“Se ve que lo mío es volver. Porque cuando volví acá en el 2003 la pregunta era ‘qué se siente volver’. Y ahora también. Esta es una segunda vuelta, así que se ve que volver es un destino”. Con esas palabras definió el artista plástico argentino Guillermo Kuitca, uno de los más importantes del arte contemporáneo latinoamericano, su muestra Kuitca ‘86, que acaba de inaugurarse en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba). Una exhibición que plantea, de hecho, varios regresos. Por un lado, de una serie de obras que no se encontraban expuestas en el país y que el público local podrá contemplar en el museo porteño. Por otro, del propio artista, quien realizó, junto a las curadoras Sonia Becce y Nancy Rojas, un trabajo de investigación para repasar piezas que en varios casos el pintor creó hace más de 40 años y no volvió a tener enfrente hasta ahora.

La flamante exhibición Kuitca ‘86. De Nadie olvida nada a Siete últimas canciones propone un enfoque curioso para exponer un conjunto de cuadros del artista al cumplirse cinco décadas de su primera exposición individual –la realizó en 1974, con apenas 13 años– y a 22 años de que una parte de su obra se presentara por primera vez en el Malba. Dispuesta en varios espacios del museo, la muestra está compuesta por cuadros que integraron series célebres como Nadie olvida nada, comenzada en 1982; El mar dulce, iniciada en 1983; y Siete últimas canciones, presentada en 1986, mientras que también se puede ver una selección de dibujos, fotografías, cartas, afiches y otros documentos personales–en su mayoría de los años efervescentes del regreso de la democracia en Argentina–, además de una obra con la forma de una maqueta colorida que recrea casi paródicamente el lugar de trabajo de un artista y que Kuitca realizó en 2024. En total, son 77 piezas.

Según contaron las curadoras, las obras elegidas para esta exposición en algunos casos nunca fueron exhibidas y pertenecen a colecciones privadas y públicas, entre otras las del propio Malba y de su propietario, Eduardo Costantini. “La mayoría de estas piezas se encuentran en Argentina; en los últimos años han retornado al país luego de haber sido llevadas al exterior en el marco de distintas exposiciones y haber quedado en ciudades de Latinoamérica, Europa y Estados Unidos”, explicaron.

En todas ellas el sello Kuitca está presente y al mismo tiempo pareciera renacer cada vez, en su reconocible y magnética iconografía compuesta por camas, espaldas, espacios teatrales, muebles, ausencias, indagaciones alrededor de la memoria y la evanescencia cada vez más marcada de la figura humana.

Consultadas en una rueda de prensa sobre las piezas elegidas, las curadoras destacaron que se trata de una selección que da cuenta del trabajo de un artista de talento precoz y al mismo tiempo con una obra madura. Al recorrer las salas, se puede percibir algo de la fascinación de un joven presente en cada cuadro y, a la vez, una fractura expuesta en ellas, una crisis que atraviesa al propio Kuitca veinteañero, cuando se dispuso a indagar en otros lenguajes artísticos, como el teatro. De hecho, como el propio artista destacó, “una figura que surfea toda la muestra es (la célebre coreógrafa alemana) Pina Bausch”, quien lo deslumbró con su estética y su danza-teatro en 1980 en Buenos Aires.

En este sentido, el propio Kuitca señaló: “Llegué (a 1986) como pude. Con mucha fuerza. Pinté esas obras en estado de mucha entrega. Ese año me encontró no sé si en total dominio, porque sería un poco exagerado, pero sí haciendo una obra que tenía que hacer. La muestra de ese año se llamó Siete últimas canciones y yo siempre hice hincapié en que mis cuadros fueran como canciones”.

“La intención es hacer foco en 1986, con fugas puntuales a series icónicas inmediatamente anteriores y posteriores. La estrechez de la ventana temporal –una especie de inicio del Big Bang kuitquiano– trae al presente a ese artista jovencísimo que empezaba a encontrar en las nuevas pinturas, de una carga experimental altísima, un lenguaje muy propio en concordancia profunda con su época”, explicó la curadora Sonia Becce, quien durante la inauguración para el público destacó que por ese movimiento se podría calificar a la muestra como una “anti-retrospectiva”.

Son esos cuadros los que exhibió en aquel año clave, los que lo empiezan a ubicar como una voz resonante en el panorama internacional y también los que hoy cierran la muestra del Malba: “En el año ‘86 hago mis últimas pinturas con figuras humanas”, destacó Kuitca y subrayó que, de hecho, el público podrá ver, hacia el final de la exposición, que uno de los últimos cuadros refleja una especie de pista de aeropuerto. Un tipo de despegue o de despedida, quizá.

