No hay duda de que es interesante escuchar y leer todo lo que tienen para decirnos las personas que reflexionan y construyen teoría desde el movimiento anti-gordofóbico. Son los pilares que fortalecen la conciencia y la lucha. Lo mismo ocurre con las investigadoras feministas que ponen sobre el tapete los intereses del imperio de la industria cosmética y desmenuzan sus intenciones ocultas detrás de publicidades en apariencia inocentes. Pero los dichos de las celebrities, de aquellas personas que son famosas, tienen otro peso en el amplio ámbito popular. La fama no es (solo) puro cuento.

No es que haya una reflexión nueva que dé cuenta de un cambio generalizado en el concepto del cuerpo de las mujeres. Aún falta mucho para esa anhelada y extendida transformación radical. Sin embargo, es bienvenido escuchar voces como la de Pamela Anderson, la guardavidas rubia de la serie televisiva Baywatch, mirar críticamente su pasado en Hollywood.

“Tengo 57 años, gran parte de mi carrera fue un viaje que tuvo que ver con lo físico, pero también he experimentado lo que significa quitarme las capas para recordar quién soy, no definirme por lo que me hace la gente sino por lo que yo misma hago y no amargarme ni hastiarme”, dijo días atrás durante la presentación de la película La pasión de China Blue (The last Showgirl), donde comparte escenas con Jamie Lee Curtis, en el Festival de Cine de San Sebastián.

Anderson celebró “buscar todavía la alegría del proceso y de la vida. Vi como se agotaba la fe en el glamour de (su personaje) Shelley y estoy viviendo un momento mucho más sensual ahora que en el pasado. Es como pasa con Las Vegas de día, (se convierte en) una mujer sin maquillaje, más vulnerable y reveladora, más íntima”, dijo la ex estrella del firmamento del show business estadounidense durante los años 90.

Más de medio siglo antes, era un hombre con su hora de fama en Hollywood quien luchaba contra las presiones por su imagen corporal. Me refiero a Carlos Gardel, el morocho del Abasto, que ya en la segunda década del siglo veinte se acercaba a la sede porteña de la Asociación Cristiana de Jóvenes, con el propósito de afinar su figura y evitar las cargadas discriminatorias de sus amigos. El pianista de las clases de gimnasia era Adolfo Rafael Avilés, que luego tuvo una destacada actuación como compositor de tangos. Lo recordé al ver el excelente musical Cuando Frank conoció a Carlitos, una ficción sobre el imaginario encuentro de Frank Sinatra y Gardel que se reestrenó en el teatro Astral, de avenida Corrientes.

El espectáculo no tiene nada que envidiarle a las mejores puestas de Broadway. Comienza cuando Gardel, un Oscar Lajad muy carismático, está en un paréntesis de su actuación en la NBC de New York y Frank Sinatra, un tierno Alan Madanes, golpea la puerta del camarín buscando el consejo del Zorzal Criollo para direccionar su incipiente carrera.

La puesta en escena trabaja el contrapunto de los personajes, está ambientada en los años ’30 y está a cargo de Natalia del Castillo. La directora tomó la obra escrita por Raúl López Rossi y Gustavo Manuel González, para contar con un dinamismo atrapante el encuentro entre estos dos emblemas de la música y el show de las ciudades que los apasionaban y a las que les tributan parte de sus cancioneros.

Estos personajes fascinantes que fueron contemporáneos en un tramo de sus vidas, hoy son antiguos, pero en el espectáculo actúan, cantan y bailan con una música moderna y deslumbrante que emociona e invita al público a acompañarlos con el vaivén de los cuerpos.

Antiguos, decíamos, como Las Antiguas de Buena Vista editora, la colección que acaba de publicar la poesía reunida de Salvadora Medina Onrubia, poeta de 1920, primero maestra rural “de niños vencidos en Gualeguay”, luego millonaria, escritora y periodista. Militante anarquista y teosófica, fue compañera en el amor del periodista Natalio Botana, adversaria del golpista Uriburu y directora del diario Crítica, en rigor la primera en ejercer ese rol en la Argentina.

Escribió aullando como loba, gritando como loca, organizando con esmero palabras salvajes, en una “antítesis de mí misma”: Cada una de las piedras que forman mi montaña/para un ser de los otros sería la carga máxima/ Solo un dolor, de todo lo que está lleno mi ser lleno,/para un ser de los otros sería el dolor pleno! También: Llevo fijo al tobillo un grillete de amor,/ que me consagra esclava del humano dolor... Tengo un sexto sentido de trágica vidente/y el sello de Elegida en medio de la frente/ Toda miseria y pena y oculto sufrimiento con percepción aguda lo descubro y lo siento

Con un hijo natural a cuestas, Salvadora encuentra “en la palabra una vía posible para ir en contra de pautas sexo-afectivas y contratos morales instalados en el imaginario nacional del post Centenario”, escriben en las primeras páginas del libro los investigadores Lucía de Leone y Enzo Cárcano, quienes también se nutren de trabajos previos propios y de la investigadora y docente María Vicens, entre otras.

