Las memorias del actor Will Smith, tituladas “Will” y coescritas con el escritor de autoayuda Mark Manson, regresan a la lista de libros más vendidos en Estados Unidos, acaso porque muchos lectores creen encontrar en el libro, recién publicado en español, una explicación a la actitud de la estrella de “Rey Richard” y “En busca de la felicidad” en la reciente entrega de los Oscar, ya que detalla la vida personal y profesional del actor, incluido el abuso físico que su padre infligió a su madre.

El capítulo de la sobreactuación de la cachetada de Smith a Chris Rock después de que el cómico, de 50 años, hiciera una broma sobre Jada Pinkett Smith, la esposa de quien recibiría a continuación el Premio de la Academia al mejor actor, durante la 94ª edición de los Oscar, y sus derivados en el mundo del espectáculo, podrían leerse como un apéndice a las memorias publicadas por Zenith, un sello de la editorial Planeta.

Los abusos físicos de su padre

En la página 27, de 460 que tiene la edición española, “Will” dice: “Como actor, entender los miedos de un personaje es una parte fundamental para comprender su psique. Los miedos crean deseos y los deseos precipitan acciones”. La vida abajo del escenario es más o menos igual, parece sostener, en su libro, el actor. Estos pensamientos se desencadenan luego de que el padre, un exmilitar alcohólico, le pegara a su madre.

Esa acción continuó porque la mujer no se calló: “Crees que pegarle a una mujer te convierte en macho”, dijo. El hombre le dio otro golpe y la derribó. Ella se puso de pie y le dijo: “Pégame todas las veces que quieras, no puedes hacerme daño”. Smith dice que él podía golpear su cuerpo, pero, de algún modo, ella era capaz de controlar lo que le hacía daño. “Yo deseaba ser así de fuerte”, escribe.

El padre también golpeaba a los hermanos de Smith que respondían de la misma manera que la madre. El actor prefería complacer al padre. Era el único débil. “Yo era el cobarde”, dice.

Todos en su casa habían presenciado la escena del abuso físico a la madre y su hermano Harry quiso proteger a la madre, pero fue apartado de un empujón. Su hermana Ellen se fue a refugiar acurrucada en su cama. Uno defendía a su madre, la otra huía de la escena violenta. Will complacía a su padre.

“Yo quería complacer y aplacar a mi padre, porque mientras él estuviera sonriendo y riendo, creía que nos mantendríamos a salvo”. Por esto, Smith decide ser gracioso, aunque dice que “su pequeño cerebro de nueve años procesó los episodios de abusos” por parte de su padre “como si de alguna manera fueran culpa” de él.

En el libro queda bien retratada esa escena en la cual esa noche, en esa habitación, el Will Smith de nueve años, parado en la puerta, ve como su padre golpea a su madre y ella caía al suelo. “Yo era la única posibilidad que ella tenía de recibir ayuda. Y, sin embargo no hice nada”, expresa la estrella de Hollywood.

En la famosa cachetada al comediante para defender a “su” esposa cuando Rock hace la broma de comparar a “G.I. Jane”, la protagonista de la película de 1997, interpretada por Demi Moore, quien se rapa durante el rodaje para ser la primera mujer que se une a la marina de Estados Unidos, la actitud de “Will” es la contracara de aquel niño que no defiende a lo “que más amaba en el mundo”, su madre.

“Will”, las memorias de Smith

En este capítulo, llamado “Miedo”, empieza el libro de lectura ágil, entretenida, con la cuota que le imprime Mark Manson, el coescritor. El autor de libros de autoayuda y superación deja en cada idea narrada por el actor su impronta.

Se trata de un libro que desde la cruda experiencia de una personalidad del cine, narrada con sinceridad (o al menos dejando aspectos desfavorables a su persona al descubierto) deja reflexiones como las contadas en el capítulo de la violencia intrafamiliar presenciada en la niñez de Smith. Tiene 21 capítulos titulados todos con una sola palabra: “Fantasía”, “Poder”, “Aventura”, “Dolor”.

La introducción se llama “Muro” y allí el actor, nacido en 1968 en la ciudad de Filadelfia, cuenta que su padre lo obligó a él y a su hermano menor, siendo muy niños, a levantar un muro en su casa. Ellos lo creían imposible. Su padre malhumorado les dijo que no pensaran en el muro sino en cada ladrillo. Una escena que parece sacada del film de Alan Parker “Pink Floyd - The Wall”.

Le llevó todo un año a los dos niños levantar esa pared. El actor en esta introducción explica que esta experiencia le dejó una lección: “El secreto de mi éxito es tan aburrido como sorprendente: vas y pones otro ladrillo”, dice. Aquí aparece el tono que marca todo el libro, el registro de Manson para convertir este best seller en un libro de autoayuda.

Ante el fracaso, la pérdida, la humillación, el divorcio, la muerte, la invasión de la privacidad, la desintegración de la familia, cuenta Smith que “todos los días” se levantaba, “mezclaba cemento y ponía otro ladrillo”. Su padre le dejó ese legado y el de su nombre Will: que en inglés significa “voluntad”.

En el capítulo 8, llamado “Dolor”, Smith narra sus experiencias sexuales. Luego de ser “engañado” amorosamente por su novia Melanie, actúa de forma violenta: rompe con un hierro unas doce ventanas de la casa, porque tenía que hacerlo “no porque sintiera un impulso emocional por hacerlo”, explica.