Antes, quienes se acerquen al museo, podrán ver, entre otras, una obra de 1980 que lleva como título Del 1 al 30.000. Allí un Kuitca de 19 años dibujó, todavía en dictadura, los números hasta alcanzar la cifra emblemática de desaparecidos. 

Sobre el aspecto político de los cuadros de aquellos años, sin embargo, el artista reflexionó en un encuentro con periodistas en el Malba a propósito de esta exposición. Por un lado, dijo que varios de ellos dan cuenta “de un pasaje de la dictadura a la democracia”. “Con altos y bajos”, se trata de “un pasaje al fin”.

“Si a la pintura la queremos forzar a que diga o exprese o dé cuenta de un momento político específico quizá se resista un poco. Al menos en mis manos”, afirmó y agregó: “Pienso en quién era yo en ese entonces con cierta distancia. La pintura permite acercarse y alejarse al mismo tiempo”.

Una obra del presente

“El Kuitca del 86 nos invita a localizar la fuerza en los procedimientos antes que en los temas, en las variaciones lentas y en la táctica de la diseminación antes que en las transformaciones drásticas. Desde una perspectiva geopolítica y asumiendo la crisis del canon modernista del arte, la producción exhibida en esta exposición actualiza las lecturas sobre el entramado discontinuo que constituyen el arte moderno y contemporáneo. En este sentido, potencia la mirada del arte latinoamericano como una miscelánea de relatos parciales propensos a los derrames temporales que habilitan encuentros intergeneracionales”, explicó, por su parte, la curadora Nancy Rojas en uno de los materiales que acompañan la muestra.

En la mirada del pintor, el reencuentro con estas obras, que tienen más de 40 años, “fue sobrecogedor”. “Me fui encontrando paulatinamente con ellas. A veces es como encontrarse con viejos amigos, a veces con viejos rivales. Es rarísimo”, señaló en diálogo con distintos medios. 

“La memoria es muy especial. Yo puedo olvidarme de todo. Pero hay una memoria que ni siquiera es visual, que es pictórica. Y ese eco pictórico está en mí. Y se traduce a un presente”, describió. 

Kuitca básico

Guillermo Kuitca nació en 1961 en Buenos Aires, donde vive y trabaja (“yo nunca me moví de Buenos Aires, pero mi obra estuvo por varios lados”, bromeó ante la prensa). Realizó su primera exposición individual a los 13 años en la Galería Lirolay de Buenos Aires.

Consultado sobre sus tempranos comienzos en el arte, que según la mitología familiar arrancan cuando iba al jardín de infantes, apuntó: “Me salté el momento en el que uno ‘decide’ ser pintor. Cuando lo pensé ya era tarde. Fui ciertamente precoz”.

Desde 1980, hizo más de sesenta muestras individuales en algunos de los más prestigiosos museos y galerías de arte contemporáneo de Latinoamérica, Europa y los Estados Unidos entre los que se destacan The Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, 1991), Kunsthalle Basel (Basilea, 1990), Witte de With Center for Contemporary Art (Rotterdam, 1990), Musée d’Art Contemporain ( Montréal, 1993), The Douglas Hyde Gallery (Dublin, 1995), Fondation Cartier pour l’art contemporain (París, 2000), The Drawing Center (New York, 2012). Participó en innumerables muestras colectivas incluyendo las bienales de San Pablo (1985, 1989, 1998), Documenta IX (Kassel, 1992), Carnegie International (Pittsburg, 1995), Gwangju Biennale (Corea, 1995) y 7th Istanbul Biennial (Estambul, 2001). En 2007 fue elegido para representar a la Argentina en la 52a Bienal de Venecia, donde en paralelo formó parte de la exhibición realizada en el pabellón internacional.

Su actividad teatral incluye la creación junto a Carlos Ianni de las obras Nadie olvida nada (1982), Besos brujos (1983) y El mar dulce (1984). En el tramo final de la muestra del Malba se pueden ver varios materiales documentales vinculados con esta etapa.

Años después, en 2002, el artista estuvo a cargo del diseño escenográfico de La casa de Bernarda Alba y en 2022 de Bodas de Sangre, ambas de Federico García Lorca y realizadas con la dirección de Vivi Tellas en el Teatro San Martín de Buenos Aires. En 2003 hizo la escenografía de la ópera Der Fliegende Holländer, de Richard Wagner, en el Teatro Colón de Buenos Aires. En 2007 The Metropolitan Opera de Nueva York presentó su exhibición Guillermo Kuitca: Stage Fright, que reunió sus trabajos sobre planos de teatros de ópera. “Yo descreía mucho de la escenografía, de hecho no participé en teatro en los ‘80 como escenógrafo. Hasta que años después cuestioné esa idea”, dijo durante la reciente conferencia de prensa.

Su actividad docente incluye la creación en Buenos Aires del prestigioso programa para artistas jóvenes conocido como Beca Kuitca, en cuyas cinco ediciones participaron varias generaciones de artistas entre los años 1991 y 2011. En 2004 fue nombrado Profesor Honorario de la Universidad de Buenos Aires, y en 2018 la República de Francia lo nombró Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres.

Reconocido internacionalmente como uno de los pintores contemporáneos más destacados de América Latina, la obra de Kuitca forma parte de colecciones públicas y privadas, entre las que se encuentran las de MoMA (The Museum of Modern Art), Guggenheim Museum y Metropolitan Museum (Nueva York), Stedelijk Museum (Amsterdam), Museo Reina Sofía (Madrid), Malba (Buenos Aires) y TATE (Londres).

AL/JJD

La exposición Kuitca ‘86. De Nadie olvida nada a Siete últimas canciones se podrá visitar hasta el 16 de junio en el Malba (Figueroa Alcorta 3415, CABA). Más información sobre horarios, precios de los tickets y días de entradas con descuento, en este enlace.

En sus 1400 hectáreas, el emprendimiento inmobiliario Puertos de la empresa Consultatio, en la localidad bonaerense de Escobar, incluye casas de lujo, colegios privados, una reserva natural, locales gastronómicos, un lago, distintos espacios para llevar adelante actividades náuticas y esculturas a gran escala de artistas contemporáneos destacados que se van intercalando en las calles internas del lugar. Ese espacio, que combina naturaleza, vegetación incipiente y diseño fue el elegido por el empresario Eduardo Costantini, propietario del lugar, para inaugurar este fin de semana un nuevo museo de arte contemporáneo con el nombre de Malba Puertos.

El lanzamiento tendrá lugar a 23 años de la inauguración del Malba ubicado en la avenida Figueroa Alcorta, de Buenos Aires. Por aquellos días, el mundo estaba convulsionado por el atentado contra las Torres Gemelas en Nueva York, mientras que la Argentina se encaminaba hacia una de las mayores crisis de su historia. Con los años, el Malba se convirtió en una referencia insoslayable para la cultura local y latinoamericana. No solo por la impactante exhibición de obras de arte de la colección Costantini o sus muestras transitorias, sino porque sus salas fueron elegidas también para festivales literarios internacionales, proyecciones cinematográficas de grandes realizadores y expresiones artísticas muy diversas y de gran impacto.

Dos décadas después, también en medio de una enorme crisis económica, Costantini vuelve a inaugurar un museo de gran porte. Según señaló en una presentación que se hizo para la prensa, Consultatio aportó, entre el valor del terreno y la construcción, “más de 12 millones de dólares”.

A diferencia del Malba de Palermo, que cobra entrada para las muestras y también para todas las actividades, Malba Puertos es de acceso libre y gratuito, pese a que se ubica en un desarrollo inmobiliario privado. Se llega luego de atravesar una barrera que se abre con el DNI que, según señalaron desde la institución, pronto será directamente removida. 

Durante el evento el empresario señaló que la idea de Malba Puertos surgió antes de que se desatara la pandemia, con la intención de “crear comunidad” y de sumarle al proyecto inmobiliario, que se propone con una identidad artística y sustentable, un espacio con obras de arte contemporáneo de artistas argentinos. 

A la vez, un lugar tan amplio ofrecía la posibilidad única de convertirse también en una suerte de anexo del museo porteño. Por ese motivo se instaló en la institución de Escobar una “reserva técnica” donde se conservan obras de arte de la colección Costantini y aquellas que por distintos motivos no están exhibidas en la sede de Figueroa Alcorta. Una propuesta novedosa, que combina archivo y exposición, y al que el público puede acceder a través de la selección rotativa e intervenciones que realizarán distintos artistas.

Adentro y afuera

Ubicado a 50 kilómetros de Buenos Aires, Malba Puertos combina obras que están exhibidas en su imponente edificio –ubicado frente al lago central del lugar– con una serie de obras expuestas entre las calles, las construcciones y hasta en la reserva natural del emprendimiento. Se trata del llamado Circuito Público de Arte y ofrece obras, en su mayoría escultóricas pero también instalaciones monumentales de gran tamaño hechas especialmente para se emplazadas en ese lugar, de artistas como Diego Bianchi, Gabriel Chaile, Martín Blaszko, Eugenia Calvo, Paula Castro, Matías Duville, Carolina Fusilier, Daniel Joglar, Irina Kirchuk, Irene Kopelman, Mimi Laquidara y Jorge Macchi, entre muchos otros.

Se trata de “una trama urbana-artística con más de veinte obras site specific del programa se implantan en toda la ciudad de Puertos, en armonía con el Lago Central de doscientas hectáreas y la Reserva Natural sobre el Río Luján”, señalan desde el museo.

En los espacios interiores del museo, todos pensados en estructuras transparentes por las que se puede ver el paisaje exterior, en la actualidad se ofrecen tres muestras. Por un lado está Ensayos naturales, una exposición en dos capítulos en la que en doce paneles se puede ver la instalación pictórica Argentina (paisajes), 2009-13, del dúo artístico conocido como Mondongo que conviven con otras doce pinturas del artista rosarino Luis Ouvrard, realizadas entre 1966 y 1986. 

En otro de los espacios, se propone La vida explota, una especie de diálogo que se propone entre el conjunto escultórico de cinco seres antropomorfizados que el artista Gabriel Chaile presentó en la Bienal de Venecia en 2022 –expuestos ahora de modo permanente en Malba Puertos– junto a las obras textiles de la artista wichi Claudia Alarcón y el colectivo de tejedoras Silät.

En la reserva técnica del museo, ese espacio en el que se resguardan las obras que no están en exhibición, el artista Amadeo Azar exhibe una serie de acuarelas que relacionan una selección de obras de la Colección Malba que hizo con la flora y fauna autóctona de la zona.

Por último, Malba Puertos también ofrece una muestra temporaria llamada Muebles escultura, en un espacio exterior llamado las Salas del Bosque. Se trata, según los organizadores, de “un espacio al aire libre donde dialogan arte, arquitectura y naturaleza, proporcionan el contexto ideal para la indagación accesible e inclusiva”.

El lugar también cuenta con una cafetería que tiene vistas al lago. Además de las exposiciones, el museo promete llevar adelante distintas iniciativas educativas, talleres, visitas guiadas y actividades con la comunidad, para que pueda ser conocido por miembros de instituciones de la zona.

Malba Puertos tendrá su inauguración oficial, exclusiva para invitados, este sábado 21 a las 17. El domingo 22 abrirá sus puertas al público general, a partir de las 12 y hasta las 19.

El museo estará abierto de martes a domingos de 12 a 19. Los lunes estará cerrado. El emprendimiento Puertos está ubicado en el kilómetro 45 de la Panamericana, Ramal Escobar. Todavía sin conexiones para llegar en transporte público, por ahora solamente se puede acceder al museo en vehículos particulares.

AL

Las repercusiones de la exitosa y destacada obra teatral Imprenteros, de la actriz y dramaturga Lorena Vega, no se detienen. Luego de cuatro años de presentaciones en distintos escenarios, la pieza, que indaga en la historia familiar de la autora y cuenta con la participación de sus hermanos, podrá verse el próximo 26 de enero en el Museo de Arte Latinoamericano (Malba). Al mismo tiempo, el 25 de enero, Vega y su clan presentarán el libro Imprenteros. Lorena Vega y Hnos, que acompaña la puesta y fue lanzado a fines de 2022 por la editorial independiente Ediciones DocumentA/Escénicas.

Con la presencia de los integrantes de esta historia familiar y algunos de los actores que participaron de sus sucesivas puestas, la publicación será presentada en el auditorio del Malba (Avenida Figueroa Alcorta 3415, CABA) el 25 de enero a partir de las 20. Habrá lecturas en escena de actrices y actores invitados, proyecciones y música en vivo. La entrada es libre y gratuita.

Un día después, el 26 de enero, Vega y sus hermanos llevarán adelante una función de la pieza en la terraza del Malba, a partir de las 20. Las entradas se consiguen en la página web del museo.

Actriz, directora, docente y dramaturga, Lorena Vega convirtió Imprenteros en un proyecto que amplifica una experiencia familiar. Con diferentes texturas (desde videos de su fiesta de quince a fotos, desde la participación de actores profesionales hasta la aparición de su propio hermano en escena) abre las puertas a un mundo doble: por un lado, al de los trabajadores gráficos y, por otro, al de ese conjunto de secretos, verdades a medias, pasado compartido, reclamos, amor, incomprensión, memorias y mitos que es siempre una familia.

