noelia Sinkunas se acerca al Litoral

Y otro disco que nos encantó -este sí ya disponible en las plataformas desde el 8 de abril- es Salve, de la pianista y compositora Noelia Sinkunas. Se trata de un trabajo que reúne una serie de vivencias personales e íntimas y es el resultado de un proceso creativo y de experimentación en torno al chamamé y las formas de la canción litoraleña.

Lo integran siete canciones con letra y música de la propia Sinkunas, en las que desplegó una sensibilidad menos presente en el tango, en el que la pianista se desempeñaba hasta ahora. Para las voces convocó a mujeres y disidencias como Rocío Araujo, Nadia Larcher, Yoli Campos, Julieta Laso, Lidia Borda, Valen Bonetto, Tomás Llancafill y Micaela Vita, mientras que los músicos son Milagros Caliva en bandoneón, Emiliano Faryna en guitarra, Cristian Basto en contrabajo, arreglo y dirección de cuerdas, Carolina Rodríguez en viola, Violeta García en cello, Christine Brebes y Alex Musatov en violines.

“Salve”, fue el primer corte de difusión y el tema que da nombre al disco. Cantan Vita y Llancafil.

El disco se presentará el 21 de mayo en Galpón B en CABA y estarán invitadas Julieta Laso, Luciana Jury, Yoli Campos, Tomás Llancafill, y Valen Bonetto. Antes, este sábado, Sinkunas se presentará con Milagros Caliva, Belén López y Flor Bobadilla en Bargoglio.

Lanzaron la Diplomatura en Chamamé

Hablando de chamamé, la Universidad Nacional del Nordeste puso en marcha la Diplomatura en Chamamé: “Arte, cultura y sociedad en la región guaranítica”, una iniciativa conjunta con el Instituto de Cultura de Corrientes y la Academia Nacional del Folklore.

La propuesta virtual se lanzó el 30 de marzo con 200 inscriptos y está organizada por la Facultad de Artes Diseño y Ciencias de la Cultura.

“A partir de la declaración del chamamé como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, el Gobierno de la Provincia implementó una serie de políticas públicas vinculadas a la difusión, a la formación en chamamé y esta es una de las acciones a realizar. En esta primera instancia hubo más de 400 postulantes de los cuales 200 fueron seleccionados para participar de las clases que se van a desarrollar desde abril”, explicó el presidente del Instituto de Cultura de Corrientes, Gabriel Romero.

La diplomatura consta de diez módulos, en los cuales se trabajará en diferentes aspectos de la cultura chamamecera, mediante una plataforma en línea a través de Internet.

Se explicó que “la iniciativa acompaña y da forma a la creación de un ámbito académico específico para el estudio y análisis de la realidad cultural que sustenta y da vida al complejo cultural regional del chamamé, un fenómeno folklórico pleno de vitalidad y en permanente expansión, no sólo en el territorio argentino sino también en América Latina y Europa”.

La diplomatura es gratuita y se dictará durante diez meses (serán 200 horas reloj).

Inés Cuello y La Grela homenajean a Gardel

Este 26 de abril Inés Cuello y La Grela Quinteto de Tango presentarán en vivo en el Teatro Picadero su nuevo disco, Gardel, que propone un recorrido musical por las obras más destacadas del clásico repertorio gardeliano, pero desde una estética fresca y actual. Buscan así respetar y hacer honor a la esencia sobria, elegante y carismática de uno de los máximos referentes del tango argentino en el mundo: Carlos Gardel. 

La agrupación de cámara, integrada por Pablo Fraguela en piano, arreglos y dirección musical, Diego Tejedor en violín, Rafael Delgado en violoncello, Rubén Slonimsky en bandoneón y Ricardo Cánepa en contrabajo, se vuelve a unir a la potente voz de Cuello en este proyecto, después de haberse presentado juntos en la celebración de la obra de Ástor Piazzolla en un concierto en el Teatro Colón el año pasado, cuando se cumplió el centenario del nacimiento de otro de los referentes de la música ciudadana.

Se estrena un documental sobre Sara Mamani

En Sara Mamani, el nombre resiste, que se podrá ver desde el 14 de abril en el Gaumont, la realizadora Susana Moreira acompaña a la cantora y compositora Sara Mamani a su ciudad natal, Salta, y recorre con ella los lugares de infancia y adolescencia y de sus inicios en la música.

En su casa de Buenos Aires, donde reside desde hace muchos años, Mamani cuenta su trayectoria musical, alternando material de archivo de sus presentaciones, incluida la que realizó con Jaime Torres.

El documental cuenta con testimonios del Premio Nobel de la Paz Adolfo Pérez Esquivel y Norita Cortiñas, que hablan sobre el trabajo en defensa y promoción de los derechos humanos que hace la cantora.