El dolor es la materia prima de Medina Onrubia, la piedra angular de su decir. Vela “por hacer texto como el tejido cosido”. Yo estaba enferma del ansia/de bañarme de paz el espíritu“, dice uno de los poemas que se rescatan en la edición

“A pesar de ser mujer, me permito el lujo de tener ideas ¿sabe?”, dice Elvira Ancizar en la obra teatral de 1929 Las descentradas, nos recuerda en el volumen Sylvia Saítta. “Yo tengo ideas boxeadoras. Ideas que se dan directo y crosses y swings con la vida. Solo soy un bicho antisociable y salvaje que tiene la desgracia de ver cosas raras que nadie ve. Cuando estoy entre toda esa gente tan bien educada, siento impulsos de decir malas palabras, de tirar sillas por el aire, de escandalizarlas”. Esa semiótica del cuerpo y de las emociones bien podría formar parte hoy, más de un siglo después, de un manifiesto contra la opresión de otras humanidades: mujeres, sí. También, infancias, morochas, gordas, desclasadas y tantas, tantas más.

El 24 de junio es un día particularmente significativo en la historia argentina. Esta fecha ha sido testigo del nacimiento de grandes figuras de la cultura y el deporte, y también de la trágica partida de íconos de la música. En honor a estos eventos, se celebra el Día del Piloto y el Día del Cantor en el país. 

A continuación, repasamos a los protagonistas de esta fecha que ha dejado una profunda huella en la identidad argentina.

Nacimientos notables

Juan Manuel Fangio

El 24 de junio de 1911, en Balcarce, provincia de Buenos Aires, nacía Juan Manuel Fangio, el legendario piloto que se convertiría en un mito del automovilismo mundial. Apodado “El Chueco”, Fangio fue cinco veces campeón mundial de Fórmula 1, un récord que mantuvo hasta 2003. Su habilidad y valentía lo consagraron como uno de los más grandes en la historia de este deporte. En reconocimiento a su legado, cada 24 de junio se celebra el Día Nacional del Piloto en Argentina.

Ernesto Sábato

Ese mismo día, también en 1911, nacía en Rojas, Buenos Aires, el escritor, físico y pintor Ernesto Sábato. Con obras monumentales como “Sobre héroes y tumbas”, Sábato se consolidó como uno de los máximos exponentes de la literatura argentina del siglo XX. Además, su papel como presidente de la Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas (CONADEP) lo inscribió en la historia reciente del país como una figura comprometida con los derechos humanos.

Juan Román Riquelme

El 24 de junio de 1978, justo un día antes de que Argentina ganara su primer Mundial de fútbol, nació Juan Román Riquelme en San Fernando, Buenos Aires. Riquelme, conocido por su maestría en el manejo del balón y su visión de juego, se convirtió en un ícono de Boca Juniors y del fútbol argentino. Hoy, como vicepresidente del club, continúa influyendo en el deporte que lo vio brillar.

Lionel Messi

El astro del fútbol mundial, Lionel Andrés Messi, vino al mundo el 24 de junio de 1987 en Rosario. Con una carrera llena de logros, Messi es considerado por muchos como el mejor jugador de todos los tiempos. Ha celebrado su cumpleaños durante varias Copas del Mundo y Copas América, consolidando su legado no solo en el Barcelona, sino también en la selección argentina y ahora en el Inter Miami.

Duki

El 24 de junio de 1996, nacía en Buenos Aires Mauro Ezequiel Lombardo, más conocido como Duki. Este joven artista ha revolucionado la escena del trap y el reggaetón en Argentina, convirtiéndose en una figura prominente de la música urbana contemporánea. Con millones de seguidores y una carrera en ascenso, Duki celebra su cumpleaños lanzando nuevos éxitos que rápidamente se posicionan en los primeros puestos de las listas.

Trágicas despedidas

Carlos Gardel

El 24 de junio de 1935, la música argentina perdió a uno de sus más grandes intérpretes, Carlos Gardel, en un trágico accidente aéreo en Medellín, Colombia. Conocido como “El Zorzal Criollo”, Gardel dejó un legado inmortal en el tango, elevando este género a nivel internacional. Su música sigue viva y cada 24 de junio se conmemora el Día del Cantor en su honor.

Rodrigo Bueno

Rodrigo Bueno, conocido simplemente como Rodrigo o “El Potro”, falleció el 24 de junio del año 2000 en un accidente de tráfico en la autopista Buenos Aires-La Plata. A sus 27 años, Rodrigo era una estrella del cuarteto, habiendo alcanzado una popularidad masiva con sus contagiosas canciones y su carisma sobre el escenario. Su muerte dejó un vacío en la música argentina, pero su legado continúa resonando entre sus seguidores.

Una fecha marcada en el calendario argentino

El 24 de junio no es solo un día más en el calendario para los argentinos. Es una fecha que celebra el nacimiento de grandes talentos y recuerda la pérdida de figuras irreemplazables. Desde la velocidad de Fangio hasta la pluma de Sábato, el genio de Messi y el ritmo de Gardel y Rodrigo, esta fecha une a diversas generaciones en un tributo a la excelencia y la pasión que define a la cultura argentina.

Con información de NA.

IG

Hay, en una película musical argentina, una escena infamante. Lo peor, por supuesto, no es tanto lo que allí se expresa como el hecho de que se tratara de un paso de comedia que no sólo no espantó a sus contemporáneos sino que, evidentemente, en su momento resultó divertido. A nadie le parecía mal que el personaje encarnado por Julio Sosa, en un film de 1964, dirigido por Hugo del Carril y titulado Buenas noches Buenos Aires, opinara sobre unos jóvenes que bailaban twist haciendo el gesto de fajar a alguien –de castigarlo– mientras decía: “Si yo fuera presidente, a toda esta nueva ola…”.