Escapa para ver a su madre y ella estaba conectada “completamente” con su dolor. “Ya no era solo miedo, era nuestro”, dice. Vuelve vencido a su hogar de la infancia, ya sin el padre que hace poco tiempo la madre había echado de la casa. “Pensé que no me habría engañado si yo hubiera sido lo suficientemente bueno. Le había fallado a otra mujer”, explica mucho tiempo antes de que defendiera a su esposa de los supuestos agravios públicos emitidos por Rock en la entrega de los Oscar.

Luego “Will” relata que empezó a tener “sexo desenfrenado”. Y se define como una “hiena del gueto”. Tuvo relaciones sexuales con tantas mujeres y le resultaba desagradable. “Me provocaba arcadas, literalmente, y a veces incluso vomitaba”, confiesa el actor. Era una búsqueda desenfrenada. “Y las miradas de esas mujeres agravaban mi agonía. Estaba haciendo exactamente lo que odiaba de mi padre: hacer daño a las mujeres”, analiza.

Las huellas para desandar la actitud de Will Smith durante la entrega de los Oscar se diseminan en todo el libro. Hay registros de su primera infancia en la violencia del barrio y escenas finales ya como una estrella. Un recorrido que un buen lector de policial o de intriga psicológica puede leer como una novela y hacer un hipervínculo con los últimos sucesos.

Sobre el final del libro, aquel niño convertido en una celebridad sigue soñando con vengar a su madre, le promete a su padre, que está en silla de ruedas, que él cuidará de todas las personas. Un padre degradado por los años que apenas puede levantar la cuchara para comer y tiene a las escaleras de fondo. “Soy uno de los mejores actores del mundo. Mi llamada al 911 habría sido digna de un Oscar”, dice Smith. En la cachetada a Rock quizá empujó a su padre por esas escaleras.

Carlos Aletto para agencia de noticias Télam

Will Smith renunció a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood tras su reacción en la gala de los Oscar durante el domingo pasado, cuando subió al escenario y abofeteó al comediante Chris Rock, quien había bromeado sobre el aspecto de su esposa, Jada Pinkett.

El actor, que ganó el Oscar al Mejor Actor por su interpretación de Richard Williams en “Rey Richard: Una familia ganadora”, se hizo cargo de los coletazos de su destemplada acción, por la que cosechó críticas en los últimos días, y ante la posible expulsión por parte de la Academia.

Qué dice la renuncia de Will Smith y la respuesta de la Academia

“Mis acciones en la 94° entrega de los premios de la Academia fueron ofensivas, dolorosas e inexcusables. La lista de personas a quienes herí es larga e incluye a Chris (Rock), su familia, muchos amigos y seres queridos, todos los asistentes y el público que lo presenció desde casa. Traicioné la confianza de la Academia. Privé a otros nominados y ganadores de la oportunidad de celebrar y ser celebrados por su extraordinario trabajo. Tengo el corazón partido”, señaló Smith en un comunicado difundido este viernes en el que informó de su renuncia como miembro de la Academia.

“Quiero volver a centrarme en aquellos que merecen atención por sus logros y permitir que la Academia vuelva al increíble trabajo que realiza para apoyar la creatividad y el arte en el cine”, afirmó, y concluyó con que “el cambio lleva tiempo y estoy comprometido a hacer el trabajo para garantizar que yo nunca más permita que la violencia supere a la razón”.

Ante el comunicado de Smith, el presidente de la Academia, David Rubin, aseguró que la institución que rige los Oscar “aceptó en forma inmediata” la renuncia del actor y dijo que continuarán “avanzando en los procedimientos disciplinarios” contra el Smith por sus violaciones a los estándares de conducta durante la gala del domingo pasado.

La reacción de Will Smith en los Oscars 2022

Antes de recibir su premio como Mejor Actor, Smith irrumpió intempestivamente en el escenario del Dolby Theatre de Los Angeles y golpeó con un cachetazo a Rock luego de que el actor y comediante se burlara del aspecto de Pinkett Smith, que sufre de alopecia y está rapada.

Luego del incidente, Smith permaneció en la ceremonia y luego subió al escenario a recibir el Oscar a Mejor Actor, el primero de su carrera, momento en que se disculpó llorando ante todos menos ante el agredido Rock.

Recién el lunes, con un comunicado, aceptó: “Me pasé de la raya y me equivoqué, una broma sobre la condición médica de Jada fue demasiado para mí”. Rock, por su parte, se negó a levantar cargos ante la policía por la agresión sufrida en el Dolby Theatre.

Los medios especializados informaron que la tardanza en sus disculpas públicas a Rock y el haber asistido luego de la ceremonia a la fiesta de Vanity Fair hicieron caer las acciones de Smith en la jerarquía de la Academia y que era muy posible su expulsión por parte de la institución.

MB con información de agencia Télam.

La novena entrega del programa de entrevistas español “La tres puertas”, que conduce María Casado, tuvo entre sus invitados a la actriz Ana Milán y, juntas, reflexionaron sobre la importancia de llevarse bien con una misma, de los amigos como familia y del buen sentido del humor. Sobre esto último, las dos quisieron opinar sobre el altercado entre Will Smith y Chris Rock en la gala de los Oscar del pasado domingo. Consultada acerca de si hay “límites en el humor”, Milán respondió: “Los límites son la sensibilidad. Si me hacés una broma y ves que no me río, recula”, subrayó.

Y continuó con su argumento: “No te podés reír de alguien que está enfermo, tampoco levantar y dar una bofetada porque perdés. Ninguno estuvo acertado. Me hubiera gustado que se levantara ella (por Jada Pinkett Smith) y dijera que no se puede reír de que esté perdiendo el pelo”.

Asimismo, Milán recordó un dato que para muchos era desconocido sobre Rock: “Precisamente él produjo un documental sobre la importancia del pelo de las mujeres negras”. Se refería a Good Hair, una producción de 2009 en clave de comedia que aborda temas serios como la identidad e igualdad entre las mujeres negras que sienten que necesitan tener el cabello largo y liso.

Y Milán añadió: “Es un tema especialmente doloroso y además tú, Chris Rock, pones en evidencia a una mujer ante el mundo. Es un chiste que a mí me costaría hacer, ¡qué horror hacer un chiste sobre el físico de alguien! La violencia verbal la usó Chris Rock y la física, Will Smith. Ella podría haberse protegido perfectamente sola. Proteger también es no ponerte en evidencia”, zanjó.

Con información de Paula Hergar, de verTele! para elDiario.es.

IG

La osadía y originalidad de hombres como Timothée Chalamet, Kodi Smit-McPhee y Sebastian Yatra compitieron con la elegancia y sutileza de Penélope Cruz, Zendaya y Nicole Kidman en la alfombra roja de la 94 edición de los Óscar en la que hubo mucho color, entre ellos el azul, en apoyo a los refugiados de todo el mundo.

Penélope Cruz, nominada a mejor actriz protagonista por “Madres paralelas”, con vestido negro de original escote de Chanel y Javier Bardem, que opta a mejor actor protagonista por “Being the Ricardos”, también de negro, marcaron el rumbo en una alfombra roja en la que mujeres y hombres compitieron por brillar con luz propia.

Y en ese juego de luces, destacó la actriz Zendaya, protagonista de “Dune”, que muy elegante lució blusa “crop top” blanco de raso y falda larga con cola cuajada de lentejuelas, una creación de Valentino que completo con joyas en el cuello y muñeca.

Jessica Chastain fue una de las más madrugadoras en la alfombra roja y llegó con un vestido muy ochentero en malva y dorado con el que hizo un guiño a su personaje Tammy Faye, por el que está nominada a mejor actriz.

Con destellos en plata apareció Olivia Colman, que aspira a mejor actriz protagonista por “The Lost Daughter”, un tono también escogido por Alana Haim, protagonista de “Licorice Pizza”, que se decantó por un diseño de Louis Vuitton.

El brillo alcanzó su punto más álgido cuando apareció en la alfombra roja Lupita Nyong'o con un vestido dorado de lentejuelas firmado por Prada.

Centelleos que se rebajaron con la sencillez de Judi Dench, nominada a mejor actriz de reparto por “Belfast”, que resultó elegante con una creación en blanco, y la sutileza de Nicole Kidman, que compite en la misma categoría, con un palabra de honor azul celeste de Armani Prive.

Tras las dos ediciones marcadas por la pandemia, los nominados e invitados a esta nueva fiesta del cine fueron conscientes de que la prestigiosa alfombra exige glamour y así, con las cosas bien claras, llegó Chastain al Dolby.

 Aplaudida fue la elección de Ariana DeBose, actriz que hasta ahora nadie conocía, pero esta noche nominada a mejor actriz de reparto por “West Side Story”, resultó atractiva con un conjunto rojo de alta costura de Valentino.

 Un color con el que también resultó muy favorecida Kirsten Dunst, nominada a mejor actriz de reparto por “The Power of the Dog”, que apostó por un diseño vintage de Christian Lacroix y Tracee Ellis Ross en un diseño de Carolina Herrera.

No solo Penélope Cruz se decantó por el negro. La cantante y actriz Vanessa Hudgens, que participa en “tick, tick...Boom!, llegó con un vestido de corte columna de Michael Kors y una importante gargantilla de esmeraldas y brillantes.

Un color por el que también se decantó Sofía Carson, con un teatral vestido de tul negro de Giambattista Valli; Laverne Cox y la directora Jane Campion.

Apostó al negro también Rita Moreno, que dio vida a Anita en la versión de “West Side Story” de 1961 y que vuelve a participar en la de Steven Spielberg.

La actriz Maggie Gyllenhaal brilló con un diseño negro de de Schiaparelli y Kristen Stewart, nominada a mejor actriz protagonista por “Spencer”, llamó la atención con un rompedor diseño de Chanel compuesto por pantaloncitos cortos.

Elegante y sutil resultó la noruega Renate Reinsve, protagonista de “The Worst Person in the World” con un modelo negro y beige de Louis Vuitton.

 Los Óscar recuperan en esta edición el teatro Dolby de Los Ángeles, adonde regresó la vieja normalidad y el glamour volvió a una espectacular alfombra roja marcada hasta ahora por la elegancia femenina, pero que esta ocasión los hombres compiten, arriesgan y ganan.

Así, la mayoría eligieron su vestuario con tino, tenían claro que querían romper barreras. Uno de los estilismos más comentados y arriesgados fue el de Timothée Chalamet, que optó por no llevar nada debajo de la chaqueta de su traje de Louis Vuitton, unas joyas y una sutil sonrisa le bastaron para dar la campanada en sobre la alfombra roja.

Vanguardistas y originales también se mostraron Kodi Smit-McPhee, que se decantó por un esmoquin azul bebé de Bottega Veneta y el cantante colombiano Sebastián Yatra, por otro de color rosa palo de Moschino.

Ceñido a una elegancia más tradicional, pero con una nota vanguardista apareció Javier Bardem, con un esmoquin negro brocado. Una estela que siguió Andrew Garfield con americana de terciopelo granate y camisa negra con lazada.

Clásico, el actor y director Kenneth Branagh, nominado por su trabajo en “Belfast” apareció con elegante esmoquin azul marino con solapadas en negro, combinado con una camisa blanca y pajarita negra.

 En esa misma línea, Benedict Cumberbatch, lució impecable con un esmoquin negro y en su solapa la bandera de Ucrania. 

Por Carmen Martín - Agencia EFE

Will Smith es, desde este domingo, uno de esos casos que bien podría servir de estudio en algún curso de nuevas masculinidades. Smith, un tipo amable, conocido por papeles que en algún caso ahondaban en nuevos modelos masculinos y por discursos que apostaban por relaciones amorosas libres, ha terminado pegando una bofetada a otro hombre en prime time. La víctima, Chris Rock, acababa de hacer un chiste hiriente sobre la actriz Jada Pinkett, pareja del actor. Will Smith caminaba decidido hacia el escenario, le partía la cara a Rock y volvía a su asiento para gritar “saca el nombre de mi mujer de tu puñetera boca”. Y así es como Will Smith ha encarnado mejor que nadie el papel de tipo progre que tiene el discurso aprendido pero que no es capaz de llevarlo a la acción.

“La gran tarea pendiente para los hombres es la auto regulación, la gestión emocional y la coherencia entre el discurso y la performance”. Es la frase con la que el consultor en igualdad y masculinidades David Kaplún une lo sucedido en la gala de los Oscar con lo que observa en el activismo y en la sociedad: hombres con un discurso aprendido, en el que creen en gran medida, pero incapaces de auto regularse cuando llegan los momentos clave.

“La nueva ola feminista está poniendo el foco en nosotros, y el tema de las masculinidades está cogiendo mucho vuelo. Es un mensaje que está calando desde un enfoque más cognitivo, mental, ideológico, pero no con toda la profundidad que requeriría, porque esto tiene que ver con un cambo de conciencia, con un cambio actitudinal, emocional, relacional... ”, explica Kaplún. Ese cambio profundo va más allá de saber llorar o de permitirse mostrar emociones, sostiene, sino que tiene que ver fundamentalmente con auto regularse: “Saber cuando toca escuchar en lugar de hablar o de dar una hostia”.

La actitud de Smith conecta con esa masculinidad que termina reproduciendo el mismo modelo que critica, llegando incluso a la violencia física o verbal cuando, por ejemplo, otro hombre le dice algo a una amiga o a una pareja. Kaplún recuerda que hace falta un contexto personal coherente que dé entidad a los discursos e incluso, en el caso del actor, a los personajes con los que en alguna ocasión Smith ha parecido sacarle punta a la paternidad o a la relación de los hombres con los cuidados.

La nueva masculinidad de siempre de la que el periodista y escritor Antonio J. Rodriguez hablaba en su libro homónimo alude a esos “nuevos modelos de masculinidades que no difieran en absoluto de las masculinidades tradicionales en lo convencional o en su ADN”. “Después de la importancia de toda esta conversación alrededor del feminismo ha habido dos grandes reacciones: una, la aparición de masculinidades particularmente recalcitrantes, reaccionarias, y otra, la figura de las nuevas masculinidades o sus sinónimos, que aparentemente son una respuesta más noble y que en muchos casos sintoniza con algunas de las demandas feministas, si bien es cierto que en lo esencial no han cambiado tanto. Marca una especie de antes y después, que dentro de lo malo no es el peor camino pero creo que un planteamiento más radical sobre la masculinidad implica ir más allá. La frontera última de la masculinidad para mí son dos elementos que planteo en el libro: la renuncia a la propiedad del cuerpo de la mujer, y la renuncia al estado de guerra permanente con otros hombres”, decía Rodríguez en una entrevista con elDiario.es.

Visto lo visto, Will Smith no ha renunciado ni a una ni a otra. Para Beatriz Ranea, autora de 'Desarmar la masculinidad', es un ejemplo claro de esa masculinidad que, por un lado, asume el papel de hombre como protector y que, por otro, recurre a la violencia como forma de 'resolución' de los conflictos que se le presentan, más aún cuando ese conflicto sucede con otro varón con el que de alguna manera se establece una “competición” para determinar quién es más hombre.

“El comentario de Chris Rock hacia Jada Pinkett es discriminatorio e hiriente, está fuera de lugar, pero eso no justifica esa reacción, recurrir a la violencia física en un contexto así, además, en una gala seguida mundialmente tiene una carga simbólica brutal, transmite esa idea de macho protector que violenta a otro para proteger a su mujer”, dice Ranea. El discurso posterior de Will Smith, después de recoger el Oscar a Mejor Actor entre lágrimas, no solo no ha servido como disculpa sino que ha empeorado la cosa. Aunque Smith pedía perdón a la Academia, justificaba su conducta con un argumento peligroso: “Estoy abrumado por lo que Dios me está pidiendo que haga y sea en este mundo. He recibido el llamado de amar y proteger a mi gente. Ya sé que en esta profesión tenemos que ser capaces de sufrir insultos, aguantar que la gente nos falte al respeto, sonreír y hacer como si no pasara nada (...) El amor te hace cometer locuras”.

En tres frases, Smith reproducía el discurso que el feminismo lleva décadas combatiendo. “Ese relato de que el amor me conduce a hacer todo tipo de cosas... Es el discurso de siempre que justifica la violencia de género bajo el paraguas del amor y la pasión, es la legitimación de que se te vaya la cabeza por amor porque por amor todo está justificado”, apunta Beatriz Ranea. A falta de saber si la actitud de Will Smith tendrá algún tipo de consecuencias, ya podemos decir varias cosas. Una, que un hombre que ha cometido una agresión en directo y que la ha justificado en el nombre del amor ha podido seguir asistiendo a la gala en primera fila, con el único reproche a posteriori de un tuit de la Academia. Otra, señores, auto regúlense.

Alberto Iglesias es uno de los cuatro españoles que están nominados a los Oscar 2022. Pero es mucho más que eso. Es un referente para una generación de compositores que entraron en el universo de las bandas sonoras a través de John Williams y Ennio Morricone, pero se quedaron gracias a ejemplos de éxito más cercanos. Alberto Iglesias también es reservado, esquivo y ofrece pocas entrevistas. Quien lo conoce lo achaca a su timidez. Por eso, una forma de acercarse a él es mediante la huella sonora que dejóen otros profesionales, aunque no sea consciente de ello.

“Estoy obsesionado con él. Es un absoluto maestro, un monstruo, el Rafa Nadal de los compositores”, dice Arturo Cardelús (1981), pianista madrileño conocido por las partituras de Buñuel en el laberinto de las tortugas y de la serie de Disney Los descendientes. Según él, “tiene lo que solo tienen los grandes, que cuando escuchas diez segundos de su música ya sabes que es de Alberto Iglesias”.

El sello al que todos hacen mención, él lo llama “limitación”. Cuando un músico recibe el encargo de una película, entran en juego elementos que pueden chocar con un estilo muy personal: las decisiones de un productor o director, la cultura que predomine en el proyecto o el género para el que se compone. No suena ni debe sonar igual un blockbuster faraónico, como el Exodus de Ridley Scott, que algo de Almodóvar. Ni siquiera dos cintas del mismo director. “Muchas veces tienes que cumplir con las demandas y tu identidad se diluye para construir una cosa mainstream que no tiene nada que ver contigo. Pero él nunca pierde su estilo”, concede Cardelús, fan del maestro de 66 años.

“La elección de tus proyectos marca tu campo de batalla. Todos empezamos sin poder decidir, bastante con que nos llamen y nos ofrezcan películas. Pero él, o ha elegido muy bien, o ha tenido un golpe de suerte en el que su trabajo es muy bien recibido”, explica Aránzazu Calleja (1977), ganadora del Goya en 2021 por la banda sonora de Akelarre y compositora de la música de El Hoyo, Fe de etarras y Psiconautas. “Su filmografía es impecable”, continúa. “Es tan inteligente y sensible que atrae de forma innata los proyectos que son para él”.

La banda sonora de Madres paralelas es la decimotercera colaboración del compositor vasco con Pedro Almodóvar, su cuarta nominación al Oscar y la primera vez que acude a los premios de Hollywood con una película puramente española. Las anteriores veces fueron de la mano de El jardinero fiel (2006), Cometas en el cielo (2008) y El topo (2012). “Otra virtud de Alberto es que establece relaciones muy duraderas con los directores. Tal y como está la industria, es muy difícil fidelizar el trabajo”, declara Arnau Bataller (1977), compositor de Mediterráneo, la última de REC o del 'pelotazo' de Mediaset, Way Down.

La relación de Iglesias y Almodóvar se remonta a 1995, con La flor de mi secreto, pero unos años antes ya había saltado al estrellato de las bandas sonoras gracias a Julio Medem. Previamente, el vasco se había formado en San Sebastián, París y Barcelona y se había especializado en música electrónica. “Lo que más me inspira de él es su valentía y el valor que tiene de acercarse a las cosas sin perder su sello, tanto en la electrónica como en una BSO más melódica”, destaca el pianista Arturo Cardelús, que también pone música a la exposición inmersiva sobre Frida Khalo en Madrid.

Las bandas sonoras favoritas

Los cuatro compositores coinciden en destacar a Alberto Iglesias como su principal referente o uno de los grandes, al menos. Y todos tienen muy claro por qué. “Tiene un lirismo y una fuerza extraordinaria. Le admiro mucho”, reconoce Alberto Torres (1979), compositor de la serie Toy Boy de Netflix y cuyas BSO han recorrido festivales como Cannes, Locarno o Toronto. “Me encanta el mood desconcertante y complejo que es capaz de generar para el cine de Almodóvar”, dice, aunque sus favoritas son las de Medem en los noventa: “Tanto el Iglesias más experimental de la trilogía como el magnífico constructor de melodías de Los amantes del círculo polar o Lucía y el sexo.

“Alberto hace una música muy expresiva, tiene mucha profundidad dramática. Enlaza la tradición clásica, entre impresionista y posromántica, con toques minimalistas, pero en general es una música que necesita su espacio”, comparte Arnau Bataller, que cuando se fue a Los Angeles con 20 años a estudiar se llevó como un tesoro en la maleta un CD con las BSO de Julio Medem, como Tierra y Los amantes del círculo polar. También destaca Lucía y el sexo y El jardinero fiel, “donde la utilización de la música me pareció muy acertada porque Hollywood lo que busca es personalidad”.

Aunque hizo un análisis en profundidad sobre la música de Los amantes del círculo polar, Aránzazu Calleja elegiría La flor de mi secreto. Pero la primera composición siempre será importante porque le abrió las puertas del Alberto Iglesias más cercano: “Le quería entrevistar y me invitó a un café, estuvimos dos horas en su casa y me permitió hacer fotos de las partituras”. En cambio, para Arturo Cardelús, que vive y trabaja en Los Angeles, la mejor es Hable con ella: “Se junta el talento para crear texturas con el talento melódico y el talento dramático, y esa fusión es muy especial”.

“La magia de la BSO en la película para mí aparece cuando la música genera exactamente lo que necesita la historia. Sin exhibiciones sonoras superfluas y con el máximo respeto por la historia y su factura fílmica. Aprender esto y descubrir dónde está ese punto, es lo que te convierte en compositor de cine”, explica Torres.

“Para mí son un ejemplo tanto él como Pepe Nieto. Cuando eres más joven llegas a este oficio por películas de Hollywood, como ET y John Williams. Pero cuando tienes más conocimiento, reconoces el mérito que tiene Alberto por llevar la música española fuera de aquí”, resume Bataller.

El 'feo' de los Oscar

Fue una sorpresa cuando los Oscar este año decidieron expulsar a las bandas sonoras y otras siete categorías de la gala del domingo por la noche. Estas estatuillas se entregarán en una ceremonia previa. Un mensaje de que son consideradas artes “menores”. “Me indignó esta decisión”, reconoció Alberto Iglesias, y por eso él y sus compañeros dieron plantón al almuerzo de nominados organizado por la Academia: ni Hans Zimmer (Dune), Germaine Franco (Encanto), Nicholas Britell (No mires arriba) ni Jonny Greenwood (El poder del perro) asistieron.

“Voy a recurrir al maestro, Steven Spielberg, que dice que el 50% del impacto emocional de la película se debe a la música. Están despreciando el 50% de esa emoción”, opina Arturo Cardelús. “Los Oscar van de inclusivos y es un año en el que Germaine Franco tiene posibilidades por Encanto, con lo que sería la primera mujer latina en ganar. Si pasa, no va a aparecer en la televisión”, recrimina el madrileño.

En una profesión tan masculinizada, Aránzazu Calleja cree que “se están cargando la oportunidad de crear referentes femeninos”. De hecho, uno de los efectos que tuvo que ella ganase el Goya fue que las niñas descubrieran otra vocación. “Me llamaban para entrevistarme, fue una cosa muy bonita”, recuerda la también violinista. Por eso, el gesto de los Oscar le parece “un error y un desprecio absoluto al gran trabajo de poner música a la imagen. Es insultante”.

“La gente tiene que saber que el compositor, a nivel legal, es tan autor de la película como el director, el guionista y el creador del argumento”, destaca Alberto Torres. “Muestra el poco valor en general que se le da a la música en el cine. Ni siquiera se le dedica un 1% del presupuesto de la película y este tipo de decisiones ahondan aún más en esa injusticia”, añade Arnau Bataller. “Los músicos casi siempre somos los que tenemos peores condiciones laborales y mi teoría es que es un trabajo tan vocacional, que los productores se aprovechan”, opina este último.

En cualquier caso, aunque es un año con duros contrincantes, todos ellos piensan que Alberto Iglesias merece sumar una estatuilla a su ya copada estantería de premios. Por el momento lo llenan 11 premios Goya, varios premios Feroz, un premio de Cannes y otro del festival de Venecia.

“Espero que lo gane porque rotundamente sí, se lo merece por la calidad del trabajo y por su impecable trayectoria”, opina Torres. “Sería maravilloso, pero por lo que dicen las encuestas también sería una sorpresa, aunque a veces hay sorpresas en los Oscar”, asume Cardelús. Pero Bataller da la clave: “Cruzaremos los dedos para que consiga un premio más, pero gane o no gane eso no cambiará la gran percepción que el mundo tiene de él”.

MZM

La Academia de Hollywood entregará este domingo, 27 de marzo, los premios de la 94ª edición de los Oscar. Las películas que parten con un mayor número de nominaciones son El poder del perro, con 12; Dune, con 10; y Belfast, con 7. La ceremonia será en el Dolby Theatre de Los Ángeles.

MEJOR PELÍCULA

-Belfast

-Coda

-No mires arriba

-Drive my car

-Dune

-King Richard

-Licorice Pizza

-El callejón de las almas perdidas

-El poder del perro

-West Side Story

MEJOR DIRECCIÓN

-Paul Thomas Anderson, por Licorice Pizza

-Kenneth Branagh, por Belfast

-Jane Campion, por El poder del perro

-Steven Spielberg, por West Side Story

-Ryûsuke Hamaguchi, por Drive My Car

MEJOR ACTOR

-Javier Bardem, por Ser los Ricardo

-Benedict Cumberbatch, por El poder del perro

-Andrew Garfield, por Tick, Tick … Boom!

-Will Smith, por King Richard

-Denzel Washington, por La tragedia de Macbeth

MEJOR ACTRIZ

-Jessica Chastain, The Eyes of Tammy Faye

-Olivia Colman, The Lost Daughter

-Penélope Cruz, por Madres paralelas

-Nicole Kidman, Being the Ricardos

-Kristen Stewart, Spencer

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

-Ciarán Hinds, por Belfast

-Troy Kotsur, por Coda

-Jesse Plemons, por El poder del perro

-JK Simmons, por Ser los Ricardo

-Kodi Smit McPhee, El poder del perro

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

-Jessie Buckley, por La hija oscura

-Ariana Debose, por West Side Story

-Judi Dench, por Belfast

-Kirsten Dust, por El poder del perro

-Aunjanue Ellis, por King Richard

MEJOR GUION ORIGINAL

-Belfast

-No mires arriba

-King Richard

-Licorice Pizza

-La peor persona del mundo

MEJOR GUION ADAPTADO

-Coda

-Drive my car

-Dune

-La hija oscura

-El poder del perro

MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL

-Drive My Car (Japón)

-Flee (Dinamarca)

-Fue la mano de dios (Italia)

-Lunana: A Yak in the Classroom (Bután)

-La peor persona del mundo (Noruega)

MEJOR FOTOGRAFÍA

-Dune

-El callejón de las almas perdidas

-El poder del perro

-La tragedia de Macbeth

-West Side Story

MEJOR MONTAJE

-No mires arriba

-Dune

-King Richard

-El poder del perro

-Tick, Tick … Boom!

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

-Dune

-El callejón de las almas perdidas

-El poder del perro

-La tragedia de Macbeth

-West Side Story

MEJOR VESTUARIO

-Cruella

-Cyrano

-Dune

-El callejón de las almas perdidas

-Westside story

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

-Coming 2 America

-Cruella

-Dune

-The eyes of Tammy Faye

-La casa Gucci

MEJORES EFECTOS VISUALES

-Dune

-Free guy

-No time to die

-Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos

-Spider-Man: No way Home

MEJOR SONIDO

-Belfast

-Dune

-No time to die

-El poder del perro

-West Side Story

MEJOR BANDA SONORA

-No mires arriba (Nicholas Britell)

-Dune (Hans Zimmer)

-Encanto (Germaine Franco)

-Madres paralelas (Alberto Iglesias)

-El poder del perro (Jonny Greenwood)

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

-Be Alive, de King Richard

-Dos Oruguitas, de Encanto

-Down to Joy, de Belfast

-No Time To Die, de No Time to Die

-Somehow You Do, de Cuatro días buenos

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

-Encanto

-Flee

-Luca

-The Mitchells vs. the Machines 

-Raya y el último dragón

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

-Ascension

-Attica

-Flee

-Summer of soul

-Writing with fire

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

-Ala Kachuu-Take and run

-The dress

-The long goodbye

-On my mind

-Please Hold

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

-Affairs of the art

-Bestia

-Boxballet

-Robin Robin

-El limpiaparabrisas

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

-Audible

-Lead me home

-The queen of basketball

-Three song for benazir

-When we were bullies

PP

Todas las quinielas señalan a Will Smith como ganador del Oscar por su interpretación de Richard Williams en El método Williams. Aunque la película pretende lo contrario, la figura del padre de las tenistas Venus y Serena tendría rasgos de sobra para convertirse en el villano. Alterna escenas bucólicas de familia bien avenida y discursos enérgicos con una obsesión malsana por convertir a sus hijas en tenistas profesionales desde pequeñas y trazarles “un plan”. En medio de este último, sin embargo, se inmiscuye Arantxa Sánchez Vicario, que sale reflejada como la inesperada antagonista del filme, que parte con seis nominaciones a los premios de Hollywood.

La tenista catalana aparece en el cenit de El método Williams, cuando Venus se enfrenta a su primer partido profesional de la liga femenina en 1994. La norteamericana tenía 14 años y al otro lado de la red le tocó enfrentarse contra Sánchez Vicario, que le sacaba nueve años y según la película era la mejor jugadora del planeta. “Ni Alí contra Frazier. Si gana será la mayor sorpresa de la historia del deporte”, expresan en la cinta.

En el partido se ve cómo la pequeña le planta cara sin amedrentarse hasta que Arantxa (interpretada por la tenista mexicana Marcela Zacarías) pide un descanso para ir al baño que se alarga diez minutos. “Es una vieja artimaña para desconcentrarla, no podemos hacer nada”, explica el que fuera entrenador de Venus, Ricky Macci. Después de eso, Vicario gana el torneo de Oakland. Un duro –e injusto, según la película– golpe para Venus. Si bien la adolescente empezó a firmar contratos millonarios y a acumular victorias apenas unos meses después de aquello, es un momento de alta carga dramática en la película.

Es un truco cinematográfico efectivo, pero eso no fue lo que ocurrió en 1994. Ni Arantxa Sánchez Vicario era la número uno mundial (en ese momento todavía ostentaba el puesto la alemana Steffi Graff y ella lo conseguiría tres meses después) ni jugó sucio. Es cierto que Williams iba ganando en el primer set, pero la barcelonesa terminó encadenando once juegos que le procurarían la victoria y sin ninguna escapada al baño.

“Aún es pronto para decir si va a ganar torneos del Grand Slam, pero ya es una gran jugadora”, dijo Arantxa sobre Venus después de aquel partido. De hecho, hasta Richard Williams celebró el resultado: “Estoy satisfecho con su juego, pero también estoy feliz de que haya perdido. Nos da la oportunidad de ir a casa y dejarla tener 14 años el resto del año”. Cuatro años después, como señalan en Esquire, fue Venus Williams la que utilizó el truco del baño contra Lindsay Davenport en el US Open de 1998.

La virtud de El método Williams es haber recreado aquel partido de Oakland sin engaños de cámara: son dos tenistas reales que se baten en la pista, como hicieron Venus y Arantxa. Para el rodaje de esta escena, que apenas dura 15 minutos, necesitaron seis semanas. “Mis golpes son parecidos a los suyos, solo tuve que cambiar el saque”, dijo Zacarías, que se estudió cada movimiento de la barcelonesa para interpretarla en la gran pantalla. La extenista española, que se enfrenta a una querella criminal del banco de Luxemburgo, no se ha pronunciado sobre su aparición con muchas licencias en la nominada al Oscar.

Retrato amigable de Richard

Es cierto que la figura de Richard Williams ha sido continuamente juzgada por los medios de comunicación. Su fama de estricto, arrogante e impertinente le precede. Pero, como en todo, hay diferentes versiones sobre esto. Por un lado están los que creen que el personaje fue creado por un sector racista como era el tenis a finales de los 90 y principios de los 2000, y por el otro los que piensan que Will Smith lo ha mitificado de más.

“A la hora de confrontar esos prejuicios, la película El método Williams hace una sobrecorrección ávida y caprichosa. En su resistencia por no reflejar a Richard Williams como un narcisista codicioso, termina limando casi todas las asperezas de este hombre”, señalan en el New York Times. Por su parte, Esquire defiende que lo que han sufrido las hermanas Williams y su padre es una campaña de acoso y difamación: “La familia recibió ataques racistas, trato hostil por parte de otros jugadores, acusaciones infundadas de amaño de partidos y cobertura sesgada de los medios de comunicación”, escriben.

Se necesita un conocimiento superior del mundo del tenis y del deporte norteamericano, en particular, para emitir una opinión al respecto. Lo que está claro es que en su historia el racismo es central. Richard es consciente de que sus hijas van a ser tratadas de forma distinta por el color de su piel y se entromete hasta límites insospechados para evitar que les cuelguen una etiqueta. En un momento dado de la película, el entrenador corta una entrevista en directo acusando al periodista de poner a Venus, “una niña afroamericana”, contra la espada y la pared. Pero también tenía en alta estima el ejemplo que iban a brindar a otras niñas negras si triunfaban en ese deporte, tal y como él había predicho.

Se necesita un conocimiento superior del mundo del tenis y del deporte norteamericano, en particular, para emitir una opinión al respecto. Lo que está claro es que en su historia el racismo es central.

Richard Williams tenía un plan de 78 páginas sobre cómo Venus y Serena se iban a convertir en las mejores tenistas del mundo cuando aún estaba su mujer embarazada. Esa obsesión enfermiza se muestra en la película, pero siempre con una justificación moralmente superior. Si una vecina le critica que haga entrenar a las niñas de noche o bajo la lluvia, él responde que las está librando de acabar en una de las bandas criminales de su barrio, en Compton, California. Si pierde los nervios, es porque le preocupa el futuro de su familia. Que haya padres tiranos o con una mano mucho más dura a la hora de diseñar la carrera profesional de sus hijos, no significa que la actitud de Williams fuese normal –a pesar de que la película insiste en venderle como un hombre que consideraba a sus hijas demasiado pequeñas para lanzarlas a la competición profesional, pero no para exprimirlas al máximo en los entrenamientos–.

Lo cierto es que Venus y Serena siempre han tenido palabras de agradecimiento hacia su padre. “Nunca fue un villano”, han defendido. Las dos aparecen en los créditos de la película, así que ese reflejo no es casual. De hecho limpiar su imagen era la única intención de la película, según ha confesado Venus Williams. Pero también Ricky Macci, que fue su entrenador en los años en los que se sitúa la acción, ha salido en defensa del patriarca: “Si ellas no querían jugar y querían ir a la playa, se iban a la playa. Si querían ir al centro comercial, iban al centro comercial. Mi misión era el tenis y sabía que podíamos trascender en el deporte, pero yo respetaba a Richard aunque estuviera fuera de control o dijera cosas locas”.

Más allá de las consideraciones sobre el padre, El método Williams es un biopic que podría haber explotado los personajes verdaderamente interesantes de la historia: Venus y Serena. ¿Cómo vivieron esa infancia anómala? ¿Cómo intercalaron la competición con la realidad de una adolescente de 15 años? ¿Sintieron el racismo y, más tarde, el machismo? Si la película se hubiera atrevido al menos a mostrar a Richard con todas sus sombras, habría merecido la pena. Pero es solo el retrato descafeinado de un hombre que eclipsa a dos de las mejores deportistas de todos los tiempos.

MZM