Finalmente, Mamami viaja a Jujuy, a participar del carnaval de Tilcara una vez más, como lo ha hecho durante tantos años, fiesta popular que nutre su palabra y su música.

Un tip: Agenda Revuelta

Si quieren estar al tanto de todos los conciertos de música de raíz y afines que tienen lugar en todo el país, el programa Revuelto de Radio de Ale Simonazzi arma la Agenda Revuelta, que incluye todo y que vale la pena tener en cuenta a la hora de elegir plan musical.

Yapa: Concierto de hermandad argentino-chilena

Qué músicos más hermosos de ambos lados de la Cordillera se juntaron ese día en el CCK, durante la visita del presidente chileno Gabriel Boric. Si se perdieron el concierto, acá está completito:

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Grabaciones del “Cuchi” Leguizamón vuelven a las manos de sus herederos y, ¿se reeditarán?

Músicos y seguidores celebraron este finde largo la noticia que compartía en sus redes sociales, bajo el título “Vengo desde el olvido”, Delfín Leguizamón, hijo de Gustavo “Cuchi” Leguizamón, uno de los grandes referentes de la música argentina. Resulta que el “Cuchi” solo entró una vez en su vida a un estudio a grabar su obra. Fue un “long play”, como se decía entonces, con doce composiciones: de un lado, seis interpretaciones en piano y del otro, seis más en canto y guitarra.

Según cuenta su hijo, ese material editado quedó sin distribución. O sea, existe y más abajo les comparto el link en YouTube de la edición vieja, pero la discográfica consideró que no valía la pena invertir en su difusión. Cuando los herederos quisieron hacer una reedición de ese álbum, la discográfica se negó. “Es de un asombro indignante ver cómo la memoria de un país se pierde, cuando queda atrapada en las corporaciones empresariales, esa memoria que la industria intenta anular y volverla un puro desecho”, escribió Delfín Leguizamón en su post.

Después, el “Cuchi” volvió a un estudio para acompañar al genial Dúo Salteño en el piano. Pero esa es otra historia.

Y ahora viene lo bueno. Muchos años después, la semana pasada, Araceli Matus, nieta de Mercedes Sosa y responsable de la fundación que lleva el nombre de la cantora (y también cantora, por cierto), lo llama a Delfín Leguizamón y le dice: “Tengo unas grabaciones de tu papá”. Parece ser que la discográfica en algún momento se deshizo de grabaciones originales de varios autores. Entre ellas, estaba esta del único disco de estudio del “Cuchi”, que fue a parar a las manos de Fabián Matus, el padre de Araceli.

En diálogo con elDiarioAR, el hijo del gran músico salteño confirmó que la idea es remasterizar ese material y editarlo, porque, señala, “fue un disco bastante poco cuidado”. Pero eso no es todo. Los herederos del “Cuchi” cuentan además con un material inédito: grabaciones de cinco conciertos que el músico dio en Argentina y en las que interpreta obras suyas de las que no existen hasta ahora registros sonoros. Como ejemplo, Delfín Leguizamón menciona la famosa “Zamba de Valderrama”. “Nadie puede saber cómo la tocaba él porque no está editada hasta ahora. En esos conciertos hay todas esas versiones”, dice.

Así que, si se reúne el financiamiento necesario para editar todo este material de la mejor manera posible, parece que pronto tendremos discos nuevos del “Cuchi”, que, aún sin cuidar, sonaba así de impresionante:

Música negra en Buenos Aires

Solemos olvidar que por estos lares también hubo esclavos negros que dejaron rastros en nuestra cultura. El más evidente -porque todos sabemos hacer las palmas del ritmo de candombe, ¿o no?- está en la música. Pero hay mucho más que candombe. Y hubo gente que trabajó en reunir toda ese material. Así surge el proyecto colectivo Negro che, negro usted, que se presenta este viernes 4 de marzo en la Fundación Mercedes Sosa. La iniciativa se propone rescatar la música negra de Buenos Aires con la participación de músicos afroargentinos y reconocidos instrumentistas de la ciudad.

El proyecto, que se subtitula Postales de una Buenos Aires negra, se plasmó primero en un disco, editado en 2019 por Shagrada Medra, y cuenta con la producción musical y la dirección artística de Mariano Agustín Fernández. La idea es evidenciar cómo la música de los esclavos traídos de África a nuestras orillas explica no sólo el candombe, sino también buena parte del tango, la milonga y otros ritmos autóctonos.

Esta música será tocada ahora en vivo por sus protagonistas: las voces de Carmen “Pelusa” Yannone y Domingo “Chingolo” Delgadino y la base percusiva de la Familia Guariló, integrada por Neshe, Cutín y Matías Delgadino y Nicolás Torreblanca, músicos afroargentinos, a los que se suman invitados de la talla de Facundo Guevara, Oscar “Pocho Porteño” Vega, Gastón Jalef y Leandro Jimeno en percusión, Emanuel Ntaka y Sandra Peralta en voz, Pedro Rossi y Pedro Furió en guitarras, Toño Arroyo en piano, Taty Calá en contrabajo y Francisco Huici en saxos.