“Pienso que la obra es honesta, genuina, y que porta la voz de un caso particular que refleja mucho de nuestra sociedad. Porque hay un relato desde una mirada del trabajo, desde la clase obrera. Tanto desde la gráfica como desde las artes escénicas. Yo soy una persona que hace artes escénicas desde un lugar, no vengo de una familia acomodada que me mandó a estudiar a academias o que me han pagado de chica alguna formación. Y es la forma en la que sigo trabajando. Entonces, de alguna manera, yo me reconozco como una trabajadora cultural como mis hermanos se reconocen como trabajadores gráficos. Ahí hay un tipo de discurso, de visión, un desde dónde. Pienso que eso identifica a gran parte de nuestro pueblo, que es la mayoría. Es el lugar desde el trabajo y desde lo familiar también, un tipo de célula social que por lo menos hasta ahora fue la que predominó en nuestra comunidad que es el negocio familiar”, dijo la actriz a elDiarioAR en esta entrevista.

“Las economías de nuestro país estuvieron bastante forjadas por lo que fue la concepción del negocio familiar donde el cruce de vínculos está dado por la expectativa de progreso con el tejido familiar y ese traspaso de generación en generación de un saber. Que además tiene muchas aristas y que, en general, fue timoneado por los varones. Esto también trae situaciones muy complejas desde el punto de vista del género para pensar cómo operó ahí el patriarcado. Pero todo esto que digo son cosas que pude pensar después que existió la obra y que empezó a tener una interlocución”, agregó.

Convertida en un auténtico suceso teatral (cada vez que se anuncian funciones, las entradas se agotan) la obra se multiplicó y continuará haciéndolo durante 2023.

Además de la función en el Malba, durante febrero Imprenteros llegará al escenario del Teatro El Picadero, en el centro porteño, los viernes, a partir de las 20.

Durante marzo, además, continuarán las actividades. La obra y su autora forman parte del club de artes escénicas Paraíso, un sistema de suscripciones mensuales que ofrece a quienes se asocien la posibilidad de ver los estrenos de piezas teatrales de destacados autores, dramaturgos, performers, directores, actrices y actores de la escena independiente local. Durante ese mes, Imprenteros tendrá nuevas funciones como parte de esta iniciativa.

MA

Dos cuadros adquiridos en 2021 por Eduardo Costantini, fundador del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), habían sido previamente robados por una mujer a su madre, a quien mantuvo cautiva durante un año para cometer un golpe por unos 140 millones de dólares en obras de arte, según reveló hoy la policía brasileña, tras su detención esta mañana en Río de Janeiro.

El caso, un escándalo en la clase alta carioca, llevó a la policía a detener a cuatro personas, entre ellas Sabine Boghici, hija de Genevieve, la viuda de 82 años del famoso marchand Jean Boghici.

La Policía Civil de Río de Janeiro informó que de las 16 obras de arte robadas, dos terminaron en manos de Costantini, que hoy aseguró que las compró de buena fe.

Se tratan de “Elevador Social” (1966), de Rubens Gerchman, y “Maquete para Meu Espelho” (1964), de Antonio Dias, valuadas cada una en 300.000 dólares.

Según un portavoz policial citado por la cadena Globo, la hija de Jean Boghici vendió los cuadros a una galería de la ciudad de San Pablo, cuyos dueños dijeron que los vendieron, a su vez, al Malba, según informó un portavoz de la policía de Rio de Janeiro.

Sin embargo, a través de un comunicado de prensa, el Malba explicó que, “a partir de la información pública sobre el robo a la viuda del coleccionista brasileño Jean Boghici, Eduardo Costantini aclara que en 2021 adquirió cuatro obras de esta importante colección de arte moderno brasileño por intermedio del galerista Ricardo Camargo”.

“Según la información sobre la procedencia, dos de estas obras pertenecían a la hija de Boghici y fueron compradas de buena fe y debidamente registradas”, indicó la institución en referencia a las dos piezas de arte en cuestión.

El robo que desbarató una investigación policial incluyó obras de arte que fueron recuperadas hoy por la Comisaría de la Tercera Edad de la Policía Civil (investigaciones) de Río de Janeiro como “O Sono”, de Tarsila do Amaral, valuada en 58 millones de dólares.

También dos cuadros de la misma autora modernista brasileña, “Sol Poente” y “Pont Neuf”, que según los agentes valen 48 millones y 29 millones de dólares, respectivamente.

Además, entre las obras robadas por la hija y tres cómplices a Genevieve, quien estuvo un año secuestrada siendo víctima de la estafa familiar, están las de autores como Alberto Guignard, Di Cavalcanti, Cícero Dias, Kao Chi-Feng, Ilya Glazunov, Emeric Marceir y Michel Macreau.

El cuadro “Sol Poente” de Tarsila do Amaral fue recuperado. Estaba debajo de la cama en la casa de Rosa Nicolau Stanesco, una de los cuatro detenidos, durante el allanamiento realizado en el barrio Abolicao, zona norte de Río de Janeiro.

Cómo fue el engaño a la madre

El caso se inició en enero de 2020 cuando Sabine Boghici conformó un plan que incluyó a Nicolau Stanesco, quien se hizo pasar por una vidente.

La vidente le dijo a la viuda del marchand que su hija Sabine iba a morir en pocas semanas y que para evitarlo necesitaba hacer “trabajos”.

A partir de ese momento la mujer le hizo transferencias de poco más de 1 millón de dólares durante 2020 a la vidente, mientras su hija por su parte echó a todo el personal doméstico de su madre y la mantuvo en situación de cautiverio.

La mujer, con el pasar del tiempo, descubrió que fue engañada y dejó de pasarle dinero a la supuesta vidente, tras lo cual la hija comenzó a sacar de la casa los cuadros de mayor valor que estaban guardados.

El comisario Gilberto Cruz, de la Comisaría Especial de Atención a las Personas de la Tercera Edad de Río, dijo que el marchand Boghici había fallecido siete años atrás.

“La propia señora víctima fue la que nos buscó en la comisaría, contrató un abogado que la trajo para contar todo. Ella estaba asustada por miedo a tener que denunciar a la hija”, contó.

Por Pablo Giuliano para agencia Télam

El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), del barrio porteño de Palermo formará parte de las más de 20 instituciones locales con visibilidad en la plataforma, que tiene como meta dar a conocer el legado histórico y cultural de cada país al mundo. Google, a través de su aplicación “Arts & Culture” trabaja con más de 2.000 instituciones culturales de 80 países.

Luis Sigal, líder de Ingeniería de la plataforma destacó: “como parte de nuestro objetivo de poner a disposición del mundo el arte y la cultura local, próximamente sumaremos al Malba a Google Arts and Culture. Trabajaremos junto al museo en la digitalización del patrimonio de la Colección Malba a través de la Art Camera, que pronto podrá visualizarse en nuestra plataforma”.

El anuncio se realizó como parte de las celebraciones del 15º aniversario de Google en Argentina. Víctor Valle, director general de Google Argentina, incluyó un compromiso de inversión de 700.000 dólares para proyectos sociales en nuestro país, caracterizados por “la innovación, el talento y el espíritu emprendedor”.

La iniciativa de digitalización comenzará por “Manifestación”, la célebre obra del artista rosarino Antonio Berni, para colaborar con la propuesta “Manifestación en Foco”, un nuevo proyecto online del Malba, en homenaje a una de las creaciones más emblemáticas del artista, fundacional del Nuevo Realismo y pieza central del arte argentino del siglo XX. El propio Berni la llamaba familiarmente como “La huelga”.

La plataforma “Manifestación en foco” del Malba propone un diálogo entre presente y pasado, a través de una investigación profunda sobre los aspectos materiales, históricos y culturales de la obra de Berni, para analizar su impacto en la cultura argentina a través de testimonios, fotografías de época, correspondencias y publicaciones.

La presencia de instituciones argentinas en Arts & Culture incluye al Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo De Arte Popular José Hernández, Museo Pallarols, la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat, Buenos Aires Graffiti, y el Museo Histórico y Numismático Héctor Carlos Janson del Banco Central de la República Argentina, entre otros. Este año se sumaron también el Museo Regional Municipal Palacio Arruabarrena de Concordia, Entre Ríos, y el Musée International d'Art Post-Contemporain en Résistance, de la ciudad de Rosario.

LC

Ella (Eugenia Crenovich), pintora, escultora e ilustradora, de origen ruso y una familia acomodada y él (Juan del Prete), inmigrante italiano formado al calor de los pintores del barrio de La Boca y de formación artística autodidacta, se encontraron en 1935 y forjaron un vínculo de amor y de creación, a lo largo de toda su vida.

Esta es la primera exposición dedicada a la obra de ambos, y hace foco en la fascinante sinergia creativa de la pareja. La exposición reúne una selección de más de ciento cincuenta obras, entre pinturas, esculturas, tapices, dibujos y libros de artistas, desde los años ‘30 hasta los ‘80. “Yente y Del Prete, en su incontenible pasión por el hacer, se apropiaron del cánon del arte moderno a través de diversos referentes, corrientes y representaciones”, en boca de Marita García, la curadora, durante el recorrido exclusivo que asistimos en MALEVA, para La Ecuación del Disfrute, el newsletter sobre el lado lindo de la vida producido junto a elDiarioAR.

Vida Venturosa se organiza en dos grandes núcleos: “La unión en la abstracción” y “Voracidad”, y atraviesa más de cincuenta años de producción, entrelazada pero también de carácter individual. De todas formas, es una paradoja: “es interesante pensar que esta exposición apunta a pensar la creatividad no como un hecho individual; el artista luchando por su expresión, sino que apela a la creatividad que se puede dar de forma compartida, en el seno de una pareja, en un ámbito familiar, y que, justamente abraza una cuestión mas colectiva”, sintetiza la voz curatorial.

En el primer núcleo de la muestra, vemos cómo la pareja transita un recorrido común de investigación. Mientras que Del Prete trabajaba en fotomontajes, pinturas abstractas, collages con piolines y láminas metalizadas y esculturas en yeso tallado, Yente estudiaba filosofía y hacía caricaturas e ilustraciones para revistas y retratos familiares. Después del encuentro con Del Prete inició su investigación en la abstracción; hacia 1937 realizó sus composiciones biomórficas: núcleos redondeados y coloridos que a veces presentan elementos figurativos. Es interesante ver que la pareja se forjó dentro de los roles de género vigentes de la época, y que por ende la carrera de Del Prete, resultó privilegiada.

La elección curatorial de generar curvas en todas las paredes del recorrido, tiene que ver con una hipótesis, el “recorrido del piolín”; en los numerosos collages que Del Prete realizó, ese es un elemento recurrente. Es lo que ata a la pareja, y los muros curvos, comunican eso.

La creación artística de la pareja fue un vaivén entre la figuración y la abstracción, y se volcaron tanto a la experimentación pictórica, como también al collage, el montaje de objetos y textiles. En palabras de la curadora, “fueron voraces apropiadores de estilos, materiales y técnicas”. La constante en la obra de ambos, fue el tránsito por distintos estilos (entre otros, expresionismo, cubismo, surrealismo, abstracción, informalismo) y la utilización de materiales como vehículos de experimentación, tanto con los aquellos específicos del arte, como con un amplio abanico de elementos propios del bricolaje o incluso de descarte.

Durante los años ‘80, última década de producción, se desenvolvieron en la creación con el reciclaje, enriqueciendo y transformando materiales cotidianos y reapropiando su obra.

La muestra se puede visitar de miércoles a lunes de 12:00 a 20:00 hs, en el museo MALBA, Av. Figueroa Alcorta 3415.

AZ

Quise sacarle una foto a Santiago. Caminábamos por la avenida Providencia con Bruno, un personaje maravilloso que te explica con lujo de detalles el proceso constituyente de Chile mientras sus uñas de gel, largas como las de un trapera, sostienen el sánguche imponente de La terraza, el lugar que yo tenía que conocer porque “es el bar favorito del Frente Amplio”. Terminado el sánguche y la explicación caminábamos por la avenida y nos cruzábamos con los rastros del estallido, que dos años después siguen ahí: stencils, graffitis, afiches, destrozos. Siguen ahí también las huellas humanas; todo salió bien, en un sentido, y sin embargo los que salieron a la calle en esos días no pueden sacarse de la cabeza las imágenes de la policía disparándole a la gente delante de sus narices; “los chilenos estamos todos con estrés postraumático”, me dijeron dos personas distintas en dos momentos distintos. En una esquina nos encontramos con una botella cortada colgando del techo; es un colegio tomado, me dice Bruno, y cuando levanto la vista veo los bancos que forman una barricada en algo que parece un patio en un primer piso. La botella cortada es para dejar unas monedas para sostener la toma. Trato de sacar una foto, pero está oscuro y siento que no me da el tiro. Un par de cuadras después me encuentro con un graffiti de Scooby Doo sobre la policía y el subte quemado: el rubio de Scooby Doo desenmascarando al verdadero villano, al auténtico responsable de la explosión, que son los pacos. Recuerdo de la última vez que estuve acá, cuando explotó todo (me sorprende, pero además de mí lo recuerdan todos: cada periodista que me cruzo, cada escritor, todos me dicen “ay, te acordás, nosotros habíamos arreglado para tomar un café y no pudimos”), que una de las discusiones más recurrentes era que los destrozos en el subte en realidad habían sido responsabilidad de la policía y no de los manifestantes, como sostenían los principales medios. Recuerdo eso, y por eso quizás quiero sacarle una foto, pero no me sale bien: no entiendo cómo encuadrarla ni como poner la luz, me paralizo primero y después me aburro y le hago un gesto a Bruno para que sigamos caminando. Bruno me sonríe y, después de un par de ajustes rápidos con el teléfono y pruebas de encuadre, hace la foto él. Le queda divina, me la va a mandar. 

Ya es jueves a la noche cuando esto sucede, y pensando en la columna que tengo que entregar el sábado me doy cuenta de que he escrito sobre mi dificultad para posar en fotos pero no sobre el otro problema que tengo, la dificultad para sacar fotos. Casi nadie lo sabe, pero yo hice no uno, no dos, sino tres cursos de fotografía; dos de fotografía, estrictamente, y uno de revelado. Era adolescente, me había obsesionado con un libro de Man Ray que me habían regalado y había conseguido una Voigtländer chiquitita, viejísima pero con muy poco uso que el novio de mi mamá tenía tirada en su casa y que mis profesores del Centro Cultural Recoleta miraron con ternura y devoción, cuando les pregunté si me iba a servir para el curso. En esa época, al menos, el primer taller se basaba casi todo en entender cómo funcionaba la máquina, y por eso tardé uno más en darme cuenta de que no sabía mirar. Después vino la parte de revelar, y otra vez, era aprender una técnica y no hacía falta reparar en el hecho de que no tenía idea de cómo hacer una buena foto (como siempre, igual, sí podía darme cuenta de que mis fotos eran pésimas; me pasó exactamente igual en las clases de teatro, en las que fui malísima siempre pero muy aguda para darme cuenta de cuáles de mis compañeros eran buenos). Cuando tuve que elegir dos para la muestra de fin de año elegí una que más o menos zafaba porque la había revelado yo y tenía un grano lindo, y porque era una imagen de los techos del Once desde el balcón de la casa de mi mamá y son unos techos fascinantes; y otra, que era una cosa rarísima y abstracta, fruto de la última vez en que se pudo usar esa Voigtländer, porque lo que pasó fue que salí a sacar fotos y se largó a llover, y la cámara se empapó y se arruinó pero en su último aliento entregó algunos dibujos simpáticos. Zafé con eso, pero nunca volví a tratar de sacar una foto, hasta que llegó Instagram y tuve que amigarme con esa falta de talento para seguir interactuando y existiendo.

El viernes a la noche, ya en Buenos Aires, voy al teatro, a ver Pequeña Pamela de Mariana Chaud. Ya sé que Mariana escribe bien, ya sé también que dirige bien, pero me sorprende un momento: la actriz Camila Peralta, la Pamela del título, bañándose en tetas en una escenografía armada como una alcantarilla, con una corona de laureles. Aparece un poco de la nada y se arma con poquito: una actriz que se saca la remera, una vincha verde, el diseño de luces y el agua que cae. Es muy, muy simple, el modo en que se organiza esa referencia a las Venus de los cuadros, y sin embargo es precioso, y es algo que a mí jamás se me podría haber ocurrido. Ideas visuales: eso es lo que no tengo, y por eso, como lo de actuar bien, noto con mucha claridad cuando las tienen otras personas, como Mariana. Me voy de ahí pensando qué hermoso debe ser pensar así, pensar en imágenes, pensar en belleza, trabajar un lenguaje que no sea como el de las palabras que tengo yo que es una cosa tan manoseada, un lenguaje con el que se hace poesía pero que es también el mismo lenguaje que se usa para comprar en el supermercado, para conversar en el ascensor, para las peores cosas.  

Cuando termine esta columna tengo que ponerme a escribir sobre una muestra del MALBA, Vida venturosa, que reúne obras de los artistas Juan Del Prete y Yente. Me invitaron a dar una conferencia sobre la muestra porque ellos eran pareja, y se supone que yo sé algo sobre eso, sobre las dificultades de ser pareja, hace años que se supone que yo sé algo sobre eso y toda la gente que me conoce sabe que no, que no sé nada, porque los que nos obsesionamos con un tema en general lo hacemos no porque lo entendemos sino porque no lo entendemos, no porque lo hagamos bien sino por lo contrario, pero bueno, así las cosas. Me gustó mucho la muestra. Quiero recorrerla de nuevo, pero mientras tanto hojeo el catálogo, y pienso en las primeras cosas que me impresionaron, que son las cosas que están más cerca de mí: los textiles con los que trabajaba Yente, que por supuesto venía de una familia judía y ávida de cultura en un sentido clasemediero como la mía, la ironía con la que trabajaba sobre su propia condición femenina, hasta inventarse un alter ego que se llamara Fragilina. Vuelvo a esas imágenes en el catálogo y vuelvo a Santiago, a las fotos que no pude sacar, porque no tengo paciencia, porque no sé guardar momentos en el momento, para saber mirar hay que saber parar y yo medio que no sé, por eso escribo con estas oraciones tan largas. Pienso en el texto que tengo que escribir y que no quiero acercar la obra de Yente a mí, que es lo que podría terminar haciendo para sentirme tranquila y plantada cuando tenga que hablar en el MALBA delante de gente muy respetable del mundo del arte: quiero acercarme yo a ella, como se acerca la gente que sabe sacar fotos a un país extranjero, con esa plasticidad de los artistas plásticos que saben viajar hacia las cosas en lugar de traerlas. 

TT