Firulete es un canillita, alguien que vocea en este caso los diarios de la tarde. Un canillita bastante crecido, si se piensa que en general ese oficio lo desempeñaban niños o adolescentes (de allí el diminutivo). En El día que me quieras, el film de John Reinhardt con Carlos Gardel como protagonista, también había un canillita. Aparecía apenas unos tres segundos y lo personificaba Astor Piazzolla a los 13 años, ignorante de que un día le tocaría ser el símbolo del enfrentamiento con la tradición del tango. O con su caricatura involuntaria.

En Buenas noches, Buenos Aires aparecía Aníbal Troilo, con el notable cuarteto que incluía a Roberto Grela como primer guitarrista. Y estaban, además de Sosa y Beba Bidart, algunas de las figuras de El Club del Clan. El que no estaba era Piazzolla que, para ese entonces, ya había publicado algunos de los discos más importantes del quinteto –Piazzolla interpreta a Piazzolla, Nuestro tiempo y Tango para una ciudad–. Firulete, que unos minutos después de su fantasía presidencial imprecaba directamente a los bailarines y llegaba a darle una patada a uno de ellos al grito de “pare el baile”, explicaba: “Pasa que yo soy porteño, desde el jopo hasta el juanete”. No era necesario otro justificativo para el patoterismo. Alcanzaba con ser porteño.

Ese no es, eventualmente, el único caso en que la prepotencia y el autoritarismo aparecen en el mundo del tango aplicados a la defensa de las tradiciones. Resulta curioso que el reclamo de pureza viniera de un género mestizo en su origen y crecido en la polifonía de una ciudad portuaria. Se trataba de una legitimidad que, por otra parte, la derecha rancia jamás le reconoció. La nación se identificaba con el campo. La plasmaba la sobreactuación de los porteños gauchescos, hablando de espuelas y de aperos –y no, como diría Borges, de lo que realmente le importaba a los gauchos: la soledad, el amor, la muerte–. Y hasta la escuela pública, con sus dibujos de casitas con humo por parte de niños argentinos que nunca habían visto nada distinto a un departamento, y con sus actos patrióticos plagados de gatos y chacareras pero nunca un tango y jamás una milonga. La Patria, como acabaría demostrándose mucho después, era el campo. Pero el tango se ataba a un tradicionalismo que nadie le había pedido y que la Sociedad Rural estaba lejos de querer agradecer.

Uno de los tangos más deleznables de la historia, “Che existencialista”, apelaba por ejemplo al campo, y no a la ciudad, para enfrentarse a esa muestra de la modernidad –y la extranjería– encarnada por los epígonos locales de Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir y Albert Camus. “En esta tierra que es tierra de varones,/ hecha con lanzas de gauchos legendarios,/ nos ha brotáu una porción de otarios,/ que yo no sé por qué usan pantalones”, empezaba cantando Alberto Echagüe. La orquesta era la de Juan D’Arienzo, y la grabación había sido realizada el 1º de septiembre de 1954 para el sello RCA Victor. El cantor, que en realidad se llamaba Juan de Dios Osvaldo Rodríguez, ya desde sus comienzos con esta orquesta, a mediados de los ‘30, se había convertido en el representante más claro del tango lunfardo. “Llevan el pelo largo y despeinado,/ el saco de un color y otro el talonpa,/ la manta en negligé, los pobres gansos,/ y al agua y al jabón le tienen bronca”, caracterizaba al enemigo la letra de Rodolfo Martincho musicalizada por otro de los cantores de D’Arienzo, Mario Landi (en realidad Mario Villa). “Che, existencialista,/ no te hagas el artista”, concluía la primera estrofa. “Mejor cachá un pico y una pala,/ andá y yugala, flor de vagón./ Che, existencialista,/ mejor cambiá de pista./ Andá a Paul y pelate,/ alargá el saco y bañate, che cartón”.

Las “lanzas de gauchos legendarios” se contradecían, en términos del nacionalismo de derecha clásico, con la utilización del lunfardo, que acababa reconociendo de hecho a los italianos porteñizados como dignos representantes de la argentinidad, algo que a Leopoldo Lugones –en La hora de la espada– o a Julián Martel –en La bolsa, que extraía sus argumentos antisemitas de La France Juive de Edouard A. Drumont, publicado en 1886– les habría resultado muy difícil admitir.

De lo que se trata es ya no del nacionalismo aristocratizante –e hispanista– sino de algo mucho más cercano al ideario fascista: la identificación de modernidad con mariconería y la oposición entre un mundo de trabajo y buenas costumbres –cachar la pala y cortarse el pelo– y un universo de intelectuales, lleno de ambigüedades, en el que no cuesta imaginarse al joven Juan José Sebrelli escuchando grabaciones de Juliette Greco en el Chez Tatave del viejo Pasaje del Carmen. Un ideario cuya capacidad de supervivencia resulta sorprendente: “Yo me acuerdo cuando mama me contaba/ esas historias de guapos del pasado,/ donde un varón frente a otro se jugaba/ por la mujer o el nombre pisoteado./ Y ahora al ver a estos giles disfrazarse/ con el saco de tajito y bien cortina/ a ver si ustedes no van a chivarse/ al no saber si son hombres o minas”, rubricaba el brulote.

En “Giuseppe el crooner”, otro tango que también cantó Echagüe con D’Arienzo, el personaje, Giuseppe Mala Testa, ha perdido el rumbo. Ese descarrío se colige del hecho de que se ha convertido en crooner. La clara filiación italiana del sujeto se opone al extranjerismo de su nuevo repertorio –algo que no parece haber impedido las carreras de algunos crooner como Frank Sinatra y Anthony Benedetto, más conocido como Tony Benett–. La canción es de D. F. Schiaraffia y E. A. Rodríguez y, además de compartir la obsesión por el saco con tajito y pelo largo también asimila patria –una palabra femenina, en español– con masculinidad y extranjerismo con mariconería. Allí se canta: “Che Giuseppe Mala Testa que usás saco con tajito/ pantalón a lo divito y melena croquiñol/ con los ojos bien en blanco agarrándote al fierrito (el micrófono)/ no hay mujer que te resista cuando empieza la audición/... Che Giuseppe con tanto ti con tanto tú/ vas haciéndote la loca/... Yo no sé con qué herramienta te cambiaron la pintura/ con tu juego de cintura le ganás a un boxeador/ y al hacer la voz finita chamuyando con la luna/ yo te juro, che Giuseppe, que estás hecho un amor”.

El propio D’Arienzo, tan amado por el público mayoritario como vilipendiado por la intelligentzia, lo decía con bastante claridad en un reportaje realizado por Andrés Muñoz en 1949: “A mi modo de ver, el tango es, ante todo, ritmo, nervio, fuerza y carácter. El tango antiguo, el de la Guardia Vieja, tenía todo eso, y debemos procurar que no lo pierda nunca. Por haberlo olvidado, el tango argentino entró en crisis hace algunos años. Modestia aparte, yo hice todo lo posible para hacerlo resurgir”. Y después de una larga parrafada sobre el papel pernicioso del protagonismo dado a los cantantes (“Los músicos, incluyendo al director, no eran más que acompañantes de un divo más o menos popular”), el violinista y director se despacha: “Reaccioné contra la crisis del tango. Traté de restituirle su acento varonil, que había ido perdiendo a través de los sucesivos avatares. Le imprimí así en mis interpretaciones el ritmo, el nervio, la fuerza y el carácter que le dieron carta de ciudadanía en el mundo musical (...). Por suerte, esa crisis fue transitoria, y hoy ha resurgido el tango, nuestro tango, con la vitalidad de sus mejores tiempos. Mi mayor orgullo es haber contribuido a ese renacimiento de nuestra música popular”.

No obstante, no fue él el único reaccionario ni la idea de que el tango era más una religión –o una ideología acerca de la patria– que una cuestión de gustos musicales lo tuvo como cultor exclusivo. Como mostraba otro texto violento, esta vez escrito por Enrique Cadícamo, el tango no podía convivir con otros géneros. Negaba al otro. Lo odiaba y pretendía borrarlo. Gustar de otra música –o hacerla– era, sencillamente, una traición (a la patria). “Unos chantas amigos me invitaron/ a escuchar discos a un lugar pituco,/ me sirvieron un whisky y comenzaron/ a darle leña a un tango de Pichuco”, decía el texto del letrista de “Los mareados”. Más adelante relataba cómo “puso un cretino/ canciones de los Beat’s y les declaro/ que la sufrí como un tormento chino./ Era un ruido de cuerdas que mataba,/ un tono y dominante insoportable,/ el cantor era un rope que ladraba (¿sería Lennon o McCartney?)/ y todos lo encontraban formidable./ Esa moda que a mí me reventaba,/ a ellos les hacía erizar la piel…/ ¿Ninguno de estos turros – yo pensaba –/ habrá escuchado un disco de Gardel…?”.

En 1955, casi al mismo tiempo que “Che existencialista” veía la luz, el canillita que había reído junto a Gardel veinte años antes grababa en París, imbuido de existencialismo –y de un gesto modernista innegable– una obra maestra, su homenaje a los marrones y azules del pintor Georges Bracque.

Como tantas otras veces el borramiento del otro se demostraba no sólo indeseable sino imposible. El tango –o la música de Buenos Aires, si se prefiere– estaba lejos de la homogeneidad y mientras unos declamaban a la patria con discursos autoritarios, desde otro lado se dibujaba un lenguaje que, como el propio tango, con su impureza y su permeabilidad a los sonidos de su tiempo, acabaría siendo una de las músicas más propias y reconocibles de esa ciudad. Unos años después, cuando Sosa prometía el escarmiento para quienes bailaban otra música, Piazzolla volvía a dejar un mojón, “Tango para una ciudad”, que, con su impulso fabuloso, con ese swing casi en el aire, dibujaba un nuevo mapa para Buenos Aires.

Diego Fischerman es autor del blog El sonido de los sueños: https://xn--sonidodesueos-skb.com/

La palabra, como mínimo, se refiere a dos cosas. Y además viene de otro lado. De lo que los soldados brasileños reclutados por Rosas, que se quedaron en el territorio después de la derrota en Caseros, no entendían cuando oían a los cantores del campo en sus largas payadas. “Palabrería”. O “cháchara”. Así llamaban el sinsentido de lo que escuchaban pero lo hacían con una palabra quimbundu, una de las lenguas de los esclavos de las etnias de Angola que habían llegado a América. La palabra era “milonga”.

El término, poco a poco, se fue imponiendo para llamar a esas canciones en que también había un remoto origen africano. “Guajiras acriolladas”, las llama Roberto Selles en su Historia de la milonga– y el payador Gabino Ezeiza, otro afroamericano, decía que las milongas eran hermanas del candombe.

El género se independizó –también de a poco– de la payada y en algún momento incorporó un bordoneo cercano a la habanera que marcaba en el bajo una subdivisión acentual de 3+3+2 (la misma que mucho después acabaría siendo la marca de fábrica de Astor Piazzolla) y sobrevivió en el campo y se extendió hacia el sur de la provincia de Buenos Aires dando lugar a lo que acabó denominándose “milonga sureña” o “surera”. Y también llegó a la ciudad donde, como todo, fue transformada.

Carlos Gardel, entre 1915 y 1929, tocó con un guitarrista y compositor afroamericano, José Ricardo, al que llamaban, obviamente, “El Negro”. Él había sido el autor de “Margot”, a partir de una letra de Celedonio Flores premiada en un concurso convocado en 1919 por el diario Última Hora (el título original del texto era “Por la pinta”). Y él fue quien compuso la primera milonga ciudadana de la que actualmente se tiene conocimiento, “Un bailongo”, que grabó junto a Gardel y otro guitarrista, Guillermo Barbieri, para el sello Odeón, en 1922.

“Milonga sentimental”, compuesta por Sebastián Piana junto a Homero Manzi en 1931, muestra ya otras características. Piana, un pianista y autor formado en la academia, acentuó los aspectos africanos y comenzó la larga historia de lo que se conoció como milonga ciudadana. Fue grabada por Gardel el 23 de enero de 1933 y allí lo acompaña su recién creado cuarteto de guitarras, conformado por Barbieri junto con  Horacio Pettorossi, Domingo Riverol y Julio Vivas. (La portada del disco indica por error 1927)

Esa segunda cosa llamada milonga, cada vez menos semejante a la del campo, se afirmó –y re africanizó conscientemente, acercándose bastante al choro brasileño– con la orquesta de Juan D’Arienzo y con piezas como “Taquito militar”, de Mariano Mores. El propio Piana osciló entre ambas especies. La hermosa “Milonga triste” –la primera grabación es de Mercedes Simone, con el compositor al piano–, tal vez la más famosa, se acerca más a la del campo que a la de la ciudad y juega con su parentesco con la habanera. Y Piana llegó incluso a crear una tercera clase, la “milonga-candombe.

Astor Piazzolla, por su parte, que no perdía ocasión de jerarquizar aquello de milonga que pudiera haber en cualquier tango, compuso a lo largo de su carrera varias entre las cuales las fundantes, junto con las cantadas por Edmundo Rivero en 1964, fueron el par incluido en el disco Concierto de tango en el Phlharmonic Hall registrado un año después y, a pesar de su título, en un estudio de Buenos Aires. Allí, en el LP original, simétricamente, dos piezas, una dedicada al diablo y otra al ángel ocupaban el segundo lugar en cada lado: “Romance del diablo” y “Milonga del ángel”. Hubo otras más adelante, la hermosa –y célebre– “Oblivion” entre ellas. Todas remiten a la milonga campera –o si se quiere, a la milonga-habanera– y ninguna al modelo rubricado por D’Arienzo y Mores lo que n o resulta extraño si se tiene en cuenta su aversión –correspondida– por ambos músicos.

Dos volúmenes llamados Semillas de milonga, creados y grabados por Martín Liut, llevan a pensar –y a escuchar– la milonga como una esencia, algo así como el arjé de los antiguos griegos, que subsiste en materiales sumamente variados y trabajados con procedimientos múltiples.

Como en aquella colección de tangos encargada por el pianista Yvar Mikhashof a distintos compositores –entre ellos John Cage y Conlon Nancarrow– y grabada por la pianista Haydée Schvartz, y la continuación ideada por esta intérprete argentina, comisionando a su vez nuevas piezas a compatriotas, para quienes primaba ya no la lejanía sino la necesidad de prescindir de la cercanía, más que una afirmación acerca de la milonga hay aquí una interrogación.

Las 24 Semillas de milonga están estructuradas, como los preludios y fugas de Bach y los de Shostakovich y los preludios para piano de Debussy, en dos libros de 12, y cada una de ellas está compuesta en una tonalidad diferente. Estoy tentado de llamarlas acuarelas, por su brevedad y la referencia a los meses del año, pero la idea de lo tenue no siempre se corresponde con ellas; más bien son aguafuertes, para tomar una palabra asociada con lo porteño. Liut es autor, también, de 12 estudios para piano –no registrados aún en disco– , y ésta es un poco su contracara. Escritos más hacia adentro que hacia afuera se corresponden con el confinamiento de la pandemia y fueron pensados, desde el comienzo, como una obra ligada a la práctica y a la propia interpretación. Por aquí aparece un costado más gismontiano; por allí más campero. Como sucede con el Diario Musical de Esteban Insinger, otro autor argentino que, desde el 4 de abril de 2009 suma una pieza por día a su álbum (https://insingermusicaldiary.bandcamp.com/), o como Rayuela, de Julio Cortázar, estas Semillas de milonga pueden o no escucharse en orden, pueden o no buscar relaciones temáticas o lejanamente descriptivas y, obviamente, también puede indagarse acerca de cuál es el resto –o el anuncio­– de milonga en cada una de ellas. Pero de lo que se trata, al fin, es de doce composiciones bellas e intrigantes, en el mejor sentido posible.

Como comentario casi al margen agrego una milonga que amo y en cuya letra se habla, al comienzo, de la lejanía, la “Milonga de andar lejos”, de Daniel Viglietti, y dos milongas de lejos compuestas por el gran guitarrista Ralph Towner –uno de los fundadores del grupo Oregon y compañero de ruta de músicos tan variados como Egberto Gismonti, Wayne Shorter o Gary Burton– en un caso junto con el contrabajista Arild Andersen y el percusionista Naná Vasconcelos y en otro a dúo con Gary Peacock en contrabajo. 

Diego Fischerman es autor del blog El sonido de los sueños: https://xn--sonidodesueos-skb.com/

Volvemos después de unas semanas de descanso y nos encontramos con un montón de noticias hermosas para compartir. Conciertos, viajes, discos, documentales, homenajes. La música está viva y fluye y hace del mundo un lugar mejor.

Duratierra crece y se renueva

Este grupo maravilloso en torno a Micaela Vita y Juan Saraco anunció su ampliación: pasaron de ser cuatro a ser siete. A Vita, Saraco, Nicolás Arroyo y Tomás Pagano, se sumaron Valen Bonetto, Silvia Aramayo y Martín Beckerman. La banda ya anunció tres fechas en este nuevo formato, en las que presentarán las canciones que nacieron durante todo este tiempo que no tocaron.

Ya se agotaron las entradas para el 20 de agosto en el Teatro Margarita Xirgu de CABA y se espera que agreguen una fecha además. Antes, el 5 de agosto, tocarán en Córdoba en el Studio Theater, y el 6 de agosto en Rosario en Distrito 7.

“Fuimos y vinimos, nos agarró la pandemia a contramano, hicimos terapia y nos descascaramos un poco. Nos corrimos de las sillas y nos volvimos a mirar. Migramos”, explicó el grupo en sus redes. “Aprendimos a trazar deseos y canciones en la distancia, refundamos el amor y nos regeneramos. Dolimos abruptas despedidas y lloramos lo que había que llorar”.

“Nos volvimos a elegir, crecimos, lo celebramos. Un día soñamos con fuego azul y dicen que eso es un buen presagio. Quisimos agrandar la mesa e invitar nuevxs amigxs. Donde comen 4 comen 7. Se agrandó la familia Duratierra”, añadió.

“Pronto habrá fiesta en teatros y baile en los patios. Habrá encuentros arcoíris donde sea que nos convoque la tribu (...) Traemos una intensa ilusión en las manos y adentro del pecho. Tiene forma de música nueva que queremos regalarles. Venimos con nuevas canciones nuevas para encontrarnos en la trinchera que supimos construir con ustedes. La trinchera nuestra es ahora una turba del bien”.

El grupo, fundado hace trece años, toma influencias del rock, el pop, el jazz y el folklore para dar a luz canciones nuevas, frescas. Su tercer disco, Cría, del 2017, fue considerado uno de los mejores de ese año.

Aquí Vita y Saraco en una transmisión en plena pandemia.

Estrenan documental sobre Cafrune

Jorge Cafrune, uno de los referentes más importantes del folklore argentino, es el protagonista del documental Cafrune, de Julián Giulianelli, que se estrena este 7 de julio en el Cine Gaumont donde permanecerá en cartel hasta el 13. “Se trata de una película que aborda al músico no desde el orden biográfico sino a partir de sus mayores paradigmas. El rol del juglar en la cultura, la forma del intérprete, la historia”, señalan sus realizadores.

El documental parte del último viaje del llamado “cantor del pueblo” a caballo a Yapeyú luego de su actuación en Cosquín en 1978, cuando una camioneta lo atropella y muere, aunque las circunstancias del accidente nunca fueron del todo esclarecidas. Cuenta con entrevistados como Yamila Cafrune (su hija y heredera del canto), Sergio Pujol (periodista especializado en música), Luis Nogues (histórico sonidista de Cosquín), Guillermo Byrne (historiador y testigo de las primeras 15 actuaciones de Cafrune en Córdoba), Mario Perrota (Marito, el niño que grabó y giró junto a Cafrune), entre otros. Los testimonios que están acompañados de imágenes, videos, reportajes y recitales inéditos del músico.

La producción ejecutiva está a cargo de Nastassja Bischitz, la producción periodística de Facundo Arroyo y la dirección de fotografía de Alejo Maglio. La idea es que la película recorra luego todo el país.

Cafrune nació el 8 de agosto de 1937 y fue un músico de enorme popularidad.

Pueden ver el trailer aquí:

Esta es una playlist con las canciones del documental y una selección curada por Facundo Arroyo.

Las guitarras de Gardel

El guitarrista Rodrigo Albornoz investigó como nadie a los guitarristas de Gardel, sus técnicas, sus maneras de arreglar, sus trucos, con el fin de revalorizar su labor. Con todo ese material grabó un disco, llamado justamente Las guitarras de Gardel, que reúne once obras, conocidas y menos conocidas, en las que, bajo dirección de Albornoz, tocan las guitarristas Lina Agrima, Andrea Zurita, Elisa Sandá, Laura Zilber y Pablo Suárez. En el papel de Gardel cantan Esteban Riera y Martín Prestía.

La presentación fue el viernes 24 en el Museo Casa Carlos Gardel.

La meta de Albornoz es evidenciar la evolución técnica, interpretativa y arreglística que tuvieron los guitarristas de Gardel, que fueron José Ricardo, Guillermo Desiderio Barbieri, José María Aguilar, Domingo Riverol, Julio Vivas y Horacio Pettorossi. Cada uno de ellos aportó algo al tango canción. Fueron introduciendo en el conjunto de guitarras elementos que en la orquesta típica se venían dando desde hacía tiempo, compositivos y después arreglísticos: el marcato, la síncopa a tierra, la melodía articulada. Pusieron todos esos recursos al servicio de la necesidad expresiva de Gardel. Si quieren leer más sobre los guitarristas de Gardel, los invito a visitar esta nota que escribí sobre el tema en otro medio.

Albornoz también recreó la forma de grabar de los primeros años, el llamado período acústico, que era más o menos así:

Les recomiendo seguir a Rodrigo Albornoz en redes para ver más sobre esta investigación, que aún está en marcha.

Homenaje a Mercedes Sosa en su cumpleaños

Se acerca otro 9 de julio, que no solo es el Día de la Independencia, sino el cumpleaños de la cantora nacional Mercedes Sosa, nacida en 1935 y fallecida en 2009. Este año se celebrará un concierto homenaje llamado Traigo un pueblo en mi voz, con la Orquesta Sinfónica Municipal de Avellaneda en el Teatro Roma de Avellaneda, con la dirección de Popi Spatocco.

Cantarán parte de su repertorio Luna Monti y Bruno Arias, el Coro IMMA y los artistas locales Lorena Leal, Alicia Vignola, Gabriela Novaro y Pablo Olivares.

Yapa: Cuchi Recóndito e Inédito

Ya les hablamos de este disco del dúo Palo Blanco hace poco. Se trata de un trabajo maravilloso llamado Cuchi Inédito y Recóndito en el que las cantoras Laura Princic y Guadalupe González Táboas interpretan acompañadas por el guitarrista Roberto Eduardo Almerida y con invitados especiales obras hasta ahora desconocidas o poco conocidas del gran compositor salteño Gustavo “Cuchi” Leguizamón. Son veinte canciones que muy pronto serán editadas por el sello Shagrada Medra, de Carlos “Negro” Aguirre y Luis Barbiero. Pero, mientras, pueden escuchar los temas subidos a YouTube o a Soundcloud.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Está por salir un disco que no saben lo que es y le voy a dedicar gran parte de esta columna hoy, porque quiero compartir con ustedes toda la información que tengo. Se llama Cuchi Inédito y Recóndito y es del dúo Palo Blanco, que integran las cantoras Laura Princic y Guadalupe González Táboas. Es un disco con obras hasta ahora desconocidas o poco conocidas del gran compositor salteño Gustavo “Cuchi” Leguizamón. Pero no con, pongamos, siete u ocho canciones, como tienen ahora los discos. ¡Son veinte! O sea, es un disco doble con arreglos e invitados exquisitos. 

La historia es así: Roberto Almeida, pareja de Princic y guitarrista de Palo Blanco, hizo una profunda investigación sobre la obra del Cuchi para una tesis con la que se recibió en la Licenciatura en Música Popular de la UNSAM. Se encontró con un montón de temas que nunca nadie tocó, a través de audios, partituras y otros documentos, y elaboró el catálogo más exhaustivo que existe sobre la obra del salteño, empezando por la Zamba del muerto dulce, que fue la primera zamba que compuso a su padre, que había muerto de diabetes.

A pulmón y pagando todo de su propio bolsillo, Princic, González Táboas y Almeida grabaron este material, que se terminó hace muy poquitos días. “Este disco es el producto de un trabajo que llevamos a cabo a lo largo de cinco años, con mucho esfuerzo, porque somos músicos independientes, mucha dedicación, pero con un amor inconmensurable a la obra del Cuchi”, contó Princic a elDiarioAR. 

Vean el lujo que es la lista de invitados: Nadia Szachniuk, Emma Palermo, Mariano Agustoni, Sergio Zabala, Nadia Larcher, Manu Navarro, Pablo Fraguela, Federico Rey, Gino Palomino, María Eugenia Gómez, Chacho Echenique, Martín Neri, Hugo Maldonado, Santiago Arias, Seva Castro, Flor Bobadilla Oliva, Mariano “Tiki” Cantero, Marcos Cabezaz, Solana Biderman y Jaques Morelenbaum.

Hay temas con letras de César F. Perdiguero y Manuel J. Castilla, como muchos de los grandes clásicos del Cuchi, y uno con letra de Jaime Dávalos. Además, muchas de las canciones tienen letra del propio Leguizamón.

Por ahora, según nos dijo Princic, no hay fecha de lanzamiento ni de presentación de este trabajo. ¿Quizá para el cumpleaños del Cuchi el 29 de septiembre? Ya les iremos contando. Pero si quieren escuchar más o menos cómo suena, acá algunos adelantos que fueron publicados en redes.

Noelia Sinkunas se acerca al Litoral

Y otro disco que nos encantó -este sí ya disponible en las plataformas desde el 8 de abril- es Salve, de la pianista y compositora Noelia Sinkunas. Se trata de un trabajo que reúne una serie de vivencias personales e íntimas y es el resultado de un proceso creativo y de experimentación en torno al chamamé y las formas de la canción litoraleña.

Lo integran siete canciones con letra y música de la propia Sinkunas, en las que desplegó una sensibilidad menos presente en el tango, en el que la pianista se desempeñaba hasta ahora. Para las voces convocó a mujeres y disidencias como Rocío Araujo, Nadia Larcher, Yoli Campos, Julieta Laso, Lidia Borda, Valen Bonetto, Tomás Llancafill y Micaela Vita, mientras que los músicos son Milagros Caliva en bandoneón, Emiliano Faryna en guitarra, Cristian Basto en contrabajo, arreglo y dirección de cuerdas, Carolina Rodríguez en viola, Violeta García en cello, Christine Brebes y Alex Musatov en violines.

“Salve”, fue el primer corte de difusión y el tema que da nombre al disco. Cantan Vita y Llancafil.

El disco se presentará el 21 de mayo en Galpón B en CABA y estarán invitadas Julieta Laso, Luciana Jury, Yoli Campos, Tomás Llancafill, y Valen Bonetto. Antes, este sábado, Sinkunas se presentará con Milagros Caliva, Belén López y Flor Bobadilla en Bargoglio.

Lanzaron la Diplomatura en Chamamé

Hablando de chamamé, la Universidad Nacional del Nordeste puso en marcha la Diplomatura en Chamamé: “Arte, cultura y sociedad en la región guaranítica”, una iniciativa conjunta con el Instituto de Cultura de Corrientes y la Academia Nacional del Folklore.

La propuesta virtual se lanzó el 30 de marzo con 200 inscriptos y está organizada por la Facultad de Artes Diseño y Ciencias de la Cultura.

“A partir de la declaración del chamamé como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, el Gobierno de la Provincia implementó una serie de políticas públicas vinculadas a la difusión, a la formación en chamamé y esta es una de las acciones a realizar. En esta primera instancia hubo más de 400 postulantes de los cuales 200 fueron seleccionados para participar de las clases que se van a desarrollar desde abril”, explicó el presidente del Instituto de Cultura de Corrientes, Gabriel Romero.

La diplomatura consta de diez módulos, en los cuales se trabajará en diferentes aspectos de la cultura chamamecera, mediante una plataforma en línea a través de Internet.

Se explicó que “la iniciativa acompaña y da forma a la creación de un ámbito académico específico para el estudio y análisis de la realidad cultural que sustenta y da vida al complejo cultural regional del chamamé, un fenómeno folklórico pleno de vitalidad y en permanente expansión, no sólo en el territorio argentino sino también en América Latina y Europa”.

La diplomatura es gratuita y se dictará durante diez meses (serán 200 horas reloj).

Inés Cuello y La Grela homenajean a Gardel

Este 26 de abril Inés Cuello y La Grela Quinteto de Tango presentarán en vivo en el Teatro Picadero su nuevo disco, Gardel, que propone un recorrido musical por las obras más destacadas del clásico repertorio gardeliano, pero desde una estética fresca y actual. Buscan así respetar y hacer honor a la esencia sobria, elegante y carismática de uno de los máximos referentes del tango argentino en el mundo: Carlos Gardel. 

La agrupación de cámara, integrada por Pablo Fraguela en piano, arreglos y dirección musical, Diego Tejedor en violín, Rafael Delgado en violoncello, Rubén Slonimsky en bandoneón y Ricardo Cánepa en contrabajo, se vuelve a unir a la potente voz de Cuello en este proyecto, después de haberse presentado juntos en la celebración de la obra de Ástor Piazzolla en un concierto en el Teatro Colón el año pasado, cuando se cumplió el centenario del nacimiento de otro de los referentes de la música ciudadana.

Se estrena un documental sobre Sara Mamani

En Sara Mamani, el nombre resiste, que se podrá ver desde el 14 de abril en el Gaumont, la realizadora Susana Moreira acompaña a la cantora y compositora Sara Mamani a su ciudad natal, Salta, y recorre con ella los lugares de infancia y adolescencia y de sus inicios en la música.

En su casa de Buenos Aires, donde reside desde hace muchos años, Mamani cuenta su trayectoria musical, alternando material de archivo de sus presentaciones, incluida la que realizó con Jaime Torres.

El documental cuenta con testimonios del Premio Nobel de la Paz Adolfo Pérez Esquivel y Norita Cortiñas, que hablan sobre el trabajo en defensa y promoción de los derechos humanos que hace la cantora.

Finalmente, Mamami viaja a Jujuy, a participar del carnaval de Tilcara una vez más, como lo ha hecho durante tantos años, fiesta popular que nutre su palabra y su música.

Un tip: Agenda Revuelta

Si quieren estar al tanto de todos los conciertos de música de raíz y afines que tienen lugar en todo el país, el programa Revuelto de Radio de Ale Simonazzi arma la Agenda Revuelta, que incluye todo y que vale la pena tener en cuenta a la hora de elegir plan musical.

Yapa: Concierto de hermandad argentino-chilena

Qué músicos más hermosos de ambos lados de la Cordillera se juntaron ese día en el CCK, durante la visita del presidente chileno Gabriel Boric. Si se perdieron el concierto, acá está completito:

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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