Se van a interpretar tanto obras anónimas tradicionales que se transmitieron oralmente de generación en generación como versiones de temas de compositores argentinos y latinoamericanos que forman parte de la banda sonora cotidiana de los afrodescendientes.

El concierto del viernes, con entrada libre y gratuita, será filmado para formar parte de una nueva película dirigida por Alberto Masliah, que ya había realizado Negro che en 2005, un documental que dio el puntapié inicial a toda esta movida.

Pero antes del viernes se puede disfrutar del disco en el hermoso espacio de escucha colectiva La Hora Azul de Shagrada Medra este miércoles. La cita es desde las 22 en el canal de YouTube del sello independiente nacido en Paraná, que todo el año pasado nos acompañó con estas rondas sonoras, que permiten compartir y disfrutar de los discos del catálogo y charlar con los artistas a través del chat en vivo.

María Paula Godoy y un disco con composiciones propias aunando Brasil y Argentina

La cantora y compositora María Paula Godoy, que nació en Tucumán, reside en Catamarca y vivió muchos años en Brasil, presentó un disco nuevo, Cancionera y Adentro, el segundo que edita en Argentina (editó dos en Brasil), en el que en composiciones propias aúna las tradiciones musicales argentina y brasileña que la nutren. Son siete canciones y un bonus track que suenan en el potente caudal de voz de la tucumana, compuestas durante la cuarentena en el 2020 y disponibles en las plataformas digitales desde el 25 de febrero. Veintidós minutos exquisitos, que abarcan ritmos como vidala, chacarera, zamba y, claro, sonidos brasileños.

El álbum fue producido en 2021 por Godoy y su compañero Juan Martín Angera. Participan en él, entre otros, el pianista Andrés Pilar, el flautista Juan Pablo Di Leone, el contrabajista Fernando Silva y el acordeonista brasileño Mestrinho.

El primer recital de presentación de Cancionera y Adentro será en un escenario natural, en Isla Larga, Pirquitas (Catamarca), junto al río. Después de todo, este disco, según dijo la cantora, está dedicado, entre otras cosas, a la naturaleza.

El disco de Patricia Malanca se plasma en una muestra artística

La muestra Traerán ríos de imágenes los tangos de un libro, inspirada en el disco Traerán ríos de tango las páginas de un libro, de la cantora Patricia Malanca, se inaugura el miércoles 9 de marzo en la Casa (M)Patria Grande (Carlos Pellegrini 1289/CABA). Bajo la curaduría de Kekena Corvalán cinco artistas visuales intervinieron con sus obras e imágenes las ficciones literarias de grandes libros de escritoras argentinas en base a las canciones que Malanca compuso inspirada en esas novelas. 

“La obra visual-literaria-musical Traerán ríos imágenes los tangos de un libro se compone de varios universos artísticos integrados para metaforizar diferentes problemáticas sociales desde la perspectiva de género”, señala el texto de presentación de la muestra. Las artistas visuales que participan son Alejandra Fenochio, Nélida Olguin, Julieta Barderi, Natalia Lavigna y Estefanía Nakielski.

Como disparador creativo las artistas visuales dispusieron de canciones compuestas e inspiradas en novelas como Las Malas, de Camila Sosa Villada, Las Aventuras de la China Iron ,de Gabriela Cabezón Cámara, Chicas Muertas, de Selva Almada, Los Suicidas del Fin del Mundo, de Leila Guerriero, Matate Amor, de Ariana Harwicz, Black Out, de María Moreno, Catedrales, de Claudia Piñeiro, Cometierra, de Dolores Reyes y El nervio óptico, de María Gainza.

En la inauguración de esta exposición, que se podrá visitar de lunes a lunes de 14 a 19 durante todo marzo, Malanca interpretará los tangos y canciones de su disco con invitadas especiales como Ferni de Gyldenfeldt, La Fuegah y Real Valessa. Para finalizar, la actriz Jimena Angeletti recitará fragmentos de los libros.

Yapa: Nuevo video de Cecilia Pahl

Antes de cerrar esta entrega de “Raíces”, les quiero contar que el 8 de marzo Blanca Rébori, inspiradora de esta columna, será homenajeada junto con otras referentes del periodismo en un acto del colectivo Periodistas Argentinas. Nos alegramos enormemente por eso, porque es más que merecido.

Ahora sí. Nos despedimos hasta dentro de dos semanas con un video recién salido del horno de nuestra querida Cecilia Pahl, “Canción del carretero”, de disco Estampas argentinas, que tan maravillosamente reseñara Diego Fischerman en su columna. ¡Que disfruten!

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM